La guitarra solista (también conocida como guitarra solista ) es una parte musical de una guitarra en la que el guitarrista toca líneas melódicas , pasajes de relleno instrumental , solos de guitarra y, ocasionalmente, algunos riffs y acordes dentro de la estructura de una canción . El líder es la guitarra destacada, que generalmente toca líneas de una sola nota o dobles paradas . [1] En rock , heavy metal , blues , jazz , punk , fusión , algunos pop y otros estilos musicales, las líneas de guitarra solista suelen estar apoyadas por un segundo guitarrista que toca la guitarra rítmica , que consta de acordes de acompañamiento y riffs .
La primera forma de guitarra solista surgió en el siglo XVIII, en forma de estilos de guitarra clásica , que evolucionaron a partir de la guitarra barroca y la vihuela española. Estos estilos fueron populares en gran parte de Europa occidental, con guitarristas notables como Antoine de Lhoyer , Fernando Sor y Dionisio Aguado . Fue durante este período del cambio clásico hacia el romanticismo que la guitarra de seis cuerdas se utilizó por primera vez para componer solistas. A lo largo del siglo XIX, la guitarra clásica encontraría prominencia en conjuntos de música de cámara , utilizada para acompañamiento melódico, además de utilizarse en composiciones solistas. Estos estilos se extenderían por Estados Unidos a mediados del siglo XIX e influirían en la primera "música de salón".
A finales del siglo XIX, comenzaron a aparecer Steel Strings, particularmente de Martin Guitars , y en la década de 1880 el estilo Piedmont Blues estaba surgiendo en el sur rural. El estilo de guitarra de Piamonte se convertiría en una gran influencia en la música ragtime , que a su vez influiría en los estilos de blues emergentes a principios del siglo XX. Durante la década de 1910, guitarristas de blues como Willie Brown y Charley Patton comenzaron a ser pioneros en técnicas de guitarra slide , que se convertirían en un elemento básico del Delta Blues . Estas técnicas se desarrollarían en gran medida durante las próximas décadas y durante la Gran Depresión por artistas como Tommy Johnson , Ishmon Bracey , Robert Johnson y Robert Wilkins . A lo largo de este período se desarrollaron otras formas de guitarra de blues, a menudo con una fuerte influencia del ragtime o del piamonte. Entre los guitarristas más destacados se encuentran Blind Blake y Blind Willie McTell , este último tocando con el pulgar y púas de metal en una guitarra de doce cuerdas para replicar mejor el sonido del piano . Los estilos de guitarra Piedmont y ragtime también proporcionaron una base para los primeros estilos de guitarra de la música country y músicos como Maybelle Carter , Sam McGee , Bayless Rose y Frank Hutchison desarrollaron en gran medida estos estilos.
A lo largo de la década de 1920, aparece el surgimiento de los primeros estilos de guitarra de jazz y swing con los virtuosos Eddie Lang y Lonnie Johnson , este último con una fuerte influencia del blues. Lang usó una púa mientras Johnson jugaba con púas para los dedos y una púa. Más tarde Django Reinhardt saltaría a la fama, tocando al estilo Gypsy Jazz . Estos guitarristas todavía son considerados los mayores innovadores de sus estilos. Al mismo tiempo, los hermanos Delmore serían pioneros en el uso de guitarras planas a través de solos melódicos rápidos que influirían en gran medida en muchos futuros guitarristas de bluegrass , rock and roll temprano y música country . Robert Nighthawk se convirtió en el primer músico de blues en grabar con una guitarra eléctrica y ejercería una gran influencia en grandes artistas como Muddy Waters y Elmore James .
A lo largo de la década de 1940, Merle Travis desarrollaría en gran medida las técnicas de punción con los dedos de las que fueron pioneras guitarristas como Maybelle y McGee, y desarrollaría un estilo propio basado en que el pulgar proporcionaba únicamente la línea de bajo y el dedo índice únicamente la melodía. Este estilo sería la base para muchos futuros guitarristas, incluidos Chet Atkins , Scotty Moore , Doc Watson y Earl Hooker , aunque muchos usaron dos dedos en lugar de solo el índice como lo había hecho Travis.
Para crear líneas de guitarra solista, los guitarristas utilizan escalas , modos , arpegios , licks y riffs que se interpretan utilizando una variedad de técnicas. [1] En bandas de rock, heavy metal, blues, jazz y fusión y en algunos contextos pop, así como en otros, las líneas de guitarra solista a menudo emplean púas alternativas , púas de barrido , púas económicas y legato (p. ej., hammer ons , pull offs ), que se utilizan para maximizar la velocidad de sus solos o riffs. Estos "trucos" pueden emplear la mano que toca la zona del traste (como golpear ), e incluso aumentarse y embellecerse con dispositivos como arcos o dispositivos electrónicos separados como un EBow (arco electrónico).
Algunos guitarristas ocasionalmente utilizan habilidades que combinan técnica y talento para el espectáculo, como tocar la guitarra detrás de la cabeza o tocar con los dientes frontales. En un contexto de blues , así como en otros, los guitarristas a veces crean pistas que utilizan riffs de estilo de llamada y respuesta que embellecen con flexión de cuerdas , vibrato y slides .
Los guitarristas de jazz integran los componentes básicos de escalas y patrones de arpegio en frases rítmicas y melódicas equilibradas que conforman un solo cohesivo. Los guitarristas de jazz a menudo intentan imbuir su fraseo melódico con la sensación de respiración natural y fraseo legato utilizado por los trompetistas como los saxofonistas. Además, las improvisaciones solistas de un guitarrista de jazz deben tener un impulso rítmico y una "sensación de tiempo" que cree una sensación de " swing " y "groove". Los guitarristas de jazz más experimentados aprenden a tocar con diferentes "sensaciones de tiempo", como tocar "por delante del ritmo" o "detrás del ritmo", para crear o liberar tensión.
Otro aspecto del estilo de la guitarra de jazz es el uso de adornos estilísticamente apropiados, como notas de adorno, slides y notas apagadas. Cada subgénero o época del jazz tiene diferentes ornamentos que forman parte del estilo de ese subgénero o época. Los guitarristas de jazz suelen aprender los estilos de ornamentación adecuados escuchando grabaciones destacadas de un estilo o época del jazz determinado. Algunos guitarristas de jazz también toman prestadas técnicas de ornamentación de otros instrumentos de jazz, como el préstamo de Wes Montgomery de tocar melodías en octavas paralelas, que es una técnica de piano de jazz. Los guitarristas de jazz también tienen que aprender a agregar tonos de paso y utilizar "tonos guía" y tonos de acordes de la progresión de acordes para estructurar sus improvisaciones.
En las décadas de 1970 y 1980, con la guitarra de fusión de jazz-rock, los guitarristas de jazz incorporaron enfoques de solos de guitarra de rock , como solos basados en riffs y el uso de patrones de escala pentatónica y de blues . Algunos guitarristas utilizan técnicas rápidas de trituración de guitarra , como golpear y doblar la barra de trémolo . El guitarrista Al Di Meola , que comenzó su carrera con Return to Forever en 1974, fue uno de los primeros guitarristas en tocar en un estilo " shred ", una técnica utilizada más tarde en el rock y el heavy metal. Di Meola utilizó la selección alternativa para realizar secuencias de notas muy rápidas en sus solos.
Cuando los guitarristas de jazz improvisan , utilizan las escalas, modos y arpegios asociados con los acordes en la progresión de acordes de una melodía. El enfoque de la improvisación ha cambiado desde las primeras épocas de la guitarra de jazz. Durante la era del Swing, muchos solistas improvisaban "de oído" embelleciendo la melodía con adornos y notas pasajeras. Sin embargo, durante la era del bebop, el tempo rápido y las complicadas progresiones de acordes hicieron cada vez más difícil tocar "de oído". Junto con otros improvisadores, como saxos y pianistas, los guitarristas de jazz de la era bebop comenzaron a improvisar sobre los cambios de acordes utilizando escalas (escala de tonos completos, escala cromática, etc.) y arpegios. [2] Los guitarristas de jazz tienden a improvisar en torno a las relaciones acorde/escala, en lugar de reelaborar la melodía, posiblemente debido a su familiaridad con los acordes resultantes de su función de composición. Una fuente de ideas melódicas para la improvisación es la transcripción de solos improvisados a partir de grabaciones. Esto proporciona a los guitarristas de jazz una fuente de "licks", frases melódicas e ideas que incorporan intactas o en variaciones, y es una forma establecida de aprender de las generaciones anteriores de músicos.
En una banda con dos guitarras, puede haber una división lógica entre guitarras solistas y rítmicas, aunque esa división puede no estar clara. [1] Dos guitarristas pueden actuar como un tándem de guitarras e intercambiar los roles de guitarra principal y guitarra rítmica. Alternativamente, dos o más guitarristas pueden compartir los roles principal y rítmico a lo largo del espectáculo, o ambos guitarristas pueden desempeñar el mismo papel ("guitarras solistas duales" o "guitarras rítmicas duales"). A menudo, varios guitarristas que tocan notas individuales pueden crear patrones de acordes mientras mezclan estas "armonías" con pasajes mixtos al unísono , creando efectos de sonido únicos con efectos especiales electrónicos que alteran el sonido , como duplicadores o un efecto de " coro " que a veces sobrepronuncia la voz principal de manera significativa para cortar. para ser escuchado en espectáculos ruidosos o proyectar estéticamente su sonido tanto de forma acústica como electrónica.
En bandas de rock, heavy metal, blues, jazz y fusión y en algunos contextos pop, la línea de guitarra solista a menudo incluye melodías (así como acordes potentes de las guitarras rítmicas) con un tono de canto sostenido. Para crear este tono en la guitarra eléctrica , los guitarristas suelen seleccionar ciertas pastillas y utilizar efectos electrónicos como pedales de efectos y pedales de distorsión , o compresores de sonido , o efectos duplicadores para un tono más sostenido, y efectos de retardo o un efecto de "coro" electrónico como así como reverberación electrónica y eco para un sonido reverberante.
Para conseguir este efecto de sostenido, los guitarristas suelen utilizar amplificadores de válvulas como los de Marshall o Fender . [3] El efecto de válvula proviene de la forma en que las válvulas amplificadoras se distorsionan cuando se las lleva al límite de su potencia de amplificación. A medida que la forma de onda de la guitarra alcanza los límites del amplificador, la amplificación disminuye, redondeando la parte superior de la forma de onda. Esto equivale a comprimir los ciclos de ondas individuales y es agradable al oído.
Un volumen alto puede inducir retroalimentación de audio , que un guitarrista puede controlar para aumentar drásticamente el sostenido. Al sostener la guitarra a cierta distancia y ángulo de los parlantes del amplificador, un guitarrista puede crear un sonido continuo y sin decadencia. Los efectos especiales electrónicos que utilizan bucles de efectos pueden reproducir esto artificialmente. Otros efectos que embellecen el tono y el tono de la guitarra solista incluyen la barra de vibrato que altera físicamente la tensión de las cuerdas, los slides y los efectos wah-wah y univibe .