La historia del teatro traza el desarrollo del teatro durante los últimos 2.500 años. Si bien los elementos performativos están presentes en todas las sociedades, es costumbre reconocer una distinción entre el teatro como forma de arte y entretenimiento, y elementos teatrales o performativos en otras actividades. La historia del teatro se ocupa principalmente del origen y posterior desarrollo del teatro como actividad autónoma. Desde la Atenas clásica en el siglo V a. C., han florecido vibrantes tradiciones teatrales en culturas de todo el mundo. [1]
No hay evidencia concluyente de que el teatro haya evolucionado a partir del ritual, a pesar de las similitudes entre la realización de acciones rituales y el teatro y la importancia de esta relación. [2] Esta similitud del teatro primitivo con el ritual está atestiguada negativamente por Aristóteles , quien en su Poética definió el teatro en contraste con las representaciones de misterios sagrados : el teatro no requería que el espectador ayunara, bebiera el kykeon o marchara en una procesión; sin embargo, el teatro se parecía a los misterios sagrados en el sentido de que aportaba purificación y curación al espectador por medio de una visión, el theama . En consecuencia, el lugar físico de tales representaciones se denominó theatron . [3]
Según los historiadores Oscar Brockett y Franklin Hildy, los rituales suelen incluir elementos que entretienen o dan placer, como disfraces y máscaras , así como artistas expertos. A medida que las sociedades se volvieron más complejas, estos elementos espectaculares comenzaron a representarse en condiciones no ritualistas. Mientras esto ocurría, se estaban dando los primeros pasos hacia el teatro como actividad autónoma. [4]
El teatro griego, más desarrollado en Atenas, es la raíz de la tradición occidental; teatro es una palabra de origen griego. [2] Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . [6] [a] La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia a City Dionysia como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales), en particular, era una parte importante de la ciudadanía . [7] La participación cívica también implicó la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en representaciones en los tribunales o asambleas políticas , las cuales fueron entendidas como análogas al teatro y llegaron a absorber cada vez más su vocabulario dramático. [8] El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y la obra satírica . [9]
La tragedia ateniense , la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza -drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. [10] [b] Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego) y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . [11] [c] No hay tragedias del siglo VI y sólo han sobrevivido 32 de las más de mil que se representaron durante el siglo V. [12] [d] Tenemos textos completos existentes de Esquilo, Sófocles y Eurípides . [13] [e] Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V se institucionalizó en competiciones ( agon ) celebradas como parte de las festividades que celebraban a Dioniso (el dios del vino y la fertilidad ). [14] Como concursantes en el concurso de City Dionysia (el más prestigioso de los festivales de teatro), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una obra de teatro sátiro. [15] [f] La representación de tragedias en la ciudad Dionysia puede haber comenzado ya en el 534 a.C.; Los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica. [16] [g] La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan acontecimientos de la mitología griega , aunque Los persas , que escenifica la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C., es la excepción notable en el drama superviviente. [17] [h] Cuando Esquilo ganó el primer premio en la ciudad Dionysia en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, pero su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama que ha sobrevivido. [18] Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra de teoría dramática más antigua que se conserva : su Poética (c. 335 a. C.). La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos: "comedia antigua", "comedia media" y "comedia nueva". La comedia antigua sobrevive hoy en gran medida en la forma de las once obras de teatro supervivientes deAristófanes , mientras que la Comedia media está en gran parte perdida (conservada sólo en fragmentos relativamente breves en autores como Ateneo de Naucratis ). La Comedia Nueva se conoce principalmente por los importantes fragmentos de papiro de las obras de Menandro . Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que involucra algún tipo de error o fealdad que no causa dolor ni destrucción. [19]
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El teatro occidental se desarrolló y expandió considerablemente bajo los romanos . El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a.C., con una actuación de actores etruscos . [20] Beacham sostiene que los romanos habían estado familiarizados con las "prácticas preteatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado. [21] El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarcaba desde representaciones festivas de teatro callejero , bailes desnudos y acrobacias, hasta la puesta en escena de las atractivas comedias de situación de Plauto , pasando por las de alto estilo y verbalmente elaboradas. tragedias de Séneca . Aunque Roma tenía una tradición nativa de representación, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y dinamizador en el teatro romano y fomentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario.
Tras la expansión de la República Romana (509-27 a. C.) a varios territorios griegos entre 270 y 240 a. C., Roma se encontró con el drama griego . [22] A partir de los últimos años de la república y a través del Imperio Romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió hacia el oeste por Europa, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra; El teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior. [23] Si bien el drama griego continuó representándose durante todo el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular. [22] [i] Desde el comienzo del imperio, sin embargo, el interés por el drama de larga duración disminuyó en favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales. [24]
Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que escribió Livio Andrónico a partir del 240 a.C. [25] Cinco años más tarde, Cneo Nevio también comenzó a escribir teatro. [25] No ha sobrevivido ninguna obra de ninguno de los escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros , Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Naevius por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama. [25] A principios del siglo II a. C., el teatro estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores ( collegium poetarum ). [26]
Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Titus Maccius Plautus (Plautus) y Publius Terentius Afer (Terence). [27] Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro al dividir el drama en episodios e introdujeron acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos- tercios en los de Terencio). [28] La acción de todas las escenas se desarrolla en el exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de escuchas clandestinas . [28] Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales sus farsas son las más conocidas; fue admirado por el ingenio de sus diálogos y su uso de una variedad de metros poéticos . [29] Las seis comedias que Terencio escribió entre 166 y 160 a. C. han sobrevivido; La complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, fue a veces denunciada, pero sus tramas dobles permitieron una presentación sofisticada del comportamiento humano contrastante. [29]
No se conserva ninguna tragedia romana antigua, aunque fue muy apreciada en su época; Los historiadores conocen tres de los primeros trágicos: Quintus Ennius , Marcus Pacuvio y Lucius Accius . [28] De la época del imperio, sobrevive la obra de dos trágicos: uno es un autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca . [30] Nueve de las tragedias de Séneca sobreviven, todas las cuales son fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos); su Fedra , por ejemplo, se basó en el Hipólito de Eurípides . [31] Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia , pero en épocas anteriores se atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje de la tragedia. [30]
A diferencia del teatro griego antiguo, el teatro de la antigua Roma permitía a las artistas femeninas. Si bien la mayoría fueron empleadas para bailar y cantar, se sabe que una minoría de actrices interpretó papeles de habla, y hubo actrices que alcanzaron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis , Dionysia , Galeria Copiola y Fabia Arete : ellas También formó su propio gremio de actores, el Sociae Mimae , que evidentemente era bastante rico. [32]
A medida que el Imperio Romano Occidental cayó en decadencia durante los siglos IV y V, la sede del poder romano se trasladó a Constantinopla y el Imperio Romano Oriental , hoy llamado Imperio Bizantino . Si bien la evidencia que se conserva sobre el teatro bizantino es escasa, los registros existentes muestran que las mímicas , escenas o recitados de tragedias y comedias , danzas y otros entretenimientos eran muy populares. Constantinopla tenía dos teatros que estaban en uso hasta el siglo V. [33] Sin embargo, la verdadera importancia de los bizantinos en la historia del teatro es la preservación de muchos textos griegos clásicos y la compilación de una enorme enciclopedia llamada Suda , de la que se deriva una gran cantidad de información contemporánea sobre el teatro griego.
A partir del siglo V, Europa Occidental se vio sumida en un período de desorden general que duró (con un breve período de estabilidad bajo el Imperio carolingio en el siglo IX) hasta el siglo X. Como tal, la mayoría de las actividades teatrales organizadas desaparecieron en Europa occidental . Si bien parece que pequeñas bandas nómadas viajaron por Europa durante todo el período, actuando dondequiera que pudieran encontrar público, no hay evidencia de que produjeron nada más que escenas crudas. [34] Estos artistas fueron denunciados por la Iglesia durante la Edad Media porque eran vistos como peligrosos y paganos.
En la Alta Edad Media , las iglesias en Europa comenzaron a representar versiones dramatizadas de eventos bíblicos particulares en días específicos del año. Estas dramatizaciones se incluyeron con el fin de vivificar las celebraciones anuales. [35] Los objetos y acciones simbólicos ( vestimentas , altares , incensarios y pantomima realizadas por los sacerdotes) recordaban los acontecimientos que celebra el ritual cristiano. Se trataba de conjuntos extensos de señales visuales que podían utilizarse para comunicarse con una audiencia mayoritariamente analfabeta. Estas representaciones se convirtieron en dramas litúrgicos , el primero de los cuales es el tropo pascual ¿ A quién buscas? (Quem-Quaeritis) , que data de ca. 925. [35] El drama litúrgico era cantado en respuesta por dos grupos y no involucraba actores que personificaran personajes. Sin embargo, en algún momento entre 965 y 975, Æthelwold de Winchester compuso la Regularis Concordia (Acuerdo Monástico) que contiene una obra de teatro completa con instrucciones para la interpretación. [36]
Hrosvitha (c. 935 – 973), canonesa del norte de Alemania , escribió seis obras inspiradas en las comedias de Terencio pero utilizando temas religiosos. Estas seis obras ( Abraham, Calímaco, Dulcitio, Gallicano, Pafnucio y Sapientia ) son las primeras obras conocidas compuestas por una dramaturga y las primeras obras dramáticas occidentales identificables de la era posclásica. [36] Se publicaron por primera vez en 1501 y tuvieron una influencia considerable en las obras de teatro religiosas y didácticas del siglo XVI. A Hrosvitha le siguió Hildegarda de Bingen (m. 1179), una abadesa benedictina , que escribió un drama musical latino llamado Ordo Virtutum en 1155.
Cuando cesaron las invasiones vikingas a mediados del siglo XI, el drama litúrgico se había extendido desde Rusia hasta Escandinavia e Italia . Sólo en la Península Ibérica ocupada por los musulmanes no se presentaron dramas litúrgicos en absoluto. A pesar de la gran cantidad de dramas litúrgicos que han sobrevivido de la época, muchas iglesias sólo habrían representado uno o dos por año y un número mayor nunca representó ninguno. [37]
La Fiesta de los Locos fue especialmente importante en el desarrollo de la comedia. El festival invirtió el estatus del clero menor y les permitió ridiculizar a sus superiores y la rutina de la vida de la iglesia. A veces se representaban obras de teatro como parte de la ocasión y en estas representaciones se introducía una cierta dosis de burlesco y comedia. Aunque los episodios cómicos tuvieron que esperar hasta la separación del drama de la liturgia, la Fiesta de los Locos sin duda tuvo un profundo efecto en el desarrollo de la comedia tanto en obras religiosas como seculares. [38]
La representación de obras religiosas fuera de la iglesia comenzó en algún momento del siglo XII a través de un proceso tradicionalmente aceptado de fusionar dramas litúrgicos más cortos en obras más largas que luego fueron traducidas a la lengua vernácula y representadas por laicos. El misterio de Adán (1150) da credibilidad a esta teoría, ya que su detallada dirección escénica sugiere que se representó al aire libre. Sobreviven varias otras obras de la época, incluidas La Seinte Resurrection ( normanda ), La obra de los reyes magos ( español ) y Sponsus ( francés ).
La importancia de la Alta Edad Media en el desarrollo del teatro radicaron en los cambios económicos y políticos que propiciaron la formación de gremios y el crecimiento de pueblos. Esto daría lugar a cambios importantes en la Baja Edad Media . En las Islas Británicas , se representaron obras de teatro en unas 127 ciudades diferentes durante la Edad Media. Estas obras de misterio vernáculas se escribieron en ciclos de una gran cantidad de obras: York (48 obras), Chester (24), Wakefield (32) y Unknown (42). En este período sobrevive un mayor número de obras de Francia y Alemania y algún tipo de drama religioso se representó en casi todos los países europeos a finales de la Edad Media . Muchas de estas obras contenían comedia, diablos , villanos y payasos . [39]
La mayoría de los actores de estas obras procedían de la población local. Por ejemplo, en Valenciennes, en 1547, se asignaron más de 100 papeles a 72 actores. [40] Las obras se representaban en escenarios de carros de desfile , que eran plataformas montadas sobre ruedas que se utilizaban para mover el escenario. Los artistas aficionados en Inglaterra, que a menudo proporcionaban sus propios trajes, eran exclusivamente hombres, pero otros países tenían artistas femeninas. El escenario de la plataforma, que era un espacio no identificado y no un lugar específico, permitió cambios abruptos de ubicación.
Las obras de moralidad surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron hasta 1550. La obra de moralidad más interesante es El castillo de la perseverancia , que describe el progreso de la humanidad desde el nacimiento hasta la muerte. Sin embargo, la obra moral más famosa y quizás el drama medieval más conocido es Everyman . Todo hombre recibe la llamada de la Muerte , lucha por escapar y finalmente se resigna a la necesidad. En el camino, Kindred , Goods y Fellowship lo abandonan ; solo Good Deeds lo acompaña a la tumba.
También hubo una serie de representaciones seculares representadas en la Edad Media, la primera de las cuales es La obra del Greenwood de Adam de la Halle en 1276. Contiene escenas satíricas y material folclórico como hadas y otros sucesos sobrenaturales. Las farsas también ganaron espectacularmente popularidad después del siglo XIII. La mayoría de estas obras provienen de Francia y Alemania y son similares en tono y forma, enfatizando el sexo y las excreciones corporales. [41] El dramaturgo de farsas más conocido es Hans Sachs (1494-1576), que escribió 198 obras dramáticas. En Inglaterra, La segunda obra de los pastores del ciclo de Wakefield es la farsa temprana más conocida. Sin embargo, la farsa no apareció de forma independiente en Inglaterra hasta el siglo XVI con la obra de John Heywood (1497-1580).
Un precursor importante del desarrollo del drama isabelino fueron las Cámaras de Retórica en los Países Bajos . [42] Estas sociedades se ocupaban de la poesía , la música y el teatro y celebraban concursos para ver qué sociedad podía componer el mejor drama en relación con una pregunta planteada.
A finales de la Baja Edad Media , comenzaron a aparecer actores profesionales en Inglaterra y Europa . Ricardo III y Enrique VII mantuvieron pequeñas compañías de actores profesionales. Sus obras se representaban en el Gran Salón de la residencia de un noble, a menudo con una plataforma elevada en un extremo para el público y una "pantalla" en el otro para los actores. También fueron importantes las obras de teatro de Mimos , representadas durante la época navideña , y las máscaras de la corte . Estas máscaras fueron especialmente populares durante el reinado de Enrique VIII, quien hizo construir una Casa de Revels y establecer una Oficina de Revels en 1545. [43]
El fin del drama medieval se produjo debido a una serie de factores, incluido el debilitamiento del poder de la Iglesia católica , la Reforma protestante y la prohibición de las obras religiosas en muchos países. Isabel I prohibió todas las obras religiosas en 1558 y los grandes ciclos de obras habían sido silenciados en la década de 1580. De manera similar, las obras religiosas fueron prohibidas en los Países Bajos en 1539, en los Estados Pontificios en 1547 y en París en 1548. El abandono de estas obras destruyó el teatro internacional que había existido hasta entonces y obligó a cada país a desarrollar su propia forma de teatro. También permitió a los dramaturgos abordar temas seculares y el resurgimiento del interés por el teatro griego y romano les brindó la oportunidad perfecta. [43]
La Commedia dell'arte ( literalmente ' comedia de la profesión ' ) [44] fue una forma temprana de teatro profesional, originaria del teatro italiano , que fue popular en toda Europa entre los siglos XVI y XVIII. [45] [46] Anteriormente se llamaba "comedia italiana" en inglés y también se la conoce como commedia alla maschera , commedia improvviso y commedia dell'arte all'improvviso . [47] Caracterizada por"tipos" enmascarados , la comedia fue responsable del surgimiento de actrices como Isabella Andreini [48] y de actuaciones improvisadas basadas en sketches o escenarios. [49] [50] Una comedia , como The Tooth Puller , está escrita e improvisada. [49] [51] Las entradas y salidas de los personajes están escritas. Una característica especial de la comedia es el lazzo , una broma o "algo tonto o ingenioso", generalmente bien conocido por los intérpretes y hasta cierto punto una rutina guionizada. [51] [52] Otra característica de la comedia es la pantomima , que es utilizada principalmente por el personaje Arlecchino, ahora mejor conocido como Arlequín . [53]
Los personajes de la comedia suelen representar tipos sociales fijos y personajes comunes , como ancianos tontos, sirvientes tortuosos u oficiales militares llenos de falsa bravuconería . [49] [54] Los personajes son "personajes reales" exagerados, como un médico sabelotodo llamado Il Dottore , un anciano codicioso llamado Pantalone , o una relación perfecta como los Innamorati . [48] Se formaron muchas compañías para representar comedia , incluida I Gelosi (que tenía actores como Andreini y su esposo Francesco Andreini ), [55] Confidenti Troupe, Desioi Troupe y Fedeli Troupe. [48] [49] La comedia a menudo se representaba al aire libre en plataformas o en áreas populares como una piazza ( plaza de la ciudad ). [47] [49] La forma de teatro se originó en Italia, pero viajó por toda Europa, a veces hasta lugares tan lejanos como Moscú. [56]
La génesis de la comedia puede estar relacionada con el carnaval de Venecia , donde el autor y actor Andrea Calmo había creado el personaje Il Magnifico, precursor del vecchio (anciano) Pantalone, hacia 1570. En el escenario de Flaminio Scala , por ejemplo, Il Magnifico persiste y es intercambiable con Pantalone hasta el siglo XVII. Si bien los personajes de Calmo (que también incluían al Capitán español y un tipo dottore ) no estaban enmascarados, no está claro en qué momento los personajes se pusieron la máscara. Sin embargo, la conexión con el carnaval (el período entre la Epifanía y el Miércoles de Ceniza ) sugeriría que el uso de máscaras era una convención del carnaval y se aplicó en algún momento. La tradición en el norte de Italia se centra en Florencia , Mantua y Venecia, donde las principales empresas quedaron bajo la protección de los distintos duques . Al mismo tiempo, surgió una tradición napolitana en el sur y presentó a la prominente figura escénica Pulcinella , que ha estado asociada durante mucho tiempo con Nápoles y derivó en varios tipos en otros lugares; el más famoso es el personaje de títere Punch (de los espectáculos epónimos de Punch y Judy ) en Inglaterra.
La commedia dell'arte permitió a las mujeres profesionales actuar desde el principio: Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actores de 1564, ha sido mencionada como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras. primadonna y las actrices bien documentadas en Europa. [57]
El teatro renacentista inglés derivó de varias tradiciones teatrales medievales, como las obras de misterio que formaron parte de los festivales religiosos en Inglaterra y otras partes de Europa durante la Edad Media. Otras fuentes incluyen las " obras morales " y el "drama universitario" que intentaban recrear la tragedia ateniense. La tradición italiana de la Commedia dell'arte , así como las elaboradas máscaras que frecuentemente se presentaban en la corte, también contribuyeron a la configuración del teatro público.
Desde antes del reinado de Isabel I, compañías de actores estaban adscritas a las casas de los principales aristócratas y representaban piezas seculares estacionalmente en varios lugares. [58] Estos se convirtieron en la base de los jugadores profesionales que actuaron en el escenario isabelino. Las giras de estos actores reemplazaron gradualmente las representaciones de obras de misterio y moralidad de los actores locales. [58] Una ley de 1572 eliminó cualquier empresa sin licencia que careciera de patrocinio formal al etiquetarlas de vagabundos . [58]
Las autoridades de la ciudad de Londres eran generalmente hostiles a las representaciones públicas, pero su hostilidad fue superada por el gusto de la Reina por las obras de teatro y el apoyo del Consejo Privado. [59] Los teatros surgieron en los suburbios, especialmente en la libertad de Southwark, accesibles a través del Támesis para los habitantes de la ciudad pero fuera del control de las autoridades. Las compañías mantenían la pretensión de que sus actuaciones públicas eran meros ensayos de las frecuentes actuaciones ante la Reina, pero mientras estas últimas sí otorgaban prestigio, las primeras eran la verdadera fuente de ingresos de los jugadores profesionales.
Junto con la economía de la profesión, el carácter del drama cambió hacia el final del período. Bajo Isabel, el drama era una expresión unificada en lo que a clases sociales se refería: la corte veía las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el teatro se orientó más hacia los gustos y valores del público de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I, se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban en las obras acumuladas de las décadas anteriores. [60]
La oposición puritana al escenario (informada por los argumentos de los primeros Padres de la Iglesia que habían escrito diatribas contra los entretenimientos decadentes y violentos de los romanos) argumentaba no sólo que el escenario en general era pagano , sino que cualquier obra que representara una figura religiosa era inherentemente idólatra . En 1642, al estallar la Guerra Civil Inglesa , las autoridades puritanas prohibieron la representación de todas las obras de teatro dentro de los límites de la ciudad de Londres. Un ataque radical contra las supuestas inmoralidades del teatro aplastó lo que quedaba de la tradición dramática en Inglaterra.
Si el protestantismo se caracterizaba por una relación ambivalente con la teatralidad, el catolicismo de la Contrarreforma la utilizaría con fines explícitamente afectivos y evangélicos. [61] Las innovaciones decorativas de las iglesias católicas barrocas evolucionaron simbióticamente con el arte cada vez más sofisticado de la escenografía . Las tradiciones teatrales medievales podían conservarse y desarrollarse en los países católicos, dondequiera que se consideraran edificantes. Los Sacre rappresentazioni en Italia y las celebraciones del Corpus Christi en toda Europa son ejemplos de esto. Autos sacramentales , las obras de un acto en el centro de las celebraciones del Corpus Christi en España, dieron una realización concreta y triunfal a las abstracciones de la teología eucarística católica , la más famosa en manos de Pedro Calderón de la Barca . Si bien el énfasis en la predestinación en la teología protestante había provocado una nueva apreciación del fatalismo en el drama clásico , esto podía contrarrestarse. La idea misma de la tragicomedia era controvertida porque el género era un desarrollo posclásico, pero las tragicomedias se convirtieron en una forma popular de la Contrarreforma porque eran adecuadas para demostrar el funcionamiento benigno de la divina providencia y respaldar el concepto de libre albedrío . Il pastor fido (El pastor fiel), de Giovanni Battista Guarini , escrita en la década de 1580 y publicada en 1602, fue la tragicomedia más influyente del período, mientras que Tirso de Molina se destaca especialmente por subvertir ingeniosamente las implicaciones de sus tramas trágicas mediante finales cómicos. Una anulación similar de las expectativas genéricas, motivada teológicamente, se esconde detrás de tragœdiæ sacræ como el Ermenegildo de Francesco Sforza Pallavicino . [61] Este tipo de tragedia sagrada se desarrolló a partir de dramatizaciones medievales de la vida de los santos; en ellos, los protagonistas mártires mueren de una manera a la vez trágica y triunfante. Para mejorar el fomento de los cultos a los mártires por parte del catolicismo de la Contrarreforma, estas obras podrían homenajear a figuras contemporáneas como Sir Tomás Moro , héroe de varios dramas en toda Europa, o utilizarse para fomentar el sentimiento nacionalista. [61]
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Durante su Edad de Oro , aproximadamente entre 1590 y 1681, [62] España vio un aumento monumental en la producción de teatro en vivo, así como en la importancia del teatro dentro de la sociedad española. Era una forma de arte accesible para todos los participantes en la España del Renacimiento, siendo altamente patrocinada por la clase aristocrática y muy concurrida por las clases bajas. [63] El volumen y la variedad de las obras españolas durante el Siglo de Oro no tuvieron precedentes en la historia del teatro mundial, superando, por ejemplo, la producción dramática del Renacimiento inglés en un factor de al menos cuatro. [62] [63] [64] Aunque este volumen ha sido tanto una fuente de críticas como de elogios para el teatro del Siglo de Oro español, por enfatizar la cantidad antes que la calidad, [65] un gran número de los 10.000 [63] a 30.000 [65 ] Las obras de este período todavía se consideran obras maestras. [66] [67]
Los principales artistas de la época incluyeron a Lope de Vega , un contemporáneo de Shakespeare, que a menudo y contemporáneamente vio su paralelo en la escena española, [68] y Calderón de la Barca , inventor de la zarzuela [69] y sucesor de Lope como el artista preeminente. Dramaturgo español. [70] Gil Vicente , Lope de Rueda y Juan del Encina ayudaron a establecer las bases del teatro español a mediados del siglo XVI, [71] [72] [73] mientras que Francisco de Rojas Zorrilla y Tirso de Molina hicieron importantes contribuciones. en la segunda mitad del Siglo de Oro. [74] [75] Entre los artistas importantes se encontraban Lope de Rueda (anteriormente mencionado entre los dramaturgos) y más tarde Juan Rana. [76] [77]
Las fuentes de influencia del emergente teatro nacional de España fueron tan diversas como el teatro que acabó produciendo esa nación. Las tradiciones narrativas originadas en la Commedia dell'arte italiana [78] y la expresión exclusivamente española de los entretenimientos de juglares itinerantes de Europa occidental [79] [80] contribuyeron a una influencia populista en las narrativas y la música, respectivamente, del teatro español temprano. La crítica neoaristotélica y los dramas litúrgicos, por otra parte, aportaron perspectivas literarias y moralistas. [81] [82] A su vez, el teatro español del Siglo de Oro ha influido dramáticamente en el teatro de generaciones posteriores en Europa y en todo el mundo. El drama español tuvo un impacto inmediato y significativo en los desarrollos contemporáneos del teatro renacentista inglés . [66] También ha tenido un impacto duradero en el teatro en todo el mundo de habla hispana. [83] Además, se está traduciendo un número cada vez mayor de obras, lo que aumenta el alcance del teatro español del Siglo de Oro y fortalece su reputación entre los críticos y los mecenas del teatro. [84]
Dramaturgos destacados:
El teatro griego estaba vivo y floreciente en la isla de Creta. Durante el Renacimiento cretense, dos notables dramaturgos griegos, Georgios Chortatzis y Vitsentzos Kornaros, estuvieron presentes en la última parte del siglo XVI. [85] [86]
Después de que el régimen puritano prohibiera las representaciones teatrales públicas durante 18 años, la reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del teatro inglés. Con la restauración del monarca en 1660 se produjo la restauración y reapertura del teatro. Las comedias inglesas escritas y representadas en el período de la Restauración , entre 1660 y 1710, se denominan colectivamente "comedia de la Restauración". La comedia de la restauración es famosa por su carácter explícito sexual , una cualidad fomentada personalmente por Carlos II (1660-1685) y por el espíritu aristocrático libertino de su corte . Por primera vez se permitió actuar a las mujeres, poniendo fin a la práctica de que los chicos interpretaran papeles de mujeres. Las audiencias socialmente diversas incluían tanto a aristócratas, sus sirvientes y parásitos, como a un segmento sustancial de clase media. Al público de la Restauración le gustaba ver el buen triunfo en sus tragedias y la restauración del gobierno legítimo. En la comedia les gustaba ver las vidas amorosas de los jóvenes y de la moda, con una pareja central que llevaba su noviazgo a una conclusión exitosa (a menudo superando la oposición de los mayores para hacerlo). Las heroínas tenían que ser castas, pero con mentalidad independiente y francas; ahora que eran interpretadas por mujeres, el dramaturgo tenía más posibilidades de disfrazarlas con ropa de hombre o de darles escapatoria por los pelos de la violación. Estos espectadores se sintieron atraídos por las comedias por los escritos de actualidad, las tramas abarrotadas y bulliciosas , la introducción de las primeras actrices profesionales y el ascenso de los primeros actores famosos. Para los no asistentes al teatro, estas comedias eran vistas en general como licenciosas y moralmente sospechosas, que exponían a la admiración las travesuras de una clase pequeña, privilegiada y decadente. Esta misma clase dominaba el público del teatro de la Restauración. Este período vio a la primera dramaturga profesional, Aphra Behn .
Como reacción a la decadencia de las producciones de la época de Carlos II, la comedia sentimental ganó popularidad. Este género se centró en fomentar conductas virtuosas mostrando personajes de clase media superando una serie de pruebas morales. Dramaturgos como Colley Cibber y Richard Steele creían que los humanos eran intrínsecamente buenos pero capaces de extraviarse. A través de obras como The Conscious Lovers y Love's Last Shift, se esforzaron por apelar a los nobles sentimientos del público para que los espectadores pudieran reformarse. [87] [88]
El espectacular de la Restauración , o "juego de máquinas" elaboradamente escenificado, llegó al escenario público de Londres a finales del período de la Restauración del siglo XVII , cautivando al público con acción, música, danza, escenarios móviles , pinturas barrocas ilusionistas , magníficos trajes y efectos especiales como trucos de trampilla , actores "voladores" y fuegos artificiales . Estos programas siempre han tenido mala reputación como amenaza vulgar y comercial al ingenioso y "legítimo" drama de la Restauración ; sin embargo, atrajeron a un número sin precedentes de londinenses y los dejaron deslumbrados y encantados.
Básicamente de cosecha propia y con raíces en las máscaras de la corte de principios del siglo XVII , aunque nunca se avergüenzan de tomar prestadas ideas y tecnología escénica de la ópera francesa , los espectáculos a veces se denominan "ópera inglesa". Sin embargo, su variedad es tan desordenada que la mayoría de los historiadores del teatro desesperan de definirlos como género . [89] Sólo a un puñado de obras de este período se les suele conceder el término "ópera", ya que la dimensión musical de la mayoría de ellas está subordinada a la visual. Fue el espectáculo y el paisaje lo que atrajo a la multitud, como lo demuestran numerosos comentarios en el diario del amante del teatro Samuel Pepys . [90] El gasto de montar producciones escénicas cada vez más elaboradas llevó a las dos compañías de teatro competidoras a una peligrosa espiral de enormes gastos y, en consecuencia, enormes pérdidas o ganancias. Un fiasco como el de Albion y Albanius de John Dryden dejaría a una empresa con graves deudas, mientras que éxitos de taquilla como Psyche de Thomas Shadwell o King Arthur de Dryden la dejarían cómodamente en números positivos durante mucho tiempo. [91]
El neoclasicismo fue la forma dominante de teatro en el siglo XVIII. Exigía decoro y adherencia rigurosa a las unidades clásicas . El teatro neoclásico, así como la época, se caracteriza por su grandiosidad. El vestuario y la escenografía eran intrincados y elaborados. La actuación se caracteriza por grandes gestos y melodrama. El teatro neoclásico abarca las épocas de la Restauración, Augusta y Juanstiniana. En cierto sentido, la época neoclásica sigue directamente a la época del Renacimiento.
Teatros de principios del siglo XVIII: las farsas sexuales de la Restauración fueron reemplazadas por comedias políticamente satíricas, 1737 El Parlamento aprobó la Ley de Licencias de Teatro de 1737 que introdujo la censura estatal de las representaciones públicas y limitó el número de teatros en Londres a dos.
El teatro en el siglo XIX se divide en dos partes: temprana y tardía. El primer período estuvo dominado por el melodrama y el romanticismo .
A partir de Francia, el melodrama se convirtió en la forma teatral más popular. Misantropía y arrepentimiento (1789) de August von Kotzebue a menudo se considera la primera obra melodramática. Las obras de Kotzebue y René Charles Guilbert de Pixérécourt establecieron el melodrama como la forma dramática dominante de principios del siglo XIX. [92]
En Alemania, hubo una tendencia hacia la precisión histórica en el vestuario y los escenarios , una revolución en la arquitectura teatral y la introducción de la forma teatral del romanticismo alemán . Influenciados por las tendencias de la filosofía y las artes visuales del siglo XIX , los escritores alemanes estaban cada vez más fascinados con su pasado teutónico y tenían un creciente sentido de nacionalismo . Las obras de Gotthold Ephraim Lessing , Johann Wolfgang von Goethe , Friedrich Schiller y otros dramaturgos de Sturm und Drang inspiraron una fe creciente en el sentimiento y el instinto como guías del comportamiento moral.
En Gran Bretaña , Percy Bysshe Shelley y Lord Byron fueron los dramaturgos más importantes de su época, aunque las obras de Shelley no se representaron hasta finales de siglo. En los teatros menores, la burleta y el melodrama eran los más populares. Las obras de Kotzebue fueron traducidas al inglés y A Tale of Mystery de Thomas Holcroft fue el primero de muchos melodramas ingleses. Pierce Egan , Douglas William Jerrold , Edward Fitzball y John Baldwin Buckstone iniciaron una tendencia hacia historias más contemporáneas y rurales en lugar de los habituales melodramas históricos o fantásticos. James Sheridan Knowles y Edward Bulwer-Lytton establecieron un drama "caballero" que comenzó a restablecer el antiguo prestigio del teatro entre la aristocracia . [93]
El último período del siglo XIX vio el surgimiento de dos tipos de drama conflictivos: el realismo y el no realismo, como el Simbolismo y los precursores del Expresionismo .
El realismo comenzó antes en el siglo XIX en Rusia que en otras partes de Europa y adoptó una forma más intransigente. [94] Comenzando con las obras de Ivan Turgenev (que utilizó "detalles domésticos para revelar la agitación interna"), Aleksandr Ostrovsky (que fue el primer dramaturgo profesional de Rusia), Aleksey Pisemsky (cuyo Un destino amargo (1859) anticipó el naturalismo ), y Leo Tolstoi (cuya El poder de las tinieblas (1886) es "una de las obras naturalistas más efectivas"), una tradición de realismo psicológico en Rusia que culminó con el establecimiento del Teatro de Arte de Moscú por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko . [95]
La fuerza teatral más importante de la Alemania de finales del siglo XIX fue la de Jorge II, duque de Sajonia-Meiningen y su Meiningen Ensemble , bajo la dirección de Ludwig Chronegk . Las producciones del Ensemble a menudo se consideran las más históricamente precisas del siglo XIX, aunque su objetivo principal era servir a los intereses del dramaturgo. El Meiningen Ensemble se sitúa al comienzo del nuevo movimiento hacia la producción unificada (o lo que Richard Wagner llamaría Gesamtkunstwerk ) y el ascenso del director (a expensas del actor) como artista dominante en la creación teatral. [96]
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El naturalismo , un movimiento teatral nacido de El origen de las especies (1859) de Charles Darwin y de las condiciones políticas y económicas contemporáneas, encontró a su principal proponente en Émile Zola . La realización de las ideas de Zola se vio obstaculizada por la falta de dramaturgos capaces que escribieran drama naturalista. André Antoine surgió en la década de 1880 con su Théâtre Libre , que sólo estaba abierto a miembros y, por tanto, estaba exento de censura. Rápidamente se ganó la aprobación de Zola y comenzó a montar obras naturalistas y otras piezas realistas extranjeras. [97]
En Gran Bretaña, los melodramas, las comedias ligeras, las óperas, Shakespeare y el drama clásico inglés, el burlesque victoriano , las pantomimas , las traducciones de farsas francesas y, a partir de la década de 1860, las operetas francesas, continuaron siendo populares. Las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , como HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885), tuvieron tanto éxito que ampliaron enormemente la audiencia del teatro musical. [98] Esto, junto con un alumbrado público y un transporte mucho mejores en Londres y Nueva York, condujo a un auge de la construcción de teatros de finales de la época victoriana y eduardiana en el West End y en Broadway. Posteriormente, la obra de Henry Arthur Jones y Arthur Wing Pinero inició un nuevo rumbo en la escena inglesa.
Si bien su trabajo allanó el camino, el desarrollo de un drama más significativo se debe principalmente al dramaturgo Henrik Ibsen . Ibsen nació en Noruega en 1828. Escribió veinticinco obras de teatro, las más famosas son Una casa de muñecas (1879), Fantasmas (1881), El pato salvaje (1884) y Hedda Gabler (1890). Además, sus obras Rosmersholm (1886) y When We Dead Awaken (1899) evocan una sensación de fuerzas misteriosas que actúan en el destino humano, lo que se convertiría en un tema importante del simbolismo y del llamado " Teatro del Absurdo ". [ cita necesaria ]
Después de Ibsen, el teatro británico experimentó una revitalización con el trabajo de George Bernard Shaw , Oscar Wilde , John Galsworthy , William Butler Yeats y Harley Granville Barker . A diferencia de la mayor parte del trabajo sombrío e intensamente serio de sus contemporáneos, Shaw y Wilde escribieron principalmente en forma cómica. Las comedias musicales eduardianas fueron extremadamente populares, atrajeron los gustos de la clase media en los gays años noventa [99] y atendieron la preferencia del público por el entretenimiento escapista durante la Primera Guerra Mundial.
Si bien gran parte del teatro del siglo XX continuó y amplió los proyectos del realismo y el naturalismo, también hubo una gran cantidad de teatro experimental que rechazó esas convenciones. Estos experimentos forman parte de los movimientos modernista y posmodernista e incluyeron formas de teatro político , así como trabajos más orientados estéticamente. Ejemplos de ello son: el teatro épico , el Teatro de la Crueldad y el llamado " Teatro del Absurdo ".
El término practicante de teatro pasó a usarse para describir a alguien que crea representaciones teatrales y produce un discurso teórico que informa su trabajo práctico. [100] Un practicante de teatro puede ser un director , un dramaturgo , un actor o, característicamente, a menudo una combinación de estos roles tradicionalmente separados. "Práctica teatral" describe el trabajo colectivo que realizan varios profesionales del teatro. [101] Se utiliza para describir la praxis teatral desde el desarrollo de su ' sistema ' por Konstantin Stanislavski , pasando por la biomecánica de Vsevolod Meyerhold , la epopeya de Bertolt Brecht y el teatro pobre de Jerzy Grotowski , hasta el día de hoy, con la interpretación contemporánea. profesionales del teatro como Augusto Boal con su Teatro del Oprimido , el teatro popular de Darío Fo , la antropología teatral de Eugenio Barba y los puntos de vista de Anne Bogart . [102]
Otras figuras clave del teatro del siglo XX incluyen: Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Chejov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Gertrude Stein , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Heiner Müller y Caryl Churchill .
Varios movimientos estéticos continuaron o surgieron en el siglo XX, entre ellos:
Después de la gran popularidad de las comedias musicales eduardianas británicas , el teatro musical estadounidense pasó a dominar el escenario musical, comenzando con los musicales del Princess Theatre , seguidos por las obras de los hermanos Gershwin, Cole Porter , Jerome Kern , Rodgers y Hart , y más tarde. Rodgers y Hammerstein .
A lo largo de la mayor parte de la historia, las bellas letras inglesas y el teatro han estado separados, pero estas dos formas de arte están interconectadas. [103] Sin embargo, si no aprenden a trabajar mano a mano, puede ser perjudicial para la forma de arte. [104] La prosa de la literatura inglesa y las historias que cuenta deben representarse y el teatro tiene esa capacidad. [105] Desde el principio, el teatro estadounidense ha sido único y diverso, reflejando la sociedad mientras Estados Unidos perseguía su identidad nacional. [106] La primera obra representada, en 1752 en Williamsburg, Virginia, fue "El mercader de Venecia" de Shakespeare . [107] Debido a una fuerte sociedad cristiana , el teatro estuvo prohibido desde 1774 hasta 1789. [108] Este estándar social se debió a que la Biblia era sagrada y cualquier otra diversión (entretenimiento) se consideraba inapropiada, frívola (sin propósito) y sensual (placentero). [109] Durante la prohibición, el teatro a menudo se escondía titulándose a sí mismo como conferencias morales. [110] El teatro hizo una breve pausa debido a la guerra revolucionaria , pero se reanudó rápidamente después de que terminó la guerra en 1781. [108] El teatro comenzó a extenderse hacia el oeste y, a menudo, las ciudades tenían teatros antes de que tuvieran aceras o alcantarillas. [111] Desde el principio hubo varias compañías de teatro profesionales líderes, pero una de las más influyentes estaba en Filadelfia (1794-1815); sin embargo, las raíces de la compañía eran inestables debido a la prohibición del teatro. [108]
A medida que el país se expandió, también lo hizo el teatro; Después de la guerra de 1812, el teatro se dirigió hacia el oeste. [108] Muchos de los nuevos teatros eran administrados por la comunidad , pero en Nueva Orleans los franceses habían iniciado un teatro profesional en 1791. [108] Varias compañías se separaron y establecieron un teatro en Cincinnati, Ohio . [108] El primer teatro oficial del oeste se produjo en 1815, cuando Samuel Drake (1769-1854) llevó su compañía de teatro profesional de Albany a Pittsburgh , al río Ohio y Kentucky . [108] Junto con este circuito, a veces llevaba la compañía a Lexington , Louisville y Frankfort . [108] A veces, dirigía la compañía a Ohio , Indiana , Tennessee y Missouri . [108] Si bien había grupos de equitación en circuito, las comunidades de teatro más permanentes en el oeste a menudo se sentaban en los ríos para que hubiera un fácil acceso en barco. [108] Durante este período, muy pocos teatros estaban sobre el río Ohio y, de hecho, Chicago no tuvo un teatro permanente hasta 1833. [108] Debido a los tiempos turbulentos en Estados Unidos y la crisis económica que se estaba produciendo debido a las guerras, el teatro durante su época más expansiva, experimentó quiebra y cambio de dirección. [108] Además, la mayor parte del teatro estadounidense temprano tuvo una gran influencia europea porque muchos de los actores habían nacido y formado en Inglaterra . [108] Entre 1800 y 1850 la filosofía neoclásica desapareció casi por completo bajo el romanticismo , que fue una gran influencia del teatro estadounidense del siglo XIX que idolatraba al " noble salvaje ". [108] Debido a nuevos descubrimientos psicológicos y métodos de actuación, eventualmente el romanticismo daría origen al realismo . [108] Esta tendencia hacia el realismo se produjo entre 1870 y 1895. [108]
En esta era del teatro, el héroe moral pasa al hombre moderno, que es producto de su entorno. [112] Este cambio importante se debe en parte a la guerra civil porque Estados Unidos ahora estaba manchado con su propia sangre, habiendo perdido su inocencia . [113]
Durante este período del teatro, Hollywood surgió y amenazó al teatro estadounidense. [114] Sin embargo, el teatro durante esta época no decayó, sino que de hecho fue reconocido y notado en todo el mundo. [114] Tennessee Williams y Arthur Miller alcanzaron fama mundial durante este período.
El evento cuasi teatral más antiguo registrado se remonta al año 2000 a. C. con las "obras de la pasión" del Antiguo Egipto . La historia del dios Osiris se representaba anualmente en festivales de toda la civilización. [115]
En la era moderna, el arte del teatro evolucionó en la segunda mitad del siglo XIX a través de la interacción con Europa. Así como el desarrollo de formas teatrales populares que Egipto conoció miles de años antes de esta fecha. [116] [117] [118]
El comienzo estuvo a cargo de Yaqub Sanu y Abu Khalil Qabbani , luego la situación se dividió en grupos de teatro libres, entre ellos la compañía Youssef Wahbi como Fatima Rushdi , que presenta tragedia o tragedia, y Abo El Seoud El Ebiary , Ismail Yassine , Badie' Khayri. , Ali El Kassar y Naguib El-Rihani presentan la comedia de otra manera. [119] [120] [121]
Más de 350 obras se presentaron en las llamadas salas de teatro en los años 1930 y 1940, copresentadas por Bayram El-Tunisi , Amin Sedky, Badie' Khayri y Abo El Seoud El Ebiary y dirigidas por Aziz Eid, Bishara Wakim y Abdel. Aziz Khalil. Además de estadísticas importantes, entre ellas que el grupo del sector privado más longevo es el grupo Rihani . Su actividad duró 67 años, desde 1916 hasta 1983, casi setenta años. El grupo más prolífico del sector privado es la Compañía Ramsés, que produjo más de 240 obras entre 1923 y 1960. La compañía de teatro estatal más longeva es la Compañía Nacional de Teatro, que duró más de 80 años, desde 1935 hasta ahora. [122] [123]
Después de la revolución de 1952 , hubo un grupo de dramaturgos como Alfred Farag , Ali Salem , Noaman Ashour, Saad Eddin Wahba y otros. Zaki, en cuanto a los equipos de países, los directores más prolíficos en producción son los artistas Fattouh Nashati y Zaki Tulaimat. [124]
Entre los dramaturgos egipcios cuyas obras se presentaron en escena se encuentran Amin Sedky, Badi' Khairy, Abu Al-Saud Al-Ebiary y Tawfiq Al-Hakim. La mayoría de los dramaturgos del mundo cuyas obras se presentaron en escena son Molière , Pierre Corneille y William Shakespeare . [125] [126]
La huella de las mujeres quedó clara en la historia del teatro egipcio, que Mounira El Mahdeya inició como la primera cantante y actriz egipcia, y fundadora de un grupo de teatro en su nombre a principios del siglo XX en lugar de levantinos y judíos. Antes de esa época, a las mujeres se les prohibía actuar, lo que provocó un ruido que contribuyó al aumento de su fama. Y Mounira El Mahdeya fue también quien descubrió al músico de generaciones, Mohammed Abdel Wahab , y le dio la oportunidad de completar las melodías de la obra de Cleopatra y Marco Antonio tras la repentina muerte de Sayed Darwish . Ella lo animó a ponerse frente a ella, encarnando el papel de Mark Antonio en el mismo programa. A partir de principios de la década de 1960, las estrellas de cine comenzaron a invadir los cines, como Salah Zulfikar en Una bala en el corazón de 1964, basada en la novela de Tawfiq Al-Hakim de 1933, y muchas otras. En la década de 1970, la comedia era dominante, como Al Ayal Kibrit de 1979.
En 2020, la Ministra de Cultura egipcia , Dra. Ines Abdel-Dayem, dedica la próxima sesión del Festival Nacional de Teatro Egipcio a celebrar el 150 aniversario del inicio del teatro egipcio moderno. Se revisarán los hallazgos del equipo de investigación, formado por Amr Dawara, el guardián de la memoria del teatro, que comenzó desde 1993 a preparar la mayor enciclopedia teatral egipcia que incluye todos los detalles de las representaciones teatrales profesionales durante quince décadas, a partir de 1870 por Yacub Sanu. hasta 2019, durante el cual el número de representaciones alcanzó las 6.300 obras profesionales, que se presentaron al público mediante pago en taquilla. Y se dirigió al cuerpo del libro para imprimir la enciclopedia. Y esa enciclopedia ayudará al lector e investigador a conocer las obras maestras y creaciones del teatro egipcio a lo largo de su historia. [127] [128] [122]
El teatro moderno en Ghana surgió a principios del siglo XX. [129] Surgió primero como un comentario literario sobre la colonización de África por parte de Europa. [129] Entre las primeras obras en las que se puede ver esto se encuentra The Blinkards , escrita por Kobina Sekyi en 1915. The Blinkards es una sátira descarada sobre los africanos que abrazaron la cultura europea que les llegó. En él, Sekyi degrada a tres grupos de individuos: cualquier europeo, cualquiera que imite a los europeos y el rico productor de cacao africano. Sin embargo, esta repentina rebelión fue sólo la chispa inicial del teatro literario ghanés. [129]
Una obra que tiene similitud en su visión satírica es Anowa . Escrito por la autora ghanesa Ama Ata Aidoo , comienza con su heroína epónima, Anowa, rechazando las propuestas de matrimonio concertadas de sus numerosos pretendientes. Ella insiste en tomar sus propias decisiones sobre con quién se va a casar. La obra enfatiza la necesidad de igualdad de género y respeto por las mujeres. [129] Este ideal de independencia, así como de igualdad, lleva a Anowa por un camino sinuoso de felicidad y miseria. Anowa elige a un hombre para casarse. Anowa apoya a su marido Kofi tanto física como emocionalmente. Gracias a su apoyo, Kofi prospera en riqueza, pero se vuelve pobre como ser espiritual. A través de su acumulación de riqueza, Kofi se pierde en ella. Su otrora feliz matrimonio con Anowa cambia cuando comienza a contratar esclavos en lugar de realizar cualquier trabajo él mismo. Para Anowa, esto no tiene sentido porque no convierte a Kofi en mejor que los colonos europeos a quienes detesta por la forma en que siente que han utilizado a la gente de África. Su matrimonio no tiene hijos, lo que se presume fue causado por un ritual en el que Kofi realizó el intercambio de su virilidad por riqueza. El hecho de que Anowa vea la riqueza obtenida por esclavos de Kofi y su incapacidad para tener un hijo la lleva a suicidarse. [129] El nombre Anowa significa "fuerza moral superior", mientras que el de Kofi significa sólo "Nacido el viernes". Esta diferencia incluso en la base de sus nombres parece implicar la superioridad moral de las mujeres en una sociedad dirigida por hombres. [129]
Otra obra importante es El matrimonio de Anansewa , escrita en 1975 por Efua Sutherland . Toda la obra se basa en una tradición oral Akan llamada Anansesem (cuentos populares). El personaje principal de la obra es Ananse (la araña). Las cualidades de Ananse son una de las partes más predominantes de la obra. Ananse es astuta, egoísta, tiene un gran conocimiento de la naturaleza humana y animal, es ambiciosa, elocuente e ingeniosa. Al poner demasiado de sí mismo en todo lo que hace, Ananse arruina cada uno de sus planes y termina pobre. [129] Ananse se utiliza en la obra como una especie de hombre común. Está escrito en un sentido exagerado para forzar el proceso de autoexamen. Ananse se utiliza como una forma de iniciar una conversación para el cambio en la sociedad de cualquiera que lea. La obra cuenta sobre Ananse intentando casar a su hija Anansewa con cualquiera de una selección de jefes ricos, u otro tipo de pretendiente rico simultáneamente, para recaudar dinero. Al final, todos los pretendientes llegan a su casa a la vez y él tiene que utilizar toda su astucia para calmar la situación. [129] El narrador no sólo narra sino que también representa, reacciona y comenta la acción del cuento. Junto con esto, se utiliza Mbuguous, Mbuguous es el nombre que se le da a una secta muy especializada de la técnica teatral ghanesa que permite la participación del público. Las Mbuguous de este cuento son canciones que embellecen el cuento o lo comentan. La espontaneidad a través de esta técnica, así como la improvisación, se utilizan lo suficiente para cumplir con cualquier estándar del teatro moderno. [129]
En su estudio pionero del teatro yoruba , Joel Adedeji rastreó sus orígenes hasta la mascarada del Egungun (el "culto al antepasado"). [130] La ceremonia tradicional culmina con la esencia de la mascarada donde se considera que los antepasados regresan al mundo de los vivos para visitar a sus descendientes. [131] Además de su origen en el ritual, el teatro yoruba puede "rastrearse a la naturaleza 'teatrogénica' de varias deidades en el panteón yoruba , como Obatala, la archidivinidad, Ogun, la divinidad de la creatividad, así como Hierro y tecnología, [132] y Sango la divinidad de la tormenta", cuya reverencia está imbuida "de dramatismo y teatro y de relevancia simbólica general en términos de su interpretación relativa". [133]
La tradición teatral Aláàrìnjó surgió de la mascarada de Egungun en el siglo XVI. El Aláàrìnjó era un grupo de artistas ambulantes cuyas formas enmascaradas tenían un aire de mística. Crearon escenas breves y satíricas que se basaron en una serie de personajes estereotipados establecidos. Sus actuaciones utilizaron mimo , música y acrobacias . La tradición Aláàrìnjó influyó en el popular teatro itinerante, que fue la forma de teatro más prevalente y desarrollada en Nigeria entre los años cincuenta y ochenta. En la década de 1990, el popular teatro ambulante pasó a la televisión y al cine y ahora sólo ofrece representaciones en vivo en raras ocasiones. [134] [135]
El "teatro total" también se desarrolló en Nigeria en los años cincuenta. Utilizó técnicas no naturalistas, imágenes físicas surrealistas y ejerció un uso flexible del lenguaje. Los dramaturgos que escribieron a mediados de la década de 1970 utilizaron algunas de estas técnicas, pero las articularon con "una apreciación radical de los problemas de la sociedad". [136]
Los modos de actuación tradicionales han influido fuertemente en las principales figuras del teatro nigeriano contemporáneo. El trabajo de Hubert Ogunde (a veces denominado el "padre del teatro yoruban contemporáneo") se basó en la tradición Aláàrìnjó y las mascaradas de Egungun. [137] Wole Soyinka , quien es "generalmente reconocido como el dramaturgo vivo más grande de África", le da a la divinidad Ogun un significado metafísico complejo en su trabajo. [138] En su ensayo "La cuarta etapa" (1973), [139] Soyinka contrasta el drama yoruba con el drama ateniense clásico , relacionándolos ambos con el análisis de este último realizado por el filósofo alemán del siglo XIX Friedrich Nietzsche en El nacimiento de la tragedia ( 1872). Ogun, sostiene, es "una totalidad de las virtudes dionisíacas, apolíneas y prometeicas ". [140]
Los defensores del teatro ambulante en Nigeria incluyen a Duro Ladipo y Moses Olaiya (un acto cómico popular). Estos profesionales contribuyeron mucho al campo del teatro africano durante el período de mezcla y experimentación del teatro indígena con el occidental.
La historia del teatro afroamericano tiene un doble origen. El primero tiene sus raíces en el teatro local donde los afroamericanos actuaban en cabañas y parques. Sus actuaciones (cuentos populares, canciones, música y danza) estaban arraigadas en la cultura africana antes de ser influenciadas por el entorno estadounidense. African Grove Theatre fue el primer teatro afroamericano establecido en 1821 por William Henry Brown. [141]
La forma más antigua de teatro indio fue el teatro sánscrito . [142] Surgió en algún momento entre el siglo XV a. C. y el siglo I y floreció entre el siglo I y el X, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. [143] Los textos védicos como el Rigveda proporcionan evidencia de obras dramáticas que se representaban durante las ceremonias de Yajna . Los diálogos mencionados en los textos van desde el monólogo de una persona hasta el diálogo de tres personas, por ejemplo, el diálogo entre Indra, Indrani y Vrishakapi. Los diálogos no son sólo religiosos en su contexto sino también seculares, por ejemplo, un monólogo rigvédico trata sobre un jugador cuya vida está arruinada por ello y se ha distanciado de su esposa y sus padres también lo odian. Panini en el siglo V a. C. menciona un texto dramático Natasutra escrito por dos dramaturgos indios Shilalin y Krishashva. Patanjali también menciona el nombre de obras que se han perdido, como kemsavadha y Balibandha. Las cuevas de Sitabenga que datan del siglo III a. C. y las cuevas de Khandagiri del siglo II a. C. son los primeros ejemplos de arquitectura teatral en la India. [144] Con las conquistas islámicas que comenzaron en los siglos X y XI, el teatro fue desaconsejado o prohibido por completo. [145] Más tarde, en un intento por reafirmar los valores e ideas indígenas, se fomentó el teatro de aldea en todo el subcontinente, desarrollándose en un gran número de idiomas regionales entre los siglos XV y XIX. [146] El teatro indio moderno se desarrolló durante el período de dominio colonial bajo el Imperio Británico , desde mediados del siglo XIX hasta mediados del XX. [147]
Los fragmentos más antiguos del drama sánscrito que se conservan datan del siglo I. [148] La riqueza de evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece ninguna indicación de la existencia de una tradición teatral. [149] Los Vedas (la literatura india más antigua, de entre 1500 y 600 a. C.) no contienen ningún indicio de ello; Aunque un pequeño número de himnos están compuestos en forma de diálogo, los rituales del período védico no parecen haberse convertido en teatro. [149] El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pudieron haber sido las semillas del drama sánscrito. [150] Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los inicios del teatro en la India . [150]
Sin embargo, aunque no se conservan fragmentos de ningún drama anterior a esta fecha, es posible que la literatura budista temprana proporcione la evidencia más antigua de la existencia del teatro indio. Los Pali suttas (que datan del siglo V al III a. C.) se refieren a la existencia de grupos de actores (dirigidos por un actor principal), que representaban dramas en un escenario. Se indica que estos dramas incorporaban danza, pero se enumeraban como una forma distinta de actuación, junto con la danza, el canto y la recitación de cuentos. [151] (Según textos budistas posteriores, el rey Bimbisara , un contemporáneo de Gautama Buda , hizo representar un drama para otro rey. Esto sería ya en el siglo V a. C., pero el evento solo se describe en textos mucho posteriores, desde siglos III-IV d.C.) [152]
La principal fuente de evidencia del teatro sánscrito es Un tratado sobre teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones oscilan entre el 200 a. C. y el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , el atrezzo , la organización de las compañías, el público, los concursos y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. [150] Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito se representaba en terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.
Bajo el patrocinio de las cortes reales, los intérpretes pertenecían a compañías profesionales que estaban dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también pudo haber actuado. [153] Se pensaba que esta tarea era análoga a la de un titiritero : el significado literal de " sutradhara " es "sostenedor de las cuerdas o hilos". [150] Los artistas fueron entrenados rigurosamente en técnica vocal y física. [154] No había prohibiciones contra las artistas femeninas; Las empresas eran exclusivamente masculinas, exclusivamente femeninas y de género mixto. Sin embargo, se consideró que ciertos sentimientos eran inapropiados para los hombres y se pensaba que eran más adecuados para las mujeres. Algunos artistas interpretaron personajes de su propia edad, mientras que otros interpretaron personajes diferentes a los suyos (ya sean más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta mayor atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque la atención se centra principalmente en este último. [155]
Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita . [156] Utilizaba personajes comunes , como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Podría decirse que Kālidāsa en el siglo I a. C. es el mayor dramaturgo sánscrito de la antigua India . Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). Este último se inspiró en una historia del Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). [156]
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. siglo VII). Se dice que escribió las tres obras siguientes: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos abarcan entre ellos toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .
Kutiyattam es el único ejemplar superviviente del antiguo teatro sánscrito, que se cree que se originó a principios de la Era Común y está reconocido oficialmente por la UNESCO como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad . Además, abundan muchas formas de teatro folclórico indio. Bhavai (actores ambulantes) es una forma de teatro popular popular de Gujarat , que se dice que surgió en el siglo XIV d.C. Bhaona y Ankiya Nats han estado practicando en Assam desde principios del siglo XVI y fueron creados e iniciados por Mahapurusha Srimanta Sankardeva . Jatra ha sido popular en Bengala y su origen se remonta al movimiento Bhakti en el siglo XVI. Otra forma de teatro popular popular en Haryana , Uttar Pradesh y la región de Malwa de Madhya Pradesh es el Swang , que está más orientado al diálogo que al movimiento y se considera que surgió en su forma actual a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Yakshagana es un arte teatral muy popular en Karnataka y ha existido con diferentes nombres al menos desde el siglo XVI. Es de naturaleza semiclásica e involucra música y canciones basadas en música carnática , trajes ricos, historias basadas en el Mahabharata y Ramayana . También emplea diálogos hablados entre sus canciones que le dan un sabor de arte popular . Kathakali es una forma de danza-drama, característica de Kerala , que surgió en el siglo XVII, desarrollándose a partir de las obras de arte del templo Krishnanattam y Ramanattam .
Kathakali es una danza dramática india clásica muy estilizada que se destaca por la atractiva composición de los personajes, el vestuario elaborado, los gestos detallados y los movimientos corporales bien definidos presentados en sintonía con la música de reproducción del presentador y la percusión complementaria. Se originó en el actual estado de Kerala durante el siglo XVII [157] y se ha desarrollado a lo largo de los años con una apariencia mejorada, gestos refinados y temas agregados además de cantos más ornamentados y tambores precisos.
Rabindranath Tagore fue un dramaturgo moderno pionero que escribió obras destacadas por su exploración y cuestionamiento del nacionalismo, la identidad, el espiritualismo y la codicia material. [158] Sus obras están escritas en bengalí e incluyen Chitra ( Chitrangada , 1892), El rey de la cámara oscura ( Raja , 1910), La oficina de correos ( Dakghar , 1913) y Adelfa roja ( Raktakarabi , 1924). [158]
Hay referencias a espectáculos teatrales en China ya en el año 1500 a. C. durante la dinastía Shang ; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas.
Durante la dinastía Han, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma de teatro reconocida en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, el cantonés del sur y el pequinés del norte. Los dos estilos se diferenciaban por el método de confección de los títeres y la colocación de las varillas sobre los títeres, a diferencia del tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos representaban generalmente obras que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizaba esta forma tan estilizada de teatro para propaganda política. Las marionetas de sombras cantonesas eran las más grandes de las dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también prevaleció mucho; un rostro negro representaba honestidad, uno rojo valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses estaban unidas perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, el público no los vio cuando se creó la sombra. Los títeres pekineses eran más delicados y más pequeños. Fueron creados a partir de cuero fino y translúcido, generalmente extraído del vientre de un burro. Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectan una sombra muy colorida. Las finas varillas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se encontraban fuera de la sombra del títere; por tanto no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas a los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se utilizaban, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que, si se dejaban intactas, las marionetas cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron incluso a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
La dinastía Tang a veces se conoce como "La era de los 1.000 entretenimientos". Durante esta época, el emperador Xuanzong formó una escuela de actuación conocida como Children of the Pear Garden para producir una forma de drama que fuera principalmente musical.
En la dinastía Song , hubo muchas obras de teatro populares que incluían acrobacias y música. Estos evolucionaron en la dinastía Yuan hacia una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos.
El drama Yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Beijing, que sigue siendo popular en la actualidad.
El teatro indonesio se ha convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante cientos de años. La mayoría de las formas teatrales más antiguas de Indonesia están directamente vinculadas a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los destacados teatros de marionetas –el wayang golek (obra de títeres con varillas de madera) de los sundaneses y el wayang kulit (obra de títeres de sombras de cuero) de los javaneses y balineses– extraen gran parte de su repertorio de versiones autóctonas del Ramayana y el Mahabharata . Estos cuentos también proporcionan material de partida para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. Wayang wong es un tipo de representación teatral de danza clásica javanesa con temas tomados de episodios del Ramayana o Mahabharata. Los paneles en bajorrelieve del templo de Prambanan, del siglo IX, muestran episodios de la epopeya del Ramayana. La adaptación de episodios del Mahabharata se ha integrado en la tradición literaria javanesa desde la era Kahuripan y Kediri, con ejemplos notables como Arjunawiwaha , compuesto por Mpu Kanwa en el siglo XI. El templo de Penataran en Java Oriental representa temas del Ramayana y el Mahabharata en sus bajorrelieves. Wayang wong fue una representación al estilo del wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en la que actores y actrices asumieron los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma se encuentra en la inscripción en piedra Wimalarama de Java Oriental que data del año 930 d.C. El género se practica actualmente en variaciones enmascaradas y desenmascaradas en Java Central , Bali y Cirebon , así como en Sundanés ( Java Occidental ). [159] [160] [161]
En Camboya , en la antigua capital, Angkor Wat , se han grabado historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata en las paredes de templos y palacios.
En Tailandia , ha sido una tradición desde la Edad Media representar obras basadas en tramas extraídas de epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional tailandesa Ramakien , una versión del Ramayana indio , sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy.
Durante el reinado de 333 años del gobierno español, introdujeron en las islas la religión católica y el modo de vida español, que gradualmente se fusionaron con la cultura indígena para formar la “cultura popular de las tierras bajas” que ahora comparten los principales grupos etnolingüísticos. Hoy en día, las formas dramáticas introducidas o influenciadas por España continúan viviendo en las zonas rurales de todo el archipiélago. Estas formas incluyen la komedya, las playlets, el sinakulo, la sarswela y el drama. En los últimos años, algunas de estas formas se han revitalizado para hacerlas más receptivas a las condiciones y necesidades de una nación en desarrollo.
Durante el siglo XIV, había pequeñas compañías de actores en Japón que representaban comedias breves, a veces vulgares. El director de una de estas compañías, Kan'ami (1333-1384), tenía un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), considerado uno de los mejores niños actores de Japón. Cuando la compañía de Kan'ami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el Shōgun de Japón, le imploró a Zeami que recibiera una educación en la corte para sus artes. Después de que Zeami sucedió a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es Noh . Este estilo , una mezcla de pantomima y acrobacia vocal, ha fascinado a los japoneses durante cientos de años.
Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, estaba unificado y en paz principalmente gracias al shōgun Tokugawa Ieyasu (1543-1616). Sin embargo, alarmado por el creciente crecimiento cristiano, cortó el contacto entre Japón y Europa y China y prohibió el cristianismo. Cuando llegó la paz, un florecimiento de la influencia cultural y una creciente clase mercantil exigieron su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que floreció fue el Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku ). El fundador y principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. Ningyō jōruri es una forma muy estilizada de teatro que utiliza títeres, hoy en día aproximadamente 1/3 del tamaño de un humano. Los hombres que controlan los títeres se entrenan toda su vida para convertirse en maestros titiriteros, cuando luego pueden operar la cabeza y el brazo derecho del títere y elegir mostrar sus rostros durante la representación. Los otros titiriteros, que controlan los miembros menos importantes del títere, se cubren a sí mismos y a sus rostros con un traje negro, para dar a entender su invisibilidad. El diálogo lo maneja una sola persona, que utiliza variados tonos de voz y modales al hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su carrera, la mayoría de las cuales todavía se utilizan en la actualidad. Llevaban máscaras en lugar de maquillaje elaborado. Las máscaras definen su género, personalidad y estados de ánimo en los que se encuentra el actor.
El Kabuki comenzó poco después del Bunraku, la leyenda lo cuenta una actriz llamada Okuni, que vivió a finales del siglo XVI. La mayor parte del material de Kabuki proviene del Nõ y del Bunraku, y sus movimientos erráticos de tipo danza también son un efecto del Bunraku. Sin embargo, el Kabuki es menos formal y más distante que el Nõ, pero muy popular entre el público japonés. Los actores están capacitados en muchas cosas variadas, incluido el baile, el canto, la pantomima e incluso la acrobacia. El Kabuki fue interpretado primero por niñas, luego por niños y, a finales del siglo XVI, las compañías de Kabuki estaban formadas exclusivamente por hombres. Los hombres que retrataron a las mujeres en el escenario fueron entrenados específicamente para extraer la esencia de una mujer en sus movimientos y gestos sutiles.
Butoh es el nombre colectivo de una amplia gama de actividades, técnicas y motivaciones para la danza, la actuación o el movimiento inspirado en el movimiento Ankoku-Butoh (暗黒舞踏, ankoku butō ) . Por lo general, involucra imágenes lúdicas y grotescas, temas tabú, entornos extremos o absurdos, y tradicionalmente se representa con maquillaje corporal blanco y movimientos lentos hipercontrolados, con o sin audiencia. No existe un estilo establecido y puede ser puramente conceptual sin ningún movimiento. Sus orígenes se han atribuido a las leyendas de la danza japonesa Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno . Butoh apareció por primera vez en Japón después de la Segunda Guerra Mundial y específicamente después de los disturbios estudiantiles . Las funciones de la autoridad estaban ahora sujetas a desafío y subversión. También apareció como una reacción contra la escena de danza contemporánea en Japón, que Hijikata sentía que se basaba, por un lado, en imitar a Occidente y, por otro, en imitar al Noh . Criticó el estado actual de la danza como demasiado superficial.
La primera mención de obras de teatro en el Imperio Otomano está relacionada con la aparición de judíos españoles allí a finales de los siglos XV y XVI. Posteriormente, otras minorías, como los romaníes, los griegos y los armenios, se involucraron en este campo. Posteriormente, el equivalente turco de la commedia dell'arte , la Orta oyunu, se hizo muy popular en todo el Imperio. [162]
Las formas de teatro más populares en el mundo islámico medieval eran el teatro de marionetas (que incluía títeres de mano , juegos de sombras y producciones de marionetas ) y obras de pasión en vivo conocidas como ta'ziya , en las que los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares conocidas como akhraja se registraron en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya . [163]
