El teatro del siglo XIX se destacó por su filosofía cambiante, desde el romanticismo y el neoclasicismo que dominaron Europa desde finales del siglo XVIII hasta el realismo y el naturalismo en la segunda mitad del siglo XIX antes de que finalmente diera paso al surgimiento del modernismo en el siglo XX. . El escenario del teatro de la época reflejaba fielmente estos cambios y, con el inicio de la Revolución Industrial y los avances tecnológicos a lo largo del siglo, cambiaron drásticamente la estética del teatro.
El realismo teatral fue un movimiento general en el teatro del siglo XIX del período 1870-1960 que desarrolló un conjunto de convenciones dramáticas y teatrales con el objetivo de aportar una mayor fidelidad a la vida real a los textos y representaciones. Parte de un movimiento artístico más amplio, incluyó un enfoque en el drama cotidiano de la clase media, el habla ordinaria y los escenarios simples. Esta idea de representar el tema con sinceridad fue evidente en los cambios que se realizaron en el diseño escénico en el teatro. Los diseñadores y directores teatrales comenzaron a investigar meticulosamente la precisión histórica para sus producciones, lo que significó que la escenografía ya no podía extraerse del material original, que normalmente se usaba una y otra vez en escenarios genéricos para diferentes espectáculos. La escenografía comenzó a diseñarse y fabricarse a medida para producciones específicas. Esto significaba que, si bien la escenografía solía considerarse una inversión de capital, ahora se consideraba más desechable cuando la producción se eliminaba del repertorio. [1]
Una de las transiciones escénicas más importantes del siglo XX fue la del telón de fondo escénico bidimensional de uso frecuente a los decorados tridimensionales. Anteriormente, como entorno bidimensional, el escenario no proporcionaba un entorno físico envolvente para la acción dramática que se desarrollaba en el escenario. Esto cambió cuando se introdujeron los decorados tridimensionales en la primera mitad del siglo. Con esta innovación, junto con el cambio en la audiencia y la dinámica del escenario, así como avances en la arquitectura teatral que permitieron cambios ocultos en la escena, el teatro se volvió más representativo en lugar de presentacional, e invitó al público a ser transportado a un "otro" mundo concebido. [2]
El epítome de los nuevos decorados de estilo tridimensional y uno de los avances más importantes del diseño escénico fue la popularización del box set . La caja existe desde el siglo XVII, pero carecía de soporte. [3] Madame Vestris había introducido un mobiliario escénico realista en 1836 en su pequeño Teatro Olímpico de Londres, y lo impuso a los directores estadounidenses cuando realizó una gira por ese país en 1838-1839. [4] La caja fue un reemplazo gradual de los conjuntos de alas y contraventanas pintadas. Entre 1800 y 1875, muchos artistas de teatro comenzaron a utilizarlos. Una caja consta de pisos unidos entre sí para representar una habitación; a menudo tiene elementos practicables, como puertas y ventanas, que pueden utilizarse durante el transcurso de una obra de teatro o espectáculo. [5] Con la nueva búsqueda del realismo, los entornos tipo caja que parecían habitaciones ahora tenían molduras pesadas, puertas reales con pomos y muebles amplios y precisos. Tener la caja también significó que muchos artistas de teatro comenzaron a representar toda la acción detrás del proscenio a fines del siglo XIX, reforzando así la ilusión de una cuarta pared . El público estaría viendo un “ rebano de vida ” a través de una ventana. Las cajas permitieron a los diseñadores escénicos crear atmósferas y estados de ánimo mejor visualizados.
Los estilos escénicos americanos del siglo XIX fueron derivaciones únicas de los maestros europeos. Los artistas escénicos de Europa trajeron consigo los paisajes románticos , barrocos o clásicos que conocían de sus hogares, pero los estilos parecieron cambiar cuando desembarcaron en la costa americana. [6] El estilo romántico de pintura de paisajes inglés se adaptó lentamente a la imagen estadounidense. El paisaje más accidentado del salvaje oeste americano llegó a ser idealizado por artistas escénicos nativos a lo largo del siglo. Muchos teatros invirtieron en escenografía genérica destinada a prácticamente cualquier producción. Un decorado polivalente incluía paisajes, ciudades europeas, prisión, palacio, aldea, paso de montaña y bosque. [7]
El oleo era una gota versátil para cualquier tipo de entretenimiento. La gota de oleo a menudo colgaba en una sola posición, subdividiendo el escenario en una profundidad menor que era más apropiada para un breve interludio. [8] El telón de acto o telón funcionaba hoy como cortina principal, la pared divisoria decorativa entre el público y el escenario. A menudo, era la pieza más elaborada que poseía un teatro y estaba pintada para armonizar con la decoración interior del propio teatro.
Durante el siglo XIX se aplicó al teatro la tecnología de la Revolución Industrial . Muchos historiadores creen que la popularidad del melodrama , con su énfasis en el espectáculo escénico y los efectos especiales, aceleró estas innovaciones tecnológicas: por ejemplo, Dion Boucicault fue responsable de la introducción de dispositivos ignífugos en el teatro cuando una de sus obras melodramáticas requería un incendio en el escenario. . [9]
Si bien la invención del panorama se atribuye a Robert Barker en 1787, se considera que Louis Jacques Daguerre perfeccionó la invención en el siglo XIX. Creó el diorama: una pintura fija vista por un público sentado en una plataforma giratoria. Esto pronto dio paso al panorama en movimiento: un escenario pintado sobre una tela larga, que podía desenrollarse por el escenario girando carretes, creaba una ilusión de movimiento y cambios de lugar. Una popular obra estadounidense, Un viaje a Niágara (1828) de William Dunlap , utilizó este dispositivo para mostrar un viaje desde la ciudad de Nueva York a las Cataratas del Niágara en un barco de vapor. [10] La llegada de los panoramas, junto con la invención de la trampa corsa por parte de Charles Kean, significó que se podían representar en el escenario carreras enteras de caballos y carros. [11] El énfasis en recrear ambientes naturales en el escenario probablemente estuvo influenciado por el romanticismo, que pedía un "regreso a la naturaleza".
El 7 de febrero de 1880, el Spirit of the Times anunció: "Esta noche el Sr. J. Steele MacKaye inaugurará el teatro más exquisito del mundo, y toda Nueva York se reunirá para honrar la realización de sus visiones artísticas... Sr. MacKaye interpretará el drama Hazel Kirke con esperas de sólo dos minutos entre actos, y luego exhibirá el escenario doble: un compartimento preparado para la cocina de Blackburn Mill y otro como tocador en Fairy Grove Villa". El escenario del ascensor de MacKaye fue un desarrollo importante del drama y el teatro estadounidenses. Era una solución al problema que planteaba el creciente uso de box sets para reproducir con detalle escenas interiores. Con el escenario del ascensor, se podían cambiar múltiples escenas de forma rápida y detallada. Esto mejoró enormemente la velocidad y eficiencia de los cambios escénicos, y no fue necesario simplificar el diseño; todavía se podría detallar. El escenario del ascensor fue descrito en Scientific American , 5 de abril de 1884. "[Consiste] en dos escenarios teatrales, uno encima del otro, que se mueven hacia arriba y hacia abajo como se hace funcionar la cabina de un ascensor en un edificio alto, de modo que cualquiera de los dos Cada uno de ellos se puede colocar fácil y rápidamente en cualquier momento en el nivel adecuado para actuar delante del auditorio. Mientras se desarrolla la obra ante el público, los asistentes organizan otra escena en el escenario superior. [12]
Los nuevos estilos de escenografía significaban que se necesitaban nuevos medios para cambiar la escena. El Booth's Theatre , inaugurado en 1869, fue el primero de una nueva generación de teatros construidos específicamente para adaptarse a escenas tridimensionales. Fue el primer teatro en tener un piso de escenario nivelado (en lugar de un piso inclinado, como había sido el estándar en los teatros con arco de proscenio desde el Renacimiento) y sin ranuras en el piso del escenario para mover pisos. Esta idea se convertiría en la norma a finales de siglo. Ascensores y equipos para escenarios voladores también complementaron el espacio. [13]
La tecnología del siglo XIX revolucionó la iluminación escénica, que hasta entonces había sido primitiva. La introducción de la iluminación de gas fue el primer paso. En 1816, el Chestnut Street Theatre de Filadelfia se convirtió en el primer teatro con iluminación de gas del mundo. [14] La introducción de la iluminación de gas revolucionó la iluminación escénica. Proporcionó una luz algo más natural y adecuada para la obra y el espacio escénico detrás del arco del proscenio. Sin embargo, esta nueva riqueza en iluminación planteó dificultades al principio. Aunque los pintores escénicos tuvieron que aprender a atenuar sus colores al aumento de la potencia de las velas, el brillo sólo destacó aún más la disparidad entre las escenas tridimensionales y su fondo bidimensional y condujo al eventual declive de este último. La llegada del protagonismo , también conocida como luz de Drummond , también introdujo eficazmente la iluminación puntual en el teatro. [15] La lámpara incandescente eléctrica de Thomas Edison , inventada en 1879, fue el siguiente paso. Hizo de la electricidad la forma de iluminación más flexible, controlable y segura; en el siglo XX, convertiría el diseño de iluminación escénica en un verdadero arte. Estos nuevos medios de iluminación aumentaron enormemente el control sobre la luz del escenario y estimularon el interés por imitar los fenómenos luminosos de la naturaleza. [dieciséis]
Fue durante esta época que los artistas escénicos comenzaron a ser reconocidos por su trabajo. Muchos de los artistas escénicos operaron sus propios estudios escénicos en Nueva York y hacia la segunda mitad del siglo, se formaron los primeros sindicatos teatrales como respuesta al Theatre Syndicate . Los productores que originalmente contrataban carpinteros y pintores de empresa comenzaron a sacar a licitación sus producciones. También fue durante este período que los diseñadores comenzaron a trabajar con modelos para transmitir su diseño. [17]
El final del siglo XIX fue testigo del apogeo y del fin del paisaje pintado en perspectiva tradicional. El diseño escénico fue realista y creativo, liberando la imaginación del público. El realismo no era más que un estilo pasajero. Hacia finales de siglo, el realismo encontraría su opuesto en el naturalismo. Serían Adolphe Appia y Edward Gordon Craig quienes se rebelarían contra la idea del actor de pie sobre un suelo plano rodeado de lienzos pintados “realistas”. Sus ideas controvertidas serían la base del New Stagecraft. El siglo XX traería al diseñador escénico una estética completamente nueva para el mundo del teatro en la forma de Henrik Ibsen y el modernismo . A medida que las películas reemplazaban la popularidad del teatro, una estética internacional pesaba sobre los paisajes pintados, los estudios escénicos comenzaron a reducirse y los artistas escénicos comenzaron a desaparecer. La época dorada de la pintura escénica del siglo XIX se convirtió rápidamente en una época mucho más fragmentada en el siglo XX, cuando los estilos teatrales cambiaron radicalmente y, finalmente, el teatro perdió popularidad frente al cine y la televisión.
Beudert, Susan Crabtree y Peter. Arte escénico para el teatro: historia, herramientas y técnicas. Ed. Taylor y Francisco. Ilustrado. 2005.