La música clásica generalmente se refiere a la música artística del mundo occidental , considerada distinta de la música folclórica occidental o de las tradiciones musicales populares . A veces se la distingue como música clásica occidental , ya que el término "música clásica" también puede aplicarse a músicas artísticas no occidentales . La música clásica a menudo se caracteriza por la formalidad y complejidad en su forma musical y organización armónica , [1] particularmente con el uso de la polifonía . [2] Desde al menos el siglo IX ha sido principalmente una tradición escrita, [2] generando un sofisticado sistema de notación , además de acompañar a la literatura en prácticas analíticas , críticas , historiográficas , musicológicas y filosóficas . Un componente fundamental de la cultura occidental , la música clásica se ve con frecuencia desde la perspectiva de compositores individuales o de grupos , cuyas composiciones, personalidades y creencias han dado forma fundamentalmente a su historia.
Arraigada en el patrocinio de las iglesias y cortes reales de Europa occidental , [1] la música medieval temprana que sobrevive es principalmente religiosa , monofónica y vocal, y la música de las antiguas Grecia y Roma influye en su pensamiento y teoría. Los manuscritos musicales más antiguos que existen datan del Imperio carolingio (800–888), [3] alrededor de la época en que el canto llano occidental se unificó gradualmente en lo que se denomina canto gregoriano . [4] Existían centros musicales en la Abadía de San Gall , la Abadía de San Marcial y la Abadía de San Emmeram , mientras que el siglo XI vio el desarrollo de la notación de pentagrama y la creciente producción de los teóricos de la música medieval . A mediados del siglo XII, Francia se convirtió en el principal centro musical europeo: [3] La escuela religiosa de Notre-Dame exploró por primera vez los ritmos organizados y la polifonía , mientras que la música secular floreció con las tradiciones de trovadores y trouvères lideradas por nobles poetas y músicos. [5] Esto culminó en el ars nova francés patrocinado por la corte y el Trecento italiano , que evolucionó hacia el ars subtilior , un movimiento estilístico de extrema diversidad rítmica. [5] A principios del siglo XV, los compositores renacentistas de la influyente escuela franco-flamenca se basaron en los principios armónicos de la contenance angloise inglesa , llevando la música coral a nuevos estándares, en particular la misa y el motete . [6] El norte de Italia pronto emergió como la región musical central, donde la Escuela Romana se dedicó a métodos de polifonía altamente sofisticados en géneros como el madrigal , [6] que inspiró la breve Escuela Madrigal Inglesa .
El período barroco (1580-1750) vio la relativa estandarización de la tonalidad de práctica común , [7] así como la creciente importancia de los instrumentos musicales , que crecieron hasta formar conjuntos de tamaño considerable. Italia siguió siendo dominante, siendo la cuna de la ópera , el género de concierto centrado en el solista, la forma de sonata organizada , así como los géneros de oratorio y cantata centrados en la voz a gran escala . La técnica de la fuga defendida por Johann Sebastian Bach ejemplificó la tendencia barroca a la complejidad y, como reacción, se desarrollaron estilos de música galante y empfindsamkeit más simples y parecidos a canciones. En el período clásico , más corto pero fundamental (1730-1820), compositores como Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven crearon representantes ampliamente admirados de la música absoluta , [8] [9] incluidas sinfonías , cuartetos de cuerda y conciertos. La música romántica posterior (1800-1910) se centró más bien en la música programática , para la cual la canción artística , el poema sinfónico y varios géneros pianísticos eran recipientes importantes. Durante esta época se celebraba el virtuosismo , se fomentaba la inmensidad, mientras se incorporaban la filosofía y el nacionalismo , todos aspectos que convergían en las óperas de Richard Wagner . En el siglo XX, la unificación estilística se disipó gradualmente mientras la prominencia de la música popular aumentaba considerablemente. Muchos compositores evitaron activamente técnicas y géneros pasados desde la perspectiva del modernismo , y algunos abandonaron la tonalidad en lugar del serialismo , mientras que otros encontraron nueva inspiración en melodías populares o sentimientos impresionistas . Después de la Segunda Guerra Mundial, por primera vez los miembros del público valoraron la música antigua sobre las obras contemporáneas , una preferencia que se ha visto atendida por la aparición y disponibilidad generalizada de grabaciones comerciales. [10] Las tendencias desde mediados del siglo XX hasta la actualidad incluyen la nueva simplicidad , la nueva complejidad , el minimalismo , la música espectral y, más recientemente, la música posmoderna y el posminimalismo.. Cada vez más globales, los profesionales de América, África y Asia han obtenido roles cruciales, [3] mientras que ahora aparecen orquestas sinfónicas y teatros de ópera en todo el mundo.
Tanto el término inglés clásico como su equivalente alemán Klassik se desarrollaron a partir del francés classique , que a su vez deriva de la palabra latina classicus , que originalmente se refería a la clase más alta de ciudadanos de la antigua Roma . [11] [n 1] En el uso romano, el término se convirtió más tarde en un medio para distinguir figuras literarias veneradas; [11] el autor romano Aulo Gelio elogió a escritores como Demóstenes y Virgilio como clásicos . [13] En el Renacimiento , el adjetivo había adquirido un significado más general: una entrada en A Dictionarie of the French and English Tongues de Randle Cotgrave de 1611 se encuentra entre las primeras definiciones existentes, traduciendo classique como "clásico, formal [ sic ], ordenado, en rango debido o adecuado también, aprobado, auténtico, jefe, principal; [11] [14] El musicólogo Daniel Heartz resume esto en dos definiciones: 1) una "disciplina formal" y 2) un "modelo de excelencia". [11] Al igual que Gelio, los eruditos del Renacimiento posterior que escribieron en latín utilizaron classicus en referencia a escritores de la antigüedad clásica ; [12] [n 2] sin embargo, este significado sólo se desarrolló gradualmente y durante un tiempo estuvo subordinado a los ideales clásicos más amplios de formalidad y excelencia. [15] La literatura y las artes visuales, de las que existían importantes ejemplos griegos y romanos antiguos, finalmente adoptaron el término "clásico" en relación con la antigüedad clásica, pero prácticamente ninguna música de esa época estaba disponible para los músicos del Renacimiento, lo que limitaba la conexión entre la música clásica. La música y el mundo grecorromano . [15] [n 3]
Fue en la Inglaterra del siglo XVIII donde el término "clásico" "llegó a designar por primera vez un canon particular de obras interpretadas". [15] Londres había desarrollado una destacada escena musical de conciertos públicos, sin precedentes e inigualable por otras ciudades europeas. [11] La corte real había perdido gradualmente su monopolio sobre la música, en gran parte debido a la inestabilidad que la disolución de la Commonwealth de Inglaterra y la Revolución Gloriosa impusieron a los músicos de la corte. [11] [n 4] En 1672, el ex músico de la corte John Banister comenzó a ofrecer conciertos públicos populares en una taberna de Londres; [n 5] su popularidad inauguró rápidamente la prominencia de los conciertos públicos en Londres. [19] Surgió la concepción de "música clásica", o más a menudo "música antigua", que todavía se basaba en los principios de formalidad y excelencia y, según Heartz, "el ritual cívico, la religión y el activismo moral figuraron significativamente en esta nueva construcción". del gusto musical". [15] La interpretación de dicha música fue especializada en la Academia de Música Antigua y más tarde en la serie Conciertos de Música Antigua , donde se presentó el trabajo de compositores selectos de los siglos XVI y XVII, [20] especialmente George Frideric Handel . [15] [n 6] En Francia, el reinado de Luis XIV ( r. 1638-1715 ) vio un renacimiento cultural, al final del cual se consideraba que escritores como Molière , Jean de La Fontaine y Jean Racine habían superado el logros de la antigüedad clásica. [21] Fueron así caracterizadas como "clásicas", al igual que la música de Jean-Baptiste Lully (y más tarde Christoph Willibald Gluck ), siendo designadas como "l'opéra française classique". [21] En el resto de Europa continental , el abandono de la definición de "clásico" como análogo al mundo grecorromano fue más lento, principalmente porque la formación de repertorios canónicos era mínima o exclusiva de las clases altas. [15]
Muchos comentaristas europeos de principios del siglo XIX encontraron una nueva unificación en su definición de música clásica: yuxtaponer a los compositores más antiguos Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y (excluyendo algunas de sus obras posteriores ) Ludwig van Beethoven como "clásicos" frente al estilo emergente. de la música romántica . [22] [23] [24] Estos tres compositores en particular se agruparon en la Primera Escuela Vienesa , a veces llamados los "clásicos vieneses", [n 7] una combinación que sigue siendo problemática debido a que ninguno de los tres nació en Viena. y el mínimo tiempo que Haydn y Mozart pasaron en la ciudad. [25] Si bien esta fue una caracterización expresada con frecuencia, no fue estricta. En 1879 el compositor Charles Kensington Salaman definió como clásicos a los siguientes compositores: Bach , Handel, Haydn, Mozart, Beethoven, Weber , Spohr y Mendelssohn . [26] En términos más generales, algunos escritores utilizaron el término "clásico" para elogiar en general producciones bien consideradas de varios compositores, particularmente aquellos que produjeron muchas obras en un género establecido. [11] [n 8]
La comprensión contemporánea del término "música clásica" sigue siendo vaga y multifacética. [31] [32] Otros términos como "música artística", "música canónica", "música culta" y "música seria" son en gran medida sinónimos. [33] A menudo se indica o implica que el término "música clásica" se refiere únicamente al mundo occidental , [34] y a la inversa, en muchas historias académicas el término "música occidental" excluye la música occidental no clásica. [35] [n 9] Otra complicación radica en que "música clásica" a veces se utiliza para describir música artística no occidental que exhibe características complejas y duraderas similares; los ejemplos incluyen la música clásica india (es decir, música carnática, música hindustani y música Odissi ), música gamelan y varios estilos de la corte de la China imperial (ver yayue, por ejemplo). [1] Así, a finales del siglo XX se empezaron a utilizar términos como "música clásica occidental" y "música artística occidental" para abordar este tema. [34] El musicólogo Ralph P. Locke señala que ninguno de los términos es ideal, ya que crean una "complicación intrigante" al considerar "ciertos practicantes de géneros musicales artísticos occidentales que provienen de culturas no occidentales". [37] [n.10]
La complejidad en la forma musical y la organización armónica son rasgos típicos de la música clásica. [1] El Oxford English Dictionary ( OED ) ofrece tres definiciones para la palabra "clásica" en relación con la música: [27]
La última definición se refiere a lo que ahora se denomina período clásico , una era estilística específica de la música europea desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX. [38]
The Western classical tradition formally begins with music created by and for the early Christian Church.[39] It is probable that the early Church wished to disassociate itself from the predominant music of ancient Greece and Rome, as it was a reminder of the pagan religion it had persecuted and by which it had been persecuted.[39] As such, it remains unclear as to what extent the music of the Christian Church, and thus Western classical music as a whole, was influenced by preceding ancient music.[40] The general attitude towards music was adopted from the Ancient Greek and Roman music theorists and commentators.[41][n 11] Just as in Greco-Roman society, music was considered central to education; along with arithmetic, geometry and astronomy, music was included in the quadrivium, the four subjects of the upper division of a standard liberal arts education in the Middle Ages.[43] This high regard for music was first promoted by the scholars Cassiodorus, Isidore of Seville,[44] and particularly Boethius,[45] whose transmission and expansion on the perspectives of music from Pythagoras, Aristotle and Plato were crucial in the development of medieval musical thought.[46] However, scholars, medieval music theorists and composers regularly misinterpreted or misunderstood the writings of their Greek and Roman predecessors.[47] This was due to the complete absence of surviving Greco-Roman musical works available to medieval musicians,[47][n 12] to the extent that Isidore of Seville (c. 559 – 636) stated "unless sounds are remembered by man, they perish, for they cannot be written down", unaware of the systematic notational practices of Ancient Greece centuries before.[48][n 13] The musicologist Gustave Reese notes, however, that many Greco-Roman texts can still be credited as influential to Western classical music, since medieval musicians regularly read their works—regardless of whether they were doing so correctly.[47]
Sin embargo, existen algunas continuaciones musicales indiscutibles del mundo antiguo . [49] Aspectos básicos como la monofonía , la improvisación y el predominio del texto en los entornos musicales son prominentes tanto en la música medieval temprana como en la de casi todas las civilizaciones antiguas. [50] Las influencias griegas en particular incluyen los modos de la iglesia (que eran descendientes de los desarrollos de Aristoxenus y Pitágoras), [51] la teoría acústica básica de la afinación pitagórica , [40] así como la función central de los tetracordes . [52] Los instrumentos griegos antiguos como el aulos (un instrumento de lengüeta ) y la lira (un instrumento de cuerda similar a un arpa pequeña ) eventualmente dieron lugar a varios instrumentos modernos de una orquesta sinfónica. [53] Sin embargo, Donald Jay Grout señala que intentar crear una conexión evolutiva directa desde la música antigua hasta la Alta Edad Media no tiene fundamento, ya que fue influenciado casi exclusivamente por la teoría musical grecorromana, no por la interpretación o la práctica. [54]
La música medieval incluye la música de Europa occidental desde después de la caída del Imperio Romano Occidental entre 476 y aproximadamente 1400. El canto monofónico , también llamado canto llano o canto gregoriano , fue la forma dominante hasta aproximadamente 1100. [55] Los monjes cristianos desarrollaron las primeras formas de música europea. notación musical para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia. [56] [57] La música polifónica (varias voces) se desarrolló a partir del canto monofónico a lo largo de la Baja Edad Media y el Renacimiento , incluidas las voces más complejas de los motetes . Durante el período medieval anterior , la música vocal del género litúrgico , predominantemente el canto gregoriano , era monofónica y utilizaba una única línea melódica vocal sin acompañamiento. [58] Los géneros vocales polifónicos , que utilizaban múltiples melodías vocales independientes, comenzaron a desarrollarse durante la época altomedieval , prevaleciendo a finales del siglo XIII y principios del XIV. Entre los compositores medievales notables se incluyen Hildegarda de Bingen , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Francesco Landini y Johannes Ciconia .
Todavía existen muchos instrumentos musicales medievales , pero en diferentes formas. Los instrumentos medievales incluían la flauta , la flauta dulce e instrumentos de cuerda pulsada como el laúd . Además, existieron primeras versiones del órgano y el violín (o vielle ). Los instrumentos medievales en Europa se habían utilizado más comúnmente solos, a menudo autoacompañados con una nota de zumbido , u ocasionalmente en partes. Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV hubo una división de los instrumentos en haut (instrumentos ruidosos, estridentes y de exterior) y bajo (instrumentos más silenciosos e íntimos). [59] Varios instrumentos tienen sus raíces en predecesores orientales que fueron adoptados del mundo islámico medieval . [60] Por ejemplo, el rebab árabe es el antepasado de todos los instrumentos de cuerda frotados europeos , incluidos la lira , el rabec y el violín . [61] [62]
La era del Renacimiento musical duró desde 1400 hasta 1600. Se caracterizó por un mayor uso de instrumentación , múltiples líneas melódicas entrelazadas y el uso de formas anteriores de instrumentos bajos . El baile social se generalizó, por lo que las formas musicales apropiadas para acompañar la danza comenzaron a estandarizarse. Es en esta época cuando comenzó a tomar forma la notación musical en pentagrama y otros elementos de la notación musical . [63] Esta invención hizo posible la separación de la composición de una pieza musical de su transmisión ; sin música escrita, la transmisión era oral y estaba sujeta a cambios cada vez que se transmitía. Con una partitura musical , se podía interpretar una obra musical sin la presencia del compositor. [64] La invención de la imprenta de tipos móviles en el siglo XV tuvo consecuencias de gran alcance en la preservación y transmisión de la música. [sesenta y cinco]
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, sólo para ser recreados para interpretar música con instrumentos de época. Como en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en metales, cuerdas, percusión y viento de madera. Los instrumentos de metal del Renacimiento los tocaban tradicionalmente profesionales que eran miembros de gremios e incluían la trompeta de corredera , la corneta de madera , la trompeta sin válvula y el sacabuche . Los instrumentos de cuerda incluían la viola , el rabe , la lira parecida a un arpa , la zanfona , el laúd , la guitarra , la cítara , la bandora y el orpharion . Los instrumentos de teclado con cuerdas incluían el clavecín y el clavicordio . Los instrumentos de percusión incluyen el triángulo , el arpa judía , el pandero , las campanas, el tamboril y varios tipos de tambores. Los instrumentos de viento de madera incluían la chirimía de doble lengüeta (uno de los primeros miembros de la familia del oboe ), la flauta de lengüeta , la gaita , la flauta travesera , la flauta dulce , el dulciano y el crumhorn . Existían órganos de tubos simples , pero en gran medida se limitaban a las iglesias, aunque había variedades portátiles. [66] La impresión permitió la estandarización de las descripciones y especificaciones de los instrumentos, así como la instrucción sobre su uso. [67]
La música vocal del Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado . Las principales formas litúrgicas que perduraron durante todo el período del Renacimiento fueron las misas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal ) para sus propios diseños. Hacia el final del período se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio . Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Dafne , la primera obra que hoy se denomina ópera . También compuso Eurídice , la primera ópera que ha llegado hasta nuestros días.
Los compositores notables del Renacimiento incluyen a Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt y Cipriano de Rore .
El período de práctica común se define típicamente como la era entre la formación y la disolución de la tonalidad de práctica común . [ cita necesaria ] El término suele abarcar aproximadamente dos siglos y medio y abarca los períodos barroco, clásico y romántico.
La música barroca se caracteriza por el uso de un contrapunto tonal complejo y el uso de un bajo continuo , una línea de bajo continua. La música se volvió más compleja en comparación con las canciones simples de todos los períodos anteriores. [68] Los inicios de la forma sonata tomaron forma en la canzona , al igual que una noción más formalizada de tema y variaciones . Las tonalidades de mayor y menor como medios para gestionar la disonancia y el cromatismo en la música tomaron plena forma. [69]
Durante la época barroca, la música de teclado tocada en clavecín y órgano de tubos se hizo cada vez más popular, y la familia de instrumentos de cuerda del violín tomó la forma que se ve generalmente en la actualidad. La ópera como drama musical escénico comenzó a diferenciarse de las formas musicales y dramáticas anteriores, y las formas vocales como la cantata y el oratorio se hicieron más comunes. [70] Por primera vez, los vocalistas comenzaron a agregar elementos ornamentales a la música. [68]
Las teorías sobre el temperamento igual comenzaron a ponerse en práctica más ampliamente, ya que permitieron una gama más amplia de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado difíciles de afinar. Aunque JS Bach no usó temperamento igual, los cambios en los temperamentos del sistema de tonos medios entonces común a varios temperamentos que hicieron que la modulación entre todas las teclas fuera musicalmente aceptable hicieron posible su clave bien temperado . [71]
Los instrumentos barrocos incluían algunos instrumentos de períodos anteriores (por ejemplo, la zanfona y la flauta dulce) y varios instrumentos nuevos (por ejemplo, el oboe, el fagot, el violonchelo, el contrabajo y el fortepiano). Algunos instrumentos de épocas anteriores cayeron en desuso, como la chirimía, la cítara , la raqueta y la corneta de madera. Los principales instrumentos barrocos de cuerda incluían el violín , la viola , la viola d'amore , el violonchelo , el contrabajo , el laúd , la tiorba (que a menudo tocaba las partes de bajo continuo ), la mandolina , la guitarra barroca , el arpa y la zanfona. Los instrumentos de viento de madera incluían la flauta barroca , el oboe barroco , la flauta dulce y el fagot . Los instrumentos de metal incluían la corneta , la trompa natural , la trompeta natural , la serpiente y el trombón . Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio , el piano tangente , el clavecín , el órgano de tubos y, más adelante en el período, el fortepiano (una versión temprana del piano). Los instrumentos de percusión incluían los timbales , la caja , la pandereta y las castañuelas .
Una diferencia importante entre la música barroca y la era clásica que la siguió es que los tipos de instrumentos utilizados en los conjuntos barrocos estaban mucho menos estandarizados. Un conjunto barroco podría incluir uno de varios tipos diferentes de instrumentos de teclado (p. ej., órgano de tubos o clavecín), [72] instrumentos de cuerda adicionales (p. ej., un laúd), instrumentos de cuerda frotada, de viento de madera y de metal, y un número no especificado de instrumentos. instrumentos bajos que interpretan el bajo continuo (por ejemplo, violonchelo, contrabajo, viola, fagot, serpiente, etc.).
Las obras vocales de la época barroca incluyeron suites como oratorios y cantatas . [73] [74] La música secular era menos común y típicamente se caracterizaba únicamente por la música instrumental. Al igual que el arte barroco , [75] los temas eran generalmente sagrados y tenían como objetivo un entorno católico.
Compositores importantes de esta época incluyen a Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Johann Pachelbel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully y Heinrich Schütz .
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Aunque el término "música clásica" incluye toda la música artística occidental desde la era medieval hasta principios de la década de 2010, la era clásica fue el período de la música artística occidental desde la década de 1750 hasta principios de la de 1820 [76] : la era de Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven .
La era clásica estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo, y cuando el piano se convirtió en el instrumento de teclado predominante. Las fuerzas básicas necesarias para una orquesta se estandarizaron en cierta medida (aunque aumentarían a medida que se desarrollara el potencial de una gama más amplia de instrumentos). La música de cámara creció hasta incluir conjuntos de entre 8 y 10 intérpretes para las serenatas . La ópera siguió desarrollándose, con estilos regionales en Italia, Francia y países de habla alemana. La ópera bufa , una forma de ópera cómica, ganó popularidad. La sinfonía se convirtió en una forma musical y el concierto se desarrolló como un vehículo para demostraciones de habilidad interpretativa virtuosa. Las orquestas ya no requerían un clavecín y, a menudo, estaban dirigidas por el violinista principal (ahora llamado concertino ). [77]
Los músicos de la época clásica continuaron utilizando muchos de los instrumentos de la época barroca, como el violonchelo, el contrabajo, la flauta dulce, el trombón, los timbales, el fortepiano (el precursor del piano moderno ) y el órgano. Si bien algunos instrumentos barrocos cayeron en desuso, por ejemplo la tiorba y la raqueta, muchos instrumentos barrocos se cambiaron a las versiones que todavía se utilizan hoy en día, como el violín barroco (que se convirtió en violín ), el oboe barroco (que se convirtió en oboe ) y la trompeta barroca. que pasó a la trompeta con válvula normal. Durante la era clásica, los instrumentos de cuerda utilizados en la orquesta y la música de cámara , como los cuartetos de cuerda, se estandarizaron como los cuatro instrumentos que forman la sección de cuerdas de la orquesta: violín, viola, violonchelo y contrabajo. Los instrumentos de cuerda de la época barroca, como las violas con arco y trastes , fueron eliminados. Los instrumentos de viento de madera incluían el clarinete basset , el corno basset , la clarinete d'amour , el clarinete clásico , el chalumeau , la flauta, el oboe y el fagot. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio y el fortepiano . Si bien el clavecín todavía se usaba en el acompañamiento de bajo continuo en las décadas de 1750 y 1760, dejó de usarse a finales de siglo. Los instrumentos de metal incluían la buccina , el oficleide (un reemplazo de la serpiente baja , que fue la precursora de la tuba ) y la trompa natural .
Los instrumentos de viento se volvieron más refinados en la época clásica. Si bien los instrumentos de doble lengüeta como el oboe y el fagot se estandarizaron en cierto modo en el Barroco, la familia del clarinete de lengüetas simples no se utilizó ampliamente hasta que Mozart amplió su papel en entornos orquestales, de cámara y de concierto. [78]
La música de la era romántica , aproximadamente desde la primera década del siglo XIX hasta principios del siglo XX, se caracterizó por una mayor atención a una línea melódica extendida, así como a elementos expresivos y emocionales, paralelos al romanticismo en otras formas de arte. Las formas musicales comenzaron a separarse de las formas de la época clásica (incluso cuando estaban siendo codificadas), con piezas de forma libre como nocturnos , fantasías y preludios escritas donde las ideas aceptadas sobre la exposición y el desarrollo de los temas eran ignoradas o minimizadas. [79] La música se volvió más cromática, disonante y tonalmente colorida, con tensiones (con respecto a las normas aceptadas de las formas más antiguas) sobre las firmas clave aumentando. [80] La canción artística (o Lied ) llegó a su madurez en esta época, al igual que las escalas épicas de la gran ópera , finalmente trascendidas por el ciclo Ring de Richard Wagner . [81]
En el siglo XIX, las instituciones musicales surgieron del control de mecenas ricos, ya que los compositores y músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. El creciente interés por la música por parte de las crecientes clases medias de toda Europa occidental impulsó la creación de organizaciones para la enseñanza, interpretación y preservación de la música. El piano, que alcanzó su construcción moderna en esta época (en parte debido a los avances industriales en la metalurgia ), se hizo muy popular entre la clase media, cuya demanda por el instrumento estimuló a muchos constructores de pianos. Muchas orquestas sinfónicas datan su fundación en esta época. [80] Algunos músicos y compositores fueron las estrellas del día; algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini , cumplieron ambos roles. [82]
Las ideas e instituciones culturales europeas comenzaron a seguir la expansión colonial hacia otras partes del mundo. También hubo un aumento, especialmente hacia el final de la era, del nacionalismo en la música (haciéndose eco, en algunos casos, de los sentimientos políticos de la época), a medida que compositores como Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvořák se hicieron eco de la música tradicional. de sus países de origen en sus composiciones. [83]
En la era romántica, el piano moderno , con un tono más potente y sostenido y un rango más amplio, reemplazó al fortepiano de sonido más delicado. En la orquesta, se conservaron los instrumentos y secciones clásicos existentes ( sección de cuerdas , instrumentos de viento, metales y percusión), pero estas secciones generalmente se ampliaron para producir un sonido más completo y más grande. Por ejemplo, mientras que una orquesta barroca puede haber tenido dos contrabajistas, una orquesta romántica podría tener hasta diez. "A medida que la música se volvió más expresiva, la paleta orquestal estándar simplemente no era lo suficientemente rica para muchos compositores románticos". [84]
Las familias de instrumentos utilizados, especialmente en las orquestas, crecieron; un proceso que culminó a principios del siglo XX con orquestas muy grandes utilizadas por compositores románticos tardíos y modernistas. Comenzó a aparecer una gama más amplia de instrumentos de percusión. Los instrumentos de metal asumieron funciones más importantes, ya que la introducción de válvulas giratorias les permitió tocar una gama más amplia de notas. El tamaño de la orquesta (normalmente alrededor de 40 en la era clásica) creció hasta superar los 100. [80] La Sinfonía n.º 8 de Gustav Mahler de 1906 , por ejemplo, se ha interpretado con más de 150 instrumentistas y coros de más de 400 personas . 85] Se agregaron nuevos instrumentos de viento de madera, como el contrafagot , el clarinete bajo y el piccolo y se agregaron nuevos instrumentos de percusión, incluidos xilófonos , tambores , celestas (un instrumento de teclado con forma de campana), campanas y triángulos , [84] grandes instrumentos orquestales. arpas e incluso máquinas de viento para efectos de sonido . Los saxofones aparecen en algunas partituras desde finales del siglo XIX en adelante, generalmente presentados como instrumento solista y no como parte integral de la orquesta.
La tuba de Wagner , un miembro modificado de la familia de las trompas, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner . También tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner en mi mayor y también se utiliza en varias obras del romanticismo tardío y del modernismo de Richard Strauss, Béla Bartók y otros [86]. Las cornetas aparecen regularmente en las partituras del siglo XIX, junto con trompetas que se consideraban menos ágiles, al menos hasta finales de siglo.
Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Ludwig van Beethoven , Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Alexander Scriabin , Nikolai Medtner , Edvard Grieg , y Johann Strauss II . Gustav Mahler y Richard Strauss son comúnmente considerados compositores de transición cuya música combina elementos del romanticismo tardío y del modernismo temprano.
A principios de siglo, la música tenía un estilo típicamente romántico tardío con sus melodías expresivas, armonías complejas y formas expansivas. Esta época estuvo marcada por las obras de varios compositores que impulsaron la escritura sinfónica posromántica . Compositores como Gustav Mahler y Richard Strauss continuaron desarrollando la tradición clásica occidental con amplias sinfonías y óperas, mientras que artistas como Jean Sibelius y Vaughan Williams infundieron en sus composiciones elementos nacionalistas e influencias de canciones populares. Sergei Prokofiev comenzó en esta tradición pero pronto se aventuró en territorios modernistas. Al mismo tiempo, se estaba desarrollando en Francia el movimiento impresionista, encabezado por Claude Debussy , con Maurice Ravel como otro pionero notable. [87]
La música clásica modernista abarca muchos estilos de composición que pueden caracterizarse como posrománticos, impresionistas, expresionistas y neoclásicos. El modernismo marcó una era en la que muchos compositores rechazaron ciertos valores del período de práctica común, como la tonalidad, la melodía, la instrumentación y la estructura tradicionales. [88] Algunos historiadores de la música consideran el modernismo musical como una era que se extiende desde aproximadamente 1890 hasta 1930. [89] [90] Otros consideran que el modernismo terminó con una u otra de las dos guerras mundiales. [91] Aún otras autoridades afirman que el modernismo no está asociado con ninguna época histórica, sino que es "una actitud del compositor; una construcción viva que puede evolucionar con los tiempos". [92] A pesar de su declive en el último tercio del siglo XX, a finales de siglo seguía existiendo un núcleo activo de compositores que continuaron avanzando las ideas y formas del modernismo, como Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson y Ralph Shapey . [93]
Dos movimientos musicales que dominaron durante esta época fueron el impresionista que comenzó alrededor de 1890 y el expresionista que comenzó alrededor de 1908. Fue un período de reacciones diversas al desafiar y reinterpretar categorías musicales más antiguas, innovaciones que conducen a nuevas formas de organizar y abordar la armonía. aspectos melódicos, sonoros y rítmicos de la música, y cambios en las visiones estéticas del mundo en estrecha relación con el período más amplio identificable del modernismo en las artes de la época. La palabra operativa más asociada con esto es "innovación". [94] Su característica principal es una "pluralidad lingüística", es decir, ningún género musical asumió jamás una posición dominante. [95]
La orquesta continuó creciendo durante los primeros años de la era modernista, alcanzando su punto máximo en las dos primeras décadas del siglo XX. Los saxofones que aparecieron sólo en raras ocasiones durante el siglo XIX se utilizaron más comúnmente como instrumentos complementarios, pero nunca se convirtieron en miembros principales de la orquesta. Aunque aparece sólo como instrumento solista en algunas obras, por ejemplo en la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y en las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón se incluye en otras obras como Romeo y Juliet Suites 1 y 2 y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En algunas composiciones como el Boléro de Ravel , se utilizan dos o más saxofones de diferentes tamaños para crear una sección completa como las demás secciones de la orquesta. El bombardino aparece en algunas obras del romanticismo tardío y del siglo XX , generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluidas Los planetas de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss .
Entre los compositores destacados de principios del siglo XX se incluyen Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninoff , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Nikos Skalkottas , Heitor Villa-Lobos , Karol Szymanowski , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy Beach , Béla Bartók y Dmitri Shostakovich , junto con los ya mencionados Mahler y Strauss como figuras de transición que perduraron desde el siglo XIX.
La música posmoderna es un período de la música que comenzó ya en 1930, según algunas autoridades. [89] [90] Comparte características con el arte posmodernista , es decir, el arte que viene después y reacciona contra el modernismo .
Algunas otras autoridades han equiparado más o menos la música posmoderna con la "música contemporánea" compuesta mucho después de 1930, desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI. [96] [97] Algunos de los diversos movimientos de la era posmoderna/contemporánea incluyen el neoromántico, el neomedieval, el minimalista y el posminimalista.
A menudo se consideraba que la música clásica contemporánea de principios del siglo XXI incluía todas las formas musicales posteriores a 1945. [98] Una generación más tarde, este término ahora se refiere propiamente a la música de hoy escrita por compositores que todavía están vivos; música que saltó a la fama a mediados de los años 1970. Incluye diferentes variaciones de música modernista , posmoderna , neoromántica y pluralista . [93]
Se dice que los intérpretes que han estudiado música clásica exhaustivamente tienen "formación clásica". Esta capacitación puede provenir de lecciones privadas de profesores de instrumento o voz o de la finalización de un programa formal ofrecido por un conservatorio, colegio o universidad, como una Licenciatura en Música o una Maestría en Música (que incluye lecciones individuales de profesores). En la música clásica, "... se requiere una amplia educación y formación musical formal, a menudo hasta el nivel de posgrado [maestría]". [99]
La interpretación del repertorio de música clásica requiere competencia en lectura a primera vista y ejecución en conjunto , principios armónicos , fuerte entrenamiento auditivo (para corregir y ajustar los tonos de oído), conocimiento de la práctica interpretativa (por ejemplo, ornamentación barroca) y familiaridad con el estilo/ Idioma musical esperado para un compositor o una obra musical determinados (por ejemplo, una sinfonía de Brahms o un concierto de Mozart). [ cita necesaria ]
La característica clave de la música clásica europea que la distingue de la música popular , la música folclórica y algunas otras tradiciones de música clásica, como la música clásica india , es que el repertorio tiende a escribirse en notación musical , creando una parte o partitura musical . Esta partitura suele determinar los detalles del ritmo, el tono y, cuando participan dos o más músicos (ya sean cantantes o instrumentistas), cómo se coordinan las distintas partes. La calidad escrita de la música ha permitido un alto nivel de complejidad en ellas: las fugas , por ejemplo, logran una unión notable de líneas melódicas audazmente distintivas que se tejen en contrapunto y al mismo tiempo crean una lógica armónica coherente . El uso de la notación escrita también preserva un registro de las obras y permite a los músicos clásicos interpretar música de hace muchos siglos.
Aunque la música clásica de la década de 2000 ha perdido la mayor parte de su tradición de improvisación musical , desde la época barroca hasta la época romántica, hay ejemplos de intérpretes que podían improvisar al estilo de su época. En la época barroca, los intérpretes de órgano improvisaban preludios , los intérpretes de teclado que tocaban el clavecín improvisaban acordes a partir de los símbolos de bajo figurados debajo de las notas de bajo de la parte de bajo continuo y los intérpretes tanto vocales como instrumentales improvisaban adornos musicales . [100] Johann Sebastian Bach se destacó particularmente por sus complejas improvisaciones. [101] Durante la era clásica, el compositor e intérprete Wolfgang Amadeus Mozart se destacó por su capacidad para improvisar melodías en diferentes estilos. [102] Durante la era clásica, algunos solistas virtuosos improvisaban las secciones de cadencia de un concierto. Durante la época romántica, Ludwig van Beethoven improvisaba al piano. [103]
Casi todos los compositores que se describen en los libros de texto de música clásica y cuyas obras se interpretan ampliamente como parte del repertorio estándar de concierto son compositores masculinos, aunque ha habido un gran número de compositoras a lo largo de la historia de la música clásica. La musicóloga Marcia Citron ha preguntado "¿por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal respecto del repertorio 'clásico' estándar?". [104] Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Ella sostiene que en el siglo XIX, las compositoras normalmente escribían canciones artísticas para interpretarlas en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en una sala grande, siendo estas últimas obras consideradas el género más importante para los compositores; Dado que las compositoras no escribieron muchas sinfonías, se las consideró no destacadas como compositoras. [104] En "... Concise Oxford History of Music , Clara S[c]humann es una de las únicas compositoras mencionadas". [105] Abbey Philips afirma que "[d]urante el siglo XX, las mujeres que componían/tocaban ganaron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". [105]
Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas en su mayor parte o en su totalidad por músicos hombres. Uno de los primeros casos de contratación de mujeres en orquestas profesionales fue en el puesto de arpista . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008. [106] [n 14] La última gran orquesta que nombró a una mujer como miembro permanente un puesto permanente era la Filarmónica de Berlín . [110] Todavía en febrero de 1996, el flautista principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". [111] En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las licencias esperadas" de la licencia de maternidad sería un problema. [112]
En 2013, un artículo en Mother Jones declaró que si bien "[m]uchas orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violín de la Filarmónica de Nueva York ) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit , y la Orquesta de Minnesota, están dirigidas por mujeres violinistas", las secciones de contrabajo , metales y percusión de las principales orquestas "... siguen siendo predominantemente masculinas". [113] Un artículo de la BBC de 2014 declaró que la "... introducción de audiciones 'ciegas' , donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer ningún prejuicio racial o de género, ha visto el equilibrio de género de tradicionalmente hombres Las orquestas sinfónicas dominadas por el gobierno están cambiando gradualmente". [114]
La música clásica ha incorporado a menudo elementos o material de la música popular de la época del compositor. Los ejemplos incluyen música ocasional como el uso que hace Brahms de canciones de estudiantes bebiendo en su Obertura del Festival Académico , géneros ejemplificados por La ópera de tres centavos de Kurt Weill , y la influencia del jazz en compositores de principios y mediados del siglo XX, incluido Maurice Ravel , ejemplificado por el movimiento titulado "Blues" en su sonata para violín y piano. [115] Algunos compositores clásicos posmodernos , minimalistas y posminimalistas reconocen una deuda con la música popular. [116] [ verificación fallida ]
La composición orquestal de George Gershwin de 1924 , Rhapsody in Blue, ha sido descrita como jazz orquestal o jazz sinfónico . La composición combina elementos de la música clásica con efectos de influencia del jazz.
Numerosos ejemplos muestran influencia en la dirección opuesta, incluidas las canciones populares basadas en la música clásica, el uso que se le ha dado al Canon de Pachelbel desde la década de 1970 y el fenómeno del cruce musical , donde los músicos clásicos han logrado el éxito en el ámbito de la música popular. [117] En heavy metal , varios guitarristas principales (que tocaban la guitarra eléctrica ), incluidos Ritchie Blackmore y Randy Rhoads , [118] modelaron sus estilos de interpretación en la música instrumental barroca o clásica. [119]
Los compositores de música clásica a menudo han utilizado la música folclórica (música creada por músicos que normalmente no tienen una formación clásica, a menudo de una tradición puramente oral). Algunos compositores, como Dvořák y Smetana , [120] han utilizado temas folclóricos para impartir un sabor nacionalista a su obra, mientras que otros, como Bartók, han utilizado temas específicos extraídos íntegramente de sus orígenes en la música folclórica. [121] Khachaturian incorporó ampliamente en su obra la música folclórica de su Armenia natal , pero también de otros grupos étnicos de Oriente Medio y Europa del Este. [122] [123]
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Ciertos elementos básicos de la música clásica se utilizan a menudo comercialmente (ya sea en publicidad o en bandas sonoras de películas). En los anuncios de televisión, varios pasajes se han convertido en clichés , en particular la apertura de Also sprach Zarathustra de Richard Strauss (que se hizo famosa en la película 2001: Odisea en el espacio ) y la sección inicial " O Fortuna " de Carmina Burana de Carl Orff ; otros ejemplos incluyen " Dies irae " del Réquiem de Verdi , " En el salón del rey de la montaña " de Edvard Grieg de Peer Gynt , los primeros compases de la Sinfonía nº 5 de Beethoven , " Danza del sable " de Aram Khachaturian . , " La cabalgata de las valquirias " de Wagner de Die Walküre , " El vuelo del abejorro " de Rimsky-Korsakov y extractos de Rodeo de Aaron Copland . [ cita necesaria ] Varias obras de la Edad de Oro de la Animación combinaron la acción con la música clásica. Ejemplos notables son Fantasía de Walt Disney , Johann Mouse de Tom y Jerry y El Conejo de Sevilla y What's Opera, Doc? de Warner Bros.
De manera similar, las películas y la televisión suelen utilizar extractos estándar y clichés de música clásica para transmitir refinamiento u opulencia: algunas de las piezas más escuchadas en esta categoría incluyen la Suite para violonchelo n.° 1 de Bach , Eine kleine Nachtmusik de Mozart , Vivaldi ' Las Cuatro Estaciones del siglo XIX , La Noche en la Montaña Calva de Mussorgsky (orquestada por Rimsky-Korsakov) y la " Obertura de Guillermo Tell " de Rossini . Shawn Vancour sostiene que la comercialización de la música clásica en la década de 1920 puede haber perjudicado a la industria musical . [124]
Durante la década de 1990, varios artículos de investigación y libros populares escribieron sobre lo que se dio en llamar el " efecto Mozart ": una pequeña elevación temporal observada en las puntuaciones en pruebas de razonamiento espacial como resultado de escuchar música de Mozart. El enfoque se ha popularizado en un libro de Don Campbell y se basa en un experimento publicado en Nature que sugiere que escuchar a Mozart aumentaba temporalmente el coeficiente intelectual de los estudiantes entre 8 y 9 puntos. [125] Esta versión popularizada de la teoría fue expresada sucintamente por el columnista musical del New York Times Alex Ross : "los investigadores... han determinado que escuchar a Mozart en realidad te hace más inteligente". [126] Los promotores comercializaron CD que afirmaban inducir el efecto. Florida aprobó una ley que exige que los niños pequeños de las escuelas estatales escuchen música clásica todos los días, y en 1998 el gobernador de Georgia presupuestó 105.000 dólares al año para proporcionar a cada niño nacido en Georgia una cinta o un CD de música clásica. Uno de los coautores de los estudios originales sobre el efecto Mozart comentó: "No creo que pueda hacer daño. Estoy totalmente a favor de exponer a los niños a experiencias culturales maravillosas. Pero sí creo que el dinero podría gastarse mejor en educación musical. programas." [127]
