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Una película de arte , cine de autor o película de autor es típicamente una película independiente , dirigida a un nicho de mercado en lugar de a una audiencia del mercado masivo . [1] Está "destinada a ser una obra seria y artística, a menudo experimental y no diseñada para el atractivo masivo", [2] "hecha principalmente por razones estéticas en lugar de ganancias comerciales", [3] y que contiene "contenido no convencional o altamente simbólico". [4]
Los críticos de cine y los estudiosos de los estudios cinematográficos suelen definir una película de arte como aquella que posee "cualidades formales que la distinguen de las películas convencionales de Hollywood". [5] Estas cualidades pueden incluir (entre otros elementos) un sentido de realismo social ; un énfasis en la expresividad autoral del director; y un enfoque en los pensamientos, sueños o motivaciones de los personajes, en oposición al desarrollo de una historia clara y orientada a objetivos. Los estudiosos del cine David Bordwell y Barry Keith Grant describen el cine de arte como "un género cinematográfico , con sus propias convenciones distintivas". [6] [7]
Los productores de cine de autor suelen presentar sus películas en salas especiales ( cines de repertorio o, en los EE. UU., cines de arte y ensayo) y en festivales de cine . El término cine de arte se usa mucho más ampliamente en América del Norte, el Reino Unido y Australia, en comparación con Europa continental , donde se usan en su lugar los términos películas de autor y cine nacional (por ejemplo, cine nacional alemán). Dado que están dirigidas a audiencias pequeñas y de nicho de mercado, las películas de arte rara vez adquieren el respaldo financiero que permitiría los grandes presupuestos de producción asociados con las películas de gran éxito de taquilla de gran difusión . Los directores de cine de arte compensan estas limitaciones creando un tipo diferente de película, una que generalmente utiliza actores de cine menos conocidos o incluso actores aficionados, y escenarios modestos para hacer películas que se centran mucho más en el desarrollo de ideas, la exploración de nuevas técnicas narrativas y el intento de nuevas convenciones cinematográficas.
Estas películas contrastan marcadamente con las películas de gran éxito , que suelen estar más orientadas a la narración lineal y al entretenimiento convencional. El crítico de cine Roger Ebert llamó a Chungking Express , una película de arte de 1994 aclamada por la crítica, "en gran medida una experiencia cerebral" que uno disfruta "debido a lo que sabe sobre cine". [8] Dicho esto, algunas películas de arte pueden ampliar su atractivo al ofrecer ciertos elementos de géneros más familiares como el documental o la biografía . Para la promoción, las películas de arte dependen de la publicidad generada por las reseñas de los críticos de cine; el debate sobre la película por parte de columnistas de arte, comentaristas y blogueros; y la promoción de boca en boca por parte de los miembros de la audiencia. Dado que las películas de arte tienen pequeños costos de inversión inicial, solo necesitan atraer a una pequeña porción de las audiencias convencionales para volverse financieramente viables.
Los precursores del cine de arte incluyen la película muda italiana L'Inferno (1911), Intolerancia (1916) de D. W. Griffith y las obras del cineasta ruso Sergei Eisenstein , quien influyó en el desarrollo de los movimientos cinematográficos europeos durante décadas. [9] [10] [11] La película de Eisenstein El acorazado Potemkin (1925) fue una película de propaganda revolucionaria que utilizó para probar sus teorías sobre el uso de la edición cinematográfica para producir la mayor respuesta emocional de la audiencia. El renombre crítico internacional que Eisenstein obtuvo de esta película le permitió dirigir Octubre como parte de una gran celebración del décimo aniversario de la Revolución de Octubre de 1917. Más tarde dirigió The General Line en 1929. La película de Alexander Dovzhenko La Tierra (1930), filmada bajo la influencia de Eisenstein, es definida por algunos críticos como el pináculo del cine de arte. [12]
Las películas de arte también fueron influenciadas por películas de creadores de vanguardia españoles , como Luis Buñuel y Salvador Dalí (que hizo La edad de oro en 1930), y por el dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau , cuya película de vanguardia de 1932 La sangre de un poeta utiliza imágenes oníricas en todo momento, incluyendo modelos de alambre giratorio de una cabeza humana y máscaras giratorias de doble cara. En la década de 1920, las sociedades cinematográficas comenzaron a defender la noción de que las películas podían dividirse en "cine de entretenimiento dirigido a una audiencia masiva y un cine de arte serio dirigido a una audiencia intelectual". En Inglaterra, Alfred Hitchcock e Ivor Montagu formaron una sociedad cinematográfica e importaron películas que pensaban que eran "logros artísticos", como "películas soviéticas de montaje dialéctico y las películas expresionistas de los estudios Universum Film AG (UFA) en Alemania". [9]
El cine puro , un movimiento cinematográfico de vanguardia francés de las décadas de 1920 y 1930, también influyó en el desarrollo de la idea del cine de arte. El movimiento cinematográfico del cine puro incluyó a varios artistas dadaístas notables . Los dadaístas utilizaron el cine para trascender las convenciones narrativas, las tradiciones burguesas y las nociones aristotélicas convencionales de tiempo y espacio mediante la creación de un montaje flexible de tiempo y espacio.
El movimiento cinematográfico pur estuvo influenciado por cineastas alemanes "absolutos" como Hans Richter , Walter Ruttmann y Viking Eggeling . Richter afirmó falsamente que su película Rhythmus 21 de 1921 fue la primera película abstracta jamás creada. De hecho, fue precedido por los futuristas italianos Bruno Corra y Arnaldo Ginna entre 1911 y 1912 [13] (como se informa en el Manifiesto futurista del cine [13] ), así como por su compatriota artista alemán Walter Ruttmann, quien produjo Lichtspiel Opus 1 en 1920. Sin embargo, la película de Richter Rhythmus 21 se considera una importante película abstracta temprana.
El primer "cine de arte" británico fue inaugurado temporalmente en el Palais de Luxe de Londres en 1929 por Elsie Cohen . Más tarde, en 1931, estableció un local permanente en el Academy Cinema de Oxford Street. [14]
Los cines de autor que se especializaban en la presentación de películas de arte surgieron en la costa este de los Estados Unidos hacia finales de la década de 1920. Este tipo de cines estaban muy extendidos tanto en los EE. UU. como en Europa. [15] [16]
En los años 1930 y 1940, las películas de Hollywood se podían dividir en las aspiraciones artísticas de las adaptaciones literarias, como El delator (1935) de John Ford y El largo viaje a casa (1940) de Eugene O'Neill , y las películas de "género popular" que buscaban ganancias, como los thrillers de gánsteres. William Siska sostiene que las películas neorrealistas italianas de mediados y finales de los años 1940, como Ciudad abierta (1945), Paisa (1946) y Ladrón de bicicletas , pueden considerarse como otro "movimiento de cine de arte consciente". [9]
A finales de los años 40, la percepción del público estadounidense de que las películas neorrealistas italianas y otras producciones europeas serias eran diferentes de las películas convencionales de Hollywood se vio reforzada por el desarrollo de los "cines de arte y ensayo" en las principales ciudades y ciudades universitarias de Estados Unidos. Después de la Segunda Guerra Mundial, "... un segmento creciente del público cinematográfico estadounidense se estaba cansando de las películas convencionales de Hollywood", y acudía a los cines de arte y ensayo recién creados para ver "alternativas a las películas que se proyectaban en los grandes cines callejeros". [5] Las películas que se proyectaban en estos cines de arte y ensayo incluían "películas británicas, en lengua extranjera y estadounidenses independientes, así como documentales y reposiciones de clásicos de Hollywood". Películas como Open City de Rossellini y Tight Little Island ( ¡Whisky Galore! ) de Mackendrick , Bicycle Thieves y The Red Shoes se mostraron a un público estadounidense considerable. [5]
A finales de la década de 1950, los cineastas franceses comenzaron a producir películas influenciadas por el neorrealismo italiano [17] y el cine clásico de Hollywood , [17] un estilo que los críticos llamaron la Nueva Ola Francesa . Aunque nunca fue un movimiento formalmente organizado, los cineastas de la Nueva Ola estaban vinculados por su rechazo consciente de la forma cinematográfica clásica y su espíritu de iconoclasia juvenil , y sus películas son un ejemplo del cine de arte europeo . [18] Muchos también involucraron su trabajo con los trastornos sociales y políticos de la época, haciendo que sus experimentos radicales con la edición, el estilo visual y la narrativa fueran parte de una ruptura general con el paradigma conservador. Algunos de los pioneros más destacados del grupo, incluidos François Truffaut , Jean-Luc Godard , Éric Rohmer , Claude Chabrol y Jacques Rivette , comenzaron como críticos de la revista de cine Cahiers du cinéma . La teoría del autor sostiene que el director es el "autor" de sus películas, con una firma personal visible de película en película.
El movimiento de la Nouvelle Vague francesa continuó hasta la década de 1960. Durante esa década, el término "cine de arte" comenzó a usarse mucho más ampliamente en los Estados Unidos que en Europa. En los EE. UU., el término a menudo se define de manera muy amplia para incluir películas de "autor" en lengua extranjera (no inglesas) , películas independientes , películas experimentales , documentales y cortometrajes. En la década de 1960, "cine de arte" se convirtió en un eufemismo en los EE. UU. para las picantes películas B italianas y francesas . En la década de 1970, el término se usó para describir películas europeas sexualmente explícitas con estructura artística, como la película sueca I Am Curious (Yellow) . En los EE. UU., el término "cine de arte" puede referirse a películas de artistas estadounidenses modernos, incluido Andy Warhol con su película Blue Movie de 1969 , [19] [20] [21] pero a veces se usa de manera muy vaga para referirse a la amplia gama de películas que se muestran en salas de repertorio o "cines de arte". Con este enfoque, una amplia gama de películas, como una película de Hitchcock de los años 60 , una película experimental underground de los años 70, una película de autor europea, una película "independiente" estadounidense e incluso una película convencional en lengua extranjera (con subtítulos) podrían caer bajo la categoría de "películas de arte y ensayo".
En los años 1980 y 1990, el término "cine de arte" se confundió con "cine independiente" en los EE. UU., que comparte muchos de los mismos rasgos estilísticos. Empresas como Miramax Films distribuían películas independientes que se consideraban comercialmente viables. Cuando los principales estudios cinematográficos notaron el atractivo de nicho de las películas independientes, crearon divisiones especiales dedicadas a películas no convencionales, como la división Fox Searchlight Pictures de Twentieth Century Fox , la división Focus Features de Universal , la división Sony Pictures Classics de Sony Pictures Entertainment y la división Paramount Vantage de Paramount . Los críticos de cine han debatido si las películas de estas divisiones pueden considerarse "películas independientes", dado que cuentan con el respaldo financiero de los principales estudios.
En 2007, la profesora Camille Paglia argumentó en su artículo "Películas de arte: RIP" que "aparte de la serie El Padrino de Francis Ford Coppola , con sus hábiles flashbacks y su crudo realismo social, ... [no hay] ... una sola película producida en los últimos 35 años que pueda decirse que tenga el mismo peso filosófico o virtuosismo de ejecución que El séptimo sello o Persona de Bergman ". Paglia afirma que los jóvenes de la década de 2000 no "tienen paciencia para la toma lenta y prolongada en la que se especializaron los directores europeos de pensamiento profundo", un enfoque que brindaba "un escrutinio lujoso de las expresiones faciales más pequeñas o el gélido barrido de una habitación estéril o un paisaje desolador". [22]
Según el director, productor y distribuidor Roger Corman , "los años 50 y 60 fueron la época de mayor influencia del cine de arte. Después de eso, la influencia disminuyó. Hollywood absorbió las lecciones de las películas europeas e incorporó esas lecciones a sus películas". Corman afirma que "los espectadores podían ver algo de la esencia del cine de arte europeo en las películas de Hollywood de los años setenta... [y así], el cine de arte, que nunca fue sólo una cuestión del cine europeo, se convirtió cada vez más en un cine mundial real, aunque uno que luchó por ganar un amplio reconocimiento". Corman señala que "Hollywood mismo ha ampliado, radicalmente, su gama estética... porque la gama de temas en cuestión se ha ampliado para incluir las propias condiciones de la creación de imágenes, de la producción cinematográfica, de la nueva y prismática experiencia mediada por los medios de comunicación de la modernidad. Hay un nuevo público que ha aprendido sobre películas de arte en la tienda de videos". Corman afirma que "actualmente existe la posibilidad de un renacimiento" del cine de arte estadounidense. [23]
El cineasta David Bordwell describió la definición académica de "cine de arte" en un artículo de 1979 titulado "El cine de arte como modo de práctica cinematográfica", que contrasta las películas de arte con las películas convencionales del cine clásico de Hollywood. Las películas de estilo convencional de Hollywood utilizan una forma narrativa clara para organizar la película en una serie de "eventos relacionados causalmente que tienen lugar en el espacio y el tiempo", y cada escena conduce hacia un objetivo. La trama de las películas convencionales está impulsada por un protagonista bien definido, desarrollado con personajes claros y reforzado con "lógica de preguntas y respuestas, rutinas de resolución de problemas y estructuras de trama con plazos límite". Luego, la película se une con un ritmo rápido, una banda sonora musical para generar las emociones adecuadas para la audiencia y una edición ajustada y fluida. [6]
En cambio, Bordwell afirma que "el cine de arte y ensayo motiva su narrativa a partir de dos principios: el realismo y la expresividad autoral". Las películas de arte y ensayo se desvían de las normas "clásicas" dominantes de la producción cinematográfica en el sentido de que suelen tratar estructuras narrativas más episódicas con una "relajación de la cadena de causa y efecto". [6]
Las películas comerciales también tratan dilemas morales o crisis de identidad, pero estos problemas suelen resolverse al final de la película. En las películas de arte, los dilemas se examinan y se investigan de forma reflexiva, pero por lo general sin una resolución clara al final de la película. [24]
En una película de arte y ensayo, la historia suele tener un papel secundario respecto del desarrollo de los personajes y la exploración de ideas a través de largas secuencias de diálogo. Si una película de arte y ensayo tiene una historia, normalmente es una secuencia de episodios vagamente definidos o ambiguos. Puede haber lagunas inexplicables en la película, secuencias deliberadamente poco claras o secuencias extrañas que no están relacionadas con escenas anteriores, que obligan al espectador a hacer subjetivamente su propia interpretación del mensaje de la película. Las películas de arte y ensayo suelen "llevar las marcas de un estilo visual distintivo" y el enfoque autoral del director. [25] Una película de cine de arte y ensayo a menudo se niega a proporcionar una "conclusión a la que se pueda responder fácilmente", y en su lugar le plantea al espectador la tarea de pensar en "¿cómo se cuenta la historia? ¿Por qué contarla de esta manera?" [26]
Bordwell afirma que "el cine de arte es en sí mismo un género [cinematográfico], con sus propias convenciones distintivas". [7] El teórico cinematográfico Robert Stam también sostiene que el "cine de arte" es un género cinematográfico. Afirma que una película se considera una película de arte en función de su estatus artístico, de la misma manera que los géneros cinematográficos pueden basarse en aspectos de las películas como sus presupuestos ( películas taquilleras o películas de serie B ) o sus intérpretes estrella ( películas de Adam Sandler ). [27]
Hay estudiosos que señalan que las películas de masas, como las que se producen en Hollywood, atraen a un público menos exigente. [28] Este grupo recurre entonces a los críticos de cine como una élite cultural que puede ayudarles a orientarse hacia películas más reflexivas y de mayor calidad. Para salvar la desconexión entre el gusto popular y la alta cultura, se espera que estos críticos de cine expliquen conceptos desconocidos y los hagan atractivos para cultivar un público cinéfilo más exigente. Por ejemplo, un crítico de cine puede ayudar al público, a través de sus críticas, a pensar seriamente sobre las películas proporcionándoles los términos de análisis de estas películas de arte. [29] Al adoptar un marco artístico de análisis y crítica cinematográfica, estos críticos de cine ofrecen a los espectadores una forma diferente de apreciar lo que están viendo. Así, cuando se exploran temas polémicos, el público no descartará ni atacará inmediatamente la película cuando los críticos les informen del valor de la película, como por ejemplo cómo representa el realismo. En este sentido, los cines de arte o las casas de arte que exhiben películas de arte son vistos como "sitios de iluminación cultural" que atraen a críticos y audiencias intelectuales por igual. Sirve como un lugar donde estos críticos pueden experimentar la cultura y un ambiente artístico del que pueden extraer ideas y material.
La siguiente lista es una muestra pequeña y parcial de películas con cualidades de "cine de arte", compilada para dar una idea general de qué directores y películas se consideran que tienen características de "cine de arte". Las películas de esta lista demuestran una o más de las características de las películas de arte: una película seria, no comercial o hecha de forma independiente que no está dirigida a una audiencia masiva. Algunas de las películas de esta lista también se consideran películas de "autor", películas independientes o películas experimentales . En algunos casos, los críticos no están de acuerdo sobre si una película es convencional o no. Por ejemplo, mientras que algunos críticos llamaron a Mi Idaho privado (1991) de Gus Van Sant un "ejercicio de experimentación cinematográfica" de "alta calidad artística", [30] The Washington Post la llamó una película convencional ambiciosa. [31] Algunas películas de esta lista tienen la mayoría de estas características; otras películas son películas comerciales, producidas por estudios convencionales, que sin embargo llevan el sello del estilo "de autor" de un director, o que tienen un carácter experimental. Las películas de esta lista son notables ya sea porque ganaron premios importantes o elogios de críticos de cine influyentes, o porque introdujeron una narrativa o técnica cinematográfica innovadora.
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En las décadas de 1920 y 1930, los cineastas no se propusieron hacer "películas de arte", y los críticos de cine no utilizaron el término "película de arte". Sin embargo, hubo películas que tenían objetivos estéticos sofisticados, como La pasión de Juana de Arco (1928) y Vampyr (1932) de Carl Theodor Dreyer , películas surrealistas como Un chien andalou (1929) y L'Âge d'Or (1930) de Luis Buñuel, o incluso películas que trataban sobre temas políticos y de actualidad, como la famosa e influyente obra maestra de Sergei Eisenstein, El acorazado Potemkin . La película estadounidense Sunrise: A Song of Two Humans (1927) del director expresionista alemán F.W. Murnau utiliza un diseño artístico distorsionado y una cinematografía innovadora para crear un mundo exagerado y de cuento de hadas rico en simbolismo e imágenes. La película de Jean Renoir La regla del juego (1939) es una comedia de costumbres que trasciende las convenciones de su género al crear una sátira mordaz y trágica de la sociedad de clase alta francesa en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial; una encuesta de críticos de Sight & Sound la clasificó como la cuarta mejor película de todos los tiempos, colocándola detrás de Vértigo , Ciudadano Kane y Tokyo Story . [32]
Algunas de estas primeras películas de orientación artística fueron financiadas por individuos ricos en lugar de compañías cinematográficas, particularmente en casos en los que el contenido de la película era controvertido o era poco probable que atrajera a una audiencia. A fines de la década de 1940, el director británico Michael Powell y Emeric Pressburger hicieron Las zapatillas rojas (1948), una película sobre ballet, que se destacó de las películas de género convencional de la época. En 1945, David Lean dirigió Breve encuentro , una adaptación de la obra de Noël Coward Naturaleza muerta , que observa una apasionada historia de amor entre un hombre de clase alta y una mujer de clase media en medio de los problemas sociales y económicos que enfrentaba Gran Bretaña en ese momento.
En la década de 1950, algunas de las películas conocidas con sensibilidades artísticas incluyen La Strada (1954), una película sobre una joven que se ve obligada a ir a trabajar para un artista de circo cruel e inhumano para mantener a su familia, y finalmente llega a un acuerdo con su situación; Ordet (1955) de Carl Theodor Dreyer, centrada en una familia con falta de fe, pero con un hijo que cree que es Jesucristo y está convencido de que es capaz de hacer milagros; Las noches de Cabiria (1957) de Federico Fellini , que trata de los intentos fallidos de una prostituta de encontrar el amor, su sufrimiento y rechazo; Fresas salvajes (1957), de Ingmar Bergman, cuya narrativa trata de un médico anciano, que también es profesor, cuyas pesadillas lo llevan a reevaluar su vida; y Los cuatrocientos golpes (1959) de François Truffaut, cuyo personaje principal es un joven que intenta alcanzar la mayoría de edad a pesar del maltrato de sus padres, maestros de escuela y la sociedad, esta película es el primer gran paso en la Nouvelle Vague francesa y para el cine, demostró que se pueden hacer películas con poco dinero, actores aficionados y un equipo reducido. En Polonia, el deshielo de Jruschov permitió cierta relajación de las políticas culturales del régimen, y producciones como Una generación , Kanal , Cenizas y diamantes , Lotna (1954-1959), todas dirigidas por Andrzej Wajda , mostraron el estilo de la Escuela de Cine Polaca .
En la India , hubo un movimiento de cine artístico en el cine bengalí conocido como " Cine paralelo " o "Nueva ola india". Esta era una alternativa al cine comercial convencional. Era conocido por su contenido serio, realismo y naturalismo, con una mirada atenta al clima sociopolítico de la época. Este movimiento es distinto del cine comercial convencional y comenzó aproximadamente al mismo tiempo que la Nueva ola francesa y japonesa . Los cineastas más influyentes involucrados en este movimiento fueron Satyajit Ray , Mrinal Sen y Ritwik Ghatak . Algunas de las películas más aclamadas internacionalmente realizadas en el período fueron La trilogía de Apu (1955-1959), un trío de películas que cuentan la historia del crecimiento de un niño pobre del campo hasta la edad adulta, y Trueno distante de Satyajit Ray (1973), que cuenta la historia de un granjero durante una hambruna en Bengala . [33] [34] Otros aclamados cineastas bengalíes involucrados en este movimiento incluyen a Rituparno Ghosh , Aparna Sen y Goutam Ghose .
Los cineastas japoneses produjeron varias películas que rompieron con las convenciones. Rashomon (1950) de Akira Kurosawa , la primera película japonesa que se proyectó ampliamente en Occidente, retrata los relatos contradictorios de cuatro testigos de una violación y asesinato. En 1952, Kurosawa dirigió Ikiru , una película sobre un burócrata de Tokio que lucha por encontrar un significado para su vida. Tokyo Story (1953), de Yasujirō Ozu , explora los cambios sociales de la época al contar la historia de una pareja de ancianos que viaja a Tokio para visitar a sus hijos adultos, pero descubre que los niños están demasiado absortos en sí mismos para pasar mucho tiempo con ellos. Seven Samurai (1954), de Kurosawa, cuenta la historia de un pueblo agrícola que contrata a siete samuráis sin amo para combatir a los bandidos. Fires on the Plain (1959), de Kon Ichikawa , explora la experiencia japonesa en la Segunda Guerra Mundial al retratar a un soldado japonés enfermo que lucha por mantenerse con vida. Ugetsu (1953), de Kenji Mizoguchi , es una historia de fantasmas ambientada a finales del siglo XVI, que narra la historia de unos campesinos cuyo pueblo se encuentra en el camino de un ejército que avanza. Un año después, Mizoguchi dirigió Sansho the Bailiff (1954), que cuenta la historia de dos niños aristocráticos vendidos como esclavos; además de tratar temas serios como la pérdida de la libertad, la película cuenta con bellas imágenes y tomas largas y complicadas.
La década de 1960 fue un período importante en el cine de arte, con el estreno de una serie de películas innovadoras que dieron lugar al cine de arte europeo. À bout de souffle ( Sin aliento ) (1960) de Jean-Luc Godard utilizó técnicas visuales y de montaje innovadoras, como cortes de salto y trabajo de cámara en mano . Godard, una figura destacada de la Nouvelle Vague francesa, continuaría haciendo películas innovadoras a lo largo de la década, proponiendo un estilo completamente nuevo de realización cinematográfica. Tras el éxito de Sin aliento , Godard hizo otras dos películas muy influyentes, El desprecio en 1963, que mostró su visión del sistema de realización cinematográfica de estudio, la hermosa toma larga y la película dentro de la película, y Pierrot le fou en 1965, que es una mezcla de películas de crimen y romance con su estilo anti-Hollywood. Jules et Jim , de François Truffaut, deconstruyó una relación compleja de tres individuos a través de técnicas innovadoras de escritura de guiones, edición y cámara. El director italiano Michelangelo Antonioni ayudó a revolucionar el cine con películas como L'Avventura (1960), influyente por su fotografía de paisajes y técnicas de encuadre, sigue la desaparición de una joven de clase alta durante un viaje en barco, y la posterior búsqueda por parte de su amante y su mejor amigo; La Notte (1961), un examen complejo de un matrimonio fallido que lidiaba con cuestiones como la anomia y la esterilidad; Eclipse (1962), sobre una joven que no puede formar una relación sólida con su novio debido a su naturaleza materialista; Red Desert (1964), su primera película en color, que trata de la necesidad de adaptarse al mundo moderno; y Blowup (1966), su primera película en inglés, que examina cuestiones de percepción y realidad mientras sigue el intento de un joven fotógrafo de descubrir si había fotografiado un asesinato.
El director sueco Ingmar Bergman inició la década de 1960 con piezas de cámara como Luz de invierno (1963) y El silencio (1963), que tratan temas como el aislamiento emocional y la falta de comunicación. Sus películas de la segunda mitad de la década, como Persona (1966), Shame (1968) y A Passion (1969), tratan la idea del cine como artificio. Las películas intelectuales y visualmente expresivas de Tadeusz Konwicki , como El día de los difuntos ( Zaduszki , 1961) y Salto (1962), inspiraron debates sobre la guerra y plantearon preguntas existenciales en nombre de sus protagonistas comunes.
La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini retrata una sucesión de noches y amaneceres en Roma presenciados por un periodista cínico, esta película es un puente entre su estilo neorrealista italiano anterior y su estilo surrealista posterior . En 1963, Fellini hizo 8½ , una exploración de las dificultades creativas, maritales y espirituales, filmada en blanco y negro por el director de fotografía Gianni di Venanzo . La película de 1961 El año pasado en Marienbad del director Alain Resnais examina la percepción y la realidad, utilizando grandes tomas de seguimiento que se volvieron muy influyentes. Au hasard Balthazar (1966) y Mouchette (1967) de Robert Bresson son notables por su estilo naturalista y elíptico. El director español Luis Buñuel también contribuyó en gran medida al arte del cine con sátiras surrealistas impactantes como Viridiana (1961) y El ángel exterminador (1962).
La película Andrei Rublev (1966) del director ruso Andrei Tarkovsky es un retrato del pintor de iconos medieval ruso del mismo nombre. La película también trata sobre la libertad artística y la posibilidad y necesidad de hacer arte para, y frente a, una autoridad represiva. Una versión cortada de la película se mostró en el Festival de Cine de Cannes de 1969 , donde ganó el premio FIPRESCI . [35] A finales de la década, 2001: Una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick cautivó al público con su realismo científico, uso pionero de efectos especiales e imágenes visuales inusuales. En 1969, Andy Warhol lanzó Blue Movie , la primera película de arte para adultos que mostraba sexo explícito en recibir un amplio estreno en cines de los Estados Unidos. [19] [20] [21] Según Warhol, Blue Movie fue una influencia importante en la realización de El último tango en París , una película de arte erótico controvertida a nivel internacional, dirigida por Bernardo Bertolucci y estrenada unos años después de que se hiciera Blue Movie . [21] En la Armenia soviética , El color de las granadas de Sergei Parajanov , en la que la actriz georgiana Sofiko Chiaureli interpreta cinco personajes diferentes, fue prohibida por las autoridades soviéticas, no estuvo disponible en Occidente durante un largo período y fue elogiada por el crítico Mikhail Vartanov como "revolucionaria"; [36] y a principios de la década de 1980, Les Cahiers du Cinéma colocó la película en su lista de las 10 mejores. [37] En 1967, en la Georgia soviética , el influyente director de cine georgiano Tengiz Abuladze dirigió Vedreba (Entrevista), que se basó en los motivos de las obras literarias de Vaja-Pshavela , donde la historia se cuenta en un estilo narrativo poético, lleno de escenas simbólicas con significados filosóficos. En Irán, La vaca (1969) de Dariush Mehrjui , sobre un hombre que se vuelve loco después de la muerte de su amada vaca, desencadenó la nueva ola del cine iraní .
El titiritero Jim Henson tuvo un éxito artístico con su cortometraje nominado al Oscar de 1965, no relacionado con los Muppets, Time Piece . [38]
A principios de la década de 1970, los directores sorprendieron al público con películas violentas como La naranja mecánica (1971), la brutal exploración de Stanley Kubrick de las pandillas juveniles futuristas, y El último tango en París (1972), la película de Bernardo Bertolucci que rompe tabúes, es sexualmente explícita y controvertida. Al mismo tiempo, otros directores hicieron películas más introspectivas, como la película de ciencia ficción meditativa de Andrei Tarkovsky Solaris (1972), supuestamente concebida como una respuesta soviética a 2001. En 1975 y 1979 respectivamente, Tarkovsky dirigió otras dos películas, que obtuvieron elogios de la crítica en el extranjero: Mirror y Stalker . Terrence Malick , que dirigió Badlands (1973) y Days of Heaven (1978), compartía muchos rasgos con Tarkovsky, como sus tomas largas y prolongadas de belleza natural, imágenes evocadoras y estilo narrativo poético.
Otra característica de las películas de arte de la década de 1970 fue el regreso a la prominencia de personajes e imágenes extraños; que abundan en el atormentado y obsesionado personaje principal de Aguirre, la ira de Dios (1973) del director de la nueva ola alemana Werner Herzog , y en películas de culto como la psicodélica La montaña sagrada (1973) de Alejandro Jodorowsky sobre un ladrón y un alquimista que buscan la mítica Isla del Loto . [39] La película Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese , continúa los temas que exploró La naranja mecánica : una población alienada que vive en una sociedad violenta y en decadencia. La violencia cruda y la rabia hirviente de la película de Scorsese contrastan con otras películas estrenadas en el mismo período, como el clásico en blanco y negro onírico, surrealista e industrial de David Lynch Eraserhead (1977). [40] En 1974, John Cassavetes ofreció un agudo comentario sobre la vida de los trabajadores estadounidenses en Una mujer bajo la influencia , que presenta a una ama de casa excéntrica que desciende lentamente hacia la locura. [41]
También en la década de 1970, Radley Metzger dirigió varias películas de arte para adultos, como Barbara Broadcast (1977), que presentaba una atmósfera surrealista "buñelliana", [42] y The Opening of Misty Beethoven (1976), basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw (y su derivada, My Fair Lady ), que fue considerada, según la galardonada autora Toni Bentley , como la "joya de la corona" de la Edad de Oro del Porno , [43] [44] una era en la cultura estadounidense moderna que fue inaugurada por el estreno de Blue Movie (1969) de Andy Warhol y presentó el fenómeno del " porno chic " [45] [46] en el que las películas eróticas para adultos comenzaron a obtener un amplio lanzamiento, fueron discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ) [47] y tomadas en serio por los críticos de cine (como Roger Ebert ). [48] [49]
En 1980, el director Martin Scorsese le dio al público, que se había acostumbrado a las aventuras de gran éxito de Steven Spielberg y George Lucas , el realismo crudo y crudo de su película Toro salvaje . En esta película, el actor Robert De Niro llevó la interpretación de método al extremo para retratar la decadencia de un boxeador que pasó de ser un joven boxeador premiado a un dueño de club nocturno con sobrepeso y "en decadencia". Blade Runner (1982) de Ridley Scott también podría verse como una película de arte de ciencia ficción, junto con 2001: Odisea del espacio (1968). Blade Runner explora temas de existencialismo , o lo que significa ser humano. Un fracaso de taquilla, la película se hizo popular en el circuito de cine independiente como una rareza de culto después de que el lanzamiento de un "corte del director" tuviera éxito a través del video casero VHS . A mediados de la década, el director japonés Akira Kurosawa utilizó el realismo para retratar la brutal y sangrienta violencia de la guerra samurái japonesa del siglo XVI en Ran (1985). Ran seguía la trama de El rey Lear , en la que un anciano rey es traicionado por sus hijos. Sergio Leone también contrastó la violencia brutal con la sustancia emocional en su relato épico sobre la vida de los mafiosos en Érase una vez en América .
Otros directores de la década de 1980 eligieron un camino más intelectual, explorando cuestiones filosóficas y éticas como El hombre de hierro (1981) de Andrzej Wajda , una crítica al gobierno comunista polaco, que ganó la Palma de Oro de 1981 en el Festival de Cine de Cannes . Otro director polaco, Krzysztof Kieślowski , realizó El decálogo para televisión en 1988, una serie de películas que explora cuestiones éticas y acertijos morales. Dos de estas películas se estrenaron en cines como Un cortometraje sobre el amor y Un cortometraje sobre el asesinato . En 1989, Woody Allen realizó, en palabras del crítico del New York Times Vincent Canby , su película más "seguramente seria y divertida hasta la fecha", Delitos y faltas , que involucra múltiples historias de personas que intentan encontrar la simplicidad moral y espiritual mientras enfrentan problemas y pensamientos terribles en torno a las decisiones que toman. El director francés Louis Malle eligió otro camino moral para explorar con la dramatización de sus experiencias infantiles de la vida real en Au revoir les enfants , que describe la deportación de judíos franceses por parte del gobierno nazi de ocupación a campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial.
Otra película de arte elogiada por la crítica de esta época, [50] la road movie de Wim Wenders Paris, Texas (1984), también ganó la Palma de Oro. [51] [52] [53]
Kieślowski no fue el único director que trascendió la distinción entre cine y televisión. Ingmar Bergman realizó Fanny y Alexander (1982), que se mostró en televisión en una versión extendida de cinco horas. En el Reino Unido, Channel 4 , un nuevo canal de televisión, financió, total o parcialmente, muchas películas estrenadas en salas a través de su filial Film 4. Wim Wenders ofreció otro enfoque de la vida desde un punto de vista espiritual en su película de 1987 Las alas del deseo , una representación de un "ángel caído" que vive entre los hombres, que ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes .
En 1982, el director experimental Godfrey Reggio estrenó el sorprendente éxito de cine de autor Koyaanisqatsi ; una película sin diálogos, que enfatiza la cinematografía (que consiste principalmente en cinematografía en cámara lenta y time-lapse de ciudades y paisajes naturales, lo que da como resultado un poema de tono visual ) y la ideología filosófica sobre la tecnología y el medio ambiente. [54] [55] [56]
Otro enfoque utilizado por los directores en la década de 1980 fue crear mundos alternativos extraños y surrealistas. After Hours (1985) de Martin Scorsese es una comedia de suspenso que retrata las desconcertantes aventuras de un hombre en un mundo nocturno surrealista de encuentros fortuitos con personajes misteriosos. Blue Velvet (1986) de David Lynch , un thriller de misterio al estilo del cine negro lleno de simbolismo y metáforas sobre mundos polarizados y habitados por personajes distorsionados que se esconden en el sórdido submundo de un pequeño pueblo, tuvo un éxito sorprendente teniendo en cuenta su temática altamente perturbadora. The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989) de Peter Greenaway es una comedia negra y fantástica sobre el canibalismo y la violencia extrema con un tema intelectual: una crítica a la "cultura de élite" en la Gran Bretaña thatcheriana .
Según Raphaël Bassan , en su artículo « El ángel : un meteoro en el cielo de la animación», [57] El ángel de Patrick Bokanowski , proyectada en el Festival de Cannes de 1982 , puede considerarse el inicio de la animación contemporánea. Las máscaras de los personajes borran toda personalidad humana y dan la impresión de un control total sobre la «materia» de la imagen y su composición óptica, utilizando zonas distorsionadas, visiones oscuras, metamorfosis y objetos sintéticos.
En 1989, Una ciudad triste, de Hou Hsiao-hsien, se convirtió en la primera película taiwanesa en recibir el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia . La película muestra la historia de Taiwán a través de una familia y marca otro paso en la nueva ola taiwanesa, que tiende a representar de forma realista y realista la vida tanto en las zonas urbanas como rurales de Taiwán.
En la década de 1990, los directores se inspiraron en el éxito de Terciopelo azul (1986) de David Lynch y El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) de Peter Greenaway y crearon películas con mundos alternativos extraños y elementos de surrealismo. Sueños (1990) del director japonés Akira Kurosawa retrató sus ensoñaciones imaginativas en una serie de viñetas que van desde paisajes rurales idílicos hasta visiones horribles de demonios atormentados y un paisaje devastado posterior a una guerra nuclear. Barton Fink (1991) de los hermanos Coen , que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , presenta varias alusiones literarias en una historia enigmática sobre un escritor que se encuentra con una variedad de personajes extraños, incluido un novelista alcohólico y abusivo y un asesino en serie. Lost Highway (1997), del mismo director que Blue Velvet , es un thriller psicológico que explora mundos de fantasía, extrañas transformaciones espacio-temporales y crisis mentales utilizando imágenes surrealistas.
Otros directores de la década de 1990 exploraron cuestiones filosóficas y temas como la identidad, el azar, la muerte y el existencialismo. My Own Private Idaho (1991) de Gus Van Sant y Chungking Express (1994) de Wong Kar-wai exploraron el tema de la identidad. La primera es una road movie/buddy film independiente sobre dos jóvenes estafadores callejeros, que explora el tema de la búsqueda de un hogar y una identidad. Se la denominó un "punto culminante en el cine independiente de los años 90", [58] una "reflexión poética y cruda", [59] y un "ejercicio de experimentación cinematográfica" [60] de "alta calidad artística". [30] Chungking Express [61] explora temas de identidad, desconexión, soledad y aislamiento en la "jungla de cemento metafórica" del Hong Kong moderno. Todd Haynes exploró la vida de una ama de casa suburbana y su eventual muerte por materiales tóxicos en el éxito de crítica de 1995, Safe . [62]
En 1991, otra película importante de Edward Yang , un director de la nueva ola taiwanesa, A Brighter Summer Day es el retrato de la vida normal de un adolescente que es evacuado de China a Taiwán, afectado por la situación política, la situación escolar y la situación familiar que hacen que un protagonista principal asesine a una niña al final. En 1992, Rebels of the Neon God , primer largometraje de Tsai Ming-liang , segunda generación de la nueva ola taiwanesa, tiene su estilo único de hacer películas como la alienación, el movimiento lento del actor (su elenco recurrente, Lee Kang-sheng ), ritmo lento y pocos diálogos.
La película Seven Servants (1996) de Daryush Shokof es una pieza original de cine de alto nivel sobre un hombre que se esfuerza por "unir" las razas del mundo hasta su último aliento. Un año después de Seven Servants , la película Taste of Cherry (1997) de Abbas Kiarostami , [63] que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, cuenta una historia similar con un giro diferente; ambas películas tratan sobre un hombre que intenta contratar a una persona para que lo entierre después de que se suicida. Seven Servants se filmó en un estilo minimalista, con tomas largas, un ritmo pausado y largos períodos de silencio. La película también es notable por su uso de planos generales y planos generales para crear una sensación de distancia entre el público y los personajes. Las obras de Zhang Yimou de principios de los años 90, como Ju Dou (1990), Raise the Red Lantern (1991), The Story of Qiu Ju (1992) y To Live (1994), exploran las emociones humanas a través de narrativas conmovedoras. To Live ganó el Gran Premio del Jurado.
Varias películas de la década de 1990 exploraron temas de orientación existencialista relacionados con la vida, el azar y la muerte. Short Cuts (1993) de Robert Altman explora temas de azar, muerte e infidelidad al rastrear 10 historias paralelas e interconectadas. La película, que ganó el León de Oro y la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia , fue llamada un "mural de jazz ecléctico de múltiples facetas, múltiples estados de ánimo y deslumbrantemente estructurado" por el crítico del Chicago Tribune Michael Wilmington. La doble vida de Verónica (1991) de Krzysztof Kieślowski es un drama sobre el tema de la identidad y una alegoría política sobre la división Este/Oeste en Europa; la película presenta una cinematografía estilizada, una atmósfera etérea y elementos sobrenaturales inexplicables.
La película Pi (1998) de Darren Aronofsky es una "película increíblemente compleja y ambigua llena de un estilo y una sustancia increíbles" sobre la "búsqueda de la paz" de un matemático paranoico. [64] La película crea un " mundo inquietante al estilo de Eraserhead " inspirado en David Lynch [65] filmado en "blanco y negro, que le da una atmósfera onírica a todos los procedimientos" y explora cuestiones como "la metafísica y la espiritualidad". [66] El ciclo de Cremaster (1994-2002) de Matthew Barney es un ciclo de cinco películas simbólicas y alegóricas que crea un sistema estético cerrado en sí mismo, destinado a explorar el proceso de creación. Las películas están llenas de alusiones a los órganos reproductivos y al desarrollo sexual, y utilizan modelos narrativos extraídos de la biografía, la mitología y la geología.
En 1997, Terrence Malick regresó de una ausencia de 20 años con The Thin Red Line , una película de guerra que utiliza la poesía y la naturaleza para diferenciarse de las típicas películas de guerra. Fue nominada a siete premios de la Academia , incluyendo Mejor Película y Mejor Director. [67]
Algunas películas de los años 90 mezclan una atmósfera visual etérea o surrealista con la exploración de cuestiones filosóficas. Sátántangó (1994), del director húngaro Béla Tarr , es una película de 7+Película de 1 ⁄ 2 hora de duración, filmada en blanco y negro, que trata sobre el tema favorito de Tarr, la incompetencia, cuando el estafador Irimias regresa a un pueblo en un lugar no especificado en Hungría, presentándose como un líder y una figura mesiánica ante los crédulos aldeanos. La trilogía Tres colores de Kieslowski (1993-94), en particular Azul (1993) y Rojo (1994), tratan sobre las relaciones humanas y cómo las personas las afrontan en su vida cotidiana. La trilogía de películas fue llamada "exploraciones de la espiritualidad y el existencialismo" [68] que crearon una "experiencia verdaderamente trascendente". [69] The Guardian incluyó a Rompiendo las olas (1996) como una de sus 25 mejores películas de autor. El crítico afirmó que "[t]ododos los ingredientes que han llegado a definir la carrera de Lars von Trier (y, a su vez, gran parte del cine europeo moderno) están presentes aquí: actuación en la cuerda floja, técnicas visuales innovadoras, una heroína sufriente, un drama que aborda problemas y una dosis galvanizadora de controversia para hacer que todo sea imperdible". [70]
Lewis Beale de Film Journal International afirmó que la película western del director australiano Andrew Dominik El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007) es "una obra fascinante, basada en la literatura, que tiene éxito tanto como película de arte como de género". [71] A diferencia de las películas de acción de Jesse James del pasado, la epopeya poco convencional de Dominik quizás detalla con mayor precisión la psique renunciante del forajido durante los últimos meses de su vida mientras sucumbe a la paranoia de ser capturado y desarrolla una amistad precaria con su eventual asesino, Robert Ford .
En 2009, el director Paul Thomas Anderson afirmó que su película de 2002 Punch-Drunk Love sobre un tímido y reprimido adicto a la ira era "una película de arte y ensayo de Adam Sandler ", en referencia a la improbable inclusión del cómico "chico de fraternidad" Sandler en la película; el crítico Roger Ebert afirma que Punch-Drunk Love "puede ser la clave de todas las películas de Adam Sandler, y puede liberar a Sandler para una nueva dirección en su trabajo. No puede seguir haciendo esas comedias estúpidas para siempre, ¿verdad? ¿Quién habría adivinado que tenía profundidades tan inexploradas?" [72]
El tío Boonmee, que recuerda sus vidas pasadas , de Apichatpong Weerasethakul , que ganó la Palma de Oro de Cannes en 2010, "une lo que podría ser una serie de escenas bellamente filmadas con reflexiones conmovedoras y divertidas sobre la naturaleza de la muerte y la reencarnación, el amor, la pérdida y el karma". [73] Weerasethakul es un director de cine independiente, guionista y productor de cine, que trabaja fuera de los estrictos confines del sistema de estudios cinematográficos tailandés. Sus películas tratan sobre los sueños, la naturaleza, la sexualidad, incluida su propia homosexualidad, [74] y las percepciones occidentales de Tailandia y Asia. Las películas de Weerasethakul muestran una preferencia por las estructuras narrativas no convencionales (como colocar títulos/créditos en el medio de una película) y por trabajar con actores no profesionales.
El árbol de la vida (2011) de Terrence Malick se estrenó después de décadas de desarrollo y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2011 ; fue muy elogiada por los críticos. En el Teatro Avon en Stamford, Connecticut , se publicó un mensaje sobre la política de no reembolso del teatro debido a "algunos comentarios de los clientes y una respuesta polarizada de la audiencia" a la película. El teatro declaró que "respalda esta ambiciosa obra de arte y otras películas desafiantes". [75] Drive (2011), dirigida por Nicolas Winding Refn , [76] se denomina comúnmente una película de acción de autor . [77] También en 2011, el director Lars von Trier estrenó Melancholia , una película que trata sobre la depresión y otros trastornos mentales y que también muestra la reacción de una familia ante un planeta que se acerca y podría colisionar con la Tierra. La película fue bien recibida, algunos afirmaron que era la obra maestra de Von Trier y otros destacaron la actuación de Kirsten Dunst , las imágenes y el realismo representado en la película.
Under the Skin de Jonathan Glazer (un ejemplo de " ciencia ficción de autor " [78] ) se proyectó en el Festival de Cine de Venecia de 2013 y recibió un estreno en cines a través del estudio independiente A24 el año siguiente. La película, protagonizada por Scarlett Johansson , sigue a un extraterrestre en forma humana mientras viaja por Glasgow , recogiendo hombres incautos para tener sexo, cosechando su carne y despojándolos de su humanidad. Al tratar temas como la sexualidad, la humanidad y la cosificación, la película recibió críticas positivas [79] y fue aclamada por algunos como una obra maestra; [80] el crítico Richard Roeper describió la película como "de lo que hablamos cuando hablamos de cine como arte". [81]
Esta década también vio un resurgimiento del " terror artístico " [82] con el éxito de películas como Beyond the Black Rainbow (2010), Black Swan (2010), Stoker (2013), Enemy (2013), The Babadook (2014), Only Lovers Left Alive (2014), A Girl Walks Home Alone at Night (2014), Goodnight Mommy (2014), Nightcrawler (2014), It Follows (2015), The Witch (2015), The Wailing (2016), Split (2016), el thriller social Get Out (2017), Mother! (2017), Aniquilación (2018), Un lugar tranquilo (2018), Hereditary (2018), Suspiria (2018; una nueva versión de la película de 1977 del mismo nombre ), Mandy (2018), El ruiseñor (2018), La casa de Jack (2018), Nosotros (2019), Midsommar (2019), El faro (2019), Color Out of Space (2019) y la ganadora del Premio de la Academia a la Mejor Película, Parásitos (2019). [83] [84] [85] [86] [87]
Roma (2018), es una película de Alfonso Cuarón inspirada en su infancia viviendo en el México de los años 70. Filmada en blanco y negro, trata temas compartidos con las películas anteriores de Cuarón, como la mortalidad y la clase. La película fue distribuida a través de Netflix , lo que le valió al gigante del streaming su primeranominación al Premio de la Academia a Mejor Película . [88]
La animación independiente (con títulos nominados al Oscar como Song of the Sea y Loving Vincent ) también estaba ganando impulso durante esta era como una alternativa a las películas animadas convencionales junto con las obras de los aclamados animadores Satoshi Kon , Don Hertzfeldt y Ari Folman de la década anterior. [89] [90] [91]
Tom Shone dijo sobre el trabajo de Christopher Nolan : "Ha completado once largometrajes, [...] todos ellos marcando las casillas del entretenimiento de estudio, pero indeleblemente marcados con el tipo de temas y obsesiones personales que son tradicionalmente el dominio exclusivo del cine de arte: el paso del tiempo, los fallos de la memoria, nuestras peculiaridades de negación y desviación, el íntimo mecanismo de nuestra vida interior, en paisajes en los que las fallas del industrialismo tardío se encuentran con los puntos de fisura y las paradojas de la era de la información ". [92]
Las críticas a las películas de arte incluyen que son demasiado pretenciosas y autocomplacientes para el público general. [93] [94] [95]
El crítico de cine de LA Weekly, Michael Nordine, citó las películas Gummo (1997) como una " película de explotación de cine independiente " y Amores perros (2000) como un ejemplo "del estereotipo de cine independiente de presentar más perros muertos que Donde crece el helecho rojo y todos los demás libros que tuviste que leer en la escuela secundaria". [96]
Se ha identificado la televisión artística de calidad , [97] un género o estilo televisivo que comparte algunos de los mismos rasgos que las películas de arte. Los programas de televisión, como Twin Peaks de David Lynch y The Singing Detective de la BBC , también tienen "una relajación de la causalidad, un mayor énfasis en el realismo psicológico o anecdótico, violaciones de la claridad clásica del espacio y el tiempo, comentarios explícitos del autor y ambigüedad". [98]
Al igual que gran parte de la obra de Lynch (en particular la película Blue Velvet ), Twin Peaks explora el abismo entre la apariencia de respetabilidad pueblerina y las capas más sórdidas de la vida que se esconden bajo su superficie. Es difícil encuadrar el programa en un género televisivo definido; estilísticamente, toma prestado el tono inquietante y las premisas sobrenaturales de las películas de terror y, al mismo tiempo, ofrece una parodia extrañamente cómica de las telenovelas estadounidenses con una presentación exagerada y melodramática de las actividades moralmente dudosas de sus extravagantes personajes. El programa representa una investigación moral seria que se distingue tanto por el humor extraño como por una profunda vena de surrealismo , incorporando viñetas muy estilizadas, imágenes artísticas surrealistas y a menudo inaccesibles junto con la narrativa de los acontecimientos, por lo demás comprensible.
La serie de televisión Black Mirror , dirigida por Charlie Brooker y ganadora de un premio Emmy y centrada en el Reino Unido, explora los temas oscuros y a veces satíricos de la sociedad moderna, en particular en lo que respecta a las consecuencias imprevistas de las nuevas tecnologías. Aunque se la clasificó como "ficción especulativa", en lugar de televisión de arte, recibió críticas muy favorables. The Wire, de HBO , también podría calificarse como "televisión artística", ya que ha obtenido una mayor cantidad de atención crítica por parte de los académicos que la mayoría de los programas de televisión. Por ejemplo, la revista de teoría cinematográfica Film Quarterly ha presentado el programa en su portada. [99]
Las películas de arte han formado parte de la cultura popular, desde comedias animadas como Los Simpson [100] y Clone High, que las parodiaban y satirizan [101] hasta la serie web de reseñas de películas cómicas Brows Held High (presentada por Kyle Kallgren). [102] [103] [104] [105]