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El teatro del siglo XIX describe una amplia gama de movimientos en la cultura teatral de Europa y Estados Unidos en el siglo XIX. En Occidente , incluyen el romanticismo , el melodrama , las obras bien hechas de Scribe y Sardou , las farsas de Feydeau , las obras problemáticas del naturalismo y el realismo , la ópera Gesamtkunstwerk de Wagner , las obras y óperas de Gilbert y Sullivan , el salón de Wilde. comedias, simbolismo y protoexpresionismo en las últimas obras de August Strindberg y Henrik Ibsen . [1]
Comenzando en Francia después de que se abolieran los monopolios teatrales durante la Revolución Francesa , el melodrama se convirtió en la forma teatral más popular del siglo. El melodrama en sí se remonta a la Grecia clásica, pero el término mélodrame no apareció hasta 1766 y sólo entró en uso popular en algún momento después de 1800. Las obras de August von Kotzebue y René Charles Guilbert de Pixérécourt establecieron el melodrama como la forma dramática dominante de la época temprana. Siglo 19. [2] Kotzebue en particular fue el dramaturgo más popular de su tiempo, escribiendo más de 215 obras que se produjeron en todo el mundo. Su obra The Stranger (1789) a menudo se considera la obra melodramática clásica. Aunque se restablecieron los monopolios y los subsidios bajo Napoleón , el melodrama teatral siguió siendo más popular y atrajo a un público mayor que el drama y las óperas patrocinados por el estado.
El melodrama implicaba una plétora de efectos escénicos , un estilo de actuación intensamente emocional pero codificado y una tecnología escénica en desarrollo que hizo avanzar las artes del teatro hacia una puesta en escena grandiosa y espectacular. También era una forma de teatro muy reactiva que cambiaba y se adaptaba constantemente a nuevos contextos sociales, nuevos públicos y nuevas influencias culturales. Esto, en parte, ayuda a explicar su popularidad a lo largo del siglo XIX. [3] David Grimsted, en su libro Melodrama Unveiled (1968), sostiene que:
Sus convenciones eran falsas, su lenguaje forzado y común, sus personajes estereotipos y su moralidad y teología groseras simplificaciones. Sin embargo, su atractivo fue grande y comprensible. Se tomó en serio la vida de la gente común y respetó mucho su pureza y sabiduría superiores. [...] Y su parábola moral luchó por reconciliar los miedos sociales y la maravilla de la vida con la confianza de la época en los estándares morales absolutos, el progreso ascendente del hombre y una providencia benévola que aseguraba el triunfo de los puros. [4]
En París, el siglo XIX vio un florecimiento del melodrama en los numerosos teatros que se ubicaban en el popular Boulevard du Crime , especialmente en la Gaîté . Sin embargo, todo esto llegó a su fin cuando la mayoría de estos teatros fueron demolidos durante la reconstrucción de París por el barón Haussmann en 1862. [5]
A finales del siglo XIX, el término melodrama se había reducido casi exclusivamente a un género específico de entretenimiento de salón: palabras habladas más o menos rítmicamente (a menudo poesía), no cantadas, a veces más o menos representadas, al menos con cierta estructura dramática. o trama, sincronizada con un acompañamiento musical (normalmente piano). Fue menospreciado como un género para autores y compositores de menor talla (probablemente también la razón por la que prácticamente no se recuerdan realizaciones del género).
En Alemania, hubo una tendencia hacia la precisión histórica en el vestuario y los escenarios , una revolución en la arquitectura teatral y la introducción de la forma teatral del romanticismo alemán . Influenciados por las tendencias de la filosofía y las artes visuales del siglo XX, los escritores alemanes estaban cada vez más fascinados con su pasado teutónico y tenían un creciente sentido de nacionalismo romántico . Las obras de Gotthold Ephraim Lessing , Johann Wolfgang von Goethe , Friedrich Schiller y otros dramaturgos de Sturm und Drang inspiraron una fe creciente en el sentimiento y el instinto como guías del comportamiento moral. Los románticos tomaron prestado de la filosofía de Immanuel Kant para formular las bases teóricas del arte "romántico". Según los románticos, el arte tiene una enorme importancia porque da a las verdades eternas una forma material concreta que el limitado aparato sensorial humano puede aprehender. Entre los que se llamaban a sí mismos románticos durante este período, August Wilhelm Schlegel y Ludwig Tieck fueron los más profundamente preocupados por el teatro. [6] Después de un tiempo, el romanticismo fue adoptado en Francia con las obras de Victor Hugo , Alexandre Dumas , Alfred de Musset y George Sand .
Durante la década de 1830 en Francia, el teatro luchó contra la Comédie Française , que mantenía un fuerte dominio neoclásico sobre el repertorio y fomentaba modos tradicionales de escritura trágica en los nuevos dramaturgos. Este choque culminó con el estreno de Hernani de Víctor Hugo en 1830. La numerosa multitud que asistió al estreno estaba llena de conservadores y censores que abuchearon el espectáculo por desobedecer las normas clásicas y que querían impedir que la representación siguiera adelante. Pero Hugo organizó un ejército romántico de escritores bohemios y radicales para garantizar que la apertura tuviera que llevarse a cabo. La revuelta resultante representó el rechazo en Francia de las tradiciones clásicas y el triunfo del romanticismo. [7]
Sin embargo, en la década de 1840, el entusiasmo por el drama romántico se había desvanecido en Francia y lo reemplazó un nuevo "Teatro del Sentido Común".
En Francia, la " obra bien hecha " de Eugene Scribe (1791-1861) se hizo popular entre los dramaturgos y el público. Desarrollada por primera vez por Scribe en 1825, la forma tiene un fuerte sabor neoclásico, con una trama densa y un clímax que tiene lugar cerca del final de la obra. La historia depende de una pieza clave de información oculta a algunos personajes, pero conocida por otros (y por la audiencia). Un recurso recurrente que emplea la obra bien hecha es el uso de cartas o papeles que caen en manos no deseadas, para provocar giros y clímax en la trama. El suspenso y el ritmo avanzan hacia una escena culminante, en la que el héroe triunfa en un cambio de suerte imprevisto. [8]
El propio Scribe escribió más de 400 obras de este tipo, utilizando lo que esencialmente equivalía a una fábrica literaria con escritores que aportaban la historia, otro el diálogo, un tercio los chistes, etc. Aunque fue muy prolífico y popular, no estuvo exento de detractores: Théophile Gautier se preguntó cómo podía ser que "un autor sin poesía, lirismo, estilo, filosofía, verdad o naturalismo pudiera ser el escritor más exitoso de su época, a pesar de las ¿Oposición de la literatura y la crítica? [9]
Su estructura fue empleada por los dramaturgos realistas Alexandre Dumas, hijo , Emile Augier y Victorien Sardou . Sardou en particular fue uno de los dramaturgos más populares del mundo entre 1860 y 1900. Adaptó la obra bien hecha a todos los tipos dramáticos, desde comedias hasta espectáculos históricos. En Gran Bretaña, dramaturgos como Wilkie Collins , Henry Arthur Jones y Arthur Pinero adoptaron el género, y Collins describió la obra bien hecha como: “Hazlos reír; hazlos llorar; hazlos esperar”. George Bernard Shaw pensó que las obras de Sardou personificaban la decadencia y la estupidez en la que había descendido el teatro de finales del siglo XIX, un estado que denominó "Sardoodledom". [8]
En los primeros años del siglo XIX, la Ley de Licencias permitía que las obras se proyectaran sólo en dos teatros de Londres durante el invierno: Drury Lane y Covent Garden . Estos dos enormes teatros contenían dos palcos reales, enormes galerías y un foso con bancos donde la gente podía entrar y salir durante las representaciones. Quizás el episodio más revelador de la popularidad del teatro a principios del siglo XIX sean los disturbios teatrales de Old Price de 1809. Después de que Covent Garden se incendiara, John Philip Kemble , el director del teatro, decidió aumentar los precios en el foso, los palcos y el tercer nivel. Los miembros de la audiencia odiaron los nuevos precios que pensaban que les negaban el acceso a un lugar de reunión nacional y provocaron tres meses de disturbios hasta que finalmente Kemble se vio obligado a disculparse públicamente y bajar los precios nuevamente. [10] Para escapar de las restricciones, los teatros sin patentes a lo largo del Strand , como el Sans Pareil , intercalaron escenas dramáticas con interludios musicales y parodias cómicas después de que la Oficina de Lord Chamberlain les permitió representar Burlettas , lo que llevó a la formación del West End moderno. . Fuera del área metropolitana de Londres, teatros como el Anfiteatro de Astley y el Coburg también pudieron operar fuera de las reglas. La creciente popularidad de estas formas comenzó a hacer que el sistema de patentes fuera inviable y los límites entre los dos comenzaron a desdibujarse durante la década de 1830 hasta que finalmente la Ley de Licencias fue eliminada en 1843 con la Ley de Teatros . El Parlamento esperaba que esto civilizara al público y condujera a una dramaturgia más alfabetizada; en cambio, creó una explosión de music halls , comedias y melodramas sensacionalistas. [11]
Percy Bysshe Shelley y Lord Byron fueron los dramaturgos literarios más importantes de su época (aunque las obras de Shelley no se representaron hasta finales de siglo). Shakespeare fue enormemente popular y comenzó a representarse con textos más cercanos al original, a medida que la drástica reescritura de las versiones teatrales de los siglos XVII y XVIII se fue eliminando gradualmente durante la primera mitad del siglo. Las obras de Kotzebue fueron traducidas al inglés y A Tale of Mystery de Thomas Holcroft fue el primero de muchos melodramas ingleses. Pierce Egan , Douglas William Jerrold , Edward Fitzball , James Roland MacLaren y John Baldwin Buckstone iniciaron una tendencia hacia historias más contemporáneas y rurales en lugar de los habituales melodramas históricos o fantásticos. James Sheridan Knowles y Edward Bulwer-Lytton establecieron un drama "caballero" que comenzó a restablecer el antiguo prestigio del teatro entre la aristocracia . [12]
A lo largo del siglo, los teatros estuvieron dominados por actores-directores que administraban los establecimientos y a menudo actuaban en los papeles principales. Henry Irving , Charles Kean y Herbert Beerbohm Tree son ejemplos de directores que crearon producciones en las que ellos eran el actor estrella. Irving dominó especialmente el Lyceum Theatre durante casi 30 años, desde 1871 hasta 1899, y su público lo adoraba como un héroe. Cuando murió en 1905, el rey Eduardo VII y Theodore Roosevelt enviaron sus condolencias. Entre estos actores-directores, Shakespeare fue a menudo el escritor más popular, ya que sus obras les brindaron grandes oportunidades dramáticas y reconocimiento de nombre. El espectáculo escénico de estas producciones era a menudo más importante que la obra de teatro y los textos a menudo se cortaban para dar la máxima exposición a los papeles principales. Sin embargo, también introdujeron importantes reformas en el proceso teatral. Por ejemplo, William Charles Macready fue el primero en introducir ensayos adecuados en el proceso. Antes de esto, los actores principales rara vez ensayaban sus papeles con el resto del elenco: la indicación más famosa de Edmund Kean a sus compañeros actores era: "párate detrás del escenario y haz lo peor que puedas". [10]
Melodramas, comedias ligeras, óperas, Shakespeare y dramas clásicos ingleses, pantomimas , traducciones de farsas francesas y, a partir de la década de 1860, operetas francesas, continuaron siendo populares, junto con el burlesque victoriano . Los dramaturgos de mayor éxito fueron James Planché y Dion Boucicault , cuya inclinación por hacer de los últimos inventos científicos elementos importantes en sus tramas ejerció una influencia considerable en la producción teatral. Su primer gran éxito, London Assurance (1841) fue una comedia al estilo de Sheridan, pero escribió en varios estilos, incluido el melodrama. TW Robertson escribió comedias nacionales populares e introdujo un estilo de actuación y arte escénico más naturalista en el escenario británico en la década de 1860.
En 1871, el productor John Hollingshead reunió al libretista WS Gilbert y al compositor Arthur Sullivan para crear un entretenimiento navideño, dando origen sin querer a uno de los grandes dúos de la historia del teatro. Las 14 óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , como HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885), tuvieron tanto éxito que tuvieron una enorme influencia en el desarrollo del teatro musical en el siglo XX. [13] Esto, junto con un alumbrado público y un transporte muy mejorados en Londres y Nueva York, condujo a un auge de la construcción de teatros de finales de la época victoriana y eduardiana en el West End y en Broadway. A finales de siglo, la comedia musical eduardiana llegó a dominar el escenario musical. [14]
En la década de 1890, las comedias de Oscar Wilde y George Bernard Shaw ofrecían comentarios sociales sofisticados y eran muy populares.
En los Estados Unidos , Filadelfia fue el centro teatral dominante hasta la década de 1820. Allí, Thomas Wignell estableció el Chestnut Street Theatre y reunió a un grupo de actores y dramaturgos que incluían a William Warren , Susanna Rowson y Thomas Abthorpe Cooper, quien más tarde fue considerado el actor principal en Norteamérica. En su infancia después de la Revolución Americana , muchos estadounidenses lamentaron la falta de un "drama nativo", incluso cuando dramaturgos como Royall Tyler , William Dunlap , James Nelson Barker , John Howard Payne y Samuel Woodworth sentaron las bases para un drama estadounidense separado. de gran Bretaña. Parte de la razón de la escasez de obras originales en este período puede deberse a que a los dramaturgos rara vez se les pagaba por su trabajo y a los directores les resultaba mucho más barato adaptar o traducir obras extranjeras. La tradición sostenía que la remuneración consistía principalmente en una actuación benéfica para el escritor en la tercera noche de una función, pero muchos directores evitaban esta costumbre simplemente cerrando el espectáculo antes de la tercera función. [15]
Conocido como el "padre del drama estadounidense", Dunlap creció viendo obras presentadas por oficiales británicos y estuvo profundamente inmerso en la cultura teatral mientras vivía en Londres justo después de la Revolución. Como director del John Street Theatre y del Park Theatre de la ciudad de Nueva York, trajo a su país las obras y los valores teatrales que había visto. Como muchos dramaturgos y directores de su época, Dunlap adaptó o tradujo obras melodramáticas francesas de dramaturgos alemanes, pero también escribió unas 29 obras originales, entre ellas El padre (1789) , André (1798) y El padre italiano (1799). [dieciséis]
De 1820 a 1830, las mejoras en las condiciones materiales de la vida estadounidense y la creciente demanda de entretenimiento de una clase media en ascenso llevaron a la construcción de nuevos teatros en Nueva York, Filadelfia, Boston y Washington , incluidos Chatham Garden , Federal Street , Tremont , el jardín de Niblo y el Bowery . Durante la primera parte de este período, Filadelfia continuó siendo el principal centro teatral: las obras a menudo se estrenaban en Baltimore en septiembre u octubre antes de trasladarse a teatros más grandes en Filadelfia hasta abril o mayo, seguido de una temporada de verano en Washington o Alejandría . Sin embargo, las rivalidades y fuerzas económicas mayores llevaron a una serie de quiebras de cinco importantes compañías de teatro en sólo ocho meses entre el 1 de octubre de 1828 y el 27 de mayo de 1829. Debido a esto y a la importación de artistas del star system como Clara Fisher , Nueva York asumió el cargo de la ciudad dominante en el teatro americano. [15]
En la década de 1830, el romanticismo floreció en Europa y América y escritores como Robert Montgomery Bird pasaron a primer plano. Dado que el romanticismo enfatizaba las verdades eternas y los temas nacionalistas, encajaba perfectamente con la identidad nacional emergente de los Estados Unidos. The Gladiator , de Bird, fue bien recibido cuando se estrenó en 1831 y se representó en Drury Lane en Londres en 1836 con Edwin Forrest como Spartacus, y The Courier proclamó que "Estados Unidos finalmente ha reivindicado su capacidad de producir un dramaturgo del más alto nivel. " Al tratar sobre la insurgencia de esclavos en la antigua Roma , The Gladiator ataca implícitamente la institución de la esclavitud en los Estados Unidos al "transformar a los Antebellum en rebeldes neoclásicos". [17] Forrest continuaría interpretando el papel en más de mil representaciones en todo el mundo hasta 1872. Tras el éxito de su colaboración inicial, Bird y Forrest trabajarían juntos en futuros estrenos de Oralloosa, Hijo de los Incas y El corredor de Bogotá. . Pero el éxito de The Gladiator provocó desacuerdos contractuales, y Bird argumentó que Forrest, que había ganado decenas de miles de dólares con las obras de Bird, le debía más de los 2.000 dólares que le habían pagado.
Los espectáculos de juglar surgieron como breves burlescos y Entr'actes cómicos a principios de la década de 1830. Se desarrollaron hasta alcanzar una forma completa en la siguiente década. En 1848, los espectáculos de juglares con cara negra eran la forma de arte nacional, traduciendo el arte formal como la ópera en términos populares para una audiencia general. Cada espectáculo consistió en parodias cómicas, actos de variedades, bailes y actuaciones musicales que se burlaban de personas específicamente de ascendencia africana. Los espectáculos fueron realizados por caucásicos maquillados o con la cara negra con el fin de desempeñar el papel de personas negras . Las canciones y sketches de Minstrel presentaban varios personajes comunes , más popularmente el esclavo y el dandy . Estos se dividieron además en subarquetipos como la mamá , su contraparte la vieja morena , la provocativa moza mulata y el soldado negro. Los juglares afirmaban que sus canciones y bailes eran auténticamente negros, aunque el alcance de la influencia negra sigue siendo objeto de debate.
Los actores estrella acumularon seguidores inmensamente leales, comparables a las celebridades modernas o las estrellas del deporte. Al mismo tiempo, el público siempre había tratado los teatros como lugares para dar a conocer sus sentimientos, no sólo hacia los actores, sino también hacia sus compañeros de teatro de diferentes clases o tendencias políticas, y los disturbios en el teatro eran algo habitual en Nueva York. [18] Un ejemplo del poder de estas estrellas es el motín de Astor Place en 1849, que fue causado por un conflicto entre la estrella estadounidense Edwin Forrest y el actor inglés William Charles Macready . Los disturbios enfrentaron a inmigrantes y nativistas entre sí, dejando al menos 25 muertos y más de 120 heridos.
En la era anterior a la Guerra Civil, también se representaron muchos tipos de dramas más políticos en todo Estados Unidos. A medida que Estados Unidos avanzaba hacia el oeste en las décadas de 1830 y 1840, los teatros comenzaron a presentar obras que romantizaban y enmascaraban el tratamiento de los nativos americanos como Pocahontas , El jefe Pawnee, De Soto y Metamora o El último de los Wampanoag . Unas cincuenta de estas obras se produjeron entre 1825 y 1860, incluidas representaciones burlescas del "buen salvaje" de John Brougham . [19] Como reacción a los acontecimientos actuales, muchos dramaturgos escribieron comedias cortas que abordaban los principales temas del día. Por ejemplo, Removing the Deposits fue una farsa producida en 1835 en el Bowery como reacción a la batalla de Andrew Jackson con los bancos, los Whigs y los Demócratas, o Love of No Politics fue una obra que trataba sobre la lucha entre los dos partidos políticos de Estados Unidos.
En 1852, Harriet Beecher Stowe publicó la novela contra la esclavitud La cabaña del tío Tom y, sin leyes estrictas de derechos de autor, fue inmediatamente dramatizada en los escenarios de todo el país. En el Teatro Nacional de Nueva York, fue un gran éxito y tuvo más de doscientas representaciones, hasta doce veces por semana hasta 1854. La adaptación de George Aiken fue una producción en seis actos que se mantuvo sola, sin ningún otro entretenimiento. o pieza posterior. [20] La reacción de Minstrelsy a La cabaña del tío Tom es indicativa del contenido de la plantación en ese momento. Los actos de Tom reemplazaron en gran medida otras narrativas de plantaciones, particularmente en el tercer acto. Estos bocetos a veces apoyaban la novela de Stowe, pero con la misma frecuencia le daban la vuelta o atacaban al autor. Cualquiera que fuera el mensaje pretendido, normalmente se perdía en la atmósfera alegre y cómica de la pieza. Personajes como Simon Legree a veces desaparecían y el título se cambiaba con frecuencia a algo más alegre como "Feliz tío Tom" o "La cabaña del tío papá". El propio tío Tom era frecuentemente retratado como un lamebotas inofensivo al que debían ridiculizar. Compañías conocidas como compañías Tommer se especializaban en este tipo de burlescos, y los espectáculos teatrales de Tom integraron elementos del espectáculo de juglar y compitieron con él durante un tiempo.
Después de la Guerra Civil , el escenario estadounidense estuvo dominado por melodramas, espectáculos de juglares, comedias, farsas, circos, vodeviles, burlescos, óperas, operetas, musicales, revistas musicales, espectáculos de medicina, salas de juegos y espectáculos del Lejano Oeste. Muchos dramaturgos y trabajadores del teatro estadounidenses lamentaron el "fracaso del dramaturgo estadounidense", incluidos Augustin Daly , Edward Harrigan , Dion Boucicault y Bronson Howard . Sin embargo, a medida que las ciudades y áreas urbanas prosperaron gracias a la inmigración a finales del siglo XIX, la agitación social y la innovación en tecnología, comunicaciones y transporte tuvieron un profundo efecto en el teatro estadounidense. [21]
En Boston, aunque excluidos de la sociedad de la Edad Dorada , los artistas irlandeses estadounidenses comenzaron a encontrar el éxito, entre ellos Lawrence Barrett , James O'Neill , Dan Emmett , Tony Hart , Annie Yeamans , John McCullough , George M. Cohan y Laurette Taylor , y los irlandeses. Los dramaturgos llegaron a dominar el escenario, incluidos Daly, Harrigan y James Herne . [22]
En 1883, los hermanos Kiralfy se reunieron con Thomas Edison en Menlo Park para ver si la bombilla eléctrica podía incorporarse en un ballet musical llamado Excelsior que iban a presentar en Niblo's Gardens en la ciudad de Nueva York. Como showman, Edison se dio cuenta del potencial de esta empresa para crear demanda para su invento, y juntos diseñaron un final de la producción que sería iluminado por más de quinientas bombillas adheridas a los trajes de los bailarines y al escenario. Cuando el espectáculo se estrenó el 21 de agosto, fue un éxito inmediato y posteriormente se representaría en Buffalo, Chicago, Denver y San Francisco. Así nació la iluminación eléctrica en el teatro y cambiaría radicalmente no sólo la iluminación escénica, sino los principios del diseño escénico. [22]
La Edad Dorada fue también la época dorada de las giras en el teatro estadounidense: mientras la ciudad de Nueva York era la meca de los ambiciosos, los talentosos y los afortunados, en el resto del país una red de teatros grandes y pequeños sustentaba una enorme industria de estrellas famosas, pequeñas compañías, espectáculos de juglares, vodeviles y circos. Por ejemplo, en 1895, el Teatro Burt de Toledo , Ohio, ofrecía melodramas populares por hasta treinta centavos por asiento y tenía una audiencia promedio de 45.000 personas por mes en 488 representaciones de 64 obras diferentes. En promedio, entre 250 y 300 espectáculos, muchos de ellos originarios de Nueva York, recorrieron el país cada año entre 1880 y 1910. Mientras tanto, los propietarios de teatros exitosos comenzaron a expandir su alcance, como el imperio teatral de BF Keith y Edward F. Albee que se extendió por más de setecientos teatros, incluido el Palace de Nueva York. [23] Esto culminó con la fundación del Theatre Syndicate en 1896.
La importancia de la ciudad de Nueva York como centro teatral creció en la década de 1870 alrededor de Union Square hasta convertirse en el principal centro teatral, y el Distrito de los Teatros se movió lentamente hacia el norte desde el bajo Manhattan hasta que finalmente llegó al centro de la ciudad a finales de siglo.
En el escenario musical, Harrigan y Hart innovaron con obras musicales cómicas de la década de 1870, pero las importaciones de Londres llegaron a dominar, comenzando con el burlesque victoriano , luego Gilbert y Sullivan de 1880, y finalmente (en competencia con George M. Cohan y los musicales del Gershwins) Comedias musicales eduardianas de principios de siglo y principios de la década de 1920. [14]
En Alemania, el teatro entró en un estado de decadencia del que no se recuperó hasta la década de 1890. Los principales dramaturgos de la época fueron Otto Ludwig y Gustav Freytag . La falta de nuevos dramaturgos no se sintió mucho porque las obras de Shakespeare , Lessing, Goethe y Schiller ocupaban un lugar destacado en el repertorio. La fuerza teatral más importante de la Alemania de finales del siglo XIX fue la de Jorge II, duque de Sajonia-Meiningen y su Meiningen Ensemble , bajo la dirección de Ludwig Chronegk . Las producciones del Ensemble a menudo se consideran las más históricamente precisas del siglo XIX, aunque su objetivo principal era servir a los intereses del dramaturgo. Las producciones del Ensemble utilizaron trajes y muebles detallados e históricamente precisos, algo que no tenía precedentes en Europa en ese momento. El Meiningen Ensemble se sitúa al comienzo del nuevo movimiento hacia la producción unificada (o lo que Richard Wagner llamaría Gesamtkunstwerk ) y el ascenso del director (a expensas del actor) como artista dominante en la creación teatral. [24]
El Meiningen Ensemble viajó por toda Europa de 1874 a 1890 y obtuvo un éxito incomparable donde quiera que fuera. El público se había cansado del teatro de entretenimiento regular y superficial y comenzaba a exigir una forma de expresión más creativa e intelectualmente estimulante que la que el Ensemble podía ofrecer. Por lo tanto, el Meiningen Ensemble puede considerarse como el precursor del movimiento de teatro artístico que apareció en Europa a finales de la década de 1880. [25]
Richard Wagner (1813-1883) rechazó la tendencia contemporánea hacia el realismo y argumentó que el dramaturgo debería ser un creador de mitos que retrata un mundo ideal mediante la expresión de los impulsos y aspiraciones internos de un pueblo. Wagner utilizó la música para derrotar los caprichos personales de los intérpretes. La melodía y el tempo de la música le permitieron tener un mayor control personal sobre la interpretación que el que tendría con el drama hablado. Al igual que con el Meininger Ensemble, Wagner creía que el autor-compositor debía supervisar cada aspecto de la producción para unificar todos los elementos en una " obra de arte maestra ". [26] Wagner también introdujo un nuevo tipo de auditorio que abolió los palcos laterales, fosos y galerías que eran una característica destacada de la mayoría de los teatros europeos y los reemplazó con un auditorio en forma de abanico de 1.745 asientos que tenía 50 pies (15 m) de ancho. en el proscenio y 115 pies (35 m) en la parte trasera. Esto permitió que todos los asientos del auditorio disfrutaran de una vista completa del escenario y significó que no había asientos "buenos".
En Rusia , Aleksandr Griboyedov , Alexander Pushkin y Nikolai Polevoy fueron los dramaturgos más destacados. Como en otros lugares, Rusia estuvo dominada por el melodrama y el teatro musical. Comenzó a surgir un drama más realista con las obras de Nikolai Gogol y la actuación de Mikhail Shchepkin . Bajo una estrecha supervisión gubernamental, el teatro ruso se expandió considerablemente. El príncipe Alexander Shakhovskoy abrió teatros estatales y escuelas de formación, intentó elevar el nivel de la producción rusa después de un viaje a París y estableció regulaciones para el gobierno de las compañías que permanecieron en vigor hasta 1917. [27]
El realismo comenzó antes en el siglo XIX en Rusia que en otras partes de Europa y adoptó una forma más intransigente. [28] Comenzando con las obras de Ivan Turgenev (que utilizó "detalles domésticos para revelar la agitación interna"), Aleksandr Ostrovsky (que fue el primer dramaturgo profesional de Rusia), Aleksey Pisemsky (cuyo Un destino amargo (1859) anticipó el naturalismo ), y Leo Tolstoi (cuya El poder de las tinieblas (1886) es "una de las obras naturalistas más efectivas"), una tradición de realismo psicológico en Rusia que culminó con el establecimiento del Teatro de Arte de Moscú por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko . [29]
A Ostrovsky a menudo se le atribuye la creación de un drama peculiarmente ruso. Sus obras Basta de estupidez en cada sabio (1868) y La tormenta (1859) se basan en la vida que mejor conocía, la de la clase media. Otros dramaturgos rusos importantes del siglo XIX incluyen a Alexander Sukhovo-Kobylin (cuya La muerte de Tarelkin (1869) anticipó el Teatro del Absurdo ) y Mikhail Saltykov-Shchedrin .
El naturalismo , un movimiento teatral nacido de El origen de las especies (1859) de Charles Darwin y de las condiciones políticas y económicas contemporáneas, encontró a su principal proponente en Émile Zola . Su ensayo "El naturalismo en el teatro" (1881) argumentaba que la poesía está en todas partes y no en el pasado o en la abstracción: "Hay más poesía en el pequeño apartamento de un burgués que en todos los palacios vacíos y carcomidos de la historia".
La realización de las ideas de Zola se vio obstaculizada por la falta de dramaturgos capaces que escribieran drama naturalista. André Antoine surgió en la década de 1880 con su Théâtre Libre , que sólo estaba abierto a miembros y, por tanto, estaba exento de censura. Rápidamente se ganó la aprobación de Zola y comenzó a montar obras naturalistas y otras piezas realistas extranjeras. Antoine fue único en su diseño de escenografía, ya que construyó decorados con la " cuarta pared " intacta, y solo decidió qué pared quitar más tarde. Antoine escuchó por primera vez a los dramaturgos franceses más importantes de este período, incluidos Georges Porto-Riche, François de Curel y Eugène Brieux . [30]
El trabajo de Henry Arthur Jones y Arthur Wing Pinero inició una nueva dirección en la escena inglesa. Si bien su trabajo allanó el camino, el desarrollo de un drama más significativo se debe principalmente al dramaturgo Henrik Ibsen .
Ibsen nació en Noruega en 1828. Escribió 25 obras de teatro, las más famosas son La casa de muñecas (1879), Fantasmas (1881), El pato salvaje (1884) y Hedda Gabler (1890). A Doll's House y Ghosts sorprendieron a los conservadores: la partida de Nora en A Doll's House fue vista como un ataque a la familia y al hogar, mientras que las alusiones a enfermedades venéreas y conducta sexual inapropiada en Ghosts se consideraron profundamente ofensivas para los estándares de decencia pública. Ibsen refinó la fórmula de juego bien hecha de Scribe para adaptarla más al estilo realista. Proporcionó un modelo para los escritores de la escuela realista. Además, sus obras Rosmersholm (1886) y When We Dead Awaken (1899) evocan una sensación de fuerzas misteriosas que actúan en el destino humano, lo que se convertiría en un tema importante del simbolismo y del llamado " Teatro del Absurdo ".
Después de Ibsen, el teatro británico experimentó una revitalización con la obra de George Bernard Shaw , Oscar Wilde y (de hecho a partir de 1900) John Galsworthy . A diferencia de la mayor parte del trabajo sombrío e intensamente serio de sus contemporáneos, Shaw y Wilde escribieron principalmente en forma cómica .
El teatro del siglo XVIII estaba iluminado con velas y lámparas de aceite que servían principalmente para iluminar y que el público pudiera ver la representación, sin ningún otro propósito. Esto cambió a principios del siglo XIX con la introducción de la iluminación de gas , que fue adoptada lentamente por los principales teatros a lo largo de las décadas de 1810 y 1820 para iluminar la casa y el escenario. La introducción de la iluminación de gas revolucionó la iluminación escénica. Proporcionó una luz algo más natural y adecuada para el juego y el espacio escénico detrás del arco del proscenio. Si bien no había forma de controlar las luces de gas, esto pronto también cambiaría. En Gran Bretaña, los teatros de Londres adquirieron protagonismo escénico a finales de la década de 1830. En París, la lámpara eléctrica de arco de carbón se empezó a utilizar en la década de 1840. Ambos tipos de iluminación podían operarse manualmente y enfocarse mediante una lente adjunta, dando así al teatro la capacidad de enfocar la luz sobre artistas concretos por primera vez. [31]
A partir de la década de 1880, los teatros comenzaron a electrificarse gradualmente y el Teatro Savoy se convirtió en el primer teatro del mundo en introducir un sistema de iluminación teatral totalmente electrificado en 1881. Richard D'Oyly Carte , quien construyó el Savoy, explicó por qué había introducido la electricidad. luz: "Los mayores inconvenientes para el disfrute de las representaciones teatrales son, sin duda, el aire viciado y el calor que impregnan todos los teatros. Como todo el mundo sabe, cada quemador de gas consume tanto oxígeno como muchas personas, y provoca un gran calor al lado. Las lámparas incandescentes no consumen oxígeno y no generan calor perceptible". [32] En particular, la introducción de la luz eléctrica coincidió con el auge del realismo: las nuevas formas de iluminación fomentaron detalles escénicos más realistas y un estilo de actuación más sutil y realista. [33]
Una de las transiciones escénicas más importantes del siglo fue la del telón de fondo escénico bidimensional de uso frecuente a los decorados tridimensionales. Anteriormente, como entorno bidimensional, el escenario no proporcionaba un entorno físico envolvente para la acción dramática que se desarrollaba en el escenario. Esto cambió cuando se introdujeron los decorados tridimensionales en la primera mitad del siglo. Esto, junto con el cambio en la audiencia y la dinámica del escenario, así como el avance en la arquitectura teatral que permitió cambios ocultos en la escena, el teatro se volvió más representativo en lugar de presentacional, e invitó al público a ser transportado a un "otro" mundo concebido. A principios del siglo XIX también se produjo la innovación del panorama en movimiento: un escenario pintado sobre una tela larga, que podía desenrollarse por el escenario girando carretes, creaba una ilusión de movimiento y cambios de escenario. [34]
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