La historia del teatro muestra su desarrollo a lo largo de los últimos 2500 años. Si bien los elementos performativos están presentes en todas las sociedades, es habitual reconocer una distinción entre el teatro como forma de arte y entretenimiento, y los elementos teatrales o performativos en otras actividades. La historia del teatro se ocupa principalmente del origen y el desarrollo posterior del teatro como actividad autónoma. Desde la Atenas clásica en el siglo V a. C., han florecido vibrantes tradiciones teatrales en culturas de todo el mundo. [1]
No hay evidencia concluyente de que el teatro haya evolucionado a partir del ritual, a pesar de las similitudes entre la realización de acciones rituales y el teatro y la importancia de esta relación. [2] Esta similitud del teatro primitivo con el ritual está atestiguada negativamente por Aristóteles , quien en su Poética definió el teatro en contraste con las representaciones de los misterios sagrados : el teatro no requería que el espectador ayunara, bebiera el kykeon o marchara en una procesión; sin embargo, el teatro se parecía a los misterios sagrados en el sentido de que aportaba purificación y curación al espectador por medio de una visión, el theama . En consecuencia, la ubicación física de tales representaciones se denominaba theatron . [3]
Según los historiadores Oscar Brockett y Franklin Hildy, los rituales suelen incluir elementos que entretienen o dan placer, como disfraces y máscaras , así como intérpretes expertos. A medida que las sociedades se volvieron más complejas, estos elementos espectaculares comenzaron a representarse en condiciones no ritualistas. Mientras esto ocurría, se estaban dando los primeros pasos hacia el teatro como una actividad autónoma. [4]
El teatro griego, más desarrollado en Atenas, es la raíz de la tradición occidental; teatro es una palabra de origen griego. [2] Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . [6] [a] La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia a las Dionisías de la ciudad como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular, era una parte importante de la ciudadanía . [7] La participación cívica también implicaba la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en las actuaciones en el tribunal de justicia o la asamblea política , ambas entendidas como análogas al teatro y cada vez más llegaron a absorber su vocabulario dramático. [8] El teatro de la antigua Grecia consistía en tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y la obra satírica . [9]
La tragedia ateniense —la forma de tragedia más antigua que se conserva— es un tipo de danza -drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. [10] [b] Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego) y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . [11] [c] No han sobrevivido tragedias del siglo VI y solo 32 de las más de mil que se representaron durante el siglo V. [12] [d] Tenemos textos completos existentes de Esquilo , Sófocles y Eurípides . [13] [e] Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V se institucionalizó en competiciones ( agon ) celebradas como parte de las festividades que celebraban a Dioniso (el dios del vino y la fertilidad ). [14] Como concursantes en el concurso de las Dionisias de la ciudad (el más prestigioso de los festivales para representar drama), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una obra satírica. [15] [f] La representación de tragedias en las Dionisias de la ciudad puede haber comenzado ya en el 534 a. C.; los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica. [16] [g] La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega , aunque Los persas —que escenifica la respuesta persa a las noticias de su derrota militar en la batalla de Salamina en el 480 a. C.— es la notable excepción en el drama sobreviviente. [17] [h] Cuando Esquilo ganó el primer premio por ella en las Dionisías de la ciudad en el 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el ejemplo más antiguo de drama que sobrevive. [18] Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra más antigua que sobrevive de teoría dramática : su Poética ( c. 335 a. C.).La comedia clásica se divide convencionalmente en tres períodos: "Comedia antigua", "Comedia media" y "Comedia nueva". La comedia antigua sobrevive hoy en día en gran parte en la forma de las once obras supervivientes de Aristófanes , mientras que la comedia media se ha perdido en gran parte (preservada solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Naucratis ). La comedia nueva se conoce principalmente a partir de los importantes fragmentos en papiro de las obras de Menandro . Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que implica algún tipo de error o fealdad que no causa dolor o destrucción. [19]
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El teatro occidental se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos . El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos . [20] Beacham sostiene que los romanos habían estado familiarizados con las "prácticas preteatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado. [21] El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarcaba desde representaciones festivas de teatro callejero , bailes desnudos y acrobacias, hasta la puesta en escena de las comedias de situación de gran atractivo de Plauto , hasta las tragedias de gran estilo y verbalmente elaboradas de Séneca . Aunque Roma tenía una tradición nativa de actuación, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y energizante en el teatro romano y alentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario.
Tras la expansión de la República romana (509-27 a. C.) en varios territorios griegos entre 270 y 240 a. C., Roma se encontró con el teatro griego . [22] A partir de los últimos años de la república y por medio del Imperio romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió por Europa occidental, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra; el teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior. [23] Si bien el teatro griego continuó representándose durante todo el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular. [22] [i] Sin embargo, desde el comienzo del imperio, el interés por el drama de larga duración disminuyó en favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales. [24]
Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livio Andrónico escribió a partir del 240 a. C. [25] Cinco años después, Cneo Nevio también comenzó a escribir drama. [25] No ha sobrevivido ninguna obra de ninguno de los dos escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros , Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Nevio por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama. [25] A principios del siglo II a. C., el drama estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores ( collegium poetarum ). [26]
Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Tito Maccio Plauto (Plauto) y Publio Terencio Afer (Terencio). [27] Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro al dividir el drama en episodios e introdujeron el acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos tercios en las de Terencio). [28] La acción de todas las escenas se desarrolla en la ubicación exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de escuchas clandestinas . [28] Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales sus farsas son las más conocidas; fue admirado por el ingenio de su diálogo y su uso de una variedad de metros poéticos . [29] Las seis comedias que Terencio escribió entre 166 y 160 a. C. han sobrevivido; la complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, fue a veces denunciada, pero sus tramas dobles permitieron una presentación sofisticada de comportamientos humanos contrastantes. [29]
No sobrevive ninguna tragedia romana temprana, aunque fue muy valorada en su época; los historiadores conocen a tres trágicos tempranos: Quinto Ennio , Marco Pacuvio y Lucio Accio . [28] De la época del imperio, sobrevive el trabajo de dos trágicos: uno es un autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca . [30] Sobreviven nueve tragedias de Séneca, todas las cuales son fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos); su Fedra , por ejemplo, se basó en Hipólito de Eurípides . [31] Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de la fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia , pero en tiempos pasados se atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje de la tragedia. [30]
A diferencia del teatro griego antiguo, el teatro en la antigua Roma sí permitía la participación de mujeres. Aunque la mayoría de ellas trabajaban para bailar y cantar, se sabe que una minoría de actrices interpretaban papeles con diálogos, y hubo actrices que alcanzaron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis , Dionysia , Galeria Copiola y Fabia Arete : también formaron su propio gremio de actores, las Sociae Mimae , que evidentemente era bastante rico. [32]
A medida que el Imperio Romano de Occidente cayó en decadencia durante los siglos IV y V, la sede del poder romano se trasladó a Constantinopla y al Imperio Romano de Oriente , hoy llamado Imperio Bizantino . Si bien la evidencia sobreviviente sobre el teatro bizantino es escasa, los registros existentes muestran que la mímica , las escenas o recitaciones de tragedias y comedias , las danzas y otros entretenimientos eran muy populares. Constantinopla tenía dos teatros que estaban en uso hasta el siglo V. [33] Sin embargo, la verdadera importancia de los bizantinos en la historia del teatro es su preservación de muchos textos griegos clásicos y la compilación de una enciclopedia masiva llamada Suda , de la que se deriva una gran cantidad de información contemporánea sobre el teatro griego.
A partir del siglo V, Europa occidental se vio sumida en un período de desorden general que duró (con un breve período de estabilidad bajo el Imperio carolingio en el siglo IX) hasta el siglo X. Como tal, la mayoría de las actividades teatrales organizadas desaparecieron en Europa occidental . [ cita requerida ] Si bien parece que pequeñas bandas nómadas viajaron por Europa durante todo el período, actuando dondequiera que pudieran encontrar público, no hay evidencia de que produjeran algo más que escenas crudas. [34] Estos artistas fueron denunciados por la Iglesia durante la Edad Oscura, ya que eran vistos como peligrosos y paganos.
A principios de la Edad Media , las iglesias de Europa comenzaron a representar versiones dramatizadas de determinados acontecimientos bíblicos en días específicos del año. Estas dramatizaciones se incluían para vivificar las celebraciones anuales. [35] Los objetos y acciones simbólicos ( vestimentas , altares , incensarios y pantomimas interpretadas por sacerdotes) recordaban los acontecimientos que celebra el ritual cristiano. Se trataba de amplios conjuntos de signos visuales que podían utilizarse para comunicarse con una audiencia en gran medida analfabeta. Estas representaciones se convirtieron en dramas litúrgicos , el más antiguo de los cuales es el tropo de Pascua ¿A quién buscáis? (Quem-Quaeritis) , que data de ca. 925. [35] El drama litúrgico era cantado de forma responsiva por dos grupos y no implicaba que los actores personificaran personajes. Sin embargo, en algún momento entre 965 y 975, Æthelwold de Winchester compuso el Regularis Concordia (Acuerdo monástico) que contiene una obra de teatro completa con instrucciones para la interpretación. [36]
Hrosvitha (c. 935-973), una canonesa del norte de Alemania , escribió seis obras inspiradas en las comedias de Terencio pero con temas religiosos. Estas seis obras ( Abraham, Callimachus, Dulcitius, Gallicanus, Paphnutius y Sapientia ) son las primeras obras conocidas compuestas por una dramaturga y las primeras obras dramáticas occidentales identificables de la era posclásica. [36] Se publicaron por primera vez en 1501 y tuvieron una influencia considerable en las obras religiosas y didácticas del siglo XVI. A Hrosvitha le siguió Hildegard de Bingen (fallecida en 1179), una abadesa benedictina , que escribió un drama musical en latín llamado Ordo Virtutum en 1155.
Cuando las invasiones vikingas cesaron a mediados del siglo XI, el drama litúrgico se había extendido desde Rusia a Escandinavia e Italia . Solo en la península ibérica ocupada por los musulmanes no se representaban dramas litúrgicos en absoluto. A pesar de la gran cantidad de dramas litúrgicos que han sobrevivido de la época, muchas iglesias solo representaban uno o dos por año y un número mayor nunca representaba ninguno. [37]
La Fiesta de los Locos fue especialmente importante en el desarrollo de la comedia. La fiesta invirtió el estatus del clero menor y les permitió ridiculizar a sus superiores y la rutina de la vida eclesiástica. A veces se representaban obras de teatro como parte de la ocasión y una cierta cantidad de comedia y burlesque se colaba en estas representaciones. Aunque los episodios cómicos tuvieron que esperar realmente hasta la separación del drama de la liturgia, la Fiesta de los Locos sin duda tuvo un profundo efecto en el desarrollo de la comedia tanto en las obras religiosas como seculares. [38]
Las representaciones de obras religiosas fuera de la iglesia comenzaron en algún momento del siglo XII a través de un proceso tradicionalmente aceptado de fusión de dramas litúrgicos más breves en obras más largas que luego se traducían a la lengua vernácula y eran interpretadas por laicos. El misterio de Adán (1150) da crédito a esta teoría, ya que su detallada dirección escénica sugiere que se representó al aire libre. Sobreviven varias otras obras de la época, entre ellas La séptima resurrección ( normanda ), El drama de los Reyes Magos ( español ) y Sponsus ( francés ).
La importancia de la Alta Edad Media en el desarrollo del teatro fueron los cambios económicos y políticos que llevaron a la formación de gremios y al crecimiento de las ciudades. Esto conduciría a cambios significativos en la Baja Edad Media . En las Islas Británicas , se produjeron obras en unas 127 ciudades diferentes durante la Edad Media. Estas obras de misterio vernáculas se escribieron en ciclos de un gran número de obras: York (48 obras), Chester (24), Wakefield (32) y Unknown (42). Un mayor número de obras sobreviven de Francia y Alemania en este período y algún tipo de dramas religiosos se representaron en casi todos los países europeos en la Baja Edad Media . Muchas de estas obras contenían comedia, diablos , villanos y payasos . [39]
La mayoría de los actores de estas obras procedían de la población local. Por ejemplo, en Valenciennes en 1547, se asignaron más de 100 papeles a 72 actores. [40] Las obras se representaban en escenarios de carros de desfile , que eran plataformas montadas sobre ruedas que se utilizaban para mover la escenografía. Los intérpretes aficionados en Inglaterra, que a menudo proporcionaban su propio vestuario, eran exclusivamente hombres, pero en otros países había intérpretes femeninas. El escenario de plataforma, que era un espacio no identificado y no un lugar específico, permitía cambios abruptos de ubicación.
Las obras morales surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron hasta 1550. La obra moral más interesante [ ¿según quién? ] es El castillo de la perseverancia , que describe el progreso de la humanidad desde el nacimiento hasta la muerte. Sin embargo, la obra moral más famosa y quizás el drama medieval más conocido es Everyman . Everyman recibe la llamada de la Muerte , lucha por escapar y finalmente se resigna a la necesidad. En el camino, es abandonado por Kindred , Goods y Fellowship ; solo Good Deeds lo acompaña a la tumba.
También hubo una serie de representaciones profanas en la Edad Media, la más antigua de las cuales es The Play of the Greenwood de Adam de la Halle en 1276. Contiene escenas satíricas y material folclórico como hadas y otros sucesos sobrenaturales. Las farsas también aumentaron drásticamente en popularidad después del siglo XIII. La mayoría de estas obras provienen de Francia y Alemania y son similares en tono y forma, enfatizando el sexo y las excreciones corporales. [41] El dramaturgo de farsas más conocido es Hans Sachs (1494-1576), que escribió 198 obras dramáticas. En Inglaterra, The Second Shepherds' Play of the Wakefield Cycle es la farsa temprana más conocida. Sin embargo, la farsa no apareció de forma independiente en Inglaterra hasta el siglo XVI con la obra de John Heywood (1497-1580).
Un precursor significativo del desarrollo del drama isabelino fueron las Cámaras de Retórica en los Países Bajos . [42] Estas sociedades se ocupaban de la poesía , la música y el drama y celebraban concursos para ver qué sociedad podía componer el mejor drama en relación con una cuestión planteada.
A finales de la Baja Edad Media , los actores profesionales comenzaron a aparecer en Inglaterra y Europa . Ricardo III y Enrique VII tenían pequeñas compañías de actores profesionales. Sus obras se representaban en el Gran Salón de la residencia de un noble, a menudo con una plataforma elevada en un extremo para el público y una "pantalla" en el otro para los actores. También eran importantes las obras de Mummers , representadas durante la temporada navideña , y las mascaradas de la corte . Estas mascaradas fueron especialmente populares durante el reinado de Enrique VIII , quien hizo construir una Casa de Revelaciones y estableció una Oficina de Revelaciones en 1545. [43]
El fin del teatro medieval se produjo debido a una serie de factores, entre ellos el debilitamiento del poder de la Iglesia católica , la Reforma protestante y la prohibición de las obras religiosas en muchos países. Isabel I prohibió todas las obras religiosas en 1558 y las grandes obras de ciclo habían sido silenciadas en la década de 1580. De manera similar, las obras religiosas fueron prohibidas en los Países Bajos en 1539, los Estados Pontificios en 1547 y en París en 1548. El abandono de estas obras destruyó el teatro internacional que había existido hasta entonces y obligó a cada país a desarrollar su propia forma de teatro. También permitió a los dramaturgos recurrir a temas seculares y el renovado interés por el teatro griego y romano les proporcionó la oportunidad perfecta. [43]
Commedia dell'arte ( lit. ' comedia de la profesión ' ) [44] fue una forma temprana de teatro profesional, originaria del teatro italiano , que fue popular en toda Europa entre los siglos XVI y XVIII. [45] [46] Anteriormente se llamaba "comedia italiana" en inglés y también se conoce como commedia alla maschera , commedia improvviso y commedia dell'arte all'improvviso . [47] Caracterizada por"tipos" enmascarados , la commedia fue responsable del surgimiento de actrices como Isabella Andreini [48] y actuaciones improvisadas basadas en bocetos o escenarios. [49] [50] Una commedia , como El sacamuelas , está guionada e improvisada. [49] [51] Las entradas y salidas de los personajes están guionadas. Una característica especial de la comedia es el lazzo , un chiste o "algo tonto o ingenioso", generalmente bien conocido por los intérpretes y hasta cierto punto una rutina guionada. [51] [52] Otra característica de la comedia es la pantomima , que es utilizada principalmente por el personaje Arlecchino, ahora más conocido como Arlequín . [53]
Los personajes de la comedia suelen representar tipos sociales fijos y personajes estereotipados , como ancianos tontos, sirvientes tortuosos u oficiales militares llenos de falsa bravuconería . [49] [54] Los personajes son "personajes reales" exagerados, como un médico sabelotodo llamado Il Dottore , un anciano codicioso llamado Pantalone o una relación perfecta como los Innamorati . [48] Se formaron muchas compañías para representar comedias , incluidas I Gelosi (que tenía actores como Andreini y su esposo Francesco Andreini ), [55] Confidenti Troupe, Desioi Troupe y Fedeli Troupe. [48] [49] La comedia a menudo se representaba al aire libre en plataformas o en áreas populares como una piazza ( plaza de la ciudad ). [47] [49] La forma de teatro se originó en Italia, pero viajó por toda Europa, a veces hasta lugares tan lejanos como Moscú. [56]
El origen de la comedia puede estar relacionado con el carnaval de Venecia , donde el autor y actor Andrea Calmo había creado el personaje Il Magnifico, precursor del vecchio (anciano) Pantalone, en 1570. En el escenario de Flaminio Scala , por ejemplo, Il Magnifico persiste y es intercambiable con Pantalone hasta el siglo XVII. Si bien los personajes de Calmo (que también incluían al Capitano español y un tipo dottore ) no estaban enmascarados, no se sabe con certeza en qué momento los personajes se pusieron la máscara. Sin embargo, la conexión con el carnaval (el período entre la Epifanía y el Miércoles de Ceniza ) sugeriría que el enmascaramiento era una convención del carnaval y se aplicó en algún momento. La tradición en el norte de Italia se centra en Florencia , Mantua y Venecia, donde las principales compañías quedaron bajo la protección de los diversos duques . Al mismo tiempo, surgió una tradición napolitana en el sur que incluyó a la destacada figura escénica Pulcinella , que durante mucho tiempo se asoció con Nápoles y derivó en varios tipos en otros lugares, el más famoso de los cuales fue el personaje títere Punch (de los espectáculos homónimos de Punch y Judy ) en Inglaterra.
La commedia dell'arte permitió a las mujeres profesionales actuar desde el principio: Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actores de 1564, ha sido considerada la primera actriz italiana conocida por su nombre, junto con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras primadonna y las actrices mejor documentadas en Europa. [57]
El teatro renacentista inglés se deriva de varias tradiciones teatrales medievales, como las obras de misterio que formaban parte de los festivales religiosos en Inglaterra y otras partes de Europa durante la Edad Media. Otras fuentes incluyen las " obras morales " y el "drama universitario" que intentaba recrear la tragedia ateniense. La tradición italiana de la Commedia dell'arte , así como las elaboradas mascaradas que se presentaban con frecuencia en la corte, también contribuyeron a la configuración del teatro público.
Desde antes del reinado de Isabel I, las compañías de actores estaban vinculadas a las casas de los aristócratas más importantes y representaban piezas seculares por temporadas en varios lugares. [58] Estas se convirtieron en la base de los actores profesionales que actuaban en el escenario isabelino. Las giras de estos actores reemplazaron gradualmente las representaciones de obras de misterio y moralidad de actores locales. [58] Una ley de 1572 eliminó a todas las compañías sin licencia que carecían de patrocinio formal etiquetándolas de vagabundos . [58]
Las autoridades de la City de Londres eran en general hostiles a las representaciones públicas, pero su hostilidad se vio compensada por el gusto de la Reina por las obras de teatro y el apoyo del Consejo Privado. [59] Los teatros surgieron en los suburbios, especialmente en la zona de Southwark, accesible al otro lado del Támesis para los habitantes de la ciudad, pero fuera del control de las autoridades. Las compañías mantenían la pretensión de que sus representaciones públicas eran meros ensayos para las frecuentes funciones ante la Reina, pero mientras que estas últimas otorgaban prestigio, las primeras eran la verdadera fuente de ingresos para los actores profesionales.
Junto con la economía de la profesión, el carácter del teatro cambió hacia el final del período. Bajo el reinado de Isabel, el teatro era una expresión unificada en lo que se refiere a la clase social: la corte veía las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el teatro se orientó más hacia los gustos y valores de un público de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I, se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban de las obras acumuladas en las décadas anteriores. [60]
La oposición puritana al teatro (informada por los argumentos de los primeros Padres de la Iglesia que habían escrito escritos contra los entretenimientos decadentes y violentos de los romanos) argumentaba no sólo que el teatro en general era pagano , sino que cualquier obra que representara una figura religiosa era inherentemente idólatra . En 1642, al estallar la Guerra Civil Inglesa , las autoridades puritanas prohibieron la representación de todas las obras dentro de los límites de la ciudad de Londres. Un ataque radical contra las supuestas inmoralidades del teatro aplastó lo que quedaba en Inglaterra de la tradición dramática.
Si el protestantismo se caracterizó por una relación ambivalente con la teatralidad, el catolicismo de la Contrarreforma la usaría con fines explícitamente afectivos y evangélicos. [61] Las innovaciones decorativas de las iglesias católicas barrocas evolucionaron simbióticamente con el arte cada vez más sofisticado de la escenografía . Las tradiciones teatrales medievales pudieron conservarse y desarrollarse en los países católicos, dondequiera que se pensara que eran edificantes. Las Sacre rappresentazioni en Italia y las celebraciones del Corpus Christi en toda Europa son ejemplos de esto. Los Autos sacramentales , las obras de un acto en el centro de las celebraciones del Corpus Christi en España, dieron una realización concreta y triunfal a las abstracciones de la teología eucarística católica , más famosamente en manos de Pedro Calderón de la Barca . Si bien el énfasis en la predestinación en la teología protestante había provocado una nueva apreciación del fatalismo en el drama clásico , esto pudo contrarrestarse. La idea misma de la tragicomedia fue controvertida porque el género era un desarrollo posclásico, pero las tragicomedias se convirtieron en una forma popular de la Contrarreforma porque eran adecuadas para demostrar el funcionamiento benigno de la providencia divina y respaldar el concepto del libre albedrío . Il pastor fido (El pastor fiel, escrito en la década de 1580 y publicado en 1602) de Giovanni Battista Guarini fue la tragicomedia más influyente del período, mientras que Tirso de Molina es especialmente notable por subvertir ingeniosamente las implicaciones de sus tramas trágicas por medio de finales cómicos. Una subversión teológicamente motivada similar de la expectativa genérica se encuentra detrás de tragœdiæ sacræ como Ermenegildo de Francesco Sforza Pallavicino . [61] Este tipo de tragedia sagrada se desarrolló a partir de dramatizaciones medievales de las vidas de los santos; en ellas, los protagonistas mártires mueren de una manera a la vez trágica y triunfante. Estas obras, que potenciaban el fomento del culto a los mártires por parte del catolicismo de la Contrarreforma, podían celebrar figuras contemporáneas como Sir Thomas More (héroe de varios dramas en toda Europa) o utilizarse para fomentar el sentimiento nacionalista. [61]
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Durante su Siglo de Oro , aproximadamente de 1590 a 1681, [62] España vio un aumento monumental en la producción de teatro en vivo, así como en la importancia del teatro dentro de la sociedad española. Era una forma de arte accesible para todos los participantes en la España del Renacimiento, siendo altamente patrocinada tanto por la clase aristocrática como muy concurrida por las clases bajas. [63] El volumen y la variedad de obras españolas durante el Siglo de Oro no tenían precedentes en la historia del teatro mundial, superando, por ejemplo, la producción dramática del Renacimiento inglés por un factor de al menos cuatro. [62] [63] [64] Aunque este volumen ha sido tanto una fuente de críticas como de elogios para el teatro español del Siglo de Oro, por enfatizar la cantidad antes que la calidad, [65] un gran número de las 10,000 [63] a 30,000 [65] obras de este período todavía se consideran obras maestras. [66] [67]
Entre los principales artistas de la época se encuentran Lope de Vega , contemporáneo de Shakespeare, a menudo considerado su paralelo en el escenario español, [68] y Calderón de la Barca , inventor de la zarzuela [69] y sucesor de Lope como el dramaturgo español más destacado. [70] Gil Vicente , Lope de Rueda y Juan del Encina ayudaron a establecer las bases del teatro español a mediados del siglo XVI, [71] [72] [73] mientras que Francisco de Rojas Zorrilla y Tirso de Molina hicieron contribuciones significativas en la segunda mitad del Siglo de Oro. [74] [75] Entre los artistas importantes se encuentran Lope de Rueda (mencionado anteriormente entre los dramaturgos) y, más tarde, Juan Rana. [76] [77]
Las fuentes de influencia para el teatro nacional emergente de España fueron tan diversas como el teatro que esa nación terminó produciendo. Las tradiciones narrativas originadas en la Commedia dell'arte italiana [78] y la expresión únicamente española de los entretenimientos de juglares itinerantes de Europa occidental [79] [80] contribuyeron con una influencia populista en las narrativas y la música, respectivamente, del teatro español primitivo. La crítica neoaristotélica y los dramas litúrgicos, por otro lado, contribuyeron con perspectivas literarias y moralistas. [81] [82] A su vez, el teatro español del Siglo de Oro ha influido dramáticamente en el teatro de generaciones posteriores en Europa y en todo el mundo. El drama español tuvo un impacto inmediato y significativo en los desarrollos contemporáneos en el teatro renacentista inglés . [66] También ha tenido un impacto duradero en el teatro en todo el mundo de habla hispana. [83] Además, se está traduciendo un número creciente de obras, lo que aumenta el alcance del teatro español del Siglo de Oro y fortalece su reputación entre los críticos y los mecenas del teatro. [84]
Dramaturgos notables:
El teatro griego estaba vivo y floreciente en la isla de Creta. Durante el Renacimiento cretense, dos notables dramaturgos griegos, Georgios Chortatzis y Vitsentzos Kornaros, estuvieron presentes en la última parte del siglo XVI. [85] [86]
Después de que el régimen puritano prohibiera las representaciones teatrales públicas durante 18 años, la reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del drama inglés. Con la restauración de la monarquía en 1660 se produjo la restauración y reapertura del teatro. Las comedias inglesas escritas y representadas en el período de la Restauración , de 1660 a 1710, se denominan colectivamente "comedia de la Restauración". La comedia de la Restauración es famosa por su explicitud sexual , una cualidad fomentada personalmente por Carlos II (1660-1685) y por el ethos aristocrático libertino de su corte . Por primera vez se permitió a las mujeres actuar, poniendo fin a la práctica del actor masculino que interpretaba papeles de mujer. El público socialmente diverso incluía tanto a los aristócratas, sus sirvientes y parásitos, como a un segmento sustancial de la clase media. Al público de la Restauración le gustaba ver el triunfo del bien en sus tragedias y la restauración del gobierno legítimo. En la comedia, a los espectadores les gustaba ver las vidas amorosas de los jóvenes y elegantes, con una pareja central que llevaba su noviazgo a una conclusión exitosa (a menudo superando la oposición de los mayores para hacerlo). Las heroínas tenían que ser castas, pero independientes y francas; ahora que eran interpretadas por mujeres, había más posibilidades para el dramaturgo de disfrazarlas con ropa de hombre o permitirles escapar por poco de una violación. Estos espectadores se sentían atraídos por las comedias por los textos de actualidad, por las tramas abarrotadas y bulliciosas , por la introducción de las primeras actrices profesionales y por el ascenso de los primeros actores famosos. Para los no aficionados al teatro, estas comedias eran ampliamente vistas como licenciosas y moralmente sospechosas, que mostraban las payasadas de una clase pequeña, privilegiada y decadente para admirarla. Esta misma clase dominaba el público del teatro de la Restauración. Este período vio a la primera dramaturga profesional, Aphra Behn .
Como reacción a la decadencia de las producciones de la época de Carlos II, la comedia sentimental cobró popularidad. Este género se centraba en fomentar el comportamiento virtuoso mostrando a personajes de clase media que superaban una serie de pruebas morales. Dramaturgos como Colley Cibber y Richard Steele creían que los seres humanos eran intrínsecamente buenos, pero capaces de ser engañados. A través de obras como The Conscious Lovers y Love's Last Shift, se esforzaron por apelar a los sentimientos nobles de la audiencia para que los espectadores pudieran reformarse. [87] [88]
El espectáculo de la Restauración , o "obra de máquinas" elaboradamente puesta en escena, llegó al escenario público de Londres a finales del siglo XVII , cautivando al público con acción, música, danza, escenarios móviles , pintura ilusionista barroca , vestuario magnífico y efectos especiales como trucos de trampillas , actores "voladores" y fuegos artificiales . Estos espectáculos siempre han tenido mala reputación como una amenaza vulgar y comercial para el ingenioso y "legítimo" drama de la Restauración ; sin embargo, atrajeron a los londinenses en cantidades sin precedentes y los dejaron deslumbrados y encantados.
Básicamente, de cosecha propia y con raíces en la mascarada de la corte de principios del siglo XVII , aunque nunca se avergonzaron de tomar prestadas ideas y tecnología escénica de la ópera francesa , a los espectáculos a veces se los llama "ópera inglesa". Sin embargo, la variedad de ellos es tan desordenada que la mayoría de los historiadores del teatro desesperan de definirlos como un género en absoluto. [89] Solo un puñado de obras de este período suelen recibir el término "ópera", ya que la dimensión musical de la mayoría de ellas está subordinada a la visual. Era el espectáculo y la escenografía lo que atraía a las multitudes, como lo muestran muchos comentarios en el diario del amante del teatro Samuel Pepys . [90] El gasto de montar producciones escénicas cada vez más elaboradas llevó a las dos compañías de teatro competidoras a una peligrosa espiral de enormes gastos y, en consecuencia, enormes pérdidas o ganancias. Un fiasco como el de Albion y Albanius de John Dryden dejaría a una empresa seriamente endeudada, mientras que superproducciones como Psyche de Thomas Shadwell o El rey Arturo de Dryden la dejarían cómodamente en números negros durante mucho tiempo. [91]
El neoclasicismo fue la forma dominante de teatro en el siglo XVIII. Exigía decoro y una rigurosa adhesión a las unidades clásicas . El teatro neoclásico, así como el período de tiempo, se caracterizan por su grandiosidad. El vestuario y la escenografía eran intrincados y elaborados. La actuación se caracteriza por grandes gestos y melodrama. El teatro neoclásico abarca las épocas de la Restauración, Augusta y Johnstiniana. En cierto sentido, la época neoclásica sigue directamente a la época del Renacimiento.
Teatros de principios del siglo XVIII: las farsas sexuales de la Restauración fueron sustituidas por comedias políticamente satíricas. En 1737, el Parlamento aprobó la Ley de Licencias Escénicas de 1737 , que introdujo la censura estatal de los espectáculos públicos y limitó el número de teatros en Londres a dos.
El teatro del siglo XIX se divide en dos partes: la temprana y la tardía. La primera etapa estuvo dominada por el melodrama y el Romanticismo .
El melodrama se convirtió en la forma teatral más popular a partir de su origen en Francia. Misantropía y arrepentimiento (1789) de August von Kotzebue suele considerarse la primera obra melodramática. Las obras de Kotzebue y René Charles Guilbert de Pixérécourt establecieron el melodrama como la forma dramática dominante de principios del siglo XIX. [92]
En Alemania, se produjo una tendencia hacia la precisión histórica en el vestuario y la ambientación , una revolución en la arquitectura teatral y la introducción de la forma teatral del Romanticismo alemán . Influenciados por las tendencias de la filosofía y las artes visuales del siglo XIX , los escritores alemanes estaban cada vez más fascinados por su pasado teutónico y tenían un creciente sentido del nacionalismo . Las obras de Gotthold Ephraim Lessing , Johann Wolfgang von Goethe , Friedrich Schiller y otros dramaturgos del Sturm und Drang inspiraron una creciente fe en el sentimiento y el instinto como guías del comportamiento moral.
En Gran Bretaña , Percy Bysshe Shelley y Lord Byron fueron los dramaturgos más importantes de su tiempo, aunque las obras de Shelley no se representaron hasta más tarde en el siglo. En los teatros menores, la burletta y el melodrama fueron los más populares. Las obras de Kotzebue fueron traducidas al inglés y A Tale of Mystery de Thomas Holcroft fue el primero de muchos melodramas ingleses. Pierce Egan , Douglas William Jerrold , Edward Fitzball y John Baldwin Buckstone iniciaron una tendencia hacia historias más contemporáneas y rurales en preferencia a los melodramas históricos o fantásticos habituales. James Sheridan Knowles y Edward Bulwer-Lytton establecieron un drama "caballeresco" que comenzó a restablecer el antiguo prestigio del teatro entre la aristocracia . [93]
El último período del siglo XIX vio el surgimiento de dos tipos de drama conflictivos: el realismo y el no realismo, como el simbolismo y los precursores del expresionismo .
El realismo comenzó antes en el siglo XIX en Rusia que en el resto de Europa y adoptó una forma más intransigente. [94] Comenzando con las obras de Ivan Turgenev (que utilizó "detalles domésticos para revelar la agitación interior"), Aleksandr Ostrovsky (que fue el primer dramaturgo profesional de Rusia), Aleksey Pisemsky (cuyo Un destino amargo (1859) anticipó el naturalismo ) y León Tolstoi (cuyo El poder de las tinieblas (1886) es "una de las obras naturalistas más efectivas"), una tradición de realismo psicológico en Rusia culminó con el establecimiento del Teatro de Arte de Moscú por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko . [95]
La fuerza teatral más importante de la Alemania de finales del siglo XIX fue la de Jorge II, duque de Sajonia-Meiningen y su Meiningen Ensemble , bajo la dirección de Ludwig Chronegk . Las producciones del Meiningen Ensemble suelen considerarse las más precisas históricamente del siglo XIX, aunque su objetivo principal era servir a los intereses del dramaturgo. El Meiningen Ensemble se sitúa al comienzo del nuevo movimiento hacia la producción unificada (o lo que Richard Wagner llamaría la Gesamtkunstwerk ) y el ascenso del director (a expensas del actor) como el artista dominante en la creación teatral. [96]
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El naturalismo , un movimiento teatral nacido a partir de El origen de las especies (1859) de Charles Darwin y de las condiciones políticas y económicas contemporáneas, encontró su principal defensor en Émile Zola . La realización de las ideas de Zola se vio obstaculizada por la falta de dramaturgos capaces de escribir dramas naturalistas. André Antoine surgió en la década de 1880 con su Théâtre Libre , que solo estaba abierto a los miembros y, por lo tanto, estaba exento de censura. Rápidamente ganó la aprobación de Zola y comenzó a representar obras naturalistas y otras piezas realistas extranjeras. [97]
En Gran Bretaña, los melodramas, las comedias ligeras, las óperas, Shakespeare y el drama inglés clásico, el burlesque victoriano , las pantomimas , las traducciones de farsas francesas y, a partir de la década de 1860, las operetas francesas, continuaron siendo populares. Las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , como HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885), tuvieron tanto éxito que expandieron enormemente la audiencia del teatro musical. [98] Esto, junto con una iluminación y un transporte muy mejorados en Londres y Nueva York, condujo a un auge de la construcción de teatros a finales de la época victoriana y eduardiana en el West End y en Broadway. Más tarde, el trabajo de Henry Arthur Jones y Arthur Wing Pinero inició una nueva dirección en el escenario inglés.
Aunque su obra allanó el camino, el desarrollo de un teatro más significativo se debe principalmente al dramaturgo Henrik Ibsen . Ibsen nació en Noruega en 1828. Escribió veinticinco obras, las más famosas de las cuales son Casa de muñecas (1879), Espectros (1881), El pato salvaje (1884) y Hedda Gabler (1890). Además, sus obras Rosmersholm (1886) y Cuando despertemos los muertos (1899) evocan una sensación de fuerzas misteriosas en acción en el destino humano, que iba a ser un tema principal del simbolismo y del llamado " Teatro del absurdo ". [ cita requerida ]
Después de Ibsen, el teatro británico experimentó una revitalización con la obra de George Bernard Shaw , Oscar Wilde , John Galsworthy , William Butler Yeats y Harley Granville Barker . A diferencia de la mayoría de las obras sombrías e intensamente serias de sus contemporáneos, Shaw y Wilde escribieron principalmente en forma cómica. Las comedias musicales eduardianas fueron extremadamente populares, atrayendo los gustos de la clase media en los alegres años noventa [99] y satisfaciendo la preferencia del público por el entretenimiento escapista durante la Primera Guerra Mundial.
Si bien gran parte del teatro del siglo XX continuó y amplió los proyectos del realismo y el naturalismo, también hubo una gran cantidad de teatro experimental que rechazó esas convenciones. Estos experimentos forman parte de los movimientos modernista y posmodernista e incluyeron formas de teatro político , así como obras de orientación más estética. Algunos ejemplos incluyen: teatro épico , teatro de la crueldad y el llamado " teatro del absurdo ".
El término "teatro" se empezó a utilizar para describir a alguien que crea representaciones teatrales y produce un discurso teórico que informa su trabajo práctico. [100] Un teatro puede ser un director , un dramaturgo , un actor o, característicamente, a menudo una combinación de estos roles tradicionalmente separados. "Práctica teatral" describe el trabajo colectivo que realizan varios practicantes de teatro. [101] Se utiliza para describir la praxis teatral desde el desarrollo de Konstantin Stanislavski de su " sistema ", pasando por la biomecánica de Vsevolod Meyerhold , la épica de Bertolt Brecht y el teatro pobre de Jerzy Grotowski , hasta la actualidad, con practicantes de teatro contemporáneos como Augusto Boal con su Teatro del Oprimido , el teatro popular de Dario Fo , la antropología teatral de Eugenio Barba y los puntos de vista de Anne Bogart . [102]
Otras figuras clave del teatro del siglo XX incluyen: Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Chejov , Max Reinhardt , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Gertrude Stein , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Heiner Müller y Caryl Churchill .
En el siglo XX continuaron o surgieron varios movimientos estéticos , entre ellos:
Después de la gran popularidad de las comedias musicales eduardianas británicas , el teatro musical estadounidense pasó a dominar el escenario musical, comenzando con los musicales del Princess Theatre , seguidos por las obras de los hermanos Gershwin, Cole Porter , Jerome Kern , Rodgers y Hart , y más tarde Rodgers y Hammerstein .
A lo largo de la mayor parte de la historia, las bellas letras inglesas y el teatro han estado separados, pero estas dos formas de arte están interconectadas. [103] Sin embargo, si no aprenden a trabajar de la mano, puede ser perjudicial para la forma de arte. [104] La prosa de la literatura inglesa y las historias que cuenta necesitan ser representadas y el teatro tiene esa capacidad. [105] Desde el principio, el teatro estadounidense ha sido único y diverso, reflejando la sociedad a medida que Estados Unidos perseguía su identidad nacional. [106] La primera obra representada, en 1752 en Williamsburg, Virginia, fue "El mercader de Venecia" de Shakespeare . [107] Debido a una sociedad puritana temporal, el teatro estuvo prohibido desde 1774 hasta 1789. [108] Este estándar social se debió a que se permitía la moral puritana y cualquier otro entretenimiento se consideraba inapropiado, frívolo (sin propósito) y sensual (placentero). [109] Durante la prohibición, el teatro a menudo se escondía titulándose como conferencias morales. [110] El teatro hizo una breve pausa debido a la guerra revolucionaria , pero rápidamente se reanudó después de que la guerra terminó en 1781. [108] El teatro comenzó a extenderse hacia el oeste , y a menudo las ciudades tenían teatros antes de tener aceras o alcantarillas. [111] Hubo varias compañías de teatro profesionales líderes al principio, pero una de las más influyentes estaba en Filadelfia (1794-1815); sin embargo, la compañía tenía raíces inestables debido a la prohibición del teatro. [108]
A medida que el país se expandió, también lo hizo el teatro; después de la guerra de 1812 , el teatro se dirigió al oeste. [108] Muchos de los nuevos teatros eran administrados por la comunidad , pero en Nueva Orleans los franceses habían iniciado un teatro profesional en 1791. [108] Varias compañías se separaron y establecieron un teatro en Cincinnati, Ohio . [108] El primer teatro oficial del oeste llegó en 1815 cuando Samuel Drake (1769-1854) llevó su compañía de teatro profesional de Albany a Pittsburgh al río Ohio y Kentucky . [108] Junto con este circuito, a veces llevaba a la compañía a Lexington , Louisville y Frankfort . [108] A veces, llevaba a la compañía a Ohio , Indiana , Tennessee y Missouri . [108] Si bien había compañías itinerantes, las comunidades de teatro más permanentes en el oeste a menudo se asentaban en los ríos para que hubiera un fácil acceso en barco. [108] Durante este período de tiempo, muy pocos teatros estaban sobre el río Ohio y, de hecho, Chicago no tuvo un teatro permanente hasta 1833. [108] Debido a los tiempos turbulentos en Estados Unidos y la crisis económica que se produjo debido a las guerras, el teatro durante su época más expansiva, experimentó bancarrotas y cambios de gestión. [108] Además, la mayoría del teatro estadounidense temprano tuvo una gran influencia europea porque muchos de los actores habían nacido y se habían formado en Inglaterra . [108] Entre 1800 y 1850, la filosofía neoclásica desapareció casi por completo bajo el romanticismo , que fue una gran influencia del teatro estadounidense del siglo XIX que idolatraba al " noble salvaje ". [108] Debido a los nuevos descubrimientos psicológicos y métodos de actuación, eventualmente el romanticismo daría origen al realismo . [108] Esta tendencia hacia el realismo se produjo entre 1870 y 1895. [108]
En esta era del teatro, el héroe moral se desplaza hacia el hombre moderno, que es un producto de su entorno. [112] Este importante cambio se debe en parte a la guerra civil , porque Estados Unidos ahora estaba manchado con su propia sangre, habiendo perdido su inocencia . [113]
Durante este período del teatro, Hollywood surgió y amenazó al teatro estadounidense. [114] Sin embargo, el teatro durante este tiempo no decayó, de hecho fue reconocido y notado en todo el mundo. [114] Tennessee Williams y Arthur Miller alcanzaron fama mundial durante este período.
El primer acontecimiento cuasi teatral del que se tiene constancia se remonta al año 2000 a. C., con las «representaciones de la Pasión» del Antiguo Egipto . La historia del dios Osiris se representaba anualmente en festivales a lo largo de toda la civilización. [115]
En la era moderna, el arte del teatro evolucionó en la segunda mitad del siglo XIX a través de la interacción con Europa, así como del desarrollo de formas teatrales populares que Egipto conocía miles de años antes de esta fecha. [116] [117] [118]
El comienzo estuvo a cargo de Yaqub Sanu y Abu Khalil Qabbani , luego la situación se dividió en grupos de teatro libres, entre ellos la compañía Youssef Wahbi como Fatima Rushdi , que presenta tragedia o tragedia, y Abo El Seoud El Ebiary , Ismail Yassine , Badie' Khayri. , Ali El Kassar y Naguib El-Rihani presentan la comedia de otra manera. [119] [120] [121]
En los años 1930 y 1940 se representaron más de 350 obras en el llamado teatro de salas, copresentadas por Bayram El-Tunisi , Amin Sedky, Badie' Khayri y Abo El Seoud El Ebiary y dirigidas por Aziz Eid, Bishara Wakim y Abdel Aziz Khalil. Además de estadísticas importantes, entre ellas que el grupo del sector privado más longevo es la banda Rihani . Su actividad duró 67 años, desde 1916 hasta 1983, casi setenta años. El grupo del sector privado más prolífico es la Compañía Ramsés, que produjo más de 240 obras desde 1923 hasta 1960. La compañía de teatro estatal más longeva es la Compañía de Teatro Nacional, que duró más de 80 años, desde 1935 hasta ahora. [122] [123]
Después de la revolución de 1952 , hubo un grupo de dramaturgos como Alfred Farag , Ali Salem , Noaman Ashour, Saad Eddin Wahba y otros. Zaki, en cuanto a los equipos del país, los directores más prolíficos en producción son los artistas Fattouh Nashati y Zaki Tulaimat. [124]
Entre los dramaturgos egipcios cuyas obras se presentaron en escena se encuentran Amin Sedky, Badi' Khairy, Abu Al-Saud Al-Ebiary y Tawfiq Al-Hakim. La mayoría de los dramaturgos del mundo cuyas obras se presentaron en escena son Molière , Pierre Corneille y William Shakespeare . [125] [126]
La huella femenina fue clara en la historia del teatro egipcio, que Mounira El Mahdeya inició como la primera cantante y actriz egipcia, y la fundadora de un grupo de teatro en su nombre a principios del siglo XX en lugar de levantinos y judíos. Antes de esa época, las mujeres tenían prohibido actuar, lo que provocó un ruido que contribuyó al aumento de su fama. Y Mounira El Mahdeya fue también quien descubrió al músico de las generaciones, Mohammed Abdel Wahab , y le dio la oportunidad de completar las melodías de la obra de Cleopatra y Marco Antonio tras la repentina muerte de Sayed Darwish . Ella lo animó a ponerse frente a ella, encarnando el papel de Marco Antonio en el mismo espectáculo. A partir de principios de la década de 1960, las estrellas de cine comenzaron a invadir los teatros como Salah Zulfikar en Una bala en el corazón de 1964, basada en la novela de Tawfiq Al-Hakim de 1933, y muchos otros. En la década de 1970, la comedia fue la dominante, como en Al Ayal Kibrit de 1979.
En 2020, la ministra egipcia de Cultura , Dra. Inés Abdel-Dayem, dedica la próxima sesión del Festival Nacional de Teatro Egipcio a celebrar el 150 aniversario del inicio del teatro egipcio moderno. Revisará los hallazgos del equipo de investigación, formado por Amr Dawara, el guardián de la memoria del teatro, que comenzó desde 1993 a preparar la enciclopedia teatral egipcia más grande que incluye todos los detalles de las representaciones teatrales profesionales durante quince décadas, comenzando desde 1870 por Yacub Sanu hasta 2019, durante el cual el número de representaciones alcanzó las 6300 obras profesionales, que se presentaron al público por una tarifa en la taquilla. Y dirigió el cuerpo del libro para imprimir la enciclopedia. Y esa enciclopedia ayudará al lector e investigador a conocer las obras maestras y creaciones del teatro egipcio a lo largo de su historia. [127] [128] [122]
El teatro moderno en Ghana surgió a principios del siglo XX. [129] Surgió primero como un comentario literario sobre la colonización de África por parte de Europa. [129] Una de las primeras obras en las que esto se puede ver es The Blinkards escrita por Kobina Sekyi en 1915. The Blinkards es una sátira descarada sobre los africanos que abrazaron la cultura europea que les fue traída. En ella, Sekyi degrada a tres grupos de individuos: cualquier europeo, cualquiera que imite a los europeos y el rico cultivador de cacao africano. Sin embargo, esta rebelión repentina fue solo la chispa inicial del teatro literario ghanés. [129]
Una obra que tiene similitudes en su visión satírica es Anowa . Escrita por la autora ghanesa Ama Ata Aidoo , comienza con su heroína epónima Anowa rechazando las propuestas de matrimonio de sus muchos pretendientes arreglados. Ella insiste en tomar sus propias decisiones sobre con quién se va a casar. La obra enfatiza la necesidad de igualdad de género y respeto por las mujeres. [129] Este ideal de independencia, así como de igualdad, lleva a Anowa por un camino tortuoso de felicidad y miseria. Anowa elige a un hombre propio para casarse. Anowa apoya a su esposo Kofi tanto física como emocionalmente. A través de su apoyo, Kofi prospera en riqueza, pero se vuelve pobre como ser espiritual. A través de su acumulación de riqueza, Kofi se pierde en ella. Su matrimonio, una vez feliz con Anowa, cambia cuando comienza a contratar esclavos en lugar de hacer algún trabajo él mismo. Esto para Anowa no tiene sentido porque no hace que Kofi sea mejor que los colonos europeos a quienes detesta por la forma en que siente que han utilizado a la gente de África. Su matrimonio no tiene hijos, lo que se presume que se debe a un ritual que Kofi realizó intercambiando su hombría por riqueza. Anowa, al ver la riqueza que Kofi obtuvo como esclavo y su incapacidad para tener hijos, la lleva a suicidarse. [129] El nombre Anowa significa "fuerza moral superior", mientras que el de Kofi significa simplemente "nacido en viernes". Esta diferencia, incluso en la base de sus nombres, parece implicar la superioridad moral de las mujeres en una sociedad dirigida por hombres. [129]
Otra obra de importancia es El matrimonio de Anansewa , escrita en 1975 por Efua Sutherland . Toda la obra se basa en una tradición oral akan llamada Anansesem (cuentos populares). El personaje principal de la obra es Ananse (la araña). Las cualidades de Ananse son una de las partes más frecuentes de la obra. Ananse es astuto, egoísta, tiene una gran percepción de la naturaleza humana y animal, es ambicioso, elocuente e ingenioso. Al poner demasiado de sí mismo en todo lo que hace, Ananse arruina cada uno de sus planes y termina pobre. [129] Ananse es utilizado en la obra como una especie de hombre común. Está escrito en un sentido exagerado para forzar el proceso de autoexamen. Ananse se utiliza como una forma de iniciar una conversación para el cambio en la sociedad de cualquier lector. La obra cuenta cómo Ananse intenta casar a su hija Anansewa con uno de los jefes ricos o con otro tipo de pretendiente rico al mismo tiempo para conseguir dinero. Al final, todos los pretendientes llegan a su casa a la vez y él tiene que usar toda su astucia para calmar la situación. [129] El narrador no solo narra, sino que también actúa, reacciona y comenta la acción del cuento. Junto con esto, se utiliza Mbuguous, Mbuguous es el nombre que se le da a una secta muy especializada de la técnica teatral ghanesa que permite la participación del público. Los Mbuguous de este cuento son canciones que embellecen el cuento o lo comentan. La espontaneidad a través de esta técnica, así como la improvisación, se utilizan lo suficiente para cumplir con cualquier estándar del teatro moderno. [129]
En su estudio pionero del teatro yoruba , Joel Adedeji rastreó sus orígenes hasta la mascarada del Egungun (el "culto del antepasado"). [130] La ceremonia tradicional culmina en la esencia de la mascarada donde se considera que los antepasados regresan al mundo de los vivos para visitar a sus descendientes. [131] Además de su origen en el ritual, el teatro yoruba puede "rastrearse hasta la naturaleza 'teatrogénica' de varias deidades del panteón yoruba , como Obatala , la divinidad principal, Ogun , la divinidad de la creatividad, así como el hierro y la tecnología, [132] y Sango , la divinidad de la tormenta", cuya reverencia está imbuida "de drama y teatro y la relevancia simbólica general en términos de su interpretación relativa". [133]
La tradición teatral Aláàrìnjó surgió de la mascarada Egungun en el siglo XVI. El Aláàrìnjó era una compañía de artistas itinerantes cuyas formas enmascaradas transmitían un aire de misticismo. Creaban escenas satíricas cortas que se basaban en una serie de personajes estereotípicos establecidos. Sus actuaciones utilizaban la mímica , la música y la acrobacia . La tradición Aláàrìnjó influyó en el teatro ambulante popular, que fue la forma de teatro más extendida y desarrollada en Nigeria desde la década de 1950 hasta la de 1980. En la década de 1990, el teatro ambulante popular se trasladó a la televisión y el cine y ahora ofrece actuaciones en vivo solo en raras ocasiones. [134] [135]
El "teatro total" también se desarrolló en Nigeria en la década de 1950. Utilizaba técnicas no naturalistas, imágenes físicas surrealistas y ejercía un uso flexible del lenguaje. Los dramaturgos que escribieron a mediados de la década de 1970 utilizaron algunas de estas técnicas, pero las articularon con "una apreciación radical de los problemas de la sociedad". [136]
Los modos de representación tradicionales han influido fuertemente en las principales figuras del teatro nigeriano contemporáneo. La obra de Hubert Ogunde (a veces denominado el "padre del teatro yoruba contemporáneo") se inspiró en la tradición Aláàrìnjó y las mascaradas Egungun. [137] Wole Soyinka , que es "generalmente reconocido como el dramaturgo vivo más grande de África", le da a la divinidad Ogun un significado metafísico complejo en su obra. [138] En su ensayo "La cuarta etapa" (1973), [139] Soyinka contrasta el drama yoruba con el drama ateniense clásico , relacionando ambos con el análisis del filósofo alemán del siglo XIX Friedrich Nietzsche de este último en El nacimiento de la tragedia (1872). Ogun, argumenta, es "una totalidad de las virtudes dionisíacas, apolíneas y prometeicas ". [140]
Entre los promotores del teatro itinerante en Nigeria se encuentran Duro Ladipo y Moses Olaiya (un popular número cómico). Estos profesionales contribuyeron mucho al campo del teatro africano durante el período de mezcla y experimentación del teatro indígena con el occidental.
La historia del teatro afroamericano tiene un doble origen. El primero tiene sus raíces en el teatro local, donde los afroamericanos actuaban en cabañas y parques. Sus representaciones (cuentos populares, canciones, música y danza) tenían sus raíces en la cultura africana antes de verse influenciadas por el entorno estadounidense. El African Grove Theatre fue el primer teatro afroamericano fundado en 1821 por William Henry Brown. [141]
La forma más antigua de teatro indio fue el teatro sánscrito . [142] Surgió en algún momento entre el siglo XV a. C. y el siglo I y floreció entre el siglo I y el X, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras. [143] Los textos védicos como el Rigveda proporcionan evidencia de obras de teatro que se representaban durante las ceremonias de Yajna . Los diálogos mencionados en los textos varían desde el monólogo de una persona hasta el diálogo de tres personas, por ejemplo, el diálogo entre Indra, Indrani y Vrishakapi. Los diálogos no solo son religiosos en su contexto, sino también seculares; por ejemplo, un monólogo rigvédico trata sobre un jugador cuya vida está arruinada por ello y se ha distanciado de su esposa y sus padres también lo odian. Panini en el siglo V a. C. menciona un texto dramático Natasutra escrito por dos dramaturgos indios Shilalin y Krishashva. Patanjali también menciona el nombre de obras que se han perdido, como Kemsavadha y Balibandha. Las cuevas de Sitabenga, que datan del siglo III a. C., y las cuevas de Khandagiri , del siglo II a. C., son los primeros ejemplos de arquitectura teatral en la India. [144] Con las conquistas islámicas que comenzaron en los siglos X y XI, el teatro fue desalentado o prohibido por completo. [145] Más tarde, en un intento de reafirmar los valores e ideas indígenas, se fomentó el teatro de aldea en todo el subcontinente, desarrollándose en una gran cantidad de idiomas regionales desde el siglo XV hasta el siglo XIX. [146] El teatro indio moderno se desarrolló durante el período de dominio colonial bajo el Imperio británico , desde mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX. [147]
Los fragmentos más antiguos que se conservan del teatro sánscrito datan del siglo I. [148] La riqueza de la evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece ninguna indicación de la existencia de una tradición teatral. [149] Los Vedas (la literatura india más antigua, de entre 1500 y 600 a. C.) no contienen ningún indicio de ello; aunque un pequeño número de himnos están compuestos en forma de diálogo, los rituales del período védico no parecen haberse convertido en teatro. [149] El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pueden haber sido las semillas del teatro sánscrito. [150] Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los inicios del teatro en la India . [150]
Sin embargo, aunque no existen fragmentos supervivientes de ningún drama anterior a esta fecha, es posible que la literatura budista primitiva proporcione la evidencia más temprana de la existencia del teatro indio. Los suttas Pali (que datan del siglo V al III a. C.) hacen referencia a la existencia de grupos de actores (liderados por un actor principal), que representaban dramas en un escenario. Se indica que estos dramas incorporaban danza, pero se enumeraban como una forma distinta de representación, junto con la danza, el canto y la recitación de historias. [151] (Según textos budistas posteriores, el rey Bimbisara , contemporáneo de Gautama Buda , hizo representar un drama para otro rey. Esto sería tan temprano como el siglo V a. C., pero el evento solo se describe en textos mucho más posteriores, de los siglos III-IV d. C.) [152]
La principal fuente de evidencia sobre el teatro sánscrito es el Tratado sobre el teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. al 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra más completa de dramaturgia del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , la utilería , la organización de compañías, la audiencia, las competiciones y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. [150] Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito se realizaba en suelo sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.
Bajo el patrocinio de las cortes reales, los intérpretes pertenecían a compañías profesionales dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también podía actuar. [153] Se pensaba que esta tarea era análoga a la de un titiritero : el significado literal de " sutradhara " es "sostenedor de los hilos o cuerdas". [150] Los intérpretes recibían un entrenamiento riguroso en técnica vocal y física. [154] No había prohibiciones contra las intérpretes femeninas; las compañías estaban formadas exclusivamente por hombres, exclusivamente por mujeres y de género mixto. Sin embargo, se consideraba que ciertos sentimientos no eran apropiados para que los representaran los hombres y se pensaba que eran más adecuados para las mujeres. Algunos intérpretes interpretaban personajes de su misma edad, mientras que otros interpretaban personajes diferentes a los suyos (ya fueran más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta más atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque el enfoque principal se centra en este último. [155]
Su drama es considerado como el logro más alto de la literatura sánscrita . [156] Utilizaba personajes estereotipados , como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Kālidāsa en el siglo I a. C., es posiblemente considerado el mayor dramaturgo sánscrito de la antigua India . Tres famosas obras románticas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). La última se inspiró en una historia del Mahabharata y es la más famosa. Fue la primera en ser traducida al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). [156]
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. siglo VII). Se dice que escribió las tres obras siguientes: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . De estas tres, las dos últimas abarcan en conjunto toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .
El kutiyattam es el único ejemplo superviviente del antiguo teatro sánscrito, que se cree que se originó a principios de la era común y está reconocido oficialmente por la UNESCO como una obra maestra del patrimonio oral e inmaterial de la humanidad . Además, abundan muchas formas de teatro folclórico indio. Bhavai (artistas ambulantes) es una forma de teatro folclórico popular de Gujarat , que se dice que surgió en el siglo XIV d. C. Bhaona y Ankiya Nats se han estado practicando en Assam desde principios del siglo XVI, que fueron creados e iniciados por Mahapurusha Srimanta Sankardeva . Jatra ha sido popular en Bengala y su origen se remonta al movimiento Bhakti en el siglo XVI. Otra forma de teatro folclórico popular en Haryana , Uttar Pradesh y la región de Malwa de Madhya Pradesh es Swang , que está orientado al diálogo en lugar de al movimiento y se considera que surgió en su forma actual a fines del siglo XVIII y principios del XIX. El Yakshagana es un arte teatral muy popular en Karnataka y ha existido bajo diferentes nombres al menos desde el siglo XVI. Es de naturaleza semiclásica e incluye música y canciones basadas en la música carnática , vestuario suntuoso y tramas basadas en el Mahabharata y el Ramayana . También emplea diálogos hablados entre las canciones, lo que le da un sabor de arte popular . El Kathakali es una forma de danza-teatro, característica de Kerala , que surgió en el siglo XVII y se desarrolló a partir de las obras de arte del templo Krishnanattam y Ramanattam .
El Kathakali es una danza-teatro clásica india muy estilizada que se caracteriza por el atractivo maquillaje de los personajes, los elaborados trajes, los gestos detallados y los movimientos corporales bien definidos que se presentan en sintonía con la música de fondo y la percusión complementaria. Se originó en el actual estado de Kerala durante el siglo XVII [157] y se ha desarrollado a lo largo de los años con un aspecto mejorado, gestos refinados y temas añadidos, además de un canto más ornamentado y una percusión precisa.
Rabindranath Tagore fue un dramaturgo moderno pionero que escribió obras conocidas por su exploración y cuestionamiento del nacionalismo, la identidad, el espiritualismo y la codicia material. [158] Sus obras están escritas en bengalí e incluyen Chitra ( Chitrangada , 1892), El rey de la cámara oscura ( Raja , 1910), La oficina de correos ( Dakghar , 1913) y Adelfa roja ( Raktakarabi , 1924). [158]
Otro dramaturgo pionero del teatro bengalí , que fue merecidamente el sucesor de Rabindranath Tagore , fue Natyaguru Nurul Momen . Mientras que su predecesor, Tagore, marcó el comienzo del modernismo en la literatura bengalí en el siglo XIX, Nurul Momen tomó la posta del modernismo que él le había transmitido y lo llevó a la cima del teatro de clase mundial en el siglo XX, a través de sus obras de debut, "Rupantar" y Nemesis (obra de Momen) .
Hay referencias a entretenimientos teatrales en China ya en el año 1500 a. C., durante la dinastía Shang ; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas.
Durante la dinastía Han, el teatro de sombras surgió por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de teatro de sombras, el cantonés del sur y el pequinés del norte. Los dos estilos se diferenciaban por el método de fabricación de los títeres y la posición de las varillas en los títeres, a diferencia del tipo de obra representada por los títeres. Ambos estilos representaban generalmente obras que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizó esta forma tan estilizada de teatro para propaganda política. Los títeres de sombras cantoneses eran los más grandes de los dos. Se construían con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también era muy frecuente: una cara negra representaba la honestidad, una roja la valentía. Las varillas que se usaban para controlar los títeres cantoneses se sujetaban perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, el público no las veía cuando se creaba la sombra. Los títeres pequineses eran más delicados y más pequeños. Se creaban con cuero fino y translúcido que generalmente se tomaba del vientre de un burro. Se pintaban con pinturas vibrantes, por lo que proyectaban una sombra muy colorida. Las varillas delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos del títere y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se encontraban fuera de la sombra del títere; por lo tanto, no interferían con la apariencia de la figura. Las varillas se unían a los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se guardaban en un libro de muselina o una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba en consonancia con la antigua superstición de que si se dejaban intactas, las marionetas cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron al extremo de guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a las marionetas. Se dice que el teatro de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
La dinastía Tang se conoce a veces como "La era de los mil entretenimientos". Durante esta era, el emperador Xuanzong formó una escuela de interpretación conocida como Los niños del jardín de peras para producir una forma de teatro que era principalmente musical.
En la dinastía Song , hubo muchas obras populares que incluían acrobacias y música. Estas evolucionaron en la dinastía Yuan hasta adquirir una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos.
El drama Yuan se extendió por toda China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Pekín, que sigue siendo popular hoy en día.
El teatro indonesio se ha convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante cientos de años. La mayoría de las formas teatrales más antiguas de Indonesia están vinculadas directamente a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los teatros de marionetas más destacados , wayang golek (obra de títeres con varillas de madera) de los sundaneses y wayang kulit (obra de títeres de sombras de cuero) de los javaneses y balineses , extraen gran parte de su repertorio de versiones autóctonas del Ramayana y el Mahabharata . Estos cuentos también proporcionan material de referencia para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. El wayang wong es un tipo de representación teatral de danza clásica javanesa con temas tomados de episodios del Ramayana o el Mahabharata. Los paneles en bajorrelieve del siglo IX del templo de Prambanan muestran episodios de la epopeya del Ramayana. La adaptación de episodios del Mahabharata se ha integrado en la tradición literaria javanesa desde la era Kahuripan y Kediri, con ejemplos notables como Arjunawiwaha , compuesta por Mpu Kanwa en el siglo XI. El templo Penataran en Java Oriental representa temas del Ramayana y el Mahabharata en sus bajorrelieves. Wayang wong era una actuación al estilo de wayang kulit (el teatro de sombras de Java Central) en el que actores y actrices asumían los papeles de los títeres. La primera referencia escrita a la forma está en la inscripción en piedra Wimalarama de Java Oriental que data del 930 d. C. El género se realiza actualmente en variaciones con y sin máscara en Java Central , Bali y Cirebon , así como en Sundanés ( Java Occidental ). [159] [160] [161]
En Camboya , en la antigua capital Angkor Wat , se han tallado historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata en las paredes de templos y palacios.
En Tailandia , desde la Edad Media, es tradición representar obras basadas en argumentos extraídos de las epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional tailandesa Ramakien , una versión del Ramayana indio , sigue siendo popular en Tailandia hasta hoy.
Durante los 333 años de gobierno español, se introdujeron en las islas la religión católica y el estilo de vida español, que gradualmente se fusionaron con la cultura indígena para formar la “cultura popular de las tierras bajas” que ahora comparten los principales grupos etnolingüísticos. Hoy en día, las formas dramáticas introducidas o influenciadas por España siguen vivas en las áreas rurales de todo el archipiélago. Estas formas incluyen la komedya, los playlets, el sinakulo, la sarswela y el drama. En los últimos años, algunas de estas formas se han revitalizado para hacerlas más sensibles a las condiciones y necesidades de una nación en desarrollo.
Durante el siglo XIV, en Japón había pequeñas compañías de actores que representaban comedias breves, a veces vulgares. Un director de una de estas compañías, Kan'ami (1333-1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), considerado uno de los mejores actores infantiles de Japón. Cuando la compañía de Kan'ami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el shōgun de Japón, le imploró a Zeami que recibiera una educación cortesana para sus artes. Después de que Zeami sucediera a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es el Noh . Una mezcla de pantomima y acrobacia vocal, este estilo ha fascinado a los japoneses durante cientos de años.
Japón, tras un largo periodo de guerras civiles y desorganización política, se unificó y se encontraba en paz, principalmente gracias al shōgun Tokugawa Ieyasu (1543-1616). Sin embargo, alarmado por el creciente crecimiento cristiano, cortó el contacto de Japón con Europa y China y prohibió el cristianismo. Cuando llegó la paz, floreció la influencia cultural y la creciente clase mercantil exigió su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que floreció fue el Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku ). El fundador y principal colaborador del Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. El Ningyō jōruri es una forma de teatro muy estilizada que utiliza marionetas, que hoy en día tienen aproximadamente un tercio del tamaño de un humano. Los hombres que controlan las marionetas se entrenan toda su vida para convertirse en maestros titiriteros, cuando pueden manejar la cabeza y el brazo derecho de la marioneta y elegir mostrar sus caras durante la actuación. Los otros titiriteros, que controlan las extremidades menos importantes de la marioneta, se cubren a sí mismos y sus caras con un traje negro, para dar a entender su invisibilidad. El diálogo es manejado por una sola persona, que utiliza diversos tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras durante su carrera, la mayoría de las cuales todavía se utilizan hoy en día. Usaban máscaras en lugar de maquillaje elaborado. Las máscaras definen su género, personalidad y estados de ánimo en los que se encuentra el actor.
El kabuki comenzó poco después del bunraku, según cuenta la leyenda una actriz llamada Okuni, que vivió a finales del siglo XVI. La mayor parte del material del kabuki procedía del nõ y del bunraku, y sus movimientos erráticos de tipo danzario también son un efecto del bunraku. Sin embargo, el kabuki es menos formal y más distante que el nõ, pero muy popular entre el público japonés. Los actores reciben formación en muchas cosas variadas, como baile, canto, pantomima e incluso acrobacias. El kabuki lo interpretaban primero chicas jóvenes, luego chicos jóvenes y, a finales del siglo XVI, las compañías de kabuki estaban formadas exclusivamente por hombres. Los hombres que representaban a mujeres en el escenario recibían formación específica para extraer la esencia de una mujer en sus movimientos y gestos sutiles.
Butoh es el nombre colectivo para una amplia gama de actividades, técnicas y motivaciones para la danza, la actuación o el movimiento inspirados en el movimiento Ankoku-Butoh (暗黒舞踏, ankoku butō ) . Por lo general, implica imágenes lúdicas y grotescas, temas tabú, entornos extremos o absurdos y se realiza tradicionalmente con maquillaje corporal blanco con movimientos lentos e hipercontrolados, con o sin público. No hay un estilo establecido y puede ser puramente conceptual sin movimiento alguno. Sus orígenes se han atribuido a las leyendas de la danza japonesa Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno . Butoh apareció por primera vez en Japón después de la Segunda Guerra Mundial y específicamente después de los disturbios estudiantiles . Los roles de autoridad ahora estaban sujetos a desafío y subversión. También apareció como una reacción contra la escena de la danza contemporánea en Japón, que Hijikata sintió que se basaba por un lado en imitar a Occidente y por el otro en imitar al Noh . Criticó el estado actual de la danza como demasiado superficial.
La primera mención de obras de teatro en el Imperio Otomano está relacionada con la aparición de judíos españoles allí a finales del siglo XV y principios del XVI. Más tarde, otras minorías, como los gitanos, los griegos y los armenios, se involucraron en este campo. Más tarde, el equivalente turco de la commedia dell'arte , el Orta oyunu, se hizo muy popular en todo el Imperio. [162]
Las formas más populares de teatro en el mundo islámico medieval eran el teatro de títeres (que incluía títeres de mano , teatro de sombras y producciones de marionetas ) y las representaciones en vivo de la Pasión conocidas como ta'ziya , en las que los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares conocidas como akhraja se registraron en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que el teatro de títeres y el teatro ta'ziya . [163]
