La música es la disposición del sonido para crear alguna combinación de forma , armonía , melodía , ritmo u otro contenido expresivo . [1] [2] [3] En general, se acepta que la música es un universal cultural que está presente en todas las sociedades humanas. [4] Las definiciones de música varían ampliamente en sustancia y enfoque. [5] Si bien los académicos coinciden en que la música se define por un pequeño número de elementos específicos , no hay consenso en cuanto a cuáles son estos elementos necesarios. [6] La música a menudo se caracteriza como un medio muy versátil para expresar la creatividad humana . [7] En la creación de música intervienen diversas actividades, y a menudo se dividen en categorías de composición , improvisación e interpretación . [8] La música puede interpretarse utilizando una amplia variedad de instrumentos musicales , incluida la voz humana . También puede componerse, secuenciarse o producirse de otro modo para reproducirse indirectamente de forma mecánica o electrónica, como a través de una caja de música , un organillo o un software de estación de trabajo de audio digital en una computadora.
La música suele desempeñar un papel fundamental en eventos sociales y ceremonias religiosas . Las técnicas de creación musical suelen transmitirse como parte de una tradición cultural. La música se interpreta en contextos públicos y privados y se destaca en eventos como festivales y conciertos para distintos tipos de conjuntos. La música se utiliza en la producción de otros medios, como bandas sonoras de películas, programas de televisión, óperas y videojuegos.
Escuchar música es una forma habitual de entretenimiento . La cultura que rodea a la música se extiende a áreas de estudio académico, periodismo , filosofía , psicología y terapia . La industria musical incluye a compositores, intérpretes, ingenieros de sonido , productores, organizadores de giras, distribuidores de instrumentos, accesorios y editores de partituras y grabaciones . La tecnología que facilita la grabación y reproducción de música ha incluido históricamente partituras , micrófonos , fonógrafos y grabadoras de cinta , siendo la reproducción de música digital un uso común para reproductores de MP3 , reproductores de CD y teléfonos inteligentes .
La palabra inglesa moderna «música» empezó a usarse en la década de 1630. [9] Se deriva de una larga línea de precursores sucesivos: el inglés antiguo « musike » de mediados del siglo XIII; el francés antiguo musique del siglo XII; y el latín mūsica . [10] [7] [n 1] La palabra latina en sí deriva del griego antiguo mousiké ( technē ) - μουσική ( τέχνη ) - que literalmente significa «(arte) de las Musas». [10] [n 2] Las Musas eran nueve deidades en la mitología griega antigua que presidían las artes y las ciencias . [13] [14] Fueron incluidas en los cuentos de los primeros autores occidentales, Homero y Hesíodo , [15] y finalmente llegaron a asociarse específicamente con la música. [14] Con el tiempo, Polimnia ocuparía un lugar más destacado en la música que las otras musas. [11] La palabra latina musica también fue la creadora tanto del español música como del francés musique a través de la ortografía y el ajuste lingüístico, aunque otros términos europeos probablemente fueron préstamos , incluido el italiano musica , el alemán Musik , el holandés muziek , el noruego musikk , el polaco muzyka y el ruso muzïka . [14]
El mundo occidental moderno suele definir la música como un término que lo abarca todo y que se utiliza para describir diversos géneros, estilos y tradiciones. [16] Este no es el caso en todo el mundo, y lenguas como el indonesio moderno ( musik ) y el shona ( musakazo ) han adoptado recientemente palabras para reflejar esta concepción universal, ya que no tenían palabras que se ajustaran exactamente al ámbito occidental. [14] Antes del contacto occidental en el este de Asia , ni Japón ni China tenían una sola palabra que abarcara la música en un sentido amplio, pero culturalmente, a menudo consideraban la música de esa manera. [17] La palabra más cercana para significar música en chino , yue , comparte un carácter con le , que significa alegría, y originalmente se refería a todas las artes antes de limitar su significado. [17] África es demasiado diversa para hacer generalizaciones firmes, pero el musicólogo JH Kwabena Nketia ha enfatizado la conexión a menudo inseparable de la música africana con la danza y el habla en general. [18] Algunas culturas africanas, como el pueblo Songye de la República Democrática del Congo y el pueblo Tiv de Nigeria, tienen una concepción fuerte y amplia de "música", pero no tienen una palabra correspondiente en sus lenguas nativas. [18] Otras palabras comúnmente traducidas como "música" a menudo tienen significados más específicos en sus respectivas culturas: la palabra hindi para música, sangita , se refiere propiamente a la música artística , [19] mientras que las muchas lenguas indígenas de las Américas tienen palabras para música que se refieren específicamente a la canción pero describen la música instrumental de todos modos. [20] Aunque el árabe musiqi puede referirse a toda la música, generalmente se usa para la música instrumental y métrica, mientras que khandan identifica la música vocal e improvisada. [21]
A menudo se debate hasta qué punto se entenderán alguna vez los orígenes de la música, [23] y hay teorías en competencia que pretenden explicarlo. [24] Muchos académicos destacan una relación entre el origen de la música y el origen del lenguaje , y existe desacuerdo en torno a si la música se desarrolló antes, después o simultáneamente con el lenguaje. [25] Una fuente similar de controversia rodea si la música fue el resultado intencional de la selección natural o fue un subproducto de la evolución. [25] La primera teoría influyente fue propuesta por Charles Darwin en 1871, quien afirmó que la música surgió como una forma de selección sexual , tal vez a través de llamadas de apareamiento. [26] La perspectiva original de Darwin ha sido duramente criticada por sus inconsistencias con otros métodos de selección sexual, [27] aunque muchos académicos en el siglo XXI han desarrollado y promovido la teoría. [28] Otras teorías incluyen que la música surgió para ayudar a organizar el trabajo, mejorar la comunicación a larga distancia, beneficiar la comunicación con lo divino , ayudar en la cohesión comunitaria o como defensa para ahuyentar a los depredadores. [29]
La música prehistórica solo se puede teorizar basándose en los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos . La disputada flauta Divje Babe , un fémur perforado de oso de las cavernas , tiene al menos 40.000 años de antigüedad, aunque existe un considerable debate en torno a si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales. [30] Los primeros objetos cuyas designaciones como instrumentos musicales son ampliamente aceptadas son flautas de hueso del Jura de Suabia , Alemania, concretamente de las cuevas de Geissenklösterle , Hohle Fels y Vogelherd . [31] Datadas en el Auriñaciense (del Paleolítico superior) y utilizadas por los primeros humanos modernos europeos , de las tres cuevas hay ocho ejemplos, cuatro hechos de huesos de alas de aves y cuatro de marfil de mamut ; tres de estos están casi completos. [31] Tres flautas de Geissenklösterle están datadas como las más antiguas, c. 43.150–39.370 BP. [22] [n.º 3]
La evidencia material y representativa más temprana de los instrumentos musicales egipcios data del período predinástico , pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaban arpas , flautas y clarinetes dobles . [32] Los instrumentos de percusión, liras y laúdes se agregaron a las orquestas en el Imperio Medio . Los platillos [33] acompañaban con frecuencia la música y la danza, tal como lo hacen todavía hoy en Egipto . La música folclórica egipcia , incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr , son el género musical contemporáneo más cercano a la música egipcia antigua , habiendo conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos. [34] [35]
El " Himno hurrita a Nikkal ", hallado en tablillas de arcilla en la antigua ciudad siria de Ugarit , es la obra musical anotada más antigua que se conserva y data de aproximadamente el año 1400 a. C. [36] [37]
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia , de hecho era una de las principales materias que se enseñaban a los niños. La educación musical se consideraba importante para el desarrollo del alma de un individuo. Los músicos y cantantes desempeñaban un papel destacado en el teatro griego , [38] y aquellos que recibían una educación musical eran vistos como nobles y en perfecta armonía (como se puede leer en la República, Platón ). Los coros mixtos se presentaban para entretenimiento, celebración y ceremonias espirituales. [39] Los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada , la lira , principalmente un tipo especial llamado cítara . La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un desarrollo musical significativo. La teoría musical griega incluía los modos musicales griegos , que eventualmente se convirtieron en la base de la música religiosa y clásica occidental . Más tarde, las influencias del Imperio Romano , Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El epitafio de Seikilos es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo. [40] La obra más antigua que se conserva escrita sobre teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno . [41]
La música asiática abarca una amplia gama de culturas musicales analizadas en los artículos sobre Arabia , Asia central , Asia oriental , Asia meridional y Asia sudoriental . Varias de ellas tienen tradiciones que se remontan a la antigüedad.
La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. [42] Las esculturas de la civilización del valle del Indo muestran danzas [43] e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler . [44] El Rigveda , un antiguo texto hindú, tiene elementos de la música india actual, con notación musical para indicar el metro y el modo de canto. [45] La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga organizada rítmicamente a través de talas . El poema Cilappatikaram proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente. [46] La música hindi actual estuvo influenciada por la música tradicional persa y los mogoles afganos . La música carnática , popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. Hay canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.
La música indonesia se ha formado desde que la cultura de la Edad de Bronce emigró al archipiélago indonesio en los siglos II y III a. C. La música tradicional indonesia utiliza instrumentos de percusión, especialmente kendang y gongs . Algunos de ellos desarrollaron instrumentos elaborados y distintivos, como el instrumento de cuerda sasando en la isla de Rote, el angklung sondanés y las complejas y sofisticadas orquestas gamelan de Java y Bali . Indonesia es el hogar del gong chime , un término general para un conjunto de gongs pequeños y de tono alto. Los gongs generalmente se colocan en orden de nota, con el jefe hacia arriba en una cuerda sostenida en un marco de madera bajo. La forma más popular de música indonesia es el gamelan, un conjunto de instrumentos de percusión afinados que incluyen metalófonos , tambores , gongs y violines de púas junto con suling de bambú (como una flauta ). [47] [48]
La música clásica china , el arte tradicional o música de la corte de China, tiene una historia que se extiende a lo largo de unos 3000 años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como su afinación y tono musicales, instrumentos musicales y estilos o géneros. La música china es pentatónica - diatónica , con una escala de doce notas por octava (5 + 7 = 12), al igual que la música de influencia europea. [49]
La era de la música medieval (500 a 1400), que tuvo lugar durante la Edad Media , comenzó con la introducción del canto monofónico (una sola línea melódica) en los servicios de la Iglesia católica . La notación musical se utilizó desde la antigüedad en la cultura griega , pero en la Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la Iglesia católica, por lo que las melodías del canto podían escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en todo el imperio católico. El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado, en forma escrita, de antes del 800 es el canto litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se llamó canto gregoriano . Junto a estas tradiciones de música sacra y de iglesia existía una vibrante tradición de canción secular (canciones no religiosas). Ejemplos de compositores de este período son Léonin , Pérotin , Guillaume de Machaut y Walther von der Vogelweide . [50] [51] [52] [53]
La música renacentista ( c. 1400 a 1600) se centraba más en temas seculares, como el amor cortés . Alrededor de 1450, se inventó la imprenta , que hizo que las partituras impresas fueran mucho más baratas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música notada se copiaba a mano). La mayor disponibilidad de partituras difundió los estilos musicales más rápidamente y en un área más grande. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y las ciudades. Los coros de las iglesias crecieron en tamaño y la iglesia siguió siendo un importante mecenas de la música. A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Guillaume Du Fay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley , Orlando di Lasso y Josquin des Prez . A medida que la actividad musical se trasladaba de la Iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes competían por los mejores compositores. Muchos compositores destacados procedían de los Países Bajos, Bélgica y Francia; se los denomina compositores franco-flamencos. [54] Ocuparon puestos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una actividad musical vibrante fueron Alemania, Inglaterra y España.
La era barroca de la música tuvo lugar desde 1600 hasta 1750, coincidiendo con el florecimiento del estilo artístico barroco en Europa. El comienzo de la era barroca estuvo marcado por la escritura de las primeras óperas . La música contrapuntística polifónica (música con líneas melódicas separadas y simultáneas ) siguió siendo importante durante este período. Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas , metales y vientos de madera , así como para coros e instrumentos de teclado como el órgano de tubos , el clavecín y el clavicordio . La complejidad musical aumentó durante este tiempo. Se crearon varias formas musicales importantes, algunas de las cuales persistieron en períodos posteriores, viendo un mayor desarrollo. Estas incluyen la fuga , la invención , la sonata y el concierto . [55] El estilo barroco tardío fue polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca se incluyen Johann Sebastian Bach ( Suites para violonchelo ), George Frideric Handel ( El Mesías ), Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi ( Las cuatro estaciones ).
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se consideraban los elementos clave del arte y la filosofía de la antigua Grecia y Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. (Nota: la música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un término que se refiere a la música de arte occidental desde el siglo V hasta la década de 2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos). La música del período clásico tiene una textura más ligera, más clara y considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal era la homofonía , [56] donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinada son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano , precursor del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de tubos de la era barroca como principal instrumento de teclado (aunque el órgano de tubos continuó utilizándose en la música sacra, como las misas).
Se dio importancia a la música instrumental . Fue dominada por un mayor desarrollo de las formas musicales definidas inicialmente en el período barroco: la sonata , el concierto y la sinfonía . Otros tipos principales fueron el trío , el cuarteto de cuerda , la serenata y el divertimento . La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos utilizados en la música de cámara y la orquesta se volvieron más estandarizados. En lugar del grupo de bajo continuo de la era barroca, que consistía en clave, órgano o laúd junto con una serie de instrumentos bajos seleccionados a discreción del líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo, tiorba, serpentón), los grupos de cámara clásicos usaban instrumentos específicos y estandarizados (por ejemplo, un cuarteto de cuerda sería interpretado por dos violines, una viola y un violonchelo). La práctica de la ejecución improvisada de acordes por parte del tecladista de continuo o del laúd, un sello distintivo de la música barroca, experimentó un declive gradual entre 1750 y 1800. [57]
Uno de los cambios más importantes que se produjeron en el período clásico fue el desarrollo de los conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora era posible que los compositores sobrevivieran sin ser empleados permanentes de reinas o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica condujo a un crecimiento en el número y los tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios públicos para presentaciones. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros vocales e instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio , se hicieron más populares. [58] [59] [60]
Los compositores más conocidos del Clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert . Beethoven y Schubert también son considerados compositores de la última parte de la era clásica, cuando esta comenzó a encaminarse hacia el Romanticismo.
La música romántica ( c. 1820 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones expresivas más apasionadas y dramáticas. Los compositores románticos como Wagner y Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el poder de su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con poemas sinfónicos , los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica . Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a tener prioridad sobre la tradición. [61]
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (figuras históricas y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fueron un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, las estructuras formales del período clásico continuaron utilizándose (por ejemplo, la forma de sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías ), pero estas formas se expandieron y modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevas formas que se consideraron más adecuadas para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando la música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas. [38]
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos , desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más significativa (un ejemplo es la distintiva figura de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía ). Compositores románticos posteriores como Piotr Ilich Chaikovski , Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y a menudo mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad , como acordes extendidos y acordes alterados , que crearon nuevos "colores" sonoros. A fines del siglo XIX se produjo una expansión dramática en el tamaño de la orquesta, y la Revolución Industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada . También se produjo una nueva diversidad en la música teatral , incluida la opereta , la comedia musical y otras formas de teatro musical. [38]
En el siglo XIX, una forma clave de que las nuevas composiciones se conocieran al público era mediante la venta de partituras , que los amantes de la música amateur de clase media interpretaban en casa, en su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX , la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad en el mercado masivo de discos de gramófono significaron que las grabaciones de sonido escuchadas por los oyentes (en la radio o el tocadiscos) se convirtieron en la principal forma de aprender sobre nuevas canciones y piezas. [62] Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música; cualquiera con una radio o un tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Durante el siglo XIX, el enfoque en las partituras había restringido el acceso a la nueva música a las personas de clase media y alta que podían leer música y que poseían pianos y otros instrumentos. Las radios y los tocadiscos permitieron que las personas de bajos ingresos, que no podían permitirse una entrada para un concierto de ópera o sinfónica, escucharan esta música. Además, la gente podía escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a esos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales. [63]
El enfoque de la música de arte en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Los horrores de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y los compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los estilos de música tradicional como el jazz y la música folclórica fueron utilizados por los compositores como fuente de ideas para la música clásica. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música de arte del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a nuevos subgéneros de música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática [64] y Musique concrète . La grabación de sonido fue una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock , porque podía hacer más que grabar la interpretación de una banda. Utilizando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo. [65] [66]
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX, y durante la segunda mitad, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios del siglo XX, en las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África occidental del estilo es evidente en su uso de notas azules , improvisación , polirritmos , síncopa y la nota swing . [67]
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1950 a partir del rock and roll , el rockabilly , el blues y la música country . [68] El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica, y utiliza un fuerte ritmo de fondo marcado por una sección rítmica . Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas. En su "forma más pura", "tiene tres acordes, un fuerte e insistente ritmo de fondo y una melodía pegadiza". [69] La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas tienen instrumentos de teclado como el órgano, el piano o, desde la década de 1970, sintetizadores analógicos . En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a utilizar sintetizadores digitales, como el sintetizador DX-7 , cajas de ritmos electrónicas como la TR-808 y dispositivos de bajos sintetizados (como el TB-303 ) o teclados de bajos sintetizados . En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos musicales de hardware computarizado e instrumentos y software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital ). En la década de 2020, los sintetizadores de software y las aplicaciones de música por computadora permiten a los productores de dormitorio crear y grabar tipos de música, como música electrónica de baile , en su casa, agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, las bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJ crean música manipulando música grabada, utilizando un mezclador de DJ . [70] [71]
La "composición" es el acto o la práctica de crear una canción, una pieza musical instrumental , una obra con canto e instrumentos u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer también incluye la creación de notación musical , como una "partitura" de partitura , que luego es interpretada por el compositor u otros cantantes o músicos. En la música popular y la música tradicional, el acto de componer, que normalmente se llama composición de canciones, puede implicar la creación de un esquema básico de la canción, llamado partitura principal , que establece la melodía , la letra y la progresión de acordes . En la música clásica, el compositor normalmente orquesta sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que haga la orquestación. En algunos casos, un compositor puede no utilizar notación en absoluto y, en su lugar, compone la canción en su mente y luego la toca o graba de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de intérpretes influyentes tienen el peso que tienen las partituras escritas en la música clásica. [72] [73]
Incluso cuando la música está escrita con relativa precisión, como en la música clásica, hay muchas decisiones que un intérprete debe tomar, porque la notación no especifica todos los elementos de la música con precisión. El proceso de decidir cómo interpretar música que ha sido previamente compuesta y escrita se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos que se eligen y el estilo de interpretación o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y letristas que presentan su propia música están interpretando sus canciones, al igual que aquellos que interpretan la música de otros. El conjunto estándar de opciones y técnicas presentes en un momento y un lugar determinados se conoce como práctica de interpretación , mientras que la interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete. [74]
Aunque una composición musical suele utilizar notación musical y tiene un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener varios compositores, lo que suele ocurrir en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical, cuando una persona escribe las melodías, una segunda persona escribe las letras y una tercera persona orquesta las canciones. En algunos estilos de música, como el blues , un compositor/compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin escribirlas nunca en notación musical. Una pieza musical también puede estar compuesta con palabras, imágenes o programas de ordenador que expliquen o escriban cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Los ejemplos van desde la música de vanguardia que utiliza notación gráfica , hasta composiciones de texto como Aus den sieben Tagen , pasando por programas de ordenador que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se denomina música aleatoria [75] y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski . Un ejemplo conocido de música basada en el azar es el sonido de las campanillas de viento que tintinean con la brisa.
El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para incluir la creación de música popular y canciones y piezas instrumentales de música tradicional , así como obras improvisadas espontáneamente como las de los intérpretes de free jazz y percusionistas africanos como los bateristas Ewe .
La interpretación es la expresión física de la música, que ocurre cuando se canta una canción o se toca una pieza de piano, una melodía de guitarra, una sinfonía, un ritmo de batería u otra parte musical . En la música clásica, un compositor escribe una obra en notación musical y luego la interpreta una vez que el compositor está satisfecho con su estructura e instrumentación. Sin embargo, a medida que se interpreta, la interpretación de una canción o pieza puede evolucionar y cambiar. En la música clásica, los intérpretes instrumentales, cantantes o directores pueden realizar cambios gradualmente en el fraseo o el tempo de una pieza. En la música popular y tradicional, los intérpretes tienen más libertad para realizar cambios en la forma de una canción o pieza. Como tal, en los estilos de música popular y tradicional, incluso cuando una banda toca una canción de versiones , pueden realizar cambios como agregar un solo de guitarra o insertar una introducción. [76]
Una actuación puede ser planificada y ensayada (practicada), que es la norma en la música clásica, las big bands de jazz y muchos estilos de música popular, o improvisada sobre una progresión de acordes (una secuencia de acordes), que es la norma en pequeños grupos de jazz y blues . Los ensayos de orquestas, bandas de concierto y coros son dirigidos por un director. Las bandas de rock, blues y jazz suelen ser dirigidas por el líder de la banda. Un ensayo es una repetición estructurada de una canción o pieza por parte de los intérpretes hasta que se puede cantar o tocar correctamente y, si es una canción o pieza para más de un músico, hasta que las partes estén juntas desde una perspectiva rítmica y de afinación.
Muchas culturas tienen fuertes tradiciones de interpretación en solitario (en las que actúa un cantante o instrumentista), como en la música clásica india y en la tradición de la música artística occidental. Otras culturas, como en Bali , incluyen fuertes tradiciones de interpretación en grupo. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambas, y la interpretación puede variar desde la interpretación en solitario improvisada hasta actuaciones altamente planificadas y organizadas, como el concierto clásico moderno, las procesiones religiosas, los festivales de música clásica o las competiciones de música . La música de cámara , que es música para un conjunto pequeño con solo uno o unos pocos de cada tipo de instrumento, a menudo se considera más íntima que las grandes obras sinfónicas. [77]
La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro de (o basada en) un marco armónico preexistente, una progresión de acordes o riffs . Los improvisadores utilizan las notas del acorde, varias escalas asociadas con cada acorde y adornos cromáticos y tonos de paso que pueden no ser tonos de acorde ni de las escalas típicas asociadas con un acorde. La improvisación musical se puede hacer con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como el blues , el jazz y el jazz fusión , en los que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento. [78]
En la tradición de la música occidental, la improvisación era una habilidad importante durante la era barroca y la era clásica. En la era barroca, los intérpretes improvisaban adornos y los teclistas de bajo continuo improvisaban voces de acordes basándose en la notación de bajo cifrado . Asimismo, se esperaba que los mejores solistas fueran capaces de improvisar piezas como preludios . En la era clásica, los intérpretes solistas y los cantantes improvisaban cadencias virtuosas durante los conciertos.
Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la interpretación de la música clásica occidental, una práctica común , se institucionalizó en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación ha jugado un papel menor, ya que cada vez más música se escribía en partituras y partes para que la interpretaran los músicos. Al mismo tiempo, algunos compositores de música clásica de los siglos XX y XXI han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo. En la música clásica india , la improvisación es un componente central y un criterio esencial de las interpretaciones.
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La música se compone y se interpreta con muchos propósitos, que van desde el placer estético, los propósitos religiosos o ceremoniales, o como un producto de entretenimiento para el mercado. Cuando la música solo estaba disponible a través de partituras , como durante las eras clásica y romántica, los amantes de la música compraban las partituras de sus piezas y canciones favoritas para poder tocarlas en casa al piano. Con la llegada del fonógrafo , los discos de canciones populares, en lugar de las partituras, se convirtieron en la forma dominante en que los amantes de la música disfrutaban de sus canciones favoritas. Con la llegada de las grabadoras de cintas domésticas en la década de 1980 y la música digital en la década de 1990, los amantes de la música podían hacer cintas o listas de reproducción de sus canciones favoritas y llevarlas consigo en un reproductor de casetes portátil o un reproductor de MP3. Algunos amantes de la música crean cintas de mezclas de canciones favoritas, que sirven como un "autorretrato, un gesto de amistad, una receta para una fiesta ideal... [y] un ambiente que consiste únicamente en lo que se ama más ardientemente". [79]
Los músicos aficionados pueden componer o interpretar música para su propio placer y obtener ingresos de otra manera. Los músicos profesionales son empleados por instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas (en bandas de música , bandas de conciertos y grupos de música popular), instituciones religiosas, orquestas sinfónicas, compañías de producción cinematográfica o de radiodifusión y escuelas de música . Los músicos profesionales a veces trabajan como autónomos o músicos de sesión , buscando contratos y compromisos en una variedad de entornos. A menudo hay muchos vínculos entre los músicos aficionados y profesionales. Los músicos aficionados principiantes toman lecciones con músicos profesionales. En entornos comunitarios, los músicos aficionados avanzados actúan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos, como bandas de conciertos comunitarias y orquestas comunitarias.
A menudo se hace una distinción entre la música interpretada para un público en vivo y la música que se interpreta en un estudio para poder grabarla y distribuirla a través del sistema de venta minorista de música o el sistema de radiodifusión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que también se graba y distribuye una actuación en vivo frente a un público. Las grabaciones de conciertos en vivo son populares tanto en la música clásica como en las formas de música popular como el rock, donde los amantes de la música aprecian los conciertos en vivo grabados ilegalmente . En la escena de las bandas de jam , las sesiones de jam improvisadas en vivo se prefieren a las grabaciones en estudio. [80]
La notación musical generalmente significa la expresión escrita de notas musicales y ritmos en papel usando símbolos. Cuando la música se escribe, se anotan los tonos y el ritmo de la música, como las notas de una melodía . La notación musical a menudo proporciona instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede indicar que la canción es un "blues lento" o un "swing rápido", lo que indica el tempo y el género. Para leer la notación, una persona debe tener conocimientos de teoría musical , armonía y la práctica de interpretación asociada con una canción en particular o el género de una pieza.
La notación escrita varía según el estilo y el período de la música. Hoy en día, la música notada se produce como partitura o, para personas con programas de escritura de partituras de computadora , como una imagen en una pantalla de computadora . En la antigüedad, la notación musical se colocaba en tablillas de piedra o arcilla. [37] Para interpretar música a partir de la notación, un cantante o instrumentista requiere una comprensión de los elementos rítmicos y de tono incorporados en los símbolos y la práctica de interpretación que se asocia con una pieza musical o género. En los géneros que requieren improvisación musical , el intérprete a menudo toca música donde solo están escritos los cambios de acordes y la forma de la canción, lo que requiere que el intérprete tenga un gran conocimiento de la estructura de la música, la armonía y los estilos de un género en particular, por ejemplo, jazz o música country .
En la música occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical de los intérpretes o cantantes individuales. En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la partitura principal , que anota la melodía, los acordes, la letra (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. Los libros falsos también se utilizan en el jazz; pueden consistir en partituras principales o simplemente diagramas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento para las canciones de jazz. Las partituras y las partes también se utilizan en la música popular y el jazz, particularmente en grandes conjuntos como las " big bands " de jazz. En la música popular, los guitarristas y los bajistas eléctricos a menudo leen música anotada en tablatura (a menudo abreviada como "tab"), que indica la ubicación de las notas que se tocarán en el instrumento utilizando un diagrama del diapasón de la guitarra o el bajo. La tablatura se utilizó en la época barroca para escribir música para el laúd , un instrumento de cuerda con trastes. [81]
Muchos tipos de música, como el blues tradicional y la música folk, no se escribieron en partituras ; en cambio, se conservaron originalmente en la memoria de los intérpretes y las canciones se transmitieron oralmente , de un músico o cantante a otro, o de forma auditiva, en la que un intérprete aprende una canción " de oído ". Cuando ya no se conoce al compositor de una canción o pieza, esta música a menudo se clasifica como "tradicional" o como una "canción folklórica". Diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes sobre cómo y dónde realizar cambios en el material original, desde bastante estrictas hasta aquellas que exigen improvisación o modificación de la música. La historia y las historias de una cultura también pueden transmitirse de oído a través de la canción. [82]
La música tiene muchos fundamentos o elementos diferentes. Según la definición de "elemento" que se utilice, estos pueden incluir tono, pulso, tempo, ritmo, melodía, armonía, textura, estilo, distribución de voces, timbre o color, dinámica, expresión, articulación, forma y estructura. Los elementos de la música ocupan un lugar destacado en los planes de estudio de música de Australia, el Reino Unido y los Estados Unidos. Los tres planes de estudio identifican el tono, la dinámica, el timbre y la textura como elementos, pero los demás elementos de la música identificados están lejos de ser universalmente aceptados. A continuación se incluye una lista de las tres versiones oficiales de los "elementos de la música":
En relación con el currículo del Reino Unido, en 2013 se añadió el término " notaciones musicales apropiadas " a su lista de elementos y el título de la lista se cambió de "elementos de la música" a "dimensiones interrelacionadas de la música". Las dimensiones interrelacionadas de la música se enumeran como: tono, duración, dinámica, tempo, timbre, textura, estructura y notaciones musicales apropiadas. [86]
La frase "los elementos de la música" se utiliza en diversos contextos. Los dos contextos más comunes pueden diferenciarse describiéndolos como "los elementos rudimentarios de la música" y "los elementos perceptivos de la música". [n 4]
El tono es un aspecto de un sonido que podemos oír, que refleja si un sonido, nota o tono musical es "más alto" o "más bajo" que otro sonido, nota o tono musical. Podemos hablar de la altura o la gravedad del tono en el sentido más general, como la forma en que un oyente oye una nota aguda y penetrante de flautín o un tono silbante como más alto en tono que un golpe profundo de un bombo . También hablamos de tono en el sentido preciso asociado con melodías musicales , líneas de bajo y acordes . El tono preciso solo se puede determinar en sonidos que tienen una frecuencia que es lo suficientemente clara y estable como para distinguirlos del ruido. Por ejemplo, es mucho más fácil para los oyentes discernir el tono de una sola nota tocada en un piano que tratar de discernir el tono de un platillo que se golpea. [91]
Una melodía, también llamada "tono", es una serie de tonos (notas) que suenan en sucesión (uno tras otro), a menudo en un patrón ascendente y descendente. Las notas de una melodía se crean típicamente utilizando sistemas de tonos como escalas o modos . Las melodías también suelen contener notas de los acordes utilizados en la canción. Las melodías en canciones folclóricas simples y canciones tradicionales pueden usar solo las notas de una sola escala, la escala asociada con la nota tónica o tonalidad de una canción determinada. Por ejemplo, una canción popular en la tonalidad de C (también denominada C mayor) puede tener una melodía que utilice solo las notas de la escala de C mayor (las notas individuales C, D, E, F, G, A, B y C; estas son las " notas blancas " en un teclado de piano. Por otro lado, el jazz de la era Bebop de la década de 1940 y la música contemporánea de los siglos XX y XXI pueden utilizar melodías con muchas notas cromáticas (es decir, notas además de las notas de la escala mayor; en un piano, una escala cromática incluiría todas las notas del teclado, incluidas las "notas blancas" y las "notas negras" y escalas inusuales, como la escala de tonos enteros (una escala de tonos enteros en la tonalidad de C contendría las notas C, D, E, F ♯ , G ♯ y A ♯ ). Una línea musical baja tocada por instrumentos bajos, como el contrabajo, el bajo eléctrico o la tuba , se llama línea de bajo . [92]
La armonía se refiere a los sonidos "verticales" de las notas en la música, lo que significa tonos que se tocan o cantan juntos al mismo tiempo para crear un acorde . Por lo general, esto significa que las notas se tocan al mismo tiempo, aunque la armonía también puede estar implícita en una melodía que describe una estructura armónica (es decir, mediante el uso de notas de la melodía que se tocan una después de la otra, delineando las notas de un acorde). En la música escrita utilizando el sistema de tonalidad mayor-menor ("claves"), que incluye la mayoría de la música clásica escrita entre 1600 y 1900 y la mayoría de la música pop, rock y tradicional occidental, la clave de una pieza determina la "nota base" o tónica en la que generalmente se resuelve la pieza, y el carácter (por ejemplo, mayor o menor) de la escala en uso. Las piezas clásicas simples y muchas canciones de música pop y tradicional se escriben de modo que toda la música esté en una sola clave. Las canciones y piezas de música clásica, pop y tradicional más complejas pueden tener dos claves (y en algunos casos tres o más claves). La música clásica de la era romántica (escrita entre 1820 y 1900 aproximadamente) a menudo contiene múltiples tonalidades, [93] al igual que el jazz , especialmente el jazz bebop de la década de 1940, en el que la tonalidad o "nota de inicio" de una canción puede cambiar cada cuatro compases o incluso cada dos compases. [94]
El ritmo es la disposición de sonidos y silencios en el tiempo. El compás anima el tiempo en agrupaciones de pulsos regulares, llamadas compases o barras , que en la música clásica, popular y tradicional occidental a menudo agrupan notas en conjuntos de dos (p. ej., compás de 2/4), tres (p. ej., compás de 3/4, también conocido como compás de vals , o compás de 3/8) o cuatro (p. ej., compás de 4/4). Los compases son más fáciles de escuchar porque las canciones y las piezas a menudo (pero no siempre) ponen énfasis en el primer tiempo de cada agrupación. Existen excepciones notables, como el contratiempo utilizado en gran parte del pop y el rock occidentales, en el que una canción que utiliza un compás que consta de cuatro tiempos (llamado compás de 4/4 o compás común ) tendrá acentos en los tiempos dos y cuatro, que normalmente son interpretados por el baterista en el tambor , un instrumento de percusión fuerte y de sonido distintivo. En el pop y el rock, las partes rítmicas de una canción son interpretadas por la sección rítmica , que incluye instrumentos que tocan acordes (por ejemplo, guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano u otros instrumentos de teclado), un instrumento de bajo (normalmente bajo eléctrico o para algunos estilos como el jazz y el bluegrass , contrabajo) y un jugador de batería. [95]
La textura musical es el sonido general de una pieza musical o canción. La textura de una pieza o canción está determinada por la forma en que se combinan los materiales melódicos, rítmicos y armónicos en una composición, determinando así la naturaleza general del sonido en una pieza. La textura se describe a menudo en relación con la densidad, el grosor y el rango, o la amplitud, entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos, así como más específicamente distinguidos según el número de voces, o partes, y la relación entre estas voces (ver los tipos comunes a continuación). Por ejemplo, una textura gruesa contiene muchas "capas" de instrumentos. Una capa puede ser una sección de cuerdas u otro instrumento de viento. El grosor se ve afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos. [96] La textura se describe comúnmente según el número y la relación entre las partes o líneas de música:
Generalmente se dice que la música que contiene una gran cantidad de partes independientes (por ejemplo, un concierto doble acompañado por 100 instrumentos orquestales con muchas líneas melódicas entrelazadas) tiene una textura "más gruesa" o "más densa" que una obra con pocas partes (por ejemplo, una melodía de flauta solista acompañada por un solo violonchelo).
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El timbre, a veces llamado "color" o "color de tono", es la calidad o sonido de una voz o instrumento. [97] El timbre es lo que hace que un sonido musical en particular sea diferente de otro, incluso cuando tienen el mismo tono y volumen. Por ejemplo, una nota A de 440 Hz suena diferente cuando se toca en oboe , piano, violín o guitarra eléctrica. Incluso si diferentes intérpretes del mismo instrumento tocan la misma nota, sus notas pueden sonar diferentes debido a diferencias en la técnica instrumental (p. ej., diferentes embocaduras ), diferentes tipos de accesorios (p. ej., boquillas para músicos de viento metal, cañas para oboe y fagot) o cuerdas hechas de diferentes materiales para los músicos de cuerda (p. ej., cuerdas de tripa versus cuerdas de acero ). Incluso dos instrumentistas que tocan la misma nota en el mismo instrumento (uno después del otro) pueden sonar diferentes debido a diferentes formas de tocar el instrumento (p. ej., dos músicos de cuerda pueden sostener el arco de manera diferente).
Las características físicas del sonido que determinan la percepción del timbre incluyen el espectro , la envolvente y los armónicos de una nota o sonido musical. En el caso de los instrumentos eléctricos desarrollados en el siglo XX, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico , el intérprete también puede cambiar el tono ajustando los controles del ecualizador , los controles de tono del instrumento y utilizando unidades de efectos electrónicos como pedales de distorsión . El tono del órgano eléctrico Hammond se controla ajustando los tiradores .
Las cualidades expresivas son aquellos elementos de la música que crean cambios en la música sin cambiar los tonos principales o cambiar sustancialmente los ritmos de la melodía y su acompañamiento. Los intérpretes, incluidos cantantes e instrumentistas, pueden agregar expresión musical a una canción o pieza agregando fraseo , agregando efectos como vibrato (con voz y algunos instrumentos, como guitarra, violín, instrumentos de viento de metal y de madera), dinámica (la sonoridad o suavidad de la pieza o una sección de ella), fluctuaciones de tempo (por ejemplo, ritardando o accelerando , que son, respectivamente, ralentizar y acelerar el tempo), agregando pausas o fermatas en una cadencia y cambiando la articulación de las notas (por ejemplo, haciendo notas más pronunciadas o acentuadas, haciendo notas más legato , lo que significa que están conectadas suavemente, o haciendo notas más cortas).
La expresión se logra a través de la manipulación del tono (como la inflexión, el vibrato, los slides, etc.), el volumen (dinámica, acento, trémolo, etc.), la duración (fluctuaciones de tempo, cambios rítmicos, cambio de duración de nota como con legato y staccato, etc.), el timbre (por ejemplo, cambiar el timbre vocal de una voz ligera a una resonante) y, a veces, incluso la textura (por ejemplo, doblar la nota grave para un efecto más rico en una pieza de piano). Por lo tanto, la expresión puede verse como una manipulación de todos los elementos para transmitir "una indicación de estado de ánimo, espíritu, carácter, etc." [98] y, como tal, no puede incluirse como un elemento perceptivo único de la música, [99] aunque puede considerarse un elemento rudimentario importante de la música.
En música, la forma describe la estructura general o el plan de una canción o pieza musical, [100] y describe el diseño de una composición dividida en secciones. [101] A principios del siglo XX, las canciones de Tin Pan Alley y las canciones musicales de Broadway solían tener la forma AABA de treinta y dos compases , en la que las secciones A repetían la misma melodía de ocho compases (con variaciones) y la sección B proporcionaba una melodía o armonía contrastante para ocho compases. A partir de la década de 1960, las canciones pop y rock occidentales suelen tener la forma verso-estribillo , que comprende una secuencia de secciones de verso y estribillo (" estribillo "), con letras nuevas para la mayoría de los versos y letras repetidas para los estribillos. La música popular a menudo hace uso de la forma estrófica , a veces junto con el blues de doce compases . [102]
En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un medio exitoso entre los extremos opuestos de la repetición sin alivio y la alteración sin alivio". [103] Ejemplos de formas comunes de música occidental incluyen la fuga , la invención , la sonata-allegro , el canon , la estrófica , el tema y variaciones y el rondó .
Scholes afirma que la música clásica europea tenía sólo seis formas independientes: binaria simple, ternaria simple, binaria compuesta, rondó, aire con variaciones y fuga (aunque el musicólogo Alfred Mann enfatizó que la fuga es principalmente un método de composición que a veces ha adoptado ciertas convenciones estructurales. [104] )
Cuando una pieza no se puede dividir fácilmente en unidades seccionales (aunque puede tomar prestada alguna forma de un poema, cuento o programa ), se dice que está compuesta de principio a fin . Tal suele ser el caso de una fantasía , un preludio , una rapsodia , un estudio, un poema sinfónico , una bagatela , una improvisación o una composición similar. [105] El profesor Charles Keil clasificó las formas y los detalles formales como "seccionales, de desarrollo o variacionales". [106]
La filosofía de la música es el estudio de cuestiones fundamentales relacionadas con la música y tiene conexiones con cuestiones de metafísica y estética . Entre las cuestiones se incluyen:
En la antigüedad, como entre los antiguos griegos , la estética de la música exploraba las dimensiones matemáticas y cosmológicas de la organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, el enfoque se desplazó a la experiencia de escuchar música y, por lo tanto, a las preguntas sobre su belleza y el disfrute humano ( plaisir y jouissance ) de la música. El origen de este cambio filosófico a veces se atribuye a Alexander Gottlieb Baumgarten en el siglo XVIII, seguido por Immanuel Kant . A través de sus escritos, el antiguo término "estética", que significa percepción sensorial , recibió su connotación actual. En la década de 2000, los filósofos han tendido a enfatizar cuestiones además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, se ha puesto en primer plano la capacidad de la música para expresar emociones. [107]
En el siglo XX, Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton y Stephen Davies hicieron contribuciones importantes . Sin embargo, muchos músicos, críticos musicales y otros no filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo XIX, surgió un debate importante entre Eduard Hanslick , un crítico musical y musicólogo , y el compositor Richard Wagner sobre si la música puede expresar significado. Harry Partch y algunos otros musicólogos , como Kyle Gann , han estudiado y tratado de popularizar la música microtonal y el uso de escalas musicales alternativas . Compositores modernos como La Monte Young , Rhys Chatham y Glenn Branca prestaron mucha atención a una escala llamada entonación justa . [108] [109] [110]
A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar nuestras emociones , intelecto y psicología ; puede calmar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en La República que la música tiene un efecto directo sobre el alma. Por lo tanto, propone que en el régimen ideal la música estaría estrechamente regulada por el estado (Libro VII). [111] En la antigua China, el filósofo Confucio creía que la música y los rituales o ritos estaban interconectados y eran armoniosos con la naturaleza; afirmó que la música era la armonización del cielo y la tierra, mientras que el orden lo traían los ritos, lo que los convertía en funciones extremadamente cruciales en la sociedad. [112]
La psicología musical moderna tiene como objetivo explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musicales . [113] La investigación en este campo y sus subcampos es principalmente empírica ; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de interpretaciones de datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con participantes humanos . Además de su enfoque en las percepciones fundamentales y los procesos cognitivos, la psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluida la interpretación musical , la composición , la educación , la crítica y la terapia , así como las investigaciones sobre la aptitud humana , la habilidad, la inteligencia , la creatividad y el comportamiento social .
La neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos cerebrales implicados en los procesos cognitivos que subyacen a la música. Estos comportamientos incluyen escuchar música, interpretar, componer, leer, escribir y actividades complementarias. También se interesa cada vez más por la base cerebral de la estética y la emoción musicales. El campo se distingue por su dependencia de las observaciones directas del cerebro, utilizando técnicas como la resonancia magnética funcional (fMRI), la estimulación magnética transcraneal (TMS), la magnetoencefalografía (MEG), la electroencefalografía (EEG) y la tomografía por emisión de positrones (PET).
La musicología cognitiva es una rama de la ciencia cognitiva que se ocupa de modelar computacionalmente el conocimiento musical con el objetivo de comprender tanto la música como la cognición. [114] El uso de modelos informáticos proporciona un medio interactivo y exigente en el que formular y probar teorías y tiene raíces en la inteligencia artificial y la ciencia cognitiva . [115]
Este campo interdisciplinario investiga temas como los paralelismos entre el lenguaje y la música en el cerebro. Los modelos de computación inspirados en la biología se incluyen a menudo en las investigaciones, como las redes neuronales y los programas evolutivos. [116] Este campo busca modelar cómo se representa, almacena, percibe, interpreta y genera el conocimiento musical. Al utilizar un entorno informático bien estructurado, se pueden investigar las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos. [117]
La psicoacústica es el estudio científico de la percepción del sonido. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las respuestas psicológicas y fisiológicas asociadas con el sonido (incluido el habla y la música). Puede clasificarse además como una rama de la psicofísica .
La musicología evolutiva se ocupa de los "orígenes de la música, la cuestión del canto animal, las presiones de selección que subyacen a la evolución de la música" y "la evolución de la música y la evolución humana". [118] Busca comprender la percepción y la actividad musical en el contexto de la teoría evolutiva . Charles Darwin especuló que la música puede haber tenido una ventaja adaptativa y funcionado como un protolenguaje , [119] una visión que ha generado varias teorías competitivas sobre la evolución de la música. [120] [121] [ página necesaria ] [122] Una visión alternativa ve a la música como un subproducto de la evolución lingüística ; una especie de "pastel de queso auditivo" que complace los sentidos sin proporcionar ninguna función adaptativa. [123] Esta visión ha sido refutada directamente por numerosos investigadores musicales. [124] [125] [126]
La cultura o etnia de un individuo juega un papel en su cognición musical , incluidas sus preferencias , reacción emocional y memoria musical . Las preferencias musicales están sesgadas hacia tradiciones musicales culturalmente familiares desde la infancia, y la clasificación de los adultos de la emoción de una pieza musical depende tanto de características estructurales universales como culturalmente específicas. [127] [128] Además, las capacidades de memoria musical de los individuos son mayores para la música culturalmente familiar que para la música culturalmente desconocida. [129] [130]
Desde que surgió el estudio de la psicoacústica en la década de 1930, la mayoría de las listas de elementos de la música se han relacionado más con la forma en que escuchamos la música que con la forma en que aprendemos a tocarla o estudiarla. CE Seashore, en su libro Psychology of Music [Psicología de la música] , [131] identificó cuatro "atributos psicológicos del sonido". Estos eran: "tono, volumen, tiempo y timbre" (p. 3). No los llamó "elementos de la música", sino que se refirió a ellos como "componentes elementales" (p. 2). No obstante, estos componentes elementales se vinculan precisamente con cuatro de los elementos musicales más comunes: "tono" y "timbre" coinciden exactamente, "volumen" se vincula con la dinámica y "tiempo" se vincula con los elementos basados en el tiempo del ritmo, la duración y el tempo. Este uso de la frase "los elementos de la música" se vincula más estrechamente con la definición de un elemento del Webster's New 20th Century Dictionary como: "una sustancia que no se puede dividir en una forma más simple por métodos conocidos" [132] y las listas de elementos de las instituciones educativas generalmente también se alinean con esta definición.
Aunque los autores de listas de "elementos rudimentarios de la música" pueden variar sus listas en función de sus prioridades personales (o institucionales), los elementos perceptuales de la música deberían consistir en una lista establecida (o probada) de elementos discretos que puedan manipularse de forma independiente para lograr un efecto musical deseado. Parece que, en esta etapa, todavía queda investigación por hacer en esta área.
Una forma ligeramente diferente de abordar la identificación de los elementos de la música es identificar los "elementos del sonido " como: tono , duración , volumen , timbre , textura sonora y ubicación espacial , [133] y luego definir los "elementos de la música" como: sonido, estructura e intención artística. [133]
Los estudios etnográficos demuestran que la música es una actividad participativa y comunitaria. [134] [135] La música es experimentada por individuos en una variedad de entornos sociales, desde estar solos hasta asistir a un gran concierto, formando una comunidad musical , que no puede entenderse como una función de la voluntad individual o el accidente; incluye participantes comerciales y no comerciales con un conjunto compartido de valores comunes. Las interpretaciones musicales toman diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos.
En Europa y América del Norte, había una división entre los tipos de música que se consideraban " alta cultura " y " baja cultura ". La "alta cultura" incluía sinfonías, conciertos y obras solistas barrocas, clásicas, románticas y de la era moderna, y se escuchaban típicamente en conciertos formales en salas de conciertos e iglesias, con el público sentado en silencio. Otros tipos de música, incluidos el jazz, el blues, el soul y el country , a menudo se interpretan en bares, clubes nocturnos y teatros, donde el público puede beber, bailar y vitorear. Hasta el siglo XX, la división entre formas musicales "altas" y "bajas" se aceptaba como una distinción válida que separaba la "música artística" de la música popular que se escuchaba en bares y salas de baile. Los musicólogos, como David Brackett, notan un "retrazado de los límites culturales-estéticos altos y bajos" en el siglo XX. [136] Y, "cuando la industria y los discursos públicos vinculan categorías de música con categorías de personas, tienden a mezclar estereotipos con comunidades de oyentes reales". [136] Los estereotipos pueden basarse en el nivel socioeconómico o la clase social de los intérpretes o el público de los diferentes tipos de música.
Cuando los compositores introducen estilos de música que rompen con las convenciones, puede haber una fuerte resistencia por parte de académicos y otros. Los cuartetos de cuerda de Beethoven de la última época, las partituras de ballet de Stravinsky, el serialismo , el bebop , el hip hop , el punk rock y la música electrónica fueron controvertidos y criticados cuando se introdujeron por primera vez. Estos temas se examinan en la sociología de la música, a veces llamada sociomusicología , que se estudia en los departamentos de sociología, estudios de medios o música, y está estrechamente relacionada con la etnomusicología .
Las mujeres han desempeñado un papel importante en la música a lo largo de la historia, como compositoras, compositoras, intérpretes instrumentales , cantantes, directoras, académicas de música , educadoras musicales , críticas musicales / periodistas musicales y otras profesiones musicales. En la década de 2010, si bien las mujeres representan una proporción significativa de cantantes de música popular y clásica, y una proporción significativa de compositoras (muchas de ellas cantautoras), hay pocas mujeres productoras de discos, críticas de rock e instrumentistas de rock. Aunque ha habido una gran cantidad de mujeres compositoras en la música clásica, desde el período medieval hasta la actualidad, las mujeres compositoras están significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica comúnmente interpretado , los libros de texto de historia de la música y las enciclopedias musicales; por ejemplo, en la Concise Oxford History of Music , Clara Schumann es una de las pocas compositoras que se menciona.
Las mujeres representan una proporción significativa de solistas instrumentales en la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas está aumentando. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre solistas de conciertos en las principales orquestas canadienses indicó que el 84% de los solistas de la Orquesta Sinfónica de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres todavía representaban solo el 6% de la orquesta Filarmónica de Viena, la mejor clasificada . Las mujeres son menos comunes como intérpretes instrumentales en géneros musicales populares como el rock y el heavy metal , aunque ha habido una serie de instrumentistas femeninas notables y bandas exclusivamente femeninas . Las mujeres están particularmente subrepresentadas en los géneros de metal extremo . [137] En la escena de la música pop de los años 60, "como la mayoría de los aspectos del... negocio de la música, [en los años 60] la composición de canciones era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres... eran vistas principalmente como consumidoras:... Cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no se hacía". [138] Las mujeres jóvenes "... no estaban socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música]". [138]
Las mujeres también están subrepresentadas en la dirección de orquesta, la crítica musical/periodismo musical, la producción musical y la ingeniería de sonido . Si bien en el siglo XIX se desalentaba a las mujeres a componer y hay pocas mujeres musicólogas , las mujeres se involucraron en la educación musical "...hasta tal punto que las mujeres dominaron [este campo] durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". [139]
Según Jessica Duchen , una escritora musical del periódico londinense The Independent , las mujeres músicas en la música clásica son "...demasiado a menudo juzgadas por su apariencia, en lugar de su talento" y enfrentan presión "...para lucir sexys en el escenario y en las fotos". [140] Duchen afirma que si bien "[h]ay mujeres músicas que se niegan a jugar con su apariencia, ... las que lo hacen tienden a tener más éxito material". [140] Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria musical ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en roles de interpretación o entretenimiento, pero es mucho menos probable que las mujeres tengan posiciones de autoridad, como ser directora de una orquesta . [141] En la música popular, si bien hay muchas cantantes mujeres grabando canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio que actúen como productoras musicales, las personas que dirigen y gestionan el proceso de grabación. [142] Una de las artistas más grabadas es Asha Bhosle , una cantante india mejor conocida como cantante de playback en el cine hindi. [143]
Desde el siglo XX, la música en vivo puede transmitirse por radio, televisión o Internet, o grabarse y escucharse en un reproductor de CD o MP3.
A principios del siglo XX (finales de la década de 1920), cuando aparecieron las películas sonoras con sus pistas musicales pregrabadas, un número cada vez mayor de músicos de orquesta de cine se quedaron sin trabajo. [145] Durante la década de 1920, las actuaciones musicales en vivo de orquestas, pianistas y organistas de teatro eran comunes en los cines de estreno. [146] Con la llegada de las películas sonoras, esas actuaciones destacadas se eliminaron en gran medida. La Federación Estadounidense de Músicos (AFM) publicó anuncios en los periódicos en protesta por la sustitución de los músicos en vivo por dispositivos mecánicos de interpretación. Un anuncio de 1929 que apareció en el Pittsburgh Press presenta una imagen de una lata con la etiqueta "Música enlatada / Marca Big Noise / Garantizada para no producir ninguna reacción intelectual o emocional" [147]
A veces, las actuaciones en directo incorporan sonidos pregrabados. Por ejemplo, un disc jockey utiliza discos para hacer scratching , y algunas obras del siglo XX tienen un solo para un instrumento o una voz que se interpreta junto con música pregrabada en una cinta. Algunas bandas de pop utilizan pistas de acompañamiento grabadas . Las computadoras y muchos teclados se pueden programar para producir y reproducir música de interfaz digital de instrumentos musicales (MIDI). Los espectadores también pueden convertirse en intérpretes participando en karaoke , una actividad de origen japonés centrada en un dispositivo que reproduce versiones sin voz de canciones conocidas. La mayoría de las máquinas de karaoke también tienen pantallas de video que muestran las letras de las canciones que se están interpretando; los intérpretes pueden seguir las letras mientras cantan sobre las pistas instrumentales.
La llegada de Internet y el acceso generalizado a la banda ancha de alta velocidad ha transformado la experiencia de la música, en parte a través de la mayor facilidad de acceso a grabaciones de música a través de video en tiempo real y una gran variedad de opciones de música para los consumidores. Otro efecto de Internet surgió con las comunidades en línea y los sitios web de medios sociales como YouTube y Facebook, un servicio de redes sociales . Estos sitios facilitan que los aspirantes a cantantes y las bandas amateur distribuyan videos de sus canciones, se conecten con otros músicos y ganen el interés de la audiencia. Los músicos profesionales también utilizan YouTube como un editor gratuito de material promocional. Los usuarios de YouTube, por ejemplo, ya no solo descargan y escuchan MP3, sino que también crean activamente los suyos propios. Según Don Tapscott y Anthony D. Williams , en su libro Wikinomics , se ha producido un cambio de un rol de consumidor tradicional a lo que ellos llaman un rol de " prosumidor ", un consumidor que crea contenido y consume. Las manifestaciones de esto en la música incluyen la producción de mashes , remixes y videos musicales por parte de los fanáticos. [148]
La incorporación de la música en la educación general, desde preescolar hasta la educación postsecundaria , es común en América del Norte y Europa. Se cree que la participación en tocar y cantar música enseña habilidades básicas como la concentración, el conteo , la escucha y la cooperación, al mismo tiempo que promueve la comprensión del lenguaje , mejora la capacidad de recordar información y crea un entorno más propicio para el aprendizaje en otras áreas. [149] En las escuelas primarias, los niños a menudo aprenden a tocar instrumentos como la flauta dulce , cantar en coros pequeños y aprender sobre la historia de la música artística occidental y la música tradicional. Algunos niños de la escuela primaria también aprenden sobre estilos de música popular. En las escuelas religiosas, los niños cantan himnos y otra música religiosa. En las escuelas secundarias (y con menos frecuencia en las escuelas primarias), los estudiantes pueden tener la oportunidad de actuar en algunos tipos de conjuntos musicales, como coros (un grupo de cantantes), bandas de música , bandas de conciertos , bandas de jazz u orquestas. En algunos sistemas escolares, se pueden proporcionar lecciones de música sobre cómo tocar instrumentos. Algunos estudiantes también toman lecciones de música privadas después de la escuela con un profesor de canto o un profesor de instrumento. Los músicos aficionados generalmente aprenden rudimentos musicales básicos (por ejemplo, aprender sobre notación musical para escalas y ritmos musicales) y técnicas de canto o interpretación de instrumentos de nivel principiante a intermedio.
En el nivel universitario, los estudiantes de la mayoría de los programas de artes y humanidades pueden recibir créditos por tomar algunos cursos de música, que generalmente toman la forma de un curso de descripción general sobre la historia de la música o un curso de apreciación musical que se centra en escuchar música y aprender sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas tienen algunos tipos de conjuntos musicales en los que los estudiantes de artes y humanidades pueden participar, como coros, bandas de música, bandas de conciertos u orquestas. El estudio de la música de arte occidental es cada vez más común fuera de América del Norte y Europa, como el Instituto Indonesio de las Artes en Yogyakarta , Indonesia , o los programas de música clásica que están disponibles en países asiáticos como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y colegios occidentales están ampliando su plan de estudios para incluir música de culturas no occidentales, como la música de África o Bali (por ejemplo, la música Gamelan ).
Las personas que aspiran a convertirse en músicos profesionales, cantantes, compositores, letristas, profesores de música y practicantes de otras profesiones relacionadas con la música, como profesores de historia de la música , ingenieros de sonido , etc., estudian en programas postsecundarios especializados ofrecidos por colegios, universidades y conservatorios de música . Algunas instituciones que capacitan a personas para carreras en música ofrecen capacitación en una amplia gama de profesiones, como es el caso de muchas de las mejores universidades de Estados Unidos, que ofrecen títulos en interpretación musical (incluyendo canto y ejecución de instrumentos), historia de la música, teoría musical, composición musical, educación musical (para personas que aspiran a convertirse en profesores de música de primaria o secundaria) y, en algunos casos, dirección. Por otro lado, algunas universidades pequeñas pueden ofrecer solo capacitación en una sola profesión (por ejemplo, grabación de sonido ).
Aunque la mayoría de los programas de música de universidades y conservatorios se centran en la formación de estudiantes en música clásica, hay universidades y colegios que forman músicos para carreras como músicos y compositores de jazz o música popular , con notables ejemplos en Estados Unidos como la Manhattan School of Music y el Berklee College of Music . Dos escuelas en Canadá que ofrecen formación profesional en jazz son la Universidad McGill y el Humber College . Es poco probable que las personas que aspiran a carreras en algunos tipos de música, como la música heavy metal , la música country o el blues, se conviertan en profesionales completando títulos o diplomas. En cambio, normalmente aprenden sobre su estilo de música cantando o tocando en bandas (a menudo comenzando en bandas amateur, bandas de versiones y bandas tributo ), estudiando grabaciones en DVD e Internet, y trabajando con profesionales ya establecidos en su estilo de música, ya sea a través de tutorías informales o lecciones de música regulares . Desde la década de 2000, la creciente popularidad y disponibilidad de foros de Internet y videos de "cómo hacer" de YouTube han permitido a cantantes y músicos de metal, blues y géneros similares mejorar sus habilidades. Muchos cantantes de pop, rock y country se entrenan informalmente con entrenadores vocales y profesores de canto . [150] [151]
La musicología, el estudio académico de la música, se estudia en universidades y conservatorios de música. Las primeras definiciones del siglo XIX definían tres subdisciplinas de la musicología: musicología sistemática , musicología histórica y musicología comparada o etnomusicología . En la era de los estudios de 2010, es más probable encontrar una división en teoría musical , historia de la música y etnomusicología. La investigación en musicología a menudo se ha enriquecido con trabajo interdisciplinario, por ejemplo en el campo de la psicoacústica . El estudio de la música de culturas no occidentales y el estudio cultural de la música se denomina etnomusicología. Los estudiantes pueden realizar estudios de musicología, etnomusicología, historia de la música y teoría musical a través de diferentes tipos de títulos, incluidos licenciatura, maestría y doctorado. [152] [153] [154]
La teoría musical es el estudio de la música, generalmente de una manera altamente técnica fuera de otras disciplinas. En términos más generales, se refiere a cualquier estudio de la música, generalmente relacionado de alguna forma con preocupaciones compositivas, y puede incluir matemáticas, física y antropología . Lo que se enseña más comúnmente en las clases iniciales de teoría musical son pautas para escribir en el estilo del período de práctica común , o música tonal . La teoría, incluso de la música del período de práctica común, puede tomar otras formas. [155] La teoría de conjuntos musicales es la aplicación de la teoría matemática de conjuntos a la música, aplicada primero a la música atonal . La teoría musical especulativa , en contraste con la teoría musical analítica , se dedica al análisis y síntesis de materiales musicales, por ejemplo, sistemas de afinación , generalmente como preparación para la composición. [156]
La zoomusicología es el estudio de la música de animales no humanos, o los aspectos musicales de los sonidos producidos por animales no humanos. Como George Herzog (1941) preguntó, "¿los animales tienen música?". Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983) de François-Bernard Mâche , un estudio de "ornito-musicología" que utiliza una técnica de análisis de segmentación paradigmática de Language, musique, poésie (1972) de Nicolas Ruwet , muestra que los cantos de los pájaros se organizan de acuerdo con un principio de repetición-transformación. Jean-Jacques Nattiez (1990), sostiene que "en última instancia, es un ser humano quien decide qué es y qué no es musical, incluso cuando el sonido no es de origen humano. Si reconocemos que el sonido no está organizado y conceptualizado (es decir, hecho para formar música) simplemente por su productor, sino por la mente que lo percibe, entonces la música es exclusivamente humana". [157]
En Occidente, gran parte de la historia de la música que se enseña trata de la música artística de la civilización occidental, conocida como música clásica. La historia de la música en culturas no occidentales (" música del mundo " o el campo de la "etnomusicología") también se enseña en las universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de los países asiáticos fuera de la influencia de Europa occidental, así como la música folclórica o indígena de varias otras culturas. Los estilos de música popular o folclórica en los países no occidentales variaron de una cultura a otra y de un período a otro. Diferentes culturas enfatizaron diferentes instrumentos , técnicas, estilos de canto y usos para la música. La música se ha utilizado para el entretenimiento, las ceremonias, los rituales, los propósitos religiosos y para la comunicación práctica y artística. La música no occidental también se ha utilizado con fines propagandísticos, como fue el caso de la ópera china durante la Revolución Cultural .
Existe una gran cantidad de clasificaciones musicales para la música no occidental, muchas de las cuales están atrapadas en la discusión sobre la definición de música . Una de las más importantes es la división entre música clásica (o música "artística") y música popular (o música comercial , que incluye estilos no occidentales de rock, country y estilos relacionados con la música pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en una de estas "dos grandes" clasificaciones (como la música folclórica , la música del mundo o la música relacionada con el jazz ).
A medida que las culturas del mundo han entrado en un mayor contacto global , sus estilos musicales indígenas a menudo se han fusionado con otros estilos, lo que produce nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo bluegrass de los Estados Unidos contiene elementos de las tradiciones instrumentales y vocales angloirlandesas , escocesas , irlandesas, alemanas y africanas, que pudieron fusionarse en la sociedad multiétnica de " crisol de razas " de los Estados Unidos. Algunos tipos de música del mundo contienen una mezcla de estilos indígenas no occidentales con elementos de la música pop occidental. Los géneros musicales están determinados tanto por la tradición y la presentación como por la música en sí. Algunas obras, como Rhapsody in Blue de George Gershwin , son reclamadas tanto por el jazz como por la música clásica, mientras que Porgy and Bess de Gershwin y West Side Story de Leonard Bernstein son reclamadas tanto por la ópera como por la tradición musical de Broadway . Muchos festivales de música de música no occidental incluyen bandas y cantantes de un género musical en particular, como la música del mundo. [158] [159]
La música india , por ejemplo, es uno de los tipos de música más antiguos y de mayor duración, y todavía se escucha e interpreta ampliamente en el sur de Asia, así como a nivel internacional (especialmente desde la década de 1960). La música india tiene principalmente tres formas de música clásica: los estilos indostánico , carnático y dhrupad . También tiene un amplio repertorio de estilos, que involucran solo música de percusión, como las interpretaciones de talavadya famosas en el sur de la India .
La musicoterapia es un proceso interpersonal en el que un terapeuta capacitado utiliza la música y todas sus facetas (física, emocional, mental, social, estética y espiritual) para ayudar a los clientes a mejorar o mantener su salud. En algunos casos, las necesidades del cliente se abordan directamente a través de la música; en otros, se abordan a través de las relaciones que se desarrollan entre el cliente y el terapeuta. La musicoterapia se utiliza con personas de todas las edades y con una variedad de afecciones, que incluyen: trastornos psiquiátricos, problemas médicos, discapacidades físicas, deficiencias sensoriales, discapacidades del desarrollo, problemas de abuso de sustancias, trastornos de la comunicación, problemas interpersonales y envejecimiento. También se utiliza para mejorar el aprendizaje, desarrollar la autoestima, reducir el estrés, apoyar el ejercicio físico y facilitar una serie de otras actividades relacionadas con la salud. Los musicoterapeutas pueden alentar a los clientes a cantar, tocar instrumentos, crear canciones o realizar otras actividades musicales.
En el siglo X, el filósofo Al-Farabi describió cómo la música vocal puede estimular los sentimientos y las almas de los oyentes. [160] La música se ha utilizado durante mucho tiempo para ayudar a las personas a lidiar con sus emociones. En el siglo XVII, el erudito Robert Burton , en The Anatomy of Melancholy, argumentó que la música y la danza eran fundamentales para tratar las enfermedades mentales , especialmente la melancolía . [161] Señaló que la música tiene un "poder excelente... para expulsar muchas otras enfermedades" y la llamó "un remedio soberano contra la desesperación y la melancolía". Señaló que en la Antigüedad, Canus, un violinista de Rodas, usaba la música para "hacer feliz a un hombre melancólico, ... a un amante más enamorado, a un hombre religioso más devoto". [162] [163] [164] En el Imperio Otomano , las enfermedades mentales se trataban con música. [165] En noviembre de 2006, Michael J. Crawford y sus colegas también descubrieron que la musicoterapia ayudaba a los pacientes esquizofrénicos . [166] [167]
La musicoterapia puede proporcionar un medio para mejorar la salud mental entre las personas con esquizofrenia, pero no se han explorado sus efectos en las psicosis agudas.
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