El jazz orquestal o jazz sinfónico es una forma de jazz que se desarrolló en la ciudad de Nueva York en la década de 1920. Los primeros innovadores del género, como Fletcher Henderson y Duke Ellington , incluyen a algunos de los músicos, compositores y arreglistas más respetados de toda la historia del jazz. [1] La fusión de las características rítmicas e instrumentales del jazz con la escala y la estructura de una orquesta, hizo que el jazz orquestal se distinguiera de los géneros musicales que precedieron a su surgimiento. Su desarrollo contribuyó tanto a la popularización del jazz como a la legitimación crítica del jazz como forma de arte.
El jazz orquestal se desarrolló a partir del jazz de Nueva Orleans . Los músicos afroamericanos que fueron pioneros del género antes de 1920 y que migraron de Nueva Orleans a Chicago y Nueva York a principios de la década de 1920 trajeron el jazz al norte; con el tiempo, el barrio afroamericano de Harlem se convirtió en el centro cultural del género. [2]
En Nueva York, las industrias del entretenimiento y las artes prosperaron y el jazz encontró un hogar adecuado, convirtiéndose en una parte importante del panorama cultural. Pero antes de la popularidad generalizada de las grandes bandas, que se desarrolló a la par de la creciente moda del baile , el jazz era considerado en general una variedad de música bastante cruda. No se escuchaba mucho por su valor artístico, como escribe el crítico musical Richard Hadlock:
Sin embargo, durante la década de 1920 surgió un movimiento que en parte se debió a la influencia musical de Paul Whiteman . Este movimiento condujo a la variedad más estilizada y formal del jazz que se convertiría en el jazz orquestal, imaginado por primera vez por Whiteman como jazz sinfónico .
Esta estilización del jazz tenía elementos de la composición clásica europea , junto con el sonido rítmico e instrumental del jazz de Nueva Orleans. El jazz orquestal se diferenciaba musicalmente de su predecesor sureño por diversas razones: no solo las bandas eran más grandes, lo que creaba una cierta riqueza de sonido, sino que también la música era estructuralmente más sofisticada. Mientras que el jazz de Nueva Orleans se caracterizaba por la improvisación colectiva y la reinterpretación espontánea de melodías estándar, las orquestas de jazz tocaban arreglos de cabeza que se componían y arreglaban antes de la interpretación en la que se ejecutaban. El estilo ajetreado y estridente del jazz temprano no tenía el mismo tipo de atractivo popular que la relativa moderación del jazz orquestal. En particular, la implementación del ritmo medido explicaba gran parte de su atractivo popular. El ritmo de dos tiempos que recordaba al jazz de Nueva Orleans fue reemplazado durante la transición a la era del swing por las innovaciones del bajo de Jimmy Blanton y Walter Page , a quienes se les atribuye el desarrollo de la línea de bajo móvil. Esto haría que cuatro tiempos por compás fuera un estándar del jazz; además, este ritmo era propicio para el tipo de público bailarín deseado. [2]
El auge de la instrumentación de las grandes bandas tuvo tanto que ver con las tendencias artísticas como con la viabilidad comercial. Durante la década de 1920, importantes avances tecnológicos transformaron la industria musical, lo que permitió un aumento del consumo masivo de música. Los fonógrafos y los discos se convirtieron en artículos domésticos habituales; un indicador de la amplia popularización de la música grabada es el hecho de que solo en 1927 se vendieron casi 100 millones de discos. [4] La música prearreglada tenía un atractivo comercial particular, ya que el público estaba familiarizado con las canciones que veía interpretadas en vivo a partir de las grabaciones que compraba. Además, la exposición a la innovación musical (y el jazz, en todas sus variedades, era ciertamente innovador) nunca antes había llegado a la misma amplitud del público estadounidense. Dada la disponibilidad comercial de la música (que, además de los discos, se vio favorecida por la proliferación de la radiodifusión), se creó así una plataforma que explicó la popularización del jazz. Pero el consumo masivo de jazz permitió simultáneamente al público una influencia inversa en su desarrollo, y las demandas de los consumidores dictaron que el jazz orquestal adoptara una estructura similar a la música popular tradicionalmente accesible.
El "Rey del Jazz" a principios de los años veinte fue Paul Whiteman , un músico de formación clásica de Denver . Antes de su etapa como director de banda de salón en el Palais Royal , en Nueva York, Whiteman tocó el violín tanto en la Orquesta Sinfónica de Denver como en la Orquesta Sinfónica de San Francisco . Su formación clásica influyó sustancialmente en la forma en que abordó la "Música Moderna"; la más famosa, la actuación de Whiteman en el Aeolian Hall en 1924, mostró la transformación que ayudó a iniciar. Concluyendo este notable espectáculo con la famosa composición de George Gershwin (y quizás el mejor ejemplo de jazz sinfónico) Rhapsody in Blue , la actuación de Whiteman a menudo se cita como el evento que significa la llegada del jazz de una música folk a una forma de arte. [5] El talento para el espectáculo y la innovación que exhibió Whiteman le valieron el apodo de "Rey del Jazz", aunque con este título hay una gran cantidad de controversia asociada. Como hombre blanco, la capitalización que Whiteman hizo de un género musical que es indiscutiblemente de origen afroamericano ha llevado a muchos críticos a cuestionar la autenticidad de sus actividades artísticas, e incluso a considerarlas explotadoras. A pesar de esto, muchos de los contemporáneos de Whiteman, tanto negros como blancos, lo elogiaron y, como muestra de su influencia, quisieron emular sus éxitos.
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Dos de los contemporáneos de Whiteman que hicieron, posiblemente, las contribuciones más significativas al desarrollo del jazz orquestal, fueron el dúo colaborativo de Fletcher Henderson y Don Redman . Aunque Henderson, pianista, nunca alcanzó la celebridad de muchos otros directores de orquesta de la época, sus colaboraciones con Redman tuvieron, no obstante, una enorme influencia en el desarrollo del jazz orquestal, y particularmente en su transición de los arreglos sinfónicos de Whiteman a la supremacía final de las big bands .
Los arreglos de Redman de piezas de jazz de Nueva Orleans y Chicago reinventaron el potencial musical del jazz, marcando el cambio de la improvisación colectiva y las melodías polifónicas del jazz a las composiciones homofónicas , mucho más consumibles, características del jazz orquestal. Otras técnicas estructurales, como la llamada y la respuesta, eran evidentes en los arreglos de Whiteman que precedieron a los de Redman; sin embargo, el uso que Redman hace de la llamada y la respuesta como estructura subyacente de sus composiciones de jazz se considera uno de sus logros más importantes. [6] Su uso de acordes arpegiados, punto seccional y contrapunto, cambios en la tonalidad y el ritmo, y su superposición de armonías complejas demuestran la comprensión matizada de Redman de la composición musical. [7]
Redman también tenía un sentido único de la estructura de la banda, cuyo legado aún persiste. Redman dividía la banda en cuatro secciones interactivas: instrumentos de viento ( saxofones y clarinetes ), trompetas , trombones y secciones rítmicas. Esta se convertiría en la estructura fundamental de las big bands, que normalmente constan de cuatro trompetas, cuatro trombones, cinco saxofones y una sección rítmica (piano, bajo, guitarra y batería). [2]
Las variaciones en la instrumentación también permitieron flexibilidad en la interpretación. Una tendencia importante que coincidió con el aumento de la disponibilidad de música fue la locura por el baile de los años veinte y treinta; las bandas más exitosas de la época fueron aquellas que se adaptaron al deseo de su público de bailar. [8] La banda de Henderson, por ejemplo, comenzó a tocar en el Roseland Ballroom a principios de los años veinte; su repertorio incluía no solo piezas de "hot jazz", sino también valses en deferencia a los deseos de los patrocinadores del Roseland. [4] La consideración de Henderson por su público apunta a la importancia del entretenimiento en la interpretación de la variedad de jazz que estaba invadiendo la ciudad de Nueva York (por cierto, no obstante, no se consideraba que Henderson poseyera el mismo calibre de talento para el espectáculo que otros intérpretes, como Duke Ellington, y algunos atribuyen su falta de talento para el espectáculo como la razón principal de las dificultades comerciales que sufrió). [7] La variedad en el repertorio de una banda significó la incorporación de estándares tanto de pop como de jazz en la mayoría de las presentaciones, lo que también permitió la fusión orgánica de los dos géneros por parte de quienes interpretaban ambos.
Pero mientras Whiteman continuó escribiendo e interpretando una gran cantidad de música popular (y lo hizo casi exclusivamente después de sufrir las presiones económicas del colapso de la Bolsa de Valores de 1929 ), otras grandes bandas, como la de Henderson, hicieron la transición a la era del swing.
A través de esta transición, Henderson y Redman tuvieron un enfoque de innovación musical bastante distinto al de Whiteman, un enfoque firmemente arraigado en la tradición del jazz. En concreto, el dúo utilizó la espontaneidad y el virtuosismo de la improvisación, tan integrales al jazz como género musical único. Aunque el propio publicista de Whiteman declaró que la época del solista de jazz había terminado, los arreglos de Redman mantuvieron un equilibrio entre los pasajes arreglados y la improvisación, y mostraron los mejores talentos musicales de la época. La banda de Henderson presentó una variedad de talentos virtuosos, incluidos, en varias ocasiones, algunos de los mejores solistas de jazz de todos los tiempos. Entre ellos se encontraban Louis Armstrong , Coleman Hawkins , Roy Eldridge , Benny Carter , Lester Young y Chu Berry , por nombrar solo algunos de los impresionantes compañeros de banda que reclutó Henderson. Después de que Henderson y Redman terminaran su formidable colaboración en 1927, Henderson finalmente comenzó, en 1931, a componer. Se familiarizó con los elementos de la composición transcribiendo viejos discos de jazz y musicalizándolos para una orquesta completa. [7]
A medida que el jazz y la música popular evolucionaron en conjunto, los géneros dejaron de ser esferas separadas y se vincularon más estrechamente con la popularización de la música swing . Las big bands marcaron el comienzo de la era del swing que comenzó a principios de los años treinta y significó la culminación del jazz comercial que estaba fuertemente orquestado. Esta variedad de jazz era mucho más digerible comercialmente que nunca, ya que estaba destinada a hacer bailar a sus oyentes.
Sin embargo, esta popularización del jazz no fue un fenómeno que lo debilitara o perjudicara. De hecho, las big bands de los años veinte y treinta proporcionaron los canales necesarios para la realización de los legados tanto de Whiteman como de Henderson. Esto probablemente se resume mejor en la carrera del compositor de jazz más prolífico, Duke Ellington . Ampliamente conocido por su prodigioso sentido musical, la carrera de compositor de Ellington comenzó a la edad de 14 años. Continuaría componiendo una enorme variedad de música, quedando plasmada en miles de grabaciones y actuando durante casi cinco décadas.
Las sutilezas de la composición de Ellington dan lugar a un arte musical que era a la vez reflexivo y complejo, así como escuchable y agradable. Las contribuciones de Ellington al jazz son innumerables y, sin embargo, como lo indica la fama que ganó a mediados de los años veinte, el género está en deuda con él por elevar el jazz orquestal a su cúspide. Ningún otro artista fue tan capaz como Ellington de utilizar elementos del jazz, aunque Henderson y Redman lo habían intentado, con tanta fluidez con una gran orquesta. Muchas de las composiciones de Ellington fueron escritas para miembros específicos de su banda, destacando sus talentos individuales y confiando en su aporte para cultivar su sonido. Su orquesta contaría con músicos como Johnny Hodges , Ben Webster , Jimmy Blanton, Juan Tizol , Cootie Williams , Harry Carney , [2] y también vería testimonio de una colaboración de casi treinta años con el compositor, arreglista y pianista Billy Strayhorn . [9] La carrera de Ellington, en última instancia, se cita comúnmente como la culminación de la era dorada del jazz, la llamada era del jazz y la era del swing .
La Count Basie Orchestra surgió en Kansas City, Missouri , tras la muerte de Bennie Moten y la difusión de su banda. Count Basie llegaría a Kansas City en 1927, actuando inicialmente con Walter Page y Moten. La orquesta de Basie contaría con muchos miembros destacados, entre ellos Lester Young , Joe Keyes , Oran "Hot Lips" Page , Buster Smith , Earle Warren y, más tarde, Illinois Jacquet , Paul Gonsalves y Lucky Thompson .
La orquesta también era conocida por su sección rítmica, que incluía a Basie al piano, Jo Jones a la batería, Walter Page al bajo y Freddie Green a la guitarra. La sección rítmica definiría el sonido de las grandes bandas modernas, siendo Jones uno de los primeros bateristas en cambiar el papel del ritmo del bombo al platillo hi-hat , [10] Page fue un innovador líder de la línea de bajo móvil y Green desarrolló el estilo de tocar la guitarra "Freddie Green", en el que los acordes se tocan de cuatro en cuatro, a menudo con un ligero silenciamiento. [2] [11]
La orquesta de Basie también era conocida por trabajar con arreglistas como Neal Hefti , Quincy Jones y Sammy Nestico . [2] [12]
Los cambios más marcados entre los estilos de jazz de Nueva Orleans y Chicago y el jazz orquestal incluyeron el paso de la polifonía a la homofonía, la expansión general de la instrumentación y un mayor énfasis en las composiciones preestablecidas en lugar de la improvisación colectiva. Antes de 1930, las big bands estaban compuestas por trompetas, trombones, saxofones o clarinetes y una sección rítmica formada por tuba, banjo, piano y batería. Las primeras big bands solían tocar canciones populares de 32 compases o blues de 12 compases, que se organizaban en torno al ritmo tradicional del jazz de dos tiempos; sin embargo, a medida que el género de las big bands evolucionó, el ritmo swing de cuatro tiempos se convirtió en su cambio más sustancial. Esto se debió en parte al cambio en la instrumentación de la sección rítmica y a la incorporación del contrabajo, así como a la sustitución del banjo por la guitarra. Finalmente, los arreglos musicales que organizaban la interpretación de un conjunto se basaban en un "enfoque de riff" que hacía uso de arreglos de cabeza. Los arreglos de cabeza emplean el llamado y la respuesta típicos de la música afroamericana; cada sección orquestal armoniza un cierto riff, respondiendo a las frases de las otras secciones. [6] Las piezas de jazz orquestal, por lo tanto, progresaron lógicamente a través de esta tensión, construida y liberada por la comunicación armónica de la interpretación en capas. [2]