El manga , en el sentido de dibujos animados narrativos de varios paneles hechos en Japón , se originó a partir de dibujos animados de estilo euroamericano que aparecieron en publicaciones japonesas de finales del siglo XIX. [1] La forma de manga como cómics basados en globos de diálogo se originó más específicamente a partir de traducciones de tiras cómicas estadounidenses en la década de 1920; varios ejemplos tempranos de este tipo de manga se leen de izquierda a derecha, y el manga anterior a 1945 de mayor duración es la traducción japonesa de la tira cómica estadounidense Bringing Up Father . [2] El término manga comenzó a usarse a fines del siglo XVIII, aunque solo comenzó a referirse a varias formas de caricaturas en la década de 1890 y no se convirtió en una palabra común hasta alrededor de 1920.
Los historiadores y escritores sobre la historia del manga han descrito dos procesos amplios y complementarios que dieron forma al manga moderno. Sus puntos de vista difieren en la importancia relativa que atribuyen al papel de los eventos culturales e históricos posteriores a la Segunda Guerra Mundial frente al papel de la cultura y el arte japoneses de antes de la guerra, Meiji y pre-Meiji . Un punto de vista, representado por otros escritores como Frederik L. Schodt , Kinko Ito y Adam L. Kern, enfatiza la continuidad de las tradiciones culturales y estéticas japonesas, incluidas las últimas tres eras ; [3] [4] [5] [6] el otro punto de vista afirma que, durante y después de la ocupación de Japón por los aliados (1945-1952), el manga estuvo fuertemente influenciado por las influencias culturales de los estadounidenses , incluidos los cómics traídos a Japón por los soldados estadounidenses , y por imágenes y temas de la televisión, el cine y los dibujos animados estadounidenses (especialmente Disney ). [7] [3] Según Sharon Kinsella, la floreciente industria editorial japonesa ayudó a crear una sociedad orientada al consumo en la que gigantes editoriales como Kodansha podían moldear los gustos populares. [7]
Se dice que el manga se originó a partir de emakimono (rollos), Chōjū-jinbutsu-giga , que datan de los siglos XII y XIII. [8] [9] Durante el período Edo (1603-1867), otro libro de dibujos, Toba Ehon , incorporó el concepto de manga. [10] La palabra comenzó a usarse comúnmente a fines del siglo XVIII y principios del XIX, [11] con la publicación de obras como el libro ilustrado de Santō Kyōden Shiji no yukikai (1798), [12] [13] y Manga hyakujo de Aikawa Minwa (1814); esto también incluye los célebres libros Hokusai Manga (1814-1834) que contienen dibujos variados de los cuadernos de bocetos del famoso artista ukiyo-e Hokusai (1760-1849). [14] Kitazawa Rakuten (1876–1955) fue el primer artista en utilizar la palabra manga en el sentido moderno. [15] Se especula que otro ejemplo de la primera mitad del siglo XIX es Dehōdai mucharon [16] (1822) con grabados del artista Hiroshige , quien ilustró varios libros de este tipo entre 1820 y 1837. [17]
Los escritores destacan la continuidad de las tradiciones estéticas y culturales japonesas como algo central para la historia del manga. Entre ellos se incluyen Frederik L. Schodt, [3] [18] Kinko Ito, [4] Adam L. Kern, [5] [6] y Eric Peter Nash. [19] Schodt señala la existencia en el siglo XIII de pergaminos ilustrados como Chōjū-jinbutsu-giga que contaban historias en imágenes secuenciales con humor e ingenio. [3] Schodt también destaca las continuidades de estilo estético y visión entre el ukiyo-e, las xilografías shunga y el manga moderno (los tres cumplen los criterios de Eisner para el arte secuencial). [20] Si bien existen disputas sobre si Chōjū-jinbutsu-giga o Shigisan Engi Emaki fue el primer manga, ambos pergaminos datan del mismo período de tiempo. Sin embargo, otros como Isao Takahata , cofundador y director de Studio Ghibli , sostienen que no existe ningún vínculo entre los pergaminos y el manga moderno. [21]
Schodt y Nash ven un papel particularmente significativo para el kamishibai , una forma de teatro callejero donde los artistas itinerantes muestran imágenes en una caja de luz mientras narran la historia al público en la calle. [3] [19] El profesor Richard Torrance ha señalado similitudes entre el manga moderno y la novela popular de Osaka , escrita entre los años 1890 y 1940, y sostiene que el desarrollo de la alfabetización generalizada en el Japón Meiji y post-Meiji ayudó a crear audiencias para historias contadas en palabras e imágenes. [22] Ito también arraiga históricamente el manga en la continuidad estética con el arte pre-Meiji, pero ve su historia posterior a la Segunda Guerra Mundial como impulsada en parte por el entusiasmo del consumidor por las ricas imágenes y narrativas de la nueva tradición del manga en desarrollo. Describe cómo esta tradición ha producido constantemente nuevos géneros y mercados, por ejemplo, para el manga para niñas ( shōjo ) a fines de la década de 1960 y para los cómics para mujeres ( redisu ) en la década de 1980. [4]
Aunque los cómics orientales suelen mantenerse separados de la evolución de los cómics occidentales, y el arte del cómic occidental probablemente se originó en la Italia del siglo XVII, [23] Kern ha sugerido que los kibyōshi , libros ilustrados de finales del siglo XVIII, pueden haber sido los primeros cómics del mundo . [5] Estas narrativas gráficas comparten temas humorísticos, satíricos y románticos con el manga moderno. [5] Aunque Kern no cree que los kibyōshi fueran un precursor directo del manga, cree que la existencia de los kibyōshi apunta, no obstante, a una voluntad japonesa de mezclar palabras e imágenes en un medio popular de narración de historias. [6] El primer uso registrado del término manga para significar "imágenes caprichosas o improvisadas" proviene de esta tradición en 1798, que, como señala Kern, es anterior al uso popular de Hokusai Manga por varias décadas. [24] [25]
A finales del siglo XIX, cuando las revistas ilustradas para expatriados occidentales introdujeron en Japón las caricaturas satíricas de estilo occidental, se hicieron populares nuevas publicaciones tanto en estilo occidental como japonés. A finales de la década de 1890, empezaron a aparecer en Japón suplementos de cómics de periódicos de estilo americano, [26] así como algunas tiras cómicas estadounidenses. [27] En 1900, Rakuten publicó Jiji Manga en el periódico Jiji Shinpō , el primer uso de la palabra manga en su sentido moderno, [28] y donde, en 1902, comenzó la primera tira cómica japonesa moderna. [29] En la década de 1930, las tiras cómicas se publicaban por entregas en revistas mensuales de gran circulación para niñas y niños y se recopilaban en volúmenes de tapa dura. [30]
De manera similar, el escritor Charles Shirō Inoue ve el manga como una mezcla de elementos centrados en la imagen y la palabra, cada uno anterior a la ocupación aliada de Japón. En su opinión, el arte japonés centrado en la imagen, o "pictocéntrico", deriva en última instancia de la larga historia de compromiso de Japón con el arte gráfico chino; [ cita requerida ] mientras que el arte centrado en la palabra, o " logocéntrico ", como la novela, fue estimulado por las necesidades sociales y económicas de Meiji y el nacionalismo japonés de preguerra de una población unificada por un lenguaje escrito común. Ambos se fusionan en lo que Inoue ve como una simbiosis en el manga. [31]
Las raíces de la mirada de ojos abiertos comúnmente asociada con el manga se remontan a las ilustraciones de revistas shōjo publicadas a finales del siglo XIX y principios del XX (por ejemplo, Shōjo Gahō ). Los ilustradores más populares asociados con este estilo en ese momento fueron Yumeji Takehisa y Jun'ichi Nakahara , quienes, influenciados por su trabajo como creador de muñecas, dibujaron con frecuencia personajes femeninos con ojos grandes a principios del siglo XX. Esto tuvo una influencia significativa en el manga temprano, particularmente en el shōjo , evidente en el trabajo de influyentes artistas de manga como Macoto Takahashi y Riyoko Ikeda . [32]
Sin embargo, otros escritores (entre ellos, Takashi Murakami ) han hecho hincapié en los acontecimientos posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Murakami considera que la rendición de Japón y el bombardeo atómico de Hiroshima y Nagasaki han creado cicatrices duraderas en la psique artística japonesa, que, en esta visión, perdió su confianza previamente viril en sí misma y buscó consuelo en imágenes inofensivas y lindas ( kawaii ). [33] Sin embargo, Takayumi Tatsumi ve un papel especial para un transnacionalismo económico y cultural transpacífico que creó una cultura juvenil internacional posmoderna y compartida de dibujos animados, cine, televisión, música y artes populares relacionadas, que fue, para Tatsumi, el crisol en el que se han desarrollado los mangas modernos, [34] un ejemplo es Norakuro .
Para Murakami y Tatsumi, el transnacionalismo (o globalización ) se refiere específicamente al flujo de material cultural y subcultural de una nación a otra. [33] [34] En su uso, el término no se refiere a la expansión corporativa internacional, ni al turismo internacional, ni a las amistades personales internacionales transfronterizas, sino a las formas en que las tradiciones artísticas, estéticas e intelectuales se influyen mutuamente a través de las fronteras nacionales. [33] [34] Un ejemplo de transnacionalismo cultural es la creación de películas de Star Wars en los EE. UU., su transformación en manga por artistas japoneses y la comercialización del manga de Star Wars en los EE. UU. [35] Otro ejemplo es la transferencia de la cultura hip-hop de los EE. UU. a Japón. [36] La profesora Wendy Siuyi Wong también ve un papel importante para el transnacionalismo en la historia reciente del manga. [37]
Así, estos académicos consideran que la historia del manga implica continuidades y discontinuidades históricas entre el pasado estético y cultural a medida que interactúa con la innovación y el transnacionalismo posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
Los artistas japoneses posteriormente dieron vida a su propio estilo durante la ocupación (1945-1952) y los años posteriores a la ocupación (1952-1972), [38] cuando un Japón previamente militarista y ultranacionalista estaba reconstruyendo su infraestructura política y económica. [3] [Nota 1] Aunque las políticas de censura de la ocupación aliada prohibían específicamente el arte y la escritura que glorificaban la guerra y el militarismo japonés, esas políticas no impidieron la publicación de otros tipos de material, incluido el manga. Además, la Constitución japonesa de 1947 (artículo 21) prohibía todas las formas de censura, [39] lo que llevó al crecimiento de la creatividad artística. [3] A la vanguardia de este período se encuentran dos series de manga y personajes que influyeron en gran parte de la historia futura del manga: Mighty Atom de Osamu Tezuka ( Astro Boy en los Estados Unidos; comenzado en abril de 1951) y Sazae-san de Machiko Hasegawa (comenzado en abril de 1946).
Astro Boy era a la vez un robot con superpoderes y un niño ingenuo. [40] Tezuka nunca explicó por qué Astro Boy tenía una conciencia social tan desarrollada ni qué tipo de programación robótica podría hacerlo tan profundamente afiliativo. [40] Ambas cualidades parecen innatas en Astro Boy y representan una sociabilidad japonesa y una masculinidad orientada a la comunidad, muy diferente del culto al Emperador y la obediencia militarista impuesta durante el período anterior del imperialismo japonés . [40] Astro Boy rápidamente se volvió (y sigue siendo) inmensamente popular en Japón y en otros lugares como un ícono y héroe de un nuevo mundo de paz y la renuncia a la guerra, como se ve en el Artículo 9 de la constitución japonesa recién creada. [39] [40] Temas similares ocurren en Nuevo Mundo y Metrópolis de Tezuka . [3] [40]
Por el contrario, Sazae-san (que significa "Sra. Sazae") fue fundada en 1946 por Hasegawa, una joven artista que hizo de su heroína una representación de millones de ciudadanos japoneses, especialmente mujeres, que se quedaron sin hogar por la guerra. [3] [41] Sazae no enfrenta una vida fácil o simple, pero, al igual que Astro Boy, es muy afiliativa y está profundamente involucrada con su familia inmediata y extensa. También es un personaje muy fuerte, en marcado contraste con los principios neoconfucianistas oficialmente sancionados de mansedumbre femenina y obediencia al ideal de " buena esposa, madre sabia " (良妻賢母, ryōsai kenbo ) enseñado por el régimen militar anterior. [42] [43] [44] Sazae enfrenta el mundo con alegre resiliencia, [41] [45] lo que el psicólogo Hayao Kawai llama una "mujer de resistencia". [46] Sazae-san vendió más de 62 millones de copias durante el siguiente medio siglo. [47]
Tanto Tezuka como Hasegawa fueron innovadores estilísticos. En la técnica "cinematográfica" de Tezuka, los paneles son como una película que revela detalles de la acción, bordeando la cámara lenta, así como los zooms rápidos desde la distancia hasta los primeros planos. [3] Más críticamente, sincronizó la colocación del panel con la velocidad de visualización del lector para simular imágenes en movimiento; este tipo de dinamismo visual fue ampliamente adoptado por los artistas de manga posteriores. [3] En la producción de manga, así como en la producción cinematográfica, dio paso a la escuela de pensamiento de que la persona que decide la asignación de paneles ( komawari ) es acreditada como autor, mientras que la mayoría de los dibujos son hechos por asistentes. El enfoque de Hasagawa en la vida cotidiana y las experiencias de las mujeres también llegó a caracterizar el manga shōjo posterior . [41] [45] [48]
En las décadas de 1950 y 1960, surgieron audiencias cada vez más grandes para el manga en Japón con la solidificación de sus dos principales géneros de marketing: el manga shōnen dirigido a los niños y el manga shōjo dirigido a las niñas. [49] Hasta 1969, el manga shōjo era dibujado principalmente por hombres adultos para lectoras jóvenes. [50]
Dos mangas para niñas escritos por hombres muy populares e influyentes de este período fueron Ribon no Kishi ( Princesa caballero ) de Tezuka de 1953-1956 y Mahōtsukai Sarī ( Sally la bruja ) de Mitsuteru Yokoyama de 1966. Ribon no Kishi trataba de las aventuras de la Princesa Zafiro de un reino de fantasía que había nacido con almas masculinas y femeninas, y cuyas batallas y romances con espadas difuminaban los límites de los roles de género que de otro modo serían rígidos. [3] Sarī, la heroína princesa preadolescente de Mahōtsukai Sarī, [Nota 2] vino de su hogar en las tierras mágicas para vivir en la Tierra, ir a la escuela y realizar una variedad de buenas acciones mágicas para sus amigos y compañeros de escuela. [51] Yokoyama fue influenciada por la serie de televisión estadounidense Bewitched , [52] pero a diferencia de Samantha (el personaje principal de Bewitched , una mujer casada con su propia hija), Sarī es una preadolescente que enfrenta los problemas de crecer y dominar las responsabilidades de la adultez venidera. Sally the Witch ayudó a crear el subgénero del manga mahō shōjo, o " chica mágica ", (que se hizo popular a principios del siglo XXI). [51] Ambas series fueron, y siguen siendo, muy populares.
En 1969, una variedad de mujeres artistas de manga, más tarde llamadas el Grupo del Año 24 (también conocido como Magnificent 24s ), hicieron su debut en el manga shōjo ("año 24" proviene del año Shōwa 24 en el calendario japonés , o 1949 en el calendario gregoriano , cuando nacieron algunas de estas artistas). [53] [54] El grupo incluía a Hagio Moto , Riyoko Ikeda , Yumiko Ōshima , Keiko Takemiya y Ryoko Yamagishi , [41] y marcaron la primera entrada importante de mujeres artistas en el manga. [3] [41] A partir de entonces, el manga shōjo sería dibujado principalmente por mujeres artistas para una audiencia de niñas y mujeres jóvenes. [3] [49] [50]
En 1971, Ikeda comenzó su inmensamente popular manga shōjo Berusaiyu no Bara ( La rosa de Versalles ), la historia de Oscar François de Jarjayes , una mujer travesti que fue capitana de la Guardia del Palacio de María Antonieta en la Francia prerrevolucionaria. [3] [41] [55] [56] Al final de la serie (que originalmente se desarrolló entre 1972 y 1973), Oscar muere como revolucionario al frente de una carga de sus tropas contra la Bastilla . Del mismo modo, el trabajo de Moto desafió los límites neoconfucianistas de Japón sobre los roles y actividades de las mujeres. [42] [43] [44] Su historia de ciencia ficción shōjo de 1975 , They Were Eleven , cuenta la historia de una joven cadete en una futura academia espacial. [57]
Estas mujeres también innovaron en las elecciones estilísticas de esta forma de arte. En su enfoque en las experiencias y sentimientos internos de la heroína, el manga shōjo son "poemas pictóricos" [58] con diseños delicados y complejos que a menudo eliminan por completo los bordes de los paneles para crear extensiones de tiempo prolongadas y no narrativas. [3] [41] [49] [50] [59] Las contribuciones del grupo en sus historias (personajes femeninos fuertes e independientes, intensa emotividad y diseño complejo) siguen siendo características del manga shōjo hasta el día de hoy. [48] [55]
En las décadas siguientes (1975-presente), el manga shōjo se desarrolló estilísticamente y al mismo tiempo evolucionó en subgéneros superpuestos. [60] Los principales subgéneros han incluido romance, superheroínas y "Ladies Comics" (en japonés, redisu (レディース), redikomi (レディコミ) y josei (女性 じょせい)), cuyos límites a veces son indistinguibles entre sí y del shōnen. manga. [18] [41]
En el romance manga shōjo moderno , el amor es un tema principal enmarcado en narrativas emocionalmente intensas de autorrealización. [61] La crítica japonesa de manga/ anime Eri Izawa define el romance como un símbolo de "lo emocional, lo grandioso, lo épico; el sabor del heroísmo, la aventura fantástica y la melancolía; el amor apasionado, la lucha personal y el anhelo eterno" enmarcados en narrativas imaginativas, individualistas y apasionadas. [62] Estos romances a veces son narrativas largas que pueden distinguir entre el amor falso y el verdadero, el manejo de las relaciones sexuales y el crecimiento en un mundo ambivalente; estos temas son heredados por versiones animadas posteriores de la historia. [49] [61] [63] Estos temas de "llegada a la edad adulta", o Bildungsroman , aparecen tanto en el manga shōjo como en el shōnen . [Nota 3] [64]
En el Bildungsroman , el protagonista debe lidiar con la adversidad y el conflicto. [64] Los ejemplos de conflicto romántico en el manga shōjo son comunes, como se exhibe en Peach Girl de Miwa Ueda , [65] [66] y Mars de Fuyumi Soryo . [67] Los ejemplos para lectores mayores incluyen Happy Mania de Moyoco Anno , [50] [68] Tramps Like Us de Yayoi Ogawa y Nana de Ai Yazawa . [69] [70] En otro dispositivo narrativo del Bildungsroman del manga shōjo , la joven heroína es transportada a un lugar o tiempo alienígena donde conoce a extraños y debe sobrevivir por su cuenta (incluidos They Were Eleven de Moto , [71] From Far Away de Kyoko Hikawa , [72] Fushigi Yûgi: The Mysterious Play de Yû Watase y World of the S&M (The World Exists For Me) de Be-Papas [73] ).
Otro recurso narrativo consiste en conocer a personas y seres inusuales o extraños; por ejemplo, Fruits Basket de Natsuki Takaya [74] —uno de los mangas shōjo más populares en los Estados Unidos [75] — cuya heroína huérfana Tohru debe sobrevivir viviendo en el bosque en una casa llena de personas que pueden transformarse en los animales del zodíaco chino . Este recurso también se utiliza en Crescent Moon de Harako Iida , donde la heroína Mahiru conoce a un grupo de seres sobrenaturales y descubre que ella también tiene una ascendencia sobrenatural cuando ella y un joven demonio tengu se enamoran. [76]
Con las superheroínas, el manga shōjo continuó rompiendo con las normas neoconfucianistas de mansedumbre y obediencia femenina. [18] [49] Sailor Moon ( Bishōjo Senshi Sēramūn : "Pretty Guardian Sailor Moon") de Naoko Takeuchi , una de las series de manga shōjo más vendidas de todos los tiempos, es una narrativa sostenida de 18 volúmenes sobre un grupo de jóvenes heroínas simultáneamente heroicas e introspectivas, activas y emocionales, así como obedientes y ambiciosas. [77] [78] La combinación resultó extremadamente exitosa, y Sailor Moon se volvió internacionalmente popular tanto en formato manga como anime. [77] [79] Otro ejemplo es Magic Knight Rayearth de CLAMP , cuyas tres jóvenes heroínas -Hikaru, Umi y Fuu- son transportadas mágicamente al mundo de Cefiro para convertirse en guerreras mágicas armadas y defenderlo de enemigos internos y externos. [80]
El subgénero de superheroínas también desarrolló ampliamente la noción de equipos ( sentai ) de chicas trabajando juntas, [81] que incluye a las "Sailor Senshi" en Sailor Moon , los Magic Knights en Magic Knight Rayearth y las chicas Mew Mew de Tokyo Mew Mew de Mia Ikumi . [82] Actualmente, la plantilla narrativa de superheroínas ha sido ampliamente utilizada y parodiada dentro de la tradición del manga shōjo (por ejemplo, Wedding Peach de Nao Yazawa [83] e Hyper Rune de Tamayo Akiyama [84] ), así como fuera de ella (por ejemplo, en comedias bishōjo como Galaxy Angel de Broccoli ) . [85]
A partir de mediados de la década de 1980, cuando las mujeres que leían manga shōjo cuando eran adolescentes maduraron, los artistas elaboraron subgéneros para adaptarse a su audiencia. [60] Este subgénero de "cómics para mujeres", o josei , ha tratado temas de la adultez joven: trabajos, las emociones y los problemas de las relaciones sexuales y las amistades o el amor entre mujeres. [86] [87] [88] [89]
El manga josei ( también llamado redisu) conserva muchas de las estilísticas narrativas del manga shōjo , con la principal diferencia de ser creado por (y para) mujeres adultas. [90] El manga y el arte redisu a menudo han sido (aunque no siempre) sexualmente explícitos, pero el contenido se ha caracterizado por ser narrativas temáticas de placer y excitación erótica combinadas con riesgo emocional. [18] [86] [87] Los ejemplos incluyen Luminous Girls de Ryō Ramiya , [91] Kinpeibai de Masako Watanabe [92] y el trabajo de Shungicu Uchida [93] Un subgénero del manga redisu trata sobre las relaciones emocionales y sexuales entre mujeres ( yuri ), [94] que se muestra en el trabajo de Erica Sakurazawa , [95] Ebine Yamaji , [96] y Chiho Saito . [97] También se han desarrollado otros subgéneros del manga redisu , por ejemplo, el manga de moda ( oshare ), como Paradise Kiss de Ai Yazawa [98] [99] y el manga de terror, vampiros y gótico, como Vampire Knight de Matsuri Hino , [100] Cain Saga de Kaori Yuki , [101] y DOLL de Mitsukazu Mihara , [102] que interactúan con la moda callejera, el juego de disfraces (" cosplay "), la música J-Pop y las subculturas góticas de diversas maneras. [103] [104] [105]
El manga para lectores masculinos se puede caracterizar de diferentes maneras. Una es por la edad de su público objetivo: chicos de hasta 18 años ( manga shōnen ) y hombres jóvenes entre 18 y 30 años ( manga seinen ). [106] Otro enfoque es por su contenido, un ejemplo es la acción y aventura que a menudo involucra héroes masculinos, humor físico, temas de honor y, a veces, sexo explícito. [107] [Nota 4] El japonés usa diferentes kanji para dos significados estrechamente relacionados de " seinen ": 青年 para "joven, joven"; el segundo se refiere al manga pornográfico dirigido a hombres adultos - 成年 para "adulto, mayoría" - también llamado manga seijin ("adulto", 成人). [108] [Nota 5] [109] El manga shōnen , seinen y seijin comparten una serie de características en común.
Los niños y los jóvenes estuvieron entre los primeros lectores de manga después de la Segunda Guerra Mundial. [110] A partir de la década de 1950, el manga shōnen se centró en temas que se pensaba que interesaban al niño arquetípico: temas de ciencia y tecnología como robots y viajes espaciales, y acción y aventuras heroicas. [111] [112] Las primeras narrativas del manga shōnen y seinen a menudo retrataban desafíos a las habilidades, destrezas y madurez del protagonista; enfatizaban la autoperfección, la autodisciplina austera, el sacrificio en la causa del deber y el servicio honorable a la sociedad, la comunidad, la familia y los amigos. [110] [113]
Los mangas con superhéroes disfrazados en solitario, como Superman , Batman y Spider-Man , no se volvieron populares como género shōnen . [110] Una excepción es Batman: Child of Dreams de Kia Asamiya , lanzado en Japón por Kodansha en 2000 y en los EE. UU. por DC Comics en 2003. Sin embargo, los antihéroes solitarios aparecen en Golgo 13 de Takao Saito y Lone Wolf and Cub de Kazuo Koike y Goseki Kojima . Golgo 13 cuenta la historia de un asesino, llamado "Golgo 13" entre otros alias , que pone sus habilidades al servicio de la paz mundial y otros objetivos sociales; [114] y Ogami Itto, el héroe espadachín de Lone Wolf and Cub , es un viudo que cuida a su hijo Daigoro mientras busca venganza contra los asesinos de su esposa. Sin embargo, Golgo e Itto siguen siendo hombres mortales a lo largo de sus historias, y ninguno de ellos muestra jamás superpoderes. En cambio, estas historias "viajan a los corazones y las mentes de los hombres" al permanecer en el plano de la psicología y la motivación humanas. [115]
Muchos manga shōnen tienen elementos de ciencia ficción y tecnología. Los primeros ejemplos en el subgénero de robots incluyen Astro Boy de Tezuka y Doraemon de Fujiko Fujio de 1969 sobre un gato robot y el niño con el que vive, que estaba dirigido a niños más pequeños. [116] El tema del robot evolucionó ampliamente, desde Tetsujin 28-gō de Yokoyama de 1956 a historias más complejas donde el protagonista no solo debe derrotar a los enemigos, sino también aprender a dominarse a sí mismo y cooperar con el mecha que controla. [117] Este nuevo arquetipo fue exhibido en Neon Genesis Evangelion de Yoshiyuki Sadamoto , donde Shinji lucha contra el enemigo y su padre; se repitió en The Vision of Escaflowne de Katsu Aki , donde Van no solo hace la guerra contra el imperio de Dornkirk, sino que debe lidiar con sus complejos sentimientos por Hitomi, la heroína.
Los temas deportivos son populares en el manga dirigido a lectores masculinos. [110] Estas historias enfatizan la autodisciplina, representando no solo la emoción de la competencia deportiva sino también los rasgos de carácter que el héroe necesita para trascender sus limitaciones y triunfar. [110] Los ejemplos incluyen el boxeo ( Tomorrow's Joe de Tetsuya Chiba de 1968-1973 [118] y One-Pound Gospel de Rumiko Takahashi de 1987 ) y el baloncesto ( Slam Dunk de Takehiko Inoue de 1990 [119] ).
Los escenarios sobrenaturales han sido una fuente de tramas de acción y aventuras en el shōnen (y algunos mangas shōjo ), en los que el héroe debe superar desafíos. A veces, el protagonista falla, como en Death Note de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata , donde Light Yagami recibe un cuaderno de un Dios de la Muerte ( shinigami ) que mata a cualquiera cuyo nombre esté escrito en él. En el manga shōjo , está The Demon Ororon de Hakase Mizuki , cuyo protagonista abandona su reinado demoníaco del Infierno para vivir (y morir) en la Tierra. A veces, los propios protagonistas son sobrenaturales, como el seinen Hellsing de Kouta Hirano ; habla del héroe vampiro Alucard que lucha contra nazis renacidos empeñados en conquistar Inglaterra. Sin embargo, el héroe también puede ser (o era) humano, luchando contra una serie cada vez mayor de enemigos sobrenaturales ( Fullmetal Alchemist de Hiromu Arakawa , Flame of Recca de Nobuyuki Anzai y Bleach de Tite Kubo ).
Las historias de acción y aventuras militares ambientadas en el mundo moderno (por ejemplo, sobre la Segunda Guerra Mundial) permanecieron bajo sospecha de glorificar la historia imperial de Japón [110] y no se han convertido en una parte significativa del repertorio del manga shōnen . No obstante, las historias sobre fantasía o aventuras militares históricas no fueron estigmatizadas, y el manga sobre guerreros heroicos y artistas marciales ha sido extremadamente popular. Algunos son dramas serios, como La leyenda de Kamui de Sanpei Shirato y Rurouni Kenshin de Nobuhiro Watsuki , mientras que otros contienen elementos fuertemente humorísticos, como Dragon Ball de Akira Toriyama .
Aunque existen historias sobre la guerra moderna y sus armas, a menudo tratan más de los problemas psicológicos y morales de la guerra que de la pura aventura de disparos. [110] Los ejemplos incluyen Who Fighter de Seiho Takizawa , una adaptación de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad que cuenta la historia de un coronel japonés renegado en la Birmania de la Segunda Guerra Mundial; The Silent Service de Kaiji Kawaguchi , sobre un submarino nuclear japonés; y el seinen Cat Shit One de Motofumi Kobayashi (lanzado como Apocalypse Meow en los EE. UU.) sobre la guerra de Vietnam contada en formato de animal parlante . Otros mangas orientados a la batalla y la lucha a veces se centran en conspiraciones criminales y de espionaje que debe superar el protagonista, como en Crying Freeman de Kazuo Koike y Ryoichi Ikegami , [120] City Hunter de Tsukasa Hojo y la serie shōjo From Eroica with Love de Yasuko Aoike , una historia de crimen y espionaje de larga duración que combina aventura, acción y humor (y otro ejemplo de cómo estos temas ocurren en todos los grupos demográficos).
Para los críticos de manga Koji Aihara y Kentaro Takekuma, [121] tales historias de batalla repiten sin cesar los mismos temas de violencia sin sentido, que ellos sardónicamente etiquetan como " Shish Kebob de trama de manga shonen ", donde las peleas siguen a las peleas como carne ensartada en un palo. [122] Otros comentaristas sugieren que las secuencias de lucha y la violencia en los cómics sirven como una salida social para impulsos que de otro modo serían peligrosos. [123] El manga shōnen y su guerrero extremo han sido parodiados, por ejemplo, en la comedia disparatada de Mine Yoshizaki Sgt. Frog (llamada Keroro Gunso en Japón), sobre un pelotón de ranas alienígenas holgazanas que invaden la Tierra y terminan aprovechándose de la familia Hinata en Tokio. [124]
En los primeros mangas shōnen , los hombres desempeñaban todos los papeles principales, y las mujeres solo tenían papeles secundarios como hermanas, madres y, ocasionalmente, novias. De los nueve cyborgs en Cyborg 009 de Shotaro Ishinomori de 1964 , solo una es mujer, y pronto desaparece de la acción. Algunos mangas shōnen recientes prácticamente omiten a las mujeres, por ejemplo, la historia de artes marciales Baki the Grappler de Keisuke Itagaki y la fantasía sobrenatural Sand Land de Akira Toriyama . Sin embargo, en la década de 1980, las niñas y las mujeres comenzaron a desempeñar papeles cada vez más importantes en el shōnen; por ejemplo, el personaje principal de Dr. Slump (1980) de Toriyama es la traviesa y poderosa niña robot Arale Norimaki .
El papel de las chicas y mujeres en el manga para lectores masculinos ha evolucionado considerablemente desde Arale. Una clase es la "chica hermosa" ( bishōjo ). [Nota 6] A veces la bishōjo es inalcanzable, pero generalmente es un objeto del interés emocional y sexual del héroe; un ejemplo es Belldandy de Oh My Goddess! de Kōsuke Fujishima , o Shaorin de Mamotte Shugogetten de Minene Sakurano . [125] En otras historias, el héroe está rodeado de tales chicas y mujeres, como en Negima! de Ken Akamatsu y Hanaukyo Maid Team de Morishige . [126] El protagonista masculino no siempre logra formar una relación con la bishōjo; por ejemplo, cuando Bright Honda y Aimi Komori no logran vincularse en Shadow Lady de Masakazu Katsura . En algunos casos, se representan o implican las actividades sexuales de una pareja exitosa, como en Outlanders de Johji Manabe . [127] Otras historias presentan a un héroe inicialmente ingenuo que luego aprende a tratar y vivir con mujeres emocional y sexualmente, como Yota en Video Girl Ai de Masakazu Katsura , Densha Otoko ("Train Man") en el seinen Densha Otoko de Hidenori Hara y Makoto en Futari Ecchi de Katsu Aki. [128] [129] En el manga erótico ( manga seijin ), a menudo llamado manga hentai en los EE. UU., Una relación sexual se da por sentado y se representa explícitamente, como en el trabajo de Toshiki Yui . [130] Otros ejemplos son Were-Slut de Jiro Chiba y Slut Girl de Isutoshi . [131] El resultado son varias representaciones de niños y hombres, desde ingenuos hasta muy acostumbrados sexualmente.
Las guerreras fuertemente armadas ( sentō bishōjo ) representan otra clase de chicas y mujeres en el manga para lectores masculinos. [Nota 7] Algunas sentō bishōjo son cyborgs de batalla, como Alita de Battle Angel Alita de Yukito Kishiro , Motoko Kusanagi de Ghost in the Shell de Masamune Shirow y Chise de Saikano de Shin Takahashi . Otras son humanas, como Attim M-Zak de Seraphic Feather de Hiroyuki Utatane , Karula Olzen de Drakuun de Johji Manabe y Alita Forland (Falis) de Murder Princess de Sekihiko Inui . [132]
En 2013, las leyes nacionales de censura y las ordenanzas locales siguen vigentes en Japón. La respuesta del público a la publicación de manga con contenido sexual o la representación de desnudez ha sido mixta. Las series tienen audiencia y se venden bien, pero su publicación también encuentra oposición. A principios de los años 90, la oposición resultó en la creación de listas de manga dañino y un cambio en la industria editorial. Para entonces, las grandes editoriales habían creado una demanda general de manga. Aun así, el resultado es que también eran susceptibles a la opinión pública en sus mercados. Frente a las críticas de ciertos segmentos de la población y bajo la presión de los grupos de la industria para autorregularse, las principales editoriales descontinuaron series, como Angel y 1+2=Paradise ; las editoriales más pequeñas, no tan susceptibles a estas fuerzas, pudieron llenar el vacío. [7] [133]
Con la relajación de la censura en Japón después de principios de la década de 1990, aparecieron varias formas de contenido sexual dibujado gráficamente en el manga destinado a lectores masculinos que, correspondientemente, ocurrieron en las traducciones al inglés. [109] Estas representaciones iban desde desnudez parcial a total, pasando por relaciones sexuales implícitas y explícitas, pasando por sadomasoquismo (SM), incesto , violación y, a veces , zoofilia (bestialidad). [134] En algunos casos, los temas de violación y lujuria-asesinato pasaron a primer plano, como en Urotsukidōji de Toshio Maeda [135] y Blue Catalyst (1994) de Kei Taniguchi. [136] Sin embargo, estos elementos extremos no son comunes en el manga. [137]
Gekiga se traduce literalmente como "imágenes dramáticas" y se refiere a una forma de realismo estético en el manga. [138] [139] La narración al estilo Gekiga tiende a ser emocionalmente oscura, orientada a los adultos y, a veces, profundamente violenta, centrándose en las realidades cotidianas de la vida y, a menudo, dibujada de manera cruda. [140] [141] La forma de arte surgió a fines de la década de 1950 y durante la década de 1960, en parte del activismo político de estudiantes y de clase trabajadora de izquierda, [138] [142] y en parte de la insatisfacción estética de jóvenes artistas de manga como Yoshihiro Tatsumi con el manga existente. [143] [144] Un ejemplo es Crónicas de los logros militares de un ninja ( Ninja Bugeichō ) (1959-1962) de Sanpei Shirato , la historia de Kagemaru, el líder de una rebelión campesina en el siglo XVI, que trataba directamente sobre la opresión y la lucha de clases. [145] Otro ejemplo es Satsuma Gishiden de Hiroshi Hirata , sobre levantamientos contra el shogunato Tokugawa . [146]
El gekiga puede considerarse el equivalente japonés de la cultura de la novela gráfica que se dio en Europa ( Hugo Pratt , Didier Comès y Jacques Tardi ), en los Estados Unidos ( Un contrato con Dios de Will Eisner , Maus de Art Spiegelman y las obras autobiográficas de Robert Crumb ) y en América del Sur ( Alberto Breccia y Héctor Germán Oesterheld ). Por esa razón, las editoriales de novelas gráficas típicas, como Drawn & Quarterly y Fantagraphics , comenzaron a publicar muchas versiones en inglés de los aspectos más destacados del gekiga japonés en los últimos años.
A medida que la protesta social de estos primeros años se desvaneció, el gekiga cambió de significado hacia un drama maduro y de conciencia social y la vanguardia . [139] [144] [147] Los ejemplos incluyen Lone Wolf and Cub de Koike y Kojima , [148] y el manga MW de Osamu Tezuka de 1976 , una amarga historia de las consecuencias del almacenamiento y posiblemente la liberación deliberada de gas venenoso por parte de las fuerzas armadas estadounidenses con base en Okinawa años después de la Segunda Guerra Mundial. [149] El gekiga y la conciencia social que encarna siguen vivos en el manga moderno. Un ejemplo es Ikebukuro West Gate Park (2001) de Ira Ishida y Sena Aritō, una historia de matones callejeros, violaciones y venganza ambientada en los márgenes sociales del rico distrito Ikebukuro de Tokio. [150]
{{cite journal}}: Requiere citar revista |journal=( ayuda ){{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link); Were-Slut , de Jirō Chiba. Eros Comix, Núms. 1-8, 2001-2002; «Copia archivada». Archivado desde el original el 24 de octubre de 2006. Consultado el 16 de enero de 2008 .{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link). Consultado el 28 de diciembre de 2007.{{cite book}}: CS1 maint: numeric names: authors list (link)