Una película muda es una película sin sonido grabado sincronizado (o, más generalmente, sin diálogos audibles ). Aunque las películas mudas transmiten la narrativa y la emoción visualmente, varios elementos de la trama (como un escenario o una época) o líneas clave de diálogo pueden, cuando sea necesario, transmitirse mediante el uso de carteles entre títulos .
El término "cine mudo" es un nombre poco apropiado, ya que estas películas casi siempre iban acompañadas de sonidos en vivo. Durante la era del cine mudo que existió desde mediados de la década de 1890 hasta fines de la década de 1920, un pianista , un organista de teatro o incluso, en las ciudades más grandes, una orquesta , tocaban música para acompañar las películas. Los pianistas y organistas tocaban a partir de partituras o improvisaciones . A veces, una persona incluso narraba los carteles entre títulos para la audiencia. Aunque en ese momento no existía la tecnología para sincronizar el sonido con la película, la música se consideraba una parte esencial de la experiencia visual. "Cine mudo" se usa típicamente como un término histórico para describir una era del cine anterior a la invención del sonido sincronizado, pero también se aplica a películas de la era del sonido como Luces de la ciudad , Tiempos modernos y Película muda que están acompañadas por una banda sonora de solo música en lugar de diálogo.
El término cine mudo es un retrónimo , un término creado para distinguir retroactivamente algo de desarrollos posteriores. Las primeras películas sonoras, comenzando con El cantante de jazz en 1927, fueron denominadas de diversas formas como "talkies", "películas sonoras" o "películas habladas" . La idea de combinar películas con sonido grabado es más antigua que el cine (se sugirió casi inmediatamente después de que Edison introdujera el fonógrafo en 1877), y algunos experimentos tempranos hicieron que el proyeccionista ajustara manualmente la velocidad de fotogramas para que se adaptara al sonido, [1] pero debido a los desafíos técnicos involucrados, la introducción del diálogo sincronizado se volvió práctica solo a fines de la década de 1920 con la perfección del tubo amplificador Audion y la llegada del sistema Vitaphone . [2] En una década, la producción generalizada de películas mudas para entretenimiento popular había cesado, y la industria había entrado de lleno en la era del sonido , en la que las películas iban acompañadas de grabaciones de sonido sincronizadas de diálogo hablado, música y efectos de sonido .
La mayoría de las primeras películas se consideran perdidas debido a su deterioro físico, ya que la película de nitrato utilizada en esa época era extremadamente inestable e inflamable. Además, muchas películas fueron destruidas deliberadamente, porque su valor financiero inmediato restante era insignificante en esa época. A menudo se ha afirmado que alrededor del 75 por ciento de las películas mudas producidas en los EE. UU. se han perdido, aunque estas estimaciones son inexactas debido a la falta de datos numéricos. [3]
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La proyección de películas evolucionó principalmente a partir de espectáculos con linternas mágicas , en los que se proyectaban imágenes de diapositivas de vidrio pintadas a mano sobre una pared o una pantalla. [4] Después de la llegada de la fotografía en el siglo XIX, a veces se utilizaban fotografías fijas. La narración del presentador era importante en las proyecciones de espectáculos de entretenimiento y vital en el circuito de conferencias. [5]
El principio de la animación estroboscópica era bien conocido desde la introducción del fenaquistiscopio en 1833, un popular juguete óptico , pero el desarrollo de la cinematografía se vio obstaculizado por los largos tiempos de exposición para las emulsiones fotográficas , hasta que Eadweard Muybridge logró registrar una secuencia cronofotográfica en 1878. Después de que otros habían animado sus imágenes en zootropos , Muybridge comenzó a dar conferencias con su propio proyector de animación zoopraxiscopio en 1880.
El trabajo de otros cronofotógrafos pioneros, incluidos Étienne-Jules Marey y Ottomar Anschütz , impulsó el desarrollo de cámaras cinematográficas, proyectores y películas de celuloide transparentes.
Aunque Thomas Edison estaba interesado en desarrollar un sistema de película que se sincronizara con su fonógrafo , finalmente introdujo el kinetoscopio como visor de películas silenciosas en 1893 y las versiones posteriores del "kinetófono" no tuvieron éxito.
El arte cinematográfico alcanzó su madurez en la "era del cine mudo" ( 1894 en el cine - 1929 en el cine ). El apogeo de la era del cine mudo (desde principios de la década de 1910 en el cine hasta finales de la década de 1920) fue un período particularmente fructífero, lleno de innovación artística. Los movimientos cinematográficos del Hollywood clásico , así como el impresionismo francés , el expresionismo alemán y el montaje soviético comenzaron en este período. Los cineastas mudos fueron pioneros en la forma de arte hasta el punto de que prácticamente todos los estilos y géneros cinematográficos de los siglos XX y XXI tienen sus raíces artísticas en la era del cine mudo. La era del cine mudo también fue pionera desde el punto de vista técnico. La iluminación de tres puntos, el primer plano, el plano general , la panorámica y la edición de continuidad se hicieron frecuentes mucho antes de que las películas mudas fueran reemplazadas por "películas sonoras " o "talkies" a fines de la década de 1920. Algunos estudiosos afirman que la calidad artística del cine disminuyó durante varios años, a principios de la década de 1930, hasta que los directores de cine , los actores y el personal de producción se adaptaron plenamente a las nuevas "películas sonoras" a mediados de la década de 1930. [6]
La calidad visual de las películas mudas, especialmente las producidas en la década de 1920, era a menudo alta, pero sigue existiendo una idea errónea generalizada de que estas películas eran primitivas o apenas se pueden ver según los estándares modernos. [7] Esta idea errónea proviene de la falta de familiaridad del público en general con el medio, así como del descuido por parte de la industria. La mayoría de las películas mudas están mal conservadas, lo que conduce a su deterioro, y las películas bien conservadas a menudo se reproducen a una velocidad incorrecta o sufren cortes de censura y faltan fotogramas y escenas, lo que da la apariencia de una mala edición. [8] [9] Muchas películas mudas existen solo en copias de segunda o tercera generación, a menudo hechas a partir de material fílmico ya dañado y descuidado. [6]
Muchos de los primeros sistemas de proyección se veían afectados por el parpadeo de la pantalla, cuando las interrupciones estroboscópicas entre fotogramas se encontraban por debajo de la frecuencia crítica de parpadeo . Esto se solucionó con la introducción de un obturador de tres hojas (desde 1902), que causaba dos interrupciones más por fotograma. [10]
Otro error muy extendido es el de creer que las películas mudas carecían de color. De hecho, el color era mucho más frecuente en las películas mudas que en las primeras décadas del cine sonoro. A principios de la década de 1920, el 80 por ciento de las películas se podían ver en algún tipo de color, normalmente en forma de tintado o virado de la película o incluso coloreado a mano, pero también con procesos de dos colores bastante naturales como Kinemacolor y Technicolor . [11] Los procesos de coloración tradicionales cesaron con la adopción de la tecnología de sonido en película . La coloración tradicional de películas, todas las cuales implicaban el uso de tintes de alguna forma, interfería con la alta resolución necesaria para el sonido grabado incorporado, y por lo tanto se abandonó. El innovador proceso de tres tiras de technicolor introducido a mediados de la década de 1930 era costoso y estaba plagado de limitaciones, y el color no tendría la misma prevalencia en el cine que tuvo en las películas mudas durante casi cuatro décadas.
A medida que las películas fueron aumentando su duración, se hizo necesario un sustituto para el intérprete interno que explicaba partes de la película al público. Como las películas mudas no tenían sonido sincronizado para los diálogos, se utilizaban intertítulos en pantalla para narrar puntos de la historia, presentar diálogos clave y, a veces, incluso comentar la acción para el público. El escritor de títulos se convirtió en un profesional clave en el cine mudo y, a menudo, estaba separado del guionista que creaba la historia. Los intertítulos (o títulos , como se los llamaba generalmente en esa época) "a menudo eran elementos gráficos en sí mismos, con ilustraciones o decoraciones abstractas que comentaban la acción". [12] [13] [ cita requerida ]
Las exhibiciones de películas mudas casi siempre incluían música en vivo, comenzando con la primera proyección pública de películas de los hermanos Lumière el 28 de diciembre de 1895 en París. Esto fue promovido en 1896 por la primera exhibición cinematográfica en los Estados Unidos en el Koster and Bial's Music Hall en la ciudad de Nueva York. En este evento, Edison sentó el precedente de que todas las exhibiciones debían estar acompañadas por una orquesta. [14] Desde el principio, la música fue reconocida como esencial, contribuyendo a la atmósfera y dando a la audiencia señales emocionales vitales. Los músicos a veces tocaban en sets de filmación por razones similares. Sin embargo, dependiendo del tamaño del sitio de exhibición, el acompañamiento musical podía cambiar drásticamente en escala. [4] Los cines de pueblos pequeños y barrios generalmente tenían un pianista . A partir de mediados de la década de 1910, los teatros de las grandes ciudades tendían a tener organistas o conjuntos de músicos. Los órganos de teatro masivos , que fueron diseñados para llenar un vacío entre un simple solista de piano y una orquesta más grande, tenían una amplia gama de efectos especiales. Los órganos teatrales como el famoso " Mighty Wurlitzer " podían simular algunos sonidos orquestales junto con una serie de efectos de percusión como bombos y platillos, y efectos de sonido que iban desde "silbatos de trenes y barcos [hasta] bocinas de automóviles y silbatos de pájaros; ... algunos incluso podían simular disparos de pistola, teléfonos sonando, el sonido de las olas, cascos de caballos, cerámica rota, [y] truenos y lluvia". [15]
Las partituras musicales de las primeras películas mudas eran improvisadas o compiladas a partir de música clásica o de repertorio teatral. Sin embargo, una vez que las películas completas se volvieron algo común, la música fue compilada a partir de música de teatro por el pianista, el organista, el director de orquesta o el propio estudio cinematográfico , que incluía una hoja de referencia con la película. Estas hojas a menudo eran largas, con notas detalladas sobre los efectos y estados de ánimo a tener en cuenta. A partir de la banda sonora mayoritariamente original compuesta por Joseph Carl Breil para la epopeya de D. W. Griffith El nacimiento de una nación (1915), se volvió relativamente común que las películas de mayor presupuesto llegaran al cine exhibidor con partituras originales, especialmente compuestas. [16] Sin embargo, las primeras partituras completas designadas de hecho habían sido compuestas en 1908, por Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guisa , [17] y por Mikhail Ippolitov-Ivanov para Stenka Razin .
Cuando los organistas o pianistas utilizaban partituras, podían añadir improvisaciones para realzar el dramatismo en la pantalla. Incluso cuando no se indicaban efectos especiales en la partitura, si un organista tocaba un órgano de teatro capaz de producir un efecto de sonido inusual, como "caballos al galope", se utilizaba durante escenas de dramáticas persecuciones a caballo.
En el apogeo de la era del cine mudo, las películas eran la principal fuente de empleo para los músicos instrumentales, al menos en los Estados Unidos. Sin embargo, la introducción del cine sonoro, junto con el inicio casi simultáneo de la Gran Depresión , fue devastadora para muchos músicos.
Varios países idearon otras formas de llevar sonido a las películas mudas. El cine temprano de Brasil , por ejemplo, presentó fitas cantatas (películas cantadas), operetas filmadas con cantantes actuando detrás de la pantalla. [18] En Japón , las películas no solo tenían música en vivo sino también el benshi , un narrador en vivo que proporcionaba comentarios y voces de personajes. El benshi se convirtió en un elemento central en el cine japonés, además de proporcionar traducción para películas extranjeras (principalmente estadounidenses). [19] La popularidad del benshi fue una de las razones por las que las películas mudas persistieron hasta bien entrada la década de 1930 en Japón. Por el contrario, como las películas narradas por benshi a menudo carecían de intertítulos, a las audiencias modernas a veces les puede resultar difícil seguir las tramas sin subtítulos especializados o comentarios adicionales.
Pocas bandas sonoras cinematográficas han sobrevivido intactas del periodo mudo, y los musicólogos aún se enfrentan a preguntas cuando intentan reconstruir con precisión las que quedan. Las partituras que se utilizan en las reediciones o proyecciones actuales de películas mudas pueden ser reconstrucciones completas de composiciones, compuestas para la ocasión, reunidas a partir de bibliotecas musicales ya existentes o improvisadas en el momento, a la manera de los músicos de teatro de la época del cine mudo.
El interés por la composición de bandas sonoras para películas mudas pasó de moda durante los años 1960 y 1970. En muchos programas de cine universitario y cines de repertorio existía la creencia de que el público debía experimentar el cine mudo como un medio visual puro, sin distracciones musicales. Esta creencia puede haber sido alentada por la mala calidad de las pistas musicales que se encuentran en muchas reimpresiones de películas mudas de la época. Desde aproximadamente 1980, ha habido un resurgimiento del interés por presentar películas mudas con partituras musicales de calidad (ya sea reelaboraciones de partituras de época o hojas de referencia, o la composición de partituras originales apropiadas). Un esfuerzo temprano de este tipo fue la restauración de Kevin Brownlow en 1980 de Napoléon (1927) de Abel Gance, con una partitura de Carl Davis . Una versión ligeramente reeditada y acelerada de la restauración de Brownlow fue distribuida más tarde en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola , con una partitura orquestal en vivo compuesta por su padre Carmine Coppola .
En 1984 se estrenó una restauración editada de Metrópolis (1927) con una nueva banda sonora de rock del productor y compositor Giorgio Moroder . Aunque la banda sonora contemporánea, que incluía canciones pop de Freddie Mercury , Pat Benatar y Jon Anderson de Yes , fue controvertida, se había abierto la puerta a un nuevo enfoque en la presentación de películas mudas clásicas.
En la actualidad, un gran número de solistas, conjuntos musicales y orquestas interpretan partituras tradicionales y contemporáneas para películas mudas a nivel internacional. [20] El legendario organista de teatro Gaylord Carter continuó interpretando y grabando sus partituras originales para películas mudas hasta poco antes de su muerte en 2000; algunas de esas partituras están disponibles en reediciones en DVD. Otros proveedores del enfoque tradicional incluyen organistas como Dennis James y pianistas como Neil Brand , Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model y William P. Perry . Otros pianistas contemporáneos, como Stephen Horne y Gabriel Thibaudeau, a menudo han adoptado un enfoque más moderno para la composición de bandas sonoras.
Directores de orquesta como Carl Davis y Robert Israel han escrito y compilado partituras para numerosas películas mudas; muchas de ellas han aparecido en proyecciones de Turner Classic Movies o se han lanzado en DVD. Davis ha compuesto nuevas partituras para dramas mudos clásicos como The Big Parade (1925) y Flesh and the Devil (1927). Israel ha trabajado principalmente en comedias mudas, componiendo las bandas sonoras de películas de Harold Lloyd , Buster Keaton , Charley Chase y otros. Timothy Brock ha restaurado muchas de las partituras de Charlie Chaplin , además de componer nuevas partituras.
Los conjuntos de música contemporánea están ayudando a introducir las películas mudas clásicas a un público más amplio a través de una amplia gama de estilos y enfoques musicales. Algunos intérpretes crean nuevas composiciones utilizando instrumentos musicales tradicionales, mientras que otros añaden sonidos electrónicos, armonías modernas, ritmos, improvisación y elementos de diseño de sonido para mejorar la experiencia de visualización. Entre los conjuntos contemporáneos de esta categoría se encuentran Un Drame Musical Instantané , Alloy Orchestra , Club Foot Orchestra , Silent Orchestra , Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima and the Caspervek Trio, RPM Orchestra . Donald Sosin y su esposa Joanna Seaton se especializan en añadir voces a las películas mudas, particularmente cuando hay canto en pantalla que se beneficia de escuchar la canción real que se está interpretando. Las películas de esta categoría incluyen Lady of the Pavements de Griffith con Lupe Vélez , Evangeline de Edwin Carewe con Dolores del Río y El fantasma de la ópera de Rupert Julian con Mary Philbin y Virginia Pearson . [ cita requerida ]
El Archivo de Música y Sonido de Cine Mudo digitaliza música y hojas de referencia escritas para películas mudas y las pone a disposición de intérpretes, académicos y entusiastas. [21]
Los actores del cine mudo enfatizaban el lenguaje corporal y la expresión facial para que el público pudiera entender mejor lo que el actor estaba sintiendo y retratando en la pantalla. Muchas interpretaciones del cine mudo tienden a parecer simplistas o exageradas al público actual . El estilo de actuación melodramático era en algunos casos un hábito que los actores habían heredado de su experiencia teatral anterior. El vodevil fue un origen especialmente popular para muchos actores del cine mudo estadounidense. [4] La presencia omnipresente de actores de teatro en el cine fue la causa de este arrebato del director Marshall Neilan en 1917: "Cuanto antes salgan los actores de teatro que han entrado en las películas, mejor para las películas". En otros casos, directores como John Griffith Wray exigían a sus actores que mostraran expresiones más grandes que la vida para enfatizar. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a dar a conocer su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla. [22]
Las películas mudas se volvieron menos vodevilescas a mediados de la década de 1910, cuando las diferencias entre el escenario y la pantalla se hicieron evidentes. Debido al trabajo de directores como D. W. Griffith , la cinematografía se volvió menos teatral y el desarrollo del primer plano permitió una actuación discreta y realista. Lillian Gish ha sido llamada la "primera verdadera actriz" del cine por su trabajo en el período, ya que fue pionera en nuevas técnicas de interpretación cinematográfica, reconociendo las diferencias cruciales entre la actuación en el escenario y la pantalla. Directores como Albert Capellani y Maurice Tourneur comenzaron a insistir en el naturalismo en sus películas. A mediados de la década de 1920, muchas películas mudas estadounidenses habían adoptado un estilo de actuación más naturalista, aunque no todos los actores y directores aceptaron la actuación naturalista y discreta de inmediato; hasta 1927, todavía se estrenaban películas con estilos de actuación expresionistas, como Metrópolis . [22] Greta Garbo , cuya primera película estadounidense se estrenó en 1926, se haría conocida por su actuación naturalista.
Según Anton Kaes, un estudioso del cine mudo de la Universidad de California en Berkeley, el cine mudo estadounidense comenzó a experimentar un cambio en las técnicas de interpretación entre 1913 y 1921, influenciado por las técnicas que se encontraban en el cine mudo alemán. Esto se atribuye principalmente a la afluencia de emigrantes de la República de Weimar , "incluidos directores de cine, productores, camarógrafos, técnicos de iluminación y de escena, así como actores y actrices". [24]
Hasta la estandarización de la velocidad de proyección de 24 fotogramas por segundo (fps) para películas sonoras entre 1926 y 1930, las películas mudas se rodaban a velocidades variables (o " velocidades de fotogramas ") que iban desde los 12 a los 40 fps, dependiendo del año y el estudio. [25] A menudo se dice que la "velocidad estándar de la película muda" es de 16 fps como resultado del Cinématographe de los hermanos Lumière , pero la práctica de la industria variaba considerablemente; no había un estándar real. William Kennedy Laury Dickson , un empleado de Edison, se decidió por los sorprendentemente rápidos 40 fotogramas por segundo. [4] Además, los camarógrafos de la época insistían en que su técnica de giro era exactamente de 16 fps, pero el examen moderno de las películas muestra que esto es un error y que a menudo giraban más rápido. A menos que se muestren cuidadosamente a las velocidades previstas, las películas mudas pueden parecer antinaturalmente rápidas o lentas. Sin embargo, algunas escenas fueron intencionadamente acortadas durante el rodaje para acelerar la acción, especialmente en comedias y películas de acción. [25]
La proyección lenta de una película a base de nitrato de celulosa conllevaba un riesgo de incendio, ya que cada fotograma se exponía durante más tiempo al intenso calor de la lámpara de proyección; pero había otras razones para proyectar una película a un ritmo mayor. A menudo, los proyeccionistas recibían instrucciones generales de los distribuidores en la hoja de indicaciones del director musical sobre la velocidad a la que debían proyectarse determinados rollos o escenas. [25] En casos excepcionales, normalmente para producciones de mayor envergadura, las hojas de indicaciones producidas específicamente para el proyeccionista proporcionaban una guía detallada para la presentación de la película. Los cines también variaban a veces la velocidad de proyección (para maximizar las ganancias) en función de la hora del día o de la popularidad de una película, [26] o para adaptar una película a un horario prescrito. [25]
Todos los proyectores de películas cinematográficas requieren un obturador móvil para bloquear la luz mientras la película se mueve, de lo contrario la imagen se difumina en la dirección del movimiento. Sin embargo, este obturador hace que la imagen parpadee , y las imágenes con bajas tasas de parpadeo son muy desagradables de ver. Los primeros estudios de Thomas Edison para su máquina Kinetoscopio determinaron que cualquier tasa por debajo de 46 imágenes por segundo "forzaba la vista". [25] y esto también es válido para las imágenes proyectadas en condiciones cinematográficas normales. La solución adoptada para el Kinetoscopio fue ejecutar la película a más de 40 fotogramas por segundo, pero esto era caro para la película. Sin embargo, al usar proyectores con obturadores de doble y triple hoja, la tasa de parpadeo se multiplica por dos o tres veces más que el número de fotogramas de la película, y cada fotograma se proyecta dos o tres veces en la pantalla. Un obturador de tres hojas que proyecta una película de 16 fps superará ligeramente la cifra de Edison, lo que le dará al público 48 imágenes por segundo. Durante la era del cine mudo, los proyectores solían estar equipados con obturadores de tres hojas. Desde la introducción del sonido con su velocidad estándar de 24 cuadros por segundo, los obturadores de dos hojas se han convertido en la norma para los proyectores de cine de 35 mm, aunque los obturadores de tres hojas han seguido siendo estándar en los proyectores de 16 mm y 8 mm, que se utilizan con frecuencia para proyectar material amateur grabado a 16 o 18 cuadros por segundo. Una velocidad de cuadros de película de 35 mm de 24 fps se traduce en una velocidad de película de 456 milímetros (18,0 pulgadas) por segundo. [27] Un rollo de 1000 pies (300 m) requiere 11 minutos y 7 segundos para proyectarse a 24 fps, mientras que una proyección a 16 fps del mismo rollo tardaría 16 minutos y 40 segundos, o 304 milímetros (12,0 pulgadas) por segundo. [25]
En la década de 1950, muchas conversiones de telecine de películas mudas a velocidades de cuadro extremadamente incorrectas para la televisión abierta pueden haber alejado a los espectadores. [28] La velocidad de la película es a menudo un tema controvertido entre los académicos y los cinéfilos en la presentación de películas mudas en la actualidad, especialmente cuando se trata de lanzamientos en DVD de películas restauradas , como el caso de la restauración de Metrópolis en 2002. [29]
Debido a la falta de procesamiento de color natural disponible, las películas de la era del cine mudo se sumergían con frecuencia en colorantes y se teñían de diversos tonos y matices para señalar un estado de ánimo o representar una hora del día. El teñido a mano se remonta a 1895 en los Estados Unidos con el lanzamiento por parte de Edison de copias seleccionadas teñidas a mano de Butterfly Dance . Además, los experimentos con películas en color comenzaron ya en 1909, aunque llevó mucho más tiempo que la industria adoptara el color y se desarrollara un proceso efectivo. [4] El azul representaba escenas nocturnas, el amarillo o el ámbar significaban día. El rojo representaba fuego y el verde representaba una atmósfera misteriosa. De manera similar, la tonalización de la película (como la generalización común del cine mudo del sepia ) con soluciones especiales reemplazaba las partículas de plata en la película con sales o tintes de varios colores. Se podía utilizar una combinación de tinte y tonalización como un efecto que podía ser sorprendente.
Algunas películas fueron coloreadas a mano, como Annabelle Serpentine Dance (1894), de Edison Studios . En ella, Annabelle Whitford , [30] una joven bailarina de Broadway, está vestida con velos blancos que parecen cambiar de color mientras baila. Esta técnica fue diseñada para capturar el efecto de las actuaciones en vivo de Loie Fuller , a partir de 1891, en las que las luces del escenario con geles de colores convirtieron sus vestidos y mangas blancas sueltas en movimiento artístico. [31] El coloreado a mano se utilizó a menudo en las primeras películas de "truco" y fantasía de Europa, especialmente las de Georges Méliès . Méliès comenzó a colorear a mano su trabajo ya en 1897 y Cendrillion (Cenicienta) de 1899 y Jeanne d'Arc (Juana de Arco) de 1900 proporcionan ejemplos tempranos de películas coloreadas a mano en las que el color era una parte crítica de la escenografía o mise-en-scène ; Este preciso teñido se utilizó en el taller de Elisabeth Thuillier en París, con equipos de artistas femeninas que añadían capas de color a cada cuadro a mano en lugar de utilizar un proceso más común (y menos costoso) de estarcido. [32] Una versión recientemente restaurada de Un viaje a la Luna de Méliès , publicada originalmente en 1902, muestra un uso exuberante del color diseñado para añadir textura e interés a la imagen. [33]
Los comentarios de un distribuidor estadounidense en un catálogo de suministro de películas de 1908 subrayan aún más el dominio continuo de Francia en el campo de las películas coloreadas a mano durante la era del cine mudo temprano. El distribuidor ofrece a la venta a diferentes precios películas de "clase alta" de Pathé , Urban-Eclipse , Gaumont , Kalem , Itala Film , Ambrosio Film y Selig . Varias de las películas más largas y prestigiosas del catálogo se ofrecen tanto en "papel normal" estándar en blanco y negro como en color "pintado a mano". [34] Una copia en papel normal, por ejemplo, de Ben Hur, estrenada en 1907, se ofrece por $120 ($4,069 USD en la actualidad), mientras que una versión en color de la misma película de 1000 pies y 15 minutos cuesta $270 ($9,156) incluido el cargo adicional de coloración de $150, que ascendió a 15 centavos más por pie. [34] Aunque las razones del citado recargo eran probablemente obvias para los clientes, el distribuidor explica por qué las películas coloreadas de su catálogo tienen precios significativamente más altos y requieren más tiempo para su entrega. Su explicación también proporciona una idea del estado general de los servicios de coloración de películas en los Estados Unidos en 1908:
El coloreado de películas cinematográficas es un trabajo que no se puede realizar satisfactoriamente en los Estados Unidos. En vista de la enorme cantidad de trabajo que implica, que requiere pintar a mano cada una de las dieciséis imágenes por pie o 16.000 imágenes separadas por cada 1.000 pies de película, muy pocos coloristas estadounidenses se atreverán a realizar el trabajo a cualquier precio.
Como el coloreado de películas ha progresado mucho más rápidamente en Francia que en cualquier otro país, todo el coloreado lo realiza el mejor establecimiento de coloración de París y hemos comprobado que obtenemos mejor calidad, precios más baratos y entregas más rápidas, incluso en el coloreado de películas fabricadas en Estados Unidos, que si el trabajo se hiciera en otro lugar. [34]
A principios de la década de 1910, con la aparición de los largometrajes, el uso del color se convirtió en un elemento más para crear ambientes, algo tan habitual como la música. El director D. W. Griffith mostró un interés y una preocupación constantes por el color y utilizó el color como efecto especial en muchas de sus películas. Su película épica de 1915 El nacimiento de una nación utilizó varios colores, entre ellos el ámbar, el azul, el lavanda y un llamativo tono rojo para escenas como el "incendio de Atlanta" y la cabalgata del Ku Klux Klan en el clímax de la película. Más tarde, Griffith inventó un sistema de color en el que se proyectaban luces de colores sobre áreas de la pantalla para lograr un color.
Con el desarrollo de la tecnología de sonido en película y su aceptación por parte de la industria, el teñido se abandonó por completo, porque los tintes utilizados en el proceso de teñido interferían con las bandas sonoras presentes en las tiras de película. [4]
Los primeros estudios se ubicaron en el área de la ciudad de Nueva York . Los estudios Edison estuvieron primero en West Orange, Nueva Jersey (1892), luego se trasladaron al Bronx, Nueva York (1907). Fox (1909) y Biograph (1906) comenzaron en Manhattan , con estudios en St George, Staten Island . Otras películas se filmaron en Fort Lee, Nueva Jersey . En diciembre de 1908, Edison lideró la formación de la Motion Picture Patents Company en un intento de controlar la industria y excluir a los productores más pequeños. El "Edison Trust", como se lo apodó, estaba formado por Edison , Biograph , Essanay Studios , Kalem Company , George Kleine Productions , Lubin Studios , Georges Méliès , Pathé , Selig Studios y Vitagraph Studios , y dominaba la distribución a través de la General Film Company . Esta compañía dominó la industria como monopolio vertical y horizontal y es un factor que contribuyó a la migración de los estudios a la Costa Oeste. En octubre de 1915 , la Motion Picture Patents Co. y la General Film Co. fueron declaradas culpables de violación de las leyes antimonopolio y fueron disueltas.
El estudio cinematográfico Thanhouser fue fundado en New Rochelle, Nueva York , en 1909 por el empresario teatral estadounidense Edwin Thanhouser . La compañía produjo y estrenó 1086 películas entre 1910 y 1917, incluyendo el primer serial cinematográfico , The Million Dollar Mystery , estrenado en 1914. [35] Los primeros westerns se filmaron en el Movie Ranch de Fred Scott en South Beach, Staten Island. Actores disfrazados de vaqueros y nativos americanos galopaban por el plató del rancho cinematográfico de Scott, que tenía una calle principal fronteriza, una amplia selección de diligencias y una empalizada de 56 pies. La isla proporcionó un sustituto útil para ubicaciones tan variadas como el desierto del Sahara y un campo de cricket británico. Las escenas de guerra se filmaron en las llanuras de Grasmere, Staten Island . The Perils of Pauline y su secuela aún más popular The Exploits of Elaine se filmaron en gran parte en la isla. Así fue el éxito de taquilla de 1906 La vida de un vaquero , de Edwin S. Porter Company , y el rodaje se trasladó a la Costa Oeste alrededor de 1912.
Las siguientes son películas estadounidenses de la era del cine mudo que habían obtenido los ingresos brutos más altos hasta 1932. Las cantidades dadas son alquileres brutos (la parte de la taquilla del distribuidor) en lugar de los ingresos brutos de exhibición. [36]
Aunque los intentos de crear películas con sonido sincronizado se remontan al laboratorio de Edison en 1896, recién a principios de la década de 1920 se dispuso de las tecnologías básicas, como los amplificadores de tubo de vacío y los altavoces de alta calidad. En los años siguientes se produjo una carrera por diseñar, implementar y comercializar varios formatos de sonido en disco y en película rivales , como Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone (1927) y RCA Photophone (1928).
Warner Bros. fue el primer estudio en aceptar el sonido como un elemento en la producción cinematográfica y utilizó el Vitaphone, una tecnología de sonido en disco, para hacerlo. [4] El estudio luego lanzó The Jazz Singer en 1927, que marcó la primera película sonora comercialmente exitosa , pero las películas mudas seguían siendo la mayoría de los largometrajes lanzados tanto en 1927 como en 1928, junto con las llamadas películas de glándula de cabra : películas mudas con una subsección de película sonora insertada. Por lo tanto, se puede considerar que la era moderna del cine sonoro llegó a dominar a partir de 1929.
Para obtener una lista de películas notables de la era del cine mudo, consulte Lista de años en el cine para los años entre el comienzo del cine y 1928. La siguiente lista incluye solo películas producidas en la era del cine con la intención artística específica de ser mudas.
Varios cineastas han rendido homenaje a las comedias de la era del cine mudo, entre ellos Charlie Chaplin con Tiempos modernos (1936), Orson Welles con Demasiado Johnson (1938), Jacques Tati con Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953), Pierre Etaix con El pretendiente (1962) y Mel Brooks con Película muda (1976). El aclamado drama del director taiwanés Hou Hsiao-hsien Tres veces (2005) es mudo durante su tercio medio, completo con intertítulos; Los impostores de Stanley Tucci tiene una secuencia muda de apertura al estilo de las primeras comedias mudas. El festín de Margarette (2003) del cineasta brasileño Renato Falcão es mudo. El guionista y director Michael Pleckaitis le da su propio giro al género con Silencio (2007). Aunque no es mudo, la serie de televisión y las películas de Mr. Bean han utilizado la naturaleza no habladora del personaje principal para crear un estilo de humor similar. Un ejemplo menos conocido es La fille du garde-barrière (1975) de Jérôme Savary , un homenaje a las películas de la era muda que utiliza intertítulos y mezcla comedia, drama y escenas de sexo explícito (lo que llevó a que la Junta Británica de Clasificación de Películas le negara el certificado de cine ).
En 1990, Charles Lane dirigió y protagonizó Sidewalk Stories , un homenaje de bajo presupuesto a las comedias mudas sentimentales, particularmente The Kid de Charlie Chaplin .
La película alemana Tuvalu (1999) es mayoritariamente muda; la pequeña cantidad de diálogos es una extraña mezcla de idiomas europeos, lo que aumenta la universalidad de la película. Guy Maddin ganó premios por su homenaje al cine mudo de la era soviética con su cortometraje The Heart of the World, después del cual realizó un largometraje mudo, Brand Upon the Brain! (2006), que incorpora artistas de Foley en vivo , narración y orquesta en funciones selectas. Shadow of the Vampire (2000) es una representación altamente ficticia de la filmación de la clásica película muda de vampiros de Friedrich Wilhelm Murnau, Nosferatu (1922). Werner Herzog rindió homenaje a la misma película en su propia versión, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979).
Algunas películas establecen un contraste directo entre la era del cine mudo y la era del cine sonoro. Sunset Boulevard muestra la desconexión entre las dos eras en el personaje de Norma Desmond , interpretada por la estrella del cine mudo Gloria Swanson , y Singin' in the Rain trata sobre los artistas de Hollywood que se adaptan al cine sonoro. La película Nickelodeon de 1976 de Peter Bogdanovich trata sobre la agitación del cine mudo en Hollywood durante la década de 1910, que condujo al estreno de la epopeya de D. W. Griffith El nacimiento de una nación (1915).
En 1999, el cineasta finlandés Aki Kaurismäki produjo Juha en blanco y negro, que captura el estilo de una película muda, utilizando intertítulos en lugar de diálogo hablado. Se produjeron copias de lanzamiento especiales con títulos en varios idiomas diferentes para distribución internacional. [39] En la India, la película Pushpak (1988), [40] protagonizada por Kamal Haasan , fue una comedia negra completamente desprovista de diálogo. La película australiana Doctor Plonk (2007), fue una comedia muda dirigida por Rolf de Heer . Las obras de teatro se han basado en estilos y fuentes del cine mudo. Los actores y escritores Billy Van Zandt y Jane Milmore pusieron en escena su comedia slapstick Off-Broadway Silent Laughter como un tributo de acción en vivo a la era del cine mudo. [41] Geoff Sobelle y Trey Lyford crearon y protagonizaron All Wear Bowlers (2004), que comenzó como un homenaje a Laurel y Hardy y luego evolucionó para incorporar secuencias de cine mudo de tamaño natural de Sobelle y Lyford que saltan de un lado a otro entre la acción en vivo y la pantalla grande. [42] La película animada Fantasía (1940), que tiene ocho secuencias de animación diferentes con música, puede considerarse una película muda, con solo una escena corta que involucra diálogo. La película de espionaje El ladrón (1952) tiene música y efectos de sonido, pero no diálogo, al igual que Vase de Noces de Thierry Zéno de 1974 y The Angel de Patrick Bokanowski de 1982 .
En 2005, la Sociedad Histórica H. P. Lovecraft produjo una versión cinematográfica muda de la historia de Lovecraft La llamada de Cthulhu . Esta película mantuvo un estilo de filmación fiel a la época y fue recibida como "la mejor adaptación de HPL hasta la fecha" y, refiriéndose a la decisión de hacerla como película muda, como "una idea brillante". [43]
La película francesa The Artist (2011), escrita y dirigida por Michel Hazanavicius , se presenta como una película muda y está ambientada en Hollywood durante la era del cine mudo. También incluye segmentos de películas mudas ficticias protagonizadas por sus protagonistas. Ganó el Premio Óscar a la mejor película . [44]
La película japonesa de vampiros Sanguivorous (2011) no solo está hecha al estilo de una película muda, sino que incluso estuvo de gira con acompañamiento orquestal en vivo. [45] [46] Eugene Chadbourne ha estado entre aquellos que han tocado música en vivo para la película. [47]
Blancanieves es una película dramática de fantasía muda en blanco y negro española de 2012 escrita y dirigida por Pablo Berger . [48]
La película muda estadounidense Silent Life , que comenzó en 2006 y cuenta con las actuaciones de Isabella Rossellini y Galina Jovovich , madre de Milla Jovovich , se estrenó en 2013. La película está basada en la vida del ícono del cine mudo Rudolph Valentino , conocido como el primer "Gran Amante" de Hollywood. Después de una cirugía de emergencia, Valentino pierde el control de la realidad y comienza a ver el recuerdo de su vida en Hollywood desde la perspectiva de un coma, como una película muda proyectada en un cine, el portal mágico entre la vida y la eternidad, entre la realidad y la ilusión. [49] [50]
The Picnic es un cortometraje de 2012 realizado al estilo de los melodramas y comedias mudas de dos carretes. Fue parte de la exhibición No Spectators: The Art of Burning Man, una exhibición de 2018-2019 curada por la Galería Renwick del Museo Smithsonian de Arte Americano . [51] La película se mostró dentro de un palacio de cine Art Decó en miniatura de 12 asientos sobre ruedas llamado The Capitol Theater , creado por el colectivo de arte de Oakland, California, Five Ton Crane.
Right There es un cortometraje de 2013 que es un homenaje a las comedias del cine mudo.
La película animada británica de 2015 Shaun the Sheep Movie , basada en Shaun the Sheep , recibió críticas positivas y fue un éxito de taquilla. Aardman Animations también produjo Morph y Timmy Time , así como muchos otros cortometrajes mudos.
La American Theatre Organ Society rinde homenaje a la música de las películas mudas, así como a los órganos de teatro que interpretaban esa música. Con más de 75 capítulos locales, la organización busca preservar y promover los órganos de teatro y la música como forma de arte. [52]
El Festival Internacional de Cine Mudo Globe (GISFF) es un evento anual centrado en la imagen y la atmósfera en el cine que se lleva a cabo en una universidad o entorno académico de renombre cada año y es una plataforma para exhibir y juzgar películas de cineastas que están activos en este campo. [53] En 2018, el director de cine Christopher Annino filmó el largometraje mudo Silent Times, ahora galardonado internacionalmente . [54] [55] [56] La película rinde homenaje a muchos de los personajes de la década de 1920, incluido el oficial Keystone, interpretado por David Blair; Enzio Marchello, que interpreta a un personaje de Charlie Chaplin. Silent Times ganó el premio a la mejor película muda en el Festival de Cine de Oniros. Ambientada en un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, la historia se centra en Oliver Henry III (interpretado por el nativo de Westerly Geoff Blanchette), un delincuente de poca monta convertido en propietario de un teatro de vodevil. De humildes comienzos en Inglaterra, emigra a los EE. UU. En busca de felicidad y dinero rápido. Se familiariza con personas de todos los ámbitos de la vida, desde artistas burlescos, mimos, vagabundos hasta elegantes chicas flapper, a medida que su fortuna aumenta y su vida se sale cada vez más de control.
La gran mayoría de las películas mudas producidas a finales del siglo XIX y principios del XX se consideran perdidas. Según un informe de septiembre de 2013 publicado por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos , alrededor del 70 por ciento de los largometrajes mudos estadounidenses entran en esta categoría. [57] Hay numerosas razones para que este número sea tan alto. Algunas películas se han perdido sin intención, pero la mayoría de las películas mudas se destruyeron a propósito. Entre el final de la era del cine mudo y el auge del vídeo doméstico , los estudios cinematográficos solían descartar grandes cantidades de películas mudas con el deseo de liberar espacio de almacenamiento en sus archivos, asumiendo que habían perdido la relevancia cultural y el valor económico para justificar la cantidad de espacio que ocupaban. Además, debido a la naturaleza frágil de la película de nitrato que se utilizaba para rodar y distribuir películas mudas, muchas películas se han deteriorado irremediablemente o se han perdido en accidentes, incluidos incendios (porque el nitrato es altamente inflamable y puede arder espontáneamente si se almacena de forma inadecuada). Entre los ejemplos de este tipo de incidentes se incluyen el incendio de la bóveda de la MGM en 1965 y el de la Fox en 1937 , que provocaron pérdidas catastróficas de películas. Muchas de estas películas que no fueron destruidas por completo sobreviven solo parcialmente o en copias muy dañadas. Algunas películas perdidas, como London After Midnight (1927), perdida en el incendio de la MGM, han sido objeto de considerable interés por parte de coleccionistas e historiadores de cine .
Entre las principales películas mudas que se presumen perdidas se encuentran:
Aunque la mayoría de las películas mudas perdidas nunca se recuperarán, algunas se han descubierto en archivos cinematográficos o colecciones privadas. Las versiones descubiertas y preservadas pueden ser ediciones realizadas para el mercado de alquiler doméstico de los años 1920 y 1930 que se descubren en ventas de propiedades, etc. [61] La degradación de las películas antiguas se puede ralentizar mediante un archivo adecuado, y las películas se pueden transferir a películas de seguridad o a medios digitales para su conservación. La preservación de películas mudas ha sido una alta prioridad para los historiadores y archivistas. [62]
Dawson City , en el territorio de Yukón en Canadá, fue alguna vez el final de la línea de distribución de muchas películas. En 1978, se descubrió un alijo de más de 500 rollos de película de nitrato durante la excavación de un terreno baldío que antiguamente era el sitio de la Asociación Atlética Amateur de Dawson, que había comenzado a exhibir películas en su centro recreativo en 1903. [62] [63] Se incluyeron obras de Pearl White , Helen Holmes , Grace Cunard , Lois Weber , Harold Lloyd , Douglas Fairbanks y Lon Chaney , entre otros, así como muchos noticieros. Los títulos se almacenaron en la biblioteca local hasta 1929, cuando el nitrato inflamable se utilizó como vertedero en una piscina condenada. Habiendo pasado 50 años bajo el permafrost del Yukón, los rollos resultaron estar extremadamente bien conservados. Debido a su peligrosa volatilidad química, [64] el hallazgo histórico fue trasladado en transporte militar a la Biblioteca y Archivos de Canadá y a la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para su almacenamiento (y transferencia a una película de seguridad ). En 2016 se estrenó un documental sobre el hallazgo, Dawson City: Frozen Time. [65] [66]
En todo el mundo se celebran anualmente festivales de cine mudo. [67]
sonido sincronizado en la era del cine mudo (logrado tocando un gramófono mientras se ajusta manualmente la velocidad de cuadros del proyector para la sincronización de labios)
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