El desarrollo del teatro musical se refiere al desarrollo histórico de la representación teatral combinada con la música que culminó en la forma integrada del teatro musical moderno que combina canciones, diálogo hablado , actuación y danza. Aunque la música ha sido parte de las presentaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical occidental moderno se desarrolló a partir de varias líneas de antecedentes que evolucionaron a lo largo de varios siglos hasta el siglo XVIII, cuando la ópera balada y la pantomima surgieron en Inglaterra y sus colonias como las formas más populares de entretenimiento musical.
En el siglo XIX, tras el desarrollo de la opereta europea , muchos de los elementos estructurales del teatro musical moderno se establecieron con las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las de Harrigan y Hart en Estados Unidos. A estas les siguieron las comedias musicales eduardianas , que comenzaron en la década de 1890 en Inglaterra, y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a principios del siglo XX. Los musicales del Princess Theatre en la ciudad de Nueva York durante la Primera Guerra Mundial y otros espectáculos inteligentes como Of Thee I Sing (1931) fueron pasos artísticos más allá de las revistas y otros entretenimientos espumosos de principios del siglo XX y dieron lugar al musical "de libro" moderno, donde las canciones y los bailes se integran plenamente en una historia bien hecha con objetivos dramáticos serios que es capaz de evocar emociones genuinas distintas de la risa. [1] [2]
Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia , donde la música y la danza se incluyeron en comedias y tragedias teatrales durante el siglo V a. C. [3] [4] Los dramaturgos Esquilo y Sófocles compusieron su propia música para acompañar sus obras y coreografiaron las danzas del coro . [5] [6] Las comedias romanas del siglo III a. C. de Plauto incluían rutinas de canto y danza interpretadas con orquestaciones. Los romanos también introdujeron innovaciones técnicas. Por ejemplo, para hacer que los pasos de baile fueran más audibles en grandes teatros al aire libre, los actores romanos adherían chips de metal llamados sabilla a su calzado escénico, creando los primeros zapatos de claqué . [7] Sin embargo, la música de todas estas formas se ha perdido, y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. [8]
En la Edad Media , el teatro en Europa consistía principalmente en trovadores itinerantes y pequeñas compañías de actores que cantaban y ofrecían comedias de payasadas. [9] En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos, como El drama de Herodes y El drama de Daniel , enseñaban la liturgia , acompañada de cantos de iglesia. Más tarde se crearon " obras de misterio " que contaban una historia bíblica en una secuencia de partes entretenidas. Varios carros de desfile (escenarios sobre ruedas) se movían por la ciudad y un grupo de actores contaba su parte de la historia. Una vez terminado, el grupo se movía con su carro y llegaba el siguiente grupo para contar su parte de la historia. Estas obras se convirtieron en una forma autónoma de teatro musical, con formas poéticas que a veces se alternaban con los diálogos en prosa y los cantos litúrgicos. La poesía se complementaba con melodías modificadas o completamente nuevas. [10]
El Renacimiento europeo vio cómo formas más antiguas evolucionaban hacia la commedia dell'arte , una tradición italiana en la que payasos estridentes improvisaban a través de historias familiares, y más tarde, la ópera buffa . En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobinas incluían con frecuencia música, con interpretaciones en órganos, laúdes, violas y flautas hasta una hora antes y durante la representación. [11] Las obras, quizás en particular las historias y tragedias más pesadas, se interrumpían con frecuencia con una obra musical corta, tal vez derivada del intermezzo italiano , con música, chistes y baile, o eran seguidas por una pieza posterior conocida como jigg, que a menudo consistía en un diálogo escandaloso o difamatorio ambientado en melodías populares (anticipando la Ballad Opera ). [12] Las mascaradas de la corte también se desarrollaron durante el período Tudor que involucraban música, baile, canto y actuación, a menudo con trajes costosos y un diseño escénico complejo , a veces por un arquitecto de renombre como Inigo Jones , presentaba una alegoría deferente que halagaba a un patrón noble o real. [13] Ben Jonson escribió muchas mascaradas, a menudo en colaboración con Jones. William Shakespeare a menudo incluía secciones de mascaradas en sus obras. [14]
Las secciones musicales de las mascaradas se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, la primera de las cuales suele considerarse El asedio de Rodas (1656) de William Davenant , originalmente presentada en una representación privada. [15] Mientras tanto, en Francia, Molière convirtió varias de sus comedias farsescas en entretenimientos musicales con canciones (música proporcionada por Jean Baptiste Lully ) y danza a fines del siglo XVII. Su Psique fue el modelo para una ópera inglesa de Thomas Shadwell , El avaro producida en 1672. [16] Davenant produjo La tempestad en 1667, que fue la primera trama de Shakespeare puesta en música, y luego fue adaptada por Shadwell en una ópera en 1674 (compuesta por Matthew Locke y otros). [16] Alrededor de 1683, John Blow compuso Venus y Adonis , a menudo considerada la primera ópera verdaderamente en idioma inglés. [17] A Blow le siguió Henry Purcell y un breve período de ópera inglesa . Después de la muerte de Carlos II en 1685, la ópera inglesa empezó a pasar de moda. [15]
En el siglo XVIII, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña eran las óperas baladas , como The Beggar's Opera (1728) de John Gay , que incluían letras escritas con las melodías de canciones populares de la época (a menudo parodiando la ópera), y más tarde la forma en desarrollo de pantomima y óperas cómicas con partituras originales y tramas principalmente románticas, como The Bohemian Girl (1845) de Michael Balfe . Mientras tanto, en el continente, estaban surgiendo el singspiel , la comédie en vodevil , la opéra comique y otras formas de entretenimiento musical ligero. Otras formas de teatro musical se desarrollaron en el siglo XIX, como el music hall y el melodrama . Los melodramas y las burlettas , en particular, se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo como music hall y no se les permitía presentar obras sin música. Algunos teatros sin licencia evitaron las restricciones legales al ofrecer espectáculos musicales supuestamente gratuitos mientras servían té a precios enormemente inflados. En 1820, una nueva ordenanza restringió todas las producciones teatrales sin licencia a no más de seis canciones, que tenían que ser una parte orgánica de la obra en lugar de una pausa o digresión. [18] En cualquier caso, el nombre de una pieza no definía necesariamente lo que era. La extravagancia de Broadway The Magic Deer (1852) se publicitó como "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment" (Un cuento burlesco, extravagante, histórico, operístico, trágico, serio y cómico de encantamiento). [9]
La primera obra de teatro de larga duración de la que se tiene registro fue The Beggar's Opera , que se representó durante 62 funciones sucesivas en 1728. Pasaría casi un siglo antes de que la primera obra superara las 100 representaciones, con Tom y Jerry , basada en el libro Life in London (1821), y el récord pronto alcanzó las 150 a finales de la década de 1820. [19] La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de doce actores a las colonias con su hermano Lewis como su gerente. [20] Establecieron un teatro en Williamsburg, Virginia y abrieron con El mercader de Venecia y El anatomista . La compañía se trasladó a Nueva York en el verano de 1753, representando óperas-baladas como The Beggar's Opera y baladas-farsas como Damon y Phillida . [20] En la década de 1840, PT Barnum operaba un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. [21] Otros teatros musicales tempranos en Estados Unidos consistieron en formas británicas, como la burletta y la pantomima. [8] El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad al centro de la ciudad a partir de 1850, en busca de precios inmobiliarios más económicos, y no llegó al área de Times Square hasta los años 1920 y 1930. El primer musical "de larga duración" de Broadway fue un éxito de 50 funciones llamado The Elves en 1857. Las funciones en Nueva York continuaron muy por detrás de las de Londres, pero la "burletta musical" de Laura Keene, Seven Sisters (1860), rompió los récords anteriores de Nueva York con una serie de 253 funciones. [22]
Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llegó a llamarse opérette . [24] Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach desde la década de 1850 hasta la de 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. [8] Las fértiles melodías de Offenbach, combinadas con la ingeniosa sátira de sus libretistas, formaron un modelo para el teatro musical que siguió. En 1957, Mark Lubbock rastreó el desarrollo del teatro musical desde Offenbach hasta Gilbert y Sullivan y, finalmente, hasta Irving Berlin y Rodgers y Hammerstein , escribiendo: "Offenbach es, sin duda, la figura más significativa en la historia del 'musical'. [25] A mediados del siglo XIX en Inglaterra, el teatro musical consistía principalmente en music hall , adaptaciones de las operetas francesas (interpretadas en traducciones malas y atrevidas) y burlescos musicales (cuya culminación se vio en el Teatro Gaiety a partir de 1868). En reacción a estos, se crearon algunos entretenimientos familiares, como los Reed Entertainments alemanes . [26]
En Estados Unidos, los espectáculos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluían la cruda revista de variedades , que finalmente se convirtió en vodevil , los espectáculos de juglares , que pronto cruzaron el Atlántico hacia Gran Bretaña, y el burlesque victoriano, popularizado por primera vez en los EE. UU. por las compañías británicas. [8] Un entretenimiento musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook , combinó danza y algo de música original que ayudó a contar la historia. La espectacular producción, famosa por sus escasos vestuarios, tuvo un récord de 474 funciones. [27] [28] El mismo año, The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer espectáculo en llamarse a sí mismo una "comedia musical". En 1874, Evangeline or The Belle of Arcadia , de Edward E. Rice y J. Cheever Goodwin , basada libremente en Evangeline de Longfellow , con una historia y música estadounidenses originales, se estrenó con éxito en Nueva York y fue reestrenada en Boston, Nueva York y en repetidas giras. [29] Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1885, con libreto y letras de Harrigan y música de su suegro David Braham. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomados de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York. Protagonizaban cantantes de alta calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ) en lugar de las damas de dudosa reputación que habían protagonizado formas musicales anteriores. Las hermanas Hyers también fueron pioneras del teatro musical estadounidense, contando las historias de la esclavitud y la libertad afroamericana a través de obras musicales en la década de 1870. [30] En 1879, The Brook de Nate Salsbury fue otro éxito nacional con estilos de danza estadounidense contemporáneos y una historia estadounidense sobre "miembros de una compañía de actuación que hacen un viaje por un río... con muchos obstáculos y contratiempos en el camino". [29]
La duración de las funciones en el teatro cambió rápidamente casi al mismo tiempo que surgió el musical moderno. A medida que el transporte mejoró, la pobreza en Londres y Nueva York disminuyó y el alumbrado público permitió viajar de noche de forma más segura, el número de potenciales clientes para el creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras podían durar más tiempo y seguir atrayendo al público, lo que generaba mayores ganancias y valores de producción mejorados. La primera obra que logró 500 funciones consecutivas fue la comedia londinense (no musical) Our Boys , que se estrenó en 1875 y estableció un nuevo récord asombroso de 1362 funciones. [19] Esta carrera no fue igualada en el escenario musical hasta la Primera Guerra Mundial , pero el teatro musical pronto rompió la marca de 500 representaciones en Londres, más notablemente por la serie de más de una docena de éxitos de ópera cómica de Gilbert y Sullivan para toda la familia , incluyendo HMS Pinafore en 1878 y The Mikado en 1885. Estas fueron sensaciones en ambos lados del Atlántico [31] y, junto con los otros cambios en el teatro, elevaron el estándar de lo que se consideraba una carrera exitosa. Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la carrera de Mikado: The Chimes of Normandy ( Les Cloches de Corneville ) se representó durante 705 funciones en 1878 en Londres, y el éxito de Alfred Cellier y BC Stephenson de 1886, Dorothy (un espectáculo a medio camino entre la ópera cómica y la comedia musical), estableció un nuevo récord con 931 funciones.
La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" musicales de modo que las letras y los diálogos estuvieran diseñados para desarrollar una historia coherente. [32] [33] Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales como Ivan Caryll , Lionel Monckton , PG Wodehouse , [34] [35] y Victor Herbert , y más tarde Jerome Kern , Ira Gershwin , Lorenz Hart , Alan Jay Lerner , [31] Yip Harburg , [36] Irving Berlin , Ivor Novello , Oscar Hammerstein II y Andrew Lloyd Webber . [37] Otros compositores británicos de las décadas de 1870 y 1880 incluyeron a Edward Solomon y F. Osmond Carr . Los espectáculos británicos más populares, comenzando con las óperas Savoy , también disfrutaron de rentables producciones en Nueva York y giras por Gran Bretaña, Estados Unidos, Europa, Australasia y Sudáfrica. Estos espectáculos eran para públicos "respetables", un marcado contraste con los burlescos atrevidos, los melodramas, los espectáculos de juglares, los espectáculos obscenos de music hall y las operetas francesas que dominaban el escenario antes de Gilbert y Sullivan y atraían a una multitud a veces sórdida que buscaba un entretenimiento menos sano. [26]
EspañolA Trip to Chinatown (1891) de Charles H. Hoyt fue la obra que más tiempo estuvo en cartel en Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 representaciones. Las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan fueron pirateadas e imitadas en Nueva York por producciones como Robin Hood (1891) de Reginald de Koven y El Capitán (1896) de John Philip Sousa . A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en un teatro de Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de minstrel ), seguida por Clorindy, or the Origin of the Cakewalk (1898), con tintes de ragtime , y la muy exitosa In Dahomey (1902). En la década de 1890 y principios del siglo XX se representaron cientos de comedias musicales en Broadway compuestas por canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York por compositores como Gus Edwards , John Walter Bratton y George M. Cohan ( Little Johnny Jones (1904)). Aun así, las funciones en Nueva York continuaron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las funciones en Londres, hasta la década de 1920. [19] Sin embargo, las giras a menudo eran extensas, comenzando con el elenco original de Broadway. [38]
Mientras tanto, los musicales se habían extendido a los escenarios londinenses en los años noventa . George Edwardes había dejado la dirección del Teatro Savoy de Richard D'Oyly Carte . Se hizo cargo del Teatro Gaiety y, al principio, mejoró la calidad de los viejos burlescos. Percibió que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas de estilo Savoy y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical moderno y familiar, con canciones populares alegres, bromas románticas y elegantes y un espectáculo elegante en el Gaiety, el Teatro Daly y otros lugares. Estos recurrieron a las tradiciones de la ópera cómica y también utilizaron elementos del burlesque y de las piezas de Harrigan y Hart. Reemplazó a las mujeres obscenas del burlesque con su "respetable" cuerpo de baile, cantando Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito de las primeras, In Town en 1892 y A Gaiety Girl en 1893, confirmó a Edwardes en el camino que estaba tomando. Estas "comedias musicales", como las llamaba, revolucionaron los escenarios londinenses y marcaron la pauta para las siguientes tres décadas.
Los primeros éxitos de Edwardes en Gaiety incluyeron una serie de espectáculos ligeros y románticos en los que la pobre doncella ama a un aristócrata y lo conquista contra todo pronóstico, generalmente con la palabra "Girl" en el título, entre ellos The Shop Girl (1894) y A Runaway Girl (1898), con música de Ivan Caryll y Lionel Monckton . Estos espectáculos fueron inmediatamente copiados en otros teatros de Londres (y pronto en Estados Unidos), y la comedia musical eduardiana arrasó con las formas musicales anteriores de la ópera cómica y la opereta. En el Teatro Daly , Edwardes presentó éxitos cómicos ligeramente más complejos. The Geisha (1896) de Sidney Jones con letras de Harry Greenbank y Adrian Ross y luego San Toy (1899) de Jones se presentaron durante más de dos años y también tuvieron un gran éxito internacional, por ejemplo en producciones australianas de JC Williamson .
La comedia musical británica Florodora (1899) de Leslie Stuart y Paul Rubens causó sensación en ambos lados del Atlántico, al igual que A Chinese Honeymoon (1901), del letrista británico George Dance y el compositor estadounidense Howard Talbot , que tuvo un récord de 1074 representaciones en Londres y 376 en Nueva York. La historia trata de parejas que pasan su luna de miel en China y sin darse cuenta rompen las leyes sobre los besos (reminiscencias de El Mikado ). The Belle of New York (1898) tuvo 697 representaciones en Londres después de una breve temporada en Nueva York, convirtiéndose en el primer musical estadounidense en presentarse durante más de un año en Londres. Después del cambio de siglo, Seymour Hicks (que unió fuerzas con el productor estadounidense Charles Frohman ) escribió espectáculos populares con el compositor Charles Taylor y otros, y Edwardes y Ross continuaron produciendo éxitos como The Toreador (1901), A Country Girl (1902), The Orchid (1903), The Girls of Gottenberg (1907) y Our Miss Gibbs (1909). Otros éxitos de comedia musical eduardiana incluyeron The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910). [39]
Prácticamente eliminadas de los escenarios de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas en la década de 1890, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con La viuda alegre , y las operetas y los musicales se convirtieron en competidores directos por un tiempo. En los primeros años del siglo XX, las adaptaciones en inglés de operetas continentales del siglo XIX, así como las operetas de una nueva generación de compositores europeos, como Franz Lehár y Oscar Straus , entre otros, se difundieron por todo el mundo angloparlante. En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas famosas ( The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) y Naughty Marietta (1910)), a menudo con el libretista Harry B. Smith , así como algunas obras musicales íntimas con ambientaciones modernas. En los países de habla inglesa, durante la Primera Guerra Mundial , la opereta en alemán perdió su popularidad. [40]
Entre otros compositores y libretistas británicos y estadounidenses de la década de 1910, destacó el equipo formado por PG Wodehouse , Guy Bolton y Jerome Kern . Siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan , sus « Princess Theatre shows» allanaron el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podía combinar entretenimiento ligero y popular con continuidad entre su historia y sus canciones: [32]
"Estos espectáculos construyeron y pulieron el molde a partir del cual evolucionaron casi todas las comedias musicales importantes posteriores... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles y el humor provenía de las situaciones o la naturaleza de los personajes. Las melodías exquisitamente fluidas de Kern se emplearon para promover la acción o desarrollar la caracterización. La integración de la canción y la historia se anuncia periódicamente como un gran avance en... el teatro musical. La gran ópera siempre ha hecho esto, y es fácil demostrar tal integración en Gilbert y Sullivan o la ópera bouffe francesa . Sin embargo, la comedia musical temprana a menudo era culpable de insertar canciones de manera impredecible. Los musicales del Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el letrista más observador, culto e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se siente hasta el día de hoy. [41]
El público aficionado al teatro necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial , y acudió en masa al teatro. El musical de éxito de 1919 Irene de Harry Tierney y Joseph McCarthy tuvo 670 representaciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta Hellzapoppin de 1938. El público británico apoyó funciones mucho más largas como la de Maid of the Mountains (1.352 representaciones) y especialmente Chu Chin Chow . Su duración de 2.238 representaciones fue más del doble que la de cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años hasta Salad Days . Revistas como The Bing Boys Are Here en Gran Bretaña, y las de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos, también fueron extraordinariamente populares. Una nueva generación de compositores de operetas surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg . [9]
La primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue gradualmente reemplazada por la innovación estadounidense en el siglo XX. El competidor y homólogo de Edwardes en los EE. UU. fue Charles Frohman y su Theatrical Syndicate . Los entretenimientos musicales de George M. Cohan y Herbert después del cambio de siglo dieron paso a los espectáculos del Princess Theatre y a una profusión de otros musicales a medida que Kern y otros compositores de Tin Pan Alley comenzaron a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz a los teatros. Los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway después de la guerra a medida que nuevos escritores como los hermanos Gershwin ( George e Ira ), Irving Berlin y Rodgers y Hart comenzaron a producir espectáculos. El escritor de teatro musical Andrew Lamb señala: "El triunfo de las obras estadounidenses sobre las europeas en las primeras décadas del siglo XX se produjo en un contexto social cambiante. Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más adecuado a la sociedad del siglo XX y a su idioma vernáculo. Fue en Estados Unidos donde surgió el estilo más directo, y en Estados Unidos donde pudo florecer en una sociedad en desarrollo menos limitada por la tradición del siglo XIX". [8] [42]
Los musicales de los locos años veinte , que tomaban elementos del vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar a los actores y actrices estrella, las grandes rutinas de baile y las canciones populares, a expensas de la trama. Típicas de la década fueron las producciones desenfadadas como Sally ; Lady Be Good ; Sunny ; No, No, Nanette ; Oh, Kay! y Funny Face . Si bien los libretos de estos espectáculos pueden haber sido olvidables, presentaron estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares perdurables (" standards ") de, sobre todo, Jerome Kern, los hermanos Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter , Vincent Youmans y el equipo de Richard Rodgers y Lorenz Hart . A lo largo de la primera mitad del siglo XX, la música popular estuvo dominada por compositores y letristas de teatro musical. Estos musicales y los estándares que produjeron, incluidos " Fascinating Rhythm ", " Tea for Two " y " Someone to Watch Over Me ", se hicieron populares en ambos lados del océano Atlántico.
Muchos espectáculos eran revistas , series de sketches y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Los más conocidos de estos fueron los anuales Ziegfeld Follies , espectaculares revistas de canto y baile en Broadway que presentaban decorados extravagantes, vestuario elaborado y hermosas coristas. [8] Estos espectáculos también aumentaron los valores de producción y, en general, montar un musical se volvió más caro. Shuffle Along , un espectáculo totalmente afroamericano, fue un éxito en Broadway. [43] En Londres, estrellas como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares. Mientras tanto, las operetas, que habían estado casi ausentes del escenario de habla inglesa desde la Primera Guerra Mundial, tuvieron un último estallido de popularidad; las obras de compositores de Europa continental tuvieron éxito, al igual que las de Sigmund Romberg y Rudolf Friml en Estados Unidos, que incluyeron Rose-Marie y El príncipe estudiante respectivamente. La última opereta de éxito de la época en Broadway fue La luna nueva de Romberg en 1928. [44]
El Show Boat , que se estrenó el 27 de diciembre de 1927 en el Teatro Ziegfeld de Nueva York, fue un musical mucho más frívolo y sentimental de la década, y representó una integración aún más completa de libreto y partitura que los musicales del Princess Theatre, con temas dramáticos contados a través de la música, el diálogo, la ambientación y el movimiento. Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con la habilidad de Oscar Hammerstein II , quien adaptó la novela de Edna Ferber y escribió la letra del espectáculo. Un historiador escribió: "Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical, a diferencia de la comedia musical. Ahora... la obra era lo importante, y todo lo demás estaba subordinado a esa obra. Ahora... llegó la integración completa de la canción, el humor y los números de producción en una entidad artística única e inextricable". [45] Sin embargo, Bordman sostiene que " Show Boat es sin duda una opereta con sus muchos pasajes ariosos , su profundidad y seriedad musical y su historia romántica ambientada, al estilo típico de la opereta, en un pasado lejano y lejano". [41] Sin embargo, cuando la Gran Depresión se instaló durante la gira nacional posterior a Broadway de Show Boat , el público volvió al entretenimiento ligero, estridente y escapista, y no se produjo ninguna secuela que tratara con tanta seriedad temas sociales serios hasta Oklahoma! en 1943. [41]
El cine supuso un reto para el teatro. Al principio, las películas eran mudas y sólo presentaban una competencia limitada al teatro. Pero a finales de la década de 1920, películas como El cantante de jazz podían presentarse con sonido sincronizado. Las películas habladas a bajo precio acabaron con el vodevil a principios de la década de 1930. El historiador John Kenrick comentó: "Las principales estrellas del vodevil filmaban sus actuaciones a cambio de un pago único, lo que sin darse cuenta contribuyó a acelerar la muerte del vodevil. Después de todo, cuando los teatros de "pequeña categoría" podían ofrecer a los artistas de "gran categoría" en pantalla a cinco centavos la entrada, ¿quién podía pedirle al público que pagara cantidades más altas por un talento en vivo menos impresionante?" [46]
La Gran Depresión afectó al público teatral de ambos lados del Atlántico, ya que la gente tenía poco dinero para gastar en entretenimiento. Solo unos pocos espectáculos teatrales superaron las 500 funciones en Broadway o en Londres durante la década.
Muchos espectáculos continuaron con el estilo alegre de canto y baile de sus predecesores de la década de 1920. La revista The Band Wagon (1931) tuvo como protagonistas a los bailarines Fred Astaire y su hermana Adele , mientras que Anything Goes (1934) de Cole Porter confirmó la posición de Ethel Merman como la Primera Dama del teatro musical, un título que mantuvo durante muchos años. Escritores británicos como Noël Coward e Ivor Novello continuaron presentando musicales anticuados y sentimentales, como The Dancing Years . De manera similar, Rodgers & Hart regresaron de Hollywood para producir una serie de éxitos de Broadway, incluyendo On Your Toes (1936, con Ray Bolger , el primer musical de Broadway en hacer un uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y The Boys from Syracuse (1938), y Cole Porter escribió una serie similar de éxitos, incluyendo Anything Goes (1934) y DuBarry Was a Lady (1939). La pieza de teatro musical de mayor duración en la década de 1930 fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público que se representó durante 1.404 funciones y estableció un nuevo récord en Broadway que finalmente fue superado por Oklahoma! cinco años después.
Sin embargo, algunos equipos creativos comenzaron a desarrollar las innovaciones de Show Boat , experimentando con la sátira musical, los libros temáticos y el alcance operístico. Of Thee I Sing (1931), una sátira política con música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin y Morrie Ryskind , fue el primer musical galardonado con el Premio Pulitzer . [8] [47] As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o sketch se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway en el que una afroamericana, Ethel Waters , protagonizó junto a actores blancos. Los números de Waters incluyeron " Supper Time ", el lamento de una mujer por su marido que ha sido linchado. [48] Porgy and Bess (1935), de los hermanos Gershwin y DuBose Heyward , contó con un elenco totalmente afroamericano y mezcló modismos operísticos, folclóricos y de jazz. Ha entrado en el repertorio permanente de la ópera y, en algunos aspectos, prefiguró musicales "operísticos" como West Side Story y Sweeney Todd . The Cradle Will Rock (1937), con libreto y partitura de Marc Blitzstein y dirección de Orson Welles , fue una pieza pro sindical altamente política que, a pesar de la controversia que la rodeó, logró mantenerse en funciones durante 108 funciones. I'd Rather Be Right (1937) de Richard Rodgers y Lorenz Hart fue una sátira política con George M. Cohan como el presidente Franklin D. Roosevelt , y Knickerbocker Holiday de Kurt Weill , basada en escritos fuente de Washington Irving , describió la historia temprana de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba de buen humor las buenas intenciones del presidente Franklin D. Roosevelt .
A pesar de los problemas económicos de la década y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, el paso a la sátira política en Of Thee I Sing , I'd Rather Be Right y Knickerbocker Holiday , junto con la sofisticación musical de los musicales de Gershwin, Kern, Rodgers y Weill y la puesta en escena de ritmo rápido y el estilo de diálogo naturalista creado por el director George Abbott , mostraron que el teatro musical estaba comenzando a evolucionar más allá de los musicales de gags y coristas de los alegres noventa y los locos años veinte y el romance sentimental de la opereta. [8] Oklahoma! (1943) de Rodgers y Hammerstein completó la revolución iniciada por Show Boat , al integrar estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con una trama cohesiva y más seria, y canciones y bailes que promovieron la acción de la historia y desarrollaron los personajes. También fue el primer espectáculo de Broadway "de gran éxito", con un total de 2.212 representaciones, y se convirtió en una película de éxito. [2] [49]