Un autor ( / oʊˈtɜːr / ; francés : [otœʁ] , lit. ' autor ') es un artista con un enfoque distintivo, generalmente un director de cine cuyo control cinematográfico es tan ilimitado y personal que el director es comparado con el "autor" de la película, [1] manifestando así el estilo único del director o el enfoque temático. [2] Como valor anónimo, el autorismo se originó en la crítica cinematográfica francesa de finales de la década de 1940, [3] y deriva del enfoque crítico de André Bazin y Alexandre Astruc , mientras que el crítico estadounidense Andrew Sarris en 1962 lo llamó teoría del autor . [4] [5] Sin embargo, el concepto apareció por primera vez en francés en 1955 cuando el director François Truffaut lo denominó política de los autores e interpretó las películas de algunos directores, como Alfred Hitchcock , como un cuerpo que revela temas y preocupaciones recurrentes.
El actor estadounidense Jerry Lewis dirigió su propia película de 1960 The Bellboy con un control total y fue elogiado por su "genio personal". En 1970, había surgido la era del Nuevo Hollywood con estudios que otorgaban a los directores un amplio margen de maniobra. Pauline Kael argumentó, sin embargo, que los "autores" dependen de la creatividad de otros, como los directores de fotografía. [6] [7] Georges Sadoul consideró que el supuesto "autor" de una película podría ser incluso un actor, pero una película es, de hecho, colaborativa. [8] Aljean Harmetz citó un gran control incluso por parte de los ejecutivos cinematográficos. [9] La visión de David Kipen del guionista como el autor principal se denomina teoría de Schreiber . En la década de 1980, los grandes fracasos impulsaron a los estudios a reafirmar el control. El concepto de autor también se ha aplicado a directores no cinematográficos, como productores de discos y diseñadores de videojuegos , como Hideo Kojima . [10]
Incluso antes de la teoría del autor, el director era considerado la influencia más importante en una película. En Alemania, un teórico cinematográfico temprano, Walter Julius Bloem , explicó que dado que el cine es un arte orientado a la cultura popular, la influencia inmediata de una película, el director, es visto como el artista, mientras que un colaborador anterior, como el guionista, es visto como un aprendiz. [11] [12] [ se necesita una mejor fuente ] James Agee , un destacado crítico de cine de la década de 1940, dijo que "las mejores películas son las personales, hechas por directores enérgicos". [12] Mientras tanto, los críticos de cine franceses André Bazin y Roger Leenhardt describieron que los directores, al revitalizar las películas, representan las propias visiones del mundo y las impresiones del director sobre el tema, por ejemplo, variando la iluminación, el trabajo de cámara, la puesta en escena, el montaje, etc. [13]
Cuando comenzó la Nouvelle Vague en el cine francés, la revista francesa Cahiers du cinéma , fundada en 1951, se convirtió en un centro de debate sobre el papel de los directores en el cine. En un ensayo de 1954, [14] François Truffaut criticó el imperante "cine de calidad" según el cual los directores, fieles al guion, se limitan a adaptar una novela literaria. Truffaut describió a ese director como un metteur en scéne , un mero "escenificador" que añade los actores y las imágenes. [15] Para representar la opinión de que los directores que expresan su personalidad en su trabajo hacen mejores películas, Truffaut acuñó la frase "la politique des auteurs", o "la política de los autores". [16] Nombró a ocho escritores-directores, Jean Renoir , Robert Bresson , Jean Cocteau , Jacques Becker , Abel Gance , Max Ophüls , Jacques Tati y Roger Leenhardt , como ejemplos de estos "autores". [14]
Jerry Lewis , un actor del sistema de estudios de Hollywood, dirigió su propia película de 1960 The Bellboy . La influencia de Lewis en ella abarcó roles comerciales y creativos, incluyendo escritura, dirección, iluminación, edición y dirección de arte. Los críticos de cine franceses, que publicaron en Cahiers du Cinéma y en Positif , elogiaron los resultados de Lewis. Por su puesta en escena y trabajo de cámara, Lewis fue comparado con Howard Hawks , Alfred Hitchcock y Satyajit Ray . En particular, Jean-Luc Godard atribuyó el "genio personal" de Lewis por convertirlo en "el único en Hollywood que hace algo diferente, el único que no cae en las categorías establecidas, las normas, los principios", "el único hoy que está haciendo películas valientes". [17]
En su ensayo de 1962 "Notas sobre la teoría del autor", publicado en la revista Film Culture , [18] el crítico de cine estadounidense Andrew Sarris tradujo el término francés la politique des auteurs , de François Truffaut en 1955, al término sarrisiano teoría del autor . Sarris lo aplicó a las películas de Hollywood y lo desarrolló en su libro de 1968, The American Cinema: Directors and Directions 1929–1968 , que ayudó a popularizar el término inglés.
A través de la teoría del autor, el escrutinio crítico y público de las películas pasó de sus estrellas a la creación en general. [12] En los años 1960 y 1970, una nueva generación de directores, revitalizando la producción cinematográfica al ejercer un mayor control, manifestó la era del Nuevo Hollywood , [19] [20] cuando los estudios otorgaron a los directores más margen de maniobra para asumir riesgos. [21] Sin embargo, en la década de 1980, tras fracasos de alto perfil como Heaven's Gate , los estudios reafirmaron el control, silenciando la teoría del autor. [22]
Pauline Kael , una de las primeras críticas de la teoría del autor, [23] [24] [25] debatió con Andrew Sarris en revistas. [26] [7] En su ensayo de 1971 " Raising Kane ", que defiende una película como una colaboración, examina la película de Orson Welles de 1941 , Ciudadano Kane , y encuentra una amplia confianza en el coguionista Herman J. Mankiewicz y en el director de fotografía Gregg Toland . [27]
Richard Corliss y David Kipen argumentaron que el éxito de una película depende más del guion. [28] [29] [30] En 2006, para representar al guionista como el autor principal de la película, Kipen acuñó el término teoría de Schreiber .
Para el historiador de cine Georges Sadoul , el "autor" principal de una película también puede ser un actor, un guionista, un productor o el autor de una novela, aunque una película es el trabajo de un colectivo. [8] El historiador de cine Aljean Harmetz , citando el aporte del Hollywood clásico por parte de productores y ejecutivos, sostuvo que la teoría del autor "se derrumba frente a la realidad del sistema de estudios ". [9]
En una crítica feminista, Maria Giese alegó en 2013 que la teoría del autor está sesgada hacia los hombres, ya que los panteones de autores apenas incluyen a una mujer. [31] Esto puede reflejar la gran escasez de mujeres como directoras , con aproximadamente el 7% de las directoras siendo mujeres entre las 250 películas más taquilleras en 2016. [32]
En algunas referencias jurídicas, una película se considera una obra de arte mientras que el autor, como su creador, es el titular original de los derechos de autor. En virtud de la legislación de la Unión Europea , en gran medida por influencia de la teoría del autor, un director de cine es considerado el autor de la película o uno de sus autores. [33]
Las referencias de la teoría del autor se aplican ocasionalmente a músicos, intérpretes musicales y productores musicales. A partir de la década de 1960, el productor de discos Phil Spector es considerado el primer autor entre los productores de música popular. [34] [35] El autor Matthew Bannister lo nombró el primer productor "estrella". [35] El periodista Richard Williams escribió:
Spector creó un nuevo concepto: el productor como director general del proceso creativo, de principio a fin. Tomó el control de todo, eligió a los artistas, escribió o eligió el material, supervisó los arreglos, les dijo a los cantantes cómo debían frasear, planeó todas las fases del proceso de grabación con la mayor atención al detalle y publicó el resultado en su propio sello. [36]
Otro autor de música pop temprana fue Brian Wilson , [37] dirigido por Spector. [38] En 1962, la banda de Wilson, los Beach Boys , firmó con Capitol Records y rápidamente se convirtió en un éxito comercial, por lo que Wilson fue uno de los primeros artistas de grabación que también fue un productor emprendedor. [39] Antes del " pop progresivo " de finales de la década de 1960, los intérpretes normalmente tenían poca participación en sus propios discos. [40] Wilson, sin embargo, utilizó el estudio como un instrumento, [38] así como un alto nivel de control del estudio [41] que otros artistas pronto buscaron. [37]
Según Jason Guriel de The Atlantic , el álbum Pet Sounds de los Beach Boys de 1966 , producido por Wilson, anticipó a autores posteriores como Kanye West , así como "el ascenso del productor" y "la era moderna centrada en el pop, que privilegia al productor sobre el artista y desdibuja la línea entre entretenimiento y arte... Cada vez que una banda o un músico desaparece en un estudio para idear un misterio de la duración de un álbum, el fantasma de Wilson está rondando cerca". [42]
puerta del cielo 16 de abril de 1979.
