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La historia del arte asiático incluye una amplia gama de artes de diversas culturas, regiones y religiones de todo el continente asiático. Las principales regiones de Asia son el este , el sudeste , el sur , el centro y el oeste de Asia .
El arte de Asia oriental incluye obras de China, Japón y Corea, mientras que el arte del sudeste asiático incluye las artes de Brunei, Camboya, Timor Oriental, Indonesia, Laos, Malasia, Myanmar (Birmania), Filipinas, Singapur, Tailandia y Vietnam. El arte del sur de Asia abarca las artes del subcontinente indio , mientras que el arte de Asia central consiste principalmente en obras de los pueblos turcos de la estepa euroasiática . El arte de Asia occidental abarca las artes del Cercano Oriente , incluido el arte antiguo de Mesopotamia , y más recientemente dominado por el arte islámico .
En muchos sentidos, la historia del arte oriental es paralela al desarrollo del arte occidental . [1] [2] Las historias del arte de Asia y Europa están muy entrelazadas, y el arte asiático influye en gran medida en el arte europeo, y viceversa; las culturas se mezclaron a través de métodos como la transmisión del arte a través de la Ruta de la Seda , el intercambio cultural de la Era de los Descubrimientos y la colonización , y a través de Internet y la globalización moderna . [3] [4] [5]
Excluyendo el arte prehistórico , el arte de Mesopotamia representa las formas de arte más antiguas de Asia.
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La primera ocupación humana moderna en los difíciles climas del noreste de Asia se remonta a hace unos 40.000 años, y la cultura Yana, del norte de Siberia, a unos 31.000 a. C. Hacia el año 21.000 a. C., se desarrollaron dos culturas principales: la cultura Mal'ta y, un poco más tarde, la cultura Afontova Gora-Oshurkovo . [6]
La cultura Mal'ta , centrada en Mal'ta , en el río Angara , cerca del lago Baikal en el óblast de Irkutsk , en el sur de Siberia , creó algunas de las primeras obras de arte en el Paleolítico superior , con objetos como las figurillas de Venus de Mal'ta . Estas figuras consisten en la mayoría de los casos en marfil de mamut . Las figuras tienen unos 23.000 años de antigüedad y proceden del Gravetiense . La mayoría de estas estatuillas muestran ropas estilizadas. Muy a menudo se representa el rostro. [7] La tradición de que las estatuillas portátiles del Paleolítico superior son casi exclusivamente europeas, se ha sugerido que Mal'ta tenía algún tipo de conexión cultural y de culto con Europa durante ese período de tiempo, pero esto sigue sin resolverse. [6] [8]
El arte chino (en chino: 中國藝術/中国艺术) ha variado a lo largo de su historia antigua , dividida en períodos según las dinastías gobernantes de China y la tecnología cambiante. Diferentes formas de arte han recibido la influencia de grandes filósofos, maestros, figuras religiosas e incluso líderes políticos. El arte chino abarca las bellas artes , las artes populares y las artes escénicas . El arte chino es el arte, ya sea moderno o antiguo, que se originó o se practica en China o por artistas o intérpretes chinos.
En la dinastía Song , la poesía estuvo marcada por una poesía lírica conocida como Ci (詞) que expresaba sentimientos de deseo, a menudo en una persona adoptada. También en la dinastía Song, aparecieron pinturas de expresiones más sutiles de paisajes, con contornos borrosos y contornos de montañas que transmitían distancia a través de un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. Fue durante este período que en la pintura, se puso énfasis en los elementos espirituales en lugar de los emocionales, como en el período anterior. Kunqu , la forma existente más antigua de ópera china se desarrolló durante la dinastía Song en Kunshan , cerca de la actual Shanghái. En la dinastía Yuan , la pintura del pintor chino Zhao Mengfu (趙孟頫) influyó en gran medida en la pintura de paisajes china posterior, y la ópera de la dinastía Yuan se convirtió en una variante de la ópera china que continúa hoy en día como ópera cantonesa .
Pintura china
Gongbi y Xieyi son dos estilos de pintura en la pintura china.
Gongbi significa "meticuloso", los ricos colores y detalles de la imagen son sus principales características, su contenido representa principalmente retratos o narraciones. Xieyi significa "a mano alzada", su forma es a menudo exagerada e irreal, con énfasis en la expresión emocional del autor y generalmente se utiliza para representar paisajes. [9]
Además de papel y seda, también se han realizado pinturas tradicionales en las paredes, como las Grutas de Mogao en la provincia de Gansu. Las Grutas de Mogao de Dunhuang se construyeron en la dinastía Wei del Norte (386-534 d. C.). Consta de más de 700 cuevas, de las cuales 492 cuevas tienen murales en las paredes, con un total de más de 45.000 metros cuadrados. [10] [11] Los murales son muy amplios en contenido, incluyen estatuas de Buda, el paraíso, ángeles, eventos históricos importantes e incluso donantes. Los estilos de pintura en las primeras cuevas recibieron influencia de la India y Occidente. A partir de la dinastía Tang (618-906 d. C.), los murales comenzaron a reflejar el estilo de pintura chino único. [12]
Caligrafía china
La caligrafía china se remonta al Dazhuan (escritura de sello grande) que apareció en la dinastía Zhou . Después de que el emperador Qin unificara China, el primer ministro Li Si recopiló y compiló el estilo Xiaozhuan (escritura de sello pequeño) como el nuevo texto oficial. La escritura de sello pequeño es muy elegante pero difícil de escribir rápidamente. En la dinastía Han del Este , comenzó a surgir un tipo de escritura llamada Lishu (escritura oficial). Debido a que no revela círculos y muy pocas líneas curvas, es muy adecuada para la escritura rápida. Después de eso, apareció el estilo Kaishu (escritura regular tradicional), y como su estructura es más simple y ordenada, esta escritura todavía se usa ampliamente en la actualidad. [13] [14]
Jade
El jade primitivo se utilizaba como adorno o como utensilio de sacrificio. El objeto chino de jade tallado más antiguo apareció en la cultura Hemudu a principios del Neolítico (aproximadamente entre el 3500 y el 2000 a. C.). Durante la dinastía Shang (c. entre el 1600 y el 1046 a. C.), aparecieron el Bi (jade perforado circular) y el Cong (tubo de jade cuadrado), que se suponía que eran utensilios de sacrificio que representaban el cielo y la tierra. En la dinastía Zhou (1046-256 a. C.), debido al uso de herramientas de grabado de mayor dureza, los jades se tallaban con más delicadeza y comenzaron a usarse como colgante o adorno en la ropa. [15] [16] Se consideraba que el jade era inmortal y podía proteger a su propietario, por lo que los objetos de jade tallado a menudo se enterraban con el difunto, como un traje funerario de jade de la tumba de Liu Sheng, un príncipe de la dinastía Han occidental . [16] [17]
Porcelana
La porcelana es un tipo de cerámica hecha de caolín a alta temperatura. Las primeras cerámicas de China aparecieron en la dinastía Shang (c.1600–1046 a. C.), y la producción de cerámica sentó las bases para la invención de la porcelana. La historia de la porcelana china se remonta a la dinastía Han (206 a. C. – 220 d. C.). [18] En la dinastía Tang , la porcelana se dividía en porcelana celadón y porcelana blanca. En la dinastía Song , Jingdezhen fue elegida como el centro de producción de porcelana real y comenzó a producir porcelana azul y blanca. [19]
Después del final de la última dinastía feudal en China , con el surgimiento del nuevo movimiento cultural , los artistas chinos comenzaron a ser influenciados por el arte occidental y comenzaron a integrar el arte occidental en la cultura china. [20] Influenciado por el jazz estadounidense, el compositor chino Li Jinhui (conocido como el padre de la música pop china) comenzó a crear y promover música popular, que causó una gran sensación. [21] A principios del siglo XX, las pinturas al óleo se introdujeron en China, y cada vez más pintores chinos comenzaron a tocar las técnicas de pintura occidental y combinarlas con la pintura tradicional china. [22] Mientras tanto, una nueva forma de pintura, los cómics, también había comenzado a surgir. Fue popular entre muchas personas y se convirtió en la forma más asequible de entretenerse en ese momento. [23]
El arte tibetano se refiere al arte del Tíbet ( Región Autónoma del Tíbet en China) y otros reinos actuales y anteriores del Himalaya ( Bután , Ladakh , Nepal y Sikkim ). El arte tibetano es, ante todo, una forma de arte sagrado , que refleja la influencia dominante del budismo tibetano en estas culturas. El mandala de arena ( tibetano : kilkhor ) es una tradición budista tibetana que simboliza la naturaleza transitoria de las cosas. Como parte del canon budista , todas las cosas materiales se consideran transitorias. Un mandala de arena es un ejemplo de esto, ya que una vez que se ha construido y se terminan las ceremonias y la visualización que lo acompañan, se destruye sistemáticamente .
Cuando el budismo Mahayana surgió como una escuela separada en el siglo IV a. C., enfatizó el papel de los bodhisattvas , seres compasivos que renuncian a su escape personal al Nirvana para ayudar a los demás. Desde tiempos remotos, varios bodhisattvas también fueron sujetos del arte estatuario. El budismo tibetano, como descendiente del budismo Mahayana, heredó esta tradición. Pero la presencia dominante adicional del Vajrayana (o tantra budista) puede haber tenido una importancia primordial en la cultura artística. Un bodhisattva común representado en el arte tibetano es la deidad Chenrezig (Avalokitesvara), a menudo retratada como un santo de mil brazos con un ojo en el medio de cada mano, que representa al compasivo que todo lo ve y escucha nuestras peticiones. Esta deidad también puede entenderse como un Yidam , o 'Buda de la meditación' para la práctica del Vajrayana.
El budismo tibetano incluye el budismo tántrico , también conocido como budismo vajrayana por su simbolismo común del vajra , el rayo de diamante (conocido en tibetano como dorje ). La mayor parte del arte budista tibetano típico puede considerarse parte de la práctica del tantra. Las técnicas vajrayana incorporan muchas visualizaciones/imaginaciones durante la meditación, y la mayor parte del arte tántrico elaborado puede considerarse como una ayuda para estas visualizaciones; desde representaciones de deidades meditativas ( yidams ) hasta mandalas y todo tipo de instrumentos rituales.
Un aspecto visual del budismo tántrico es la representación común de deidades coléricas , a menudo representadas con rostros enojados, círculos de llamas o con los cráneos de los muertos. Estas imágenes representan a los Protectores ( Sct . dharmapala ) y su porte temible contradice su verdadera naturaleza compasiva. En realidad, su ira representa su dedicación a la protección de la enseñanza del dharma , así como a la protección de las prácticas tántricas específicas para prevenir la corrupción o la interrupción de la práctica. Se utilizan principalmente como aspectos psicológicos coléricos que pueden usarse para conquistar las actitudes negativas del practicante.
Los historiadores señalan que la pintura china tuvo una profunda influencia en la pintura tibetana en general. A partir del siglo XIV y XV, la pintura tibetana había incorporado muchos elementos de la china, y durante el siglo XVIII, la pintura china tuvo un impacto profundo y de largo alcance en el arte visual tibetano. [24] Según Giuseppe Tucci , en la época de la dinastía Qing, "se desarrolló un nuevo arte tibetano, que en cierto sentido era un eco provincial del preciosismo suave y ornamentado del siglo XVIII chino". [24]
El arte y la arquitectura japoneses incluyen obras de arte producidas en Japón desde los comienzos de la ocupación humana en ese país, en algún momento del décimo milenio a. C., hasta la actualidad. El arte japonés abarca una amplia gama de estilos y medios artísticos, incluida la cerámica antigua, la escultura en madera y bronce, la pintura con tinta sobre seda y papel y una gran variedad de otros tipos de obras de arte, desde la antigüedad hasta el siglo XXI contemporáneo.
La forma de arte alcanzó gran popularidad en la cultura metropolitana de Edo (Tokio) durante la segunda mitad del siglo XVII, y se originó con las obras de un solo color de Hishikawa Moronobu en la década de 1670. Al principio, solo se utilizaba tinta china , luego algunas impresiones se coloreaban manualmente con un pincel, pero en el siglo XVIII Suzuki Harunobu desarrolló la técnica de impresión policromada para producir nishiki-e .
La pintura japonesa (絵画, Kaiga ) es una de las artes japonesas más antiguas y refinadas , y abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que la historia de las artes japonesas en general, la historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas.
Los orígenes de la pintura en Japón se remontan al período prehistórico de Japón . Se pueden encontrar figuras de palitos simples y diseños geométricos en la cerámica del período Jōmon y en las campanas de bronce dōtaku del período Yayoi (300 a. C. - 300 d. C.) . Se han encontrado pinturas murales con diseños geométricos y figurativos en numerosos túmulos del período Kofun (300-700 d. C.).
La escultura japonesa antigua se originó principalmente en la adoración de ídolos en el budismo o en los ritos animistas de las deidades sintoístas . En particular, la escultura, entre todas las artes, llegó a estar más firmemente centrada en el budismo. Los materiales utilizados tradicionalmente eran el metal, especialmente el bronce , y, más comúnmente, la madera, a menudo lacada , dorada o pintada de colores brillantes. A fines del período Tokugawa , esa escultura tradicional, excepto las obras miniaturizadas, había desaparecido en gran medida debido a la pérdida del mecenazgo de los templos budistas y la nobleza.
Ukiyo , que significa "mundo flotante", se refiere a la impetuosa cultura joven que floreció en los centros urbanos de Edo (actual Tokio), Osaka y Kioto , que eran un mundo en sí mismos. Es una alusión irónica al término homófono "Mundo Doloroso" (憂き世), el plano terrenal de muerte y renacimiento del que los budistas buscaban liberarse.
El arte coreano se caracteriza por sus tradiciones en cerámica, música, caligrafía, pintura, escultura y otros géneros, a menudo marcados por el uso de colores llamativos, formas naturales, formas y escalas precisas y decoración de superficies.
Si bien existen diferencias claras y distintivas entre tres culturas independientes, existen similitudes e interacciones históricas significativas entre las artes de Corea , China y Japón.
El estudio y la apreciación del arte coreano todavía se encuentran en una etapa de formación en Occidente. Debido a la posición de Corea entre China y Japón, se consideraba a Corea como un mero conducto de la cultura china hacia Japón. Sin embargo, los estudiosos recientes han comenzado a reconocer el arte y la cultura únicos de Corea y su importante papel no solo en la transmisión de la cultura china, sino también en su asimilación y creación de una cultura única propia. Un arte creado y desarrollado por una nación es un arte en sí mismo.
En general, la historia de la pintura coreana se remonta aproximadamente al año 108 d. C., cuando apareció por primera vez como forma independiente. Entre esa época y las pinturas y frescos que aparecen en las tumbas de la dinastía Goryeo , ha habido poca investigación. Basta decir que hasta la dinastía Joseon la influencia principal fue la pintura china, aunque realizada con paisajes coreanos, rasgos faciales, temas budistas y un énfasis en la observación celestial en consonancia con el rápido desarrollo de la astronomía coreana.
A lo largo de la historia de la pintura coreana, ha habido una separación constante entre obras monocromáticas de pinceladas negras sobre papel, a menudo de morera o seda, y el colorido arte popular o min-hwa , artes rituales, pinturas de tumbas y artes festivas que hacían un uso extensivo del color.
Esta distinción se basaba a menudo en cuestiones de clase: los estudiosos, en particular en el arte confuciano , creían que se podía ver el color en las pinturas monocromáticas dentro de las gradaciones y que el uso real del color hacía que las pinturas resultaran más ásperas y restringía la imaginación. El arte popular coreano y la pintura de marcos arquitectónicos se consideraban como elementos que iluminaban ciertos marcos de madera exteriores, y nuevamente dentro de la tradición de la arquitectura china y las primeras influencias budistas de colores primarios y thalo ricos y profusos inspirados en el arte de la India .
Arte contemporáneo en Corea: El primer ejemplo de pintura al óleo de estilo occidental en el arte coreano fueron los autorretratos del artista coreano Ko Hu i-dong (1886-1965). Solo quedan tres de estas obras en la actualidad. Estos autorretratos transmiten una comprensión del medio que va mucho más allá de la afirmación de la diferencia estilística y cultural. A principios del siglo XX, la decisión de pintar con óleo y lienzo en Corea tuvo dos interpretaciones diferentes. Una de ellas fue una sensación de iluminación debido a las ideas y estilos artísticos occidentales. Esta iluminación se derivó de un movimiento intelectual de los siglos XVII y XVIII. Ko había estado pintando con este método durante un período de anexión de Corea por parte de Japón. Durante este tiempo, muchos afirmaron que su arte podría haber sido político, sin embargo, él mismo declaró que era un artista y no un político. Ko afirmó: "Cuando estaba en Tokio, ocurrió algo muy curioso. En ese momento había menos de cien estudiantes coreanos en Tokio. Todos estábamos disfrutando del aire nuevo y embarcándonos en nuevos estudios, pero hubo algunos que se burlaron de mi elección de estudiar arte. Un amigo cercano dijo que no era correcto que estudiara pintura en una época como aquella". [26]
La cerámica coreana se reconoció ya en el año 6000 a. C. Esta cerámica también se conocía como cerámica con patrón de peine debido a las líneas decorativas talladas en el exterior. Las primeras sociedades coreanas dependían principalmente de la pesca, por lo que utilizaban cerámica para almacenar pescado y otras cosas recolectadas del océano, como mariscos. La cerámica tenía dos distinciones regionales principales. Las de la costa este tienden a tener una base plana, mientras que la cerámica de la costa sur tenía una base redonda. [27]
La plata es un elemento popular en el arte de Brunei . Los plateros hacen adornos, floreros y gongs (discos de metal con un borde torneado que producen una nota resonante cuando se colocan). Otro utensilio popular es el pasigupan, un tipo de olla pequeña que tiene un estampado de mandala y contiene tabaco.
Las técnicas de tejido se han transmitido de generación en generación. Brunei produce telas para hacer vestidos y sarongs . "El tejido y la decoración de telas, así como su uso, exhibición e intercambio, han sido una parte importante de la cultura de Brunei durante años (Orr 96)". El tejido adquirió importancia en el siglo XV. Antonio Pigafetta visitó Brunei durante sus viajes y observó cómo se confeccionaban las prendas. Un ejemplo era un Jongsarat, una prenda hecha a mano que se usaba para bodas y ocasiones especiales. Por lo general, incluye un toque de plata y oro. Se puede usar para cubrir paredes.
Los dos tipos de ropa que se usan en Brunei se denominan Batik e Ikat . El batik es una tela de algodón teñida y decorada mediante una técnica conocida como teñido por resistencia a la cera . [28] El ikat se fabrica mediante un proceso similar al del batik. En lugar de teñir el patrón sobre la tela terminada, se crea durante el tejido.
El arte y la cultura camboyanos tienen una historia rica y variada que se remonta a muchos siglos y han sido fuertemente influenciados por la India . A su vez, Camboya influyó mucho en Tailandia , Laos y viceversa. A lo largo de la larga historia de Camboya, una fuente importante de inspiración fue la religión. A lo largo de casi dos milenios, los camboyanos desarrollaron una creencia jemer única a partir del sincretismo de las creencias animistas indígenas y las religiones indias del budismo y el hinduismo . La cultura y civilización indias, incluida su lengua y artes, llegaron al sudeste asiático continental alrededor del siglo I d. C. [29] En general, se cree que los comerciantes marineros trajeron las costumbres y la cultura indias a los puertos a lo largo del golfo de Tailandia y el Pacífico mientras comerciaban con China. El primer estado en beneficiarse de esto fue Funan . En varias épocas, la cultura camboyana también absorbió elementos de las culturas javanesa , china , lao y tailandesa . [30]
La historia de las artes visuales de Camboya se remonta a siglos atrás, a las artesanías antiguas; el arte jemer alcanzó su apogeo durante el período de Angkor . Las artes y artesanías tradicionales camboyanas incluyen textiles, tejidos no textiles , platería , tallado en piedra , lacado , cerámica , murales de wat y fabricación de cometas . [31] A partir de mediados del siglo XX, comenzó una tradición de arte moderno en Camboya, aunque a finales del siglo XX tanto las artes tradicionales como las modernas declinaron por varias razones, incluido el asesinato de artistas por parte de los Jemeres Rojos . El país ha experimentado un renacimiento artístico reciente debido al mayor apoyo de los gobiernos, las ONG y los turistas extranjeros. [32]
La escultura jemer se refiere a la escultura en piedra del Imperio Jemer , que gobernó un territorio que se encuentra en la actual Camboya, pero de mayor tamaño, desde el siglo IX hasta el XIII. Los ejemplos más célebres se encuentran en Angkor , que sirvió como sede del imperio.
En el siglo VII, la escultura jemer comienza a alejarse de sus influencias hindúes –pre-Gupta para las figuras budistas, Pallava para las figuras hindúes– y, a través de una constante evolución estilística, llega a desarrollar su propia originalidad, que en el siglo X puede considerarse completa y absoluta. La escultura jemer pronto va más allá de la representación religiosa, que se convierte casi en un pretexto para retratar a figuras de la corte bajo la apariencia de dioses y diosas. [33] Pero, además, también llega a constituir un medio y un fin en sí mismo para la ejecución del refinamiento estilístico, como una especie de campo de pruebas. Ya hemos visto cómo el contexto social del reino jemer proporciona una segunda clave para comprender este arte. Pero también podemos imaginar que, en un nivel más exclusivo, pequeños grupos de intelectuales y artistas estaban trabajando, compitiendo entre sí en maestría y refinamiento mientras perseguían una hipotética perfección del estilo. [34]
Los dioses que encontramos en la escultura jemer son los de las dos grandes religiones de la India, el budismo y el hinduismo . Y siempre están representados con gran precisión iconográfica, lo que indica claramente que sacerdotes doctos supervisaban la ejecución de las obras. [30] Sin embargo, a diferencia de aquellas imágenes hindúes que repiten un estereotipo idealizado, estas imágenes están tratadas con gran realismo y originalidad porque representan modelos vivos: el rey y su corte. La verdadera función social del arte jemer era, de hecho, la glorificación de la aristocracia a través de estas imágenes de los dioses encarnados en los príncipes. De hecho, el culto al “deva-raja” exigía el desarrollo de un arte eminentemente aristocrático en el que el pueblo debía ver la prueba tangible de la divinidad del soberano, mientras que la aristocracia se complacía en verse a sí misma –si es que, es cierto, en forma idealizada– inmortalizada en el esplendor de adornos intrincados, vestidos elegantes y joyas extravagantes. [35]
Las esculturas son imágenes admirables de dioses, presencias reales e imponentes, aunque no exentas de sensualidad femenina, que nos hacen pensar en personajes importantes de las cortes y personas de considerable poder. Los artistas que esculpieron las piedras sin duda satisfacían los objetivos y requisitos primarios exigidos por las personas que las encargaron. Las esculturas representan a la divinidad elegida a la manera ortodoxa y logran retratar, con gran habilidad y pericia, a altas figuras de las cortes en todo su esplendor, con atuendos, adornos y joyas de una sofisticada belleza. [36]
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Las primeras artes filipinas conocidas son las artes rupestres, donde la más antigua son los Petroglifos de Angono , realizados durante el Neolítico, datados entre 6000 y 2000 a. C. Las tallas posiblemente se usaron como parte de una antigua práctica curativa para niños enfermos. A esto le siguieron los Petroglifos de Alab , fechados no más tarde de 1500 a. C., que exhibían símbolos de fertilidad como una pudenda. Las artes rupestres son petrografías, incluido el arte rupestre de carbón de Peñablanca , el arte rupestre de carbón de Singnapan , el arte de hematita roja en Anda , [37] y el arte rupestre recientemente descubierto de Monreal (Ticao) , que representa monos, rostros humanos, gusanos o serpientes, plantas, libélulas y pájaros. [38] Entre 890 y 710 a. C., se fabricó el tarro de Manunggul en el sur de Palawan . Sirvió como un tarro de entierro secundario, donde la tapa superior representa el viaje del alma al más allá a través de un barco con un psicopompo . [39] En el año 100 a. C., las cuevas funerarias de momias de Kabayan fueron talladas en una montaña. Entre el 5 a. C. y el 225 d. C., se creó la cerámica antropomórfica Maitum en Cotabato. Las artesanías eran tarros de entierro secundarios, muchos de los cuales representaban cabezas, manos, pies y pechos humanos. [40]
En el siglo IV d. C., y probablemente antes de eso, los pueblos antiguos de Filipinas han estado construyendo barcos de guerra gigantes, donde las primeras evidencias arqueológicas conocidas se han excavado en Butuan , donde el barco fue identificado como un balangay y datado en el 320 d. C. [41] El artefacto más antiguo, actualmente encontrado, con una escritura en él es la Inscripción en placa de cobre de Laguna , fechada en el 900 d. C. La placa analiza el pago de una deuda. [42] El Sello de marfil de Butuan es el arte de marfil más antiguo conocido en el país, datado entre el siglo IX y XII d. C. El sello contiene tallas de una escritura antigua. [43] Durante este período, se fabricaron varios artefactos, como la imagen de Agusan , una estatua de oro de una deidad, posiblemente influenciada por el hinduismo y el budismo. [44] Del siglo XII al XV, se fabricó el Paleógrafo de plata de Butuan . La escritura en la plata aún no se ha descifrado. [45] Entre los siglos XIII y XIV, los nativos de Banton, Romblon, elaboraron la tela Banton , el tejido ikat más antiguo que se conserva en el sudeste asiático. La tela se usaba como manta mortuoria. [46] En el siglo XVI y hasta finales del siglo XIX, la colonización española influyó en varias formas de arte del país. [47]
Entre 1565 y 1815, los artesanos filipinos fabricaban los galeones de Manila utilizados para el comercio desde Asia hasta las Américas, donde muchos de los productos iban a Europa. [48] En 1565, la antigua tradición del tatuaje en Filipinas se registró por primera vez a través de los Pintados . [49] En 1584, se completó el Fuerte San Antonio Abad , mientras que en 1591, se construyó el Fuerte Santiago . En 1600, se hicieron las Terrazas de Arroz de las Cordilleras de Filipinas . Cinco grupos de terrazas de arroz han sido designados como Patrimonio de la Humanidad . [50] En 1607, se construyó la Iglesia de San Agustín (Manila) . El edificio ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad . El sitio es famoso por su interior pintado. [51] En 1613, la escritura suyat más antigua que sobrevive en papel fue escrita a través de los Documentos de la Universidad de Santo Tomás Baybayin . [52] Después de 1621, se crearon las Piedras de Monreal en Ticao, Masbate. [53] En 1680, se realizó el Arco de los Siglos . En 1692, se pintó la imagen de Nuestra Señora de la Soledad de Porta Vaga . [54]
La iglesia de Manaoag se estableció en 1701. En 1710, se construyó la iglesia de Paoay , declarada Patrimonio de la Humanidad . La iglesia es conocida por sus contrafuertes gigantes, parte de la arquitectura barroca sísmica. [51] En 1720, se realizaron las pinturas religiosas de Camarin de la Virgen en Santa Ana. [55] En 1725, se construyó la histórica iglesia de Santa Ana . En 1765, se construyó la iglesia de Santa María, declarada Patrimonio de la Humanidad . El sitio es notable por su estructura montañosa. [51] La iglesia de Bacarra se construyó en 1782. En 1783, se registraron por primera vez los idjangs , castillos-fortalezas, de Batanes. La edad exacta de las estructuras aún se desconoce. [56] En 1797, se construyó la iglesia de Miagao, declarada Patrimonio de la Humanidad . La iglesia es famosa por las tallas de su fachada. [51] La iglesia de Tayum fue construida en 1803. En 1807, se realizaron las pinturas de la Revuelta de Basi, que representan la revolución ilocana contra la interferencia española en la producción y el consumo de basi. En 1822, se estableció el histórico Parque Paco . En 1824, se creó el Órgano de Bambú Las Piñas , convirtiéndose en el primer y único órgano hecho de bambú. En 1852, se terminaron las pinturas de Arte Sacro de la Iglesia Parroquial de Santiago Apóstol . En 1884, tanto el Asesinato del Gobernador Bustamante y su Hijo como Spoliarium ganaron premios durante un concurso de arte en España. En 1890, se realizó la pintura, Alimentando al Pollo . La vida parisina fue pintada en 1892, mientras que La Bulaqueña fue pintada en 1895. La obra de arcilla El triunfo de la ciencia sobre la muerte fue realizada en 1890. [57] En 1891, se construyó la primera y única iglesia de acero en Asia, la iglesia de San Sebastián (Manila) . En 1894, se realizó la obra de arcilla La venganza de la madre . [58]
En el siglo XX, o posiblemente antes, se escribió el Corán de Bayang. Durante la misma época, unos forasteros descubrieron el Calendario Agrícola de Piedra de Guiday, Besao. En 1913 se completó el Monumento a Rizal . En 1927 se reconstruyó el edificio principal de la Universidad de Santo Tomás , mientras que en 1933 se construyó el edificio del Seminario Central. En 1931 se destruyó el palacio real Darul Jambangan de Sulu. [59] Ese mismo año se construyó el Teatro Metropolitano de Manila . Las pinturas El progreso de la medicina en Filipinas se terminaron en 1953. La iglesia de Santo Domingo se construyó en 1954. En 1962 se completó la pintura del Instituto Internacional de Investigación del Arroz , mientras que el Mural de Manila se hizo en 1968. En 1993 se creó el Monumento a Bonifacio . [55] [45]
El arte y la cultura de Indonesia han sido moldeados por una larga interacción entre las costumbres indígenas originales y múltiples influencias extranjeras. Indonesia es un centro en las antiguas rutas comerciales entre el Lejano Oriente y Oriente Medio, lo que da como resultado que muchas prácticas culturales estén fuertemente influenciadas por una multitud de religiones , incluido el hinduismo , el budismo , el confucianismo y el islam, todas ellas fuertes en las principales ciudades comerciales. El resultado es una mezcla cultural compleja muy diferente de las culturas indígenas originales. Indonesia no es generalmente conocida por sus pinturas, aparte de las intrincadas y expresivas pinturas balinesas , que a menudo expresan escenas naturales y temas de las danzas tradicionales.
Otras excepciones son los diseños de pintura de los indígenas kenianos basados en motivos naturales endémicos, como helechos, árboles, perros, cálaos y figuras humanas, que son comunes en las culturas austronesias y que todavía se pueden encontrar decorando las paredes de las casas comunales de los dayak kenianos en la región de Apo Kayan, en Kalimantan Oriental .
Indonesia tiene una larga Edad del Bronce y del Hierro , pero esta forma de arte floreció particularmente entre el siglo VIII y el siglo X, tanto como obras de arte independientes como también incorporadas a templos.
Lo más destacable son los cientos de metros de esculturas en relieve del templo de Borobudur , en Java central . Aproximadamente dos millas de exquisitas esculturas en relieve cuentan la historia de la vida de Buda e ilustran sus enseñanzas. El templo albergaba originalmente 504 estatuas del Buda sentado. Este sitio, como otros en Java central, muestra una clara influencia india.
La caligrafía, basada principalmente en el Corán , se utiliza a menudo como decoración, ya que el Islam prohíbe las representaciones naturalistas. Algunos pintores extranjeros también se han establecido en Indonesia . Los pintores indonesios modernos utilizan una amplia variedad de estilos y temas.
El arte balinés es un arte de origen hindú - javanés que surgió del trabajo de los artesanos del Reino Majapahit , con su expansión a Bali a finales del siglo XIII. Desde el siglo XVI hasta el siglo XX, el pueblo de Kamasan, Klungkung (Bali Oriental), fue el centro del arte clásico balinés. Durante la primera parte del siglo XX, se desarrollaron nuevas variedades de arte balinés. Desde finales del siglo XX, Ubud y sus pueblos vecinos establecieron una reputación como el centro del arte balinés. Ubud y Batuan son conocidos por sus pinturas, Mas por sus tallas de madera, Celuk por los orfebres y plateros, y Batubulan por sus tallas de piedra. Covarrubias [60] describe el arte balinés como "... un arte popular barroco altamente desarrollado, aunque informal, que combina la vivacidad campesina con el refinamiento del clasicismo de la Java hinduista, pero libre del prejuicio conservador y con una nueva vitalidad impulsada por la exuberancia del espíritu demoníaco del primitivo tropical". Eiseman señaló que el arte balinés en realidad está tallado, pintado, tejido y preparado en objetos destinados al uso cotidiano, más que como objeto de arte. [61]
En la década de 1920, con la llegada de muchos artistas occidentales, Bali se convirtió en un enclave artístico (como lo fue Tahití para Paul Gauguin ) para artistas de vanguardia como Walter Spies (alemán), Rudolf Bonnet (holandés), Adrien-Jean Le Mayeur (belga), Arie Smit (holandés) y Donald Friend (australiano) en años más recientes. La mayoría de estos artistas occidentales tuvieron muy poca influencia en los balineses hasta el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos relatos enfatizan demasiado la presencia occidental a expensas del reconocimiento de la creatividad balinesa.
Este período innovador de creatividad alcanzó su punto máximo a fines de la década de 1930. Una corriente de visitantes famosos, incluidos Charlie Chaplin y los antropólogos Gregory Bateson y Margaret Mead , alentaron a los talentosos lugareños a crear obras muy originales. Durante su estadía en Bali a mediados de la década de 1930, Bateson y Mead recolectaron más de 2000 pinturas, predominantemente del pueblo de Batuan, pero también del pueblo costero de Sanur. [62] Entre los artistas occidentales, a menudo se les atribuye a Spies y Bonnet la modernización de las pinturas tradicionales balinesas. A partir de la década de 1950, los artistas balineses incorporaron aspectos de la perspectiva y la anatomía de estos artistas. [63] Más importante aún, actuaron como agentes de cambio al alentar la experimentación y promover desviaciones de la tradición. El resultado fue una explosión de expresión individual que aumentó la tasa de cambio en el arte balinés.
El arte laosiano incluye cerámica , escultura budista laosiana y música laosiana .
Las esculturas budistas laosianas se crearon en una gran variedad de materiales, incluidos oro, plata y, con mayor frecuencia, bronce . El ladrillo y el mortero también se utilizaron como material para imágenes colosales, la más famosa de las cuales es la imagen de Phya Vat (siglo XVI) en Vientiane , aunque una renovación alteró por completo la apariencia de la escultura y ya no se parece a un Buda laosiano. La madera es popular para las pequeñas imágenes votivas budistas que a menudo se dejan en cuevas. La madera también es muy común para las imágenes grandes y de tamaño natural del Buda. Las dos esculturas más famosas talladas en piedra semipreciosa son el Phra Keo (El Buda de Esmeralda ) y el Phra Phuttha Butsavarat. El Phra Keo, que probablemente sea de origen Xieng Sen ( Chiang Saen ), está tallado en un bloque sólido de jade. Descansó en Vientiane durante doscientos años antes de que los siameses se lo llevaran como botín a fines del siglo XVIII. En la actualidad, es el paladio del Reino de Tailandia y se encuentra en el Gran Palacio de Bangkok. El Phra Phuttha Butsavarat, al igual que el Phra Keo, también está consagrado en su propia capilla en el Gran Palacio de Bangkok. Antes de que los siameses se apoderaran de él a principios del siglo XIX, esta imagen de cristal era el paladio del reino lao de Champassack .
En las cuevas de Pak Ou se han tallado muchas esculturas budistas de Laos . Cerca de Pak Ou (desembocadura del río Ou), se encuentran la Tham Ting (cueva inferior) y la Tham Theung (cueva superior), cerca de Luang Prabang (Laos). Se trata de un magnífico grupo de cuevas a las que solo se puede acceder en barco, a unas dos horas río arriba desde el centro de Luang Prabang , y que recientemente se han vuelto más conocidas y frecuentadas por los turistas. Las cuevas son conocidas por sus impresionantes esculturas budistas y de estilo lao talladas en las paredes de la cueva, y por los cientos de figuras budistas desechadas que se encuentran en los suelos y en los estantes de las paredes. Se colocaron allí porque sus dueños no querían destruirlas, por lo que se hace un difícil viaje hasta las cuevas para colocar allí sus estatuas no deseadas.
El arte de Malasia se compone principalmente de arte malayo y arte de Borneo , y presenta similitudes con otros estilos del sudeste asiático, como los de Brunei , Indonesia y Singapur . La historia del arte en Malasia se remonta a los sultanatos malayos, con influencias del arte chino , indio e islámico .
El arte tradicional malayo se centra principalmente en la artesanía del tallado, el tejido y la platería. [64] El arte tradicional abarca desde las cestas tejidas a mano de las zonas rurales hasta la platería de las cortes malayas. Las obras de arte más comunes incluían kris ornamentales y conjuntos de nueces de escarabajo . Se fabrican lujosos textiles conocidos como Songket , así como telas batik estampadas tradicionales . Los indígenas del este de Malasia son conocidos por sus máscaras de madera. El arte malayo se ha expandido recientemente, ya que antes de la década de 1950 los tabúes islámicos sobre dibujar personas y animales eran fuertes. [65] Los textiles como el batik , el songket , el Pua Kumbu y el tekat se utilizan para decoraciones, a menudo bordados con una pintura o patrón. Las joyas tradicionales se hacían de oro y plata adornadas con gemas y, en el este de Malasia, se usaban cuero y cuentas con el mismo efecto. [66]
El arte de Myanmar se refiere al arte visual creado en Myanmar (Birmania). El arte birmano antiguo estaba influenciado por la India y a menudo era de naturaleza religiosa, desde esculturas hindúes en el Reino Thaton hasta imágenes budistas Theravada en el Reino Sri Ksetra . [67]
El período de Bagan vio desarrollos significativos en muchas formas de arte, desde pinturas murales y esculturas hasta estuco y talla de madera. [67] Después de una escasez de arte sobreviviente entre los siglos XIV y XVI, [68] los artistas crearon pinturas y esculturas que reflejan la cultura birmana. [69] Los artistas birmanos han sido sometidos a la interferencia y censura del gobierno, lo que ha obstaculizado el desarrollo del arte en Myanmar. [70] El arte birmano refleja los elementos budistas centrales, incluidos el mudra , los cuentos de Jataka , la pagoda y el Bodhisattva . [71]
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La historia del arte de Singapur incluye las tradiciones artísticas indígenas del archipiélago malayo y las diversas prácticas visuales de artistas itinerantes y migrantes de China , el subcontinente indio y Europa . [72]
El arte de Singapur incluye las tradiciones escultóricas, textiles y de arte decorativo del mundo malayo ; retratos , paisajes , esculturas , grabados y dibujos de historia natural del período colonial británico del país; junto con pinturas de estilo Nanyang con influencia china , arte realista social , arte abstracto y prácticas fotográficas que surgieron en el período de posguerra. [72] Hoy en día, incluye las prácticas artísticas contemporáneas del Singapur posterior a la independencia, como el arte de performance , el arte conceptual , el arte de instalación , el videoarte , el arte sonoro y el arte de los nuevos medios . [73] El surgimiento del arte moderno de Singapur, o más específicamente, "el surgimiento de la expresión artística autoconsciente" [72] a menudo está vinculado al surgimiento de asociaciones de arte, escuelas de arte y exposiciones en el siglo XX, aunque desde entonces esto se ha ampliado para incluir formas anteriores de representación visual, como las de los períodos históricos de Singapur. [74] [75]
En la actualidad, el arte contemporáneo de Singapur también circula internacionalmente a través de bienales de arte y otras importantes exposiciones internacionales. El arte contemporáneo en Singapur tiende a examinar temas de "hipermodernidad y el entorno construido; alienación y cambios en las costumbres sociales; identidades poscoloniales y multiculturalismo ". [76] En todas estas tendencias, "la exploración de la performance y el cuerpo performativo" es un hilo conductor común. [76] Singapur tiene una notable historia de arte de performance , y el gobierno ha promulgado históricamente una regla de no financiación para esa forma de arte específica desde 1994 hasta 2003, a raíz de una obra de arte de performance controvertida en el espacio de arte 5th Passage . [77] [78]
El arte y las artes visuales tailandeses eran tradicionalmente y principalmente arte budista y real. La escultura consistía casi exclusivamente en imágenes de Buda , mientras que la pintura se limitaba a la ilustración de libros y la decoración de edificios, principalmente palacios y templos. Las imágenes de Buda tailandesas de diferentes períodos tienen varios estilos distintivos. El arte tailandés contemporáneo a menudo combina elementos tailandeses tradicionales con técnicas modernas .
Las pinturas tradicionales tailandesas mostraban temas en dos dimensiones sin perspectiva . El tamaño de cada elemento del cuadro reflejaba su grado de importancia. La técnica principal de composición es la de la distribución de áreas: los elementos principales están aislados entre sí mediante transformadores espaciales. Esto eliminaba el fondo intermedio, que de otro modo implicaría perspectiva. La perspectiva se introdujo solo como resultado de la influencia occidental a mediados del siglo XIX.
Los temas narrativos más frecuentes de las pinturas fueron o son: las historias de Jataka , episodios de la vida de Buda , los cielos e infiernos budistas y escenas de la vida cotidiana.
El período Sukhothai comenzó en el siglo XIV en el reino de Sukhothai . Las imágenes de Buda del período Sukhothai son elegantes, con cuerpos sinuosos y rostros esbeltos y ovalados. Este estilo enfatizaba el aspecto espiritual del Buda, omitiendo muchos pequeños detalles anatómicos . El efecto se mejoraba con la práctica común de fundir imágenes en metal en lugar de tallarlas. En este período se introdujo la pose del "Buda andante".
Los artistas de Sukhothai intentaron seguir las marcas definitorias canónicas de un Buda, tal como se establecen en los antiguos textos Pali :
Sukhothai también produjo una gran cantidad de cerámica vidriada en estilo Sawankhalok , que se comercializó en todo el sudeste asiático.
El arte en Timor Oriental comenzó a popularizarse a partir de la violencia durante la crisis de Timor Oriental de 2006. Los niños que vivían en el país comenzaron a pintar en las paredes murales de la paz . [79] [80]
La Sociedad de Artes de Timor Oriental promueve el arte en la zona y alberga muchas obras de arte diferentes producidas en el país. [81]
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El arte vietnamita es una de las culturas más antiguas de la región del sudeste asiático. Cuenta con un rico patrimonio artístico que data de tiempos prehistóricos e incluye: pintura en seda, escultura, alfarería, cerámica, xilografías, arquitectura, música, danza y teatro.
El arte tradicional vietnamita es el arte practicado en Vietnam o por artistas vietnamitas, desde la antigüedad (incluidos los elaborados tambores Đông Sơn ) hasta el arte posterior a la dominación china , que estuvo fuertemente influenciado por el arte budista chino , entre otras filosofías como el taoísmo y el confucianismo . El arte de Champa y el arte francés también desempeñaron un papel menor más adelante.
La influencia china en el arte vietnamita se extiende a la cerámica , la caligrafía y la arquitectura tradicional vietnamitas. En la actualidad, las pinturas vietnamitas en laca han demostrado ser bastante populares.
La dinastía Nguyễn , la última dinastía gobernante de Vietnam (c. 1802-1945), vio un renovado interés en el arte de la cerámica y la porcelana. Las cortes imperiales de toda Asia importaron cerámica vietnamita.
A pesar de lo altamente desarrolladas que llegaron a ser las artes escénicas (como la música y la danza de la corte imperial) durante la dinastía Nguyễn, algunos consideran que otros campos del arte comenzaron a declinar durante la última parte de la dinastía Nguyễn.
A partir del siglo XIX, el arte moderno y las influencias artísticas francesas se extendieron a Vietnam. A principios del siglo XX, se fundó la Escuela Superior de Bellas Artes de Indochina para enseñar métodos europeos y ejerció su influencia principalmente en las ciudades más grandes, como Hanoi y Ciudad Ho Chi Minh . [82]
Las restricciones de viaje impuestas a los vietnamitas durante los 80 años de gobierno francés en Vietnam y el largo período de guerra por la independencia nacional significaron que muy pocos artistas vietnamitas pudieron formarse o trabajar fuera de Vietnam. [83] Un pequeño número de artistas de orígenes adinerados tuvieron la oportunidad de ir a Francia y hacer su carrera allí en su mayor parte. [83] Algunos ejemplos incluyen a Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang y Pham Tang. [83]
Los artistas vietnamitas modernos comenzaron a utilizar técnicas francesas con muchos medios tradicionales como la seda, la laca, etc., creando así una mezcla única de elementos orientales y occidentales.
La caligrafía tiene una larga historia en Vietnam. Anteriormente se utilizaba Chữ Hán junto con Chữ Nôm . Sin embargo, la mayoría de la caligrafía vietnamita moderna utiliza el Chữ Quốc Ngữ basado en caracteres romanos , que ha demostrado ser muy popular.
En el pasado, aunque la alfabetización en los antiguos sistemas de escritura basados en caracteres de Vietnam estaba restringida a los eruditos y las élites, la caligrafía seguía desempeñando un papel importante en la vida vietnamita. En ocasiones especiales, como el Tết Nguyên Đán , la gente acudía al maestro o erudito del pueblo para que les hiciera un tapiz caligráfico (a menudo poesía, dichos populares o incluso palabras sueltas). Las personas que no sabían leer ni escribir también solían encargar a los eruditos que escribieran oraciones que luego quemarían en los santuarios de los templos.
El arte budista se originó en el subcontinente indio en los siglos posteriores a la vida del Buda histórico Gautama en el siglo VI al V a. C., antes de evolucionar a través de su contacto con otras culturas y su difusión por el resto de Asia y el mundo. El arte budista viajó con los creyentes a medida que el dharma se difundía, se adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia central y hacia el este de Asia para formar la rama norte del arte budista, y hacia el este hasta el sudeste de Asia para formar la rama sur del arte budista. En la India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú , hasta que el budismo casi desapareció en la India alrededor del siglo X d. C. debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo .
Un recurso visual común en el arte budista es el mandala . Desde la perspectiva del observador, representa esquemáticamente el universo ideal. [84] [85] En varias tradiciones espirituales, los mandalas pueden emplearse para centrar la atención de aspirantes y adeptos, como herramienta de enseñanza espiritual, para establecer un espacio sagrado y como ayuda para la meditación y la inducción al trance . Su naturaleza simbólica puede ayudar a "acceder progresivamente a niveles más profundos del inconsciente, ayudando en última instancia al meditador a experimentar una sensación mística de unidad con la unidad última de la que surge el cosmos en todas sus múltiples formas". [86] El psicoanalista Carl Jung veía el mandala como "una representación del centro del yo inconsciente", [87] y creía que sus pinturas de mandalas le permitían identificar trastornos emocionales y trabajar hacia la plenitud de la personalidad. [88]
El arte de Bután es similar al del Tíbet . Ambos se basan en el budismo vajrayana , con su panteón de seres divinos.
Las principales órdenes del budismo en Bután son Drukpa Kagyu y Nyingma . La primera es una rama de la escuela Kagyu y es conocida por las pinturas que documentan el linaje de los maestros budistas y los 70 Je Khenpo (líderes del establecimiento monástico butanés). La orden Nyingma es conocida por las imágenes de Padmasambhava , a quien se le atribuye la introducción del budismo en Bután en el siglo VII. Según la leyenda, Padmasambhava escondió tesoros sagrados para que los encontraran los futuros maestros budistas, especialmente Pema Lingpa . Los buscadores de tesoros ( tertön ) también son sujetos frecuentes del arte Nyingma.
A cada ser divino se le asignan formas, colores y/o objetos distintivos especiales, como el loto, la caracola, el rayo y el cuenco de mendigo. Todas las imágenes sagradas están hechas según especificaciones exactas que han permanecido notablemente inalteradas durante siglos.
El arte butanés es particularmente rico en bronces de diferentes tipos que se conocen colectivamente con el nombre de Kham-so (hecho en Kham ), aunque se fabrican en Bután, porque la técnica para hacerlos fue importada originalmente de la provincia oriental del Tíbet llamada Kham. Las pinturas murales y esculturas, en estas regiones, se formulan sobre los ideales principales y eternos de las formas de arte budista. Aunque su énfasis en el detalle se deriva de modelos tibetanos, sus orígenes se pueden discernir fácilmente, a pesar de las prendas profusamente bordadas y los adornos brillantes con los que estas figuras están profusamente cubiertas. En el mundo grotesco de los demonios, los artistas aparentemente tenían mayor libertad de acción que cuando modelaban imágenes de seres divinos.
Las artes y artesanías de Bután que representan el "espíritu y la identidad exclusivos del reino del Himalaya" se definen como el arte de Zorig Chosum , que significa las "trece artes y artesanías de Bután"; las trece artesanías son la carpintería, la pintura, la fabricación de papel, la herrería, el tejido, la escultura y muchas otras artesanías. El Instituto de Zorig Chosum en Timbu es la principal institución de artes y artesanías tradicionales establecida por el Gobierno de Bután con el único objetivo de preservar la rica cultura y tradición de Bután y capacitar a los estudiantes en todas las formas de arte tradicional; hay otra institución similar en el este de Bután conocida como Trashi Yangtse. La vida rural butanesa también se muestra en el " Museo del Patrimonio Folclórico " en Timbu. También hay un "Estudio de Artistas Voluntarios" en Timbu para alentar y promover las formas de arte entre los jóvenes de Timbu. [89] [90]
El arte indio se puede clasificar en períodos específicos, cada uno de los cuales refleja determinados desarrollos religiosos, políticos y culturales. Los primeros ejemplos son los petroglifos , como los encontrados en Bhimbetka , algunos de los cuales datan de antes del 5500 a. C. La producción de este tipo de obras continuó durante varios milenios.
A continuación se desarrolló el arte de la civilización del valle del Indo . Entre los ejemplos posteriores se encuentran los pilares tallados de Ellora , en el estado de Maharashtra . Otros ejemplos son los frescos de Ajanta y las cuevas de Ellora .
Las contribuciones del Imperio mogol al arte indio incluyen la pintura mogol , un estilo de pintura en miniatura fuertemente influenciado por las miniaturas persas , y la arquitectura mogol .
Durante el Raj británico , la pintura india moderna evolucionó como resultado de la combinación de estilos tradicionales indios y europeos. Raja Ravi Varma fue un pionero de este período. La escuela de arte de Bengala se desarrolló durante este período, liderada por Abanidranath Tagore , Gaganendranath Tagore , Jamini Roy , Mukul Dey y Nandalal Bose .
Una de las formas de arte más populares en la India se denomina Rangoli . Es una forma de decoración con pintura de arena que utiliza polvo blanco finamente molido y colores, y se utiliza comúnmente en el exterior de los hogares de la India.
Las artes visuales (escultura, pintura y arquitectura) están estrechamente interrelacionadas con las artes no visuales. Según Kapila Vatsyayan , "la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura (kaavya), la música y la danza clásicas de la India desarrollaron sus propias reglas condicionadas por sus respectivos medios, pero compartían entre sí no sólo las creencias espirituales subyacentes de la mente religiosa y filosófica india, sino también los procedimientos mediante los cuales se elaboraban en detalle las relaciones entre el símbolo y los estados espirituales".
La mejor manera de comprender las cualidades únicas del arte indio es comprender el pensamiento filosófico, la amplia historia cultural y los antecedentes sociales, religiosos y políticos de las obras de arte.
Periodos específicos:
La antigua y refinada cultura tradicional de Katmandú , y en particular de todo Nepal , es una mezcla ininterrumpida y excepcional de los valores hindú y budista que practica su pueblo, sumamente religioso, y que también ha incorporado la diversidad cultural que aportan otras religiones, como el jainismo , el islam y el cristianismo .
El arte pakistaní tiene una larga tradición e historia. Consiste en una variedad de formas de arte, que incluyen pintura , escultura , caligrafía , cerámica y artes textiles como la seda tejida. Geográficamente, es parte del arte del subcontinente indio , incluido lo que ahora es Pakistán . [91]
El arte en Asia Central es el arte visual creado por los pueblos mayoritariamente turcos de los actuales Kirguistán , Kazajstán , Uzbekistán , Turkmenistán , Azerbaiyán , Tayikistán , Mongolia , Tíbet , Afganistán y Pakistán , así como partes de China y Rusia. [92] [93] En los últimos siglos, el arte de la región ha estado muy influenciado por el arte islámico . Anteriormente, el arte de Asia Central estaba influenciado por el arte chino, griego y persa, a través de la transmisión del arte de la Ruta de la Seda . [94]
El arte popular nómada es un aspecto vital del arte de Asia Central. El arte refleja la esencia del estilo de vida de los grupos nómadas que residen en la región. Es inevitable que uno se quede atónito ante la belleza de las piedras semipreciosas, las colchas, las puertas talladas y las alfombras bordadas que refleja este arte. [95] [96]
Asia Central está enriquecida con música e instrumentos clásicos. Algunos de los instrumentos musicales clásicos más famosos se originaron en la región de Asia Central. El rubab , el dombra y el chang son algunos de los instrumentos musicales utilizados en las artes musicales de Asia Central. [97]
La vida de los pueblos de Asia Central giraba en torno al estilo de vida nómada. Por ello, la mayor parte de las artes de Asia Central en los tiempos modernos también se inspiran en la vida nómada, que muestra la era dorada. De hecho, el toque de tradición y cultura en el arte de Asia Central actúa como un importante factor de atracción para los foros de arte internacionales. El reconocimiento mundial hacia las artes de Asia Central ciertamente ha aumentado su valor. [98]
pero un examen revela que no pueden ser anteriores al siglo XVII porque en el extracto que se muestra aquí, la letra nga (cuadros 1 y 3) tiene la cruz que elimina la /a/ que el Padre LÓPEZ introdujo en 1621, y esta cruz es bastante diferente del diacrítico colocado debajo del carácter ya para representar la vocal /u/: /yu/ (cuadro 2).
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