La historia de la animación , el método para crear imágenes en movimiento a partir de imágenes fijas, tiene una historia temprana y una historia moderna que comenzó con la llegada de la película de celuloide en 1888. Entre 1895 y 1920, durante el auge de la industria cinematográfica, se desarrollaron o reinventaron varias técnicas de animación diferentes, incluida la animación stop-motion con objetos, marionetas, arcilla o recortes , y la animación dibujada o pintada. La animación dibujada a mano, que en su mayoría consistía en una sucesión de imágenes fijas pintadas en cels , fue la técnica dominante del siglo XX y se conoció como animación tradicional .
En la actualidad, la animación por computadora es la técnica de animación dominante en la mayoría de las regiones ( la animación dibujada a mano sigue siendo muy popular fuera de los EE. UU.; por ejemplo, el anime japonés y las producciones europeas dibujadas a mano). La animación por computadora se asocia principalmente con una apariencia tridimensional con sombreado detallado, aunque se han generado o simulado muchos estilos de animación diferentes con computadoras. Algunas producciones pueden reconocerse como animaciones Flash , pero en la práctica, la animación por computadora con una apariencia relativamente bidimensional, contornos marcados y poco sombreado, generalmente se considerará "animación tradicional" incluso si se crea en una computadora. La primera película de largometraje realizada en computadoras, sin cámara, es The Rescuers Down Under (1990), pero su estilo apenas se puede distinguir de la animación cel .
Las películas animadas forman parte de antiguas tradiciones en la narración de cuentos , las artes visuales y el teatro . Las técnicas populares con imágenes en movimiento anteriores al cine incluyen el teatro de sombras , las diapositivas mecánicas y los proyectores móviles en espectáculos de linterna mágica (especialmente fantasmagorías ). Las técnicas con fantásticas figuras en movimiento tridimensionales incluyen máscaras y disfraces , títeres y autómatas . Los libros infantiles ilustrados , la caricatura , las caricaturas políticas y, especialmente, las tiras cómicas están estrechamente relacionadas con la animación, con mucha influencia en los estilos visuales y los tipos de humor.
El principio de la animación moderna se basa en la ilusión estroboscópica de movimiento que se introdujo en 1833 con los discos estroboscópicos (más conocidos como fenaquistiscopio ). Estos discos animados tenían una media de 8 a 16 imágenes que normalmente se diseñaban como bucles sin fin (como muchas animaciones GIF ), para uso doméstico como un "juguete filosófico" operado a mano . Aunque varios pioneros esperaban que pudiera aplicarse a escenas más largas para uso teatral, el desarrollo posterior de la técnica a lo largo del siglo XIX se concentró principalmente en combinaciones con el estereoscopio (introducido en 1838) y la fotografía (introducida en 1839). El avance de la cinematografía dependió en parte de la novedad de una técnica que fuera capaz de grabar y reproducir imágenes en movimiento de forma realista. Durante los primeros años, dibujar imágenes animadas parecía una técnica arcaica en comparación, hasta que algunos artistas produjeron cortos animados populares e influyentes y los productores adoptaron técnicas baratas para convertir las tiras cómicas populares en dibujos animados.
Charles-Émile Reynaud desarrolló su praxinoscopio de proyección en el Théâtre Optique con imágenes transparentes pintadas a mano en color sobre una larga tira perforada enrollada entre dos carretes, que patentó en diciembre de 1888. Desde el 28 de octubre de 1892 hasta marzo de 1900, Reynaud realizó más de 12.800 funciones para más de 500.000 visitantes en el Museo Grévin de París. Su serie de películas animadas Pantomimes Lumineuses contenía cada una de 300 a 700 fotogramas manipulados de ida y vuelta para que duraran entre 10 y 15 minutos por película. Se proyectaba una escena de fondo por separado. Se interpretaban música de piano, canciones y algunos diálogos en directo, mientras que algunos efectos de sonido se sincronizaban con un electroimán. El primer programa incluía tres dibujos animados: Pauvre Pierrot (creado en 1892), Un bon bock (creado en 1892, hoy perdido) y Le Clown et ses chiens (creado en 1892, hoy perdido). Más tarde, los títulos Autour d'une cabina (creado en 1894) y A rêve au coin du feu (creado en 1894) formarían parte de las representaciones.
A pesar del éxito de las películas de Reynaud , pasó algún tiempo antes de que la animación fuera adaptada en la industria cinematográfica, lo que surgió después de la introducción del cinematógrafo de Lumière en 1895. Las primeras películas de fantasía y películas de trucos de Georges Méliès (estrenadas entre 1896 y 1913) ocasionalmente contienen elementos que se parecen un poco a la animación, incluidos accesorios pintados o criaturas pintadas que se movían frente a fondos pintados (principalmente usando cables) y coloración de la película a mano. Méliès también popularizó el truco del stop motion , con un solo cambio realizado en la escena entre tomas, que ya se había utilizado en La ejecución de María Estuardo de Thomas Edison en 1895 y probablemente condujo al desarrollo de la animación stop-motion algunos años después. [1] No fue hasta 1906 que aparecieron películas animadas propiamente dichas en los cines. La datación de algunas presuntas películas anteriores con animación es controvertida, mientras que otras películas tempranas que podrían haber usado stop motion u otras técnicas de animación se han perdido o no se han identificado.
En 1897, el fabricante de juguetes alemán Gebrüder Bing tenía un primer prototipo de su cinematógrafo de juguete , [2] que presentó en una convención de juguetes en Leipzig en noviembre de 1898. Poco después, otros fabricantes de juguetes en Alemania y Francia, incluidos Ernst Plank, Georges Carette y Lapierre, comenzaron a vender dispositivos similares. Los cinematógrafos eran básicamente linternas mágicas de juguete tradicionales, adaptadas con uno o dos carretes pequeños que usaban película estándar de 35 mm con "perforación Edison", una manivela y un obturador. Estos proyectores estaban destinados al mismo tipo de mercado de juguetes de "entretenimiento doméstico" que la mayoría de los fabricantes ya cubrían con praxinoscopios y linternas mágicas. Aparte de películas de acción en vivo relativamente caras, los fabricantes produjeron muchas películas más baratas mediante la impresión de dibujos litografiados . Estas animaciones probablemente se hicieron en blanco y negro a partir de 1898 o 1899, pero a más tardar en 1902 se produjeron en color. Las imágenes se solían copiar de películas de acción real (como la posterior técnica de rotoscopia ). Estas películas muy cortas solían representar una acción repetitiva simple y la mayoría estaban diseñadas para ser proyectadas en bucle, jugando sin fin con los extremos de las piezas unidas. El proceso de litografía y el formato de bucle siguen la tradición establecida por el disco estroboscópico, el zoótropo y el praxinoscopio . [3] [4]
Se especula que Katsudō Shashin (producido entre 1907 y 1912) es la obra de animación más antigua de Japón y probablemente se realizó imitando tiras de película impresas occidentales similares. [5]
J. Stuart Blackton fue un cineasta británico-estadounidense, cofundador de los estudios Vitagraph y uno de los primeros en utilizar la animación en sus películas. Su The Enchanted Drawing (1900) puede considerarse la primera película cinematográfica grabada en formato de película estándar que incluía elementos animados, aunque esto se refiere solo a unos pocos fotogramas de cambios en los dibujos. Muestra a Blackton haciendo "bocetos relámpago" de una cara, puros, una botella de vino y un vaso. La cara cambia de expresión cuando Blackton vierte vino en la boca de la cara y cuando Blackton toma su puro. La técnica utilizada en esta película fue básicamente el truco de la parada : el único cambio en las escenas fue la sustitución de un dibujo por un dibujo similar con una expresión facial diferente. En algunas escenas, una botella y un vaso dibujados fueron reemplazados por objetos reales. Blackton posiblemente había utilizado la misma técnica en una película de bocetos relámpago perdida de 1896. [1]
La película Humorous Phases of Funny Faces de Blackton de 1906 suele considerarse la animación dibujada a mano en película estándar más antigua que se conoce. Presenta una secuencia hecha con dibujos en pizarra que se cambian entre fotogramas para mostrar dos caras que cambian de expresión y una nube de humo de cigarro, así como dos secuencias que presentan una animación recortada con un aspecto similar para lograr un movimiento más fluido.
Alexander Shiryaev fue un bailarín, maestro de ballet y coreógrafo ruso que trabajó en el Teatro Mariinsky y al que se le atribuye la invención independiente de la animación stop motion. Entre 1906 y 1909, creó las primeras películas animadas conocidas realizadas en Rusia, utilizando animación con títeres, animación dibujada a mano y técnicas mixtas. Si bien algunas se realizaron como experimentos (por ejemplo, una animación dibujada de 20 minutos que mostraba el vuelo de los pájaros en una línea continua), la mayoría de sus películas se hicieron con el propósito educativo de mostrar a los bailarines de ballet cómo debería ser su coreografía. Las animaciones con títeres variaban en duración desde poco más de un minuto hasta 10 minutos. Las películas de Shiryaev solo se proyectaron en el Teatro Mariinsky para los intérpretes, no públicamente, y generalmente fueron desconocidas hasta 2003, cuando el documentalista e historiador de ballet ruso Viktor Bocharov lanzó una película de una hora titulada A Belated Premiere que incluía fragmentos de las diversas películas.
El cineasta español Segundo de Chomón realizó muchas películas con trucos para la compañía cinematográfica francesa Pathé . En 1906, había utilizado el stop motion en varios cortometrajes, entre ellos La Maison ensorcelée [6] y Le théâtre de Bob [7] (ambos estrenados en Estados Unidos en abril de 1906). The Haunted Hotel (23 de febrero de 1907) [8] de Blackton contiene elementos de stop motion que son muy similares a los de La Maison ensorcelée . Si las fechas de estreno son correctas (y si los títulos traducidos no se han mezclado), Blackton debe haberse inspirado en el trabajo de De Chomón y no al revés, pero se ha creído que The Haunted Hotel fue un gran éxito en Francia y otros países europeos, y habría sido la película que inspiró a los cineastas locales, incluido Émile Cohl, a comenzar a trabajar con la innovadora técnica de animación. [1] De Chomon también realizó el cortometraje relacionado Hôtel électrique (1908), que incluye una breve escena con pixelación .
En 1907, el artista francés Émile Cohl comenzó su carrera cinematográfica con Japon de slightasie , [9] con un uso imaginativo de técnicas de stop motion. Su siguiente cortometraje puede considerarse como la primera película animada que utilizó lo que se conocería como métodos de animación tradicionales: Fantasmagorie de 1908. [ 10 ] La película consiste principalmente en una figura de palitos que se mueve y se encuentra con todo tipo de objetos que se transforman, como una botella de vino que se transforma en una flor. También hay secciones de acción en vivo donde las manos del animador entran en escena. La película se creó dibujando cada fotograma en papel y luego filmando cada fotograma en película negativa , lo que le dio a la imagen un aspecto de pizarra. Cohl luego fue a Fort Lee, Nueva Jersey, cerca de la ciudad de Nueva York en 1912, donde trabajó para el estudio francés Éclair y difundió su técnica de animación en los EE. UU.
Durante la década de 1910, surgieron estudios de animación a gran escala y los artistas solistas desaparecieron de la vista del público. [11] La primera animadora profesional conocida, Bessie Mae Kelley , comenzó su carrera en 1917. [12]
A partir de una película corta de 1911 de su personaje más popular, Little Nemo , el exitoso dibujante de periódicos Winsor McCay le dio mucho más detalle a sus animaciones dibujadas a mano que cualquier animación vista previamente en los cines. Su película de 1914 Gertie the Dinosaur presentó un ejemplo temprano de desarrollo de personajes en animación dibujada. [13] También fue la primera película en combinar metraje de acción en vivo con animación. Originalmente, McCay usó la película en su acto de vodevil: se paraba junto a la pantalla y hablaba con Gertie, quien respondía con una serie de gestos. Al final de la película, McCay caminaba detrás de la pantalla de proyección, siendo reemplazado sin problemas por una imagen pregrabada de él mismo entrando en la pantalla, subiéndose a la espalda del dinosaurio de dibujos animados y saliendo del marco. [14] [15] McCay dibujó personalmente a mano casi cada uno de los miles de dibujos para sus películas. [11] Otros títulos notables de McCay son How a Mosquito Operates (1912) y The Sinking of the Lusitania (1918).
Entre 1915 y 1916, Dudley Buxton y Anson Dyer produjeron una serie de 26 dibujos animados temáticos, durante la Primera Guerra Mundial, utilizando principalmente animación recortada, que lanzaron como John Bull's Animated Sketchbook , [16] Los episodios incluyeron eventos como el bombardeo de Scarborough por acorazados alemanes, [17] y el hundimiento del RMS Lusitania en el episodio n.° 4 en junio de 1915. [18]
Alrededor de 1913, Raoul Barré desarrolló el sistema de clavijas que facilitaba la alineación de los dibujos perforando dos agujeros debajo de cada dibujo y colocándolos en dos clavijas fijas. También utilizó una técnica de "corte y rasgado" para no tener que dibujar el fondo completo u otras partes inmóviles para cada cuadro. Las partes en las que era necesario cambiar algo para el siguiente cuadro se cortaban cuidadosamente del dibujo y se rellenaban con el cambio requerido en la hoja de abajo. [19] Después de que Barré comenzara su carrera en animación en Edison Studios , fundó uno de los primeros estudios cinematográficos dedicados a la animación en 1914 (inicialmente junto con Bill Nolan ). Barré Studio tuvo éxito con la producción de la adaptación de la popular tira cómica Mutt and Jeff (1916-1926). El estudio empleó a varios animadores que luego tendrían carreras notables en la animación, incluidos Frank Moser , Gregory La Cava , Vernon Stallings , Tom Norton y Pat Sullivan .
En 1914, John Bray abrió John Bray Studios , que revolucionó la forma en que se creaba la animación. [20] Earl Hurd , uno de los empleados de Bray, patentó la técnica del celuloide . [21] Esto implicaba animar objetos en movimiento en hojas de celuloide transparentes. [22] Los animadores fotografiaban las hojas sobre una imagen de fondo estacionaria para generar la secuencia de imágenes. Esto, así como el uso innovador de Bray del método de línea de montaje, permitió a John Bray Studios crear Colonel Heeza Liar , la primera serie animada. [23] [24] Muchos aspirantes a dibujantes comenzaron sus carreras en Bray, incluidos Paul Terry (más tarde famoso por Heckle and Jeckle ), Max Fleischer (más tarde famoso por Betty Boop y Popeye ) y Walter Lantz (más tarde famoso por Woody Woodpecker ). El estudio de dibujos animados operó desde c. 1914 hasta 1928. Algunas de las primeras estrellas de dibujos animados de los estudios Bray fueron Farmer Alfalfa (de Paul Terry) y Bobby Bumps (de Earl Hurd).
El magnate de la prensa William Randolph Hearst fundó International Film Service en 1916. Hearst atrajo a la mayoría de los animadores de Barré Studio, y Gregory La Cava se convirtió en el director del estudio. Produjeron adaptaciones de muchas tiras cómicas de los periódicos de Heart de una manera bastante limitada, dando solo un poco de movimiento a los personajes mientras que principalmente usaban los globos de diálogo para contar la historia. La serie más notable es Krazy Kat , probablemente el primero de muchos personajes de dibujos animados antropomórficos de gatos y otros animales parlantes . Antes de que el estudio cerrara en 1918, había empleado algunos nuevos talentos, incluidos Vernon Stallings , Ben Sharpsteen , Jack King , John Foster , Grim Natwick , Burt Gillett e Isadore Klein.
En 1915, Max Fleischer solicitó una patente, que le fue concedida en 1917, [25] para una técnica que se conocería como rotoscopia : el proceso de utilizar grabaciones de películas de acción en vivo como punto de referencia para crear más fácilmente movimientos animados realistas. La técnica se utilizó a menudo en la serie Out of the Inkwell de John Bray Studios (y otros). La serie fue el resultado de imágenes rotoscopiadas experimentales del hermano de Max, Dave Fleischer, actuando como payaso, que evolucionó hasta convertirse en el personaje que se conocería como Koko el Payaso .
En 1919, Otto Messmer de Pat Sullivan Studios creó a Felix the Cat . Pat Sullivan , el director del estudio, se atribuyó todo el mérito de Felix, una práctica común en los primeros días de la animación de estudio. [26] Felix the Cat fue distribuido por Paramount Studios y atrajo a una gran audiencia, [27] convirtiéndose finalmente en uno de los personajes de dibujos animados más reconocidos en la historia del cine. Felix fue el primer dibujo animado que se comercializó. [ cita requerida ]
El primer largometraje de animación conocido fue El Apóstol de Quirino Cristiani , estrenado el 9 de noviembre de 1917 en Argentina . Esta exitosa sátira de 70 minutos utilizó una técnica de recorte de cartón, al parecer con 58.000 fotogramas a 14 fotogramas por segundo . El siguiente largometraje de Cristiani, Sin dejar rastros , se estrenó en 1918, pero no recibió cobertura de prensa y tuvo poca asistencia de público antes de que fuera confiscado por la policía por razones diplomáticas. [28] Ninguno de los largometrajes de Cristiani ha sobrevivido. [28] [29] [30]
En la década de 1920 se produjeron varios acontecimientos clave, entre ellos el desarrollo de las primeras animaciones con sonido sincronizado y la fundación de Walt Disney Studio . En esa década también se produjo la primera aparición de Mickey Mouse en Steamboat Willie (1928).
A principios de la década de 1920, el movimiento cinematográfico absoluto con artistas como Walter Ruttmann , Hans Richter , Viking Eggeling y Oskar Fischinger realizó breves animaciones abstractas que resultaron influyentes. Aunque algunas obras de animación abstracta posteriores de, por ejemplo, Len Lye y Norman McLaren serían ampliamente apreciadas, el género en gran medida siguió siendo una forma de arte de vanguardia relativamente oscura, mientras que las influencias directas o ideas similares aparecerían ocasionalmente en la animación convencional como en Toccata y fuga en re menor en Fantasía (1940) de Disney, en la que Fischinger colaboró originalmente hasta que su trabajo fue descartado, y que estaba inspirada en parte por las obras de Lye o la película posterior El punto y la línea (1965) de Chuck Jones.
Desde mayo de 1924 hasta septiembre de 1926, los estudios Inkwell de Dave y Max Fleischer produjeron 19 dibujos animados sonoros, parte de la serie Song Car-Tunes , utilizando el proceso Phonofilm " sonido sobre película ". La serie también introdujo la " pelota que rebota " sobre las letras para guiar a la audiencia a cantar junto con la música. My Old Kentucky Home, de junio de 1926, fue probablemente la primera película en presentar un poco de diálogo animado sincronizado, con una versión temprana de Bimbo articulando las palabras "Sigan la pelota y únanse todos". El personaje de Bimbo se desarrolló aún más en Talkartoons de Fleischer (1929-1932).
Dinner Time de Paul Terry , de su serie Fábulas de Esopo (1921-1936), se estrenó el 1 de septiembre de 1928 con una banda sonora sincronizada que contenía diálogos. El nuevo propietario del estudio, Van Beuren, instó a Terry a añadir la novedad en contra de sus deseos. Aunque la serie y su personaje principal, el granjero Al Falfa, habían sido populares, el público no quedó impresionado por este primer episodio con sonido.
La primera película de animación que se conserva es Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Las aventuras del príncipe Achmed) , de 1926 , que utilizó películas teñidas en color . [31] Fue dirigida por la alemana Lotte Reiniger y su marido Carl Koch . Walter Ruttmann creó efectos visuales de fondo. El colaborador franco-húngaro Berthold Bartosch o Reiniger creó la profundidad de campo colocando elementos escenográficos y figuras en varios niveles de placas de vidrio con iluminación desde abajo y la cámara verticalmente arriba. Más tarde, una técnica similar se convirtió en la base de la cámara multiplano .
Entre 1920 y 1922, los dibujantes Walt Disney , Ub Iwerks y Fred Harman trabajaron en la Slide Company (que pronto pasó a llamarse Kansas City Film Ad Company), que producía anuncios de animación recortada. Disney empezó a experimentar con técnicas de animación dibujada en el garaje de sus padres y consiguió vender una serie que satirizaba temas locales de actualidad al propietario de los tres teatros locales Newman como Newman Laugh-O-Grams semanales en 1921. Con su propia empresa de corta duración Laugh-O-Gram Films, Inc. , Disney, junto con Iwerks, el hermano de Fred , Hugh Harman , Rudolph Ising y Carman Maxwell produjeron una serie de dibujos animados de cuentos de hadas modernizados de unos siete minutos de duración, inspirados en las Fábulas de Esopo de Terry . [32] El estudio se declaró en quiebra en 1923, pero ya había realizado la película no vendida de 12 minutos Alice's Wonderland , con una niña de acción real ( Virginia Davis ) interactuando con numerosos personajes de dibujos animados, incluido el inspirado en Felix Julius the Cat (que ya había aparecido en los cuentos de hadas Laugh-O-Gram sin nombre). Cuando Disney se mudó a Hollywood, logró cerrar un trato con la distribuidora cinematográfica neoyorquina Margaret J. Winkler , que acababa de perder los derechos de Felix the Cat y Out of the Inkwell . Para hacer la serie Alice Comedies (1923-1927), Iwerks también se mudó a Hollywood, seguido más tarde por Ising, Harman, Maxwell y su colega de Film Ad Friz Freleng . La serie tuvo el éxito suficiente como para durar 57 episodios, pero Disney finalmente prefirió crear una nueva serie completamente animada. En 1927 le siguió Oswald el conejo afortunado , que fue un éxito, pero después de negociaciones fallidas para su continuación en 1928, Charles Mintz tomó el control directo de la producción y Disney perdió a su personaje y a la mayor parte de su personal ante Mintz.
En 1928, Disney e Iwerks desarrollaron Mickey Mouse para reemplazar a Oswald. Una primera película titulada Plane Crazy no logró impresionar a una audiencia de prueba y no despertó suficiente interés entre los distribuidores potenciales. Después de que algunas películas de acción real con sonido sincronizado tuvieran éxito, Disney suspendió la nueva caricatura de Mickey Mouse The Gallopin' Gaucho para comenzar a trabajar en una producción especial con sonido que lanzara la serie de manera más convincente. Gran parte de la acción en Steamboat Willie (noviembre de 1928) implica la producción de sonidos; por ejemplo, Mickey usa el ganado a bordo del barco como instrumentos musicales. La película se convirtió en un gran éxito y Mickey Mouse pronto se convertiría en el personaje de caricatura más popular de la historia.
Bosko fue creado en 1927 por Hugh Harman y Rudolf Ising , específicamente con el cine sonoro en mente. Todavía trabajaban para Disney en ese momento, pero se fueron en 1928 para trabajar en los dibujos animados de Oswald the Lucky Rabbit en Universal durante aproximadamente un año, y luego produjeron Bosko, el piloto de Talk-Ink Kid en mayo de 1929 para buscar un distribuidor. Firmaron con Leon Schlesinger Productions y comenzaron la serie Looney Tunes para Warner Bros. en 1930. Bosko fue la estrella de 39 dibujos animados de Warner Bros. antes de que Harman e Ising llevaran a Bosko a MGM después de dejar Warner Bros. Después de dos dibujos animados de MGM, el personaje recibió un cambio de imagen dramático que fue mucho menos apreciado por el público. La carrera de Bosko terminó en 1938.
Mientras la economía mundial sufría la Gran Depresión durante la década de 1930, la animación siguió floreciendo. Se empezaron a utilizar los primeros procesos de color, junto con el uso de la cámara multiplano . En 1937, Blancanieves debutó en los cines, el primer largometraje de animación tradicional.
La técnica de litografía multicolor de las primeras películas de animación europeas en bucle para uso doméstico no parece haberse aplicado a las películas de animación estrenadas en salas de cine. Si bien las copias originales de Las aventuras del príncipe Achmed presentaban tintado de película , la mayoría de las películas de animación estrenadas en salas de cine antes de 1930 eran en blanco y negro. Por lo tanto, los procesos de color efectivos fueron una innovación bienvenida en Hollywood y parecían especialmente adecuados para los dibujos animados.
Un segmento de dibujos animados en la película King of Jazz (abril de 1930), realizada por Walter Lantz y Bill Nolan, fue la primera animación presentada en Technicolor de dos tiras.
Fiddlesticks , estrenada junto con King of Jazz , fue la primera película de Flip the Frog y el primer proyecto en el que trabajó Ub Iwerks después de dejar Disney para montar su estudio. En Inglaterra, la caricatura se estrenó en Harris Color, [33] un proceso de dos colores , probablemente como la primera caricatura animada independiente estrenada en cines que contaba con sonido y color.
Cuando la serie Silly Symphonies , iniciada en 1929, fue menos popular de lo que Disney esperaba, recurrió a nuevas innovaciones tecnológicas para mejorar el impacto de la serie. En 1932 trabajó con la compañía Technicolor para crear la primera animación a todo color Flowers and Trees , debutando con la técnica de tres tiras (el primer uso en películas de acción real llegó unos dos años después). La caricatura fue un éxito y ganó un premio de la Academia por cortometrajes, caricaturas . [34] Disney tenía temporalmente un acuerdo para el uso exclusivo de la técnica a todo color de Technicolor en películas animadas. Incluso esperó antes de producir la serie en curso de Mickey Mouse en color, para que las Silly Symphonies tuvieran su atractivo especial para el público. Después de que el acuerdo de exclusividad caducara en septiembre de 1935, la animación a todo color pronto se convirtió en el estándar de la industria.
Las sinfonías tontas inspiraron muchas series de dibujos animados que se jactaban de varios otros sistemas de color hasta que Technicolor dejó de ser exclusivo de Disney, incluyendo ComiColor Cartoons de Ub Iwerks (1933-1936), Rainbow Parade de Van Beuren Studios (1934-1936), Color Classics de Fleischer (1934-1941), Color Rhapsody de Charles Mintz (1936-1949), Happy Harmonies de MGM (1934-1938) , Puppetoons de George Pal (1932-1948) y Swing Symphony de Walter Lantz (1941-1945).
Se desarrollaron varias técnicas para crear la impresión de profundidad . La técnica más común era hacer que los personajes se movieran entre varias capas que podían moverse independientemente, de acuerdo con las leyes de la perspectiva (por ejemplo, cuanto más lejos de la cámara, más lenta la velocidad).
Lotte Reiniger ya había diseñado un tipo de cámara multiplano para Die Abenteuer des Prinzen Achmed [35] y su colaborador Berthold Bartosch utilizó una configuración similar para su película de 25 minutos, intrincadamente detallada, L'Idée (1932).
En 1933, Ub Iwerks desarrolló una cámara multiplano y la utilizó para varios episodios de Willie Whopper (1933-1934) y ComiColor Cartoons .
Los Fleischer desarrollaron el proceso estereoptico, muy diferente, en 1933 [36] para sus Clásicos en color . Se utilizó en el primer episodio Betty Boop en Poor Cinderella (1934) y en la mayoría de los episodios siguientes. El proceso implicaba decorados tridimensionales construidos y esculpidos en un gran plato giratorio. Las celdas fotografiadas se colocaban dentro del decorado móvil de modo que los personajes animados parecieran moverse delante y detrás de los elementos 3D dentro de la escena cuando se hacía girar el plato giratorio.
William Garity, un empleado de Disney, desarrolló una cámara multiplano que podía tener hasta siete capas de ilustraciones. Se probó en el episodio The Old Mill (1937), ganador del Oscar a la mejor sinfonía , y se usó de forma destacada en Blancanieves y películas posteriores.
Después de que la incorporación del sonido y el color fuera un gran éxito para Disney, otros estudios siguieron el ejemplo. A finales de la década, casi todos los dibujos animados para cines se producían en color.
Inicialmente, la música y las canciones eran el foco de atención de muchas series, como lo indican títulos como Song Car-Tunes , Silly Symphonies , Merrie Melodies y Looney Tunes , pero fueron los personajes reconocibles los que se quedaron con el público. Mickey Mouse fue la primera superestrella de dibujos animados que superó la popularidad de Félix el Gato, pero pronto le siguieron docenas de superestrellas de dibujos animados, muchas de las cuales permanecieron populares durante décadas.
Warner Bros. tenía una vasta biblioteca musical que podía usarse en dibujos animados, e inspiró muchos dibujos animados también, mientras que Disney necesitaba crear la música para cada dibujo animado. Leon Schlesinger vendió a Warner Bros. una segunda serie llamada Merrie Melodies , que hasta 1939 contractualmente necesitaba contener al menos un estribillo del catálogo de música. A diferencia de Looney Tunes con Bosko, Merrie Melodies solo presentó algunos personajes recurrentes como Foxy , Piggy y Goopy Geer antes de que Harman e Ising se fueran en 1933. Bosko fue reemplazado por Buddy para la serie Looney Tunes, pero duró solo dos años, mientras que Merrie Melodies continuó sin personajes recurrentes. Finalmente, las dos series se volvieron indistinguibles y produjeron muchos personajes nuevos que se hicieron populares. El animador/director Bob Clampett diseñó Porky Pig (1935) y Daffy Duck (1937) y fue responsable de gran parte de la animación enérgica y el humor irreverente asociado con la serie. En la década de 1930 también se vieron las primeras encarnaciones anónimas de los personajes que luego se convertirían en Elmer Fudd (1937/1940) y Bugs Bunny (1938/1940). A partir de 1937, Mel Blanc interpretó la mayoría de las voces de los personajes.
Disney introdujo nuevos personajes en el universo de Mickey Mouse que se volverían muy populares, entre ellos Minnie Mouse (1928), Pluto (1930), Goofy (1932) y un personaje que pronto se convertiría en el nuevo favorito del público: el Pato Donald (1934). Disney también se dio cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente cautivadoras; desarrolló un "departamento de historias" donde los artistas del guion gráfico, separados de los animadores, se concentrarían en desarrollar la historia solos, lo que demostró su valor cuando el estudio Disney lanzó, en 1933, el primer cortometraje animado que presentaba personajes bien desarrollados: Los tres cerditos . [37] [38] [39] Disney siguió expandiendo su estudio y comenzó cada vez más actividades de producción, incluidos cómics, productos y parques temáticos. La mayoría de los proyectos se basaron en los personajes desarrollados para cortometrajes teatrales.
Fleischer Studios introdujo un personaje canino sin nombre como la novia de Bimbo en Dizzy Dishes (1930), que evolucionó hasta convertirse en la mujer humana Betty Boop (1930-1939) y se convirtió en la creación más conocida de Fleischer. En la década de 1930, también agregaron Hunky and Spunky (1938) y la popular adaptación animada de Popeye (1933) a su repertorio.
El Código de producción cinematográfica de Hays , que establecía pautas morales, se aplicó en 1930 y se hizo cumplir con rigor entre 1934 y 1968. Tuvo un gran impacto en los cineastas a los que les gustaba crear material relativamente picante. Un ejemplo infame fue el de Betty Boop, que sufrió mucho cuando tuvieron que cambiarla de una jovencita despreocupada con un atractivo sexual inocente a un personaje más sano y mucho más dócil que llevaba un vestido más amplio. La desaparición de su novio Bimbo probablemente también fue el resultado de la desaprobación del Código de las relaciones entre especies mixtas.
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Al menos ocho largometrajes de animación se estrenaron antes de Blancanieves y los siete enanitos de Disney , mientras que al menos otros dos proyectos de largometrajes de animación anteriores quedaron sin terminar. La mayoría de estas películas (de las cuales solo sobreviven cuatro) se realizaron utilizando técnicas de recorte , silueta o stop-motion . Entre los largometrajes de animación perdidos se encuentran tres largometrajes de Quirino Cristiani , quien estrenó su tercer largometraje Peludópolis el 18 de septiembre de 1931 en Buenos Aires [40] con una banda sonora sincronizada con sonido en disco Vitaphone . Fue recibido de manera bastante positiva por los críticos, pero no se convirtió en un éxito y fue un fiasco económico para el cineasta. Cristiani pronto se dio cuenta de que ya no podía hacer carrera con la animación en Argentina. [28] El otro único largometraje, Academy Award Review of Walt Disney Cartoons —también de Disney— fue dibujado a mano. Se estrenó siete meses antes de Blancanieves para promocionar el próximo estreno de esa película. [ cita requerida ] Muchos no consideran que Review sea un largometraje genuino, porque es una película de formato reducido y dura solo 41 minutos. Cumple con las definiciones oficiales de largometraje del British Film Institute , la Academy of Motion Picture Arts and Sciences y el American Film Institute , que exigen que la película tenga una duración de más de 40 minutos.
Cuando se supo que Disney estaba trabajando en un largometraje de animación, los críticos se refirieron al proyecto como "la locura de Disney", creyendo que el público no podría soportar los colores brillantes y las bromas esperadas durante tanto tiempo. Blancanieves y los siete enanitos se estrenó el 21 de diciembre de 1937 y se convirtió en un éxito mundial. La película continuó la tradición de Disney de apropiarse de viejos cuentos de hadas y otras historias, como lo harían la mayoría de las películas de Disney que vinieron después.
Los estudios Fleischer siguieron el ejemplo de Disney con Los viajes de Gulliver en 1939, que fue un éxito menor en taquilla.
En abril de 1938, cuando se conectaron unos 50 televisores, la NBC emitió el dibujo animado de bajo presupuesto de ocho minutos Willie the Worm . Fue realizado especialmente para esta emisión por el ex empleado de Disney Chad Grothkopf, principalmente con recortes y un poco de animación en celuloide. Aproximadamente un año después, el 3 de mayo de 1939, Donald's Cousin Gus de Disney se estrenó en el canal experimental W2XBS de la NBC , unas semanas antes de que el dibujo animado corto se estrenara en los cines, como parte del primer programa nocturno completo. [41]
Varios gobiernos ya habían utilizado la animación en películas de información pública, como las de la Unidad Cinematográfica de la Oficina de Publicidad del Reino Unido y las películas educativas japonesas. Durante la Segunda Guerra Mundial, la animación se convirtió en un medio habitual de propaganda. El gobierno de Estados Unidos contrató a sus mejores estudios para que trabajaran en el esfuerzo bélico.
Para instruir al personal militar sobre todo tipo de temas militares y levantar la moral, Warner Bros. fue contratada para varios cortos y la serie animada especial Private Snafu . El personaje fue creado por el famoso director de cine Frank Capra , Dr. Seuss participó en la escritura del guión y la serie fue dirigida por Chuck Jones. Disney también produjo varios cortos instructivos e incluso financió personalmente el largometraje Victory Through Air Power (1943) que promovía la idea del bombardeo de largo alcance.
Muchos personajes populares promovieron los bonos de guerra , como Bugs Bunny en Any Bonds Today?, los cerditos de Disney en The Thrifty Pig y un montón de personajes de Disney en All Together . El Pato Lucas pidió chatarra para el esfuerzo bélico en Scrap Happy Daffy . Minnie Mouse y Pluto invitaron a los civiles a recoger su grasa de cocina para que pudiera usarse para fabricar explosivos en Out of the Frying Pan Into the Firing Line . Hubo varios cortometrajes de propaganda política más, como Fifth Column Mouse de Warner Bros., Chicken Little de Disney y los más serios Education for Death y Reason and Emotion (nominados a un premio de la Academia).
Este tipo de películas sobre la guerra fueron muy apreciadas. Bugs Bunny se convirtió en una especie de icono nacional y el corto de propaganda de Disney Der Fuehrer's Face (protagonizado por el Pato Donald) le valió a la compañía su décimo premio Oscar por cortometrajes de dibujos animados .
La primera película animada de largometraje de Japón,桃太郎 海の神兵 (Momotaro: Sacred Sailors) , se realizó en 1944, bajo órdenes del Ministerio de la Marina de Japón . Fue diseñada para niños y, en parte inspirada por Fantasía , tenía como objetivo inspirar sueños y esperanza de paz. Los personajes principales son un mono antropomórfico, un perro, un oso y un faisán que se convierten en soldados paracaidistas (excepto el faisán que se convierte en piloto) encargados de invadir la isla de Célebes . Un epílogo insinúa que Estados Unidos es el objetivo de la próxima generación.
Las dos siguientes películas de Disney ( Pinocho y la ambiciosa película de concierto Fantasía , ambas estrenadas en 1940) y el segundo largometraje animado de Fleischer Studios, Mr. Bug Goes to Town (1941/1942), fueron recibidas favorablemente por los críticos, pero fracasaron en taquilla durante sus primeras presentaciones en cines. La causa principal fue que la Segunda Guerra Mundial había cortado la mayoría de los mercados extranjeros. Estos reveses desanimaron a la mayoría de las compañías que tenían planes para películas animadas.
Disney redujo los costos de las siguientes películas y estrenó The Reluctant Dragon , que consistía principalmente en un recorrido en vivo por el nuevo estudio en Burbank, en parte en blanco y negro, con cuatro dibujos animados cortos. Fue un éxito moderado en la taquilla mundial y fue seguida solo unos meses después por Dumbo (1941), animada en un estilo relativamente simple y de solo 64 minutos de duración. La duración limitada y las técnicas económicamente eficientes ayudaron a la película a obtener ganancias en la taquilla, y los críticos y el público reaccionaron positivamente. El siguiente largometraje de Disney, Bambi (1942), volvió a tener un presupuesto mayor y un estilo lujoso, pero la historia más dramática, el ambiente más oscuro y la falta de elementos de fantasía no fueron bien recibidos durante su presentación inicial y la película perdió dinero en la taquilla.
Aunque las otras ocho películas de Disney de la década de 1940 eran películas de formato reducido o combinaciones con actores reales (por ejemplo, Saludos amigos (1943) y Los tres caballeros (1944)), Disney mantuvo su fe en las películas animadas. Sólo unos pocos estudios de animación estadounidenses lograron lanzar más de un puñado de largometrajes antes de la década de 1990.
Las películas de animación con celuloide estadounidenses dominaron la producción y el consumo de películas de animación para salas de cine a nivel mundial desde la década de 1920. El trabajo de Disney en particular resultó ser muy popular e influyente en todo el mundo. Los estudios de otros países apenas podían competir con las producciones estadounidenses, por lo que muchos productores de animación fuera de los EE. UU. optaron por trabajar con técnicas de animación con celuloide en lugar de otras, como la animación con marionetas o la animación con recortes. Sin embargo, varios países (especialmente Rusia, China y Japón) desarrollaron sus propias industrias de animación "tradicionales" relativamente grandes. El estudio de animación ruso Soyuzmultfilm , fundado en 1936, empleaba hasta 700 trabajadores calificados y, durante el período soviético, producía una media de 20 películas al año. Algunos títulos que se destacaron fuera de sus respectivos mercados nacionales incluyen铁扇公主 (Princesa Abanico de Hierro) [42] (China 1941, influyente en Japón), Конёк-Горбуно́к (El Caballo Jorobado) (Rusia 1947, ganador del premio especial del jurado en Cannes en 1950), I Fratelli Dynamite (Los Hermanos Dinamita) (Italia 1949) y La Rosa di Bagdad (La Rosa de Bagdad) (Italia 1949, el doblaje en inglés de 1952 protagonizado por Julie Andrews ).
Durante la " época dorada de la animación estadounidense ", los nuevos estudios compitieron con los estudios que sobrevivieron a las batallas de innovación en sonido y color de las décadas anteriores. Los animales de dibujos animados seguían siendo la norma y la música seguía siendo un elemento relevante, pero a menudo perdía su atractivo principal en el escenario ante la narración melodramática de Disney o el humor salvaje de los Looney Tunes y otros dibujos animados.
Disney continuó con sus éxitos de dibujos animados, añadiendo a Daisy Duck (1937/1940) y Chip 'n' Dale (1943/1947) al universo de Mickey Mouse , mientras que Warner Bros. desarrolló nuevos personajes para unirse a su popular elenco de Merrie Melodies/Looney Tunes, incluyendo a Tweety , Henery Hawk (ambos en 1942), Pepé Le Pew , Sylvester the Cat , Yosemite Sam (todos en 1945), Foghorn Leghorn , Barnyard Dawg , Gossamer (todos en 1946), Marvin the Martian (1948) y Wile E. Coyote y Road Runner (1949).
Otros personajes y series nuevos y populares fueron Mighty Mouse (1942-1961) y Heckle and Jeckle (1946-1966) de Terrytoons , y The Fox and the Crow (1941-1950) de Screen Gems .
Fleischer lanzó su espectacular adaptación de Superman en 1941. El éxito llegó demasiado tarde para salvar al estudio de sus problemas financieros y en 1942 Paramount Pictures se hizo cargo del estudio de los dimitidos Fleischer Brothers. El estudio, que pasó a llamarse Famous Studios, continuó la serie Popeye y Superman , desarrolló adaptaciones populares de La pequeña Lulú (1943-1948, licenciada por Gold Key Comics), Casper, el fantasma amistoso (1945) y creó nuevas series, como La pequeña Audrey (1947-1958) y Baby Huey (1950-1959).
Walter Lantz comenzó su carrera de animación en el estudio de Hearst a la edad de 16 años. También había trabajado para Bray Studios y Universal Pictures , donde había obtenido el control de los dibujos animados de Oswald the Lucky Rabbit en 1929 (según se informa al ganar el personaje y el control del estudio en una apuesta de póquer con el presidente de Universal, Carl Laemmle ). En 1935, el estudio Universal se convirtió en la empresa independiente Walter Lantz Productions , pero permaneció en el lote de Universal y continuó produciendo dibujos animados para que Universal los distribuyera. Cuando la popularidad de Oswald disminuyó y el personaje finalmente fue retirado en 1938, las producciones de Lantz se quedaron sin personajes exitosos hasta que desarrolló Andy Panda en 1939. El panda antropomórfico protagonizó más de dos docenas de dibujos animados hasta 1949, pero pronto fue eclipsado por el icónico Pájaro Loco , que debutó en la caricatura de Andy Panda Knock Knock en 1940. Otros personajes populares de Lantz incluyen a Wally Walrus (1944), Buzz Buzzard (1948), Chilly Willy (1953), Hickory, Dickory y Doc (1959).
Después de distribuir las caricaturas Flip the Frog y Willie Whopper de Ub Iwerks y Happy Harmonies de Harman e Ising , Metro-Goldwyn-Mayer fundó su propio estudio de caricaturas en 1937. El estudio tuvo mucho éxito con Barney Bear (1939-1954), Tom y Jerry (1940) de Hanna y Joseph Barbera y Spike y Tyke (1942).
En 1941, Tex Avery dejó Warner Bros. para irse a MGM y creó allí Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) y George and Junior (1944).
Mientras que Disney y la mayoría de los otros estudios buscaban una sensación de profundidad y realismo en la animación, los animadores de UPA (incluido el ex empleado de Disney John Hubley ) tenían una visión artística diferente. Desarrollaron un tipo de animación mucho más escueto y estilizado, inspirado en ejemplos rusos. El estudio se formó en 1943 e inicialmente trabajó con contratos gubernamentales. Unos años más tarde firmaron un contrato con Columbia Pictures, adquirieron The Fox and the Crow de Screen Gems y obtuvieron nominaciones al Oscar por sus dos primeros cortometrajes cinematográficos en 1948 y 1949. Si bien el campo de la animación estaba dominado por animales antropomórficos en el momento en que se le permitió al estudio crear un nuevo personaje, se les ocurrió el anciano miope. Mr. Magoo (1949) se convirtió en un éxito y aparecería en muchos cortometrajes. Entre 1949 y 1959, la UPA recibió 15 nominaciones al Oscar, y ganó su primer premio de la Academia con la adaptación del Dr. Seuss Gerald McBoing-Boing (1950), seguida de dos más por When Magoo Flew (1954) y Magoo's Puddle Jumper (1956). El estilo distintivo fue influyente e incluso afectó a los grandes estudios, incluidos Warner Bros. y Disney. Además de una libertad efectiva en la expresión artística, la UPA había demostrado que la animación más austera podía apreciarse tanto como (o incluso más que) los estilos lujosos y costosos.
El catálogo de dibujos animados de muchos estudios, producidos originalmente para una corta temporada en salas de cine, resultó muy valioso para la transmisión televisiva. Movies for Small Fry (1947), presentado por el "hermano mayor" Bob Emery los martes por la noche en el canal WABD-TV de Nueva York, fue una de las primeras series de televisión para niños y contó con muchos dibujos animados clásicos de Van Beuren Studios. Continuó en DuMont Television Network como el programa diario Small Fry Club (1948-1951) con una audiencia en vivo en un estudio.
De manera similar, muchas series clásicas de Walter Lantz , Warner Bros. , Terrytoons , MGM y Disney encontraron una nueva vida en los programas de televisión para niños, con muchas repeticiones, durante décadas. En lugar de escenarios de estudio y presentaciones de acción en vivo, algunos programas presentaban nueva animación para presentar o unir los dibujos animados más antiguos.
Las primeras series animadas estadounidenses producidas específicamente para televisión aparecieron en 1949, con Adventures of Pow Wow (43 episodios de cinco minutos emitidos los domingos por la mañana de enero a noviembre) y Jim and Judy in Teleland (52 episodios, posteriormente vendidos también a Venezuela y Japón).
La mayoría de los dibujos animados para el cine se habían producido para públicos no específicos. La acción dinámica y los gags con animales parlantes en estilos de dibujo claros y colores brillantes eran naturalmente atractivos para los niños pequeños, pero los dibujos contenían violencia e insinuaciones sexuales y a menudo se proyectaban junto con noticieros y largometrajes que no eran para niños. En la televisión estadounidense, los dibujos animados se programaban principalmente para niños, en franjas horarias convenientes en las mañanas de los fines de semana, las tardes de los días laborables o las primeras horas de la noche.
Las limitaciones de programación del proceso de animación televisiva estadounidense de la década de 1950 y los problemas notables de gestión de recursos (se necesitaba producir una mayor cantidad en menos tiempo para un presupuesto menor en comparación con la animación teatral) llevaron al desarrollo de varias técnicas ahora conocidas como animación limitada . El tipo de animación más dispersa que originalmente había sido una opción artística de estilo para UPA fue adoptado como un medio para reducir el tiempo y los costos de producción. La animación de fotograma completo ("on ones") se volvió rara en los Estados Unidos, fuera de su uso para una cantidad cada vez menor de producciones teatrales. Chuck Jones acuñó el término "radio ilustrada" para referirse al estilo de mala calidad de la mayoría de los dibujos animados de televisión que dependían más de sus bandas sonoras que de las imágenes. [43] Algunos productores también encontraron que la animación limitada se veía mejor que los estilos completamente animados en las pequeñas pantallas de televisión en blanco y negro de la época. [44]
Jay Ward produjo el popular Crusader Rabbit (probado en 1948, transmisiones originales en 1949-1952 y 1957-1959), con el uso exitoso de un estilo de animación limitada.
A finales de los años 50, varios estudios dedicados a la producción de animación para televisión comenzaron a competir. Si bien el foco de la competencia en la animación para cines se había centrado en la calidad y la innovación, ahora se desplazó hacia la entrega de animación de manera rápida y económica. Los críticos notaron que la calidad de muchos programas era a menudo pobre en comparación con los dibujos animados clásicos, con una animación apresurada e historias comunes y corrientes. Los ejecutivos de la cadena estaban satisfechos siempre que hubiera suficientes espectadores, [45] y a la enorme cantidad de espectadores jóvenes no les molestaba la falta de calidad que percibían los críticos. Ver programas de dibujos animados los sábados por la mañana , de hasta cuatro horas de duración, se convirtió en un pasatiempo favorito de la mayoría de los niños estadounidenses a mediados de los años 60, y fue un pilar durante décadas.
Disney había entrado en la producción televisiva relativamente pronto, pero durante mucho tiempo se abstuvo de crear nuevas series animadas. En su lugar, Disney tuvo su serie antológica en antena desde 1954 en franjas horarias de máxima audiencia de tres horas, comenzando con la serie Walt Disney's Disneyland (1954-1958), que claramente promocionaba el parque temático Disneyland que se inauguró en 1955. Walt Disney presentó personalmente la serie que, además de dibujos animados más antiguos, incluía segmentos con escenas detrás de escena de los procesos de realización de películas o con nuevas aventuras de acción real, entre otras cosas.
William Hanna y Joseph Barbera (los creadores de Tom y Jerry) continuaron como Hanna-Barbera después de que Metro-Goldwyn-Mayer cerrara su estudio de animación en 1957 cuando MGM consideró que su catálogo anterior era suficiente para mayores ventas. [46] Si bien Hanna-Barbera solo realizó una serie estrenada en cines con Loopy de Loop (1959-1965), demostraron ser los productores más prolíficos y exitosos de series de televisión animadas durante varias décadas. Comenzando con The Ruff and Reddy Show (1957-1960), continuaron con series exitosas como The Huckleberry Hound Show (1958, el primer programa de televisión de media hora que solo presentaba animación) [47] y The Quick Draw McGraw Show (1959-1961).
Otros programas notables incluyen Gerald McBoing Boing de UPA (1956-1957), Colonel Bleep de Soundac (1957-1960, la primera serie de televisión animada en color), Tom Terrific de Terrytoons (1958) y The Adventures of Rocky and Bullwinkle and Friends de Jay Ward (1959-1964).
En contraste con el mercado cinematográfico internacional (desarrollado durante la era del cine mudo, cuando los problemas del lenguaje se limitaban a los títulos de las películas), la televisión pionera en la mayoría de los países (a menudo relacionada con la radiodifusión) se centró en la producción nacional de programas en directo. En lugar de importar series animadas que normalmente tendrían que ser dobladas, la programación infantil podía producirse de otras formas de forma más sencilla y económica (por ejemplo, con títeres). Un método notable fue la "animación" en tiempo real de figuras recortadas en Captain Pugwash (1957) de la BBC . Una de las pocas series animadas tempranas para televisión que se vio fuera del país de producción fue Les Aventures de Tintin, d'après Hergé (Las aventuras de Tintín de Hergé) de Belvision Studios (Bélgica 1957-1964, dirigida por Ray Goossens ), emitida por la BBC en 1962 y sindicada en los Estados Unidos de 1963 a 1971.
Warner Bros. introdujo nuevos personajes: Granny , Sylvester Jr. (ambos en 1950), Speedy Gonzales , Ralph Wolf y Sam Sheepdog (los tres en 1953) y Tasmanian Devil (1954).
Después de una serie de largometrajes y combos de acción real y animación, Disney volvió a los largometrajes totalmente animados con Cenicienta en 1950 (la primera desde Bambi ). Su éxito prácticamente salvó a la compañía de la bancarrota. Le siguió Alicia en el país de las maravillas (1951), que fracasó en taquilla e inicialmente recibió críticas negativas. Peter Pan (1953) y La dama y el vagabundo (1955) fueron éxitos. La ambiciosa, muy retrasada y más cara La bella durmiente (1959) perdió dinero en taquilla y generó dudas sobre el futuro del departamento de animación de Walt Disney. Al igual que "Alicia en el país de las maravillas" y la mayoría de los fracasos de Disney, más tarde tendría éxito comercial a través de relanzamientos y eventualmente sería considerada un verdadero clásico.
Total Television fue fundada en 1959 para promocionar los productos de General Mills con personajes de dibujos animados originales en los comerciales de Cocoa Puffs (1960-1969) y las series de televisión patrocinadas por General Mills King Leonardo and His Short Subjects (1960-1963, programas reempaquetados hasta 1969), Tennessee Tuxedo and His Tales (1963-1966, programas reempaquetados hasta 1972), The Underdog Show (1964-1967, programas reempaquetados hasta 1973) y The Beagles (1966-1967). La animación de todas estas series se produjo en Gamma Studios en México. Total Television dejó de producir después de 1969 cuando General Mills ya no quiso patrocinarlas.
Muchas de las series de televisión animadas estadounidenses de la década de 1960 a 1980 se basaron en personajes y formatos que ya habían demostrado ser populares en otros medios. UPA produjo The Dick Tracy Show (1961-1962), basado en cómics. Filmation , activa de 1962 a 1989, creó pocos personajes originales, pero muchas adaptaciones de DC Comics , series de televisión de acción real (incluyendo Lassie's Rescue Rangers (1973-1975) y Star Trek: The Animated Series ), algunas películas de acción real (incluyendo Journey to the Center of the Earth (1967-1969), y más ). Grantray-Lawrence Animation fue el primer estudio en adaptar superhéroes de Marvel Comics en 1966. Los grupos pop obtuvieron versiones animadas en The Beatles (1965-1966) y The Jackson 5ive (1971-1972) y The Osmonds (1972) de Rankin/Bass . Hanna-Barbera convirtió a los comediantes en personajes de dibujos animados con Laurel y Hardy (1966-1967) y The Abbott and Costello Cartoon Show (1967-1968). The Alvin Show (1961-1962) de Format Films fue un spin-off de una canción novedosa de 1958 y los cómics posteriores con versiones rediseñadas de Alvin y las Ardillas . Otras series contenían apropiaciones sin licencia. Por ejemplo, The Flintstones (1960-1966) de Hanna-Barbera se inspiró en la comedia de situación The Honeymooners y el creador Jackie Gleason consideró demandar a Hanna-Barbera, pero no quería ser conocido como "el tipo que sacó a Pedro Picapiedra del aire". [48]
Los Picapiedra fue la primera serie animada en horario de máxima audiencia y se volvió inmensamente popular; se mantuvo como la serie animada de televisión de cadena más longeva durante tres décadas. Hanna-Barbera obtuvo más éxitos con El show del oso Yogi (1960-1962), Los Supersónicos (1962-1963, 1985, 1987) y Scooby-Doo, ¿dónde estás? (1969-1970, seguida más tarde por otras series de Scooby-Doo).
Desde aproximadamente 1968, después del asesinato de Martin Luther King Jr. y luego de Robert F. Kennedy , y otros actos violentos que hicieron que el público se sintiera menos cómodo con la violencia en el entretenimiento, las cadenas contrataron censores para prohibir cualquier cosa considerada demasiado violenta o sugerente en la programación infantil. [49]
Además de las series de televisión regulares, hubo varios especiales de televisión animados (festivos) dignos de mención, comenzando con Mister Magoo's Christmas Carol (1962) de UPA, seguido unos años más tarde por otros ejemplos clásicos como la serie de especiales de Peanuts de Bill Melendez (1965-2011, basado en la tira cómica de Charles M. Schulz ) y How the Grinch robó la Navidad! (1966) de Chuck Jones, basado en la historia del Dr. Seuss .
Cambria Productions sólo utilizaba animación tradicional ocasionalmente y a menudo recurría a movimientos de cámara, movimientos en tiempo real entre celdas de primer plano y de fondo e integración de imágenes de acción real. El creador Clark Haas explicó: "No estamos haciendo dibujos animados. Estamos fotografiando 'movimiento motorizado' y, el mayor truco de todos, lo combinamos con imágenes de acción real... Las imágenes que Disney hace por 250.000 dólares, las hacemos por 18.000". [50] Su truco más famoso fue la técnica Syncro-Vox de superponer labios parlantes en las caras de los personajes de dibujos animados en lugar de animar bocas sincronizadas con el diálogo. Este sistema de impresión óptica había sido patentado en 1952 por el socio y camarógrafo de Cambria, Edwin Gillette , y se utilizó por primera vez para los populares anuncios de "animales parlantes". El método se utilizaría más tarde ampliamente para efectos cómicos, pero Cambria lo utilizó directamente en sus series Clutch Cargo (1959-1960), Space Angel (1962) y Captain Fathom (1965). Gracias a sus imaginativas historias, Clutch Cargo fue un éxito sorpresa. Su última serie, The New 3 Stooges (1965-1966), no utilizó Syncro-Vox. Contenía 40 nuevos segmentos de acción en vivo de los Tres Chiflados originales que se difundieron y repitieron a través de 126 segmentos de nueva animación (lo que en ocasiones hizo que la gente apagara su televisor cuando se repetían las imágenes en vivo, convencidos de que ya habían visto el episodio).
En el caso de Cien y un dálmatas (1961), los costes de producción se redujeron, gracias al proceso de xerografía que eliminó el proceso de entintado. Aunque los historiadores y los críticos suelen criticar el aspecto relativamente esquemático que produce el proceso de xerografía, los animadores de la época aceptaron la posibilidad de transferir sus dibujos directamente a la película terminada. Este período en Disney también coincidió con la maduración de los "Nueve viejos", un grupo muy unido de animadores a quienes Walt confió el desarrollo y la animación de las películas, especialmente a medida que Walt dedicaba cada vez más tiempo a la construcción de parques y otros proyectos. Los animadores suelen considerar este período de la historia del estudio como el más logrado en términos de dibujo y calidad general de la animación. Las animaciones, los diseños de personajes y las hojas de modelos de este período todavía se utilizan como referencia en las escuelas y estudios de animación en la actualidad. " Cien y un dálmatas " fue un éxito para el estudio, al igual que La espada en la piedra (1963), aunque con el paso de los años se ha convertido en una de las películas menos conocidas de Disney. En 1964 se estrenó la película híbrida de animación y acción real Mary Poppins (1964), que recibió 13 nominaciones a los premios Oscar, incluida la de Mejor Película. La película animada más importante de Disney en la década de 1960 fue El libro de la selva (1967), que fue un éxito de crítica y público. También fue la última película supervisada por Walt Disney antes de su muerte en 1966. Después del fallecimiento de Walt, el estudio entró en un período de largo declive. Liderados por los Nueve Ancianos, el estudio continuó produciendo películas que tuvieron el éxito suficiente para permitir la continuidad del estudio. A medida que los animadores veteranos comenzaron a envejecer, se introdujo un programa de capacitación para nutrir a la siguiente generación de talentos. La partida de Don Bluth privó al estudio de muchos veteranos y obligó a muchos animadores jóvenes a asumir mayores responsabilidades. A principios de la década de 1980, los Nueve Ancianos se habían retirado, muchos veteranos se habían ido y esta cohorte luchaba por mantener viable el estudio.
UPA produjo su primer largometraje , Las mil y una noches (1959) (protagonizado por Mr. Magoo como el tío de Aladino) para Columbia Pictures, con poco éxito. Lo intentaron de nuevo con Gay Purr-ee en 1962, estrenada por Warner Bros. Fue bien recibida por los críticos, pero fracasó en taquilla y sería el último largometraje que realizó el estudio.
La sentencia del Tribunal Supremo en el caso antimonopolio de Hollywood de 1948 prohibió las "reservas en bloque" en las que las películas de gran éxito se ofrecían exclusivamente a los propietarios de las salas de cine en paquetes junto con noticieros y dibujos animados o cortometrajes de acción real. En lugar de recibir un porcentaje razonable de un paquete, los dibujos animados cortos tenían que venderse por separado por los precios que los propietarios de las salas de cine estaban dispuestos a pagar por ellos. Los dibujos animados cortos eran relativamente caros y ahora podían eliminarse de la programación sin que la gente perdiera el interés en el largometraje principal, lo que se convirtió en una forma sensata de reducir los costos cuando cada vez más espectadores potenciales parecían quedarse en casa para ver películas en sus televisores. La mayoría de los dibujos animados tuvieron que volver a estrenarse varias veces para recuperar el presupuesto invertido. [51] [52] A finales de la década de 1960, la mayoría de los estudios habían dejado de producir dibujos animados para las salas de cine. Incluso Warner Bros. y Disney, con excepciones ocasionales, dejaron de producir dibujos animados cortos para el cine después de 1969. Walter Lantz fue el último de los productores de dibujos animados clásicos en darse por vencido cuando cerró su estudio en 1973.
DePatie–Freleng Enterprises , fundada por Friz Freleng y David H. DePatie en 1963 después de que Warner Bros. cerrara su departamento de animación, fue el único estudio que encontró un nuevo éxito con series cortas de dibujos animados para cine después de la década de 1950. Crearon Pink Panther en 1963 para los créditos de apertura y cierre de la serie de películas de acción en vivo The Pink Panther con Peter Sellers . Su éxito dio lugar a una serie de cortometrajes (1964-1980) y series de televisión (1969-1980). A Pink Panther le siguió el spin-off The Inspector (1965-1969), The Ant and the Aardvark (1969-1971) y un puñado de otras series de cine. The Dogfather (1974-1976) fue la última serie nueva, pero los dibujos animados de La Pantera Rosa aparecieron en los cines hasta 1980, poco antes de la desaparición del estudio en 1981. De 1966 a 1981, DePatie-Freleng también produjo muchas series de televisión y especiales.
Japón fue notablemente prolífico y exitoso con su estilo de animación, que se conoció en inglés inicialmente como Japanimation y luego como anime . En general, el anime se desarrolló con técnicas de animación limitadas que ponían más énfasis en la calidad estética que en el movimiento en comparación con la animación estadounidense. También aplica un enfoque relativamente "cinematográfico" con zoom, panorámicas, tomas dinámicas complejas y más atención a los fondos que eran fundamentales para crear una atmósfera.
El anime se transmitió por primera vez a nivel nacional por televisión en Japón en 1960. La exportación de películas de anime teatral comenzó aproximadamente al mismo tiempo. En unos pocos años, se hicieron varias series de televisión de anime que también recibirían distintos niveles de difusión en los Estados Unidos y otros países, comenzando con la muy influyente鉄腕アトム (Astro Boy) (1963), seguida porジャングル大帝 (Kimba the White). Lion) (1965–1966),エイトマン (8vo hombre) (1965),魔法使いサリー (Sally the Witch) (1966–1967) yマッハGoGoGo (Mach GoGoGo también conocido como Speed Racer) (1967).
El popular programa de televisión animado a nivel nacionalサザエさん / Sazae-san comenzó en 1969 y es el programa de televisión animado de mayor duración en el mundo según Guinness, con más de 2250 episodios. [53]
Antes de finales de los años 60, apenas se había producido ninguna animación para adultos . Una notable excepción fue el corto pornográfico Eveready Harton en Buried Treasure (1928), presumiblemente realizado por animadores famosos para una fiesta privada en honor a Winsor McCay, y que no se proyectó públicamente hasta finales de los años 70. Después de 1934, el código Hays dio a los cineastas de los Estados Unidos poco margen de maniobra para estrenar material arriesgado, hasta que el código fue reemplazado por el sistema de clasificación de películas de la Motion Picture Association of America en 1968. Si bien la programación televisiva de animación había hecho que la mayoría de la gente pensara en ella como un medio para niños o entretenimiento familiar, las nuevas animaciones cinematográficas demostraron lo contrario.
Se podría decir que los matices filosóficos, psicológicos y sociológicos de los especiales de televisión de Peanuts estaban relativamente orientados a los adultos, mientras que los especiales también eran agradables para los niños. En 1969, el director Bill Mendelez expandió el éxito de la serie a los cines con A Boy Named Charlie Brown . La continuación teatral Snoopy Come Home (1972) fue un fracaso de taquilla, a pesar de las críticas positivas. Race for Your Life, Charlie Brown (1977) y Bon Voyage, Charlie Brown (and Don't Come Back!!) (1980) fueron las únicas otras películas de animación tradicional para cines de Peanuts , mientras que los especiales de televisión continuaron hasta 2011.
El auge de la contracultura anti-establishment a finales de los años 60 impactó a Hollywood desde el principio. En la animación, los sentimientos antibélicos estuvieron presentes en varios cortometrajes underground como Escalation (1968) de Ward Kimball (realizada independientemente de su empleo en Disney) y la parodia Mickey Mouse in Vietnam (1969). La parodia menos política Bambi meets Godzilla (1969) de Marv Newland, otro cortometraje underground para adultos, se considera un gran clásico y, según una encuesta a 1.000 personas que trabajan en la industria de la animación, se incluyó en The 50 Greatest Cartoons .
Según se informa, la popularidad de la psicodelia hizo que el relanzamiento de Fantasía de Disney en 1969 fuera popular entre los adolescentes y los estudiantes universitarios, y la película comenzó a generar ganancias. De manera similar, Alicia en el país de las maravillas de Disney se hizo popular con las proyecciones televisivas en este período y con su relanzamiento en cines en 1974.
También influenciado por la revolución psicodélica, el musical animado de los Beatles Yellow Submarine (1968) mostró a un público amplio cómo la animación podía ser muy diferente de los conocidos dibujos animados de televisión y las películas de Disney. Su diseño distintivo fue obra del director artístico Heinz Edelman . La película recibió un gran reconocimiento y demostraría ser influyente. Peter Max popularizó aún más un estilo visual similar en sus obras de arte.
Ralph Bakshi pensó que la idea de "hombres adultos sentados en cubículos dibujando mariposas flotando sobre un campo de flores, mientras los aviones estadounidenses lanzan bombas en Vietnam y los niños marchan por las calles, es ridícula". [54] Por lo tanto, creó un tipo de animación más sociopolítica, comenzando con Fritz the Cat (1972), basada en los cómics de Robert Crumb y fue el primer largometraje animado en recibir una clasificación X. La clasificación X se utilizó para promocionar la película y se convirtió en la película animada independiente más taquillera de todos los tiempos. El éxito de Heavy Traffic (1973) convirtió a Bakshi en el primero desde Disney en tener dos largometrajes animados financieramente exitosos seguidos. La película utilizó una mezcla artística de técnicas con fotografía fija como fondo en partes, una escena de acción en vivo de modelos con caras pintadas renderizadas en cinematografía negativa, una escena renderizada en una animación esquemática muy limitada que solo estaba parcialmente coloreada, dibujo detallado, metraje de archivo y la mayoría de los personajes animados en un estilo de dibujos animados consistente en todo, excepto los últimos diez minutos que se filmaron completamente como una película de acción en vivo estándar. Continuó experimentando con diferentes técnicas en la mayoría de sus siguientes proyectos. Sus siguientes proyectos Hey Good Lookin' (terminado en 1975, pero archivado por Warner Bros. hasta su lanzamiento en una versión ajustada en 1982) y Coonskin (1975, sufrió protestas contra su racismo percibido mientras lo satirizaba) tuvieron mucho menos éxito, pero recibieron más reconocimiento más tarde y se convirtieron en películas de culto.
Bakshi alcanzó un nuevo éxito con las películas de fantasía Wizards (1977) y El Señor de los Anillos (1978). Ambas utilizaron rotoscopia para escenas de batallas masivas. Para Wizards, la técnica se utilizó en material de archivo como una solución a los problemas presupuestarios y se representó en un estilo artístico psicodélico. Para El Señor de los Anillos se convirtió en un medio para crear un aspecto que Bakshi describió como "ilustración real en lugar de dibujos animados" para una película que quería que fuera fiel a la obra de Tolkien , con material de referencia filmado con actores disfrazados en España. La película para televisión más orientada a la familia El retorno del rey (1980) de Rankin/Bass y Topcraft a veces se considera una secuela no oficial después de que la segunda parte prevista por Bakshi no se hiciera, pero ya habían comenzado de forma independiente su adaptación de la historia en televisión con El Hobbit en 1977.
La imaginativa producción de ciencia ficción franco-checa La planta salvaje (1973) recibió el premio especial del jurado del Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 1973 , [55] y en 2016, fue clasificada como la 36.ª mejor película animada de todos los tiempos por la revista Rolling Stone . [56]
La producción británica Watership Down (película) (1978) fue un gran éxito internacional. Presentaba personajes animales que parecían más realistas que antropomórficos, sobre fondos de acuarela. A pesar de sus aspectos oscuros y violentos, fue considerada apta para todas las edades en el Reino Unido y clasificada como PG en los Estados Unidos.
La importación de anime ofrecía series animadas relativamente económicas, pero algunas emisoras europeas pensaban que la animación era algo para niños pequeños y programaban series de anime en consecuencia. Esto generó muchas críticas cuando algunos programas se consideraron demasiado violentos para los niños. [57] Las adaptaciones infantiles de historias europeas aseguraron mucho más éxito en Europa, con títulos populares comoアルプスの少女ハイジ (Heidi, la niña de los Alpes) (1974) yみつばちマーヤの冒険 (Maya the Honey Bee) (1975 ). ).
En Europa sólo había unos pocos estudios de animación activos y poner en marcha un nuevo estudio requería mucho tiempo, esfuerzo y dinero. Para los productores europeos interesados en series animadas, tenía sentido colaborar con estudios japoneses que pudieran proporcionar animación asequible de calidad relativamente alta. Entre las producciones resultantes de estos acuerdos se incluyen Barbapapa (Países Bajos/Japón/Francia 1973-1977), Wickie und die to starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky el vikingo) (Austria/Alemania/Japón 1974), Il était une fois... (Érase una vez...) (Francia/Japón 1978) y Doctor Snuggles (Países Bajos/Alemania Occidental/Japón/Estados Unidos 1979).
Los cortometrajes de animación se convirtieron en un medio para los festivales de cine en los que los animadores independientes mostraban su talento. Con los grandes estudios alejados de este campo, el premio de la Academia al mejor cortometraje de animación y las nominaciones de los años 70 y 80 solían recaer en artistas relativamente desconocidos.
La Linea (Italia 1971, 1978, 1986) es una popular serie de animación cuyo personaje principal es parte de una línea blanca recta que corre horizontalmente por la pantalla.
El animador soviético/ruso Yuri Norstein "es considerado por muchos no sólo el mejor animador de su época, sino el mejor de todos los tiempos", según Peter Finn. [58] Lanzó un puñado de cortometrajes premiados en la década de 1970:
Norstein trabaja desde 1981 en The Overcoat ( Шинель ) y participó en Winter Days (冬の日, 2003) .
Aunque la combinación de música y animación tiene una larga tradición, pasó algún tiempo antes de que la animación se convirtiera en parte de los videos musicales después de que el medio se convirtió en un género apropiado a mediados de la década de 1970.
Halas y Batchelor produjeron un video animado para Love Is All (1974) de Roger Glover, que se transmitió internacionalmente durante décadas, a menudo como un programa intersticial .
El video musical Welcome to the Machine de Pink Floyd de 1977 , animado por Gerald Scarfe, inicialmente solo se usó como fondo para presentaciones en conciertos.
Accidents Will Happen (1979), de Elvis Costello , fue una producción de Annabelle Jackel y Rocky Morton, conocidos por sus comerciales animados. A pesar de una recepción inicialmente tibia, [61] el video ha recibido desde entonces elogios.
Roger Mainwood y John Halas crearon un video musical animado para Autobahn de Kraftwerk en 1979. [62] El cortometraje documental sin palabras Making it move... mostró el proceso de producción. [63]
Oscar Grillo realizó una caricatura de Seaside Woman de Linda McCartney y ganó una Palma de Oro al Mejor Cortometraje en el Festival de Cannes de 1980. [64]
La animación para la programación de la televisión estadounidense de los sábados por la mañana se había vuelto convencional a finales de los años 1970, basándose en dibujos animados más antiguos y personajes de tiras cómicas (Superfriends, Scooby Doo, Popeye) [65] La demanda de más contenido de dibujos animados surgió con la desregulación de los dibujos animados infantiles por parte de la administración Reagan, que permitió un horario matutino y vespertino en canales de UHF y cable ahora dirigidos a los niños. [66] Los dibujos animados que reflejaban acción, fantasía y ciencia ficción eran comunes, con narrativas más complejas que los dibujos animados de la década anterior. Varias series de televisión animadas populares de esta época se basaron en líneas de juguetes, entre ellas He -Man and the Masters of the Universe (1983-1985) de Mattell y GI Joe ( 1983-1986 ), The Transformers (1984-1987) y My Little Pony (1986-1987) de Hasbro. Otros dibujos animados se basaron en cómics de superhéroes, personalidades de la televisión (Garry Coleman, Chuck Norris, Mr. T), otros programas de acción en vivo (Alf, Punky Brewster), películas de acción o ciencia ficción para adultos (Robocop, Rambo, Los Cazafantasmas, Teen Wolf), videojuegos ( Pac-Man , Pole Position , Capitán N ) o literatura infantil ( The Littles , Berenstain Bears ). También se editaron y combinaron series de anime japonesas para cumplir con las pautas de transmisión estadounidenses ( Roboech , Force Five ).
En retrospectiva, se ha considerado que las películas de Disney atravesaron una época oscura en las décadas posteriores a la muerte de Walt Disney en 1966 (a pesar de una serie de éxitos de taquilla más constantes que durante las décadas en las que Walt estaba vivo). El fracaso de El caldero mágico (1985), realizada con un presupuesto ambicioso, fue un nuevo punto bajo. Tim Burton citó el fracaso de Disney a la hora de formar a nuevos animadores durante los años 60 y principios de los 70 como una de las razones de la decadencia, ya que Disney dependió en cambio de un grupo de veteranos que envejecían. [67]
Don Bluth , que había dejado Disney en 1979 junto con otros nueve animadores, empezó a competir con su antiguo empleador en el cine en 1982 con El secreto de NIMH . La película cosechó elogios de la crítica, pero sólo tuvo un éxito modesto en taquilla.
En comparación con la producción de animación estadounidense de principios de los años 80, las coproducciones internacionales parecían más imaginativas y prometedoras. Los Pitufos (1981-1989), producida por la empresa belga SEPP International de Freddy Monnickendam en colaboración con Hanna-Barbera, tuvo un gran éxito, y le siguieron Snorks (1984-1989) y Foofur (1986-1988). La producción de Bibifoc (Seabert) (1984-1988) de Bzz Films también estuvo a cargo de SEPP. Otras coproducciones internacionales notables incluyen Inspector Gadget (Francia/Estados Unidos, 1983) y El maravilloso mago de Oz (Canadá/Japón, 1986-1987).
En el Reino Unido, la exitosa serie de televisión Danger Mouse de Cosgrove Hall Films debutó en septiembre de 1981 y continuaría hasta 1992, recibiendo 11 nominaciones al BAFTA entre 1983 y 1987. También transmitida por Nickelodeon, la ingeniosa parodia del agente secreto con un ratón se hizo popular entre el público estadounidense joven y adulto y generó el spin-off Count Duckula (1988-1993).
El anime, junto con el manga impreso , había creado un enorme fandom en Japón y se convirtió en una parte importante de la cultura dominante del país. Entre los muchos géneros del anime, los mechas (ciencia ficción con robots gigantes) se volvieron particularmente icónicos. El manga impreso en particular entró en una época dorada durante la década de 1980, impulsado por series como Dragon Ball (1984-1995), y estas series recibieron adaptaciones de anime exitosas y de larga duración. El mercado relativamente nuevo del video doméstico creció mucho y la animación en video original (OVA) se convirtió en un medio muy apreciado, a menudo con producciones de mayor calidad que las realizadas para televisión (en contraste con los EE. UU., donde el video directo era principalmente un medio para lanzamientos que no se esperaba que fueran lo suficientemente populares como para justificar un lanzamiento en cines o una transmisión televisiva y, por lo tanto, a menudo se producían con un presupuesto mucho menor). Naturalmente, el medio OVA también era adecuado para el consumo de animación erótica y pornográfica. El primer lanzamiento erótico de OVA fue la serieロリータアニメ (Lolita Anime) de febrero de 1984 a mayo de 1985, seguida pronto por la serie Cream Lemon (agosto de 1984 - 2005). El género se hizo conocido internacionalmente como hentai y es famoso por contener a menudo temas perversos, incluido el sexo con menores de edad, el sexo con monstruos y el sexo con tentáculos (originalmente ideado como un medio para eludir las regulaciones de censura japonesas). Nuevas series de anime basadas en material europeo incluyeronニルスのふしぎな旅 (Las maravillosas aventuras de Nils) (1980-1981) yスプーンおばさん (Mrs. Pepper Pot) (1983-1984).
Las películas épicas de Hayao Miyazaki , Nausicaä del Valle del Viento (1984), basada en su manga, y El castillo en el cielo (1986), son regularmente elogiadas como algunas de las mejores películas animadas de todos los tiempos . El castillo en el cielo fue el primer largometraje de Studio Ghibli , fundado en 1985 por Miyazaki con Isao Takahata y otros. Studio Ghibli continuó su éxito con la película de Takahata sobre la Segunda Guerra Mundial火垂るの墓 (La tumba de las luciérnagas) (1988) y las icónicasとなりのトトロ (Mi vecino Totoro) (1988) y魔女の宅急便 (El servicio de entrega de Kiki) (1989) de Miyazaki .
A partir de mediados de la década de 1980, la animación estadounidense viviría un renacimiento. Esto se ha atribuido a una ola de talento que surgió del Instituto de las Artes de California , principalmente entre la cohorte que había estudiado allí en la década de 1970 con Marc Davis , un miembro de los Nueve Viejos que había influido en el lenguaje de la animación en las décadas de 1920 y 1930. En ese momento, muchos de los Nueve estaban en proceso de jubilación. Como broma interna, muchos estudiantes del aula A113 han insertado el código de la sala en sus películas, series de televisión, etc. en los años posteriores. Los estudiantes de A113 incluyen a Jerry Rees , John Lasseter , Tim Burton , Michael Peraza y Brad Bird . [67] Otros dos miembros de los nueve viejos, Ollie Johnston y Frank Thomas , publicaron La ilusión de la vida en 1981, un libro instructivo que ha sido votado como el mejor libro de animación de todos los tiempos e influyó en James Baxter entre otros animadores modernos. [68] [69]
En los cines, el éxito de Robert Zemeckis en acción real/animación ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) también evocó la calidad y la comedia alocada de la época dorada de los dibujos animados, con cameos de muchas de las superestrellas de esa época, incluidos Mickey, Minnie, Donald, Goofy, Betty Boop, Droopy, Woody Woodpecker y Bugs Bunny, Daffy Duck, Porky Pig, Tweety y Silvestre con la voz de Mel Blanc, además de personajes originales como Roger Rabbit , Jessica Rabbit , Baby Herman y Benny the Cab . La película ganó varios Oscar y ayudó a revivir el interés en la animación cinematográfica y los dibujos animados clásicos. El cortometraje completamente animado de Roger Rabbit Tummy Trouble (1989) luego se empaquetó con la comedia familiar de acción real Querida, encogí a los niños y se cree que ayudó al rápido comienzo de esa película en la taquilla. [70] En colaboración con Amblin Entertainment de Steven Spielberg , An American Tail (1986) de Bluth se convirtió en la película animada no Disney más taquillera de la época. En busca del valle encantado (1988) tuvo el mismo éxito, pero los siguientes cinco largometrajes de Bluth fueron un fracaso.
Mighty Mouse: The New Adventures (1987-1989) fue uno de los primeros programas de televisión animados que recuperó la calidad y originalidad de los dibujos animados estadounidenses. Fue producido por Ralph Bakshi y la primera temporada estuvo supervisada por John Kricfalusi , quien permitió mucha libertad artística a los animadores. En lugar de ser una repetición nostálgica de la serie original de Terrytoons, intentó recrear la calidad y el humor alocado de los clásicos de los Looney Tunes .
Los Simpsons de Matt Groening comenzó en abril de 1987 como un programa de comedia de segmentos cortos en formato de sketch, The Tracey Ullman Show , y luego se lanzó como una comedia de situación separada de media hora en horario estelar en diciembre de 1989. Se convirtió en uno de los mayores éxitos de dibujos animados de la historia y es la serie de televisión con guión de mayor duración en horario estelar de EE. UU .
Si bien los éxitos de El gran ratón detective (1986) y Oliver y su pandilla (1988) ya habían ayudado a que el estudio Disney volviera a la senda correcta, se encontraron con el éxito de taquilla récord La sirenita (1989). Una toma de la secuencia del arcoíris al final de La sirenita fue la primera pieza de animación de largometraje creada con el sistema CAPS ( Computer Animation Production System ) que Disney y Pixar habían ensamblado en colaboración. Este sistema de tinta y pintura digital reemplazó el costoso método de entintar y colorear celdas a mano y proporcionó a los cineastas nuevas herramientas creativas. En 1990, el auge de los éxitos animados se anunció como un regreso que podría rivalizar con la época dorada de los dibujos animados. [70]
El musical de rock de Bakshi American Pop (1981) fue otro éxito, se hizo principalmente con la técnica de rotoscopio en combinación con algunas acuarelas, gráficos de computadora, tomas de acción en vivo y material de archivo. Su siguiente película Fire and Ice (1983) fue una colaboración con el artista Frank Frazetta . Fue una de las muchas películas del género de espada y brujería lanzadas después del éxito de Conan the Barbarian (1982) y The Beastmaster (1982). Los críticos apreciaron las imágenes y las secuencias de acción, pero no su guion y la película fracasó en taquilla. Después de no poder hacer despegar varios proyectos, Bakshi se retiró durante unos años.
La exitosa película canadiense Heavy Metal (1981) se basó en cómics publicados en la popular revista Heavy Metal y fue coproducida por su fundador. Las críticas fueron variadas y consideraron que la película era desigual, infantil y sexista. Finalmente, en 2000, le siguió Heavy Metal 2000, que tuvo una mala acogida , y en 2019 se reimaginó como la serie de Netflix Love, Death & Robots .
La película de rock oscuro Pink Floyd – The Wall (1982) contenía 15 minutos de segmentos animados del dibujante británico Gerald Scarfe , quien ya había diseñado material gráfico relacionado para el álbum de 1979 y la gira de conciertos de 1980-81 . Parte del material animado de la película se utilizó previamente para el video musical de 1979 de " Another Brick in the Wall: Part 2 " y para la gira. Scarfe también había hecho animaciones para la gira In the Flesh de Pink Floyd de 1977 .
La exitosa película británica sobre el desastre nuclear When the Wind Blows (1986) mostraba personajes dibujados a mano sobre fondos reales y objetos en stop-motion.
El violento anime ciberpunk postapocalíptico Akira (1988) ganó cada vez mayor popularidad fuera de Japón y ahora es ampliamente considerado como un clásico.
MTV se lanzó en 1981 y popularizó aún más el medio del video musical, lo que permitió una expresión artística y técnicas creativas relativamente libres, ya que todos los involucrados querían que su video se destacara. Muchos de los videos musicales más famosos de la década de 1980 presentaban animación, a menudo creada con técnicas que diferían de la animación estándar de celuloide. Por ejemplo, el icónico video de Sledgehammer (1986) de Peter Gabriel presentó animación con plastilina , pixelación y stop motion de Aardman Animations y Brothers Quay .
El video de A-ha " Take On Me " (1985) combinó la acción en vivo con la animación realista a lápiz de Michael Patterson . El video fue dirigido por Steve Barron , quien también dirigiría el innovador video animado por computadora de Dire Straits " Money for Nothing " en el mismo año. El video de A-ha se inspiró en la película de graduación de CalArts de Alex Patterson, Commuter (1984), que había atraído la atención de los ejecutivos de Warner Bros. Records [61] y se volvería a utilizar en parte para el video Train of Thought de A-ha .
Patterson también dirigió Opposites Attract (1989) de Paula Abdul , con su creación animada MC Skat Kat .
" The Harlem Shuffle " (1986) de los Rolling Stones contó con elementos animados dirigidos por Ralph Bakshi y John Kricfalusi , creados en pocas semanas.
Los cortinillas originales del alunizaje en MTV fueron retirados a principios de 1986 a raíz del desastre del Challenger [71]. Luego, MTV impulsó su imagen posmoderna artística salvaje con una plétora de cortinillas experimentales, la mayoría de ellas animadas. [72] Los animadores generalmente no aparecían en los créditos, pero eran libres de trabajar en sus estilos identificables. Por ejemplo, el animador canadiense Danny Antonucci contribuyó anónimamente con un largometraje con su personaje Lupo el Carnicero al que se le permitía expresar sus divagaciones psicóticas.
A partir de 1987, MTV contaba con su propio departamento de animación y, poco a poco, comenzó a incorporar más animación entre su programación relacionada con la música. Microtoons de Bill Plympton es un ejemplo temprano.
Los primeros experimentos con ordenadores para generar imágenes en movimiento (abstractas) se habían llevado a cabo desde la década de 1940, pero no habían obtenido mucha atención hasta que los videojuegos comerciales de arcade comenzaron a comercializarse a principios de la década de 1970. Pong (1972) de Atari, Inc. , con gráficos en blanco y negro bidimensionales muy simples, y Space Invaders de Taito se convirtieron en grandes éxitos que allanaron el camino para un medio que puede considerarse una rama interactiva de la animación por ordenador . Desde 1974, se ha organizado la convención anual SIGGRAPH para demostrar los desarrollos y las nuevas investigaciones en el campo de los gráficos por ordenador (incluido CGI ), pero la animación por ordenador rara vez se había visto en la televisión o en las salas de cine (con notables excepciones de algunas demostraciones de modelos de estructura alámbrica en 3D como tecnologías futuristas vistas en las pantallas en algunas grandes producciones de Hollywood como Futureworld (1976) y Star Wars (1977)).
La animación por ordenador en 3D empezó a tener un impacto cultural mucho más amplio durante la década de 1980, como se demostró, por ejemplo, en la película Tron de 1982 y en el vídeo musical Money for Nothing (1985) de Dire Straits. El concepto incluso dio origen a un popular personaje de IA animado en 3D : Max Headroom (presentado en 1985).
Durante la década de 1980, la animación por computadora también se convirtió en un medio relativamente común para crear gráficos en movimiento para logotipos y texto en comerciales de televisión y secuencias de títulos de películas .
En la década de 1990, Disney lanzó numerosas películas que tuvieron éxito tanto de crítica como comercial, volviendo a alturas no vistas desde su apogeo de la década de 1930 a 1960. El período de 1989 a 1999 ahora se conoce como el Renacimiento de Disney o la Segunda Edad de Oro y comenzó con el lanzamiento de La Sirenita (1989). Su éxito llevó a otros estudios cinematográficos importantes a establecer nuevas divisiones de animación como Amblimation , Fox Animation Studios o Warner Bros. Feature Animation para replicar el éxito de Disney al convertir sus películas animadas en musicales al estilo Disney. A los años 90 a veces se los conoce como la "Era del Renacimiento de la Animación" para la animación en su conjunto, incluidas tanto las películas animadas teatrales como las series de televisión de dibujos animados.
La Bella y la Bestia (1991) de Disney (la primera película animada en ser nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película ), Aladdin (1992) y El Rey León (1994) rompieron sucesivamente récords de taquilla. Pocahontas (1995) se estrenó con críticas mixtas de los críticos, pero fue un éxito financiero, recibió dos Premios de la Academia y fue bien recibida por los espectadores. Mulan (1998) y Tarzán (1999) no superaron a El Rey León como la película animada (tradicionalmente) más taquillera de todos los tiempos, pero la recepción de los espectadores y financiera de ambas películas fue exitosa y cada una recaudó más de $ 300 millones en todo el mundo. El jorobado de Notre Dame (1996) fue un éxito financiero en su momento, pero contenía temas muy oscuros y adultos y desde entonces se ha convertido en una de las películas menos conocidas de Disney, aunque tiene seguidores de culto. Sólo la secuela The Rescuers Down Under (1990) y Hércules (1997) no alcanzaron las expectativas de taquilla, pero ambas fueron bien recibidas entre los espectadores, al igual que las otras películas del Renacimiento de Disney.
Desde El regreso de Jafar en 1994 hasta Campanilla y la leyenda de la bestia de Nunca Jamás en 2015, Disney siguió produciendo secuelas de largometrajes de títulos exitosos, pero solo como lanzamientos directos a video a cargo de Walt Disney Studios Home Entertainment . En muchos sentidos, estas películas directas a video fueron similares a los remakes de acción real de Disney desde Alicia en el país de las maravillas (2010) en adelante.
El influyente programa de John Kricfalusi, The Ren & Stimpy Show (1991-1996), cosechó un gran reconocimiento. Durante su emisión inicial, fue el programa de televisión por cable más popular en los Estados Unidos. Aunque fue programado como una caricatura para niños, fue notoriamente controvertido por su humor negro , insinuaciones sexuales , chistes para adultos y valor de impacto . The Ren & Stimpy Show fue la tercera caricatura que se estrenó junto con Doug (1991-1994, 1996-1999) y Rugrats (1991-1994, 1997-2004) en el canal de televisión de pago Nickelodeon . Klasky Csupo , el estudio de animación detrás de Rugrats, produjo y animó programas que definieron una era para la cadena infantil, en los años 1990 y 2000. Una vez que el estudio cayó en el olvido en 2008, fue reemplazado por Frederator Studios , el estudio detrás de Los padrinos mágicos (2001-2006, 2009-2017). Frederator permaneció activo durante la mayor parte de la década de 2000 y la de 2010, antes de caer en el olvido en 2017.
Antes de 1991, Nickelodeon importaba dibujos animados de otros canales a su red, una práctica que sigue vigente. Ejemplos de dibujos animados importados a Nickelodeon son Angela Anaconda (1999-2001) de Fox Family Channel (con lanzamientos extranjeros), Wayside (2005, 2007-2008), del canal canadiense Teletoon y Growing Up Creepie (2006-2008) de Discovery Kids . El dibujo animado importado más exitoso al canal es PAW Patrol (2013-presente), de otra cadena canadiense Spin Master , que se encuentra en el subcanal de Nickeoldeon, Nick Jr. , donde los programas de esa estación están dirigidos a niños pequeños en lugar de niños o adolescentes . El dibujo animado nativo de Nickeoldeon más exitoso es Dora la Exploradora (2000-2019). Años antes del apogeo de Nick en los años 90, Nickelodeon lanzó el piloto (no emitido) de Video Dream Theatre en 1979 o 1980, y pronto fue seguido por dos intentos fallidos más de animación original, que fueron los pilotos emitidos de Christmas in Tattertown en 1988 y Nick's Thanksgiving Fest en 1989.
Estos primeros programas allanaron el camino para los Nicktoons posteriores , incluidos Rocko's Modern Life (1993-1996, 2019), Hey Arnold! (1996-2004, 2017), The Angry Beavers (1997-2001) y CatDog (1998-2001/2005). Inicialmente, el Nicktoon Rugrats , de larga duración, fue la franquicia insignia de Nickelodeon antes de ser superado por Bob Esponja (1999-presente) en 2004, cuando la cadena se renovó con el lanzamiento de la primera película de Bob Esponja .
El 13 de septiembre de 1993, Fox Kids emitió el primer episodio de Animaniacs (1993-1998, 2020-2023) y en 1999 se estrenó una película de Animaniacs llamada Wakko's Wish . De manera similar a The Ren & Stimpy Show , Animaniacs tenía humor adulto e insinuaciones. El enorme éxito de Los Simpson (1989-presente) y The Ren & Stimpy Show (1991-1996) impulsó series más originales y relativamente atrevidas, entre ellas South Park (1997-presente), King of the Hill (1997-2010), Padre de familia (1999-presente) y Futurama (1999-2003, 2008-2013, 2023-presente).
El uso de animación en MTV aumentó a medida que el canal comenzó a hacer más programas que no encajaban en el apodo de "televisión musical". Liquid Television (1991 a 1995) mostró contribuciones que fueron creadas principalmente por animadores independientes específicamente para el programa y generó los programas separados Æon Flux , Beavis and Butt-Head (1993-1997) así como Daria (1997-2002). Otras series de dibujos animados de la década de 1990 en MTV incluyeron The Head (1994-1996) y The Maxx (1995), ambas bajo el estandarte Oddities de MTV . En 2001, MTV cerró su departamento de animación, comenzó a subcontratar sus series animadas y, finalmente, importó programas de redes asociadas.
El canal de cable de 24 horas de Warner Brothers , Cartoon Network, se lanzó en los Estados Unidos el 1 de octubre de 1992 y pronto fue seguido por sus versiones internacionales . Originalmente, la programación consistía en dibujos animados clásicos de los catálogos anteriores de Warner Bros, MGM, Fleischer/Famous y Hanna-Barbera. De 1996 a 2003, se emitieron nuevas series originales como Cartoon Cartoons e incluyeron los populares títulos Dexter's Laboratory (1996-2003), Johnny Bravo (1997-2004), Cow and Chicken (1997-1999), I Am Weasel (1997-2000), The Powerpuff Girls (1998-2005), Ed, Edd n Eddy (1999-2009) y Courage the Cowardly Dog (1999-2002).
La animación televisiva para niños también continuó floreciendo en los Estados Unidos en otros canales de cable especializados como Disney Channel / Disney XD , PBS Kids y en franjas horarias sindicadas de la tarde. Ejemplos de dibujos animados de Disney en los años 90 son TaleSpin (1990-1991), Darkwing Duck (1991-1992), Goof Troop (1992, 1995, 2000), Aladdin (1994-1995, 1996), Gargoyles (1994-1997), Timon & Pumbaa (1995-1999), 101 Dalmatians (1997-1998), Pepper Ann (1997-2000) y Disney's Recess (1997-2001, 2003).
Disney Channel (propiedad de Disney Branded Television ), Nickelodeon (propiedad de Viacom , ahora conocida como Paramount Global ) y Cartoon Network (propiedad de Warner Bros. Animation ) dominaron la industria de la televisión animada. Estos tres canales se consideran los "tres grandes" del entretenimiento infantil incluso hoy en día, pero especialmente en la década de 1990.
Durante la década de 1990, la animación 3D se volvió cada vez más común, especialmente en los videojuegos, y finalmente tuvo un gran avance en 1995 con el éxito cinematográfico de Pixar , Toy Story .
La animación 3D más o menos fotorrealista se ha utilizado para efectos especiales en algunos anuncios y películas desde la década de 1980, antes de que se vieran efectos innovadores en Terminator 2: el juicio final (1991) y Jurassic Park (1993). Desde entonces, las técnicas han evolucionado hasta el punto de que la diferencia entre la cinematografía generada por computadora y la de la vida real rara vez es obvia. Los cineastas pueden combinar ambos tipos de imágenes a la perfección con la cinematografía virtual . Matrix (1999) y sus dos secuelas suelen considerarse películas innovadoras en este campo.
La creación de mundos virtuales permite la animación en tiempo real en la realidad virtual , un medio con el que se viene experimentando desde 1962 y que empezó a ver aplicaciones de entretenimiento comercial en la década de 1990.
El lanzamiento de la World Wide Web aumentó el interés en los gráficos en movimiento y la animación por computadora, generando muchas aplicaciones, técnicas y mercados nuevos para lo que se conoció como nuevos medios .
Tras el éxito de Toy Story (1995) de Pixar y Shrek (2001) de DreamWorks Animation , la animación por ordenador se convirtió en la técnica de animación dominante en Estados Unidos y en muchos otros países. Incluso la animación que parecía tradicional se creaba a menudo íntegramente con ordenadores, con la ayuda, por ejemplo, de técnicas de cel- shading para replicar el aspecto deseado de la animación tradicional (el cel-shading en tiempo real se introdujo por primera vez en 2000 por Jet Set Radio de Sega para su consola Dreamcast ). En 2004, todavía se creaban pequeñas producciones con técnicas tradicionales.
Las primeras décadas del siglo XXI también vieron cómo las películas en 3D se volvían populares en los cines. El proceso de producción y el estilo visual de las imágenes generadas por computadora se prestan perfectamente a la visualización en 3D, mucho más que los estilos y métodos de animación tradicionales. Sin embargo, muchas películas animadas tradicionalmente pueden ser muy efectivas en 3D. Disney lanzó con éxito una versión en 3D de El rey león en 2011, seguida de La bella y la bestia en 2012. Una versión en 3D planeada de La sirenita se canceló cuando La bella y la bestia y dos títulos de Pixar convertidos a 3D no tuvieron el éxito suficiente en la taquilla. [73]
Disney comenzó a producir sus propios largometrajes animados por computadora en estilo 3D con Dinosaur y Chicken Little , pero continuó haciendo largometrajes animados con apariencia tradicional: El emperador y sus locuras (2000), Atlantis: El imperio perdido (2001), Lilo y Stitch (2002), El planeta del tesoro (2002), Brother Bear (2003) y Home on the Range (2004).
El planeta del tesoro y Home on the Range fueron grandes fracasos con grandes presupuestos y parecía que Disney solo continuaría con la animación por computadora en 3D. El análisis financiero en 2006 demostró que Disney había perdido dinero en sus producciones de animación en los diez años anteriores. [74] Mientras tanto, las funciones CGI de Pixar funcionaron extremadamente bien. Para cambiar las cosas, Disney adquirió Pixar en 2006 y puso el control creativo de Pixar y Walt Disney Animation Studios en manos de John Lasseter de Pixar como parte del acuerdo. Los estudios seguirían siendo entidades legales separadas . Bajo Lasseter, el estudio Disney desarrolló proyectos de animación de estilo tradicional y de estilo 3D.
El cortometraje teatral How to Hook Up Your Home Theater (2007) probó si se podían usar nuevos procesos de animación sin papel para lograr una apariencia similar a los dibujos animados de los años 1940 y 1950, con Goofy regresando a su papel de " Everyman " en su primera aparición en solitario en 42 años.
La película de Ron Clements y John Musker La princesa y el sapo (2009) fue un éxito comercial y crítico moderado, pero no el éxito que esperaba el estudio para las películas tradicionales. Su aparente fracaso se atribuyó principalmente al uso de la palabra "princesa" en el título, lo que hizo que los posibles espectadores pensaran que era sólo para niñas y que estaba pasada de moda.
Winnie the Pooh (2011) recibió críticas favorables, pero fracasó en taquilla y fue el largometraje tradicional más reciente de Disney hasta la fecha, aunque el estudio ha declarado en 2019 y 2023 que están abiertos a propuestas de cineastas para futuros proyectos de largometrajes dibujados a mano. [75] [76] Frozen (2013) se concibió originalmente en el estilo tradicional, pero cambió a CGI 3D para permitir la creación de ciertos elementos visuales requeridos. Se convirtió en el mayor éxito de Disney en ese momento, superando tanto a El Rey León como a Toy Story 3 de Pixarcomo la película animada más taquillera de todos los tiempos , y ganando el primer Premio de la Academia del estudio a la mejor película animada.
La animación dibujada a mano siguió siendo muy popular fuera de los EE. UU., sobre todo en Japón, donde el anime de estilo tradicional siguió siendo la técnica dominante. La popularidad del anime siguió aumentando a nivel nacional, con un récord de 340 series de anime transmitidas por televisión en 2015, así como a nivel internacional, con un bloque dedicado a Toonami en Cartoon Network (1997-2008) y Adult Swim (desde 2012) y con servicios de transmisión como Netflix y Amazon Prime que otorgan licencias y producen una cantidad cada vez mayor de anime.
Studio Ghibli continuó su enorme éxito con Spirited Away (2001) de Miyazaki,ハウルの動く城 (Howl's Moving Castle) (2004),崖の上のポニョ (Ponyo) (2008) y風立ちぬ (The Wind Rises) (2013). y Hiromasa Yonebayashi借りぐらしのアリエッティ(El mundo secreto de Arrietty) (2010), todas recaudando más de 100 millones de dólares en todo el mundo y apareciendo entre las 20 películas de anime más taquilleras de todos los tiempos (a partir de 2024).かぐや姫の物語 (El cuento de la princesa Kaguya) (2013) de Takahata fue nominada al Oscar a la mejor película de animación y a muchos otros premios.
Makoto Shinkai dirigió君の名は。(Your Name) (2016, película de anime más taquillera de todos los tiempos a nivel internacional) y天気の子 (Weathering with You) (2019).
Aunque los tres grandes canales de dibujos animados de la década de 1990 declinaron un poco después de 2005, aún produjeron muchos programas nuevos. Los Nicktoons del siglo XXI incluyeron Invader Zim (2001-2006, 2019), Jimmy Neutron (2001, 2002-2006), ChalkZone (2002-2008), Avatar: The Last Airbender (2005-2008) y Catscratch (2005-2007). Muchos consideran que esta última caricatura es la última Nicktoon clásica . Después del apogeo del canal de 1991 a 2005, ha habido dibujos animados con seguidores de culto de los últimos años de Nickelodeon desde 2005 hasta la actualidad, incluidos Back at the Barnyard (2006, 2007-2011), The Mighty B! (2008-2011), la serie derivada de Avatar , La leyenda de Korra (2012-2014), Sanjay y Craig (2013-2016), Harvey Beaks (2015-2017), The Loud House (2016-presente), el spin-off de TLH, The Casagrandes (2019-2022, 2024). It's Pony (2020-2022), Glitch Techs (2020), Middlemost Post (2021-2022), Star Trek: Prodigy (2021-2022), Big Nate (2022-2024) y Rock Papper Scissors (2024-presente). Ejemplos de dibujos animados de CN del siglo XXI son Samurai Jack (2001-2004, 2017), Codename: Kids Next Door (2002-2008), Teen Titans (2003-2006), Ben 10 (2005-2008), Adventure Time (2010-2018), Un show más (2010-2017) y El increíble mundo de Gumball (2011-2019). Tras el Renacimiento de Disney, Disney ha producido Kim Possible (2002-2006, 2007), Phineas y Ferb (2007-2015), Gravity Falls (2012-2016), Star vs. las fuerzas del mal (2015-2019), La Guardia del León (2016-2019), DuckTales (2017-2021), Big City Greens (2018-presente), Amphibia (2019-2022) y The Owl House (2020-2023).
Después del trabajo pionero de J. Stuart Blackton , Segundo de Chomón y Arthur Melbourne-Cooper , el stop motion se convirtió en una rama de la animación que ha sido mucho menos dominante que la animación dibujada a mano y la animación por computadora. No obstante, ha habido muchas películas y series de televisión de stop-motion exitosas. Entre los animadores cuyo trabajo con marionetas animadas ha recibido el mayor reconocimiento se encuentran Wladyslaw Starewicz , George Pal y Henry Selick . Los títulos populares que utilizan arcilla animada incluyen Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and the Blue (1976), Pingu (1990-2000) y muchas producciones de Aardman Animations ( Morph (1977) y Wallace y Gromit (1989)).
En manos de cineastas influyentes como Jan Svankmajer y Brothers Quay , el stop motion ha sido considerado un medio altamente artístico.
Hasta que fue reemplazada en gran medida por los efectos animados por computadora, la animación stop motion también fue una técnica popular para los efectos especiales en películas de acción real. El pionero Willis O'Brien y su protegido Ray Harryhausen animaron muchos monstruos y criaturas para películas de acción real de Hollywood, utilizando modelos o marionetas con armaduras. En comparación, la animación dibujada a mano se ha combinado con relativa frecuencia con la acción real, pero generalmente de una manera obvia y a menudo utilizada como un truco sorprendente que combina un mundo "real" y un mundo de fantasía o de sueños. Solo en raras ocasiones se ha utilizado la animación dibujada a mano como efectos especiales convincentes (por ejemplo, en el clímax de Highlander (1986)).
Las técnicas de recorte se utilizaban con relativa frecuencia en las películas de animación hasta que la animación por celdas se convirtió en el método estándar (al menos en los Estados Unidos). Las primeras películas de animación, de Quirino Cristiani y Lotte Reiniger , eran animaciones con recortes.
Antes de 1934, la animación japonesa utilizaba principalmente técnicas de recorte en lugar de animación en celuloide, porque el celuloide era demasiado caro. [77] [78]
Como los recortes a menudo se dibujan a mano y algunas producciones combinan varias técnicas de animación, la animación de recortes a veces puede parecer muy similar a la animación tradicional dibujada a mano.
Aunque a veces se utiliza como un método de animación simple y barato en programas infantiles (por ejemplo, en Ivor the Engine ), la animación recortada ha seguido siendo un medio relativamente artístico y experimental en manos de cineastas como Harry Everett Smith , Terry Gilliam , John Korty y Jim Blashfield .
En la actualidad, la animación de estilo recortado se produce con frecuencia mediante computadoras , con imágenes escaneadas o gráficos vectoriales que reemplazan los materiales cortados físicamente. South Park es un ejemplo notable de la transición, ya que su episodio piloto se hizo con recortes de papel antes de cambiar al software de computadora . Las elecciones estilísticas similares y las mezclas con diferentes técnicas en la animación por computadora han hecho que sea más difícil diferenciar entre los estilos de animación "tradicional", recortada y Flash .
{{cite magazine}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )Bibliografía
{{cite book}}: |work=ignorado ( ayuda )Fuentes en línea