El teatro o teatro [a] es una forma colaborativa de arte escénico que utiliza intérpretes en vivo, generalmente actores o actrices , para presentar la experiencia de un evento real o imaginario ante una audiencia en vivo en un lugar específico, a menudo un escenario. Los artistas pueden comunicar esta experiencia al público mediante combinaciones de gestos , palabras, canciones, música y danza . Es la forma más antigua de teatro , aunque al teatro en vivo ahora se le han sumado formas modernas grabadas. Elementos de arte, como paisajes pintados y escenografía como la iluminación , se utilizan para mejorar la fisicalidad, la presencia y la inmediatez de la experiencia. [1] Los lugares, normalmente edificios, donde se desarrollan regularmente representaciones también se denominan "teatros" (o "teatros"), como se deriva del griego antiguo θέατρον (théatron, "un lugar para ver"), a su vez de θεάομαι (theáomai, "ver", "mirar", "observar"). [2]
El teatro occidental moderno proviene, en gran medida, del teatro de la antigua Grecia , del que toma prestada la terminología técnica, la clasificación en géneros y muchos de sus temas , personajes comunes y elementos argumentales. El artista teatral Patrice Pavis define la teatralidad, el lenguaje teatral , la escritura escénica y la especificidad del teatro como expresiones sinónimas que diferencian el teatro de las demás artes escénicas , de la literatura y de las artes en general. [3] [b]
Una compañía de teatro es una organización que produce representaciones teatrales, [4] a diferencia de una compañía de teatro (o compañía de actuación), que es un grupo de artistas teatrales que trabajan juntos. [5] [6]
El teatro moderno incluye representaciones de obras de teatro y teatro musical . Las formas artísticas del ballet y la ópera también son teatro y utilizan muchas convenciones como la actuación , el vestuario y la puesta en escena. Fueron influyentes en el desarrollo del teatro musical .
La ciudad-estado de Atenas es donde se originó el teatro occidental. [7] [8] [9] [c] Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . [10] [9] [11] [12] [d]
La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado (y la asistencia obligatoria a la Ciudad Dionysia como miembro del público (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular) era una parte importante de la ciudadanía . [14] La participación cívica también implicó la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en representaciones en los tribunales o asambleas políticas , las cuales fueron entendidas como análogas al teatro y llegaron a absorber cada vez más su vocabulario dramático. [15] [16] Los griegos también desarrollaron los conceptos de crítica dramática y arquitectura teatral. [17] [18] [19] Los actores eran aficionados o, en el mejor de los casos, semiprofesionales. [20] El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y la obra satírica . [21]
Los orígenes del teatro en la antigua Grecia, según Aristóteles (384-322 a. C.), el primer teórico del teatro, se encuentran en los festivales que honraban a Dioniso. Las representaciones se realizaron en auditorios semicirculares excavados en laderas, con capacidad para entre 10.000 y 20.000 personas. El escenario constaba de una pista de baile (orquesta), un camerino y una zona de creación de escenarios (skene). Dado que las palabras eran la parte más importante, una buena acústica y una presentación clara fueron primordiales. Los actores (siempre hombres) llevaban máscaras apropiadas a los personajes que representaban, y cada uno podía desempeñar varios papeles. [22]
La tragedia ateniense, la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza -drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. [7] [8] [9] [23] [24] [e] Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego), y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . [26] [27] [8] [f]
No hay tragedias del siglo VI a.C. y sólo han sobrevivido 32 de las más de mil que se representaron durante el siglo V a.C. [29] [30] [g] Tenemos textos completos existentes de Esquilo , Sófocles y Eurípides . [31] [h] Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V a. C. se institucionalizó en competencias ( agon ) celebradas como parte de las festividades que celebraban a Dioniso (el dios del vino y la fertilidad ). [32] [33] Como concursantes en el concurso de City Dionysia (el más prestigioso de los festivales de teatro), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por una historia o tema), que generalmente Constó de tres tragedias y una obra satírica. [34] [35] [i] La representación de tragedias en la ciudad Dionysia puede haber comenzado ya en 534 a. C.; Los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el año 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica. [36] [34] [j]
La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan acontecimientos de la mitología griega , aunque Los persas , que escenifica la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C., es la excepción notable en el drama superviviente. [34] [k] Cuando Esquilo ganó el primer premio en la ciudad Dionysia en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años; sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama que ha sobrevivido. [34] [38] Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra de teoría dramática más antigua que se conserva : su Poética ( c. 335 a. C. ).
La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos: "comedia antigua", "comedia media" y "comedia nueva". La Comedia antigua sobrevive hoy en gran medida en la forma de las once obras de Aristófanes que se conservan , mientras que la Comedia media se ha perdido en gran medida (conservada sólo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Naucratis ). La Comedia Nueva se conoce principalmente por los importantes fragmentos de papiro de Menandro . Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que implica algún tipo de error garrafal o fealdad que no causa dolor ni desastre. [l]
Además de las categorías de comedia y tragedia en el City Dionysia, el festival también incluyó la obra Sátiro . La obra satírica, que tuvo sus orígenes en los rituales rurales y agrícolas dedicados a Dioniso, finalmente llegó a Atenas en su forma más conocida. Los propios sátiros estaban vinculados al dios Dioniso como sus leales compañeros del bosque, y a menudo participaban en borracheras y travesuras a su lado. La obra satírica en sí fue clasificada como tragicomedia, prefiriendo las tradiciones burlescas más modernas de principios del siglo XX. Las tramas de las obras generalmente se referían a los tratos del panteón de los dioses y su participación en los asuntos humanos, respaldados por el coro de sátiros . Sin embargo, según Webster , los actores sátiros no siempre realizaban acciones típicas de los sátiros y rompían con las tradiciones de actuación asignadas al tipo de personaje de una criatura mítica del bosque. [39]
El teatro occidental se desarrolló y expandió considerablemente bajo los romanos . El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos . [40] Beacham sostiene que habían estado familiarizados con las "prácticas preteatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado. [41] El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarcaba desde representaciones festivas de teatro callejero , bailes desnudos y acrobacias , hasta la puesta en escena de las atractivas comedias de situación de Plauto , pasando por las de alto estilo y verbalmente elaboradas. tragedias de Séneca . Aunque Roma tenía una tradición nativa de representación, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y energizante en el teatro romano y fomentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario. Las únicas obras de teatro del Imperio Romano que se conservan son diez dramas atribuidos a Lucio Annaeus Séneca (4 a. C.-65 d. C.), el filósofo estoico nacido en Córdoba y tutor de Nerón. [42]
La primera forma de teatro indio fue el teatro sánscrito , [43] cuyos fragmentos más antiguos que se conservan datan del siglo I d.C. [44] [45] Comenzó después del desarrollo del teatro griego y romano y antes del desarrollo del teatro en otras partes de Asia. [43] Surgió en algún momento entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C. y floreció entre el siglo I d. C. y el X, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. [46] [47] La riqueza de evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece ninguna indicación de la existencia de una tradición teatral. [47] Los antiguos Vedas ( himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura en el mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número están compuestos en forma de diálogo ) y los rituales de los Vedas Este período no parece haberse convertido en teatro. [47] El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pudieron haber sido las semillas del drama sánscrito. [48] Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los inicios del teatro en la India . [48]
La principal fuente de evidencia sobre el teatro sánscrito es Un tratado sobre teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones oscilan entre 200 a. C. y 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , el atrezzo , la organización de las compañías, el público, los concursos y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. [48] Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito se representaba en terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.
Bajo el patrocinio de las cortes reales, los intérpretes pertenecían a compañías profesionales que estaban dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también pudo haber actuado. [44] [48] Se pensaba que esta tarea era análoga a la de un titiritero : el significado literal de " sutradhara " es "sostenedor de las cuerdas o hilos". [48] Los artistas fueron entrenados rigurosamente en técnica vocal y física. [49] No había prohibiciones contra las artistas femeninas; Las empresas eran exclusivamente masculinas, exclusivamente femeninas y de género mixto. Sin embargo, se consideró que ciertos sentimientos eran inapropiados para los hombres y se pensaba que eran más adecuados para las mujeres. Algunos artistas interpretaron personajes de su misma edad, mientras que otros interpretaron personajes de edades diferentes a la suya (ya sean mayores o menores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta mayor atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque la atención se centra principalmente en este último. [49] [m]
Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita . [44] Utilizaba personajes comunes , como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Podría decirse que Kālidāsa en el siglo I a. C. es el mayor dramaturgo sánscrito de la antigua India . Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). Este último se inspiró en una historia del Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). [44]
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti ( c. siglo VII d.C. ). Se dice que escribió las tres obras siguientes: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos abarcan entre ellos toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .
La dinastía Tang a veces se conoce como "La era de los 1000 entretenimientos". Durante esta época, Ming Huang formó una escuela de actuación conocida como The Pear Garden para producir una forma de drama que fuera principalmente musical. Por eso a los actores se les suele llamar "Los niños del jardín de peras". Durante la dinastía de la emperatriz Ling, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma de teatro reconocida en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, el pekinés (del norte) y el cantonés (del sur). Los dos estilos se diferenciaban por el método de confección de los títeres y la colocación de las varillas sobre los títeres , a diferencia del tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos representaban generalmente obras que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizaba esta forma tan estilizada de teatro para propaganda política.
Las formas japonesas de Kabuki , Nō y Kyōgen se desarrollaron en el siglo XVII d.C. [50]
Las marionetas de sombras cantonesas eran las más grandes de las dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también prevaleció mucho; un rostro negro representaba honestidad, uno rojo valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses estaban unidas perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, el público no los vio cuando se creó la sombra. Los títeres pekineses eran más delicados y más pequeños. Fueron creados a partir de cuero fino y translúcido (normalmente extraído del vientre de un burro). Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectan una sombra muy colorida. Las finas varillas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos del títere y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se encontraban fuera de la sombra del títere; por tanto no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas están unidas a los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezales con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se utilizaban, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que, si se dejaban intactas, las marionetas cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron incluso a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
En la dinastía Song , hubo muchas obras de teatro populares que incluían acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada conocida como zaju , con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama Yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, una de las más conocidas es la Ópera de Pekín , que sigue siendo popular en la actualidad.
Xiangsheng es una especie de comedia tradicional china en forma de monólogo o diálogo.
En Indonesia , las representaciones teatrales se han convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante miles de años. La mayoría de las formas teatrales más antiguas de Indonesia están directamente vinculadas a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los destacados teatros de marionetas –el wayang golek (obra de títeres con varillas de madera) de los sundaneses y el wayang kulit (obra de títeres de sombras de cuero) de los javaneses y balineses– extraen gran parte de su repertorio de versiones autóctonas del Ramayana y el Mahabharata . Estos cuentos también proporcionan material de partida para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. Sin embargo, algunas representaciones de wayang golek también presentan historias musulmanas, llamadas menak . [51] [52] Wayang es una forma antigua de narración de historias reconocida por sus elaborados estilos musicales complejos de títeres/humanos. [53] La evidencia más antigua data de finales del primer milenio d.C., en textos y sitios arqueológicos de la época medieval. [54] El registro más antiguo conocido sobre wayang data del siglo IX. Alrededor del 840 d.C., unas inscripciones javanesas antiguas (Kawi) llamadas Inscripciones Jaha emitidas por Maharaja Sri Lokapala del Reino de Mataram en Java Central mencionan tres tipos de artistas: atapukan, aringgit y abanol. Aringgit significa espectáculo de marionetas Wayang, Atapukan significa espectáculo de danza de máscaras y abanwal significa arte de broma. Ringgit se describe en un poema javanés del siglo XI como una figura de sombra de cuero.
El teatro en el mundo islámico medieval incluía teatro de marionetas (que incluía títeres de mano, juegos de sombras y producciones de marionetas ) y obras de pasión en vivo conocidas como ta'ziya , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares se conocían como akhraja , registradas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya . [55]
El teatro adoptó muchas formas alternativas en Occidente entre los siglos XV y XIX, incluida la commedia dell'arte del teatro italiano y el melodrama . La tendencia general se alejaba del drama poético de los griegos y el Renacimiento y se acercaba a un estilo de diálogo en prosa más naturalista, especialmente después de la Revolución Industrial . [56]
El teatro hizo una gran pausa durante 1642 y 1660 en Inglaterra debido al interregno puritano . [57] El creciente sentimiento antiteatral entre los puritanos hizo que William Prynne escribiera Histriomastix (1633), el ataque más notorio al teatro antes de la prohibición. [57] Al considerar el teatro como pecaminoso, los puritanos ordenaron el cierre de los teatros de Londres en 1642 . [58] El 24 de enero de 1643, los actores protestaron contra la prohibición escribiendo un panfleto titulado La protesta o queja de los actores por el silenciamiento de su profesión y el destierro de sus diversos teatros . [59] Este período de estancamiento terminó una vez que Carlos II regresó al trono en 1660 en la Restauración . El teatro (entre otras artes) explotó, con influencia de la cultura francesa, ya que Carlos había estado exiliado en Francia en los años previos a su reinado.
En 1660, dos compañías obtuvieron licencia para actuar, la Duke's Company y la King's Company . Las actuaciones se llevaron a cabo en edificios reformados, como la cancha de tenis de Lisle . El primer teatro del West End , conocido como Theatre Royal en Covent Garden , Londres, fue diseñado por Thomas Killigrew y construido en el sitio del actual Theatre Royal, Drury Lane . [60]
Uno de los grandes cambios fue la nueva sala de teatro. En lugar del tipo de la época isabelina, como el Globe Theatre , redondo, sin lugar para que los actores se prepararan para el siguiente acto y sin "modales teatrales", el teatro se transformó en un lugar de refinamiento, con un escenario. al frente y asientos tipo estadio frente a él. Dado que los asientos ya no estaban alrededor del escenario, se les dio prioridad: algunos asientos eran obviamente mejores que otros. El rey tendría el mejor asiento de la casa: el centro del teatro, que tenía la vista más amplia del escenario, así como la mejor manera de ver el punto de vista y el punto de fuga alrededor del cual se construyó el escenario. Philippe Jacques de Loutherbourg fue uno de los escenógrafos más influyentes de la época debido a su uso del espacio y la escenografía.
Debido a la agitación previa a este momento, todavía había cierta controversia sobre lo que se debía y no se debía poner en escena. Jeremy Collier , un predicador, fue uno de los líderes de este movimiento a través de su pieza A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage . Las creencias expuestas en este artículo eran sostenidas principalmente por los no asistentes al teatro y por el resto de los puritanos y muy religiosos de la época. La pregunta principal era si ver algo inmoral en el escenario afecta el comportamiento en la vida de quienes lo ven, una controversia que aún continúa hoy. [61]
El siglo XVII también había introducido a las mujeres en el escenario, lo que antes se consideraba inapropiado. Estas mujeres eran consideradas celebridades (también un concepto más nuevo, gracias a las ideas sobre el individualismo que surgieron a raíz del humanismo renacentista ), pero por otro lado, todavía era muy nuevo y revolucionario que estuvieran en el escenario, y algunos decían no eran femeninas y las menospreciaban. A Carlos II no le gustaba que los hombres jóvenes interpretaran el papel de mujeres jóvenes, por lo que pidió que las mujeres interpretaran sus propios papeles. [62] Debido a que a las mujeres se les permitía subir al escenario, los dramaturgos tenían más margen de maniobra con los giros de la trama, como mujeres vistiendo como hombres y escapando por poco de situaciones moralmente difíciles como formas de comedia.
Las comedias estaban llenas de jóvenes y estaban muy de moda, con la trama siguiendo sus vidas amorosas: comúnmente un joven héroe pícaro profesaba su amor a la heroína casta y libre cerca del final de la obra, muy parecido a La escuela del escándalo de Sheridan . Muchas de las comedias se inspiraron en la tradición francesa, principalmente Molière, y nuevamente se remontan a la influencia francesa traída por el rey y la realeza después de su exilio. Molière fue uno de los principales dramaturgos de comedia de la época y revolucionó la forma en que se escribía e interpretaba la comedia al combinar la commedia dell'arte italiana y la comedia francesa neoclásica para crear algunas de las comedias satíricas más duraderas e influyentes. [63] Las tragedias fueron igualmente victoriosas en su sentido de enderezar el poder político, especialmente conmovedor debido a la reciente Restauración de la Corona. [64] También eran imitaciones de la tragedia francesa, aunque los franceses tenían una distinción más amplia entre comedia y tragedia, mientras que los ingleses modificaban las líneas ocasionalmente y ponía algunas partes cómicas en sus tragedias. Las formas comunes de obras no cómicas eran las comedias sentimentales, así como algo que más tarde se llamaría tragédie bourgeoise o tragedia doméstica , es decir, la tragedia de la vida común, eran más populares en Inglaterra porque apelaban más a las sensibilidades inglesas. [sesenta y cinco]
Si bien antiguamente las compañías de teatro viajaban con frecuencia, la idea del teatro nacional ganó fuerza en el siglo XVIII, inspirada por Ludvig Holberg . El principal promotor de la idea del teatro nacional en Alemania, y también de los poetas Sturm und Drang , fue Abel Seyler , propietario de la Hamburgische Entreprise y de la Seyler Theatre Company . [66]
A lo largo del siglo XIX , las formas teatrales populares del romanticismo , el melodrama , el burlesque victoriano y las obras bien hechas de Scribe y Sardou dieron paso a las obras problemáticas del naturalismo y el realismo ; las farsas de Feydeau ; la operística Gesamtkunstwerk de Wagner ; teatro musical (incluidas las óperas de Gilbert y Sullivan ); las comedias de salón de FC Burnand , WS Gilbert y Oscar Wilde ; simbolismo ; el protoexpresionismo en las últimas obras de August Strindberg y Henrik Ibsen ; [68] y comedia musical eduardiana .
Estas tendencias continuaron a lo largo del siglo XX en el realismo de Stanislavski y Lee Strasberg , el teatro político de Erwin Piscator y Bertolt Brecht , el llamado Teatro del Absurdo de Samuel Beckett y Eugène Ionesco , los musicales estadounidenses y británicos, las creaciones colectivas de compañías de actores y directores como el Theatre Workshop de Joan Littlewood , el teatro experimental y posmoderno de Robert Wilson y Robert Lepage , el teatro poscolonial de August Wilson o Tomson Highway , y el Teatro del Oprimido de Augusto Boal .
El drama es el modo específico de ficción representado en la actuación . [69] El término proviene de una palabra griega que significa " acción ", que se deriva del verbo δράω, dráō , "hacer" o "actuar". La representación del drama en teatro, interpretada por actores en un escenario ante un público , presupone modos colaborativos de producción y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. [70] La tragedia moderna temprana Hamlet (1601) de Shakespeare y la tragedia clásica ateniense Edipo Rey ( c. 429 a. C. ) de Sófocles se encuentran entre las obras maestras del arte dramático. [71] Un ejemplo moderno es El largo viaje del día hacia la noche de Eugene O'Neill (1956). [72]
Considerado como un género de poesía en general, el modo dramático se ha contrastado con los modos épico y lírico desde la Poética de Aristóteles ( c. 335 a. C. ); el primer trabajo de teoría dramática . [n] El uso de "drama" en sentido estricto para designar un tipo concreto de obra de teatro data del siglo XIX . En este sentido, el drama se refiere a una obra que no es ni una comedia ni una tragedia; por ejemplo, Thérèse Raquin (1873) de Zola o Ivanov (1887) de Chéjov . Sin embargo, en la antigua Grecia, la palabra drama abarcaba todas las obras de teatro, trágicas, cómicas o cualquier cosa intermedia.
El drama se combina a menudo con la música y la danza : el drama de la ópera generalmente se canta; los musicales generalmente incluyen tanto diálogos hablados como canciones ; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo ( melodrama y Nō japonés , por ejemplo). [o] En ciertos períodos de la historia (la antigua Roma y el romántico moderno ) algunos dramas se han escrito para ser leídos en lugar de representados. [p] En la improvisación , el drama no preexiste al momento de la representación; Los intérpretes idean un guión dramático de forma espontánea ante el público. [q]
.jpg/1280px-Palladium_Theatre_(16427934069).jpg)
La música y el teatro han tenido una estrecha relación desde la antigüedad: la tragedia ateniense , por ejemplo, era una forma de danza - drama que empleaba un coro cuyas partes se cantaban (con el acompañamiento de un aulos —instrumento comparable al oboe moderno ), al igual que algunas de las respuestas de los actores y sus 'canciones solistas' ( monodias ). [73] El teatro musical moderno es una forma de teatro que también combina música, diálogo hablado y danza. Surgió de los géneros de ópera cómica (especialmente Gilbert y Sullivan ), variedades , vodevil y music hall de finales del siglo XIX y principios del XX . [74] Después de la comedia musical eduardiana que comenzó en la década de 1890, los musicales del Princess Theatre de principios del siglo XX y las comedias de las décadas de 1920 y 1930 (como las obras de Rodgers y Hammerstein ), con Oklahoma! (1943), los musicales tomaron una dirección más dramática. [r] Los musicales famosos de las décadas siguientes incluyeron My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats ( 1981), Into the Woods (1986) y The Phantom of the Opera (1986), [75] , así como éxitos más contemporáneos como Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015). ) y Congelado (2018).
El teatro musical puede producirse a escala íntima fuera de Broadway , en teatros regionales y en otros lugares, pero a menudo incluye espectáculo. Por ejemplo, los musicales de Broadway y West End a menudo incluyen trajes y decorados lujosos respaldados por presupuestos multimillonarios.
.jpg/1280px-Mosaic_depicting_theatrical_masks_of_Tragedy_and_Comedy_(Thermae_Decianae).jpg)
Las producciones teatrales que utilizan el humor como vehículo para contar una historia califican como comedias. Esto puede incluir una farsa moderna como Boeing Boeing o una obra clásica como Como gustéis . El teatro que expresa temas sombríos, controvertidos o tabú de una manera deliberadamente humorística se conoce como comedia negra . La comedia negra puede tener varios géneros, como el humor slapstick, la comedia oscura y sarcástica.
La tragedia, entonces, es una imitación de una acción seria, completa y de cierta magnitud: en un lenguaje adornado con cada tipo de ornamento artístico, encontrándose los diversos tipos en partes separadas de la obra; en forma de acción, no de narrativa; a través de la piedad y el miedo efectuando la adecuada purga de estas emociones.
— Aristóteles , Poética [76]
La frase de Aristóteles "se encuentran varios tipos en partes separadas de la obra" es una referencia a los orígenes estructurales del drama. En él las partes habladas fueron escritas en dialecto ático mientras que las corales (recitadas o cantadas) en dialecto dórico , reflejando estas discrepancias los diferentes orígenes religiosos y métricas poéticas de las partes que se fusionaron en una nueva entidad, el drama teatral .
La tragedia se refiere a una tradición dramática específica que ha desempeñado un papel único e importante históricamente en la autodefinición de la civilización occidental . [77] [78] Esa tradición ha sido múltiple y discontinua, sin embargo, el término se ha utilizado a menudo para invocar un poderoso efecto de identidad cultural y continuidad histórica: "los griegos y los isabelinos , en una forma cultural; los helenos y cristianos , en una actividad común", como dice Raymond Williams . [79] Desde sus oscuros orígenes en los teatros de Atenas hace 2.500 años, de los que sólo sobrevive una fracción de la obra de Esquilo , Sófocles y Eurípides , pasando por sus singulares articulaciones en las obras de Shakespeare , Lope de Vega , Racine y Schiller , hasta la tragedia naturalista más reciente de Strindberg , las meditaciones modernistas de Beckett sobre la muerte, la pérdida y el sufrimiento y las reelaboraciones posmodernistas del canon trágico de Müller , la tragedia ha seguido siendo un lugar importante de experimentación, negociación, lucha y cambio cultural. [80] [81] A raíz de la Poética de Aristóteles (335 a. C.), la tragedia se ha utilizado para hacer distinciones de género , ya sea en la escala de la poesía en general (donde lo trágico se divide entre la épica y la lírica ) o en la escala de la drama (donde la tragedia se opone a la comedia ). En la era moderna , la tragedia también se ha definido frente al drama, el melodrama , lo tragicómico y el teatro épico . [s]
La improvisación ha sido una característica constante del teatro, siendo reconocida la Commedia dell'arte en el siglo XVI como la primera forma de improvisación. Popularizado por el premio Nobel de Literatura de 1997, Dario Fo, y compañías como la Upright Citizens Brigade, el teatro de improvisación continúa evolucionando con muchas corrientes y filosofías diferentes.
Keith Johnstone y Viola Spolin son reconocidos como los primeros maestros de improvisación en los tiempos modernos; Johnstone explora la improvisación como una alternativa al teatro con guión y Spolin y sus sucesores exploran la improvisación principalmente como una herramienta para desarrollar habilidades o trabajos dramáticos o como una forma de interpretación situacional. comedia. Spolin también se interesó en cómo el proceso de aprendizaje de la improvisación era aplicable al desarrollo del potencial humano. [82]
El hijo de Spolin, Paul Sills, popularizó el teatro de improvisación como forma de arte teatral cuando fundó, como primer director, The Second City en Chicago.
Habiendo sido una parte importante de la cultura humana durante más de 2500 años, el teatro ha desarrollado una amplia gama de teorías y prácticas diferentes. Algunas están relacionadas con ideologías políticas o espirituales, mientras que otras se basan puramente en preocupaciones "artísticas". Algunos procesos se centran en una historia, otros en el teatro como acontecimiento y otros en el teatro como catalizador del cambio social. El filósofo griego clásico Aristóteles , en su tratado fundamental Poética ( c. 335 a. C. ), es el ejemplo más antiguo que se conserva y sus argumentos han influido en las teorías del teatro desde entonces. [17] [18] En él, ofrece un relato de lo que él llama "poesía" (término que en griego significa literalmente "hacer" y en este contexto incluye el drama —comedia , tragedia y la obra satírica —así como la poesía lírica , la poesía épica y el ditirambo ). Examina sus "primeros principios" e identifica sus géneros y elementos básicos; su análisis de la tragedia constituye el núcleo de la discusión. [83]
Aristóteles sostiene que la tragedia consta de seis partes cualitativas, que son (en orden de importancia) mitos o "trama", ethos o "carácter", dianoia o "pensamiento", léxico o "dicción", melos o "canción" y opsis. o "espectáculo". [84] [85] "Aunque la Poética de Aristóteles es universalmente reconocida en la tradición crítica occidental ", explica Marvin Carlson , "casi todos los detalles sobre su obra fundamental han suscitado opiniones divergentes". [86] Entre los profesionales del teatro importantes del siglo XX se incluyen Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin. , Keith Johnstone y Robert Wilson (director) .
Stanislavski trató el teatro como una forma de arte autónoma de la literatura y en la que la contribución del dramaturgo debería respetarse como la de uno más de un conjunto de artistas creativos. [87] [88] [89] [90] [t] Su contribución innovadora a la teoría de la actuación moderna se ha mantenido en el centro de la formación interpretativa occidental convencional durante gran parte del último siglo. [91] [92] [93] [94] [95] El hecho de que muchos de los preceptos de su sistema de formación de actores parezcan de sentido común y evidentes atestigua su éxito hegemónico. [96] Los actores frecuentemente emplean sus conceptos básicos sin saber que lo hacen. [96] Gracias a su promoción y elaboración por parte de profesores de actuación que fueron antiguos alumnos y a las numerosas traducciones de sus escritos teóricos, el "sistema" de Stanislavski adquirió una capacidad sin precedentes para cruzar fronteras culturales y desarrolló un alcance internacional, dominando los debates sobre la actuación en Europa y los Estados Unidos. [91] [97] [98] [99] Muchos actores equiparan habitualmente su "sistema" con el método norteamericano , aunque las técnicas exclusivamente psicológicas de este último contrastan marcadamente con el enfoque multivariante, holístico y psicofísico de Stanislavski , que explora el carácter y la acción tanto desde el punto de vista el 'adentro afuera' y el 'afuera adentro' y trata la mente y el cuerpo del actor como partes de un continuo. [100] [101]
El teatro presupone modos colaborativos de producción y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. [70] La producción de obras de teatro generalmente implica contribuciones de un dramaturgo , director , un elenco de actores y un equipo técnico de producción que incluye un diseñador escénico o escénico , diseñador de iluminación , diseñador de vestuario , diseñador de sonido , director de escena , director de producción y personal técnico. director. Dependiendo de la producción, este equipo también puede incluir un compositor , dramaturgo , diseñador de vídeo o director de lucha .
Stagecraft es un término genérico que se refiere a los aspectos técnicos de la producción teatral, cinematográfica y de vídeo. Incluye, entre otros, la construcción y montaje de escenografía, colocación y enfoque de iluminación, diseño y adquisición de vestuario, maquillaje, adquisición de utilería, dirección de escena y grabación y mezcla de sonido. Stagecraft es distinto del término general más amplio de escenografía. Considerado un campo más técnico que artístico, se relaciona principalmente con la implementación práctica de la visión artística de un diseñador.
En su forma más básica, el arte escénico está a cargo de una sola persona (a menudo el director de escena de una producción más pequeña) que organiza toda la escenografía, el vestuario, la iluminación y el sonido, y organiza el elenco. A un nivel más profesional, por ejemplo en las casas modernas de Broadway, el arte escénico está a cargo de cientos de hábiles carpinteros, pintores, electricistas, tramoyistas, cosedores, peluqueros y similares. Esta forma moderna de arte escénico es altamente técnica y especializada: comprende muchas subdisciplinas y un vasto tesoro de historia y tradición. La mayor parte del arte escénico se encuentra entre estos dos extremos. Los teatros regionales y los teatros comunitarios más grandes generalmente tendrán un director técnico y un complemento de diseñadores, cada uno de los cuales tiene participación directa en sus respectivos diseños.
Hay muchos movimientos teatrales modernos que se dedican a producir teatro de diversas formas. Las empresas teatrales varían enormemente en sofisticación y propósito. Las personas involucradas varían desde novatos y aficionados (en el teatro comunitario) hasta profesionales (en Broadway y producciones similares). El teatro se puede representar con un presupuesto reducido o a gran escala con presupuestos multimillonarios. Esta diversidad se manifiesta en la abundancia de subcategorías de teatro, que incluyen:
Mientras que la mayoría de las compañías de teatro modernas ensayan una obra de teatro a la vez, representan esa pieza durante una "ejecución", retiran la pieza y comienzan a ensayar un nuevo espectáculo, las compañías de repertorio ensayan varios espectáculos al mismo tiempo. Estas empresas pueden realizar estas diversas piezas previa solicitud y, a menudo, realizan trabajos durante años antes de retirarlas. La mayoría de las compañías de danza operan con este sistema de repertorio. El Royal National Theatre de Londres actúa según un sistema de repertorio.
El teatro de repertorio generalmente involucra a un grupo de actores con logros similares y se basa más en la reputación del grupo que en un actor estrella individual. También suele depender menos del control estricto por parte de un director y menos de la adhesión a las convenciones teatrales, ya que los actores que han trabajado juntos en múltiples producciones pueden responder entre sí sin depender tanto de las convenciones o la dirección externa. [102]
Una compañía de teatro es una organización que produce representaciones teatrales, [4] a diferencia de una compañía de teatro (o compañía de actuación), que es un grupo de artistas teatrales que trabajan juntos. [5]
Una compañía de gira es una compañía de teatro o danza independiente que viaja, a menudo a nivel internacional, y se presenta en un teatro diferente en cada ciudad. [ cita necesaria ]
.jpg/1280px-Panor%C3%A1mica_interior_del_Teatro_Col%C3%B3n_(cropped).jpg)
Para montar una obra de teatro se necesita tanto una compañía de teatro como una sala de teatro . Cuando una compañía de teatro es la única compañía residente en un lugar de teatro, este teatro (y su correspondiente compañía de teatro) se denomina teatro residente o teatro productor, porque el lugar produce su propia obra. Otras compañías de teatro, así como compañías de danza, que no tienen sala de teatro propia, actúan en teatros de alquiler o en teatros de presentación. Tanto los teatros de alquiler como los de presentación no tienen compañías residentes a tiempo completo. Sin embargo, a veces tienen una o más empresas residentes a tiempo parcial, además de otras empresas asociadas independientes que se encargan de utilizar el espacio cuando esté disponible. Un teatro de alquiler permite a las compañías independientes buscar el espacio, mientras que un teatro de presentación busca compañías independientes para apoyar su trabajo presentándolas en su escenario. [ cita necesaria ]
Algunos grupos de actuación actúan en espacios no teatrales. Estas representaciones pueden tener lugar en el exterior o en el interior, en un espacio escénico no tradicional, e incluyen teatro de calle y teatro de sitio específico . Se pueden utilizar lugares no tradicionales para crear entornos más inmersivos o significativos para el público. A veces pueden modificarse más que las salas de teatro tradicionales, o pueden adaptarse a diferentes tipos de equipos, iluminación y decorados. [103]
Existen muchos sindicatos de teatro , entre ellos:
