La notación musical es cualquier sistema utilizado para representar visualmente música percibida auditivamente , tocada con instrumentos o cantada por la voz humana mediante el uso de símbolos, incluida la notación para periodos de ausencia de sonido como los silencios . El acto de descifrar o leer una pieza utilizando notación musical, se conoce como " lectura musical ".
Los tipos y métodos de notación han variado entre culturas y a lo largo de la historia, y mucha información sobre la notación musical antigua es fragmentaria. Incluso en el mismo período, como en la década de 2010, diferentes estilos de música y diferentes culturas utilizan diferentes métodos de notación musical; por ejemplo, para los intérpretes profesionales de música clásica , las partituras que utilizan pentagramas y cabezas de notas son la forma más común de anotar música, pero para los músicos profesionales de sesión de música country , el sistema numérico de Nashville es el método principal.
Los símbolos utilizados incluyen símbolos antiguos y símbolos modernos hechos en cualquier medio, como símbolos tallados en piedra, hechos en tabletas de arcilla , hechos con una pluma sobre papiro , pergamino o papel manuscrito ; impreso usando una imprenta ( c. 1400 ), una impresora de computadora ( c. 1980 ) u otra tecnología de impresión o copia moderna .
Aunque muchas culturas antiguas utilizaban símbolos para representar melodías y ritmos , ninguno de ellos era particularmente completo, lo que ha limitado la comprensión actual de su música. Las semillas de lo que eventualmente se convertiría en la notación occidental moderna se sembraron en la Europa medieval , comenzando con el objetivo de la Iglesia cristiana de lograr uniformidad eclesiástica. La iglesia comenzó a anotar melodías de canto llano para que los mismos cantos pudieran usarse en toda la iglesia. La notación musical se desarrolló aún más durante las épocas musicales del Renacimiento y el Barroco . En el período clásico (1750-1820) y la era de la música romántica (1820-1900), la notación continuó desarrollándose a medida que se desarrollaban nuevas tecnologías de instrumentos musicales . En la música clásica contemporánea de los siglos XX y XXI, la notación musical ha seguido desarrollándose, con la introducción de la notación gráfica por parte de algunos compositores modernos y el uso, desde la década de 1980, de programas informáticos de escritura de partituras para anotar música. La notación musical se ha adaptado a muchos tipos de música, incluida la música clásica , la música popular y la música tradicional .
La forma más antigua de notación musical se puede encontrar en una tablilla cuneiforme que fue creada en Nippur , en Babilonia (hoy Irak ), alrededor del año 1400 a.C. La tablilla representa instrucciones fragmentarias para interpretar música, que la música fue compuesta en armonías de terceras y que fue escrita usando una escala diatónica . [2] Una tablilla de aproximadamente 1250 a. C. muestra una forma de notación más desarrollada. [3] Aunque la interpretación del sistema de notación sigue siendo controvertida, está claro que la notación indica los nombres de las cuerdas de una lira , cuya afinación se describe en otras tablillas. [4] Aunque son fragmentarias, estas tablillas representan las primeras melodías escritas encontradas en cualquier parte del mundo. [5]
La notación musical griega antigua estuvo en uso desde al menos el siglo VI a. C. hasta aproximadamente el siglo IV d. C.; sólo sobreviven una composición completa ( epitafio de Seikilos ) y varios fragmentos que utilizan esta notación. La notación para la música cantada consta de símbolos de letras para los tonos, colocados encima de las sílabas del texto. El ritmo se indica sólo de forma rudimentaria, con símbolos largos y cortos. El epitafio de Seikilos ha sido datado de diversas formas entre el siglo II a. C. y el siglo II d. C.
Existen manuscritos tres himnos de Mesomedes de Creta . Los Himnos Délficos , que datan del siglo II a. C., también utilizan esta notación, pero no se conservan por completo. La notación griega antigua parece haber caído en desuso en la época de la decadencia del Imperio Romano Occidental .
La música bizantina alguna vez incluyó música para ceremonias de la corte, pero solo ha sobrevivido como música vocal de iglesia dentro de varias tradiciones ortodoxas de canto monódico ( monofónico ) escrito en notación redonda bizantina (ver el anastasimatarion de Macarie con el texto griego traducido al rumano y transliterado a escritura cirílica). . [6]
Desde el siglo VI, las categorías teóricas griegas ( melos , genos , harmonia , systema ) jugaron un papel clave para comprender y transmitir la música bizantina, especialmente la tradición de Damasco tuvo un fuerte impacto en el Cercano Oriente preislámico comparable al impacto proveniente de Música persa . La evidencia más temprana son fragmentos de papiro de tropología griega. Estos fragmentos simplemente presentan el texto del himno siguiendo una firma o clave modal (como " ΠΛ Α " para echos plagios protos o " Β " para echos devteros ).
A diferencia de la notación occidental, los neumas bizantinos utilizados desde el siglo X siempre estuvieron relacionados con pasos modales (mismo grado modal, un grado menor, dos grados mayor, etc.) en relación con dicha clave o clave modal ( firmas modales ). Originalmente esta clave o el incipit de una melodía común era suficiente para indicar un determinado modelo melódico dado dentro de los ecos . Junto a la notación ekfonética , utilizada únicamente en los leccionarios para indicar fórmulas utilizadas durante las lecciones de las Escrituras, la notación melódica se desarrolló no antes de los siglos IX y X, cuando se escribieron theta ( θ ), oxeia ( / ) o diple ( // ). bajo una determinada sílaba del texto, siempre que se esperara un melisma más largo. Esta forma primitiva se llamó "theta" o "notación diple".
Hoy en día, se puede estudiar la evolución de esta notación en los libros de cantos monásticos griegos como los del sticherarion y el heirmologion (la notación de Chartres se utilizó más bien en el Monte Athos y Constantinopla, la notación de Coislin dentro de los patriarcados de Jerusalén y Alejandría), mientras que había otra Notación gestual utilizada originalmente para el asmatikon (libro del coro) y el kontakarion (libro del solista o monophonaris) del rito de la catedral de Constantinopolita. Los primeros libros que han sobrevivido son los "kondakars" en traducción eslava que ya muestran un sistema de notación conocido como notación Kondakariana . [7] Al igual que el alfabeto griego, los signos de notación están ordenados de izquierda a derecha (aunque la dirección podría adaptarse como en ciertos manuscritos siríacos ). La cuestión del ritmo se basó enteramente en la quironomia (la interpretación de los llamados grandes signos que derivaban de diferentes libros de cantos). Estos grandes signos ( μεγάλα σῃμάδια ) indicaban frases melódicas bien conocidas dadas por gestos de los directores de coro del rito catedralicio. Existieron alguna vez como parte de una tradición oral, desarrollaron la notación kondakariana y, durante el siglo XIII, se integraron en la notación redonda bizantina como una especie de sistema de notación universal. [8]
Hoy en día, la principal diferencia entre los neumas occidentales y orientales es que los símbolos de notación oriental son "diferenciales" en lugar de absolutos, es decir, indican pasos de tono (ascendente, descendente o en el mismo paso), y los músicos saben deducirlos correctamente a partir de la partitura. y la nota que están cantando actualmente, a qué intervalo correcto se refiere. Estos símbolos de pasos en sí mismos, o mejor "neumas fónicos", se parecen a pinceladas y se llaman coloquialmente gántzoi ('ganchos') en griego moderno .
Las notas como clases de tono o claves modales (generalmente memorizadas mediante firmas modales) se representan en forma escrita sólo entre estos neumas (en manuscritos generalmente escritos con tinta roja). En notación moderna simplemente sirven como recordatorio opcional y se han agregado direcciones modales y de tempo, si es necesario. En la notación papada, las firmas mediales generalmente significaban un cambio temporal a otros ecos.
Los llamados "grandes signos" alguna vez estuvieron relacionados con los signos quiironómicos; según las interpretaciones modernas se entienden como adornos y atracciones microtonales (cambios de tono menores que un semitono ), ambos esenciales en el canto bizantino. [9]
Desde Chrysanthos de Madytos hay siete nombres de notas estándar utilizados para "solfège" ( parallagē ) pá, vú, g h á, d h i, ké, zō, nē , mientras que la práctica más antigua todavía usaba los cuatro enechemata o fórmulas de entonación del cuatro echoi dados por las firmas modales, el auténtico o kyrioi en sentido ascendente, y el plagal o plagioi en sentido descendente ( Papadic Octoechos ). [11] Con excepción de vú y zō , corresponden aproximadamente a sílabas de solmización occidentales como re, mi, fa, sol, la, si, do . La música bizantina utiliza las ocho escalas naturales, no templadas, cuyos elementos fueron identificados por Ēkhoi , "sonidos", exclusivamente, y por lo tanto el tono absoluto de cada nota puede variar ligeramente cada vez, dependiendo del Ēkhos particular utilizado. La notación bizantina todavía se utiliza en muchas iglesias ortodoxas. A veces los cantores también usan transcripciones en notación de pentagrama occidental o de Kiev mientras agregan material de adorno no notable de memoria y se "deslizan" en las escalas naturales de la experiencia, pero incluso en las ediciones modernas de neume desde la reforma de Chrysanthos, muchos detalles solo se conocen de una tradición oral relacionada con los maestros tradicionales y su experiencia.
En 1252, Safi al-Din al-Urmawi desarrolló una forma de notación musical, donde los ritmos se representaban mediante representaciones geométricas . Muchos estudiosos del ritmo posteriores han tratado de desarrollar notaciones geométricas gráficas. Por ejemplo, Kjell Gustafson publicó en 1987 un sistema geométrico similar, cuyo método representa un ritmo como un gráfico bidimensional. [12]
El erudito y teórico de la música Isidoro de Sevilla , mientras escribía a principios del siglo VII, consideraba que "a menos que los sonidos sean retenidos por la memoria del hombre, perecen, porque no pueden escribirse". [13] A mediados del siglo IX, sin embargo, una forma de notación neumática comenzó a desarrollarse en los monasterios de Europa como un dispositivo mnemotécnico para el canto gregoriano , utilizando símbolos conocidos como neumas ; La notación musical más antigua de este tipo que se conserva se encuentra en la Musica Disciplina de Aureliano de Réôme , aproximadamente en el año 850. Hay restos dispersos en la Península Ibérica antes de esta época, de un tipo de notación conocida como neumas visigóticas , pero sus pocos fragmentos supervivientes se han conservado. aún no ha sido descifrado. [14] El problema con esta notación era que solo mostraba contornos melódicos y, en consecuencia, la música no podía ser leída por alguien que no la conociera ya.
La notación se había desarrollado lo suficiente como para anotar la melodía, pero todavía no existía un sistema para anotar el ritmo. Un tratado de mediados del siglo XIII, De Mensurabili Musica , explica un conjunto de seis modos rítmicos que estaban en uso en ese momento, [15] aunque no está claro cómo se formaron. Estos modos rítmicos estaban todos en tiempo triple y un ritmo bastante limitado en el canto de seis patrones repetitivos diferentes. Este fue un defecto visto por el teórico musical alemán Franco de Colonia y resumido como parte de su tratado Ars Cantus Mensurabilis (el arte del canto medido o notación mensural ). Sugirió que las notas individuales podrían tener sus propios ritmos representados por la forma de la nota. No fue hasta el siglo XIV que surgió algo parecido al actual sistema de longitudes fijas de notas. [ cita necesaria ] El uso de medidas regulares (barras) se volvió común a finales del siglo XVII. [ cita necesaria ]
El fundador de lo que ahora se considera el pentagrama de música estándar fue Guido d'Arezzo , [16] un monje benedictino italiano que vivió aproximadamente desde 991 hasta después de 1033. Enseñó el uso de sílabas de solmización basándose en un himno a San Juan Bautista . que comienza con Ut Queant Laxis y fue escrito por el historiador lombardo Paul the Deacon . La primera estrofa es:
Guido usó la primera sílaba de cada línea, Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si, para leer música anotada en términos de hexacordos ; no eran nombres de notas y cada uno podía, según el contexto, aplicarse a cualquier nota. En el siglo XVII, Ut se cambió en la mayoría de los países, excepto en Francia, por la sílaba abierta y fácilmente cantable Do, que se cree que fue tomada del nombre del teórico italiano Giovanni Battista Do ni o de la palabra latina Do minus , que significa Señor. . [17]
Los monjes cristianos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial, [18] y para ella se ha compuesto una enorme cantidad de música religiosa a lo largo de los siglos. Esto condujo directamente al surgimiento y desarrollo de la música clásica europea y sus numerosos derivados. El estilo barroco , que abarcaba música, arte y arquitectura, fue particularmente alentado por la Iglesia católica posterior a la Reforma, ya que tales formas ofrecían un medio de expresión religiosa conmovedor y emotivo, destinado a estimular el fervor religioso. [19]
La notación musical moderna es utilizada por músicos de muchos géneros diferentes en todo el mundo. El pentagrama (o pentagrama, en inglés británico) consta de 5 líneas horizontales paralelas que actúan como un marco sobre el cual se indican los tonos colocando cabezas de notas ovaladas (es decir, cruzando) las líneas del pentagrama, entre las líneas (es decir, en los espacios). o encima y debajo del pentagrama utilizando pequeñas líneas adicionales llamadas líneas de libro mayor . La notación se lee de izquierda a derecha, lo que dificulta la configuración de música para guiones de derecha a izquierda. El tono de una nota está indicado por la posición vertical de la cabeza de la nota dentro del pentagrama y puede modificarse mediante alteraciones . La duración (longitud de la nota o valor de la nota ) se indica mediante la forma de la cabeza de la nota o con la adición de una plica de nota más haces o banderas. Un óvalo hueco sin plica es una nota entera o semibreve, un rectángulo hueco o un óvalo hueco sin plica con una o dos líneas verticales en ambos lados es una nota entera doble o breve. Un óvalo hueco con tallo es una media nota o mínima. Los óvalos sólidos siempre usan tallos y pueden indicar negras (entrepiernas) o, con vigas o banderas agregadas, subdivisiones más pequeñas. Los símbolos adicionales, como puntos y lazos, pueden alargar la duración de una nota.
Un pentagrama de música escrita generalmente comienza con una clave , que indica el rango de tono del pentagrama. La clave de sol o clave de sol era originalmente una letra G e identifica la segunda línea hacia arriba en el pentagrama de cinco líneas como la nota G sobre el do central. La clave de fa o clave de fa identifica la segunda línea hacia abajo como la nota fa debajo del do central. Si bien la clave de sol y de fa son las más utilizadas, otras claves, que identifican el do medio, se utilizan para algunos instrumentos, como la clave de alto (para viola y trombón alto ) y la clave de tenor (utilizada para algunos violonchelo , fagot , trombón tenor y contrabajo ). Algunos instrumentos utilizan principalmente una clave, como el violín y la flauta que utilizan la clave de sol , y el contrabajo y la tuba que utilizan la clave de fa . Algunos instrumentos, como el piano y el órgano de tubos , utilizan regularmente claves tanto de sol como de fa.
Después de la clave, la armadura es un grupo de 0 a 7 signos sostenidos ( ♯ ) o bemoles ( ♭ ) colocados en el pentagrama para indicar la clave de la pieza o canción especificando que ciertas notas son sostenidas o bemoles en toda la pieza. , a menos que se indique lo contrario con alteraciones agregadas antes de ciertas notas. Cuando se coloca un signo bemol ( ♭ ) antes de una nota, el tono de la nota se reduce en un semitono. De manera similar, un signo sostenido ( ♯ ) eleva el tono en un semitono. Por ejemplo, un sostenido en la nota D la elevaría a D♯ mientras que un bemol la bajaría a D♭ . Los dobles sostenidos y los dobles bemoles son menos comunes, pero se utilizan. Un doble sostenido se coloca antes de una nota para hacerla dos semitonos más alta, un doble bemol, dos semitonos más bajo. Un signo natural colocado antes de una nota representa esa nota en su forma "natural", lo que significa que cualquier sostenido o bemol aplicado a esa nota desde la armadura o una alteración se cancela. A veces se utiliza una alteración de cortesía en música donde no es técnicamente necesario, para recordarle al músico qué tono se requiere.
Después de la armadura está el tipo de compás . El tipo de compás normalmente consta de dos números, siendo uno de los más comunes4
4. El "4" superior indica que hay cuatro tiempos por compás (también llamado compás ). El "4" inferior indica que cada uno de esos tiempos son negras. Los compases dividen la pieza en grupos de tiempos y los tipos de compás especifican esos agrupamientos.4
4Se utiliza con tanta frecuencia que también se le llama " tiempo común ", y puede indicarse con
en lugar de números. Otras firmas de tiempo utilizadas con frecuencia son3
4(tres tiempos por compás, siendo cada tiempo una negra);2
4(dos tiempos por compás, siendo cada tiempo una negra);6
8(seis tiempos por compás, siendo cada tiempo una corchea) y12
8(doce tiempos por compás, siendo cada tiempo una corchea; en la práctica, las corcheas generalmente se colocan en cuatro grupos de tres corcheas.12
8es un tipo de compás compuesto ). Existen muchas otras firmas de compás, como3
8,5
8,5
4,7
4,9
8, etcétera.
Muchas piezas breves de música clásica de la época clásica y canciones de la música tradicional y popular están en un solo compás para gran parte o la totalidad de la pieza. La música de la era de la música romántica y posteriores, particularmente la música clásica contemporánea y los géneros de música rock como el rock progresivo y el subgénero del punk hardcore mathcore , pueden usar métrica mixta ; canciones o piezas cambian de un compás a otro, por ejemplo alternando entre compases de5
4y7
8.
Instrucciones para el intérprete sobre cuestiones como el tempo (p. ej., Allegro , Andante , Largo , Vif, Lent, Modérément , Presto , etc.), dinámica (pianississimo, pianissimo, piano, mezzopiano, mezzoforte, forte, fortissimo, fortississimo, etc. ) aparecen encima o debajo del pentagrama. Los términos que indican la expresión musical o "sensación" de una canción o pieza se indican al comienzo de la pieza y en cualquier punto donde cambia el estado de ánimo (por ejemplo, "Slow March", "Fast Swing", "Medium Blues", "Fougueux ", "Feierlich", "Gelassen", "Piacevole", "Con slancio", "Majestic", "Hostile", etc.) Para la música vocal, las letras se escriben cerca de los tonos de la melodía. Para pausas breves (respiraciones), se añaden repeticiones (las repeticiones se indican con una marca ').
En música para conjuntos , una " partitura " muestra música para todos los intérpretes juntos, con los pentagramas de los diferentes instrumentos y/o voces apilados verticalmente. El director utiliza la partitura mientras dirige una orquesta , banda de concierto , coro u otro conjunto grande. Los intérpretes individuales de un conjunto tocan a partir de "partes" que contienen sólo la música interpretada por un músico individual. Una partitura se puede construir a partir de un conjunto completo de partes y viceversa. El proceso era laborioso y consumía mucho tiempo cuando las partes se copiaban a mano de la partitura, pero desde el desarrollo del software informático de escritura de partituras en la década de 1980, una partitura almacenada electrónicamente puede tener partes preparadas automáticamente por el programa e impresas de forma rápida y económica utilizando una computadora. impresora.
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Jeongganbo es un sistema de notación musical tradicional creado durante la época de Sejong el Grande y fue el primer sistema de Asia Oriental en representar el ritmo, el tono y el tiempo. [20] [21] Entre varios tipos de música tradicional coreana, Jeong-gan-bo apunta a un género particular, Jeong-ak ( 정악, 正樂).
Jeong-gan-bo especifica el tono escribiendo el nombre del tono en un cuadro llamado "jeong-gan". Un jeong-gan tiene un tiempo cada uno y se puede dividir en dos, tres o más para contener medios tiempos, cuartos de tiempo y más.
Además, hay muchas marcas que indican cosas como adornos. La mayoría de ellos fueron creados posteriormente por Ki-su Kim.
El texto de Samaveda (1200 a. C. - 1000 a. C.) contiene melodías anotadas, y éstas son probablemente las más antiguas que se conservan en el mundo. [22] La notación musical se escribe generalmente inmediatamente encima, a veces dentro, de la línea del texto Samaveda, ya sea en forma silábica o numérica dependiendo de la Sakha (escuela) Samavedic. [23] El erudito y teórico musical indio Pingala (c. 200 a. C.), en su Chanda Sutra , utilizó marcas que indicaban sílabas largas y cortas para indicar metros en la poesía sánscrita.
Una inscripción rupestre de alrededor de los siglos VII-VIII d.C. en Kudumiyanmalai , Tamil Nadu, contiene un ejemplo temprano de notación musical. Fue identificado y publicado por primera vez por el arqueólogo y epigrafista DR Bhandarkar . [24] Escrito en escritura Pallava-grantha del siglo VII, contiene 38 líneas horizontales de anotaciones inscritas en una pared de roca rectangular (dimensión de alrededor de 13 por 14 pies). Cada línea de la notación contiene 64 caracteres (caracteres que representan notas musicales), escritos en grupos de cuatro notas. Los caracteres básicos de las siete notas, 'sa ri ga ma pa dha ni', tienen el sufijo de las vocales a, i, u, e. Por ejemplo, en lugar de 'sa', se utiliza cualquiera de 'sa', 'si', 'su' o 'se'. De manera similar, en lugar de ri, se utiliza cualquiera de 'ra', 'ri', 'ru' o 're'. Las líneas horizontales dividen la notación en 7 secciones. Cada sección contiene de 4 a 7 líneas de notación, con un título que indica su "modo" musical. Es posible que estos modos hayan sido populares al menos desde el siglo VI d.C. y se incorporaron al sistema indio 'raga' que se desarrolló más tarde. Pero los estudiosos han dado varias interpretaciones no concluyentes de algunas de las características inusuales vistas en esta notación. [25]
En la notación del rāga indio , se utiliza un sistema parecido a un solfeo llamado sargam . Como en el solfeo occidental, hay nombres para los siete tonos básicos de una escala mayor (Shadja, Rishabha, Gandhara, Madhyama, Panchama, Dhaivata y Nishada, generalmente abreviados como Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni). La tónica de cualquier escala se llama Sa, y la dominante Pa. Sa está fijada en cualquier escala y Pa está fijada en una quinta por encima de ella (una quinta pitagórica en lugar de una quinta de igual temperamento ). Estas dos notas se conocen como achala swar ('notas fijas').
Cada una de las otras cinco notas, Re, Ga, Ma, Dha y Ni, puede adoptar un tono "regular" (shuddha), que es equivalente a su tono en una escala mayor estándar (por lo tanto, shuddha Re, el segundo grado de la escala, es un tono entero más alto que Sa), o un tono alterado, ya sea medio tono por encima o medio tono por debajo del tono shuddha. Re, Ga, Dha y Ni tienen compañeros alterados que están medio paso más abajo (Komal- "plano") (por lo tanto, komal Re está medio paso más alto que Sa).
Ma tiene una pareja alterada que está medio tono más arriba ( teevra -"agudo") (por lo tanto, tivra Ma es una cuarta aumentada por encima de Sa). Re, Ga, Ma, Dha y Ni se denominan vikrut swar ('billetes móviles'). En el sistema escrito de notación india ideado por Ravi Shankar, los tonos están representados por letras occidentales. Las letras mayúsculas se utilizan para el achala swar y para la variedad superior de todos los vikrut swar. Las letras minúsculas se utilizan para la variedad inferior del vikrut swar.
Existen otros sistemas para el temperamento igual no dodecafónico y la música no occidental, como el indio Swaralipi .
Znamenny Chant es una tradición de canto utilizada en la Iglesia Ortodoxa Rusa que utiliza una notación de "gancho y pancarta". Znamenny Chant es un canto litúrgico melismático y al unísono que tiene su propia notación específica, llamada notación stolp . Los símbolos utilizados en la notación stolp se llaman kryuki (ruso: крюки , 'ganchos') o znamyona (ruso: знамёна , 'signos'). A menudo, los nombres de los signos se utilizan para referirse a la notación Stolp. Las melodías znamenny son parte de un sistema que consta de ocho modos (estructuras de entonación; llamadas glasy); las melodías se caracterizan por la fluidez y el equilibrio (Kholopov 2003, 192). Existen varios tipos de Znamenny Chant: el llamado Stolpovoy , Malyj (Pequeño) y Bolshoy (Grande) Znamenny Chant. El canto ruteno ( Prostopinije ) a veces se considera una subdivisión de la tradición del canto Znamenny, siendo el canto moscovita (el canto Znamenny propiamente dicho) la segunda rama del mismo continuo musical.
Los cánticos Znamenny no se escriben con notas (la llamada notación lineal), sino con signos especiales, llamados Znamëna (en ruso, "marcas", "banderas") o Kryuki ("ganchos"), ya que algunas formas de estos signos se parecen a los ganchos. . Cada signo puede incluir los siguientes componentes: un anzuelo negro grande o un trazo negro, varios 'puntos' y 'comas' negros más pequeños y líneas cerca del anzuelo o que cruzan el anzuelo. Algunos signos pueden significar sólo una nota, otros de 2 a 4 notas y otros una melodía completa de más de 10 notas con una estructura rítmica complicada. La notación stolp se desarrolló en la Rus de Kiev como un refinamiento eslavo oriental de la notación musical neumática bizantina .
La característica más notable de este sistema de notación es que registra transiciones de la melodía, en lugar de notas . Los signos también representan un estado de ánimo y una gradación de cómo se debe cantar esta parte de la melodía (tempo, fuerza, devoción, mansedumbre, etc.). Cada signo tiene su propio nombre y también se presenta como un símbolo espiritual. Por ejemplo, existe un signo específico, llamado "paloma" (ruso: голубчик (golubchik) ), que representa dos sonidos ascendentes, pero que también es símbolo del Espíritu Santo . Poco a poco el sistema se volvió cada vez más complicado. Este sistema también era ambiguo, de modo que casi nadie, excepto los cantantes más entrenados y educados, podía cantar una melodía desconocida a primera vista. Los signos sólo ayudaban a reproducir la melodía, no a codificarla de forma inequívoca. (Ver Imperio Bizantino)
Los primeros ejemplos conocidos de textos que se refieren a la música en China son inscripciones en instrumentos musicales encontrados en la tumba del marqués Yi de Zeng (muerto en 433 a. C.). Conjuntos de 41 chimestones y 65 campanas tenían largas inscripciones sobre tonos, escalas y transposición. Las campanas todavía suenan con los tonos a los que hacen referencia sus inscripciones. Aunque no se encontraron composiciones musicales escritas, las inscripciones indican que el sistema estaba lo suficientemente avanzado como para permitir la notación musical. Existían dos sistemas de nomenclatura de tono, uno para tono relativo y otro para tono absoluto. Para el tono relativo, se utilizó un sistema de solmización . [26]
La notación Gongche utilizó caracteres chinos para los nombres de la escala.
La música japonesa está muy diversificada y, por tanto, requiere varios sistemas de notación. En la música shakuhachi japonesa , por ejemplo, los glissandos y los timbres suelen ser más significativos que los tonos distintos, mientras que la notación taiko se centra en trazos discretos.
La música de Ryukyuan sanshin utiliza kunkunshi , un sistema de notación de kanji en el que cada carácter corresponde a la posición de un dedo en una cuerda en particular.
La notación juega un papel relativamente menor en las tradiciones orales de Indonesia . Sin embargo, en Java y Bali se idearon varios sistemas a partir de finales del siglo XIX, inicialmente con fines de archivo. Hoy en día, las más extendidas son las notaciones cifradas ("no angka" en el sentido más amplio) en las que los tonos se representan con algún subconjunto de los números del 1 al 7, correspondiendo 1 a la nota más alta de una octava particular, como en el gamelán sundanés . o más bajo, como en la notación kepatihan del gamelan javanés .
Las notas en los rangos fuera de la octava central se representan con uno o más puntos encima o debajo de cada número. En su mayor parte, estas notaciones cifradas se utilizan principalmente para anotar la melodía esquelética (el balungan ) y las partes vocales ( gerongan ), aunque las transcripciones de las variaciones de los instrumentos elaborados a veces se utilizan para el análisis y la enseñanza. Las partes de batería se anotan con un sistema de símbolos basado en gran medida en letras que representan los vocablos utilizados para aprender y recordar patrones de percusión; Estos símbolos suelen estar dispuestos en una cuadrícula debajo de la melodía esquelética de una pieza específica o genérica.
Los símbolos utilizados para la notación de batería (así como los vocablos representados) varían mucho de un lugar a otro y de un intérprete a otro. Además de estos sistemas actuales, dos notaciones más antiguas utilizaban una especie de pentagrama: la escritura solonesa podía capturar los ritmos flexibles del pesinden con un garabato sobre un pentagrama horizontal, mientras que en Yogyakarta un pentagrama vertical en forma de escalera permitía la notación del balungan por puntos y también incluyó importantes golpes de batería. En Bali, se han publicado algunos libros sobre piezas wayang de género gamelan , que emplean notación alfabética en la antigua escritura balinesa.
Compositores y eruditos tanto indonesios como extranjeros también han mapeado los sistemas de afinación slendro y pelog del gamelan en el pentagrama occidental, con y sin varios símbolos para microtonos . El compositor holandés Ton de Leeuw también inventó un pentagrama de tres líneas para su composición Gending . Sin embargo, estos sistemas no gozan de un uso generalizado.
En la segunda mitad del siglo XX, músicos y eruditos indonesios extendieron la notación cifrada a otras tradiciones orales, y una notación cifrada en escala diatónica se ha vuelto común para anotar géneros relacionados con Occidente (himnos religiosos, canciones populares, etc.). A diferencia de la notación cifrada de la música de gamelán, que utiliza un "Do fijo" (es decir, 1 siempre corresponde al mismo tono, dentro de la variabilidad natural de la afinación del gamelán), la notación cifrada diatónica de Indonesia es una notación de "Do móvil", por lo que las partituras debe indicar qué tono corresponde al número 1 (por ejemplo, "1=C").
![Una breve melodía en slendro escrita utilizando el método Surakarta.[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fc/Surakarta_gamelan_notation_slendro.png/1280px-Surakarta_gamelan_notation_slendro.png)
![Lo mismo anotado utilizando el método de Yogyakarta o 'notación a cuadros'.[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Yogyakarta_gamelan_notation_slendro.png/1280px-Yogyakarta_gamelan_notation_slendro.png)
![Lo mismo se aproxima utilizando la notación occidental.[27] Jugarⓘ](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/Western_gamelan_notation_slendro.png/1280px-Western_gamelan_notation_slendro.png){kind=small}
Los textos judíos antiguos incluyen una serie de marcas que asignan notas de cantilación musical. Conocidas en hebreo como Ta'amim y en yiddish como Trope, existen registros de estas marcas de los siglos VI y VII, que se transmitieron como una tradición para las oraciones y textos judíos. Tradicionalmente una serie de marcas escritas encima y alrededor de los textos hebreos que las acompañan, las marcas tropos representan un motivo musical breve. A lo largo de la diáspora judía hay variaciones en las melodías que las acompañan. Hay tres sistemas principales de cantilación hebrea: el sistema babilónico, el sistema palestino y el sistema tiberiano.
Los sistemas de notación cifrada que asignan números arábigos a los grados de escala mayor se han utilizado al menos desde las tablaturas de órgano ibérico del siglo XVI e incluyen adaptaciones tan exóticas como Siffernotskrift . El más utilizado hoy en día es el Jianpu chino , del que se habla en el artículo principal . Los números también se pueden asignar a diferentes sistemas de escala, como en la notación kepatihan javanesa descrita anteriormente.
Solfeo es una forma de asignar sílabas a nombres de la escala musical. En orden, están hoy: Do Re Mi Fa Sol La Ti Do ' (para la octava). La variación clásica es: Do Re Mi Fa Sol La Si Do ' . El primer sistema occidental de nombres funcionales para las notas musicales fue introducido por Guido de Arezzo (c. 991 - después de 1033), utilizando las sílabas iniciales de las primeras seis líneas musicales del himno latino Ut queant laxis . La secuencia original era Ut Re Mi Fa Sol La , donde cada verso comenzaba una nota de escala más alta. "Ut" más tarde se convirtió en "Do". Las sílabas equivalentes utilizadas en la música india son: Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni . Véanse también: solfeo , sargam , signos con las manos de Kodály .
Tonic sol-fa es un tipo de notación que utiliza las letras iniciales del solfeo.
Las notas de la escala de 12 tonos se pueden escribir con los nombres de sus letras A–G, posiblemente con una alteración final , como A ♯ o B ♭ .
La tablatura se utilizó por primera vez en la Edad Media para la música de órgano y más tarde en el Renacimiento para la música de laúd . [28] En la mayoría de las tablaturas de laúd, se utiliza un pentagrama, pero en lugar de valores de tono, las líneas del pentagrama representan las cuerdas del instrumento. Los trastes a dedos están escritos en cada línea, indicados con letras o números. El ritmo se escribe por separado con una u otra variación de los valores de notas estándar que indican la duración de la parte que se mueve más rápido. Pocos parecen haber notado el hecho de que la tablatura combina en un sistema de notación tanto los requisitos físicos como técnicos de la interpretación (las líneas y símbolos en ellos y en relación entre sí que representan las acciones reales de la interpretación) con el desarrollo de la música misma ( las líneas de la tablatura tomadas horizontalmente representan el desarrollo temporal real de la música). En períodos posteriores, la música para laúd y guitarra se escribía con notación estándar. La tablatura volvió a despertar interés a finales del siglo XX por la música popular de guitarra y otros instrumentos con trastes, siendo fácil de transcribir y compartir a través de Internet en formato ASCII .
Klavarskribo (a veces abreviado como klavar ) es un sistema de notación musical introducido en 1931 por el holandés Cornelis Pot. El nombre significa "escritura de teclado" en esperanto . Se diferencia de la notación musical convencional en varios aspectos y pretende ser fácilmente legible. Muchos lectores de klavar son de los Países Bajos.
Algunos sistemas cromáticos se han creado aprovechando la disposición de teclas blancas y negras del teclado de piano estándar. El "pentagrama" se conoce más comúnmente como " piano roll ", y se crea extendiendo las teclas del piano en blanco y negro.
Durante los últimos tres siglos, se han propuesto cientos de sistemas de notación musical como alternativas a la notación musical occidental tradicional. Muchos de estos sistemas buscan mejorar la notación tradicional mediante el uso de un "pentagrama cromático" en el que cada una de las 12 clases de tono tiene su propio lugar único en el pentagrama. Un ejemplo es la notación musical Dodeka de Jacques-Daniel Rochat . [29] [30] Estos sistemas de notación no requieren el uso de armaduras de clave estándar, alteraciones o signos de clave. También representan relaciones de intervalos de manera más consistente y precisa que la notación tradicional; por ejemplo, las terceras mayores aparecen más anchas que las terceras menores. Muchos de estos sistemas se describen e ilustran en el "Libro fuente de reformas propuestas de notación musical" de Gardner Read.
El término "notación gráfica" se refiere al uso contemporáneo de símbolos y textos no tradicionales para transmitir información sobre la interpretación de una pieza musical. Compositores como Johanna Beyer . Christian Wolff , Carmen Barradas , Earle Brown , Yoko Ono , Anthony Braxton , John Cage , Morton Feldman , Cathy Berberian , Graciela Castillo , Krzysztof Penderecki , Cornelius Cardew , Pauline Oliveros y Roger Reynolds se encuentran entre la primera generación de practicantes. El libro Notaciones , de John Cage y Alison Knowles , es otro ejemplo de este tipo de notación.
La notación musical simplificada es una forma alternativa de notación musical diseñada para facilitar la lectura a primera vista . Se basa en la notación de pentagrama clásica , pero incorpora sostenidos y bemoles en la forma de las cabezas de las notas. Las notas como los dobles sostenidos y los dobles bemoles se escriben en el tono en el que realmente se tocan, pero están precedidas por símbolos llamados signos históricos que muestran que han sido transpuestos .
La notación en pentagrama modificada (MSN) es una forma alternativa de notar música para personas que no pueden leer fácilmente la notación musical ordinaria, incluso si está ampliada.
El código Parsons se utiliza para codificar música de modo que se pueda buscar fácilmente.
La música braille es un sistema de notación musical completo, bien desarrollado y aceptado internacionalmente que tiene símbolos y convenciones de notación bastante independientes de la notación musical impresa. Es de naturaleza lineal, similar a un lenguaje impreso y diferente de la naturaleza bidimensional de la notación musical impresa estándar. Hasta cierto punto, la música braille se parece a los lenguajes de marcado musical [31] como MusicXML [32] o NIFF .
En notación entera , o modelo entero de tono, todas las clases de tono y los intervalos entre clases de tono se designan utilizando los números del 0 al 11.
La forma estándar de notación de rap es el "diagrama de flujo", donde los raperos alinean sus letras debajo de "números de ritmo". [33] Los estudiosos del hip-hop también utilizan los mismos diagramas de flujo que usan los raperos: los libros How to Rap y How to Rap 2 utilizan ampliamente los diagramas para explicar los trillizos, flams, silencios, esquemas de rima, corridas de rima y romper patrones de rima, entre otras técnicas. [34] Los musicólogos Adam Krims utilizan sistemas similares en su libro Rap Music and the Poetics of Identity [35] y Kyle Adams en su trabajo sobre el flujo del rap. [36] Como el rap generalmente gira en torno a un fuerte tiempo de 4/4, [37] con ciertas sílabas alineadas al tiempo, todos los sistemas de notación tienen una estructura similar: todos tienen cuatro números de tiempo en la parte superior del diagrama, de modo que Las sílabas se pueden escribir en línea con el ritmo. [37]
La notación ABC es un formato compacto que utiliza caracteres de texto sin formato, legible por computadoras y humanos. Actualmente se transcriben más de 100.000 melodías en este formato. [38]
Se utiliza para instrumentos de viento de madera de seis agujeros, básicamente para canciones populares irlandesas. Las pestañas de silbato de hojalata son particularmente útiles para quienes no están familiarizados con la notación de partituras.
El bloque Unicode Símbolos musicales codifica un extenso sistema de notación musical formal.
El bloque Símbolos varios tiene algunos de los símbolos más comunes:
El bloque Símbolos varios y pictografías tiene tres emoji que pueden incluir representaciones de notas musicales:
Se han desarrollado varios programas informáticos para crear notación musical (llamados escritores de partituras o software de notación musical ). La música también se puede almacenar en varios formatos de archivos digitales para fines distintos a la salida de notación gráfica.
Según Philip Tagg y Richard Middleton , la musicología y, hasta cierto punto, la práctica musical de influencia europea adolecen de una "centralidad notacional", una metodología sesgada por las características de la notación. [39] [40] Una variedad de compositores de los siglos XX y XXI han abordado este problema, ya sea adaptando la notación musical occidental estándar o utilizando notación gráfica. [ se necesita aclaración ] Estos incluyen a George Crumb , Luciano Berio , Krzystof Penderecki , Earl Brown , John Cage , Witold Lutoslawski y otros. [41] [42]
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