El cine de Italia ( en italiano : cinema italiano , pronunciado [ˈtʃiːnema itaˈljaːno] ) comprende las películas realizadas en Italia o por directores italianos . Desde sus inicios, el cine italiano ha influido en los movimientos cinematográficos de todo el mundo. Italia es una de las cunas del cine de arte y el aspecto estilístico de la película ha sido uno de los factores más importantes en la historia del cine italiano. [5] [6] A partir de 2018, las películas italianas han ganado 14 Premios Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera (la mayor cantidad de cualquier país), así como 12 Palmas de Oro (la segunda mayor cantidad de cualquier país), un Premio Óscar a la Mejor Película y muchos Leones de Oro y Osos de Oro .
La historia del cine italiano comienza unos meses después de que los hermanos Lumière iniciaran las exhibiciones cinematográficas. [7] [8] Se considera que el primer director italiano fue Vittorio Calcina , colaborador de los hermanos Lumière, quien filmó El papa León XIII en 1896. Las primeras películas datan de 1896 y se realizaron en las principales ciudades de la península itálica . [7] [8] Estos breves experimentos atendieron inmediatamente la curiosidad de la clase popular, animando a los operadores a producir nuevas películas hasta sentar las bases para el nacimiento de una verdadera industria cinematográfica. [7] [8] En los primeros años del siglo XX se desarrolló el cine mudo , llevando a la primera línea a numerosas estrellas italianas hasta el final de la Primera Guerra Mundial . [9] A principios del siglo XX, se realizaron películas artísticas y épicas como Otello (1906), Los últimos días de Pompeya (1908), L'Inferno (1911), Quo Vadis (1913) y Cabiria (1914), adaptaciones de libros u obras de teatro. Los cineastas italianos utilizaban diseños de escenarios complejos, vestuario lujoso y presupuestos récord para producir películas pioneras.
El movimiento cinematográfico de vanguardia europeo más antiguo, el futurismo italiano , tuvo lugar a finales de la década de 1910. [10] Después de un período de declive en la década de 1920, la industria cinematográfica italiana se revitalizó en la década de 1930 con la llegada del cine sonoro . Un género italiano popular durante este período, los Telefoni Bianchi , consistían en comedias con fondos glamorosos. El caligrafismo, en cambio, contrastaba marcadamente con las comedias de estilo estadounidense de los Telefoni Bianchi y es más bien artístico , altamente formalista , expresivo en complejidad y trata principalmente de material literario contemporáneo. Si bien el gobierno fascista de Italia brindó apoyo financiero a la industria cinematográfica del país, en particular la construcción de los estudios Cinecittà (el estudio cinematográfico más grande de Europa), también participó en la censura y, por lo tanto, muchas películas italianas producidas a fines de la década de 1930 fueron películas de propaganda . Una nueva era tuvo lugar al final de la Segunda Guerra Mundial con el nacimiento del influyente movimiento neorrealista italiano , que alcanzó un amplio consenso de público y crítica durante todo el período de posguerra, [11] y que lanzó las carreras como directores de Luchino Visconti , Roberto Rossellini y Vittorio De Sica . El neorrealismo declinó a fines de la década de 1950 en favor de películas más ligeras, como las del género Commedia all'italiana y directores importantes como Federico Fellini y Michelangelo Antonioni . Actrices como Sophia Loren , Giulietta Masina y Gina Lollobrigida alcanzaron el estrellato internacional durante este período. [12]
Desde mediados de la década de 1950 hasta finales de la década de 1970, la Commedia all'italiana y muchos otros géneros surgieron debido al cine de autor , y el cine italiano alcanzó una posición de gran prestigio tanto a nivel nacional como en el extranjero. [13] [14] El spaghetti western alcanzó popularidad a mediados de la década de 1960, alcanzando su punto máximo con la Trilogía del dólar de Sergio Leone , que contó con enigmáticas partituras del compositor Ennio Morricone , que se han convertido en íconos de la cultura popular del género western . Los thrillers eróticos italianos, o giallo , producidos por directores como Mario Bava y Dario Argento en la década de 1970, influyeron en el género de terror en todo el mundo. Desde la década de 1980, debido a múltiples factores, la producción italiana ha atravesado una crisis que no ha impedido la producción de películas de calidad en la década de 1990 y en el nuevo milenio, gracias a un resurgimiento del cine italiano, premiado y apreciado en todo el mundo. [15] [16] [17] Durante los años 1980 y 1990, directores como Ermanno Olmi , Bernardo Bertolucci , Giuseppe Tornatore , Gabriele Salvatores y Roberto Benigni trajeron de nuevo el reconocimiento de la crítica al cine italiano, [12] mientras que los directores más populares de los años 2000 y 2010 fueron Matteo Garrone , Paolo Sorrentino , Marco Bellocchio , Nanni Moretti . y Marco Tullio Giordana . [18]
El país también es famoso por su prestigioso Festival de Cine de Venecia , el festival de cine más antiguo del mundo, que se celebra anualmente desde 1932 y que otorga el León de Oro ; [19] y por el David di Donatello . En 2008, las Jornadas de los Autores, una sección que se celebra en paralelo al Festival de Cine de Venecia, ha elaborado en colaboración con los estudios Cinecittà y el Ministerio de Bienes Culturales una lista de 100 películas que han cambiado la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978: las " 100 películas italianas que hay que salvar ".
La historia del cine italiano comienza unos meses después de que los hermanos franceses Lumière , quienes realizaron la primera proyección pública de una película el 28 de diciembre de 1895, evento considerado el nacimiento del cine, iniciaran las exhibiciones cinematográficas. [7] [8] Se considera que el primer director italiano fue Vittorio Calcina , colaborador de los hermanos Lumière, quien filmó al papa León XIII el 26 de febrero de 1896 en el cortometraje Sua Santità papa Leone XIII ("Su Santidad el Papa León XIII"). [20] Luego se convirtió en el fotógrafo oficial de la Casa de Saboya , [21] la dinastía gobernante italiana desde 1861 hasta 1946. En este papel filmó la primera película italiana, Sua Maestà il Re Umberto e Sua Maestà la Regina Margherita a passeggio per il parco a Monza ("Su Majestad el Rey Umberto y Su Majestad la Reina Margherita paseando por el Parque de Monza "), que se creía perdida hasta que fue redescubierta por la Cineteca Nazionale en 1979. [22]
Los hermanos Lumière iniciaron las proyecciones públicas en Italia en 1896, comenzando en marzo, en Roma y Milán ; en abril en Nápoles , Salerno y Bari ; en junio en Livorno ; en agosto en Bérgamo , Bolonia y Rávena ; en octubre en Ancona ; [23] y en diciembre en Turín , Pescara y Reggio Calabria . [24] No mucho antes, en 1895, Filoteo Alberini patentó su " kinetógrafo ", un dispositivo de disparo y proyección no muy diferente al de los hermanos Lumières. [12] [25]
Los aprendices italianos de Lumière produjeron cortometrajes que documentaban la vida cotidiana y tiras cómicas a finales de la década de 1890 y principios de 1900. Al poco tiempo, otros pioneros abrieron camino. También estuvieron activos Italo Pacchioni , Arturo Ambrosio , Giovanni Vitrotti y Roberto Omegna . El éxito de los cortometrajes fue inmediato. El cine fascinó por su capacidad de mostrar realidades geográficas lejanas con una precisión sin precedentes y, viceversa, de inmortalizar momentos cotidianos. Se filman acontecimientos deportivos, eventos locales, tráfico intenso por carretera, la llegada de un tren, visitas de personajes famosos, pero también desastres naturales y calamidades.
Los títulos de la época incluyen Arrivo del treno alla Stazione di Milano ("Llegada del tren a la estación de Milán") (1896), La battaglia di neve ("La batalla de la nieve") (1896), La gabbia dei matti ("La La jaula de los locos") (1896), Ballo in famiglia ("Danza familiar") (1896), Il finto storpio al Castello Sforzesco ("El falso lisiado en el Castello Sforzesco ") (1896) y La Fiera di Porta Genova ("La feria de Porta Genova ") (1898), todas rodadas por Italo Pacchioni , que fue también el inventor de una cámara y un proyector , inspirado en el cinematógrafo de los hermanos Lumière, conservado en la Cineteca Italiana de Milán. [26]
Si el interés de las masas fuera entusiasta, la novedad tecnológica probablemente sería desdeñada, al menos al principio, por los intelectuales y la prensa. [27] A pesar de la duda inicial, en solo dos años, el cine escala la jerarquía de la sociedad, intrigando a las clases más ricas. El 28 de enero de 1897, el príncipe Víctor Manuel y la princesa Elena de Montenegro asistieron a una proyección organizada por Vittorio Calcina, en una sala del Palacio Pitti de Florencia . [28] Interesados en experimentar con el nuevo medio, fueron filmados en SAR il Principe di Napoli e la Principessa Elena visitano il battistero di S. Giovanni a Firenze ("Sus verdaderas alturas el Príncipe de Nápoles y la Princesa Elena visitan el baptisterio de San Juan en Florencia") y el día de su boda en Dimostrazione popolare alle LL. AA. i Principi sposi (al Pantheon – Roma) ("Manifestación popular en el apogeo de las esposas de los príncipes (en el Panteón – Roma)"). [29] [30]
En los primeros años del siglo XX se desarrolló en toda Italia el fenómeno de los cines itinerantes, que alfabetizaban el medio visual. [31] Esta innovadora forma de espectáculo agotó, en poco tiempo, una serie de atracciones ópticas como linternas mágicas, cinematógrafos, estereoscopios, panoramas y dioramas que habían alimentado el imaginario europeo y favorecido la circulación de un mercado común de imágenes. [32] El naciente cine italiano, por tanto, sigue vinculado a los espectáculos tradicionales de la commedia dell'arte o a los típicos del folclore circense. Las proyecciones públicas tienen lugar en las calles, en los cafés o en los teatros de variedades en presencia de un estafador que tiene la tarea de promover y enriquecer la historia. [33]
Entre 1903 y 1909 el cine itinerante italiano, considerado hasta entonces como un fenómeno extraño, fue apaciguándose hasta adquirir consistencia y asumir las características de una auténtica industria, liderada por cuatro grandes organizaciones: Titanus (originalmente Monopolio Lombardo ), la primera productora cinematográfica italiana [34] y la más grande y probablemente la más famosa casa cinematográfica de Italia [35] fundada por Gustavo Lombardo en Nápoles en 1904, Cines , con sede en Roma; y las compañías turinesas Ambrosio Film e Itala Film . [24] Pronto siguieron otras compañías en Milán, y estas primeras compañías alcanzaron rápidamente una calidad de producción respetable y pudieron comercializar sus productos tanto en Italia como en el extranjero. Las primeras películas italianas consistieron típicamente en adaptaciones de libros u obras de teatro, como Otello (1906) de Mario Caserini y Los últimos días de Pompeya ( 1908) de Arturo Ambrosio , una adaptación de la novela homónima de Edward Bulwer-Lytton . También fueron populares durante este período las películas sobre personajes históricos, como Beatrice Cenci (1909) de Caserini y Lucrezia Borgia (1910) de Ugo Falena .
En 1905, Cines inauguró el género del cine histórico , que en esta década dio una gran fortuna a muchos cineastas italianos. Una de las primeras de estas películas fue La presa di Roma (1905), de 10 minutos de duración, y realizada por Filoteo Alberini . El operador emplea por primera vez actores de origen teatral, explotando el argumento histórico en clave popular y pedagógica. La película, asimilando la lección de Manzoni de hacer verosímil la ficción histórica, reconstruye la Toma de Roma el 20 de septiembre de 1870.
El descubrimiento del potencial espectacular del medio cinematográfico favoreció el desarrollo de un cine con grandes ambiciones, capaz de incorporar todas las sugerencias culturales e históricas del país. [24] La educación es una fuente inagotable de ideas, ideas que son fácilmente asimiladas no sólo por un público culto sino también por las masas. [24] Decenas de personajes de textos hacen su aparición en la gran pantalla como el Conde de Montecristo , Giordano Bruno , Judith decapitando a Holofernes , Francesca da Rimini , Lorenzino de' Medici , Rigoletto , el Conde Ugolino y otros. [24] Desde un punto de vista iconográfico, los principales referentes son los grandes artistas renacentistas y neoclásicos, así como los simbolistas y las ilustraciones populares. [36]
En la década de 1910, la industria cinematográfica italiana se desarrolló rápidamente. [37] En 1912, año de mayor expansión, se produjeron 569 películas en Turín, 420 en Roma y 120 en Milán. [38] Los primeros actores italianos populares incluyeron a Emilio Ghione , Alberto Collo , Bartolomeo Pagano , Amleto Novelli , Lyda Borelli , Ida Carloni Talli , Lidia Quaranta y Maria Jacobini . [12]
Perdidos en la oscuridad , película dramática muda dirigida por Nino Martoglio y producida en 1914, documentó la vida en los barrios marginales de Nápoles , y se considera un precursor del movimiento neorrealista italiano de las décadas de 1940 y 1950. [12] La única copia sobreviviente de esta película fue destruida por las fuerzas alemanas nazis durante la Segunda Guerra Mundial . [39] Esta película está basada en una obra de teatro de 1901 del mismo título de Roberto Bracco .
En los tres años que preceden a la Primera Guerra Mundial , a medida que la producción se consolida, las películas mitológicas, cómicas y dramáticas se exportan a todo el mundo. Mientras tanto, en el campo de la interpretación, nace el fenómeno del estrellato que durante algunos años conocerá un éxito imparable. Con el final de la década, Roma se consolida definitivamente como el principal centro de producción; esto se mantendrá, a pesar de las crisis que periódicamente sacudirán la industria, hasta nuestros días.
Los arquetipos de este género cinematográfico fueron Los últimos días de Pompeya (1908), de Arturo Ambrosio y Luigi Maggi y Nerón (1909), del propio Maggi y Arrigo Frusta. Esta última película se inspiró en la obra de Pietro Cossa que iconográficamente se basa en los grabados de Bartolomeo Pinelli , el neoclasicismo y el espectáculo Nerón o la destrucción de Roma representado por el circo Barnum . [40] Le siguieron Marin Faliero, dux de Venecia (1909), de Giuseppe De Liguoro , Otello (1909) de Yambo y L'Odissea (1911), de Bertolini, Padovan y De Liguoro.
L'Inferno , producida por Milano Films en 1911, incluso antes de ser una adaptación del cántico de Dante , fue una traducción cinematográfica de los grabados de Gustave Doré que experimenta con la integración de efectos ópticos y acción escénica, y fue el primer largometraje italiano jamás realizado. [41] Los últimos días de Pompeya (1913), de Eleuterio Rodolfi , utilizó efectos especiales innovadores.
La película Quo Vadis de Enrico Guazzoni de 1913 fue uno de los primeros éxitos de taquilla en la historia del cine , utilizando miles de extras y una escenografía lujosa. [42] El éxito internacional de la película marcó la maduración del género y le permite a Guazzoni hacer películas cada vez más espectaculares como Antonio y Cleopatra (1913) y Julio César (1914). La película Cabiria de Giovanni Pastrone de 1914 fue una producción aún más grande, que requirió dos años y un presupuesto récord para producirse, fue la primera película épica jamás realizada y se considera la película muda italiana más famosa . [37] [43] También fue la primera película de la historia en exhibirse en la Casa Blanca . [44] [45] [46] Después de Guazzoni vinieron Emilio Ghione , Febo Mari , Carmine Gallone , Giulio Antamoro y muchos otros que contribuyeron a la expansión del género.
Tras el gran éxito de Cabiria , con el cambio de gustos del público y los primeros síntomas de la crisis industrial, el género empezó a dar síntomas de crisis. El plan de Pastrone de adaptar la Biblia con miles de extras quedó sin cumplirse. Christus (1916) de Antamoro y Los cruzados (1918) de Guazzoni siguieron destacando por su complejidad iconográfica pero no ofrecieron novedades sustanciales. A pesar de los intentos esporádicos de reconectarse con la grandiosidad del pasado, la tendencia de los blockbusters históricos se interrumpió a principios de la década de 1920.
En la primera y segunda década del siglo XX se produjo una prolífica producción cinematográfica orientada a contenidos de investigación y misterio, apoyada por una variada literatura italiana y extranjera que favorece su transposición al cine. Lo que más tarde asumiría la síntesis del giallo , de hecho, se produjo y distribuyó en los albores del cine italiano. Las productoras más prolíficas en la década de 1910 fueron Cines , Ambrosio Film , Itala Film , Aquila Films , Milano Films y muchas otras, mientras que títulos como Il delitto del magistrato (1907), Il cadavere misterioso (1908), Il piccolo Sherlock Holmes (1909), L'abisso (1910) y Alibi atroce (1910), rompieron la imaginación de los primeros usuarios del cine que exigían una mayor oferta. El consenso popular es notable hasta el punto de alentar a la industria cinematográfica a invertir más recursos de producción, ya que estas películas también se distribuyen en los mercados francés y anglosajón. Así, directores entre los más prolíficos en este campo como Oreste Mentasti, Luigi Maggi , Arrigo Frusta y Ubaldo Maria Del Colle , junto a muchos otros menos conocidos, dirigen varias decenas de películas donde elementos narrativos clásicos del proto-giallo mudo (misterio, crimen, investigación investigativa y giro final) constituyen los aspectos estructurales de la representación cinematográfica.
Elvira Notari , la primera directora italiana y uno de los estrenos de la historia del cine mundial, dirigió Carmela, la sartina di Montesanto (1916). En Palermo , Lucarelli Film produjo La cassaforte n. 8 (1914) e Ipnotismo (1914), la película Azzurri La regina della notte (1915), la película Lumen Il romanzo fantastico del Dr. Mercanton o il giustiziere invisibile (1915) y Profumo mortale (1915), todas películas atribuibles a la proto-giallo que se multiplicó en las décadas siguientes, convirtiéndose en preparatorio para el posterior nacimiento del giallo .
Entre 1913 y 1920 se produjo el auge, desarrollo y declive del fenómeno del estrellato cinematográfico, nacido con el estreno de Ma l'amor mio non muore (1913), de Mario Caserini . La película tuvo un gran éxito de público y codificó la ambientación y la estética del estrellato femenino. En apenas unos años se consolidaron Eleonora Duse , Pina Menichelli , Rina De Liguoro , Leda Gys , Hesperia , Vittoria Lepanto, Mary Cleo Tarlarini e Italia Almirante Manzini .
Películas como Fior di male (1914), de Carmine Gallone , Il fuoco (1915), de Giovanni Pastrone , Rapsodia satanica (1917), de Nino Oxilia y Cenere (1917), de Febo Mari , cambiaron el traje nacional, imponiendo cánones de belleza, modelos a seguir y objetos de deseo. [47] Estos modelos, fuertemente estilizados según las tendencias culturales y artísticas de la época, se alejaron del naturalismo en favor de la actuación melodramática, el gesto pictórico y la pose teatral; todo ello favorecido por el uso incesante del primer plano que centra la atención en la expresividad de la actriz. [48]
El comediante de mayor éxito en Italia fue André Deed , más conocido en Italia como Cretinetti , protagonista de un cortometraje cómico para Itala Film . Su éxito allanó el camino para Marcel Fabre ( Robinet ), Ernesto Vaser ( Fricot ) y muchos otros. El único actor de cierta envergadura, sin embargo, fue Ferdinand Guillaume , que se hizo famoso con el nombre artístico de Polidor . [49]
El interés histórico de estas películas residía en su capacidad de revelar las aspiraciones y los temores de una sociedad pequeñoburguesa dividida entre el deseo de afirmación y las incertidumbres del presente. Era significativo que los protagonistas de los cómicos italianos nunca se situaran en abierto contraste con la sociedad ni encarnaran el deseo de venganza social (como sucede, por ejemplo, con Charlie Chaplin ), sino que intentaran integrarse en un mundo fuertemente deseado. [50]
El cine futurista italiano fue el movimiento más antiguo del cine de vanguardia europeo . [10] El futurismo italiano , un movimiento artístico y social , impactó en la industria cinematográfica italiana desde 1916 hasta 1919. [51] Influyó en el cine futurista ruso [52] y en el cine expresionista alemán . [53] Su importancia cultural fue considerable e influyó en todas las vanguardias posteriores, así como en algunos autores de cine narrativo; su eco se expande a las visiones oníricas de algunas películas de Alfred Hitchcock . [54]
El futurismo enfatizaba el dinamismo, la velocidad, la tecnología, la juventud, la violencia y objetos como el automóvil, el avión y la ciudad industrial. Sus figuras clave fueron los italianos Filippo Tommaso Marinetti , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Fortunato Depero , Gino Severini , Giacomo Balla y Luigi Russolo . Glorificó la modernidad y pretendió liberar a Italia del peso de su pasado. [55]
El Manifiesto de la cinematografía futurista de 1916 fue firmado por Filippo Tommaso Marinetti, Armando Ginna, Bruno Corra, Giacomo Balla y otros. Para los futuristas, el cine era una forma de arte ideal, un medio nuevo y que podía manipularse mediante la velocidad, los efectos especiales y el montaje. La mayoría de las películas de temática futurista de este período se han perdido, pero los críticos citan Thaïs (1917) de Anton Giulio Bragaglia como una de las más influyentes, y sirvió como principal inspiración para el cine expresionista alemán de la década siguiente.
La industria cinematográfica italiana tuvo que hacer frente a la creciente competencia extranjera en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial . [12] Varios estudios importantes, entre ellos Cines y Ambrosio, formaron la Unione Cinematografica Italiana para coordinar una estrategia nacional de producción cinematográfica. Sin embargo, este esfuerzo fue en gran medida infructuoso debido a una gran desconexión entre la producción y la exhibición (algunas películas no se estrenaron hasta varios años después de su producción). [56]
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Con el fin de la Primera Guerra Mundial, el cine italiano atravesó un período de crisis debido a muchos factores como la desorganización de la producción, el aumento de los costos, el atraso tecnológico, la pérdida de mercados extranjeros y la incapacidad de hacer frente a la competencia internacional, en particular con la de Hollywood. [57] Las principales causas incluyeron la falta de un relevo generacional con una producción todavía dominada por cineastas y productores de formación literaria, incapaces de enfrentar los desafíos de la modernidad. La primera mitad de la década de 1920 marcó una fuerte disminución de la producción; de 350 películas producidas en 1921 a 60 en 1924. [58]
La literatura y el teatro siguen siendo las fuentes narrativas preferidas. Resisten los feuilletons , en su mayoría tomados de textos clásicos o populares y dirigidos por especialistas como Roberto Roberti y los blockbusters religiosos de Giulio Antamoro . Sobre la base de la última generación de divas, se difunde un cine sentimental para mujeres, centrado en figuras al margen de la sociedad que, en lugar de luchar por emanciparse (como sucede en el cine hollywoodiense contemporáneo), pasan por un auténtico calvario para preservar la propia virtud. La protesta y la rebelión de las protagonistas femeninas están fuera de cuestión. Se trata de un cine fuertemente conservador, ligado a las reglas sociales trastocadas por la guerra y en proceso de disolución en toda Europa. Un caso ejemplar es el de Historia de una mujer (1920) de Eugenio Perego , que se vale de una construcción narrativa original para proponer una moral del siglo XIX con tonos melodramáticos. [59]
Un género particular es el de ambientación realista , debido a la obra de la primera directora de cine italiana, Elvira Notari , quien dirige numerosas películas influenciadas por el teatro popular y tomadas de dramas famosos, canciones napolitanas, novelas de apéndice o inspiradas en hechos de crónica. [60] Otra película de ambientación realista es Perdidos en la oscuridad (1914) del director Nino Martoglio , considerada por la crítica como un excelente ejemplo de cine neorrealista. [61]
El resurgimiento del cine italiano se produjo a finales de la década con la producción de películas de mayor formato. En ese período, un grupo de intelectuales cercanos al quincenal cinematógrafo encabezados por Alessandro Blasetti puso en marcha un programa tan sencillo como ambicioso. Conscientes del atraso cultural italiano, decidieron romper con la tradición anterior mediante un redescubrimiento del mundo campesino, hasta entonces prácticamente ausente en el cine italiano. Sun (1929) de Alessandro Blasetti muestra la evidente influencia de las vanguardias soviética y alemana en un intento de renovar el cine italiano de acuerdo con los intereses del régimen fascista. Rails (1929) de Mario Camerini mezcla el género tradicional de la comedia con el kammerspiel y el cine realista, revelando la capacidad del director para perfilar los personajes de la clase media. [62] Aunque no son comparables con los mejores resultados del cine internacional del período, las obras de Camerini y Blasetti dan testimonio de una transición generacional entre directores e intelectuales italianos y, sobre todo, de una emancipación de los modelos literarios y de un acercamiento a los gustos del público.
El cine sonoro llegó a Italia en 1930, tres años después del estreno de El cantor de jazz (1927), y de inmediato provocó un debate sobre la validez del cine hablado y su relación con el teatro. Algunos directores afrontan con entusiasmo el nuevo desafío. La llegada del cine sonoro provocó una censura más estricta por parte del gobierno fascista . [12]
La primera película hablada italiana fue La canción de amor (1930) de Gennaro Righelli , que tuvo un gran éxito de público. Alessandro Blasetti también experimentó con el uso de una pista óptica para el sonido en la película Resurrección (1931), filmada antes de La canción de amor pero estrenada unos meses después. [63] Similar a la película de Righelli es ¡Qué canallas son los hombres! (1932) de Mario Camerini , que tiene el mérito de hacer debutar a Vittorio De Sica en las pantallas. Películas históricas como 1860 (1934) de Blasetti y Escipión el Africano: La derrota de Aníbal (1937) de Carmine Gallone también fueron populares durante este período. [12]
Con la transición al cine sonoro, la mayoría de los actores del cine mudo italiano, todavía ligados a la estilización teatral, se encuentran descalificados. La era de las divas, los dandis y los forzudos, que apenas sobrevivieron a los años 20, ha terminado definitivamente. Aunque algunos intérpretes pasarán a la dirección o a la producción, la llegada del cine sonoro favorece el cambio generacional y la consiguiente modernización de las estructuras.
El director italiano Frank Capra recibió tres premios Oscar al Mejor Director por las películas Sucedió una noche (1934, la primera ganadora de los Cinco Grandes Premios de la Academia), Mr. Deeds Goes to Town (1936) y No puedes llevártelo contigo (1938).
En 1932 se creó el Festival de Cine de Venecia , el festival de cine más antiguo del mundo y uno de los " tres grandes " festivales de cine, junto con el Festival de Cine de Cannes y el Festival Internacional de Cine de Berlín , [64] [65] [66] [67] .
En 1934, el gobierno italiano creó la Dirección General de Cine ( Direzione Generale per le Cinematografia ) y nombró a Luigi Freddi como su director. Con la aprobación de Benito Mussolini , esta dirección pidió la creación de una ciudad al sureste de Roma dedicada exclusivamente al cine, llamada Cinecittà ( "Ciudad del Cine"), bajo el lema " Il cinema è l'arma più forte " ("El cine es el arma más poderosa"). [69] Los estudios se construyeron durante la era fascista como parte de un plan para revivir la industria cinematográfica italiana, que había llegado a su punto más bajo en 1931. [70] [71]
El propio Mussolini inauguró los estudios el 21 de abril de 1937. [72] Inicialmente se construyeron y utilizaron intensamente unidades y decorados de posproducción. Las primeras películas como Escipión el Africano (1937) y La corona de hierro (1941) mostraron el avance tecnológico de los estudios. Siete mil personas participaron en la filmación de la escena de batalla de Escipión el Africano , y se trajeron elefantes vivos como parte de la recreación de la Batalla de Zama . [73]
Cinecittà ofrecía todo lo necesario para la producción cinematográfica: salas, servicios técnicos e incluso una escuela de cinematografía, el Centro Sperimentale di Cinematografia , para los aprendices más jóvenes. Los estudios de Cinecittà eran las instalaciones de producción más avanzadas de Europa y aumentaron enormemente la calidad técnica de las películas italianas. [12] Muchas películas todavía se ruedan íntegramente en Cinecittà. Benito Mussolini fundó el estudio Cinecittà también para la producción de propaganda fascista hasta la Segunda Guerra Mundial . [74]
Durante este período, el hijo de Mussolini, Vittorio , creó una compañía de producción nacional y organizó el trabajo de destacados autores, directores y actores (incluidos algunos opositores políticos), creando así una interesante red de comunicación entre ellos, que produjo varias amistades notables y estimuló la interacción cultural.
Con una superficie de 400.000 metros cuadrados (99 acres), sigue siendo el estudio cinematográfico más grande de Europa , [68] y se considera el centro del cine italiano. Cineastas como Federico Fellini , Roberto Rossellini , Luchino Visconti , Sergio Leone , Bernardo Bertolucci , Francis Ford Coppola , Martin Scorsese y Mel Gibson han trabajado en Cinecittà. Se han filmado allí más de 3.000 películas, de las cuales 90 recibieron una nominación al Oscar y 47 de ellas lo ganaron. [75]
Durante la década de 1930, las comedias ligeras conocidas como Telefoni Bianchi ("teléfonos blancos") predominaron en el cine italiano. [12] Estas películas, que presentaban escenografías fastuosas, promovían valores conservadores y el respeto por la autoridad, y por lo tanto evitaban típicamente el escrutinio de los censores gubernamentales. Telefoni Bianchi resultó ser el campo de pruebas de numerosos guionistas destinados a imponerse en las décadas siguientes (entre ellos Cesare Zavattini y Sergio Amidei ), y sobre todo de numerosos escenógrafos como Guido Fiorini , Gino Carlo Sensani y Antonio Valente , quienes, en virtud de acertadas invenciones gráficas llevaron a estas producciones a convertirse en una especie de "summa" de la estética pequeñoburguesa de la época. [76] [77]
La primera película del género Telefoni Bianchi fue El secretario privado (1931), de Goffredo Alessandrini . [78] Entre los autores, Mario Camerini es el director más representativo del género. Después de haber practicado las más diversas tendencias en la década de 1930, se adentró felizmente en el territorio de la comedia sentimental con ¡Qué canallas son los hombres! (1932), El signor Max (1937) y Grandes almacenes (1939). En otras películas, se compara con la comedia de estilo hollywoodense sobre el modelo de Frank Capra ( Latido del corazón , 1939) y la surrealista de René Clair ( Daré un millón , 1936). Camerini se interesa por la figura del italiano típico y popular, tanto que anticipa algunos elementos de la futura comedia italiana. [79] Su principal intérprete, Vittorio De Sica , continuará su lección en Maddalena, cero para la dirección (1940) y Teresa Venerdì (1941), subrayando sobre todo la dirección de los actores y el cuidado de los decorados.
Otros directores incluyen a Mario Mattoli ( Diario de colegiala , 1941), Jean de Limur ( Aparición , 1944) y Max Neufeld ( La casa de la vergüenza , 1938; Mil liras al mes , 1939). Las comedias realistas de Mario Bonnard ( Ante el cartero , 1942; El buhonero y la dama , 1943) son parcialmente diferentes en carácter, que se desvían parcialmente de la impronta de Telefoni Bianchi.
En el cine de propaganda fascista , al principio, las representaciones de los escuadrones y las primeras acciones fascistas fueron raras. La vieja guardia (1934), de Alessandro Blasetti evoca la supuesta espontaneidad vitalista de los escuadrones con tonos populistas, pero no es apreciada por la crítica oficial. [80] La camisa negra (1933), de Giovacchino Forzano , realizada para el décimo aniversario de la Marcha sobre Roma , celebraba las políticas del régimen (la recuperación de las marismas pontinas y la construcción de Littoria ) alternando secuencias narrativas con pasajes documentales.
Con la consolidación política, la autoridad gubernamental exigió a la industria cinematográfica que reforzara la identificación del régimen con la historia y la cultura del país. De ahí la intención de releer la historia italiana en una perspectiva autoritaria, reduciendo teleológicamente cada acontecimiento pasado a un presagio de la "revolución fascista", en continuidad con el trabajo historiográfico de Gioacchino Volpe . Tras los primeros intentos en esta dirección, destinados sobre todo a subrayar el supuesto vínculo entre el Risorgimento y el fascismo ( Villafranca de Forzano, 1933; 1860 de Blasetti, 1933), la tendencia alcanzó su apogeo justo antes de la guerra. Caballería (1936), de Goffredo Alessandrini , evoca la nobleza de los combatientes de Saboya presentando sus hazañas como anticipaciones de escuadrones. Condottieri (1937) de Luis Trenker , narra la historia de Giovanni delle Bande Nere , estableciendo explícitamente un paralelismo con Benito Mussolini , mientras que Scipio Africanus: La derrota de Aníbal (1937) de Carmine Gallone (uno de los mayores esfuerzos financieros de la época), celebra el Imperio Romano e indirectamente el Imperio Fascista . [81]
La invasión de Etiopía brinda a los directores italianos la oportunidad de ampliar los horizontes de los escenarios. [82] El gran llamamiento (1936) de Mario Camerini , exalta el imperialismo al describir la "nueva tierra" como una oportunidad de trabajo y redención, contrastando el heroísmo de los jóvenes soldados con la intrepidez burguesa. La controversia antipacifista que acompaña a las empresas coloniales también es evidente en Lo squadrone bianco (1936) de Augusto Genina , que combina la retórica propagandística con notables secuencias de batalla filmadas en el desierto italiano de Tripolitania . La mayoría de las películas que celebran el imperio son predominantemente documentales, destinados a disfrazar la guerra como una lucha de la civilización contra la barbarie. La Guerra Civil Española se describe en los documentales Los novios de la muerte (1936) de Romolo Marcellini y Arriba España, España una, grande, libre! (1939) de Giorgio Ferroni , y es el telón de fondo de otra docena de películas, entre las que la más espectacular es El asedio del Alcázar (1940) de Augusto Genina . [81]
También pueden contarse como películas de propaganda (aunque indirecta) películas como Pietro Micca (1938) de Aldo Vergano , Ettore Fieramosca (1938), realizada en el mismo año por Alessandro Blasetti , y Fanfulla da Lodi (1940) de Giulio Antamoro , en las que, como pretexto para la narración épica de hechos históricos, se hace una clara apología de la dedicación a la patria (en algunos casos incluso hasta el sacrificio personal) en la misma línea que las películas coloniales con ambientación contemporánea.
Con la participación de Italia en la Segunda Guerra Mundial , el régimen fascista refuerza aún más su control sobre la producción y exige un compromiso más decidido con la propaganda. Además de los ahora canónicos documentales, cortometrajes y noticieros, también hay un aumento de largometrajes en elogio de las empresas bélicas italianas. Entre los más representativos encontramos Bengasi (1942) de Genina, Gente dell'aria (1943) de Esodo Pratelli, Los tres pilotos (1942) de Mario Mattoli (basado en un guion de Vittorio Mussolini ), Il treno crociato (1943) de Carlo Campogalliani , Harlem (1943) de Carmine Gallone y Hombres de la montaña (1943) de Aldo Vergano bajo la supervisión de Blasetti. Uomini sul fondo (1941) de Francesco De Robertis también es notable debido a su enfoque casi documental. [83]
La película más lograda del período es Nosotros los vivos (1942) de Goffredo Alessandrini , realizada como una sola película, pero luego distribuida en dos partes debido a su excesiva duración. Referente al género del drama anticomunista, este sombrío melodrama (ambientado en la Unión Soviética ) está inspirado en la novela homónima de la escritora Ayn Rand que exalta el individualismo filosófico más radical. Precisamente por esta crítica genérica al autoritarismo, el díptico podría interpretarse como una suave acusación contra el régimen fascista. [84]
Entre los directores que dan su contribución a la propaganda bélica, se encuentra también Roberto Rossellini , autor de una trilogía compuesta por La nave blanca (1941), Un piloto regresa (1942) y El hombre de la cruz (1943). Anticipándose en algunos aspectos a sus obras de madurez, el director adoptó un estilo modesto e inmediatista, que no contrasta con la eficacia de la propaganda pero tampoco exalta la retórica bélica dominante; fue el mismo enfoque antiespectacular al que se mantuvo fiel durante toda su vida. [84]
Al final de la Segunda Guerra Mundial , el movimiento "neorrealista" italiano había comenzado a tomar forma. Las películas neorrealistas generalmente trataban sobre la clase trabajadora (en contraste con Telefoni Bianchi ) y se filmaban en locaciones. Muchas películas neorrealistas, pero no todas, usaban actores no profesionales. Aunque el término "neorrealismo" se usó por primera vez para describir la película de Luchino Visconti de 1943, Ossessione , hubo varios precursores importantes del movimiento, en particular ¡Qué canallas son los hombres! (1932) de Camerini, que fue la primera película italiana filmada completamente en locaciones, y la película de Blasetti de 1942, Cuatro pasos en las nubes . [86]
Ossessione enfureció a los funcionarios fascistas. Se dice que, al ver la película, Vittorio Mussolini gritó: "¡Esto no es Italia!" antes de salir del cine. [87] Posteriormente, la película fue prohibida en las partes de Italia controladas por los fascistas. Si bien el neorrealismo estalló después de la guerra y fue increíblemente influyente a nivel internacional, las películas neorrealistas representaron solo un pequeño porcentaje de las películas italianas producidas durante este período, ya que los espectadores italianos de posguerra preferían comedias escapistas protagonizadas por actores como Totò y Alberto Sordi . [86]
Las obras neorrealistas como la trilogía de Roberto Rossellini Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (1946) y Alemania, año cero (1948), con actores profesionales como Anna Magnani y varios actores no profesionales, intentaron describir las difíciles condiciones económicas y morales de la Italia de posguerra y los cambios en la mentalidad pública en la vida cotidiana. La tierra tiembla (1948) de Visconti se rodó en un pueblo pesquero siciliano y utilizó actores locales no profesionales. Giuseppe De Santis , por otro lado, utilizó actores como Silvana Mangano y Vittorio Gassman en su película de 1949, Arroz amargo , que se desarrolla en el valle del Po durante la temporada de cosecha de arroz.
Poesía y crueldad de la vida se combinan armoniosamente en las obras que Vittorio De Sica escribió y dirigió junto con el guionista Cesare Zavattini : entre ellas, Limpiabotas (1946), El ladrón de bicicletas (1948) y Milagro en Milán (1951). La película de 1952 Umberto D. mostraba a un anciano pobre con su perrito, que debe pedir limosna contra su dignidad en la soledad de la nueva sociedad. Esta obra es quizás la obra maestra de De Sica y una de las obras más importantes del cine italiano. [88] No fue un éxito comercial [88] y desde entonces se ha exhibido en la televisión italiana solo unas pocas veces. Sin embargo, es quizás el ataque más violento, en la aparente tranquilidad de la acción, contra las reglas de la nueva economía, la nueva mentalidad, los nuevos valores, y encarna tanto una visión conservadora como progresista. [88]
Aunque se considera que Umberto D. marcó el final del período neorrealista, películas posteriores como La Strada (1954) de Federico Fellini y la película de 1960 Dos mujeres de De Sica (por la que Sophia Loren ganó el Oscar a la mejor actriz) se agrupan con el género. La primera película del director Pier Paolo Pasolini , Accattone (1961), muestra una fuerte influencia neorrealista. [86] El cine neorrealista italiano influyó en cineastas de todo el mundo y ayudó a inspirar otros movimientos cinematográficos, como la Nouvelle Vague y la Escuela de Cine Polaca . Los críticos, cineastas y académicos a menudo se refieren al período neorrealista simplemente como "La Edad de Oro" del cine italiano.
El caligrafismo contrasta marcadamente con las comedias de estilo americano de Telefoni Bianchi y es más bien artístico , altamente formalista , expresivo en complejidad y trata principalmente con material literario contemporáneo, [91] sobre todo las piezas del realismo italiano de autores como Corrado Alvaro , Ennio Flaiano , Emilio Cecchi , Francesco Pasinetti , Vitaliano Brancati , Mario Bonfantini y Umberto Barbaro . [92]
El exponente más conocido de este género es Mario Soldati , un veterano escritor y director destinado a consagrarse con películas de ascendencia literaria y sólida estructura formal. Sus películas ponen en el centro de la historia a personajes dotados de una fuerza dramática y psicológica ajena tanto al cine de teléfonos blancos como al de propaganda, y que encontramos en obras como Dora Nelson (1939), Pequeño mundo antiguo (1941), Noche trágica (1942), Malombra (1942) y En las alturas (1943). Luigi Chiarini , ya activo como crítico, profundiza la tendencia en su Bella durmiente (1942), Calle de las cinco lunas (1942) y El posadero (1944). Los conflictos internos de los personajes y la riqueza escenográfica son también recurrentes en las primeras películas de Alberto Lattuada ( Giacomo el idealista , 1943) y Renato Castellani ( Un tiro de pistola , 1942), dominadas por un sentido de decadencia moral y cultural que parece anticipar el fin de la guerra.
Otro ejemplo importante de película caligráfica es la versión cinematográfica de Los novios (1941), de Mario Camerini (muy fiel en la puesta en escena de la obra maestra de Manzoni ), que debido a los ingresos percibidos, se convirtió en el largometraje más popular entre 1941 y 1942. [93]
El pionero de la animación italiana fue Francesco Guido, más conocido como Gibba . Inmediatamente después de terminar la Segunda Guerra Mundial , produjo el primer mediometraje animado del cine italiano titulado L'ultimo sciuscià (1946), que retomaba temas propios del neorrealismo y en la década siguiente los largometrajes Rompicollo e I picchiatelli , en colaboración con Antonio Attanasi. [94] En la década de 1970, después de muchos documentales animados, el propio Gibba volverá al largometraje con los eróticos Il nano e la strega (1973) e Il racconto della giungla (1974). También son interesantes las aportaciones del pintor y escenógrafo Emanuele Luzzati que, tras algunos valiosos cortometrajes, realizó en 1976 una de las obras maestras de la animación italiana: Il flauto magico ("La flauta mágica"), basada en la ópera homónima de Mozart .
En 1949, el diseñador Nino Pagot presentó en el Festival de Cine de Venecia Los hermanos dinamita , uno de los primeros largometrajes de animación de la época, estrenado en salas en conjunción con La rosa de Bagdad (1949), realizado por el animador Anton Gino Domeneghini. [94] A principios de los años 50, el dibujante Romano Scarpa creó el cortometraje La piccola fiammiferaia (1953), que sigue siendo, como las dos películas anteriores, poco más que un caso aislado. Al margen de estos ejemplos, la animación italiana de los años 50 y 60 no logró convertirse en una realidad mayor y sigue confinada al sector televisivo, debido a los diversos encargos proporcionados por el contenedor Carosello . [95] [96]
Pero es con Bruno Bozzetto que la caricatura italiana alcanza una dimensión internacional: su primer largometraje West and Soda (1965), una caricatura irresistible del género western, recibió elogios tanto del público como de la crítica. [94] Unos años más tarde se estrenó su segundo trabajo titulado VIP mi hermano Superman , distribuido en 1968. Después de muchos cortometrajes satíricos (centrados en la popular figura del "Signor Rossi") regresó al largometraje con lo que se considera su obra más ambiciosa, Allegro Non Troppo (1977). Inspirada en la conocida Fantasía de Disney , se trata de una película de técnica mixta, en la que los episodios animados se moldean a las notas de muchas piezas de música clásica. Otro ilustrador a destacar es el artista Pino Zac que en 1971 rodó (de nuevo con técnica mixta) El caballero inexistente , basada en la novela homónima de Italo Calvino .
En la década de 1990, la animación italiana entró en una nueva fase de producción gracias al estudio turinés Lanterna Magica que en 1996, bajo la dirección de Enzo D'Alò , creó el intrigante cuento de hadas navideño La freccia azzurra , basado en un cuento de Gianni Rodari . La película fue un éxito y abrió el camino a otros largometrajes. De hecho, en 1998 se estrenó Lucky y Zorba basada en una novela de Luis Sepúlveda , que atrajo el favor del público, alcanzando un nuevo auge en el cine de animación italiano. [97]
El director Enzo d'Alò, que se separó del estudio Lanterna Magica, produjo otras películas en los años siguientes como Momo (2001) y Opopomoz (2003). El estudio turinés distribuyó en su nombre las películas Aida dei arboli (2001) y Totò Sapore e la magica storia della pizza (2003), acompañadas de una buena respuesta en taquilla. En 2003 se estrenó la primera película de animación íntegramente italiana en infografía titulada L'apetta Giulia e Signora Vita , dirigida por Paolo Modugno. [98] A destacar la obra La Storia di Leo (2007) del director Mario Cambi, ganadora, al año siguiente, en el Festival de Cine de Giffoni .
En 2010 se realizó la primera película de animación italiana en tecnología 3D , dirigida por Iginio Straffi , titulada Winx Club 3D: Magical Adventure , basada en la serie homónima; mientras tanto Enzo D'Alò regresa a los cines, presentando su Pinocho (2012). En 2012, la película Gladiators of Rome , también filmada en tecnología 3D, recibió crédito del público, seguida por el largometraje Winx Club: The Mystery of the Abyss (2014), ambos nuevamente de Iginio Straffi. Finalmente, se realizó El arte de la felicidad (2013) de Alessandro Rak, una película realizada en Nápoles por 40 autores, incluidos solo 10 diseñadores y animadores del estudio Mad Entertainment, un verdadero récord absoluto para una película de animación. [99] Del mismo estudio salió Cinderella the Cat (2017), tomada del texto Pentamerone de Giambattista Basile . La obra ganó dos David di Donatello , uno de ellos por efectos especiales, convirtiéndose en la primera película de animación en ser nominada, y ganar, en esta categoría.
A partir de mediados de los años cincuenta, el cine italiano se libera del neorrealismo abordando temas puramente existenciales, películas con estilos y puntos de vista diferentes, a menudo más introspectivos que descriptivos. [100] Asistimos así a un nuevo florecimiento de cineastas que contribuyen de manera fundamental al desarrollo del arte. [100]
Michelangelo Antonioni es el primero en consagrarse, convirtiéndose en un autor de referencia para todo el cine contemporáneo. [101] Esta carga de novedad es reconocible desde el principio ya que la primera obra del director, Historia de un amor (1950), marca una ruptura indeleble con el mundo del neorrealismo y el consiguiente nacimiento de un cine moderno. [101] Antonioni investigó con ojo crítico el mundo de la burguesía italiana, dejado fuera de la lente cinematográfica de posguerra. De este modo, salieron a la luz obras de investigación psicológica como I Vinti (1952), La dama sin camelias (1953) y Le Amiche (1955), adaptación libre del cuento Tra donne sole de Cesare Pavese . En 1957, puso en escena el insólito drama proletario Il Grido , con el que obtuvo elogios de la crítica.
En 1955 se creó el David di Donatello , y su categoría de Mejor Película se entregó por primera vez recién en 1970. Bautizados con el nombre del David de Donatello , una estatua simbólica del Renacimiento italiano , [102] son premios cinematográficos que otorga cada año la Accademia del Cinema Italiano (La Academia del Cine Italiano).
Federico Fellini es reconocido como uno de los más grandes e influyentes cineastas de todos los tiempos. [104] Fellini ganó la Palma de Oro por La Dolce Vita , fue nominado a doce premios Óscar y ganó cuatro en la categoría de Mejor película en lengua extranjera , la mayor cantidad para cualquier director en la historia de la academia. Recibió un premio honorífico por su trayectoria en la 65.ª edición de los Premios Óscar en Los Ángeles. Otras de sus películas conocidas incluyen La Strada (1954), Las noches de Cabiria (1957), Julieta de los espíritus (1967), Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973) y Casanova de Fellini (1976).
Las películas de Fellini, que son visiones personales y muy idiosincrásicas de la sociedad, son una combinación única de memoria, sueños, fantasía y deseo. Los adjetivos "felliniano" y "felliniano" son "sinónimos de cualquier tipo de imagen extravagante, fantasiosa, incluso barroca, en el cine y en el arte en general". [105] La Dolce Vita aportó el término paparazzi al idioma inglés, derivado de Paparazzo, el fotógrafo amigo del periodista Marcello Rubini ( Marcello Mastroianni ). [106]
Cineastas contemporáneos como Tim Burton , [107] Terry Gilliam , [108] Emir Kusturica , [109] y David Lynch [110] han citado la influencia de Fellini en su obra.
Aunque se considera a Umberto D. como el final del período neorrealista, las obras posteriores se orientaron hacia atmósferas más ligeras, edulcoradas y ligeramente optimistas, más coherentes con las condiciones de mejora de Italia justo antes del auge económico ; este género se conoció como neorrealismo rosa .
El precursor del neorrealismo rosa fue Renato Castellani, que contribuyó a poner de moda la comedia realista con Bajo el sol de Roma (1948) y Siempre primavera (1949), ambas rodadas en exteriores y con actores no profesionales, y sobre todo con el éxito de público y crítica de Dos centavos de esperanza (1952), que sentó las bases del neorrealismo rosa. [111]
Películas notables del neorrealismo rosa, que combinan la comedia popular y motivos realistas, son Pane, amore e fantasia (1953) de Luigi Comencini y Poveri ma belli (1957) de Dino Risi , ambas obras están en perfecta armonía con la evolución del vestuario italiano. [112] La gran afluencia en taquilla de las dos películas se mantuvo casi sin cambios en las secuelas Pan, amor y celos (1954), Escándalo en Sorrento (1955) y Bonita pero pobre (1957), también dirigidas por Luigi Comencini y Dino Risi.
De la misma manera, historias de la vida cotidiana contadas con una suave ironía (sin perder de vista el tejido social) se pueden encontrar en la obra del milanés Luciano Emmer , cuyas películas Domingo de agosto (1950), Tres chicas de Roma (1952) y High School (1954), son los ejemplos más conocidos. Otra película del género del neorrealismo rosa fue Susanna Whipped Cream (1957) de Steno . [113]
Esta tendencia permitió que algunas actrices se convirtieran en verdaderas celebridades, como Sophia Loren , Gina Lollobrigida , Silvana Pampanini , Lucia Bosé , Barbara Bouchet , Eleonora Rossi Drago , Silvana Mangano , Virna Lisi , Claudia Cardinale y Stefania Sandrelli . Pronto el neorrealismo rosa fue reemplazado por la Commedia all'italiana , un género único que, nacido en una línea idealmente humorística, trataba en cambio con mucha seriedad temas sociales importantes.
Commedia all'italiana ("Comedia a la italiana") es un género cinematográfico italiano nacido en Italia en la década de 1950 y desarrollado en las siguientes décadas de 1960 y 1970. Se considera ampliamente que comenzó con Big Deal on Madonna Street de Mario Monicelli en 1958 [114] y deriva su nombre del título de Divorcio a la italiana de Pietro Germi , 1961. [115] Según la mayoría de los críticos, La Terrazza de Ettore Scola (1980) es la última obra considerada parte de la Commedia all'italiana. [116] [117] [118]
Más que un género específico, el término indica un período (aproximadamente desde finales de la década de 1950 hasta principios de la década de 1970) en el que la industria cinematográfica italiana produjo muchas comedias exitosas, con algunos rasgos comunes como la sátira de las costumbres, matices farsescos y grotescos, un fuerte enfoque en temas sociales "picantes" de la época (como asuntos sexuales, divorcio, anticoncepción, matrimonio del clero , el ascenso económico del país y sus diversas consecuencias, la influencia religiosa tradicional de la Iglesia Católica ) y un entorno de clase media predominante , a menudo caracterizado por un fondo sustancial de tristeza y crítica social que diluía los contenidos cómicos. [119]
El género de la Commedia all'italiana se diferencia notablemente de la comedia ligera y despreocupada de la tendencia llamada "neorrealismo rosa", en boga hasta toda la década de 1950, ya que, a partir de la lección del neorrealismo , se basa en una más franca adhesión en la escritura a la realidad; por lo tanto, junto a las situaciones y tramas cómicas típicas de la comedia tradicional, combina siempre, con la ironía, una sátira costumbrista mordaz y a veces amarga, que refleja la evolución de la sociedad italiana en aquellos años. [119]
El éxito de las películas pertenecientes al género de la "Commedia all'italiana" se debe tanto a la presencia de toda una generación de grandes actores, que supieron encarnar con maestría los vicios y las virtudes, y los intentos de emancipación pero también las vulgaridades de los italianos de la época, tanto al trabajo cuidadoso de directores, narradores y guionistas, que inventaron un género real, con connotaciones esencialmente nuevas, logrando encontrar material precioso para sus creaciones cinematográficas en los pliegues de una rápida evolución con muchas contradicciones. [119]
Entre los actores los principales representantes son Alberto Sordi , Ugo Tognazzi , Vittorio Gassman , Marcello Mastroianni y Nino Manfredi , [120] mientras que entre las actrices está Monica Vitti . [121] Entre los directores y películas, en 1961 Dino Risi dirigió Una vita difficile ( Una vida difícil ), luego Il Sorpasso ( La vida fácil ), ahora una película de culto, seguida de: I Mostri ( Los monstruos , también conocida como 15 de Roma ), In nome del popolo italiano ( En nombre del pueblo italiano ) y Profumo di donna ( Perfume de mujer ). Las obras de Monicelli incluyen La grande guerra ( La Gran Guerra ), I compagni ( El organizador ), L'armata Brancaleone , Vogliamo i colonnelli ( Queremos a los coroneles ), Romanzo popolare ( Vuelve a casa y conoce a mi esposa ) y la serie Amici miei ( Mis amigos ).
Para la mayoría de los críticos la auténtica y propiamente dicha "Commedia all'italiana" se ha considerado definitivamente desvanecida desde principios de los años 1980, para dar paso, como máximo, a una "Commedia italiana" ("comedia italiana"). [122]
En esta época, en el lado más comercial de la producción, explotó el fenómeno de Totò , un actor napolitano que es aclamado como el cómico italiano más importante. Sus películas (a menudo con Aldo Fabrizi , Peppino De Filippo y casi siempre con Mario Castellani ) expresaban una especie de sátira neorrealista, tanto en la forma de un guitto (un actor "acartonado") como con el arte del gran actor dramático que también fue. [123] Totò es uno de los símbolos del cine de Nápoles . [124]
"Máquina cinematográfica" que producía decenas de títulos al año, su repertorio se repetía con frecuencia. Su historia personal (un príncipe nacido en el barrio más pobre de Nápoles ) , su singular rostro desfigurado, sus particulares expresiones mímicas y sus gestos crearon un personaje inimitable y lo convirtieron en uno de los italianos más queridos de los años 60.
Algunas de sus películas más conocidas son Fear and Sand de Mario Mattoli , Toto Tours Italy de Mario Mattoli, Toto the Sheik de Mario Mattoli, Cops and Robbers de Mario Monicelli , Toto and the Women de Mario Monicelli, Totò Tarzan de Mario Mattoli, Toto the Third Man de Mario Mattoli, Toto and the King of Rome de Mario Monicelli y Steno , Toto in Color de Steno (una de las primeras películas italianas en color, 1952, en color Ferrania ), Big Deal on Madonna Street de Mario Monicelli, Toto, Peppino, and the Hussy de Camillo Mastrocinque y The Law Is the Law de Christian-Jaque . The Hawks and the Sparrows de Pier Paolo Pasolini y el episodio "Che cosa sono le nuvole" de Caprice Italian Style (este último lanzado después de su muerte), mostraron sus habilidades dramáticas. [123]
Entre 1952 y 1965 se rodaron una serie de películas en blanco y negro basadas en los personajes Don Camillo y Peppone creados por el escritor y periodista italiano Giovannino Guareschi . Se trataba de coproducciones franco-italianas, y estaban protagonizadas por Fernandel como el sacerdote italiano Don Camillo y Gino Cervi como Giuseppe 'Peppone' Bottazzi, el alcalde comunista de su pueblo rural. Los títulos son: El pequeño mundo de Don Camillo (1952), El regreso de Don Camillo (1953), La última ronda de Don Camillo (1955), Don Camillo: Monseñor (1961) y Don Camillo en Moscú (1965).
Las películas tuvieron un enorme éxito comercial en sus países de origen. En 1952, El pequeño mundo de Don Camillo se convirtió en la película más taquillera tanto en Italia como en Francia, [125] mientras que El regreso de Don Camillo fue la segunda película más popular de 1953 en la taquilla italiana y francesa. [126]
Mario Camerini comenzó a rodar la película Don Camillo ei giovani d'oggi , pero tuvo que interrumpir el rodaje debido a la enfermedad de Fernandel, que provocó su prematura muerte. La película se realizó en 1972 con Gastone Moschin en el papel de Don Camillo y Lionel Stander en el de Peppone.
En 1983 también se hizo una nueva película de Don Camillo, titulada El mundo de Don Camillo , una producción italiana dirigida por Terence Hill y protagonizada por él mismo. Colin Blakely interpretó a Peppone en uno de sus últimos papeles cinematográficos.
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Hollywood on the Tiber es una frase que se utiliza para describir el período de los años 1950 y 1960 cuando la capital italiana, Roma, surgió como un importante lugar para la producción cinematográfica internacional, atrayendo muchas producciones extranjeras a los estudios Cinecittà , el estudio cinematográfico más grande de Europa . [68] A diferencia de la industria cinematográfica italiana nativa, estas películas se hicieron en inglés para su lanzamiento mundial. Aunque los principales mercados para tales películas eran las audiencias estadounidense y británica, gozaron de una gran popularidad en otros países, incluida Italia.
A finales de los años 40, los estudios de Hollywood comenzaron a trasladar su producción al extranjero, a Europa. Italia era, junto con Gran Bretaña, uno de los principales destinos de las compañías cinematográficas estadounidenses. Las películas de gran presupuesto rodadas en Cinecittà durante la era del "Hollywood en el Tíber", como Quo Vadis (1951), Vacaciones en Roma (1953), Ben-Hur (1959) y Cleopatra (1963), se rodaron en inglés con elencos internacionales y, a veces, aunque no siempre, ambientadas o temáticas italianas.
El apogeo de lo que se denominó "Hollywood en el Tíber" se produjo entre 1950 y 1970, época en la que muchos de los nombres más famosos del cine mundial rodaron películas en Italia. La frase "Hollywood en el Tíber", una referencia al río que atraviesa Roma , fue acuñada en 1950 por la revista Time durante la realización de Quo Vadis . [127]
El peplum ( en plural: pepla ) es un subgénero de películas épicas históricas, mitológicas o bíblicas, en su mayoría de producción italiana, ambientadas principalmente en la antigüedad grecorromana o la Edad Media . Estas películas intentaron emular las epopeyas históricas de gran presupuesto de Hollywood de la época. [128]
Con el estreno de Hércules en 1958 , protagonizada por el culturista estadounidense Steve Reeves , la industria cinematográfica italiana ganó terreno en el mercado cinematográfico estadounidense. Estas películas eran dramas de aventuras y época de bajo presupuesto, y tuvieron un atractivo inmediato entre el público europeo y estadounidense. Además de las numerosas películas protagonizadas por una variedad de hombres musculosos como Hércules, eran comunes los héroes como Sansón y el héroe de ficción italiano Maciste .
Aunque a veces se la desestimó como una película de escape de baja calidad, la película de espada y sandalia permitió a directores más nuevos, como Sergio Leone y Mario Bava, una forma de entrar en la industria cinematográfica. Algunas de ellas, como Hércules en el mundo encantado (en italiano: Ercole Al Centro Della Terra) de Mario Bava, se consideran obras fundamentales por derecho propio.
A medida que el género maduró, los presupuestos a veces aumentaron, como se evidencia en I sette gladiatori ( Los siete gladiadores , estrenada en Estados Unidos en 1964) de 1962, una epopeya de pantalla ancha con decorados impresionantes y un trabajo de pintura mate. La mayoría de las películas de espadas y sandalias eran en color , mientras que los trabajos italianos anteriores a menudo habían sido en blanco y negro.
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Musicarello (pl. musicarelli) es un subgénero cinematográfico surgido en Italia y que se caracteriza por la presencia en papeles protagonistas de jóvenes cantantes, ya famosos entre sus pares, y su nuevo disco. El género comenzó a fines de la década de 1950 y tuvo su auge de producción en la década de 1960. [129]
La película que dio inicio al género se considera I ragazzi del Juke-Box de Lucio Fulci (1959). [130] Los musicarelli se inspiraron en dos musicales estadounidenses, en particular Jailhouse Rock de Richard Thorpe (1957) y el anterior Love Me Tender de Robert D. Webb (1956), ambos protagonizados por Elvis Presley . [131] [132] [133]
En el corazón del musicarello se encuentra una canción de éxito, o una canción que los productores esperaban que se convirtiera en un éxito, que generalmente comparte su título con la película misma y a veces tiene letras que representan una parte de la trama. [134] En las películas casi siempre hay tiernas y castas historias de amor acompañadas del deseo de divertirse y bailar sin pensamientos. [135] Los musicarelli reflejan el deseo y la necesidad de emancipación de los jóvenes italianos , destacando algunas fricciones generacionales. [131]
Con la llegada de las protestas estudiantiles de 1968 el género empezó a decaer, porque la revuelta generacional se volvió explícitamente política y al mismo tiempo ya no había música igualmente dirigida a todo el público juvenil. [136] Durante algún tiempo el dúo Al Bano y Romina Power siguieron disfrutando del éxito en las películas musicarello, pero sus películas (como sus canciones) eran un retorno a la melodía tradicional y a las películas musicales de las décadas anteriores. [136]
Tras la moda de las espadas y las sandalias , surgió un género relacionado, el spaghetti western , que fue popular tanto en Italia como en otros lugares. Estas películas se diferenciaban de los westerns tradicionales por estar filmadas en Europa con presupuestos limitados, pero presentaban una cinematografía vívida. Los críticos extranjeros utilizaron el término porque la mayoría de estos westerns fueron producidos y dirigidos por italianos. [139]
Los spaghetti westerns más populares fueron los de Sergio Leone , considerado el inventor del género, [140] [141] cuya trilogía del dólar ( Por un puñado de dólares de 1964 , una nueva versión no autorizada de la película japonesa Yojimbo de Akira Kurosawa ; Por unos dólares más de 1965 , una secuela original; y El bueno, el feo y el malo de 1966 , una precuela mundialmente famosa), con Clint Eastwood como un personaje comercializado como "el hombre sin nombre " y bandas sonoras notorias de Ennio Morricone , llegó a definir el género junto con Érase una vez en el Oeste (1968).
Otra película popular de spaghetti western es Django (1966) de Sergio Corbucci , protagonizada por Franco Nero como el personaje principal , otro plagio de Yojimbo , producido para capitalizar el éxito de Por un puñado de dólares . El Django original fue seguido tanto por una secuela autorizada ( Django Strikes Again de 1987 ) como por una abrumadora cantidad de usos no autorizados del mismo personaje en otras películas.
También se considera spaghetti western a un género cinematográfico que combina el ambiente tradicional del western con una comedia tipo commedia all'italiana ; entre sus películas destacan They Call Me Trinity (1970) y Trinity Is Still My Name (1971), ambas de Enzo Barboni , en las que aparecían Bud Spencer y Terence Hill , los nombres artísticos de Carlo Pedersoli y Mario Girotti .
Terence Hill y Bud Spencer hicieron numerosas películas juntos. [142] La mayoría de sus primeras películas fueron spaghetti westerns, comenzando con God Forgives... I Don't! (1967), la primera parte de una trilogía, seguida por Ace High (1968) y Boot Hill (1969), pero también protagonizaron comedias como ... All the Way, Boys! (1972) y Watch Out, We're Mad! (1974).
Las siguientes películas rodadas por la pareja de actores, casi todas comedias, fueron Two Missionaries (1974), Crime Busters (1977), Odds and Evens (1978), I'm for the Hippopotamus (1979), Who Finds a Friend Finds a Treasure (1981), Go for It (1983), Double Trouble (1984), Miami Supercops (1985) y Troublemakers (1994).
Durante las décadas de 1960 y 1970, los cineastas italianos Mario Bava , Riccardo Freda , Antonio Margheriti y Dario Argento desarrollaron películas de terror giallo (en plural gialli , de giallo, que en italiano significa "amarillo") que se convirtieron en clásicos e influyeron en el género en otros países. Las películas representativas incluyen: La chica que sabía demasiado (1963), Castillo de sangre (1964), El pájaro con el plumaje de cristal (1970), La contracción del nervio mortal (1971), Rojo oscuro (1975) y Suspiria (1977).
El giallo es un género de ficción de misterio y suspenso que a menudo contiene elementos de slasher , ficción criminal , thriller psicológico , terror psicológico , explotación sexual y, con menor frecuencia, terror sobrenatural . [147] El giallo se desarrolló a mediados y fines de la década de 1960, alcanzó su punto máximo de popularidad durante la década de 1970 y, posteriormente, declinó en el cine comercial convencional durante las siguientes décadas, aunque se siguen produciendo ejemplos. Fue un predecesor y tuvo una influencia significativa en el género cinematográfico slasher estadounidense posterior . [148]
El giallo suele combinar la atmósfera y el suspenso de la ficción de suspenso con elementos de la ficción de terror (como la violencia de las películas de terror) y el erotismo (similar al género fantástico francés ), y a menudo implica a un asesino misterioso cuya identidad no se revela hasta el acto final de la película. La mayoría de los críticos coinciden en que el giallo representa una categoría distinta con características únicas, [149] pero hay cierto desacuerdo sobre qué define exactamente a una película giallo . [150]
Las películas giallo se caracterizan generalmente por ser espantosas películas de suspenso y misterio que combinan los elementos de suspenso de la ficción detectivesca con escenas de horror impactante , con derramamiento de sangre excesivo, trabajo de cámara elegante y arreglos musicales a menudo discordantes. La trama arquetípica del giallo involucra a un asesino psicópata misterioso con guantes negros que acecha y masacra a una serie de mujeres hermosas. [152] Si bien la mayoría de los gialli involucran a un asesino humano, algunos también presentan un elemento sobrenatural . [153]
El protagonista típico del giallo es un extraño de algún tipo, a menudo un viajero, un turista , un paria o incluso un investigador privado alienado o deshonrado , y con frecuencia una mujer joven, a menudo una mujer joven que se siente sola o sola en una situación o entorno extraño o extranjero ( los gialli rara vez o con menor frecuencia presentan a agentes de la ley como protagonistas principales). [153] [154]
Los protagonistas generalmente no tienen conexión con los asesinatos antes de que comiencen y se sienten atraídos a ayudar a encontrar al asesino a través de su papel como testigos de uno de los asesinatos. [153] El misterio es la identidad del asesino, que a menudo se revela en el clímax como otro personaje clave, que oculta su identidad con un disfraz (generalmente una combinación de sombrero, máscara, gafas de sol, guantes y gabardina). [155] Por lo tanto, se conserva el elemento literario policial de las novelas giallo , al tiempo que se filtra a través de elementos del género de terror y la larga tradición italiana de ópera y drama de gran guiñol escenificado . La estructura de las películas giallo también recuerda a veces al llamado género de misterio de terror de revistas pulp de " amenaza extraña " junto a Edgar Allan Poe y Agatha Christie . [156]
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Las películas poliziotteschi (plural de poliziottesco) constituyen un subgénero de películas policiales y de acción que surgieron en Italia a fines de la década de 1960 y alcanzaron el apogeo de su popularidad en la década de 1970. También se conocen como polizieschi all'italiana , euro-crime, italo-crime, spaghetti crime films o simplemente películas policiales italianas.
Influenciadas tanto por las películas policiales francesas de los años 1970 como por las crudas películas policiales y de justicieros estadounidenses de los años 1960 y 1970 , [157] las películas de poliziotteschi se realizaron en medio de una atmósfera de agitación sociopolítica en Italia y de crecientes tasas de criminalidad en ese país.
Las películas generalmente presentaban violencia gráfica y brutal, crimen organizado, persecuciones de autos , vigilantismo, atracos , tiroteos y corrupción hasta los niveles más altos. Los protagonistas eran generalmente duros solitarios de clase trabajadora, dispuestos a actuar fuera de un sistema corrupto o excesivamente burocrático. [158] Entre los actores internacionales notables que actuaron en este género de películas se incluyen Alain Delon , Henry Silva , Fred Williamson , Charles Bronson , Tomas Milian y otros.
Franco y Ciccio fueron un dúo cómico formado por los actores italianos Franco Franchi (1928-1992) y Ciccio Ingrassia (1922-2003), particularmente popular en las décadas de 1960 y 1970. Juntos, aparecieron en 116 películas, generalmente como personajes principales, y ocasionalmente como personajes secundarios en películas con actores conocidos como Totò , Domenico Modugno , Vittorio Gassman , Buster Keaton y Vincent Price . [159]
Su colaboración comenzó en 1954 en el ámbito teatral, y terminó con la muerte de Franchi en 1992. Los dos debutaron en el cine en 1960 con la película Appuntamento a Ischia . Después, al verlos en esta película, Modugno, que los quiso con él en su película, [160] [161] y se mantuvieron activos hasta 1984 cuando rodaron su última película juntos, Kaos , aunque hubo algunas interrupciones en 1973, y de 1975 a 1980. [162]
Actuaron en películas realizadas ciertamente en poco tiempo y con pocos medios, como las rodadas con el director Marcello Ciorciolini , llegando a veces a realizar una decena de películas en un año, a menudo sin un verdadero guion y donde a menudo improvisaban sobre el plató. También están las 13 películas dirigidas por Lucio Fulci , quien fue el artífice de la inversión de sus papeles típicos haciendo de Ciccio el serio, el compinche, y de Franco el cómico. [163]
Trabajaron también con directores importantes como Pier Paolo Pasolini y los hermanos Taviani . En su momento, fueron considerados protagonistas del cine de serie B , posteriormente fueron revalorizados por la crítica por su capacidad cómica y creativa, convirtiéndose en objeto de estudio. [164] [165] El enorme éxito de público se evidencia en las ganancias de taquilla, que en la década de 1960, representaban el 10% de las ganancias anuales en Italia. [166]
El cine de autor de los años 60 continúa su camino analizando temas y problemas distintos. Una nueva visión autoral se emancipa de las venas surrealistas y existencialistas de Fellini y Antonioni, que ve en el cine un medio ideal para denunciar la corrupción y la malversación, [167] tanto en el sistema político como en el mundo industrial. Así nació la estructura del cine de investigación que, partiendo del análisis neorrealista de los hechos, añade a éstos un juicio crítico conciso, con la intención manifiesta de sacudir las conciencias de la opinión pública. Esta tipología toca deliberadamente cuestiones candentes, a menudo apuntando al poder establecido, con la intención de reconstruir una verdad histórica que a menudo se oculta o se niega. [168]
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El precursor de esta manera de entender la profesión de director fue Francesco Rosi . [169] En 1962 inauguró el proyecto cinematográfico de investigación que recorre, a través de una serie de largos flashbacks , la vida del criminal siciliano homónimo de la película Salvatore Giuliano . Al año siguiente dirigió a Rod Steiger en Manos sobre la ciudad (1963), en la que denunciaba con valentía la colusión existente entre los diversos órganos del Estado y la explotación inmobiliaria en Nápoles. La película fue galardonada con el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia .
Una de las películas de denuncia más famosas de Francesco Rosi es El caso Mattei (1972), un riguroso documental sobre la misteriosa desaparición de Enrico Mattei , gerente de Eni , un gran grupo estatal italiano. La película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes . Se convirtió (junto con la rigurosa Cadáveres ilustres (1976)) en un verdadero modelo para películas de denuncia similares producidas tanto en Italia como en el extranjero. Películas de denuncia famosas de Elio Petri son La clase obrera va al cielo (1971), una denuncia corrosiva de la vida en la fábrica (ganadora de la Palma de Oro en Cannes) e Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha (1970). Esta última (acompañada por la incisiva banda sonora de Ennio Morricone ) es un thriller psicoanalítico seco centrado en las aberraciones del poder, analizadas en clave patológica. [170] La película obtuvo un amplio consenso, ganando el Premio de la Academia a la Mejor Película Internacional al año siguiente.
Argumentos relacionados con el cine civil los podemos encontrar en la obra de Damiano Damiani , quien con El día del búho (1968) gozó de un éxito considerable. Otros largometrajes incluyen, Confesiones de un capitán de policía (1971), El caso está cerrado, olvídalo (1971), Cómo matar a un juez (1974) y Tengo miedo (1977). También Pasquale Squitieri por la película Il prefetto di ferro (1977) y Giuliano Montaldo , quien después de algunas experiencias como actor, puso en escena algunas películas históricas y políticas como El quinto día de la paz (1970), Sacco & Vanzetti (1971) y Giordano Bruno (1973). También Nanni Loy por la película En prisión en espera de juicio (1971) protagonizada por Alberto Sordi .
En la década de 1970 fue influyente el trabajo realizado por la directora Lina Wertmüller , quien junto a los consagrados actores Giancarlo Giannini y Mariangela Melato , dio vida a exitosas películas como La seducción de Mimi (1972), Amor y anarquía (1973) y Barridos por la marea (1974). Dos años después, con Siete bellezas (1976), obtuvo cuatro nominaciones a los Premios Óscar , convirtiéndose en la primera mujer en recibir una nominación a mejor dirección. [171]
El último protagonista de la gran temporada de la comedia es el director Ettore Scola . A lo largo de la década de 1950, desempeñó el papel de guionista, para luego hacer su debut como director en 1964 con la película Hablemos de mujeres . En 1974, dirigió su película más conocida, Todos nos amamos tanto , que recorre 30 años de historia italiana a través de las historias de tres amigos: el abogado Gianni Perego ( Vittorio Gassman ), el portero Antonio ( Nino Manfredi ) y el intelectual Nicola ( Stefano Satta Flores ). Otras películas incluyen, Down and Dirty (1976) protagonizada por Nino Manfredi, y Un día especial (1977) protagonizada por Sophia Loren y Marcello Mastroianni . [172]
La commedia sexy all'italiana se caracteriza típicamente por la abundante desnudez femenina y la comedia, y por el peso mínimo dado a la crítica social que era el ingrediente básico del género principal de la commedia all'italiana . [173] Las historias a menudo se desarrollan en entornos ricos, como hogares ricos. Está estrechamente relacionada con la revolución sexual , que era extremadamente nueva e innovadora para ese período. Por primera vez, se podían ver películas con desnudez femenina en el cine. La pornografía y las escenas de sexo explícito todavía estaban prohibidas en los cines italianos, pero la desnudez parcial era algo tolerada. El género ha sido descrito como un cruce entre comedia obscena y película erótica humorística con abundantes elementos de payasadas que siguen historias más o menos cliché.
En esta época, las películas de comedia sexy a la italiana, calificadas por los críticos de cine de la época de películas poco artísticas o "trash", eran muy populares en Italia. Hoy en día han sido ampliamente revalorizadas y se han convertido en auténticas películas de culto. Además, permitieron a los productores de cine italiano disponer de suficientes ingresos para producir películas artísticas de éxito. Estas películas de comedia tenían poco valor artístico y alcanzaron su popularidad al enfrentarse a los tabúes sociales italianos, sobre todo en la esfera sexual. Actores como Lando Buzzanca , Lino Banfi , Renzo Montagnani , Alvaro Vitali , Gloria Guida , Barbara Bouchet y Edwige Fenech deben gran parte de su popularidad a estas películas.
Las películas protagonizadas por Ugo Fantozzi , un personaje inventado por Paolo Villaggio para sus sketches televisivos y cuentos de prensa, también se enmarcaban en el género de la comedia satírica cómica. [174] Aunque las películas de Villaggio tienden a tender un puente entre la comedia y una sátira social más elevada, este personaje tuvo un gran impacto en la sociedad italiana, hasta tal punto que el adjetivo fantozziano entró en el léxico. [175] Ugo Fantozzi representa el arquetipo del italiano medio de los años 1970, de clase media con un estilo de vida sencillo y con las ansiedades comunes a toda una clase de trabajadores, [176] siendo reevaluado por los críticos. [177]
De las muchas películas que narran las desventuras de Fantozzi, las más notables y famosas fueron Fantozzi (1975) e Il secondo tragico Fantozzi (1976), ambas dirigidas por Luciano Salce , pero se produjeron muchas otras. Las otras películas fueron Fantozzi contro tutti (1980) de Neri Parenti , Fantozzi subisce ancora (1983) de Neri Parenti, Superfantozzi (1986) de Neri Parenti, Fantozzi va in pensione (1988) de Neri Parenti, Fantozzi alla riscossa (1990) de Neri Parenti, Fantozzi in paradiso (1993) de Neri Parenti, Fantozzi - Il ritorno (1996) de Neri Parenti y Fantozzi 2000 - La clonazione (1999) de Domenico Saverni.
La sceneggiata (pl. sceneggiate) o sceneggiata napoletana es una forma de teatro musical típica de Nápoles . Comenzó como una forma de teatro musical después de la Primera Guerra Mundial , y también fue adaptada para el cine; las películas de sceneggiata se volvieron especialmente populares en la década de 1970 y contribuyeron a que el género se hiciera más conocido fuera de Nápoles. [178] Los actores más famosos que interpretaron dramas fueron Mario Merola , Mario Trevi y Nino D'Angelo . [179]
La sceneggiata puede describirse aproximadamente como una "telenovela musical", donde la acción y el diálogo se intercalan con canciones napolitanas . Las tramas giran en torno a temas melodramáticos extraídos de la cultura y la tradición napolitanas, que incluyen la pasión, los celos, la traición, el engaño personal y la traición, el honor, la venganza y la vida en el mundo de los delitos menores. Las canciones y los diálogos estaban originalmente en dialecto napolitano , aunque, especialmente en la producción cinematográfica, a veces se ha preferido el italiano , para llegar a un público más amplio.
Sgarro alla camorra (es decir, "Ofensa a la Camorra ", 1973), escrita y dirigida por Ettore Maria Fizzarotti y protagonizada por Mario Merola en su debut cinematográfico, se considera la primera película de sceneggiata y un prototipo del género. [180] [181] Se rodó en Cetara , provincia de Salerno . [181] Fuera de Italia, la sceneggiata es conocida sobre todo en zonas pobladas por inmigrantes italianos . Además de Nápoles, la segunda patria de la sceneggiata es probablemente Little Italy en la ciudad de Nueva York . [182]
La década de 1980 fue un período de decadencia para el cine italiano. En 1985, se produjeron solo 80 películas (la menor cantidad desde la posguerra) [186] y el número total de espectadores disminuyó de 525 millones en 1970 a 123 millones. [187] Se trata de un proceso fisiológico que invierte, en el mismo período que otros países con una gran tradición cinematográfica como Japón, Reino Unido y Francia. La era de los productores terminó; Carlo Ponti y Dino De Laurentiis trabajan en el extranjero, Goffredo Lombardo y Franco Cristaldi ya no son figuras clave. La crisis afecta sobre todo al cine de género italiano , que, en virtud del éxito de la televisión comercial , se ve privado de la gran mayoría de su audiencia. [188] Como resultado, los cines comenzaron a proyectar principalmente películas de Hollywood , que gradualmente tomaron el control, mientras que muchos otros cines cerraron.
Entre las principales películas artísticas de esta época se encuentran La città delle donne , E la nave va , Ginger y Fred de Fellini , L'albero degli zoccoli de Ermanno Olmi (ganador de la Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes ), La notte di San Lorenzo de Paolo y Vittorio Taviani , Identificazione di una donna de Antonioni , y Bianca y La messa è finita de Nanni Moretti . Aunque no enteramente italiana, El último emperador , de Bernardo Bertolucci , ganadora de 9 premios Oscar, incluidos los de mejor película y mejor director, y Érase una vez en América , de Sergio Leone, también proceden de esta época.
Non ci resta che piangere , dirigida y protagonizada por Roberto Benigni y Massimo Troisi , es una película de culto en Italia.
Carlo Verdone , actor, guionista y director de cine, es más conocido por sus papeles cómicos en clásicos italianos, que también escribió y dirigió. Su carrera se inició con sus tres primeros éxitos, Un sacco bello (1980), Bianco, rosso e Verdone (1981) y Borotalco (1982). Desde la década de 1990, ha ido introduciendo temas más serios en su obra, vinculados a los excesos de la sociedad y las dificultades del individuo para enfrentarse a ella; algunos ejemplos son Maledetto il giorno che t'ho incontrata (1992), Il mio miglior nemico (2006) y Io, loro e Lara (2010).
Francesco Nuti comenzó su carrera profesional como actor a finales de los años 70, cuando formó el grupo de cabaret Giancattivi junto a Alessandro Benvenuti y Athina Cenci . El grupo participó en los programas de televisión Black Out y Non Stop para la RAI TV , y rodó su primer largometraje, West of Paperino (1981), escrito y dirigido por Benvenuti. Al año siguiente Nuti abandonó el trío y comenzó una carrera en solitario con tres películas dirigidas por Maurizio Ponzi : What a Ghostly Silence There Is Tonight (1982), The Pool Hustlers (1982) y Son contento (1983). A partir de 1985, comenzó a dirigir sus propias películas, obteniendo un éxito inmediato con las películas Casablanca, Casablanca y toda la culpa del paraíso (1985), Stregati (1987), Caruso Pascoski, hijo de un polaco (1988), Willy Signori e vengo da lontano (1990) y Mujeres con faldas (1991). Sin embargo, los años 90 fueron un período de declive para el director toscano, con películas de escaso éxito como Occhio Pinocchio (1994), Mr. Fifteen Balls (1998), Io amo Andrea (2000) y Caruso, Zero for Conduct (2001).
Los cinepanettoni (singular: cinepanettone ) son una serie de películas de comedia burlesca , una o dos de las cuales se estrenan anualmente en Italia durante el período navideño. Las películas fueron producidas originalmente por el estudio Filmauro de Aurelio De Laurentiis . [189] Estas películas generalmente se centran en las vacaciones de los italianos estereotípicos: miembros torpes, ricos y presuntuosos de la clase media que visitan lugares famosos, glamorosos o exóticos.
La crisis económica que surgió en la década de 1980 comenzó a aliviarse durante la década siguiente. [190] Sin embargo, las temporadas 1992-93 y 1993-94 marcaron un mínimo histórico en el número de películas realizadas, en la participación de mercado nacional (15 por ciento), en el número total de espectadores (menos de 90 millones por año) y en el número de salas de cine. [191] El efecto de esta contracción industrial sanciona la desaparición total del cine de género italiano a mediados de la década, ya que ya no era adecuado para competir con los grandes éxitos de taquilla contemporáneos de Hollywood (principalmente debido a las enormes diferencias de presupuesto disponibles), con sus directores y actores que, por lo tanto, se pasan casi en su totalidad al cine para televisión.
Una nueva generación de directores ha contribuido a que el cine italiano vuelva a un nivel saludable desde finales de los años 1980. Probablemente la película más destacada de este período sea Nuovo Cinema Paradiso , por la que Giuseppe Tornatore ganó un Oscar en 1989 (otorgado en 1990) a la mejor película en lengua extranjera. Este premio fue seguido por el de Mediterraneo, de Gabriele Salvatores, que ganó el mismo premio en 1991.
Il Postino: The Postman (1994), dirigida por el británico Michael Radford y protagonizada por Massimo Troisi , recibió cinco nominaciones a los premios Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor para Troisi, y ganó por Mejor Banda Sonora Original . Otra hazaña fue en 1998 cuando Roberto Benigni ganó tres Oscar por su película La vida es bella ( La vita è bella) (Mejor Actor para el propio Benigni, Mejor Película Extranjera, Mejor Música). La película también fue nominada a Mejor Película.
Leonardo Pieraccioni hizo su debut como director con Los graduados (1995). [192] En 1996 dirigió su película revelación El ciclón , que recaudó 75 mil millones de liras en taquilla. [193] [194]
Con el nuevo milenio, la industria cinematográfica italiana recuperó la estabilidad y el reconocimiento de la crítica. En 1995 se produjeron 93 películas, [195] mientras que en 2005 se rodaron 274 películas. [196] En 2006, la cuota de mercado nacional alcanzó el 31 por ciento. [197] En 2001, la película de Nanni Moretti La habitación del hijo ( La stanza del figlio ) recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes . Otras películas italianas recientes dignas de mención son: Jona che visse nella balena de Roberto Faenza , Il grande cocomero de Francesca Archibugi , Il mestiere delle armi de Olmi, L'ora di religione de Marco Bellocchio , Il ladro di bambini , Lamerica , Las llaves de la casa de Gianni Amelio , No tengo miedo ( Io non- ho paura ) de Gabriele Salvatores , Le Fate Ignoranti , Frente a las ventanas ( La finestra di fronte ) de Ferzan Özpetek , Buenos días, noches ( Buongiorno, notte ) de Marco Bellocchio , Lo mejor de la juventud ( La meglio gioventù ) de Marco Tullio Giordana , La bestia en el corazón ( La bestia nel cuore ) de Cristina Comencini . En 2008, Il Divo de Paolo Sorrentino , una película biográfica basada en la vida de Giulio Andreotti , ganó el premio del jurado y Gomorra , una película de drama criminal dirigida por Matteo Garrone , ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes .
La gran belleza ( La Grande Bellezza ) de Paolo Sorrentino ganó el Premio Oscar 2014 a la Mejor Película en Lengua Extranjera .
Las dos películas italianas más taquilleras en Italia han sido dirigidas por Gennaro Nunziante y protagonizadas por Checco Zalone : Sole a catinelle (2013) con 51,8 millones de euros, y Quo Vado? (2016) con 65,3 millones de euros. [199] [200]
They Call Me Jeeg , una película de superhéroes aclamada por la crítica de 2016 dirigida por Gabriele Mainetti y protagonizada por Claudio Santamaria , ganó muchos premios, como ocho David di Donatello , dos Nastro d'Argento y un Globo d'oro .
El documental de Gianfranco Rosi Fuego en el mar (2016) ganó el Oso de Oro en el 66.º Festival Internacional de Cine de Berlín . They Call Me Jeeg y Fuego en el mar también fueron seleccionadas como la película italiana candidata a Mejor Película en Lengua Extranjera en la 89.ª edición de los Premios Óscar , pero no fueron nominadas. [201]
Otras películas italianas exitosas de la década de 2010 incluyen: Vincere y El traidor de Marco Bellocchio , La primera cosa bella ( La prima cosa bella ), Capital humano ( Il capitale umano ) y Como locos ( La pazza gioia ) de Paolo Virzì , Tenemos un Papa ( Habemus Papam ) y Mia Madre de Nanni Moretti , Caesar Must Die ( Cesare deve morire ) de Paolo y Vittorio Taviani , Don't Be Bad ( Non essere cattivo ) de Claudio Caligari , Romanzo Criminale de Michele Placido (que generó una serie de televisión, Romanzo criminale - La serie ), Juventud ( La giovinezza ) de Paolo Sorrentino, Suburra de Stefano Sollima , Perfectos desconocidos ( Perfetti sconosciuti ) de Paolo Genovese , Mediterranea y A Ciambra de Jonas Carpignano , Italian Race ( Veloce come il vento ) y El primer rey: nacimiento de un imperio ( Il primo re ) de Matteo Rovere , y Cuento de cuentos ( Il racconto dei racconti ), Dogman y Pinocho de Matteo Garrone.
Llámame por tu nombre (2017), la última entrega de la trilogía temática Deseo de Luca Guadagnino , después de Yo soy el amor (2009) y A Bigger Splash (2015), recibió elogios generalizados y numerosos galardones , incluido el Premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado y la nominación a Mejor Película en 2018.
Perfect Strangers de Paolo Genovese fue incluida en el Libro Guinness de los Récords al convertirse en la película más rehecha en la historia del cine, con un total de 18 versiones de la película. [198]
Las películas italianas exitosas de la década de 2020 incluyen: La vida por delante de Edoardo Ponti , Hidden Away de Giorgio Diritti , Bad Tales de Damiano y Fabio D'Innocenzo , The Predators de Pietro Castellitto , Padrenostro de Claudio Noce , Notturno de Gianfranco Rosi , El rey de la risa de Mario Martone , A Chiara de Jonas Carpignano , Freaks Out de Gabriele Mainetti , La mano de Dios de Paolo Sorrentino , Nostalgia de Mario Martone , Seco de Paolo Giordano , El sol colgante de Francesco Carrozzini , Huesos y todo de Luca Guadagnino , L'immensità de Emanuele Crialese y Robando a Mussolini de Renato De Maria .
La lista de las 100 películas italianas que hay que salvar ( en italiano : 100 film italiani da salvare ) nace con el objetivo de dar a conocer "100 películas que han cambiado la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978". El proyecto fue creado en 2008 por la sección Venice Days del 65º Festival Internacional de Cine de Venecia , en colaboración con Cinecittà Holding y con el apoyo del Ministerio de Bienes Culturales .
La lista ha sido editada por Fabio Ferzetti, [202] crítico de cine del periódico Il Messaggero , en colaboración con el director de cine Gianni Amelio y los escritores y críticos de cine Gian Piero Brunetta , Giovanni De Luna, Gianluca Farinelli, Giovanna Grignaffini, Paolo Mereghetti , Morando. Morandini , Domenico Starnone y Sergio Toffetti. [203] [204]
La Cineteca Nazionale es un archivo cinematográfico ubicado en Roma . Fundada en 1949, aquí se encuentran archivadas 80.000 películas, 600.000 fotografías, 50.000 carteles y la colección de la Asociación Italiana para la Investigación de la Historia del Cine (AIRSC). [205] Surgió del patrimonio archivístico del Centro Sperimentale di Cinematografia , que en 1943, había sido removido por los ocupantes nazis , perdiéndose materiales únicos. [206] [207] [208] La Cineteca Italiana es un archivo cinematográfico privado ubicado en Milán . Establecida en 1947, y como fundación en 1996, la Cineteca Italiana alberga más de 20.000 películas y más de 100.000 fotografías de la historia del cine italiano e internacional . [209] La Cineteca di Bologna es un archivo cinematográfico en Bolonia . Fue fundada en 1962. [210]
El Museo Nacional del Cine (en italiano: Museo Nazionale del Cinema ) ubicado en Turín es un museo de cine dentro de la torre Mole Antonelliana . Es operado por la Fundación Maria Adriana Prolo , y el núcleo de su colección es el resultado del trabajo de la historiadora y coleccionista Maria Adriana Prolo . Estaba alojado en el Palazzo Chiablese . En 2008, con 532.196 visitantes, ocupó el puesto 13 entre los museos italianos más visitados. [211] El museo alberga dispositivos ópticos precinematográficos como linternas mágicas , tecnologías cinematográficas anteriores y actuales, elementos escénicos de las primeras películas italianas y otros recuerdos. A lo largo del recorrido expositivo de unos 3.200 m² en cinco niveles, es posible visitar algunas zonas dedicadas a los distintos tipos de equipos de filmación , y en la sala principal, habilitada en el salón del templo de la Mole (que era un edificio originalmente destinado a sinagoga), una serie de capillas que representan varios géneros cinematográficos . [212]
El Museo del Precinema (en italiano: Museo del Precinema ) es un museo en el Palazzo Angeli, Prato della Valle , Padua , relacionado con la historia del precine, o precursores del cine . Fue creado en 1998 para exhibir la Colección Minici Zotti, en colaboración con el Ayuntamiento de Padua . También produce exposiciones itinerantes interactivas y realiza valiosos préstamos a otras prestigiosas exposiciones como Lanterne magique et film peint en la Cinémathèque Française de París y el Museo Nacional del Cine de Turín .
El Museo del Cine de Roma se encuentra en Cinecittà . Las colecciones están formadas por carteles y programas de cine, cámaras de cine, proyectores, linternas mágicas, vestuario escénico y la patente del « kinetógrafo » de Filoteo Alberini . [213] El Museo del Cine de Milán , gestionado por la Cineteca Italiana , se divide en tres secciones, el precine, el cine de animación y «Milán como plató de cine», además de estaciones multimedia e interactivas. [214]
El Museo del Cine de Catania exhibe documentos sobre el cine, sus técnicas y su historia, con especial atención al vínculo entre el cine y Sicilia . [215] El Museo del Cine de Siracusa reúne más de 10.000 objetos expuestos en 12 salas. [216]
Después de Estados Unidos y el Reino Unido, Italia es el país que más premios Óscar ha ganado.
Italia es el país más premiado en los Premios Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera , con 14 premios ganados, 3 Premios Especiales y 31 nominaciones . Ganadores y año de la ceremonia:
En 1961, Sophia Loren ganó el Oscar a la mejor actriz por su papel de una mujer que es violada en la Segunda Guerra Mundial , junto con su hija adolescente, en Dos mujeres de Vittorio De Sica . Fue la primera actriz en ganar un Oscar por una actuación en cualquier idioma extranjero, y la segunda actriz italiana ganadora del Oscar, después de Anna Magnani por La rosa tatuada . En 1998, Roberto Benigni fue el primer actor italiano en ganar el Oscar a mejor actor por La vida es bella .
El cineasta italiano Frank Capra ganó tres veces el Oscar al Mejor Director por Sucedió una noche , Mr. Deeds va a la ciudad y No puedes llevártelo contigo . Bernardo Bertolucci ganó el premio por El último emperador y también el de Mejor guión adaptado por la misma película.
Ennio De Concini , Alfredo Giannetti y Pietro Germi ganaron el premio al Mejor Guion Original por Divorcio a la italiana . El Oscar al Mejor Montaje fue para Gabriella Cristiani por El último emperador y para Pietro Scalia por JFK y Black Hawk Down .
El premio a la Mejor Banda Sonora Original fue ganado por Nino Rota por El Padrino II ; Giorgio Moroder por El expreso de medianoche ; Nicola Piovani por La vida es bella ; Dario Marianelli por Expiación ; y Ennio Morricone por Los odiosos ocho . Giorgio Moroder también ganó el premio a la Mejor Canción Original por Flashdance y Top Gun .
Los ganadores italianos del Oscar al Mejor Diseño de Producción son Dario Simoni por Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago ; Elio Altramura y Gianni Quaranta por Una habitación con vistas ; Bruno Cesari , Osvaldo Desideri y Ferdinando Scarfiotti por El último emperador ; Luciana Arrighi por Howards End ; y Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo por El aviador , Sweeney Todd: El barbero diabólico de Fleet Street y Hugo .
Los ganadores del Premio Oscar a la Mejor Fotografía son: Tony Gaudio por Anthony Adverse ; Pasqualino De Santis por Romeo y Julieta ; Vittorio Storaro por Apocalypse Now , Rojos y El último emperador ; y Mauro Fiore por Avatar .
Los ganadores del Oscar al Mejor Diseño de Vestuario son Piero Gherardi por La dolce vita y 8½ ; Vittorio Nino Novarese por Cleopatra y Cromwell ; Danilo Donati por La fierecilla domada , Romeo y Julieta y Casanova de Fellini ; Franca Squarciapino por Cyrano de Bergerac ; Gabriella Pescucci por La edad de la inocencia ; y Milena Canonero por Barry Lyndon , Carros de fuego , María Antonieta y El gran Hotel Budapest .
El artista de efectos especiales Carlo Rambaldi ganó tres Oscar: un Premio de la Academia al logro especial por mejores efectos visuales por King Kong [218] y dos Premios de la Academia a los mejores efectos visuales por Alien [219] (1979) y ET the Extra-Terrestrial . [220] El Premio de la Academia al mejor maquillaje y peluquería lo ganaron Manlio Rocchetti por Driving Miss Daisy , y Alessandro Bertolazzi y Giorgio Gregorini por Suicide Squad .
Sophia Loren, Federico Fellini, Michelangelo Antonioni , Dino De Laurentiis , Ennio Morricone y Piero Tosi también recibieron el Premio Honorífico de la Academia .
nelle Marche viene ospitata al Caffè Centrale di Ancona: ottobre 1896[... En el estado actual de la investigación, la primera proyección se realizará en las Marcas de Ancona en el Café Central: Octubre de 1896][ISBN no especificado]
Aparecía con frecuencia en dúos junto a Terence Hill.
![Ladrón de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica, está considerada entre las mejores películas jamás realizadas y forma parte del canon del cine clásico.[89]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/LadriDiBicicletteStaiola1948.jpg/1280px-LadriDiBicicletteStaiola1948.jpg)
![La batalla de Argel (1966) de Gillo Pontecorvo se asocia a menudo con el neorrealismo italiano.[90]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8a/Battle-of-Algiers-screenshot.jpg/1280px-Battle-of-Algiers-screenshot.jpg)
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