La guitarra clásica , también llamada guitarra española , es un miembro de la familia de las guitarras utilizadas en la música clásica y otros estilos. Un instrumento acústico de cuerda de madera con cuerdas de tripa o nailon , es un precursor de las modernas guitarras acústicas y eléctricas con cuerdas de acero , las cuales utilizan cuerdas de metal . Las guitarras clásicas derivan de la vihuela y la guitarra españolas de los siglos XV y XVI. Esos instrumentos evolucionaron hasta convertirse en la guitarra barroca de los siglos XVII y XVIII y, a mediados del siglo XIX, en las primeras formas de la guitarra clásica moderna. La guitarra clásica moderna de hoy fue establecida por los últimos diseños del luthier español del siglo XIX , Antonio Torres Jurado .
Para un músico diestro, la guitarra clásica tradicional tiene 12 trastes fuera del cuerpo y se sostiene correctamente con la pierna izquierda, de modo que la mano que puntea o rasguea las cuerdas lo hace cerca de la parte posterior de la boca (esto es llamada posición clásica). Sin embargo, la mano derecha puede acercarse al diapasón para lograr diferentes cualidades tonales. El jugador normalmente mantiene la pierna izquierda más alta mediante el uso de un reposapiés . La guitarra de cuerdas de acero moderna, por otro lado, suele tener 14 trastes fuera del cuerpo (ver Dreadnought ) y comúnmente se sujeta con una correa alrededor del cuello y el hombro.
La frase "guitarra clásica" puede referirse a cualquiera de dos conceptos distintos del instrumento en sí:
El término guitarra clásica moderna a veces distingue la guitarra clásica de las formas más antiguas de guitarra, que en su sentido más amplio también se denominan guitarras clásicas o, más específicamente, guitarras antiguas . Ejemplos de guitarras antiguas incluyen la guitarra romántica temprana de seis cuerdas ( c. 1790-1880 ) y las guitarras barrocas anteriores con cinco hileras .
Los materiales y los métodos de construcción de la guitarra clásica pueden variar, pero la forma típica es la guitarra clásica moderna o la guitarra clásica histórica similar a las primeras guitarras románticas de Francia e Italia. Las cuerdas de guitarra clásica que antes estaban hechas de tripa ahora están hechas de materiales como nailon o fluoropolímeros , generalmente con alambre fino de cobre plateado enrollado alrededor de las cuerdas acústicamente más bajas (dAE en afinación estándar).
Se puede identificar un árbol genealógico de guitarras. La guitarra flamenca deriva de la clásica moderna, pero tiene diferencias en material, construcción y sonido. [1] [2]
La guitarra clásica tiene una larga historia y se pueden distinguir varias:
Tanto el instrumento como el repertorio pueden verse desde una combinación de varias perspectivas:
Histórico (período cronológico de tiempo)
Geográfico
Cultural
Si bien la "guitarra clásica" se asocia hoy principalmente con el diseño de guitarra clásica moderna, existe un interés creciente en las primeras guitarras; y comprender el vínculo entre el repertorio histórico y la guitarra de época particular que se utilizó originalmente para interpretar este repertorio. El musicólogo y autor Graham Wade escribe:
Hoy en día es costumbre tocar este repertorio en reproducciones de instrumentos modelados auténticamente sobre conceptos de investigación musicológica con los ajustes apropiados en las técnicas y la interpretación general. Así, en las últimas décadas nos hemos acostumbrado a artistas especialistas y expertos en el arte de la vihuela (un tipo de guitarra popular en España del siglo XVI), el laúd, la guitarra barroca, la guitarra del siglo XIX, etc. [4]
Los diferentes tipos de guitarras tienen una estética sonora diferente, por ejemplo, diferentes características del espectro de color (la forma en que se distribuye la energía del sonido en la frecuencia fundamental y los armónicos ), respuesta diferente, etc. Estas diferencias se deben a diferencias en la construcción; por ejemplo, las guitarras clásicas modernas suelen utilizar un refuerzo (arriostramiento en abanico) diferente al utilizado en las guitarras anteriores (tenían refuerzos en escalera); y el luthier utilizó una voz diferente.
Existe un paralelo histórico entre los estilos musicales (barroco, clásico, romántico, flamenco, jazz) y el estilo de "estética sonora" de los instrumentos musicales utilizados, por ejemplo: Robert de Visée tocaba una guitarra barroca con una estética sonora muy diferente a la las guitarras utilizadas por Mauro Giuliani y Luigi Legnani (utilizaban guitarras del siglo XIX). Estas guitarras a su vez suenan diferentes a los modelos Torres utilizados por Segovia que son adecuados para interpretaciones de obras romántico-modernas como Moreno Torroba .
Al considerar la guitarra desde una perspectiva histórica, el instrumento musical utilizado es tan importante como el lenguaje musical y el estilo del período en particular. Por ejemplo: es imposible tocar un De Visee o un Corbetta (guitarristas y compositores barrocos) históricamente informados en una guitarra clásica moderna. La razón es que la guitarra barroca utilizaba hiladas, que son dos cuerdas muy juntas (al unísono), que se pulsan juntas. Esto le da a las guitarras barrocas una característica sonora inconfundible y una textura tonal que es parte integral de una interpretación. Además, la estética del sonido de la guitarra barroca (con su fuerte presencia de armónicos) es muy diferente de la de las guitarras clásicas modernas, como se muestra a continuación.
El uso actual de guitarras tipo Torres y post-Torres para el repertorio de todos los períodos a veces se ve de manera crítica: las guitarras modernas de estilo Torres y post-Torres (con su diseño y refuerzo en abanico) tienen un tono grueso y fuerte, muy adecuado para la era moderna. repertorio. Sin embargo, se considera que enfatizan demasiado lo fundamental (a expensas de los parciales de armónicos) para el repertorio anterior (Clásico/Romántico: Carulli, Sor, Giuliani, Mertz, ...; Barroco: de Visee, ...; etc. ). "Andrés Segovia presentó la guitarra española como un modelo versátil para todos los estilos de interpretación" [5] hasta el punto de que, aún hoy, "muchos guitarristas tienen una visión de túnel del mundo de la guitarra, procedente de la moderna tradición segoviana". [6]
Si bien los instrumentos clásicos modernos de estilo Torres y post-Torres con refuerzo de abanico coexistieron con guitarras tradicionales con refuerzo de escalera a principios del siglo XX, las formas más antiguas eventualmente desaparecieron. Algunos atribuyen esto a la popularidad de Segovia , considerándolo "el catalizador del cambio hacia el diseño español y la llamada escuela 'moderna' en la década de 1920 y más allá". [5] Los estilos musicales interpretados con guitarras con refuerzos de escalera estaban pasando de moda y, por ejemplo, en Alemania, cada vez más músicos se inclinaban hacia la música folclórica (Schrammel-music y Contraguitar ) . Esto se localizó en Alemania y Austria y volvió a pasar de moda. Por otro lado, Segovia estaba dando conciertos en todo el mundo, popularizando la guitarra clásica moderna y, en la década de 1920, el estilo romántico-moderno español con obras para guitarra de Moreno Torroba, de Falla, etc.
El guitarrista clásico del siglo XIX Francisco Tárrega popularizó por primera vez el diseño de Torres como instrumento solista clásico. Sin embargo, algunos sostienen que la influencia de Segovia propició su dominio sobre otros diseños. Las fábricas de todo el mundo comenzaron a producirlos en grandes cantidades.
Los compositores del Renacimiento que escribieron para guitarra de cuatro órdenes incluyen a Alonso Mudarra , Miguel de Fuenllana , Adrian Le Roy , Grégoire Brayssing , Guillaume de Morlaye y Simon Gorlier .
Guitarra de cuatro órdenes
Algunos compositores conocidos de guitarra barroca fueron Gaspar Sanz , Robert de Visée , Francesco Corbetta y Santiago de Murcia .
Aproximadamente desde 1780 hasta 1850, la guitarra tuvo numerosos compositores e intérpretes, entre ellos:
Héctor Berlioz estudió guitarra cuando era adolescente; [10] Franz Schubert poseía al menos dos y escribió para el instrumento; [11] y Ludwig van Beethoven , después de escuchar tocar a Giuliani, comentaron que el instrumento era "una orquesta en miniatura en sí misma". [12] Niccolò Paganini también fue un virtuoso de la guitarra y compositor. Una vez escribió: "Amo la guitarra por su armonía; es mi compañera constante en todos mis viajes". También dijo en otra ocasión: "No me gusta este instrumento, pero lo considero simplemente como una forma de ayudarme a pensar". [13]
El guitarrista y compositor Francisco Tárrega (21 de noviembre de 1852 – 15 de diciembre de 1909) fue uno de los grandes virtuosos y profesores de la guitarra y es considerado el padre de la guitarra clásica moderna. Como profesor de guitarra en los conservatorios de Madrid y Barcelona, definió muchos elementos de la técnica clásica moderna y elevó la importancia de la guitarra en la tradición de la música clásica.
A principios de la década de 1920, Andrés Segovia popularizó la guitarra con giras y primeras grabaciones fonográficas. Segovia colaboró con los compositores Federico Moreno Torroba y Joaquín Turina con el objetivo de ampliar el repertorio guitarrístico con nueva música. [14] La gira de Segovia por Sudamérica revitalizó el interés del público por la guitarra y ayudó a que la música para guitarra de Manuel Ponce y Heitor Villa-Lobos llegara a un público más amplio. [15] Segovia encargó a los compositores Alexandre Tansman y Mario Castelnuovo-Tedesco que escribieran nuevas piezas para guitarra. [16] Luiz Bonfá popularizó estilos musicales brasileños como la recién creada Bossa Nova, que fue bien recibida por el público de Estados Unidos.
El repertorio de guitarra clásica también incluye obras contemporáneas modernas, a veces denominadas "Nueva Música", como Changes de Elliott Carter , [17] Codex I de Cristóbal Halffter , [18] Sequenza XI de Luciano Berio , [19] Maurizio Pisati . Sette Studi de Maurice Ohana , [20] Si Le Jour Paraît de Maurice Ohana , [21] Rara (eco sierologico) de Sylvano Bussotti , [ 22] Suite für Guitarre allein, op. 164 , [23] Algo: Due pezzi per chitarra de Franco Donatoni , [24] Variazioni Notturne de Paolo Coggiola , [25] etc.
Entre los artistas conocidos por incluir repertorio moderno se encuentran Jürgen Ruck, Elena Càsoli, Leo Brouwer (cuando todavía actuaba), John Schneider , Reinbert Evers , Maria Kämmerling , Siegfried Behrend , David Starobin , Mats Scheidegger , Magnus Andersson , etc.
Este tipo de repertorio suele ser interpretado por guitarristas que han optado especialmente por centrarse en la vanguardia en sus interpretaciones.
Dentro del propio panorama musical contemporáneo también hay obras que generalmente se consideran extremas. Entre ellas se incluyen obras como Kurze Schatten II de Brian Ferneyhough , [26] Lejos de [27] de Sven-David Sandström y Toccata Orpheus de Rolf Riehm , etc., que son notorias por su extrema dificultad.
También hay una variedad de bases de datos que documentan obras de guitarra modernas, como Sheer Pluck [28] y otras. [29] [30]
La evolución de la guitarra clásica y su repertorio abarca más de cuatro siglos. Tiene una historia marcada por las aportaciones de instrumentos anteriores, como el laúd, la vihuela y la guitarra barroca.
El último guitarrista que siguió los pasos de Segovia fue Julián Bream y Julián Bream cumplirá 73 años el 15 de julio de 2006. Miguel Llobet, Andrés Segovia y Julián Bream son las tres personalidades intérpretes del siglo XX. No me malinterpretéis, hoy en día tenemos muchos guitarristas que son muy excelentes intérpretes, pero ninguno con una personalidad tan marcada en su tono y estilo como Llobet, Segovia y Bream. En todos los ámbitos instrumentales, no sólo en la guitarra, hay una falta de individualismo con una fuerte tendencia al conformismo. Esto me parece muy lamentable ya que el arte (música, teatro o artes pictóricas) es un asunto muy individual y personal. [31]
— Bernard Hebb, entrevista
Los orígenes de la guitarra moderna no se conocen con certeza. Algunos creen que es autóctono de Europa, mientras que otros piensan que es un instrumento importado. [32] Instrumentos parecidos a guitarras aparecen en tallas y estatuas antiguas recuperadas de las civilizaciones egipcia, sumeria y babilónica. [33] Esto significa que los instrumentos iraníes contemporáneos como el tanbur y el setar están relacionados lejanamente con la guitarra europea, ya que todos derivan en última instancia de los mismos orígenes antiguos, pero por rutas e influencias históricas muy diferentes. La época en la que se realizaron más cambios en la guitarra fue entre los años 1500 y 1800, pero durante la Baja Edad Media , se utilizaban guitarras llamadas "guitarras", pero su construcción y afinación eran diferentes a las guitarras modernas. La guitarra latina en España tenía lados curvos y un solo agujero. La guitarra morisca , que parece haber tenido influencias árabes , tenía una caja armónica ovalada y muchas aberturas en su tapa armónica. En el siglo XV, apareció por primera vez en España un instrumento de cuatro cuerdas y dos cuerdas llamado vihuela de mano , que estaba afinado como la guitarra moderna posterior excepto en una sola cuerda y una construcción similar y se extendió a Francia e Italia. En el siglo XVI se añadió una quinta cuerda doble. Durante este tiempo, los compositores escribieron principalmente en notación de tablatura. A mediados del siglo XVI se combinaron influencias de la vihuela y la guitarra renacentista y apareció en España la guitarra barroca de cinco cuerdas. [34] La guitarra barroca rápidamente reemplazó a la vihuela en popularidad en España, Francia e Italia y los músicos y compositores italianos se hicieron prominentes. A finales del siglo XVIII, la guitarra de seis cuerdas se hizo popular rápidamente a expensas de las guitarras de cinco cuerdas. Durante el siglo XIX, el luthier y músico español Antonio de Torres dio a la guitarra clásica moderna su forma definitiva, con un cuerpo ensanchado, una cintura más curvada, una barriga más delgada y un refuerzo interno mejorado. [35] La guitarra clásica moderna reemplazó una forma más antigua para el acompañamiento del canto y la danza llamada flamenco , y se creó una versión modificada, conocida como guitarra flamenca .
El libro de Alonso de Mudarra Tres Libros de Música , publicado en España en 1546, contiene las primeras piezas escritas conocidas para guitarra de cuatro tiempos. Esta "guitarra" de cuatro órdenes fue popular en Francia, España e Italia. En Francia este instrumento ganó popularidad entre los aristócratas. En París se publicó un volumen considerable de música desde la década de 1550 hasta la de 1570: Le Troysième Livre... mis en tablature de Guiterne de Simon Gorlier se publicó en 1551. En 1551 Adrian Le Roy también publicó su Premier Livre de Tablature de Guiterne, y en el mismo año también publicó Briefve et facile injection pour apprendre la tablature a bien Accorder, Conduire, et Disposer la main sur la Guiterne. Robert Ballard, Grégoire Brayssing de Augsburgo y Guillaume Morlaye ( c. 1510 – c. 1558 ) contribuyeron significativamente a su repertorio. Le Premier Livre de Chansons, Gaillardes, Pavannes, Bransles, Almandes, Fantasies de Morlaye, que tiene un instrumento de cuatro órdenes ilustrado en la portada, se publicó en colaboración con Michel Fedenzat y, entre otras músicas, publicaron seis libros de tablaturas de laudista Albert de Rippe (que muy probablemente fue el maestro de Guillaume).
La historia escrita de la guitarra clásica se remonta a principios del siglo XVI con el desarrollo de la vihuela en España. Si bien el laúd se estaba volviendo popular en otras partes de Europa, los españoles no lo acogieron bien debido a su asociación con los moros. [38] En cambio, la vihuela parecida a un laúd apareció con dos cuerdas más que le dieron más alcance y complejidad. En su forma más desarrollada, la vihuela era un instrumento parecido a una guitarra con seis cuerdas dobles hechas de tripa, afinadas como una guitarra clásica moderna con la excepción de la tercera cuerda, que estaba afinada medio tono más bajo. Tiene un sonido alto y es bastante grande para sostenerlo. Pocos han sobrevivido y la mayor parte de lo que se conoce hoy proviene de diagramas y pinturas.
Se cree que la primera guitarra de seis cuerdas que existe fue construida en 1779 por Gaetano Vinaccia (1759 – después de 1831) en Nápoles , Italia ; sin embargo, la fecha que figura en la etiqueta es un poco ambigua. [39] [40] [41] La familia de luthiers Vinaccia es conocida por desarrollar la mandolina . Esta guitarra ha sido examinada y no muestra signos reveladores de modificaciones de una guitarra de doble hilera. [42] La autenticidad de las guitarras supuestamente producidas antes de la década de 1790 a menudo se cuestiona. Esto también corresponde a cuando apareció el método de las 6 cuerdas de Moretti, en 1792.
La guitarra clásica moderna fue desarrollada en el siglo XIX por Antonio de Torres Jurado , Ignacio Fleta , Hermann Hauser Sr. y Robert Bouchet. Instrumentos similares anteriores incluyen la vihuela española y la gitter de los siglos XV y XVI. Esos instrumentos evolucionaron hasta convertirse en la guitarra barroca de los siglos XVII y XVIII y, a mediados del siglo XIX, en las primeras formas de la guitarra clásica moderna.
El estilo de dedos se utiliza fervientemente en la guitarra clásica moderna. Tradicionalmente, el pulgar toca el bajo (o nota fundamental ), mientras que los dedos suenan la melodía y las partes que la acompañan. A menudo, la técnica de la guitarra clásica implica el uso de las uñas de la mano derecha para puntear las notas. Los jugadores destacados fueron: Francisco Tárrega , Emilio Pujol , Andrés Segovia , Julian Bream , Agustín Barrios y John Williams (guitarrista) .
La guitarra clásica moderna suele tocarse sentado, con el instrumento apoyado en el regazo izquierdo y el pie izquierdo colocado sobre un taburete. Alternativamente, si no se utiliza un taburete, se puede colocar un soporte para guitarra entre la guitarra y el regazo izquierdo (el soporte normalmente se fija al costado del instrumento con ventosas ). (Por supuesto, hay excepciones, y algunos intérpretes optan por sostener el instrumento de otra manera).
Los jugadores diestros usan los dedos de la mano derecha para puntear las cuerdas, con el pulgar punteando desde la parte superior de una cuerda hacia abajo (golpe descendente) y los otros dedos punteando desde la parte inferior de la cuerda hacia arriba (golpe ascendente). En la técnica clásica, tal como evolucionó en el siglo XX, el dedo meñique se utiliza únicamente para acompañar al dedo anular sin golpear las cuerdas y, de este modo, facilitar fisiológicamente el movimiento del dedo anular.
Por el contrario, la técnica flamenca y las composiciones clásicas que evocan el flamenco emplean el dedo meñique de forma semiindependiente en el rasgueado flamenco de cuatro dedos , ese rápido rasgueo de la cuerda con los dedos en orden inverso empleando el dorso de la uña, una característica familiar del flamenco. Flamenco.
La técnica flamenca , en la ejecución del rasgueado, también utiliza el movimiento ascendente de los cuatro dedos y el movimiento descendente del pulgar: la cuerda se golpea no sólo con el lado interno y carnoso de la yema del dedo sino también con el lado externo, en el que se encuentra la uña. Esto también se utilizó en una técnica de la vihuela llamada dedillo [43] que recientemente ha comenzado a introducirse en la guitarra clásica.
Algunos guitarristas modernos, como Štěpán Rak y Kazuhito Yamashita , utilizan el dedo meñique de forma independiente, compensando su acortamiento manteniendo una uña extremadamente larga. Rak y Yamashita también han generalizado el uso del golpe hacia arriba de los cuatro dedos y el golpe hacia abajo del pulgar (la misma técnica que en el rasgueado del flamenco : como se explicó anteriormente, la cuerda se golpea no sólo con el lado interno y carnoso de la yema del dedo pero también con el lado exterior de la uña) tanto como trazo libre como como trazo de descanso. [44]
Al igual que con otros instrumentos pulsados (como el laúd), el músico toca directamente las cuerdas (normalmente punteando) para producir el sonido. Esto tiene consecuencias importantes: se puede producir un tono/ timbre diferente (de una sola nota) punteando la cuerda de diferentes maneras ( apoyando o tirando ) y en diferentes posiciones (como más cerca o más lejos del puente de la guitarra). Por ejemplo, puntear una cuerda al aire sonará más brillante que tocar las mismas notas en una posición con traste (lo que tendría un tono más cálido).
La versatilidad del instrumento significa que puede crear una variedad de tonos, pero este estilo de punteo con los dedos también hace que el instrumento sea más difícil de aprender que la técnica de rasgueo de una guitarra acústica estándar. [45]
En las partituras de guitarra los cinco dedos de la mano derecha (que puntean las cuerdas) se designan con la primera letra de sus nombres en español, a saber, p = pulgar ( pulgar ), i = dedo índice ( índice ), m = dedo medio ( mayor ). , a = dedo anular ( anular ), c = dedo meñique o meñique ( meñique/chiquito ) [46]
Los cuatro dedos de la mano izquierda (que tocan las cuerdas) se denominan 1 = índice, 2 = mayor, 3 = dedo anular, 4 = dedo meñique. 0 designa una cuerda abierta, una cuerda que no es detenida por un dedo y cuya longitud total vibra cuando se pulsa. Es raro utilizar el pulgar de la mano izquierda en la interpretación, ya que el mástil de una guitarra clásica es demasiado ancho para su comodidad y la técnica normal mantiene el pulgar detrás del mástil. Sin embargo, Johann Kaspar Mertz, por ejemplo, se destaca por especificar el pulgar para trastear las notas de bajo en la sexta cuerda, anotadas con una punta de flecha hacia arriba (⌃). [47]
Las partituras (a diferencia de las tablaturas ) no indican sistemáticamente la cuerda que se debe pulsar (aunque la elección suele ser obvia). Cuando se indica que la cuerda es útil, la partitura utiliza los números del 1 al 6 dentro de los círculos (del tono más alto al más bajo).
Las partituras no indican sistemáticamente las posiciones del diapasón (dónde colocar el primer dedo de la mano que toca el traste), pero cuando es útil (principalmente con acordes de barra) la partitura indica posiciones con números romanos desde la primera posición I (dedo índice en el primer traste: FB bemol-mi bemol-la bemol-CF) hasta la duodécima posición XII (dedo índice en el 12º traste: EADGBE. El 12º traste es donde comienza el cuerpo) o incluso más arriba hasta la posición XIX (la guitarra clásica suele tener 19 trastes , siendo el traste 19 el que suele estar dividido y no se puede utilizar para trastear la tercera y cuarta cuerdas).
Para lograr efectos de trémolo y pasajes de escala rápidos y fluidos, el intérprete debe practicar la alternancia, es decir, nunca tocar una cuerda con el mismo dedo dos veces seguidas. Usando p para indicar el pulgar, i el dedo índice, m el dedo medio y a el dedo anular, los patrones de alternancia comunes incluyen:
La música escrita específicamente para la guitarra clásica data de la adición de la sexta cuerda (la guitarra barroca normalmente tenía cinco pares de cuerdas ) a finales del siglo XVIII.
Un recital de guitarra puede incluir una variedad de obras, por ejemplo, obras escritas originalmente para laúd o vihuela por compositores como John Dowland (n. Inglaterra 1563) y Luis de Narváez (n. España c. 1500 ), y también música escrita para el clavecín de Domenico Scarlatti (n. Italia 1685), para el laúd barroco de Sylvius Leopold Weiss (n. Alemania 1687), para la guitarra barroca de Robert de Visée (n. Francia c. 1650 ) o incluso música con sabor español escrita para piano de Isaac Albéniz (n. España 1860) y Enrique Granados (n. España 1867). El compositor más importante que no escribió para guitarra pero cuya música se toca a menudo con ella es Johann Sebastian Bach (n. Alemania 1685), cuyas obras barrocas para laúd, violín y violonchelo han demostrado ser muy adaptables al instrumento.
De la música escrita originalmente para guitarra, los primeros compositores importantes son del período clásico e incluyen a Fernando Sor (n. España 1778) y Mauro Giuliani (n. Italia 1781), quienes escribieron en un estilo fuertemente influenciado por el clasicismo vienés. En el siglo XIX, los compositores de guitarra como Johann Kaspar Mertz (n. Eslovaquia, Austria 1806) estuvieron fuertemente influenciados por el dominio del piano. No fue hasta finales del siglo XIX que la guitarra comenzó a establecer su propia identidad única. Francisco Tárrega (n. España 1852) fue fundamental en esto, incorporando a veces aspectos estilizados de las influencias moriscas del flamenco en sus miniaturas románticas. Esto fue parte del nacionalismo musical europeo dominante de finales del siglo XIX. Albéniz y Granados fueron centrales en este movimiento; su evocación de la guitarra tuvo tanto éxito que sus composiciones han sido absorbidas por el repertorio de guitarra estándar.
Las guitarras eléctricas y de cuerdas de acero características del auge del rock and roll en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial se empezaron a tocar más ampliamente en América del Norte y el mundo de habla inglesa. Agustín Barrios Mangoré de Paraguay compuso muchas obras y trajo a la corriente principal las características de la música latinoamericana, al igual que el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos . Andrés Segovia encargó obras a compositores españoles como Federico Moreno Torroba y Joaquín Rodrigo , italianos como Mario Castelnuovo-Tedesco y compositores latinoamericanos como Manuel Ponce de México. Otros compositores latinoamericanos destacados son Leo Brouwer de Cuba, Antonio Lauro de Venezuela y Enrique Solares de Guatemala. Julian Bream de Gran Bretaña logró que casi todos los compositores británicos, desde William Walton y Benjamin Britten hasta Peter Maxwell Davies, escribieran obras importantes para guitarra. Las colaboraciones de Bream con el tenor Peter Pears también dieron como resultado ciclos de canciones de Britten, Lennox Berkeley y otros. Hay obras importantes de compositores como Hans Werner Henze de Alemania, Gilbert Biberian de Inglaterra y Roland Chadwick de Australia.
La guitarra clásica también se utilizó ampliamente en la música popular y el rock & roll en la década de 1960 después de que el guitarrista Mason Williams popularizara el instrumento en su éxito instrumental Classical Gas . El guitarrista Christopher Parkening es citado en el libro Classical Gas: The Music of Mason Williams diciendo que es la pieza para guitarra más solicitada además de la Malagueña y quizás la pieza para guitarra instrumental más conocida en la actualidad. En el ámbito del Nuevo Flamenco , las obras e interpretaciones del compositor e intérprete español Paco de Lucía son mundialmente conocidas.
No se han escrito muchos conciertos para guitarra clásica a lo largo de la historia. Sin embargo, algunos conciertos para guitarra son hoy en día muy conocidos y populares, especialmente el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo (con el famoso tema del segundo movimiento) y la Fantasía para un gentilhombre . Los compositores que también escribieron famosos conciertos para guitarra son: Antonio Vivaldi (originalmente para mandolina o laúd), Mauro Giuliani , Heitor Villa-Lobos , Mario Castelnuovo-Tedesco , Manuel Ponce , Leo Brouwer , Lennox Berkeley y Malcolm Arnold . Hoy en día, cada vez son más los compositores contemporáneos que deciden escribir un concierto para guitarra, entre ellos Bosco Sacro de Federico Biscione, para guitarra y orquesta de cuerdas, es uno de los más inspirados.
La guitarra clásica se distingue por una serie de características:
Las partes de las guitarras clásicas típicas incluyen: [49]
El diapasón (también llamado diapasón ) es una pieza de madera incrustada con trastes metálicos que constituye la parte superior del mástil. Es plano o ligeramente curvado. La curvatura del diapasón se mide por el radio del diapasón, que es el radio de un círculo hipotético del cual la superficie del diapasón constituye un segmento. Cuanto menor sea el radio del diapasón, más notablemente curvado será el diapasón. Los diapasones suelen estar hechos de ébano , pero también pueden estar hechos de palo de rosa , alguna otra madera dura o de un compuesto fenólico ("micarta").
Los trastes son tiras de metal (generalmente de aleación de níquel o acero inoxidable) incrustadas a lo largo del diapasón y colocadas en puntos que dividen matemáticamente la longitud de la cuerda. La longitud de vibración de las cuerdas se determina cuando se presionan las cuerdas detrás de los trastes. Cada traste produce un tono diferente y cada tono está espaciado medio paso en la escala de 12 tonos. La relación de los anchos de dos trastes consecutivos es la duodécima raíz de dos ( ), cuyo valor numérico es aproximadamente 1,059463. El duodécimo traste divide la cuerda en dos mitades exactas y el traste 24 (si está presente) divide la cuerda por la mitad una vez más. Cada doce trastes representa una octava. Esta disposición de trastes da como resultado una afinación con el mismo temperamento .
Los trastes, el diapasón, las clavijas y el clavijero de una guitarra clásica, todos unidos a una larga extensión de madera, constituyen colectivamente su mástil . La madera del diapasón suele diferir de la madera del resto del mástil. La tensión de flexión en el mástil es considerable, particularmente cuando se utilizan cuerdas de mayor calibre. La longitud de escala más común para la guitarra clásica es 650 mm (calculada midiendo la distancia entre el extremo de la cejilla y el centro del traste 12 y luego duplicando esa medida). Sin embargo, las longitudes de las escalas pueden variar entre 635 y 664 mm o más. [50]
Este es el punto donde el cuello se une al cuerpo. En la articulación de cuello tradicional española, el cuello y el bloque son una sola pieza con los lados insertados en ranuras cortadas en el bloque. Otros cuellos se construyen por separado y se unen al cuerpo mediante una junta de cola de milano, una mortaja o una junta al ras. Estas uniones suelen estar pegadas y pueden reforzarse con fijaciones mecánicas. Recientemente, muchos fabricantes utilizan sujetadores atornillados. Las uniones de cuello atornilladas alguna vez se asociaron solo con instrumentos menos costosos, pero ahora algunos de los principales fabricantes y constructores de manos están utilizando variaciones de este método. Algunas personas creían que el cuello/bloque de una pieza de estilo español y los cuellos de cola de milano pegados tienen mejor sustentación, pero las pruebas no han podido confirmarlo. Mientras que la mayoría de los constructores de estilo español tradicional utilizan el bloque de cuello/talón de una sola pieza, Fleta, un destacado constructor español, utilizó una unión de cola de milano debido a la influencia de su formación inicial en la fabricación de violines. Una de las razones para la introducción de uniones mecánicas fue facilitar la reparación de los cuellos. Esto es más un problema con las guitarras con cuerdas de acero que con las de nailon, que tienen aproximadamente la mitad de tensión. Esta es la razón por la que las guitarras con cuerdas de nailon a menudo tampoco incluyen alma.
El cuerpo del instrumento es un determinante importante de la variedad de sonido general de las guitarras acústicas. La tapa de la guitarra, o caja armónica , es un elemento finamente elaborado y diseñado, a menudo hecho de abeto o cedro rojo . Considerada el factor más importante a la hora de determinar la calidad del sonido de una guitarra, esta fina pieza de madera (a menudo de 2 o 3 mm de grosor) tiene un grosor uniforme y está reforzada por diferentes tipos de refuerzos internos. El fondo está fabricado en palosanto y el palosanto de Brasil es especialmente codiciado, aunque a veces se utiliza caoba u otras maderas decorativas. [51]
La mayor parte del sonido es causada por la vibración de la tapa de la guitarra a medida que se le transfiere la energía de las cuerdas vibrantes. Los luthiers han utilizado diferentes patrones de refuerzos de madera a lo largo de los años ( Torres , Hauser , Ramírez , Fleta y CF Martin se encuentran entre los diseñadores más influyentes de su época); no sólo para fortalecer la tapa contra el colapso bajo la tremenda tensión ejercida por las cuerdas tensadas, sino también para afectar la resonancia de la tapa. Algunos fabricantes de guitarras contemporáneos han introducido nuevos conceptos de construcción, como la "doble tapa", que consta de dos placas de madera extrafinas separadas por Nomex , o refuerzos con patrón de celosía reforzada con fibra de carbono. El fondo y los aros están hechos de una variedad de maderas como caoba, arce, ciprés, palo de rosa indio y el apreciado palo de rosa brasileño ( Dalbergia nigra ). Cada uno se elige por su efecto estético y resistencia estructural, y dicha elección también puede influir en la determinación del timbre del instrumento . Estos también están reforzados con refuerzos internos y decorados con incrustaciones y listones.Antonio de Torres Jurado demostró que era la tapa, y no el fondo y los aros de la guitarra, lo que daba sonido al instrumento, en 1862 construyó una guitarra con fondo y aros de papel maché. (Esta guitarra se encuentra en el Museo de la Música de Barcelona, y antes del año 2000 fue restaurada para que pudiera tocarse por los hermanos Yagüe, Barcelona). El cuerpo de una guitarra clásica es una cámara de resonancia que proyecta las vibraciones del cuerpo a través de una boca , permitiendo escuchar la guitarra acústica sin amplificación. La boca normalmente es un único orificio redondo en la parte superior de la guitarra (debajo de las cuerdas), aunque algunas tienen diferentes ubicaciones, formas o números de orificios. La cantidad de aire que puede mover un instrumento determina su volumen máximo.
La tapa, el fondo y los aros del cuerpo de una guitarra clásica son muy delgados, por lo que se pega una pieza de madera flexible llamada entalladura (porque a menudo está rayada o entallada para que se doble con la forma del aro) en las esquinas donde se encuentra el aro. cumple con la parte superior y trasera. Este refuerzo interior proporciona de 5 a 20 mm de área de pegado sólido para estas juntas de esquina.
Durante la construcción final, se talla o fresa una pequeña sección de las esquinas exteriores y se rellena con material de encuadernación en las esquinas exteriores y tiras decorativas de material junto a la encuadernación, que se denominan listones . Esta unión sirve para sellar la testa de la tapa y el fondo. Los materiales para atar y perfilar se fabrican generalmente de madera o de materiales plásticos de alta calidad.
El objetivo principal del puente en una guitarra clásica es transferir la vibración de las cuerdas a la tapa armónica, que hace vibrar el aire dentro de la guitarra, amplificando así el sonido producido por las cuerdas. El puente mantiene las cuerdas en su lugar sobre el cuerpo. Además, la posición de la selleta, generalmente una tira de hueso o plástico que sostiene las cuerdas fuera del puente, determina la distancia hasta la cejilla (en la parte superior del diapasón).
La guitarra clásica moderna de tamaño completo tiene una longitud de escala [52] de alrededor de 650 mm (25,6 pulgadas), con una longitud total del instrumento de 965 a 1016 mm (38,0 a 40,0 pulgadas). La longitud de la escala se ha mantenido bastante constante desde que fue elegida por el creador del instrumento, Antonio de Torres . Es posible que se haya elegido esta longitud porque es el doble de la longitud de una cuerda de violín. Como la guitarra está afinada una octava por debajo de la del violín, se podría utilizar tripa del mismo tamaño para las primeras cuerdas de ambos instrumentos.
Los instrumentos de menor escala se producen para ayudar a los niños a aprender a tocar el instrumento, ya que la escala más pequeña hace que los trastes estén más juntos, lo que facilita el uso para manos más pequeñas. El tamaño de escala de las guitarras más pequeñas suele estar en el rango de 484 a 578 mm (19,1 a 22,8 pulgadas), con una longitud del instrumento de 785 a 915 mm (30,9 a 36,0 pulgadas). Los instrumentos de tamaño completo a veces se denominan 4/4, mientras que los tamaños más pequeños son 3/4, 1/2, 1/4 e incluso tan pequeños como 1/8 para niños muy pequeños. Sin embargo, no existe un conjunto estandarizado de dimensiones para las guitarras fraccionadas y su diferencia de tamaño no es lineal con respecto a una guitarra de tamaño completo.
Se utilizan una variedad de afinaciones diferentes. El más común con diferencia, el que podríamos llamar "tuning estándar" es:
El orden anterior es la afinación desde la primera cuerda (la cuerda con el tono más alto mi', espacialmente la cuerda inferior en posición de tocar) hasta la sexta cuerda , la cuerda con el tono más bajo Mi, espacialmente la cuerda superior en posición de tocar y, por lo tanto, es cómoda de puntear. con el pulgar.
La explicación para esta afinación "asimétrica" (en el sentido de que la tercera mayor no está entre las dos cuerdas medias, como en la afinación de la viola da gamba) es probablemente que la guitarra se originó como un instrumento de 4 cuerdas (en realidad, un instrumento con 4 hileras dobles de cuerdas, ver arriba) con una tercera mayor entre la segunda y la tercera cuerda, y solo se convirtió en un instrumento de seis cuerdas mediante la adición gradual de una quinta cuerda y luego una sexta cuerda afinada con una cuarta de separación:
"El desarrollo de la afinación moderna se puede seguir por etapas. Una de las afinaciones del siglo XVI es la CFAD. Esto equivale a las cuatro cuerdas superiores de la guitarra moderna afinadas un tono más grave. Sin embargo, el tono absoluto de estas notas es no es equivalente al "tono de concierto" moderno. La afinación de la guitarra de cuatro órdenes se adelantó un tono y hacia finales del siglo XVI, se utilizaban instrumentos de cinco órdenes con una cuerda inferior añadida afinada en La. Esto produjo ADGBE, una de las muchas variantes de afinación de la época. La cuerda Mi grave se añadió durante el siglo XVIII. [53]
Esta afinación es tal que las cuerdas vecinas están separadas como máximo por 5 semitonos. También hay una variedad de afinaciones alternativas de uso común . La más común se conoce como afinación Drop D , que tiene la sexta cuerda afinada de E a D.
Una guitarra con fondo abovedado de tamaño bastante pequeño en el grabado de Etienne Picart (c. 1680) según la pintura de Leonello Spada Concierto (c.1615), Museo del Louvre, París
... Según los registros históricos actuales, Gaetano Vinaccia y su hermano Gennaro fueron responsables de la creación de la primera guitarra de seis cuerdas alrededor de 1776 en Nápoles... Los historiadores modernos a menudo cuestionan la autenticidad de su guitarra sobreviviente. .
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