El teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogo hablado , actuación y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo , amor, ira) se comunican a través de palabras, música, movimiento y aspectos técnicos del entretenimiento como un todo integrado. Aunque el teatro musical se superpone con otras formas teatrales como la ópera y la danza, se puede distinguir por la importancia que se le da a la música en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos. Desde principios del siglo XX, las obras de teatro musical generalmente se han llamado, simplemente, musicales .
Aunque la música ha formado parte de las representaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical occidental moderno surgió durante el siglo XIX, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de ópera ligera de Jacques Offenbach en Francia, Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las obras de Harrigan y Hart en Estados Unidos. A estas les siguieron las comedias musicales eduardianas , que surgieron en Gran Bretaña, y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a principios del siglo XX. Los musicales del Princess Theatre (1915-1918) fueron pasos artísticos más allá de las revistas y otros entretenimientos espumosos de principios del siglo XX y dieron lugar a obras innovadoras como Show Boat (1927), Of Thee I Sing (1931) y Oklahoma! (1943). Algunos de los musicales más famosos de las décadas siguientes incluyen My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Los Miserables (1985), El fantasma de la ópera (1986), Rent (1996), Wicked (2003) y Hamilton (2015).
Los musicales se representan en todo el mundo. Pueden presentarse en grandes salas, como producciones de gran presupuesto de Broadway o West End en la ciudad de Nueva York o Londres. Alternativamente, los musicales pueden presentarse en salas más pequeñas, como teatros fuera de Broadway , teatros regionales , teatros alternativos o producciones de teatro comunitario , o en giras . Los musicales suelen ser presentados por grupos escolares y amateurs en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. Además de Estados Unidos y Gran Bretaña, existen escenas vibrantes de teatro musical en Europa continental, Asia, Australasia, Canadá y América Latina.
Desde el siglo XX, el "libro musical" se define como una obra musical donde las canciones y los bailes están completamente integrados en una historia bien hecha con objetivos dramáticos serios y que es capaz de evocar emociones genuinas distintas de la risa. [2] [3] Los tres componentes principales de un libro musical son su música , letra y libro . El libro o guion de un musical se refiere a la historia, el desarrollo de los personajes y la estructura dramática, incluyendo el diálogo hablado y las direcciones de escena, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, que a veces se denominan libreto ( del italiano "pequeño libro"). La música y la letra juntas forman la partitura de un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son "secuencias teatrales puestas en música, a menudo combinando canción con diálogo hablado". [4] La interpretación de un musical es responsabilidad de su equipo creativo, que incluye un director, un director musical, normalmente un coreógrafo y a veces un orquestador . La producción de un musical también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos, como el diseño de la escenografía , el vestuario , los accesorios escénicos , la iluminación y el sonido . El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones generalmente cambian de la producción original a las producciones posteriores. Sin embargo, algunos elementos de producción pueden conservarse de la producción original, por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago .
No existe una duración fija para un musical. Si bien puede variar desde un espectáculo breve de un solo acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales tienen una duración de una hora y media a tres horas. Los musicales suelen presentarse en dos actos, con un breve intermedio , y el primer acto suele ser más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayor parte de la música y, a menudo, termina con la introducción de un conflicto dramático o una complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede presentar algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto o la complicación. Un musical de libro generalmente se construye alrededor de cuatro a seis melodías temáticas principales que se repiten más adelante en el espectáculo, aunque a veces consiste en una serie de canciones que no están relacionadas musicalmente de manera directa. El diálogo hablado generalmente se intercala entre los números musicales, aunque se puede utilizar un "diálogo cantado" o recitativo , especialmente en los llamados musicales " cantados " como Jesucristo Superstar , Falsettos , Los miserables , Evita y Hamilton . En el siglo XXI, varios musicales más cortos se han presentado en un solo acto en Broadway y en el West End.
Los momentos de mayor intensidad dramática en un musical de libro se suelen representar en forma de canción. Según el proverbio, "cuando la emoción se vuelve demasiado fuerte para el habla, se canta; cuando se vuelve demasiado fuerte para la canción, se baila". [5] En un musical de libro, una canción se elabora de forma ideal para adaptarse al personaje (o personajes) y su situación dentro de la historia; aunque ha habido momentos en la historia del musical (por ejemplo, desde la década de 1890 hasta la de 1920) en los que esta integración entre la música y la historia ha sido tenue. Como describió el crítico del New York Times Ben Brantley el ideal de la canción en el teatro al reseñar la reposición de Gypsy en 2008 : "No hay separación alguna entre la canción y el personaje, que es lo que sucede en esos momentos poco comunes en los que los musicales se esfuerzan por alcanzar sus razones ideales de ser". [6] Por lo general, se cantan muchas menos palabras en una canción de cinco minutos que en un bloque de diálogo de cinco minutos. Por lo tanto, en un musical se dedica menos tiempo a desarrollar el drama que en una obra de teatro de duración equivalente, ya que en un musical se suele dedicar más tiempo a la música que al diálogo. En el marco de la naturaleza compacta de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.
El material presentado en un musical puede ser original, o puede ser una adaptación de novelas ( Wicked y El hombre de La Mancha ), obras de teatro ( Hello, Dolly! y Carousel ), leyendas clásicas ( Camelot ), acontecimientos históricos ( Evita y Hamilton ) o películas ( Los productores y Billy Elliot ). Por otro lado, muchas obras de teatro musical de éxito han sido adaptadas para películas musicales , como West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver! y Chicago .
El teatro musical está estrechamente relacionado con la forma teatral de la ópera, pero los dos suelen distinguirse sopesando una serie de factores. En primer lugar, los musicales suelen centrarse más en el diálogo hablado. [7] Sin embargo, algunos musicales están totalmente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como La flauta mágica y la mayoría de las operetas , tienen algún diálogo sin acompañamiento. [7] En segundo lugar, los musicales suelen incluir más baile como parte esencial de la narración, en particular por parte de los intérpretes principales y del coro. En tercer lugar, los musicales suelen utilizar varios géneros de música popular o al menos cantos y estilos musicales populares. [8]
Por último, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se representa en el idioma de su público. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, se cantan invariablemente en inglés, incluso si fueron escritos originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es principalmente un cantante y sólo secundariamente un actor (y rara vez necesita bailar), un intérprete de teatro musical a menudo es un actor primero, pero también debe ser cantante y bailarín. A alguien que es igualmente hábil en las tres cosas se lo conoce como una "triple amenaza". Los compositores de música para musicales a menudo tienen en cuenta las demandas vocales de los papeles teniendo en cuenta a los intérpretes de teatro musical. Hoy en día, los grandes teatros que presentan musicales generalmente utilizan micrófonos y amplificación de las voces de los actores de una manera que generalmente sería desaprobada en un contexto operístico. [9]
Algunas obras, incluidas las de George Gershwin , Leonard Bernstein y Stephen Sondheim , se han convertido en producciones tanto de teatro musical como de ópera. [10] [11] De manera similar, algunas operetas antiguas u óperas ligeras (como Los piratas de Penzance de Gilbert y Sullivan ) se han producido en adaptaciones modernas que las tratan como musicales. Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra para definir en qué forma de arte cae la pieza. [12] Sondheim dijo: "Realmente creo que cuando algo se representa en Broadway es un musical, y cuando se representa en un teatro de ópera es ópera. Eso es todo. Es el terreno, el campo, las expectativas de la audiencia lo que lo hace una cosa u otra". [13] Sigue habiendo una superposición en la forma entre las formas operísticas más ligeras y los musicales musicalmente más complejos o ambiciosos. En la práctica, a menudo resulta difícil distinguir entre los distintos tipos de teatro musical, entre los que se incluyen la «obra musical», la «comedia musical», la «opereta» y la «ópera ligera». [14]
Al igual que la ópera, el canto en el teatro musical suele ir acompañado de un conjunto instrumental llamado orquesta de foso , situada en una zona rebajada delante del escenario. Mientras que la ópera suele utilizar una orquesta sinfónica convencional , los musicales suelen estar orquestados por conjuntos que van desde 27 intérpretes hasta sólo unos pocos . Los musicales de rock suelen emplear un pequeño grupo de instrumentos, en su mayoría de rock, [15] y algunos musicales pueden requerir sólo un piano o dos instrumentos. [16] La música de los musicales utiliza una gama de "estilos e influencias que incluyen opereta , técnicas clásicas, música folclórica , jazz [y] estilos locales o históricos [que] son apropiados para el entorno". [4] Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que "entreteje extractos de las famosas melodías de la partitura". [17]
Existen varias tradiciones orientales de teatro que incluyen música, como la ópera china , la ópera taiwanesa , el Noh japonés y el teatro musical indio , incluido el drama sánscrito , la danza clásica india , el teatro parsi y el Yakshagana . [18] La India ha producido, desde el siglo XX, numerosas películas musicales, conocidas como musicales de " Bollywood ", y en Japón se ha desarrollado en las últimas décadas una serie de musicales en 2.5D basados en cómics populares de anime y manga .
Existen versiones "junior" más cortas o simplificadas de muchos musicales para escuelas y grupos de jóvenes, y obras muy cortas creadas o adaptadas para ser interpretadas por niños a veces se denominan minimusicales . [19] [20]
Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia , donde la música y la danza se incluyeron en comedias y tragedias teatrales durante el siglo V a. C. [21] [22] Sin embargo, la música de las formas antiguas se ha perdido y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. [23] En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaban la liturgia . Grupos de actores usaban carros de desfile al aire libre (escenarios sobre ruedas) para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas a veces se alternaban con los diálogos en prosa, y los cantos litúrgicos dieron paso a nuevas melodías. [24]
El Renacimiento europeo vio cómo formas más antiguas evolucionaban hacia dos antecedentes del teatro musical: la commedia dell'arte , donde payasos estridentes improvisaban historias familiares, y más tarde, la ópera buffa . En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobinas incluían con frecuencia música, [25] y comenzaron a incluirse obras musicales breves en los entretenimientos dramáticos de las tardes. [26] Las mascaradas de la corte se desarrollaron durante el período Tudor que involucraban música, baile, canto y actuación, a menudo con vestuario costoso y un diseño escénico complejo . [27] [28] Estas se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, la primera de las cuales generalmente se considera El asedio de Rodas (1656). [29] Mientras tanto, en Francia, Molière convirtió varias de sus comedias farses en entretenimientos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully ) y danza a fines del siglo XVII. Estas influenciaron un breve período de la ópera inglesa [30] de compositores como John Blow [31] y Henry Purcell . [29]
A partir del siglo XVIII, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron las óperas baladas , como The Beggar's Opera de John Gay , que incluían letras escritas con las melodías de canciones populares de la época (a menudo parodiando la ópera), y más tarde la pantomima , que se desarrolló a partir de la commedia dell'arte, y la ópera cómica con tramas principalmente románticas, como The Bohemian Girl (1845) de Michael Balfe . Mientras tanto, en el continente, estaban surgiendo el singspiel , la comédie en vodevil , la opéra comique , la zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero. The Beggar's Opera fue la primera obra de larga duración registrada de cualquier tipo, con 62 representaciones sucesivas en 1728. Pasaría casi un siglo antes de que alguna obra superara las 100 representaciones, [32] pero el récord pronto llegó a 150 a fines de la década de 1820. [33] [34] Otras formas de teatro musical se desarrollaron en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall , el melodrama y la burletta , que se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo para ser music halls y no se les permitía presentar obras sin música.
La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias dirigidas por su hermano Lewis . [35] En Nueva York, en el verano de 1753, representaron óperas-baladas, como The Beggar's Opera , y baladas-farsas. [35] En la década de 1840, PT Barnum operaba un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. [36] Otro teatro musical temprano en América consistía en formas británicas, como la burleta y la pantomima, [23] pero el nombre de una pieza no definía necesariamente lo que era. La extravagancia de Broadway de 1852 The Magic Deer se publicitó como "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment". [37] El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad al centro de la ciudad a partir de 1850 aproximadamente y no llegó al área de Times Square hasta los años 1920 y 1930. Las funciones en Nueva York quedaron muy por detrás de las de Londres, pero la "burletta musical" de Laura Keene , Seven Sisters (1860), rompió el récord anterior de teatro musical de Nueva York, con una serie de 253 funciones. [38]
Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llamó opérette . [39] Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach desde la década de 1850 hasta la de 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. [23] Las melodías fértiles de Offenbach, combinadas con la sátira ingeniosa de sus libretistas, formaron un modelo para el teatro musical que siguió. [39] Las adaptaciones de las operetas francesas (interpretadas en traducciones en su mayoría malas y atrevidas), los burlescos musicales , el music hall, la pantomima y la burletta dominaron el escenario musical de Londres hasta la década de 1870. [40]
En Estados Unidos, los espectáculos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluían la cruda revista de variedades , que finalmente se convirtió en vodevil , los espectáculos de juglares , que pronto cruzaron el Atlántico hacia Gran Bretaña, y el burlesque victoriano, popularizado por primera vez en los EE. UU. por las compañías británicas. [23] Un entretenimiento musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook , combinó danza y algo de música original que ayudó a contar la historia. La espectacular producción, famosa por sus escasos vestuarios, tuvo un récord de 474 funciones. [41] El mismo año, The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer espectáculo en llamarse a sí mismo una "comedia musical". En 1874, Evangeline or The Belle of Arcadia , de Edward E. Rice y J. Cheever Goodwin , basada libremente en Evangeline de Longfellow , con una historia y música estadounidenses originales, se estrenó con éxito en Nueva York y fue revivida en Boston, Nueva York y en repetidas giras. [42] Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1885. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones sacadas de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York. Protagonizaban cantantes de alta calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ) en lugar de las damas de dudosa reputación que habían protagonizado formas musicales anteriores. En 1879, The Brook de Nate Salsbury fue otro éxito nacional con estilos de danza estadounidenses contemporáneos y una historia estadounidense sobre "miembros de una compañía de actores que emprenden un viaje por un río... con muchos obstáculos y contratiempos en el camino". [42]
A medida que mejoraba el transporte, disminuía la pobreza en Londres y Nueva York y el alumbrado público hacía más seguro el transporte nocturno, el número de espectadores de los teatros, cada vez más numerosos, aumentó enormemente. Las obras se representaban durante más tiempo, lo que conducía a mayores beneficios y a una mejora de los valores de producción, y los hombres empezaron a llevar a sus familias al teatro. La primera pieza de teatro musical que superó las quinientas representaciones consecutivas fue la opereta francesa Las campanadas de Normandía en 1878 (705 representaciones). [33] [43] La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas de éxito de la opereta europea, ninguna con más éxito que la serie de más de una docena de óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , que se mantuvieron en cartel durante mucho tiempo , entre ellas HMS Pinafore (1878) y El Mikado (1885). [39] Estas obras causaron sensación en ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el nivel de lo que se consideraba un espectáculo de éxito. [44] Estos espectáculos fueron diseñados para el público familiar, un marcado contraste con los burlescos atrevidos, los espectáculos obscenos de music hall y las operetas francesas que a veces atraían a una multitud que buscaba un entretenimiento menos saludable. [40] Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la duración de El Mikado , como Dorothy , que se estrenó en 1886 y estableció un nuevo récord con una duración de 931 representaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" musicales para que las letras y el diálogo avanzaran una historia coherente. [45] [46] Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña [47] [48] y Estados Unidos. [44] [49]
A Trip to Chinatown (1891) fue la obra que más tiempo estuvo en cartel en Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 funciones, pero las funciones en Nueva York siguieron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las funciones en Londres, hasta la década de 1920. [33] Gilbert y Sullivan fueron ampliamente pirateadas y también fueron imitadas en Nueva York por producciones como Robin Hood (1891)de Reginald De Koven y El Capitán (1896)de John Philip Sousa . A Trip to Chinatown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares ), seguida de espectáculos con tintes de ragtime . En la década de 1890 y principios del siglo XX se representaron cientos de comedias musicales en Broadway, compuestas por canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York , incluidas las de George M. Cohan , que trabajó para crear un estilo estadounidense distinto de las obras de Gilbert y Sullivan. Los espectáculos neoyorquinos más exitosos solían ir seguidos de extensas giras nacionales. [50]
Mientras tanto, los musicales se apoderaron de los escenarios londinenses en los años noventa , liderados por el productor George Edwardes , quien percibió que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas de estilo Savoy y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical moderno y familiar, con canciones populares despreocupadas, bromas románticas y animadas y un espectáculo elegante en el Gaiety y sus otros teatros. Estos se basaron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos del burlesque y de las piezas de Harrigan y Hart. Reemplazó a las mujeres obscenas del burlesque con su "respetable" cuerpo de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito de la primera de ellas, In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893) estableció el estilo para las siguientes tres décadas. Los argumentos eran generalmente espectáculos ligeros y románticos del tipo "una pobre doncella ama a un aristócrata y lo conquista contra todo pronóstico", con música de Ivan Caryll , Sidney Jones y Lionel Monckton . Estos espectáculos fueron inmediatamente copiados ampliamente en Estados Unidos, y la comedia musical eduardiana barrió con las formas musicales anteriores de la ópera cómica y la opereta. La geisha (1896) fue una de las más exitosas en la década de 1890, se representó durante más de dos años y alcanzó un gran éxito internacional.
La Bella de Nueva York (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense que se representó durante más de un año en Londres. La comedia musical británica Florodora (1899) fue un éxito popular en ambos lados del Atlántico, al igual que Una luna de miel china (1901), que tuvo un récord de 1074 representaciones en Londres y 376 en Nueva York. [34] Después del cambio de siglo XX, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de espectáculos populares. Otros éxitos duraderos de la comedia musical eduardina fueron The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910). [51]
Prácticamente eliminadas de los escenarios de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con La viuda alegre , y las adaptaciones de operetas continentales se convirtieron en competidores directos de los musicales. Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial. [52] En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas perdurables, entre ellas La adivina (1898), Babes in Toyland (1903), Mademoiselle Modiste (1905), El molino rojo (1906) y Marietta traviesa (1910).
En la década de 1910, el equipo de PG Wodehouse , Guy Bolton y Jerome Kern , siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan , creó los " espectáculos del Teatro Princess " y allanó el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podía combinar entretenimiento ligero y popular con continuidad entre su historia y canciones. [45] El historiador Gerald Bordman escribió:
Estos espectáculos construyeron y pulieron el molde a partir del cual evolucionaron casi todas las comedias musicales importantes posteriores... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles y el humor provenía de las situaciones o la naturaleza de los personajes. Las melodías exquisitamente fluidas de Kern se emplearon para promover la acción o desarrollar la caracterización... La comedia musical [eduardiana] a menudo era culpable de insertar canciones de manera impredecible. Los musicales del Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el letrista más observador, culto e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se siente hasta el día de hoy. [53]
El público teatral necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial , y acudió en masa al teatro. El exitoso musical de 1919 Irene tuvo 670 funciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta 1938. [54] El público teatral británico apoyó funciones mucho más largas como la de La doncella de las montañas (1352 funciones) y especialmente Chu Chin Chow . Su duración de 2238 funciones fue más del doble de larga que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años. [55] Incluso una reposición de La ópera del mendigo mantuvo el escenario durante 1463 funciones. [56] Revistas como The Bing Boys Are Here en Gran Bretaña, y las de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos, también fueron extraordinariamente populares. [37]
Los musicales de los locos años veinte , que tomaban elementos del vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar grandes rutinas de baile y canciones populares a expensas de la trama. Típicas de la década fueron producciones desenfadadas como Sally ; Lady, Be Good ; No, No, Nanette ; Oh, Kay!; y Funny Face . A pesar de las historias olvidables, estos musicales presentaban estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares perdurables de Kern, George e Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porter y Rodgers y Hart . La música popular estaba dominada por estándares de teatro musical, como " Fascinating Rhythm ", " Tea for Two " y " Someone to Watch Over Me ". Muchos espectáculos eran revistas , series de sketches y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Las más conocidas de ellas fueron las Ziegfeld Follies , espectaculares revistas anuales de canto y baile en Broadway que presentaban decorados extravagantes, vestuario elaborado y hermosas coristas. [23] Estos espectáculos también elevaron los valores de producción y, en general, montar un musical se volvió más caro. [37] Shuffle Along (1921), un espectáculo totalmente afroamericano, fue un éxito en Broadway. [57] Una nueva generación de compositores de operetas también surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg , para crear una serie de éxitos populares en Broadway. [58]
En Londres, los autores-estrellas como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, cuando Kern y otros compositores de Tin Pan Alley comenzaron a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz a los teatros, y los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway. El escritor de teatro musical Andrew Lamb señala: "Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más adecuado a la sociedad del siglo XX y su idioma vernáculo. Fue de América de donde surgió el estilo más directo, y en América donde pudo florecer en una sociedad en desarrollo menos limitada por la tradición del siglo XIX". [59] En Francia, la comédie musicale se escribió entre 1930 y 1940 para estrellas como Yvonne Printemps . [60]
El Show Boat (1927) de Broadway, que iba mucho más allá de los musicales relativamente frívolos y las operetas sentimentales de la década, representó una integración aún más completa de libreto y partitura que los musicales del Princess Theatre, con temas dramáticos contados a través de la música, el diálogo, el escenario y el movimiento. Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el hábil libreto de Oscar Hammerstein II . Un historiador escribió: "Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical, a diferencia de la comedia musical. Ahora... todo lo demás estaba subordinado a esa obra. Ahora... llegó la integración completa de la canción, el humor y los números de producción en una entidad artística única e inextricable". [61]
Cuando la Gran Depresión se instaló durante la gira nacional posterior a Broadway de Show Boat , el público volvió a un entretenimiento de canto y baile principalmente ligero y escapista. [53] El público de ambos lados del Atlántico tenía poco dinero para gastar en entretenimiento, y solo unos pocos espectáculos teatrales en cualquier lugar superaron una serie de 500 funciones durante la década. La revista The Band Wagon (1931) protagonizó a los compañeros de baile Fred Astaire y su hermana Adele , mientras que Anything Goes (1934) de Porter confirmó la posición de Ethel Merman como la Primera Dama del teatro musical, un título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron presentando musicales anticuados y sentimentales, como The Dancing Years , mientras que Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos en Broadway, entre ellos On Your Toes (1936, con Ray Bolger , el primer musical de Broadway en hacer un uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y The Boys from Syracuse (1938). Porter agregó Du Barry Was a Lady (1939). La pieza de teatro musical de mayor duración de la década de 1930 en los EE. UU. fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que tuvo 1404 funciones, estableciendo un nuevo récord en Broadway. [54] En Gran Bretaña, Me and My Girl tuvo 1646 funciones. [56]
Aun así, algunos equipos creativos comenzaron a desarrollar las innovaciones de Show Boat . Of Thee I Sing (1931), una sátira política de los Gershwin, fue el primer musical galardonado con el Premio Pulitzer . [23] [62] As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o sketch se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway en el que una afroamericana, Ethel Waters , protagonizó junto a actores blancos. Los números de Waters incluyeron " Supper Time ", el lamento de una mujer por su marido que ha sido linchado. [63] Porgy and Bess (1935) de los Gershwin contó con un elenco totalmente afroamericano y mezcló modismos operísticos, folclóricos y de jazz. The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles , fue una pieza pro- sindical altamente política que, a pesar de la controversia que la rodeó, tuvo 108 representaciones. [37] I'd Rather Be Right (1937) de Rodgers y Hart fue una sátira política con George M. Cohan como el presidente Franklin D. Roosevelt , y Knickerbocker Holiday de Kurt Weill describió la historia temprana de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba con buen humor las buenas intenciones de Roosevelt.
El cine supuso un reto para el teatro. Las películas mudas habían presentado una competencia limitada, pero a finales de la década de 1920, películas como El cantante de jazz podían presentarse con sonido sincronizado. Las películas habladas a bajo precio acabaron con el vodevil a principios de la década de 1930. [64] A pesar de los problemas económicos de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, continuó evolucionando temáticamente más allá de los musicales de gags y coristas de los alegres noventa y los locos años veinte y el romance sentimental de la opereta, añadiendo experiencia técnica y el estilo de puesta en escena de ritmo rápido y diálogo naturalista liderado por el director George Abbott . [23]
La década de 1940 comenzó con más éxitos de Porter, Irving Berlin , Rodgers y Hart, Weill y Gershwin, algunos con más de 500 funciones en cartel a medida que la economía se recuperaba, pero el cambio artístico estaba en el aire. ¡ Oklahoma! (1943) de Rodgers y Hammerstein completó la revolución iniciada por Show Boat , al integrar estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con una trama cohesiva, canciones que promovían la acción de la historia y presentaban ballets de ensueño y otras danzas que avanzaban la trama y desarrollaban los personajes, en lugar de usar la danza como excusa para desfilar mujeres escasamente vestidas por el escenario. [3] Rodgers y Hammerstein contrataron a la coreógrafa de ballet Agnes de Mille , quien usó movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus ideas. Desafió las convenciones musicales al levantar el telón del primer acto no para un grupo de coristas, sino para una mujer batiendo mantequilla, con una voz fuera del escenario cantando las primeras líneas de Oh, What a Beautiful Mornin' sin acompañamiento. Recibió excelentes críticas, desató un frenesí de taquilla y recibió un premio Pulitzer . [65] Brooks Atkinson escribió en The New York Times que el número de apertura del espectáculo cambió la historia del teatro musical: "Después de un verso como ese, cantado con una melodía alegre, las banalidades del viejo escenario musical se volvieron intolerables". [66] Fue el primer espectáculo "de gran éxito" de Broadway, con un total de 2212 representaciones, y se convirtió en una película de éxito. Sigue siendo uno de los proyectos del equipo que se produce con más frecuencia. William A. Everett y Paul R. Laird escribieron que este fue un "espectáculo que, como Show Boat , se convirtió en un hito, de modo que los historiadores posteriores que escribieron sobre momentos importantes en el teatro del siglo XX comenzarían a identificar eras según su relación con Oklahoma ". [67]
"Después de Oklahoma!, Rodgers y Hammerstein fueron los más importantes contribuidores a la forma de obra musical... Los ejemplos que dieron al crear obras vitales, a menudo ricas en pensamiento social, proporcionaron el estímulo necesario para que otros escritores talentosos crearan sus propias obras musicales". [61] Los dos colaboradores crearon una extraordinaria colección de algunos de los clásicos más queridos y duraderos del teatro musical, incluyendo Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) y The Sound of Music (1959). Algunos de estos musicales tratan temas más serios que la mayoría de los espectáculos anteriores: el villano en Oklahoma! es un presunto asesino y psicópata; Carousel trata sobre el abuso conyugal, el robo, el suicidio y la otra vida; South Pacific explora el mestizaje incluso más a fondo que Show Boat ; el héroe de The King and I muere en el escenario; y el telón de fondo de The Sound of Music es la anexión de Austria por la Alemania nazi en 1938 .
La creatividad del espectáculo estimuló a los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein y marcó el comienzo de la "Edad de Oro" del teatro musical estadounidense. [66] Americana se exhibió en Broadway durante la "Edad de Oro", cuando comenzó a llegar el ciclo de espectáculos en tiempos de guerra. Un ejemplo de esto es On the Town (1944), escrita por Betty Comden y Adolph Green , compuesta por Leonard Bernstein y coreografiada por Jerome Robbins . La historia se desarrolla en tiempos de guerra y trata sobre tres marineros que están en un permiso de 24 horas en tierra en la ciudad de Nueva York, durante el cual cada uno se enamora. El espectáculo también da la impresión de un país con un futuro incierto, como también lo tienen los marineros y sus mujeres. Irving Berlin usó la carrera de la francotiradora Annie Oakley como base para su Annie Get Your Gun (1946, 1147 funciones); Burton Lane , EY Harburg y Fred Saidy combinaron la sátira política con la extravagancia irlandesa para su fantasía Finian's Rainbow (1947, 725 representaciones); y Cole Porter encontró inspiración en La fierecilla domada de William Shakespeare para Kiss Me, Kate (1948, 1.077 representaciones). Los musicales estadounidenses abrumaron a los anticuados espectáculos británicos al estilo Coward/Novello, uno de cuyos últimos grandes éxitos fue Perchance to Dream de Novello (1945, 1.021 representaciones). [56] La fórmula para los musicales de la Edad de Oro reflejaba una o más de cuatro percepciones ampliamente aceptadas del "sueño americano": que la estabilidad y el valor derivan de una relación amorosa sancionada y restringida por los ideales protestantes del matrimonio; que una pareja casada debe formar un hogar moral con hijos lejos de la ciudad en un suburbio o pueblo pequeño; que la función de la mujer era la de ama de casa y madre; y que los estadounidenses tienen un espíritu independiente y pionero o que su éxito es fruto de su propia iniciativa. [68]
La década de 1950 fue crucial para el desarrollo del musical estadounidense. [69] Los personajes eclécticos de Damon Runyon fueron el núcleo de Guys and Dolls de Frank Loesser y Abe Burrows (1950, 1200 representaciones); y la Fiebre del oro fue el escenario de Paint Your Wagon (1951) de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe . La relativamente breve duración de siete meses de ese espectáculo no disuadió a Lerner y Loewe de colaborar nuevamente, esta vez en My Fair Lady (1956), una adaptación de Pygmalion de George Bernard Shaw protagonizada por Rex Harrison y Julie Andrews , que con 2717 representaciones mantuvo el récord de larga duración durante muchos años. Se hicieron películas populares de Hollywood de todos estos musicales. Dos éxitos de los creadores británicos en esta década fueron The Boy Friend (1954), que tuvo 2.078 funciones en Londres y marcó el debut estadounidense de Andrews, y Salad Days (1954), que rompió el récord británico de larga duración con una duración de 2.283 funciones. [56] [55]
Otro récord lo estableció The Threepenny Opera , que tuvo 2707 representaciones, convirtiéndose en el musical off-Broadway de más larga duración hasta The Fantasticks . La producción también fue pionera al demostrar que los musicales podían ser rentables off-Broadway en un formato de pequeña escala y pequeña orquesta. Esto se confirmó en 1959 cuando una reposición de Leave It to Jane de Jerome Kern y PG Wodehouse se representó durante más de dos años. La temporada off-Broadway de 1959-1960 incluyó una docena de musicales y revistas, entre ellas Little Mary Sunshine , The Fantasticks y Ernest in Love , una adaptación musical del éxito de 1895 de Oscar Wilde La importancia de llamarse Ernesto . [70]
West Side Story (1957) transportó a Romeo y Julieta a la ciudad de Nueva York actual y convirtió a las familias enfrentadas de los Montesco y los Capuleto en pandillas étnicas opuestas, los Jets y los Tiburones. El libro fue adaptado por Arthur Laurents , con música de Leonard Bernstein y letras del recién llegado Stephen Sondheim . Fue elogiado por los críticos por sus innovaciones en música y coreografía [71] [72] pero tuvo menos éxito comercial que The Music Man del mismo año, escrita y compuesta por Meredith Willson , que ganó el premio Tony al mejor musical ese año. [73] West Side Story obtendría una adaptación cinematográfica en 1961, que resultó exitosa tanto crítica como comercialmente. [74] [75] Laurents y Sondheim volvieron a trabajar juntos para Gypsy (1959), con Jule Styne proporcionando la música para una historia sobre Rose Thompson Hovick , la madre de la stripper titular Gypsy Rose Lee .
Aunque los directores y coreógrafos han tenido una gran influencia en el estilo del teatro musical desde al menos el siglo XIX, [76] George Abbott y sus colaboradores y sucesores asumieron un papel central en la integración total del movimiento y la danza en las producciones de teatro musical en la Edad de Oro. [77] Abbott introdujo el ballet como un dispositivo narrativo en On Your Toes en 1936, al que siguió el ballet y la coreografía de Agnes de Mille en Oklahoma!. [ 78] Después de que Abbott colaborara con Jerome Robbins en On the Town y otros espectáculos, Robbins combinó los roles de director y coreógrafo, enfatizando el poder narrativo de la danza en West Side Story , A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962) y Fiddler on the Roof (1964). Bob Fosse coreografió para Abbott The Pajama Game (1956) y Damn Yankees (1957), inyectando sexualidad lúdica a esos éxitos. Más tarde fue el director y coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) y Chicago (1975). Otros directores y coreógrafos notables han sido Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne y Susan Stroman . Entre los directores destacados se encuentran Hal Prince , que también comenzó con Abbott, [77] y Trevor Nunn . [79]
Durante la Edad de Oro, las compañías automotrices y otras grandes corporaciones comenzaron a contratar talentos de Broadway para escribir musicales corporativos , espectáculos privados que solo veían sus empleados o clientes. [80] [81] La década de 1950 terminó con el último éxito de Rodgers y Hammerstein , The Sound of Music , que también se convirtió en otro éxito para Mary Martin. Se representó durante 1443 funciones y compartió el premio Tony al mejor musical. Junto con su versión cinematográfica de 1965, extremadamente exitosa , se ha convertido en uno de los musicales más populares de la historia.
En 1960, The Fantasticks se produjo por primera vez fuera de Broadway. Este espectáculo alegórico íntimo se representaría silenciosamente durante más de 40 años en el Sullivan Street Theatre en Greenwich Village , convirtiéndose con diferencia en el musical de mayor duración de la historia. Sus autores produjeron otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! I Do!, el primer musical de Broadway de dos personajes. La década de 1960 vería una serie de éxitos de taquilla, como Fiddler on the Roof (1964; 3.242 representaciones), Hello, Dolly! (1964; 2.844 representaciones), Funny Girl (1964; 1.348 representaciones) y Man of La Mancha (1965; 2.328 representaciones), y algunas piezas más atrevidas como Cabaret , antes de terminar con la aparición del musical de rock . En Gran Bretaña, Oliver! (1960) tuvo 2.618 representaciones, pero el campeón de la década durante mucho tiempo fue The Black and White Minstrel Show (1962), que tuvo 4.344 representaciones. [56] Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la historia del teatro musical a partir de esta década: Stephen Sondheim y Jerry Herman .
El primer proyecto para el que Sondheim escribió tanto música como letras fue A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 representaciones), con un libreto basado en las obras de Plauto de Burt Shevelove y Larry Gelbart , protagonizado por Zero Mostel . Sondheim llevó el musical más allá de su concentración en las tramas románticas típicas de épocas anteriores; su trabajo tendía a ser más oscuro, explorando los lados más ásperos de la vida tanto presente como pasada. Otros trabajos tempranos de Sondheim incluyen Anyone Can Whistle (1964, que solo tuvo nueve representaciones, a pesar de tener como estrellas a Lee Remick y Angela Lansbury ), y las exitosas Company (1970), Follies (1971) y A Little Night Music (1973). Más tarde, Sondheim encontró inspiración en fuentes improbables: la apertura de Japón al comercio occidental para Pacific Overtures (1976), un legendario barbero asesino que busca venganza en la era industrial de Londres para Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat para Sunday in the Park with George (1984), los cuentos de hadas para Into the Woods (1987) y una colección de asesinos presidenciales en Assassins (1990).
Mientras que algunos críticos han argumentado que algunos de los musicales de Sondheim carecen de atractivo comercial, otros han elogiado su sofisticación lírica y complejidad musical, así como la interacción de letras y música en sus espectáculos. Algunas de las innovaciones notables de Sondheim incluyen un espectáculo presentado al revés ( Merrily We Roll Along ) y el mencionado anteriormente Anyone Can Whistle , en el que el primer acto termina con el elenco informando al público de que están locos.
Jerry Herman desempeñó un papel importante en el teatro musical estadounidense, comenzando con su primera producción en Broadway, Milk and Honey (1961, 563 representaciones), sobre la fundación del estado de Israel, y continuando con los éxitos de taquilla Hello, Dolly! (1964, 2.844 representaciones), Mame (1966, 1.508 representaciones) y La Cage aux Folles (1983, 1.761 representaciones). Incluso sus espectáculos menos exitosos, como Dear World (1969) y Mack and Mabel (1974), han tenido partituras memorables ( Mack and Mabel fue posteriormente reelaborada para convertirse en un éxito londinense). Herman compuso tanto letra como música y muchas de sus melodías se convirtieron en clásicos populares, entre ellas « Hello, Dolly! », «We Need a Little Christmas», «I Am What I Am», «Mame», «The Best of Times», «Before the Parade Passes By», «Put On Your Sunday Clothes», «It Only Takes a Moment», «Bosom Buddies» y «I Won't Send Roses», grabadas por artistas como Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark y Bernadette Peters. El cancionero de Herman ha sido el tema de dos revistas musicales populares, Jerry's Girls (Broadway, 1985) y Showtune (off-Broadway, 2003).
El musical comenzó a divergir de los confines relativamente estrechos de la década de 1950. La música rock se usaría en varios musicales de Broadway, comenzando con Hair , que presentaba no solo música rock sino también desnudez y opiniones controvertidas sobre la guerra de Vietnam , las relaciones raciales y otros problemas sociales. [82]
Después de Show Boat y Porgy and Bess , y a medida que avanzaba la lucha en Estados Unidos y en otros lugares por los derechos civiles de las minorías, Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg y otros se animaron a escribir más musicales y óperas que apuntaban a normalizar la tolerancia social de las minorías e instaron a la armonía racial. Las primeras obras de la Edad de Oro que se centraron en la tolerancia racial incluyeron Finian's Rainbow y South Pacific . Hacia el final de la Edad de Oro, varios espectáculos abordaron temas y cuestiones judías, como Fiddler on the Roof , Milk and Honey , Blitz! y más tarde Rags . El concepto original que se convirtió en West Side Story se ambientaba en el Lower East Side durante las celebraciones de Pascua; las bandas rivales iban a ser judías y católicas italianas . El equipo creativo decidió más tarde que el conflicto polaco (blanco) contra puertorriqueño era más fresco. [83]
La tolerancia como tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A finales de la década de 1960, los musicales se integraron racialmente, con miembros del elenco blancos y negros incluso cubriendo los papeles de los demás, como lo hicieron en Hair . [84] La homosexualidad también se ha explorado en musicales, comenzando con Hair , e incluso más abiertamente en La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch y otros espectáculos en las últimas décadas. Parade es una exploración sensible tanto del antisemitismo como del racismo estadounidense histórico, y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en Estados Unidos.
Después del éxito de Hair , los musicales de rock florecieron en la década de 1970, con Jesucristo Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita y Two Gentlemen of Verona . Algunos de ellos comenzaron como " álbumes conceptuales " que luego se adaptaron al escenario, sobre todo Jesucristo Superstar y Evita . Otros no tenían diálogos o recordaban a la ópera, con temas dramáticos y emocionales; estos a veces comenzaron como álbumes conceptuales y se los conocía como óperas rock . Espectáculos como Raisin , Dreamgirls , Purlie y The Wiz trajeron una importante influencia afroamericana a Broadway. Se incorporaron géneros y estilos musicales más variados a los musicales tanto dentro como fuera de Broadway. Al mismo tiempo, Stephen Sondheim tuvo éxito con algunos de sus musicales, como se mencionó anteriormente.
En 1975, el musical de baile A Chorus Line surgió de sesiones de terapia grupal grabadas que Michael Bennett dirigió con "gitanos" (aquellos que cantan y bailan en apoyo de los actores principales) de la comunidad de Broadway. A partir de cientos de horas de cintas, James Kirkwood Jr. y Nick Dante crearon un libro sobre una audición para un musical, incorporando muchas historias de la vida real de las sesiones; algunos de los que asistieron a las sesiones eventualmente interpretaron variaciones de ellos mismos o de los demás en el espectáculo. Con música de Marvin Hamlisch y letras de Edward Kleban , A Chorus Line se estrenó por primera vez en el Public Theater de Joseph Papp en el bajo Manhattan. Lo que inicialmente se había planeado como un compromiso limitado finalmente se trasladó al Teatro Shubert en Broadway [85] para una serie de 6137 funciones, convirtiéndose en la producción de más larga duración en la historia de Broadway hasta ese momento. El espectáculo arrasó en los Premios Tony y ganó el Premio Pulitzer , y su exitosa canción, What I Did for Love , se convirtió en un estándar. [86]
El público de Broadway recibió con agrado los musicales que variaban del estilo y la sustancia de la edad de oro. John Kander y Fred Ebb exploraron el ascenso del nazismo en Alemania en Cabaret , y el asesinato y los medios de comunicación en Chicago , la época de la Prohibición , que dependía de las antiguas técnicas del vodevil . Pippin , de Stephen Schwartz , se ambientaba en los días de Carlomagno . La película autobiográfica de Federico Fellini, 8½, se convirtió en Nine, de Maury Yeston . A finales de la década, Evita y Sweeney Todd fueron los precursores de los musicales más oscuros y de gran presupuesto de los años 80 que dependían de historias dramáticas, bandas sonoras arrolladoras y efectos espectaculares. Al mismo tiempo, los valores anticuados todavía se adoptaron en éxitos como Annie , 42nd Street , My One and Only y las reposiciones populares de No, No, Nanette e Irene . Aunque se realizaron muchas versiones cinematográficas de musicales en la década de 1970, pocas fueron éxitos de crítica o de taquilla, con las notables excepciones de El violinista en el tejado , Cabaret y Grease . [87]
La década de 1980 vio la influencia de los " megamusicales " europeos en Broadway, en el West End y en otros lugares. Estos suelen presentar una banda sonora con influencia pop, grandes elencos y escenarios espectaculares y efectos especiales - una lámpara de araña que cae (en El fantasma de la ópera ); un helicóptero que aterriza en el escenario (en Miss Saigon ) - y grandes presupuestos. Algunos estaban basados en novelas u otras obras literarias. El equipo británico del compositor Andrew Lloyd Webber y el productor Cameron Mackintosh comenzó el fenómeno megamusical con su musical de 1981 Cats , basado en los poemas de TS Eliot , que superó a A Chorus Line para convertirse en el espectáculo de Broadway de más larga duración. Lloyd Webber siguió con Starlight Express (1984), interpretada en patines; El fantasma de la ópera (1986; también con Mackintosh), derivada de la novela del mismo nombre ; y Sunset Boulevard (1993), de la película de 1950 del mismo nombre . Phantom superaría a Cats para convertirse en el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway, un récord que aún mantiene. [88] [89] El equipo francés de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil escribió Los miserables , basado en la novela del mismo nombre , cuya producción londinense de 1985 fue producida por Mackintosh y se convirtió, y sigue siendo, el musical de mayor duración en la historia del West End y Broadway . El equipo produjo otro éxito con Miss Saigon (1989), que se inspiró en la ópera de Puccini Madama Butterfly . [88] [89]
Los enormes presupuestos de los megamusicales redefinieron las expectativas de éxito financiero en Broadway y en el West End. En años anteriores, era posible que un espectáculo fuera considerado un éxito después de una serie de cientos de funciones, pero con costos de producción multimillonarios, un espectáculo debe mantenerse en cartel durante años simplemente para generar ganancias. Los megamusicales también se reprodujeron en producciones en todo el mundo, multiplicando su potencial de ganancias y ampliando la audiencia global del teatro musical. [89]
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En la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales, entre ellos Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa , que comenzaron con producciones fuera de Broadway. El éxito más notable de estos artistas fue el espectáculo Rent (1996) de Jonathan Larson , un musical de rock (basado en la ópera La bohème ) sobre una comunidad de artistas en dificultades en Manhattan. Mientras que el costo de las entradas para los musicales de Broadway y West End estaba aumentando más allá del presupuesto de muchos aficionados al teatro, Rent se comercializó para aumentar la popularidad de los musicales entre un público más joven. Contó con un elenco joven y una banda sonora fuertemente influenciada por el rock; el musical se convirtió en un éxito. Sus jóvenes fanáticos, muchos de ellos estudiantes, que se autodenominaban RENTheads], acamparon en el Teatro Nederlander con la esperanza de ganar la lotería por entradas de primera fila de $ 20, y algunos vieron el espectáculo docenas de veces. Otros espectáculos de Broadway siguieron el ejemplo de Rent ofreciendo entradas con grandes descuentos para el mismo día de la función o para entradas de pie, aunque a menudo los descuentos se ofrecen solo a estudiantes. [90]
La década de 1990 también vio la influencia de las grandes corporaciones en la producción de musicales. La más importante ha sido Disney Theatrical Productions , que comenzó a adaptar algunos de los musicales de películas animadas de Disney para el teatro, comenzando con La bella y la bestia (1994), El rey león (1997) y Aida (2000), los dos últimos con música de Elton John . El rey león es el musical más taquillero en la historia de Broadway. [91] Tommy (1993) de The Who, una adaptación teatral de la ópera rock Tommy , logró una racha saludable de 899 funciones, pero fue criticada por higienizar la historia y "teatro-izar" la música rock. [92]
A pesar del creciente número de musicales a gran escala en las décadas de 1980 y 1990, una serie de musicales de menor presupuesto y menor escala lograron encontrar éxito crítico y financiero, como Falsettoland , Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical y Blood Brothers , que tuvo 10.013 representaciones. [93] Los temas de estas piezas varían ampliamente y la música va del rock al pop, pero a menudo se producen fuera de Broadway o para teatros más pequeños de Londres, y algunas de estas puestas en escena han sido consideradas imaginativas e innovadoras. [94]
En el nuevo siglo, productores e inversores han adoptado la familiaridad, ansiosos por garantizar que recuperarán sus considerables inversiones. Algunos se arriesgaron (por lo general con presupuestos modestos) con material nuevo y creativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Next to Normal (2009), American Idiot (2010) y The Book of Mormon (2011). Hamilton (2015) transformó la "historia estadounidense poco dramatizada" en un éxito inusual con influencias del hip-hop. [95] En 2011, Sondheim sostuvo que, de todas las formas de "música pop contemporánea", el rap era "la más cercana al teatro musical tradicional" y era "un camino hacia el futuro". [96]
Sin embargo, la mayoría de las producciones del siglo XXI en los principales mercados han tomado una ruta segura, con reposiciones de obras conocidas, como El violinista en el tejado , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story y Grease , o con adaptaciones de otro material probado, como la literatura ( La Pimpinela Escarlata , Wicked y Fun Home ), con la esperanza de que los programas tuvieran una audiencia incorporada como resultado. Esta tendencia es especialmente persistente con las adaptaciones cinematográficas, incluidas Los productores , Spamalot , Hairspray , Legally Blonde , El color púrpura , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Waitress y El día de la marmota . [97] Algunos críticos han argumentado que la reutilización de tramas cinematográficas, especialmente las de Disney (como Mary Poppins y La sirenita ), equipara el musical de Broadway y el West End a una atracción turística, en lugar de una salida creativa. [37]
Hoy en día, es menos probable que un único productor, como David Merrick o Cameron Mackintosh , respalde una producción. Los patrocinadores corporativos dominan Broadway y, a menudo, se forman alianzas para poner en escena musicales, que requieren una inversión de 10 millones de dólares o más. En 2002, los créditos de Thoroughly Modern Millie enumeraban diez productores, y entre esos nombres había entidades compuestas por varias personas. [98] Por lo general, los teatros regionales y fuera de Broadway tienden a producir musicales más pequeños y, por lo tanto, menos costosos, y el desarrollo de nuevos musicales se ha producido cada vez más fuera de Nueva York y Londres o en lugares más pequeños. Por ejemplo, Spring Awakening , Fun Home y Hamilton se desarrollaron fuera de Broadway antes de lanzarse en Broadway.
Varios musicales volvieron al formato de espectáculo que tuvo tanto éxito en la década de 1980, recordando las extravagancias que se han presentado en ocasiones, a lo largo de la historia del teatro, desde que los antiguos romanos escenificaron batallas navales simuladas. Los ejemplos incluyen las adaptaciones musicales de El señor de los anillos (2007), Lo que el viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). Estos musicales involucraron a compositores con poca experiencia teatral, y las costosas producciones generalmente perdieron dinero. Por el contrario, The Drowsy Chaperone , Avenue Q , The 25th Annual Putnam County Spelling Bee , Xanadu y Fun Home , entre otros, se han presentado en producciones de menor escala, en su mayoría ininterrumpidas por un intermedio, con tiempos de ejecución cortos y disfrutaron de un éxito financiero. En 2013, la revista Time informó que una tendencia fuera de Broadway ha sido el teatro "inmersivo", citando espectáculos como Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) y Here Lies Love (2013) en los que la puesta en escena tiene lugar alrededor y dentro de la audiencia. [99] Los espectáculos establecieron un récord conjunto, cada uno recibió 11 nominaciones a los Premios Lucille Lortel , [100] y presentan partituras contemporáneas. [101] [102]
En 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora femenina en ganar el premio Tony a la mejor banda sonora sin un colaborador masculino" por escribir la música y la letra de Kinky Boots . En 2015, por primera vez, un equipo de compositoras compuesto exclusivamente por mujeres , Lisa Kron y Jeanine Tesori , ganó el premio Tony a la mejor banda sonora original (y al mejor libreto para Kron) por Fun Home , [103] aunque se siguen produciendo obras de compositores masculinos con mayor frecuencia. [104]
Otra tendencia ha sido la de crear una trama mínima para que se ajuste a una colección de canciones que ya han sido éxitos. Tras el éxito anterior de Buddy – The Buddy Holly Story , se han incluido Movin' Out (2002, basada en las melodías de Billy Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, con rock clásico de los años 80), Thriller – Live (2009, Michael Jackson ) y muchos otros. Este estilo se conoce a menudo como el " musical de la máquina de discos ". [105] Se han creado musicales similares pero más impulsados por la trama en torno al canon de un grupo pop en particular, incluidos Mamma Mia! (1999, basada en las canciones de ABBA ), Our House (2002, basada en las canciones de Madness ) y We Will Rock You (2002, basada en las canciones de Queen ).
Los musicales cinematográficos de acción real estuvieron casi muertos en la década de 1980 y principios de la de 1990, con las excepciones de Victor/Victoria , La pequeña tienda de los horrores y la película de 1996 de Evita . [106] En el nuevo siglo, Baz Luhrmann comenzó un renacimiento del musical cinematográfico con Moulin Rouge! (2001). A esto le siguieron Chicago (2002); El fantasma de la ópera (2004); Rent (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray , Enchanted y Sweeney Todd (todas en 2007); Mamma Mia! (2008); Nine (2009); Los Miserables y Pitch Perfect (ambas en 2012), Into The Woods , The Last Five Years (2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), A Star Is Born y Mary Poppins Returns (ambas en 2018), Rocketman (2019) e In the Heights y la versión de Steven Spielberg de West Side Story (ambas en 2021), entre otras. How the Grinch robó la Navidad! (2000) y The Cat in the Hat (2003) del Dr. Seuss , convirtieron los libros infantiles en musicales cinematográficos de acción real. Después del inmenso éxito de Disney y otras casas con musicales cinematográficos animados comenzando con La Sirenita en 1989 y durante toda la década de 1990 (incluidas algunas películas de temática más adulta, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), se estrenaron menos musicales cinematográficos animados en la primera década del siglo XXI. [106] El género volvió a resurgir en 2010 con Enredados (2010), Río (2011) y Frozen (2013). En Asia, la India sigue produciendo numerosos musicales cinematográficos de "Bollywood" y Japón produce musicales cinematográficos de "anime" y "manga".
Las películas musicales para televisión fueron populares en la década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderella (1997) y Annie (1999). Varios musicales para televisión de la primera década del siglo XXI fueron adaptaciones de la versión teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) y Once Upon a Mattress (2005), y una versión televisada del musical de teatro Legally Blonde en 2007. Además, varios musicales se filmaron en el escenario y se transmitieron en la televisión pública, por ejemplo, Contact en 2002 y Kiss Me, Kate and Oklahoma! en 2003. El musical para televisión High School Musical (2006), y sus varias secuelas, disfrutaron de un éxito particular y fueron adaptados para musicales de teatro y otros medios.
En 2013, NBC comenzó una serie de transmisiones televisivas en vivo de musicales con The Sound of Music Live! [107] Aunque la producción recibió críticas mixtas, fue un éxito de audiencia. [108] Otras transmisiones han incluido Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), [109] una transmisión del Reino Unido, The Sound of Music Live ( ITV 2015) [110] Grease: Live ( Fox 2016), [111] [112] Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017), [113] y Rent: Live (Fox 2019). [114]
Algunos programas de televisión han ambientado episodios como musicales. Algunos ejemplos incluyen episodios de Ally McBeal , Xena: la princesa guerrera ("The Bitter Suite" y "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych (" Psych: The Musical "), Buffy la cazavampiros (" Once More, with Feeling "), That's So Raven , Daria , El laboratorio de Dexter , Las chicas superpoderosas , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs (un episodio fue escrito por los creadores de Avenue Q ), Batman: The Brave and the Bold ( "Mayhem of the Music Meister" ) y That '70s Show (el episodio número 100, " That '70s Musical "). Otros han incluido escenas en las que los personajes de repente comienzan a cantar y bailar en un estilo de teatro musical durante un episodio, como en varios episodios de Los Simpson , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob's Burgers y Padre de familia . [115] Las series de televisión que han utilizado ampliamente el formato musical incluyen Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee , Smash y Crazy Ex-Girlfriend .
También se han hecho musicales para Internet, incluido Dr. Horrible's Sing-Along Blog , sobre un supervillano de bajo costo interpretado por Neil Patrick Harris . Fue escrito durante la huelga de escritores del WGA . [116] Desde 2006, los programas de telerrealidad se han utilizado para ayudar a comercializar resurgimientos musicales mediante la celebración de un concurso de talentos para elegir protagonistas (generalmente femeninas). Ejemplos de estos son How Do You Solve a Problem like Maria?, Grease : You're the One That I Want!, Any Dream Will Do , Legally Blonde: The Musical – The Search for Elle Woods , I'd Do Anything y Over the Rainbow . En 2021, Schmigadoon! fue una parodia y un homenaje a los musicales de la Edad de Oro de las décadas de 1940 y 1950. [117]
La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de teatros y festivales de teatro en todo el mundo a principios de 2020, incluidos todos los teatros de Broadway [118] y West End. [119] Muchas instituciones de artes escénicas intentaron adaptarse o reducir sus pérdidas ofreciendo servicios digitales nuevos (o ampliados). En particular, esto dio como resultado la transmisión en línea de actuaciones previamente grabadas de muchas compañías, [120] [121] [122] así como proyectos de crowdsourcing a medida. [123] [124] Por ejemplo, The Sydney Theatre Company encargó a los actores que se filmaran a sí mismos en casa discutiendo y luego interpretando un monólogo de uno de los personajes que habían interpretado previamente en el escenario. [125] Los elencos de musicales, como Hamilton y Mamma Mia! se unieron en llamadas de Zoom para entretener a las personas y al público. [126] [127] Algunas actuaciones se transmitieron en vivo, o se presentaron al aire libre o de otras formas "socialmente distanciadas", lo que a veces permitió que los miembros de la audiencia interactuaran con el elenco. [128] Se transmitieron festivales de teatro por radio. [129] Se crearon musicales virtuales e incluso de colaboración colectiva, como Ratatouille the Musical . [130] [131] Se lanzaron versiones filmadas de musicales importantes, como Hamilton , en plataformas de transmisión. [132] Andrew Lloyd Webber lanzó grabaciones de sus musicales en YouTube. [133]
Debido a los cierres y la pérdida de venta de entradas, muchas compañías de teatro se vieron en peligro financiero. Algunos gobiernos ofrecieron ayuda de emergencia a las artes. [134] [135] [136] Algunos mercados de teatro musical comenzaron a reabrir de forma intermitente a principios de 2021, [137] los teatros del West End pospusieron su reapertura de junio a julio, [138] y Broadway comenzó en septiembre. [139] Sin embargo, a lo largo de 2021, los picos de la pandemia han provocado algunos cierres incluso después de que los mercados reabrieran. [140] [141]
Estados Unidos y Gran Bretaña fueron las fuentes más activas de musicales de libros desde el siglo XIX hasta gran parte del siglo XX (aunque Europa produjo varias formas de ópera ligera y opereta populares, por ejemplo, la zarzuela española , durante ese período e incluso antes). Sin embargo, el escenario de la música ligera en otros países se ha vuelto más activo en las últimas décadas.
Los musicales de otros países de habla inglesa (en particular, Australia y Canadá) suelen tener éxito a nivel local y, en ocasiones, incluso llegan a Broadway o al West End (por ejemplo, The Boy from Oz y The Drowsy Chaperone ). Sudáfrica tiene una escena de teatro musical activa, con revistas como African Footprint y Umoja y musicales de libros, como Kat and the Kings y Sarafina!, que realizan giras internacionales. A nivel local, musicales como Vere , Love and Green Onions , Over the Rainbow: the all-new all-gay... extravaganza y Bangbroek Mountain e In Briefs, un pequeño musical queer, se han producido con éxito.
Entre los musicales exitosos de Europa continental se incluyen espectáculos de (entre otros países) Alemania ( Elixier y Ludwig II ), Austria ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart! y Rebecca ), República Checa ( Drácula ), Francia ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Los Miserables , Roméo et Juliette y Mozart, l'opéra rock ) y España ( Hoy no me puedo levantar y El musical Sancho Panza ).
Japón ha visto recientemente el crecimiento de una forma autóctona de teatro musical, tanto animado como de acción en vivo, principalmente basado en anime y manga , como Kiki's Delivery Service y Tenimyu . La popular metaserie Sailor Moon ha tenido veintinueve musicales de Sailor Moon , que abarcan trece años. A partir de 1914, una serie de revistas populares han sido realizadas por la Takarazuka Revue , compuesta exclusivamente por mujeres , que actualmente cuenta con cinco compañías de actuación. En otras partes de Asia, el musical indio de Bollywood , principalmente en forma de películas, tiene un tremendo éxito. [142]
A partir de una gira de 2002 de Los miserables , varios musicales occidentales han sido importados a China continental y presentados en inglés. [143] Los intentos de localizar producciones occidentales en China comenzaron en 2008 cuando Fama se produjo en mandarín con un elenco chino completo en la Academia Central de Drama en Beijing. [144] Desde entonces, otras producciones occidentales se han presentado en China en mandarín con un elenco chino. La primera producción china en el estilo del teatro musical occidental fue The Gold Sand en 2005. [143] Además, Li Dun, un conocido productor chino, produjo Mariposas , basada en una clásica tragedia de amor china, en 2007, así como Love U Teresa en 2011. [143]
Los musicales suelen ser presentados por grupos de aficionados y escolares en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. [145] [146] Aunque el teatro amateur ha existido durante siglos, incluso en el Nuevo Mundo, [147] François Cellier y Cunningham Bridgeman escribieron, en 1914, que antes de finales del siglo XIX, los actores aficionados eran tratados con desprecio por los profesionales. Después de la formación de compañías amateur de Gilbert y Sullivan autorizadas para representar las óperas de Savoy , los profesionales reconocieron que las sociedades amateurs "apoyan la cultura de la música y el drama. Ahora son aceptadas como escuelas de formación útiles para el escenario legítimo, y de las filas de voluntarios han surgido muchos favoritos actuales". [148] La Asociación Nacional de Ópera y Drama fue fundada en el Reino Unido en 1899. Informó, en 1914, que casi 200 sociedades dramáticas amateur estaban produciendo obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña ese año. [148] De manera similar, a principios del siglo XX se fundaron en Estados Unidos más de 100 teatros amateurs, cifra que ha aumentado hasta aproximadamente 18.000 en ese país. [147] La Asociación de Teatro Educativo de Estados Unidos cuenta con casi 5.000 escuelas miembro. [149]
La Broadway League anunció que en la temporada 2007-08 se compraron 12,27 millones de entradas para espectáculos de Broadway por un monto bruto de ventas de casi mil millones de dólares. [150] La Liga informó además que durante la temporada 2006-07, aproximadamente el 65% de las entradas de Broadway fueron compradas por turistas, y que los turistas extranjeros representaron el 16% de los asistentes. [151] La Society of London Theatre informó que 2007 estableció un récord de asistencia en Londres. El total de asistentes en los principales teatros comerciales y subvencionados en el centro de Londres fue de 13,6 millones, y los ingresos totales por entradas fueron de £ 469,7 millones. [152] La escena musical internacional ha sido cada vez más activa en las últimas décadas. Sin embargo, Stephen Sondheim comentó en el año 2000:
En Broadway hay dos tipos de espectáculos: las reposiciones y el mismo tipo de musicales una y otra vez, todos espectáculos. Para El Rey León se consiguen las entradas con un año de antelación y, en esencia, una familia... transmite a sus hijos la idea de que eso es el teatro: un musical espectacular que se ve una vez al año, una versión teatral de una película. No tiene nada que ver con el teatro en absoluto. Tiene que ver con ver lo que nos resulta familiar... No creo que el teatro vaya a morir per se , pero nunca va a ser lo que era... Es una atracción turística". [153]
Sin embargo, al destacar el éxito de las últimas décadas del material original y las reinterpretaciones creativas de películas, obras de teatro y literatura, el historiador de teatro John Kenrick contraatacó:
¿Ha muerto el musical? ¡Absolutamente no! ¿Está cambiando? ¡Siempre! El musical ha estado cambiando desde que Offenbach hizo su primera reescritura en la década de 1850. Y el cambio es la señal más clara de que el musical sigue siendo un género vivo y en crecimiento. ¿Volveremos alguna vez a la llamada "edad de oro", con los musicales en el centro de la cultura popular? Probablemente no. El gusto del público ha experimentado cambios fundamentales, y las artes comerciales sólo pueden fluir allí donde el público que paga lo permite. [37]
