La ausencia de mujeres en el canon del arte occidental ha sido un tema de investigación y reconsideración desde principios de la década de 1970. El influyente ensayo de Linda Nochlin de 1971, " ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? ", examinó las barreras sociales e institucionales que impidieron a la mayoría de las mujeres ingresar a profesiones artísticas a lo largo de la historia, impulsó un nuevo enfoque en las mujeres artistas , su arte y experiencias, y contribuyó a la inspiración del movimiento artístico feminista . [1] [2] [3] Aunque las mujeres artistas han estado involucradas en la creación de arte a lo largo de la historia, su trabajo, en comparación con el de sus contrapartes masculinas, a menudo se ha ofuscado, pasado por alto y subvalorado. El canon occidental históricamente ha valorado el trabajo de los hombres por encima del de las mujeres [4] y ha asociado estereotipos de género a ciertos medios, como las artes textiles o de fibra , para asociarlos principalmente con las mujeres. [5]
Las mujeres artistas se han enfrentado al desafío de la falta de acceso a la educación artística, redes profesionales y oportunidades de exhibición. [6] Desde finales de los años 1960 y 1970, las artistas feministas y las historiadoras del arte involucradas en el movimiento artístico feminista han abordado el papel de las mujeres, especialmente en el mundo del arte occidental , y cómo se percibe, evalúa o apropia el arte mundial según el género.
No existen registros de quiénes fueron los artistas de las eras prehistóricas, pero los estudios de muchos etnógrafos y antropólogos culturales tempranos indican que las mujeres a menudo eran las principales artesanas en las culturas neolíticas , en las que creaban cerámica , textiles, cestas, superficies pintadas y joyas . La colaboración en proyectos grandes era común, si no típica. La extrapolación a las obras de arte y las habilidades de la era paleolítica sugiere que estas culturas siguieron patrones similares. Las pinturas rupestres de esta era a menudo tienen huellas de manos humanas, el 75% de las cuales son identificables como de mujeres. [7]
Existe una larga historia del arte cerámico en casi todas las culturas desarrolladas, y a menudo los objetos cerámicos son toda la evidencia artística que queda de culturas desaparecidas, como la cultura Nok en África hace más de 3000 años. [8] Las culturas especialmente conocidas por la cerámica incluyen las culturas china , cretense , griega , persa , maya , japonesa y coreana , así como las culturas occidentales modernas. Existe evidencia de que la cerámica se inventó de forma independiente en varias regiones del mundo, incluyendo Asia Oriental, África Subsahariana, Oriente Próximo y las Américas. Se desconoce quiénes fueron los artesanos. [9] [10]
Los primeros registros de las culturas occidentales rara vez mencionan a individuos específicos, aunque las mujeres están representadas en todo el arte y algunas se muestran trabajando como artistas. Las referencias antiguas de Homero , Cicerón y Virgilio mencionan los papeles destacados de las mujeres en los textiles, la poesía, la música y otras actividades culturales, sin discutir a los artistas individuales. Entre los primeros registros históricos europeos sobre artistas individuales se encuentra el de Plinio el Viejo , que escribió sobre varias mujeres griegas que eran pintoras, incluida Helena de Egipto , hija de Timón de Egipto, [11] [12] Algunos críticos modernos postulan que el mosaico de Alejandro podría no haber sido obra de Filoxeno , sino de Helena de Egipto. Una de las pocas pintoras nombradas que podrían haber trabajado en la Antigua Grecia, [13] [14] se decía que había producido una pintura de la batalla de Issos que colgaba en el Templo de la Paz durante la época de Vespasiano . [15] Otras mujeres incluyen a Timarete , Irene , Calipso , Aristarte , Iaia y Olimpia. Si bien solo sobrevive una parte de su trabajo, en la cerámica griega antigua hay una hidria caputi en la Colección Torno en Milán . [16] Se atribuye al pintor de Leningrado de c. 460-450 a. C. y muestra a mujeres trabajando junto a hombres en un taller donde ambos pintaban jarrones. [17]
“Durante unos tres mil años, las mujeres –y sólo las mujeres– de Mithila han estado haciendo pinturas devocionales de los dioses y diosas del panteón hindú. No es exagerado, entonces, decir que este arte es la expresión del aspecto más genuino de la civilización india.” [18]
El arte geométrico Imigongo se originó en Ruanda, en África Oriental , y está asociado con el estatus sagrado de la vaca, que data de siglos atrás. Evolucionó a partir de la mezcla de estiércol de vaca con ceniza y arcilla y el uso de tintes naturales. La paleta se limita al color intenso de la tierra. El arte se asocia tradicionalmente con las mujeres artistas, al igual que el elaborado arte de la cestería de la zona, con sus propios frisos regulares. [19]
Entre los artistas de la época medieval se encuentran Claricia , Diemudus , Ende , Guda , Herrade de Landsberg e Hildegard de Bingen . A principios de la Edad Media, las mujeres solían trabajar junto a los hombres. Las iluminaciones de manuscritos, los bordados y los capiteles tallados de la época demuestran claramente ejemplos de mujeres trabajando en estas artes. Los documentos muestran que también eran cerveceras, carniceras, comerciantes de lana y herreras. Los artistas de la época, incluidas las mujeres, pertenecían a un pequeño subconjunto de la sociedad cuyo estatus les permitía liberarse de estos tipos de trabajo más extenuantes. Las mujeres artistas a menudo pertenecían a dos clases alfabetizadas, ya fueran mujeres aristocráticas adineradas o monjas. Las mujeres de la primera categoría a menudo creaban bordados y textiles; las de la segunda categoría a menudo producían iluminaciones.
En Inglaterra existían en aquella época numerosos talleres de bordado, sobre todo en Canterbury y Winchester. El Opus Anglicanum o bordado inglés ya era famoso en toda Europa: un inventario papal del siglo XIII contaba con más de doscientas piezas. Se supone que las mujeres eran casi todas las responsables de esta producción.
Uno de los bordados más famosos (no es un tapiz) del período medieval es el Tapiz de Bayeux , que fue bordado con lana sobre nueve paneles de lino y tiene 70 metros de largo. Sus cerca de setenta escenas narran la Batalla de Hastings y la Conquista Normanda de Inglaterra . El Tapiz de Bayeux puede haber sido creado en un taller comercial por una dama real o aristocrática y su séquito, o en un taller en un convento de monjas. Sylvette Lemagnen, conservadora del tapiz, en su libro de 2005 La Tapisserie de Bayeux afirma:
El tapiz de Bayeux es uno de los logros supremos del románico normando ... Su supervivencia casi intacta durante nueve siglos es poco menos que milagrosa... Su excepcional longitud, la armonía y frescura de sus colores, su exquisita ejecución y el genio de su espíritu guía se combinan para hacerlo infinitamente fascinante. [20]
En el siglo XIV, se documenta un taller real, con sede en la Torre de Londres , y es posible que haya habido otros arreglos anteriores. La iluminación de manuscritos nos brinda muchos de los artistas nombrados del Período Medieval, entre ellos Ende , una monja española del siglo X; Guda , una monja alemana del siglo XII; y Claricia , una laica del siglo XII en un scriptorium bávaro. Estas mujeres, y muchas más iluminadoras sin nombre, se beneficiaron de la naturaleza de los conventos como los principales lugares de aprendizaje para las mujeres en el período y la opción más sostenible para las intelectuales entre ellas.
En muchas partes de Europa, con las reformas gregorianas del siglo XI y el auge del feudalismo, las mujeres se enfrentaron a muchas restricciones que no enfrentaron en el período medieval temprano. Con estos cambios sociales, el estatus del convento cambió. En las Islas Británicas, la conquista normanda marcó el comienzo del declive gradual del convento como sede del aprendizaje y un lugar donde las mujeres podían obtener poder. Los conventos se convirtieron en subsidiarios de los abades masculinos, en lugar de estar dirigidos por una abadesa, como lo habían sido anteriormente. En la Escandinavia pagana (en Suecia), la única maestra de runas confirmada históricamente , Gunnborga , trabajó en el siglo XI. [21]
En Alemania, sin embargo, bajo la dinastía otoniana , los conventos mantuvieron su posición como instituciones de aprendizaje. Esto podría deberse en parte a que los conventos a menudo estaban dirigidos y poblados por mujeres solteras de familias reales y aristocráticas. Por lo tanto, la mayor obra del período medieval tardío realizada por mujeres se originó en Alemania, como lo ejemplifican las de Herrade de Landsberg e Hildegarda de Bingen . Hildegarda de Bingen (1098-1179) es un ejemplo particularmente bueno de una intelectual y artista medieval alemana. Escribió Las obras divinas de un hombre sencillo , La vida meritoria , sesenta y cinco himnos, una obra de teatro milagrosa y un largo tratado de nueve libros sobre las diferentes naturalezas de los árboles, las plantas, los animales, los pájaros, los peces, los minerales y los metales. Desde una edad temprana, afirmó tener visiones. Cuando el papado apoyó estas afirmaciones de la directora, su posición como intelectual importante se galvanizó. Las visiones pasaron a formar parte de una de sus obras fundamentales en 1142, Scivias (Conoce los caminos del Señor) , que consta de treinta y cinco visiones que relatan e ilustran la historia de la salvación. Las ilustraciones de Scivias , como se ejemplifica en la primera ilustración, representan a Hildegarda experimentando visiones mientras está sentada en el monasterio de Bingen . Se diferencian mucho de otras creadas en Alemania durante el mismo período, ya que se caracterizan por colores brillantes, énfasis en la línea y formas simplificadas. Si bien es probable que Hildegarda no haya escrito las imágenes, su naturaleza idiosincrásica lleva a creer que fueron creadas bajo su estrecha supervisión.
El siglo XII fue testigo del auge de la ciudad en Europa, junto con el auge del comercio, los viajes y las universidades. Estos cambios en la sociedad también generaron cambios en la vida de las mujeres. A las mujeres se les permitió dirigir los negocios de sus maridos si enviudaban. La esposa de Bath en Los cuentos de Canterbury de Chaucer es uno de esos casos. Durante esta época, a las mujeres también se les permitió formar parte de algunos gremios de artesanos . Los registros de los gremios muestran que las mujeres eran particularmente activas en las industrias textiles de Flandes y el norte de Francia. Los manuscritos medievales tienen muchas marginalia que representan a mujeres con husos. En Inglaterra, las mujeres fueron responsables de crear Opus Anglicanum , o ricos bordados para uso eclesiástico o secular en ropa y varios tipos de tapices. Las mujeres también se volvieron más activas en la iluminación. Es probable que varias mujeres trabajaran junto a sus maridos o padres, incluida la hija de Maître Honoré y la hija de Jean le Noir . En el siglo XIII, la mayoría de los manuscritos iluminados se producían en talleres comerciales y, a finales de la Edad Media, cuando la producción de manuscritos se había convertido en una industria importante en ciertos centros, las mujeres parecen haber representado la mayoría de los artistas y escribas empleados, especialmente en París. El paso a la imprenta y a la ilustración de libros, así como a las técnicas de grabado en xilografía y grabado , en las que las mujeres parecen haber participado poco, representó un revés para el progreso de las mujeres artistas.
Mientras tanto, Jefimija (1349-1405), una noble serbia , viuda y monja ortodoxa, se hizo conocida no solo como poeta que escribió un lamento por su hijo muerto, Uglješa, sino también como una hábil costurera y grabadora. Su lamento por su amado hijo, que inmortalizó el dolor de todas las madres que lloran a sus hijos fallecidos, fue grabado en el reverso del díptico (icono de dos paneles que representa a una Virgen con el Niño) que Teodosije, obispo de Serres , había regalado al infante Uglješa en su bautismo. La pieza de arte, ya valiosa por el oro, las piedras preciosas y el hermoso tallado en sus paneles de madera, se volvió inestimable después de que el lamento de Jefemija fuera grabado en su reverso. [22]
En la Venecia del siglo XV, se sabe que la hija del artista del vidrio Angelo Barovièr fue la artista detrás de un diseño particular de vidrio de Murano veneciano . Ella era Marietta Barovier , una artista del vidrio veneciana . [23] De catorce pintores de vidrio especialistas ( pictori ) documentados entre 1443 y 1516, ella y Elena de Laudo fueron las únicas mujeres. [24] Aparentemente tuvieron que transcurrir varios siglos antes de que las mujeres pudieran dedicarse a la técnica del arte del vidrio .
Los artistas de la época del Renacimiento incluyen a Sofonisba Anguissola , Lucia Anguissola , Lavinia Fontana , Fede Galizia , Diana Scultori Ghisi , Caterina van Hemessen , Esther Inglis , Barbara Longhi , Maria Ormani , Marietta Robusti (hija de Tintoretto), Properzia de' Rossi , Levina Teerlinc. , Mayken Verhulst y Santa Catalina de Bolonia (Caterina dei Vigri) . [25] [26]
Este es el primer período de la historia occidental en el que varias artistas seculares ganaron reputación internacional. El aumento de las mujeres artistas durante este período puede atribuirse a importantes cambios culturales. Uno de esos cambios provino de la Contrarreforma, que reaccionó contra el protestantismo y dio lugar a un movimiento hacia el humanismo , una filosofía que afirmaba la dignidad de todas las personas, que se convirtió en central para el pensamiento renacentista y ayudó a elevar el estatus de las mujeres. [6] Además, la identidad del artista individual en general se consideró más importante. Los artistas significativos de este período cuyas identidades se desconocen prácticamente dejan de existir. Dos textos importantes, Sobre mujeres célebres y La ciudad de las mujeres , ilustran este cambio cultural. Boccaccio , un humanista del siglo XIV, escribió De mulieribus claris (en latín, Sobre mujeres célebres ) (1335-59), una colección de biografías de mujeres. Entre las 104 biografías que incluyó estaba la de Thamar (o Thmyris), una antigua pintora de vasos griegos. Curiosamente, entre las iluminaciones manuscritas del siglo XV de Sobre mujeres célebres , Thamar fue representada pintando un autorretrato o tal vez pintando una pequeña imagen de la Virgen con el Niño. Christine de Pizan , una notable escritora, retórica y crítica francesa de finales de la Edad Media, escribió Libro de la ciudad de las damas en 1405, un texto sobre una ciudad alegórica en la que vivían mujeres independientes, libres de la calumnia de los hombres. En su obra incluyó a mujeres artistas reales, como Anastasia , que fue considerada una de las mejores iluminadoras parisinas, aunque ninguna de sus obras ha sobrevivido. Otros textos humanistas llevaron a una mayor educación para las mujeres italianas.
La más notable de estas fue Il Cortegiano o El cortesano del humanista italiano del siglo XVI Baldassare Castiglione . Esta obra enormemente popular afirmaba que los hombres y las mujeres debían ser educados en las artes sociales. Su influencia hizo que fuera aceptable que las mujeres se involucraran en las artes visuales, musicales y literarias. Gracias a Castiglione, este fue el primer período de la historia del renacimiento en el que las mujeres nobles pudieron estudiar pintura. Sofonisba Anguissola fue la más exitosa de estas aristócratas menores que primero se beneficiaron de la educación humanista y luego alcanzaron el reconocimiento como pintoras. [27] Anguissola , nacida en Cremona, fue a la vez una pionera y un modelo a seguir para las futuras generaciones de mujeres artistas. [6] Las artistas que no eran mujeres nobles también se vieron afectadas por el auge del humanismo. Además de los temas convencionales, artistas como Lavinia Fontana y Caterina van Hemessen comenzaron a representarse a sí mismos en autorretratos, no solo como pintores sino también como músicos y académicos, destacando así su educación integral. Fontana se benefició de las actitudes ilustradas en su ciudad natal, Bolonia, donde la universidad había admitido mujeres académicas desde la Edad Media. [6] Junto con el auge del humanismo, hubo un cambio de artesanos a artistas. Los artistas, a diferencia de los artesanos anteriores, ahora se esperaba que tuvieran conocimientos de perspectiva, matemáticas, arte antiguo y estudio del cuerpo humano. A finales del Renacimiento, la formación de los artistas comenzó a trasladarse del taller del maestro a la Academia , y las mujeres comenzaron una larga lucha, que no se resolvió hasta finales del siglo XIX, para obtener acceso completo a esta formación. [6] El estudio del cuerpo humano requería trabajar a partir de desnudos masculinos y cadáveres. Esto se consideraba un trasfondo esencial para crear escenas grupales realistas. Por lo general, a las mujeres se les prohibía formarse a partir de desnudos masculinos y, por lo tanto, se les impedía crear tales escenas. Este tipo de representaciones de desnudos eran necesarias para las composiciones religiosas de gran formato, que recibían los encargos más prestigiosos.
Aunque muchas mujeres aristocráticas tuvieron acceso a algún tipo de formación en arte, aunque sin el beneficio del dibujo de figuras a partir de modelos masculinos desnudos, la mayoría de esas mujeres eligieron el matrimonio en lugar de una carrera en el arte. Este fue el caso, por ejemplo, de dos de las hermanas de Sofonisba Anguissola. Las mujeres reconocidas como artistas en este período eran monjas o hijas de pintores. De las pocas que surgieron como artistas italianas en el siglo XV, las conocidas hoy en día están asociadas con conventos. Estas artistas que eran monjas incluyen a Caterina dei Virgi , Antonia Uccello y Suor Barbara Ragnoni . Durante los siglos XV y XVI, la gran mayoría de las mujeres que obtuvieron un mínimo de éxito como artistas fueron hijas de pintores. Esto es probable porque pudieron formarse en los talleres de sus padres. Ejemplos de mujeres artistas que fueron formadas por sus padres incluyen a la pintora Lavinia Fontana , la retratista en miniatura Levina Teerlinc y la retratista Caterina van Hemessen . Las artistas italianas de este período, incluso las que se formaban en sus familias, parecen algo inusuales. Sin embargo, en ciertas partes de Europa, en particular en el norte de Francia y Flandes, era más común que los hijos de ambos sexos se dedicaran a la profesión de su padre. De hecho, en los Países Bajos, donde las mujeres tenían más libertad, hubo varias artistas del Renacimiento que eran mujeres. Por ejemplo, los registros del Gremio de San Lucas en Brujas muestran no solo que admiten mujeres como miembros en ejercicio, sino también que en la década de 1480 el veinticinco por ciento de sus miembros eran mujeres (muchas probablemente trabajando como iluminadoras de manuscritos).
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Un frágil rollo de lienzo de 22 pies redescubierto recientemente en Florencia resultó ser un tesoro excepcional. Si no fuera por las acciones pioneras de la filántropa estadounidense Jane Fortune (fallecida en 2018) y la autora residente en Florencia Linda Falcone y su organización, Advancing Women Artists Foundation , el rollo podría haber acumulado más polvo. [6] Cuatro años de minuciosa restauración por parte de un equipo dirigido por mujeres revelan la brillantez de la autodidacta soor Plautilla Nelli del siglo XVI , una monja y la única mujer del Renacimiento de la que se sabe que pintó La Última Cena . [28] [29] [30] La obra se exhibió en el Museo Santa Maria Novella de Florencia en octubre de 2019. [31] A principios de 2020, AWA ha patrocinado la restauración de 67 obras de artistas femeninas, desenterradas en colecciones florentinas. [6]
Los artistas de la época barroca incluyen: Mary Beale , Élisabeth Sophie Chéron , Maria Theresa van Thielen , Katharina Pepijn , Catharina Peeters , Johanna Vergouwen , Michaelina Wautier , Isabel de Cisneros , Giovanna Garzoni [25] Artemisia Gentileschi , Judith Leyster , Maria Sibylla Merian , Louise Moillon , Josefa de Ayala más conocida como Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk , Magdalena de Passe , Clara Peeters , Maria Virginia Borghese (hija de la coleccionista de arte Olimpia Aldobrandini ), [32] Luisa Roldán conocida como La Roldana, Rachel Ruysch , Maria Theresa van Thielen , Anna Maria van Thielen , Françoise-Catherina van Thielen y Elisabetta Sirani . Al igual que en el Renacimiento, muchas mujeres entre los artistas barrocos provenían de familias de artistas. Artemisia Gentileschi es un ejemplo de esto. Fue formada por su padre, Orazio Gentileschi , y trabajó junto a él en muchos de sus encargos. Luisa Roldán se formó en el taller de escultura de su padre ( Pedro Roldán ).
Las mujeres artistas de este período comenzaron a cambiar la forma en que se representaba a las mujeres en el arte. Muchas de las mujeres que trabajaban como artistas en la época barroca no pudieron formarse con modelos desnudos, que siempre eran hombres, pero estaban muy familiarizadas con el cuerpo femenino. Mujeres como Elisabetta Sirani crearon imágenes de mujeres como seres conscientes en lugar de musas distantes. Uno de los mejores ejemplos de esta expresión novedosa se encuentra en Judith decapitando a Holofernes de Artemisia Gentileschi , en la que se representa a Judith como una mujer fuerte que determina y venga su propio destino. Letizia Treves, curadora de la muestra Gentileschi 2020 de la National Gallery de Londres , ha comentado: "no se puede ver sin pensar en Tassi violando a Gentileschi". [33] Los elementos del cuadro están "equilibrados con tal habilidad que hablan de un pintor que priorizaba el virtuosismo sobre la pasión". [6] Mientras que otros artistas, entre ellos Botticelli y la mujer más tradicional, Fede Galizia , representaron la misma escena con una Judith pasiva, en su tratamiento novedoso, la Judith de Gentileschi parece ser una actriz capaz en la tarea en cuestión. La acción es la esencia de la misma y otra pintura de ella de Judith abandonando la escena. La naturaleza muerta surgió como un género importante alrededor de 1600, particularmente en los Países Bajos. Las mujeres estaban a la vanguardia de esta tendencia de pintura. Este género era particularmente adecuado para las mujeres, ya que podían acceder fácilmente a los materiales para la naturaleza muerta. En el norte, estas practicantes incluyeron a Clara Peeters , pintora de banketje o piezas de desayuno y escenas de artículos de lujo arreglados; Maria van Oosterwijk , la pintora de flores de renombre internacional; y Rachel Ruysch , pintora de arreglos florales visualmente cargados. En otras regiones, la naturaleza muerta era menos común, pero hubo mujeres artistas importantes en el género, entre ellas Giovanna Garzoni , que creó arreglos vegetales realistas sobre pergamino, y Louise Moillon , cuyas pinturas de naturalezas muertas de frutas se destacaban por sus colores brillantes.
Judith Leyster era hija de tejedores y la octava de nueve hijos. [34] No nació en una familia de artistas tradicionales, pero su determinación de convertirse en pintora fue apoyada por su familia, y estudió pintura entre los 11 y los 16 años . [34] Durante su adolescencia se estableció una conexión entre los Leyster y el pintor histórico Frans Peters de Grebber , quien entró en contacto con sus padres por el amor a sus telas diseñadas con bordados. Leyster trabajó como su aprendiz durante años antes de abrir su propio estudio. [34] Finalmente se convirtió en la primera mujer en unirse al Harleem Guild. [35] Su trabajo mostró técnicas vigorosas y exuberantes que no se veían en muchas artistas femeninas en ese momento, y fue visto como masculino, como el de Artemisia Gentileschi . [36] Después de su muerte, el trabajo de Leyster fue pasado por alto por muchos durante más de dos siglos antes de que fuera introducido en los estudios históricos. [34]
Los artistas de este período incluyen a Rosalba Carriera , Maria Cosway , Marguerite Gérard , Angelica Kauffman , Adélaïde Labille-Guiard , Giulia Lama , Mary Moser , Ulrika Pasch , Adèle Romany , Anna Dorothea Therbusch , Anne Vallayer-Coster , Elisabeth Vigée-Le Brun , Marie -Guillemine Benoist y Anna Rajecka , también conocida como Madame Gault de Saint-Germain.
En muchos países de Europa, las Academias eran los árbitros del estilo. Las Academias también eran responsables de la formación de los artistas, la exposición de obras de arte y, sin darse cuenta o no, la promoción de la venta de arte. La mayoría de las Academias no estaban abiertas a las mujeres. En Francia, por ejemplo, la poderosa Academia de París tuvo 450 miembros entre el siglo XVII y la Revolución Francesa, y solo quince eran mujeres. De ellas, la mayoría eran hijas o esposas de los miembros. A finales del siglo XVIII, la Academia Francesa decidió no admitir a ninguna mujer. El pináculo de la pintura durante el período fue la pintura de historia , especialmente las composiciones a gran escala con grupos de figuras que representaban situaciones históricas o míticas. En preparación para crear tales pinturas, los artistas estudiaban moldes de esculturas antiguas y se basaban en desnudos masculinos. Las mujeres tenían un acceso limitado o nulo a este aprendizaje académico y, como tal, no existen pinturas históricas a gran escala realizadas por mujeres de este período. Algunas mujeres se hicieron un nombre en otros géneros, como el retrato. Elisabeth Vigee-Lebrun utilizó su experiencia en el retrato para crear una escena alegórica, La paz trae de vuelta la abundancia , que clasificó como una pintura histórica y utilizó como base para su admisión en la Academia. Después de la exhibición de su obra, se le exigió que asistiera a clases formales o perdería su licencia para pintar. Se convirtió en una favorita de la corte y una celebridad, que pintó más de cuarenta autorretratos, que pudo vender. [27]
En Inglaterra, dos mujeres, Angelica Kauffman y Mary Moser , fueron miembros fundadores de la Royal Academy of Arts de Londres en 1768. Kauffmann ayudó a Maria Cosway a ingresar a la Academia. Aunque Cosway continuó ganando éxito como pintora de escenas mitológicas, ambas mujeres permanecieron en una posición algo ambivalente en la Royal Academy, como lo demuestra el retrato grupal de The Academicians of the Royal Academy de Johan Zoffany ahora en The Royal Collection . En él, solo los hombres de la Academia están reunidos en un gran estudio de artista, junto con modelos masculinos desnudos. Por razones de decoro dados los modelos desnudos, las dos mujeres no se muestran como presentes, sino como retratos en la pared. [37] El énfasis en el arte académico en los estudios del desnudo durante la formación siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de actitudes familiares y sociales hacia las mujeres de clase media que se convertían en artistas. Después de estas tres, ninguna mujer se convirtió en miembro de pleno derecho de la Academia hasta Laura Knight en 1936, y las mujeres no fueron admitidas en las escuelas de la Academia hasta 1861. A finales del siglo XVIII, hubo importantes avances para las artistas que eran mujeres. En París, el Salón, la exposición de obras fundada por la Academia, se abrió a pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres exhibir su trabajo en la prestigiosa exposición anual. Además, las mujeres fueron aceptadas con mayor frecuencia como estudiantes por artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze .
Entre las mujeres artistas de principios del siglo XIX se incluyen Marie-Denise Villers , que se especializó en retratos; Constance Mayer , que pintó retratos y alegorías; Marie Ellenrieder , que se destacó principalmente por sus pinturas religiosas de estilo nazareno ; y Louise-Adéone Drölling , que siguió los pasos de su padre y su hermano mayor como pintora y dibujante.
En la segunda mitad del siglo, Emma Sandys , Marie Spartali Stillman , Eleanor Fortescue-Brickdale y Maria Zambaco [38] fueron artistas mujeres del movimiento prerrafaelita . También estuvieron influenciadas por los prerrafaelitas Evelyn De Morgan y la activista y pintora Barbara Bodichon .
Las pintoras impresionistas Berthe Morisot , Marie Bracquemond y las estadounidenses Mary Cassatt y Lucy Bacon se involucraron en el movimiento impresionista francés de las décadas de 1860 y 1870. La impresionista estadounidense Lilla Cabot Perry se vio influenciada por sus estudios con Monet y por el arte japonés de finales del siglo XIX. Cecilia Beaux fue una retratista estadounidense que también estudió en Francia. Aparte de Anna Bilińska , Olga Boznańska es considerada la más conocida de todas las artistas polacas y se la asoció estilísticamente con el impresionismo.
Rosa Bonheur fue la artista femenina más conocida de su tiempo, reconocida internacionalmente por sus pinturas de animales. [39] Elizabeth Thompson (Lady Butler), quizás inspirada por sus clases de vida de figuras armadas en la Escuela de Gobierno , fue una de las primeras mujeres en hacerse famosas por sus grandes pinturas históricas, especializándose en escenas de acción militar, generalmente con muchos caballos, la más famosa de las cuales es Scotland Forever!, que muestra una carga de caballería en Waterloo .
Kitty Lange Kielland fue una pintora paisajista noruega.
Elizabeth Jane Gardner fue una pintora académica estadounidense que fue la primera mujer estadounidense en exponer en el Salón de París . En 1872 se convirtió en la primera mujer en ganar una medalla de oro en el Salón.
En 1894, Suzanne Valadon fue la primera mujer admitida en la Société Nationale des Beaux-Arts de Francia. Anna Boch fue una pintora postimpresionista , al igual que Laura Muntz Lyall , que expuso en la Exposición Universal Colombina de 1893 en Chicago, Illinois , y luego en 1894 como parte de la Société des artistes français en París.
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Antes de que comenzara el siglo XIX, surgió en la Inglaterra georgiana una excepcional mujer de negocios independiente que descubrió su propio talento artístico en la mediana edad. Se trataba de Eleanor Coade (1733-1821). Se hizo conocida por fabricar estatuas neoclásicas , decoraciones arquitectónicas y adornos de jardín hechos de Lithodipyra o piedra de Coade durante más de 50 años, desde 1769 hasta su muerte. [40] La Lithodipyra ("piedra cocida dos veces") era una cerámica de gres moldeada, duradera y de alta calidad, resistente a la intemperie . Las estatuas y los elementos decorativos de esta cerámica todavía parecen casi nuevos hoy en día. Coade no inventó la "piedra artificial", pero probablemente perfeccionó tanto la receta de arcilla como el proceso de cocción. Combinó la fabricación de alta calidad y el gusto artístico, junto con habilidades empresariales, comerciales y de marketing, para crear los productos de piedra de gran éxito de su época. Produjo cerámica para la Capilla de San Jorge, Windsor , el Royal Pavilion, Brighton , Carlton House, Londres y el Royal Naval College, Greenwich . [40]
Eleanor Coade desarrolló su propio talento como modelista, exhibiendo alrededor de 30 esculturas sobre temas clásicos en la Sociedad de Artistas entre 1773 y 1780, como se enumera en el catálogo de expositores de la época. [41] Después de su muerte, su cerámica de Coade se utilizó para reformas en el Palacio de Buckingham y por escultores destacados en su trabajo monumental, como el León de South Bank (1837) de William Frederick Woodington en el Puente de Westminster , Londres . La estatua se hizo en partes separadas y se selló juntas en un marco de hierro.
El siglo produjo sus escultoras en Oriente, Seiyodo Bunshojo (1764-1838), una talladora de netsuke japonesa y escritora de haiku . [42] [43] Era la hija de Seiyodo Tomiharu . [43] Su obra se puede ver en el Museo de Arte Walters . [44] Mientras que en Occidente, estaban: Julie Charpentier , Elisabet Ney , Helene Bertaux , Fenia Chertkoff , Sarah Fisher Ames , Helena Unierzyska (hija de Jan Matejko ), Blanche Moria , Angelina Beloff , Anna Golubkina , Margaret Giles (también medallista ), Camille Claudel , Enid Yandell y Edmonia Lewis . Lewis, una artista afro - ojibwa - haitiana estadounidense de Nueva York, comenzó sus estudios de arte en el Oberlin College . Su carrera como escultora comenzó en 1863. Estableció un estudio en Roma, Italia y exhibió sus esculturas de mármol en Europa y Estados Unidos. [45]
Constance Fox Talbot puede ser la primera mujer en tomar una fotografía. [46] Más tarde, Julia Margaret Cameron y Gertrude Kasebier se hicieron muy conocidas en el nuevo medio de la fotografía , donde no había restricciones tradicionales ni formación establecida que las frenara. Sophia Hoare , otra fotógrafa británica, trabajó en Tahití y otras partes de Oceanía .
En Francia, cuna de la técnica, solo estuvo Geneviève Élisabeth Disdéri (c.1817-1878). En 1843 se casó con el fotógrafo pionero André-Adolphe-Eugène Disdéri , con quien se asoció en su estudio de daguerrotipos de Brest desde finales de la década de 1840. [47] Después de que su marido se marchara a París en 1852, Geneviève siguió dirigiendo el taller sola. Se la recuerda por sus 28 vistas de Brest, principalmente arquitectónicas, que se publicaron como Brest et ses Environs en 1856. [48] En 1872 se trasladó a París y abrió un estudio en la Rue du Bac, donde posiblemente fue asistida por su hijo Jules. Los listados comerciales indican que continuó operando su estudio hasta su muerte en un hospital de París en 1878. [49] Fue una de las primeras fotógrafas profesionales del mundo, activa sólo poco después de la alemana Bertha Beckmann y las suecas Brita Sofia Hesselius y Marie Kinnberg .
Durante el siglo, el acceso a las academias y a la formación artística formal se amplió más para las mujeres en Europa y América del Norte. La Escuela de Diseño del Gobierno británico, que más tarde se convirtió en el Royal College of Art , admitió mujeres desde su fundación en 1837, pero solo en una "escuela femenina" que recibía un trato algo diferente, con clases "de vida" que consistían durante varios años en dibujar a un hombre con una armadura.
Las escuelas de la Royal Academy finalmente admitieron mujeres a partir de 1861, pero los estudiantes inicialmente dibujaron solo modelos vestidos. Sin embargo, otras escuelas en Londres, incluida la Slade School of Art de la década de 1870, fueron más liberales. A finales de siglo, las mujeres podían estudiar la figura desnuda, o casi desnuda, en muchas ciudades de Europa occidental y América del Norte. La Society of Female Artists (ahora llamada The Society of Women Artists ) se estableció en 1855 en Londres y ha organizado exposiciones anuales desde 1857, cuando se mostraron 358 obras de 149 mujeres, algunas usando un seudónimo. [50] Sin embargo, una mujer a la que se le negó la educación superior o especializada y que aún así "se abrió paso", fue la científica natural, escritora e ilustradora, Beatrix Potter (1866-1943). [51]
Entre las artistas mujeres notables de este período se incluyen:
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Elene Akhvlediani , Hannelore Baron , Vanessa Bell , Lee Bontecou , Louise Bourgeois , Romaine Brooks , Emily Carr , Leonora Carrington , Mary Cassatt , Elizabeth Catlett , Camille Claudel , Sonia Delaunay , Marthe Donas , Joan Eardley , Marisol Escobar , Dulah Marie Evans , Audrey Flack , Mary Frank , Helen Frankenthaler , Elisabeth Frink , Wilhelmina Weber Furlong , Françoise Gilot , Natalia Goncharova , Nancy Graves , Grace Hartigan , Barbara Hepworth , Eva Hesse , Sigrid Hjertén , Hannah Höch , Frances Hodgkins , Malvina Hoffman , Irma Hünerfauth , Margaret Ponce Israel , Gwen John , Elaine de Kooning , Käthe Kollwitz , Lee Krasner , Frida Kahlo , Hilma af Klint , Laura Knight , Barbara Kruger , Marie Laurencin , Tamara de Lempicka , Séraphine Louis , Dora Maar , Margaret Macdonald Mackintosh , Maruja Mallo , Agnes Martin , Ana Mendieta , Joan Mitchell , Paula Modersohn-Becker , Gabriele Münter , Alice Neel , Louise Nevelson , Georgia O'Keeffe , Betty Parsons , Aniela Pawlikowska , Orovida Camille Pissarro , Irene Rice Pereira , Paula Rego , Bridget Riley , Verónica Ruiz de Velasco , Anne Ryan , Charlotte Salomon , Augusta Savage , Zofia Stryjeńska , Zinaida Serebriakova , Sarai Sherman , Henrietta Shore , Sor María Stanisia, Marjorie Strider , Carrie Sweetser , Annie Louisa Swynnerton , Franciszka Themerson , Suzanne Valadon , Remedios Varo , María Helena Vieira da Silva , Nellie Walker , Marianne von Werefkin y Ogura Yuki . [53]
Hilma af Klint (1862-1944) fue una pintora abstracta pionera que trabajó mucho antes que sus homólogos masculinos del expresionismo abstracto. Era sueca y exponía regularmente sus pinturas realistas, pero las obras abstractas no se mostraron hasta 20 años después de su muerte, a petición suya. Se consideraba espiritualista y mística. [54]
Margaret Macdonald Mackintosh (1865-1933) fue una artista escocesa cuyas obras ayudaron a definir el «Estilo Glasgow» de la década de 1890 y principios del siglo XX. A menudo colaboró con su marido, el arquitecto y diseñador Charles Rennie Mackintosh , en obras que tuvieron influencia en Europa. Expuso con Mackintosh en la Secesión de Viena de 1900 , donde se cree que su obra influyó en los secesionistas como Gustav Klimt . [55]
Annie Louisa Swynnerton (1844-1933) fue una artista de retratos, paisajes y simbolista , considerada por sus pares, como John Singer Sargent y Edward Burne-Jones como una de las mejores y más creativas artistas de su época, pero aún no se le permitió el acceso a la formación en las escuelas de arte convencionales. Se mudó al extranjero para estudiar en la Académie Julian y pasó gran parte de su vida en Francia y Roma, donde las actitudes más liberales le permitieron expresar una amplia gama de temas compositivos. Todavía no fue reconocida formalmente en Gran Bretaña hasta 1923, a la edad de 76 años, cuando se convirtió en la primera mujer admitida en la Royal Academy of Arts . [56] [57]
Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) fue una de las primeras modernistas estadounidenses de la ciudad de Nueva York. Hizo importantes contribuciones al arte moderno estadounidense a través de su trabajo en la Art Students League y el Whitney Studio Club . [58] [59] Aleksandra Ekster y Lyubov Popova fueron artistas constructivistas , cubofuturistas y suprematistas muy conocidas y respetadas en Kiev , Moscú y París a principios del siglo XX. Entre las otras artistas mujeres destacadas en la vanguardia rusa se encontraban Natalia Goncharova , Varvara Stepanova y Nadezhda Udaltsova . Sonia Delaunay y su marido fueron los fundadores del orfismo .
En la era del Art Déco , Hildreth Meière realizó mosaicos a gran escala y fue la primera mujer honrada con la Medalla de Bellas Artes del Instituto Americano de Arquitectos. [60] Tamara de Lempicka , también de esta era, fue una pintora Art Déco de Polonia . Sor Maria Stanisia se convirtió en una notable retratista, principalmente del clero. [61] Georgia O'Keeffe nació a fines del siglo XIX. Se hizo conocida por sus pinturas, que presentaban flores, huesos y paisajes de Nuevo México . En 1927, la pintura Morning de Dod Procter fue votada como Imagen del año en la Exposición de verano de la Royal Academy y comprada por el Daily Mail para la galería Tate . [62] Su popularidad resultó en su exhibición en Nueva York y una gira de dos años por Gran Bretaña. [63] El surrealismo , un estilo artístico importante en las décadas de 1920 y 1930, tuvo varias artistas mujeres destacadas, entre ellas Leonora Carrington , Kay Sage , Dorothea Tanning y Remedios Varo . [27] También hubo casos excepcionales, como la observadora británica autodidacta y a menudo cómica, Beryl Cook (1926-2008). [64]
Entre las artistas mujeres de Europa central y oriental destacan: Milein Cosman (1921-2017), Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), Else Meidner (1901-1987), Sanja Iveković (nacida en 1949), Orshi Drozdik (nacida en 1946).
Lee Miller redescubrió la solarización [65] y se convirtió en una fotógrafa de alta moda. Dorothea Lange documentó la Depresión. Berenice Abbott creó imágenes de arquitectura y celebridades conocidas, Margaret Bourke-White creó las fotografías industriales que aparecieron en la portada y en el artículo principal de la primera revista Life . Diane Arbus basó su fotografía en personas ajenas a la sociedad dominante. Las obras de Graciela Iturbide trataron sobre la vida mexicana y el feminismo, mientras que Tina Modotti produjo "iconos revolucionarios" del México de la década de 1920. [66] El trabajo fotográfico de Annie Leibovitz fue del rock and roll y otras figuras famosas. Otras mujeres que rompieron el techo de cristal incluyen a: Eve Arnold , Marilyn Silverstone e Inge Morath de Magnum , Daphne Zileri , Anya Teixeira , Elsa Thiemann , Sabine Weiss y Xyza Cruz Bacani .
Las mujeres artistas gráficas e ilustradoras, como la rara dibujante Claire Bretécher , han hecho una generosa contribución a su campo. [67] A mayor escala, entre los diseñadores teatrales han sido notables los siguientes: Elizabeth Polunin , Doris Zinkeisen , Adele Änggård , Kathleen Ankers , Madeleine Arbour , Marta Becket , Maria Björnson , Madeleine Boyd , Gladys Calthrop , Marie Anne Chiment , Millia Davenport , Kirsten Dehlholm , Victorina Durán , Lauren Elder , Heidi Ettinger , Soutra Gilmour , Rachel Hauck , Marjorie B. Kellogg , Adrianne Lobel , Anna Louizos , Elaine J. McCarthy , Elizabeth Montgomery , Armande Oswald , Natacha Rambova , Kia Steave-Dickerson , Karen TenEyck , Donyale Werle
Mary Carroll Nelson fundó la Society of Layerists in Multi-Media (SLMM), cuyos miembros artistas siguen la tradición de Emil Bisttram y el Transcendental Painting Group, así como Morris Graves de la Pacific Northwest Visionary Art School. En la década de 1970, Judy Chicago creó The Dinner Party , una obra muy importante de arte feminista . Helen Frankenthaler fue una pintora expresionista abstracta y estuvo influenciada por Jackson Pollock . Lee Krasner también fue una artista expresionista abstracta y estuvo casada con Pollock y fue estudiante de Hans Hofmann . Elaine de Kooning fue estudiante y más tarde esposa de Willem de Kooning , fue una pintora figurativa abstracta . Anne Ryan fue collagista. Jane Frank , también alumna de Hans Hofmann , trabajó con medios mixtos sobre lienzo. En Canadá, Marcelle Ferron fue una exponente del automatismo .
A partir de la década de 1960, el feminismo provocó un gran aumento del interés por las mujeres artistas y su estudio académico. Las historiadoras del arte Germaine Greer , Linda Nochlin , Griselda Pollock , la curadora Jasia Reichardt y otras han realizado contribuciones notables. Algunas historiadoras del arte, como Daphne Haldin, han intentado restablecer el equilibrio de las historias centradas en los hombres mediante la recopilación de listas de mujeres artistas, aunque muchos de estos esfuerzos permanecen inéditos. [68] Figuras como Artemisia Gentileschi y Frida Kahlo surgieron de una relativa oscuridad para convertirse en iconos feministas . Las Guerilla Girls , un grupo anónimo de mujeres formado en 1985, fueron "la conciencia del mundo del arte". Hablaron sobre la indiferencia y las desigualdades de género y raza, particularmente en el mundo del arte. Las Guerilla Girls han hecho muchos carteles como una forma de llamar la atención, generalmente de manera humorística, hacia la comunidad para crear conciencia y crear cambios. En 1996, Catherine de Zegher organizó una exposición de 37 grandes artistas mujeres del siglo XX. La exposición, Inside the Visible , que viajó desde el ICA en Boston hasta el Museo Nacional de Mujeres en las Artes en Washington, la Whitechapel en Londres y la Galería de Arte de Australia Occidental en Perth, incluyó obras de artistas de la década de 1930 hasta la década de 1990, con Claude Cahun , Louise Bourgeois , Bracha Ettinger , Agnes Martin , Carrie Mae Weems , Charlotte Salomon , Eva Hesse , Nancy Spero , Francesca Woodman , Lygia Clark , Mona Hatoum y la aclamada Magdalena Abakanowicz, que utilizó textiles en sus instalaciones, [69] entre otras.
Anteriormente, los textiles de las mujeres se relegaban a la esfera privada y se asociaban con la vida doméstica en lugar de ser reconocidos como arte. Anteriormente, se exigía que el arte demostrara el "genio artístico", que se asociaba con la masculinidad; cuando los textiles se consideraban funcionales, no se consideraban arte. [70] Esto llevó a que las mujeres evitaran las técnicas que se asociaban con la feminidad, desde los textiles hasta el uso de líneas delicadas o ciertos colores "femeninos", porque no querían que las llamaran artistas femeninas. [71] Sin embargo, en años más recientes esto ha sido cuestionado y los textiles se han utilizado para crear arte que es representativo de las experiencias y luchas femeninas. "The Subversive Stitch" de Parker muestra a las feministas subvirtiendo el bordado para hacer declaraciones feministas y desafiar la idea de que los textiles solo deberían asociarse con la vida doméstica y la feminidad. [72] Michna considera que desafiar las prácticas artísticas que excluyen a las mujeres expone la política y el sesgo de género del arte tradicional y ayuda a romper las divisiones basadas en la clase y el patriarcado. [73] Estas formas de expresión tradicionalmente femeninas se utilizan ahora para empoderar a las mujeres, desarrollar conocimientos y recuperar habilidades tradicionales de las mujeres que la sociedad había devaluado anteriormente. [74]
Véase también Craftivismo .
El resurgimiento a finales del siglo XIX de la creación de objetos de arte cerámico en Japón y Europa se conoce como cerámica de estudio , aunque abarca la escultura y también las teselas , los cubos de mosaico que se remontan a Persia en el tercer milenio a. C. Varias influencias contribuyeron al surgimiento de la cerámica de estudio: la cerámica artística en la obra de los hermanos Martin y William Moorcroft , el movimiento Arts and Crafts , la Bauhaus y el redescubrimiento de la cerámica artesanal tradicional y la excavación de grandes cantidades de cerámica Song en China. [10]
Las principales tendencias en la cerámica de estudio británica en el siglo XX están representadas tanto por hombres como por mujeres: Bernard Leach , William Staite Murray , Dora Billington , Lucie Rie y Hans Coper . Leach (1887-1979) estableció un estilo de cerámica, la olla ética , fuertemente influenciada por las formas chinas, coreanas, japonesas e inglesas medievales. Su estilo dominó la cerámica de estudio británica a mediados del siglo XX. La influencia de Leach se difundió en particular por su A Potter's Book [75] y el sistema de aprendizaje que llevó a cabo en su cerámica en St Ives, Cornwall .
Otros artistas de la cerámica ejercieron influencia a través de sus puestos en las escuelas de arte. Dora Billington (1890–1968) estudió en la Escuela de Arte Hanley, trabajó en la industria de la cerámica y se convirtió en directora de cerámica en la Escuela Central de Artes y Oficios . Trabajó en medios que Leach no utilizó, por ejemplo, cerámica esmaltada con estaño , e influyó en alfareros como William Newland , Katherine Pleydell-Bouverie y Margaret Hine . [76] [77]
Desde la década de 1960, una nueva generación de ceramistas, influenciada por la Escuela de Arte de Camberwell y la Escuela Central de Arte y Diseño, entre las que se incluyen Alison Britton , Ruth Duckworth y Elizabeth Fritsch , comenzaron a experimentar con objetos cerámicos abstractos, superficies variadas y efectos de esmalte que obtuvieron elogios de la crítica. El trabajo de Elizabeth Fritsch está representado en importantes colecciones y museos de todo el mundo. Además, la reputación de los ceramistas británicos ha atraído talentos de todo el mundo y ha dado lugar a artistas notables en el campo. Entre ellos se incluyen: la india Nirmala Patwardhan , la keniana Magdalene Odundo y la iraní Homa Vafaie Farley .
Al igual que en Gran Bretaña, la cerámica fue parte integral del movimiento Arts and Crafts de los Estados Unidos a fines del siglo XIX y principios del XX. Charles Fergus Binns , quien fue el primer director de la Escuela de Cerámica y Arcilla del Estado de Nueva York en la Universidad Alfred , fue una influencia importante. Algunos alfareros en los Estados Unidos adoptaron el enfoque de los movimientos de cerámica de estudio emergentes en Gran Bretaña y Japón. Los artistas europeos y de todo el mundo que llegaron a los Estados Unidos han contribuido a la apreciación pública de la cerámica como arte, e incluyeron a Marguerite Wildenhain , Maija Grotell , Susi Singer y Gertrude y Otto Natzler . Entre los alfareros de estudio importantes en los Estados Unidos se incluyen Otto y Vivika Heino , Beatrice Wood y Amber Aguirre .
Mientras tanto, en los bosques primarios cada vez más reducidos de la región de los Grandes Lagos africanos , en el Valle del Rift , hay un pueblo que se aferra a su forma de vida ancestral de recolección de alimentos. Son los batwa , uno de los pueblos más marginados del mundo, cuyas mujeres (y algún que otro hombre) continúan la costumbre centenaria de fabricar cerámica que se ha utilizado como trueque con los campesinos y pastores de la región. Sus vasijas van desde las más sencillas hasta las más decoradas. [78] [79] [80]
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En 1993, Rachel Whiteread fue la primera mujer en ganar el Premio Turner de la Tate Gallery . Gillian Wearing ganó el premio en 1997, cuando hubo una lista de finalistas compuesta exclusivamente por mujeres; las otras nominadas fueron Christine Borland , Angela Bulloch y Cornelia Parker . En 1999, Tracey Emin obtuvo una considerable cobertura mediática por su propuesta My Bed , pero no ganó. En 2006, el premio fue otorgado a la pintora abstracta Tomma Abts . En 2001, se organizó una conferencia llamada "Mujeres artistas en el milenio" en la Universidad de Princeton . En 2006 se publicó un libro con ese nombre, en el que importantes historiadoras del arte como Linda Nochlin analizan a destacadas artistas como Louise Bourgeois , Yvonne Rainer , Bracha Ettinger , Sally Mann , Eva Hesse , Rachel Whiteread y Rosemarie Trockel . Entre las artistas contemporáneas mujeres más destacadas a nivel internacional se incluyen Magdalena Abakanowicz , Marina Abramović , Jaroslava Brychtova , Lynda Benglis , Lee Bul , Sophie Calle , Janet Cardiff , Li Chevalier , Marlene Dumas , Orshi Drozdik , Marisol Escobar , Bettina Heinen-Ayech , Jenny Holzer , Runa Islam , Chantal Joffe , Yayoi Kusama , Karen Kilimnik , Sarah Lucas , Neith Nevelson , Yoko Ono , Tanja Ostojić , Jenny Saville , Carolee Schneeman , Cindy Sherman , Shazia Sikander , Lorna Simpson , Lisa Steele , Stella Vine , Kara Walker , Rebecca Warren , Bettina Werner y Susan Dorothea White .
Las pinturas, collages, esculturas blandas, performances e instalaciones ambientales de la artista japonesa Yayoi Kusama comparten una obsesión con la repetición, los patrones y la acumulación. Su obra muestra algunos atributos del feminismo , el minimalismo , el surrealismo , el art brut , el pop art y el expresionismo abstracto , y está impregnada de contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Se describe a sí misma como una "artista obsesiva". En noviembre de 2008, la casa de subastas Christie's de Nueva York vendió su pintura No. 2 de 1959 por 5.100.000 dólares, el precio récord en 2008 para una obra de una artista femenina viva. [81]
Durante 2010-2011, el Centro Pompidou de París presentó la selección de sus curadores de mujeres artistas contemporáneas en una exposición de tres volúmenes llamada elles@Centrepompidou . [82] El museo mostró obras de importantes artistas mujeres de su propia colección. En 2010, Eileen Cooper fue elegida como la primera mujer "Guardiana de la Real Academia". En 1995, Dame Elizabeth Blackadder, en los 300 años de historia, fue nombrada "pintora y bailarina de Su Majestad en Escocia" y recibió la OBE en 1982.
Otro género de arte femenino es el arte ambiental femenino. En diciembre de 2013, el Directorio de Artistas Ambientales de Mujeres incluía a 307 artistas ambientales femeninas, como Marina DeBris , Vernita Nemec y Betty Beaumont . DeBris utiliza la basura de la playa para crear conciencia sobre la contaminación de las playas y los océanos. [83] y para educar a los niños sobre la basura de la playa. [84] Nemec utilizó recientemente el correo basura para demostrar la complejidad de la vida moderna. [85] Beaumont ha sido descrita como una pionera del arte ambiental [86] y utiliza el arte para desafiar nuestras creencias y acciones. [87]
Las mujeres artistas han sido a menudo mal caracterizadas en los relatos históricos, tanto intencionalmente como sin intención; tales representaciones erróneas a menudo han sido dictadas por las costumbres sociopolíticas de la época en cuestión y la dominación masculina del mundo del arte. [88] Hay una serie de cuestiones que subyacen a esto, entre ellas:
Una razón adicional detrás de la renuencia a aceptar artistas femeninas es que sus habilidades probablemente difieran de las de los hombres, como resultado de su experiencia y situación y como tal esto crea un sentido de grandeza para el arte femenino que era temido. [97]
Sin embargo, aunque ha habido una mala representación de las artistas femeninas, hay un problema mucho más profundo que ha limitado el número de artistas femeninas. No hay comparaciones femeninas con las obras de Leonardo y Miguel Ángel. Esto no se debe a la falta de habilidad, sino a la opresión y el desánimo de las mujeres. La culpa está en la educación y la falta de oportunidades que se les dieron. Es contra todo pronóstico que las mujeres han logrado adquirir habilidades artísticas frente a un mundo del arte patriarcal y dominado por los hombres. [98]
El concepto de arte marginal surgió en el siglo XX cuando los artistas, coleccionistas y críticos de la corriente dominante comenzaron a considerar la expresión artística de personas sin una formación convencional. Entre ellos se encontraban los autodidactas, los niños, los artistas populares de todo el mundo y los internos de instituciones psiquiátricas. Entre los primeros en estudiar este espacio artístico enorme y en su mayoría inexplorado se encontraban los miembros del grupo Blaue Reiter en Alemania, seguidos más tarde por el artista francés Jean Dubuffet . Algunas de las mujeres destacadas consideradas como exponentes del "art brut", la expresión francesa para el arte marginal, son:
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