El retrato es un género pictórico en el que la intención es representar a un sujeto humano específico. El término "retrato" también puede describir el retrato pintado en sí. Los retratistas pueden crear su obra por encargo, para personas públicas y privadas, o pueden estar inspirados por la admiración o el afecto por el sujeto. Los retratos suelen servir como importantes registros estatales y familiares, así como recuerdos.
Históricamente, los retratos han representado principalmente a los ricos y poderosos. Sin embargo, con el tiempo se hizo más común que los mecenas de clase media encargaran retratos de sus familias y colegas. Hoy en día, los retratos siguen siendo encargados por gobiernos, corporaciones, grupos, clubes e individuos. Además de la pintura, los retratos también se pueden hacer en otros medios, como impresiones (incluidos el aguafuerte y la litografía ), fotografía , video y medios digitales .
Hoy en día puede parecer obvio que el objetivo de un retrato pintado es conseguir un parecido con el retratado que sea reconocible para quienes lo hayan visto y, en el mejor de los casos, que sea un buen registro de su apariencia. De hecho, este concepto ha tardado en crecer y los artistas de diferentes tradiciones tardaron siglos en adquirir las habilidades específicas para pintar un buen parecido.
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Se espera que un retrato bien ejecutado muestre la esencia interna del sujeto (desde el punto de vista del artista) o una representación favorecedora, no solo una semejanza literal. Como afirmó Aristóteles , "El objetivo del arte no es presentar la apariencia externa de las cosas, sino su significado interno; porque esto, no la forma externa y el detalle, constituye la verdadera realidad". [1] Los artistas pueden esforzarse por lograr un realismo fotográfico o una similitud impresionista al representar a su sujeto, pero esto difiere de una caricatura que intenta revelar el carácter mediante la exageración de los rasgos físicos. El artista generalmente intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones : "La única expresión permitida en los grandes retratos es la expresión del carácter y la calidad moral, no algo temporal, fugaz o accidental". [2]
En la mayoría de los casos, esto da como resultado una mirada seria con los labios cerrados, y cualquier cosa que vaya más allá de una leve sonrisa es bastante rara históricamente. O como dijo Charles Dickens , "solo hay dos estilos de pintura de retratos: el serio y el burlón". [3] Incluso con estas limitaciones, es posible una gama completa de emociones sutiles, desde una amenaza silenciosa hasta una satisfacción suave. Sin embargo, con la boca relativamente neutra, gran parte de la expresión facial debe crearse a través de los ojos y las cejas. Como afirma el autor y artista Gordon C. Aymar, "los ojos son el lugar donde uno busca la información más completa, confiable y pertinente" sobre el tema. Y las cejas pueden registrar, "casi sin ayuda, asombro, compasión, miedo, dolor, cinismo, concentración, nostalgia, desagrado y expectativa, en infinitas variaciones y combinaciones". [4]
La pintura de retrato puede representar al sujeto "de cuerpo entero " (todo el cuerpo), "" medio largo " (desde la cabeza hasta la cintura o las caderas ), "cabeza y hombros " ( busto ), o solo la cabeza. La cabeza del sujeto puede girar de "cara completa " (vista frontal) avista de perfil (vista lateral); una "La "vista de tres cuartos " ("vista de dos tercios") se encuentra en algún punto intermedio, desde casi frontal a casi de perfil (la fracción es la suma del perfil [la mitad de la cara] más el "cuarto de cara" del otro lado; [5] alternativamente, se cuantifica 2 ⁄ 3 , lo que también significa que esta vista parcial es más de la mitad de una cara). Ocasionalmente, los artistas han creado composiciones con vistas desde múltiples direcciones, como en eltriple retrato de Carlos I en tres posiciones de Anthony van Dyck . [6] Incluso hay algunos retratos en los que el frente del sujeto no es visible en absoluto. El mundo de Christina (1948) de Andrew Wyeth es un ejemplo famoso, donde la pose de la mujer discapacitada, de espaldas al espectador, se integra con el entorno en el que está colocada para transmitir la interpretación del artista. [7]
Entre otras variables posibles, el sujeto puede estar vestido o desnudo; en interiores o exteriores; de pie, sentado, reclinado; incluso montado a caballo. Los retratos pueden ser de individuos, parejas, padres e hijos, familias o grupos universitarios. Pueden crearse en diversos medios, incluidos óleos , acuarelas , pluma y tinta , lápiz , carboncillo , pastel y técnicas mixtas . Los artistas pueden emplear una amplia paleta de colores, como en Mme. Charpentier y sus hijos , 1878, de Pierre-Auguste Renoir , o limitarse principalmente al blanco o al negro, como en Retrato de George Washington (1796) de Gilbert Stuart .
A veces, el tamaño total del retrato es un factor importante a tener en cuenta. Los enormes retratos de Chuck Close creados para exhibirlos en museos difieren mucho de la mayoría de los retratos diseñados para caber en el hogar o para que el cliente pueda viajar fácilmente con ellos. Con frecuencia, el artista tiene en cuenta dónde se colgará el retrato final y los colores y el estilo de la decoración circundante. [8]
La creación de un retrato puede llevar mucho tiempo y, por lo general, requiere varias sesiones. Cézanne, por un lado, insistía en más de 100 sesiones de su modelo. [9] Goya, por otro lado, prefería una sesión de un día entero. [10] La media es de unas cuatro. [11] Los retratistas a veces presentan a sus modelos una carpeta de dibujos o fotografías de las que el modelo seleccionaría una pose preferida, como hizo Sir Joshua Reynolds . Algunos, como Hans Holbein el Joven, hacen un dibujo del rostro y luego completan el resto de la pintura sin el modelo. [12] En el siglo XVIII, normalmente se tardaba alrededor de un año en entregar un retrato completo a un cliente. [13]
El manejo de las expectativas y el estado de ánimo del retratado es una preocupación seria para el retratista. En cuanto a la fidelidad del retrato a la apariencia del retratado, los retratistas suelen ser coherentes en su enfoque. Los clientes que acudieron a Sir Joshua Reynolds sabían que recibirían un resultado favorecedor, mientras que los retratados de Thomas Eakins sabían que podían esperar un retrato realista y sin escrúpulos. Algunos retratados expresan preferencias firmes, otros dejan que el artista decida por completo. Oliver Cromwell exigió famosamente que su retrato mostrara "todas estas asperezas, granos, verrugas y todo lo que me ves, de lo contrario nunca pagaré un centavo por él". [14]
Después de tranquilizar al modelo y alentarlo a adoptar una pose natural, el artista estudia a su modelo, buscando la expresión facial, entre muchas posibilidades, que satisfaga su concepto de la esencia del modelo. La postura del modelo también se considera cuidadosamente para revelar el estado emocional y físico del modelo, al igual que el vestuario. Para mantener al modelo comprometido y motivado, el hábil artista a menudo mantendrá una actitud y una conversación agradables. Élisabeth Vigée-Lebrun aconsejó a sus colegas artistas que halagaran a las mujeres y elogiaran su apariencia para ganar su cooperación en la sesión. [14]
Para que un retrato sea un éxito es fundamental dominar la anatomía humana . Los rostros humanos son asimétricos y los retratistas expertos los reproducen con sutiles diferencias entre la izquierda y la derecha. Los artistas deben conocer la estructura ósea y tisular subyacente para hacer un retrato convincente.
En el caso de composiciones complejas, el artista puede hacer primero un boceto completo a lápiz, tinta, carboncillo o óleo, lo que resulta especialmente útil si el retratado dispone de poco tiempo. De lo contrario, se esboza la forma general y luego se dibuja una semejanza aproximada sobre el lienzo a lápiz, carboncillo o óleo fino. En muchos casos, primero se completa el rostro y después el resto. En los estudios de muchos de los grandes retratistas, el maestro solo hacía la cabeza y las manos, mientras que la ropa y el fondo eran completados por los aprendices principales. Incluso había especialistas externos que manejaban elementos específicos como los drapeados y la ropa, como Joseph van Aken [15]. Algunos artistas en tiempos pasados utilizaban muñecos o muñecos para ayudar a establecer y ejecutar la pose y la ropa [16] . El uso de elementos simbólicos colocados alrededor del retratado (incluidos signos, objetos domésticos, animales y plantas) se utilizaba a menudo para codificar la pintura con el carácter moral o religioso del sujeto, o con símbolos que representaran la ocupación, los intereses o el estatus social del retratado. El fondo puede ser totalmente negro y sin contenido o una escena completa que sitúa al retratado en su entorno social o recreativo.
Los autorretratos suelen realizarse con la ayuda de un espejo y el resultado final es un retrato en espejo, una inversión de lo que ocurre en un retrato normal cuando el retratado y el artista están uno frente al otro. En un autorretrato, un artista diestro parecería sostener un pincel en la mano izquierda, a menos que el artista corrija deliberadamente la imagen o utilice un segundo espejo inverso mientras pinta.
En ocasiones, el cliente o su familia no están contentos con el retrato resultante y el artista se ve obligado a retocarlo o hacerlo de nuevo o retirarse del encargo sin cobrar, sufriendo la humillación del fracaso. El célebre Retrato de Madame Récamier de Jacques-Louis David , muy popular en las exposiciones, fue rechazado por la modelo, al igual que el famoso Retrato de Madame X de John Singer Sargent . El retrato de cuerpo entero de John Trumbull , El general George Washington en Trenton , fue rechazado por el comité que lo encargó. [17] El famoso y espinoso Gilbert Stuart respondió una vez a la insatisfacción de un cliente con el retrato de su esposa replicando: "¡Me trajiste una patata y esperabas un melocotón!" [18]
Sin embargo, un retrato logrado puede ganarse la gratitud de un cliente para toda la vida. El conde Balthazar estaba tan satisfecho con el retrato que Rafael había creado de su esposa que le dijo al artista: "Tu imagen... sólo puede aliviar mis preocupaciones. Esa imagen es mi deleite; dirijo mis sonrisas hacia ella, es mi alegría". [19]
Las raíces del retrato se encuentran probablemente en tiempos prehistóricos, aunque pocas de estas obras sobreviven hoy en día. En el arte de las antiguas civilizaciones del Creciente Fértil , especialmente en Egipto, abundan las representaciones de gobernantes y gobernantes como dioses. Sin embargo, la mayoría de estos se hicieron de una manera muy estilizada, y la mayoría de perfil, generalmente en piedra, metal, arcilla, yeso o cristal. El retrato egipcio puso relativamente poco énfasis en la semejanza, al menos hasta el período de Akenatón en el siglo XIV a. C. La pintura de retratos de notables en China probablemente se remonta a más de 1000 a. C., aunque ninguno sobrevive de esa época. Los retratos chinos existentes se remontan aproximadamente al año 1000 d. C., [20] pero no pusieron mucho énfasis en la semejanza hasta algún tiempo después.
Por las evidencias literarias sabemos que la pintura griega antigua incluía retratos, a menudo muy precisos si se cree en los elogios de los escritores, pero no quedan ejemplos pintados. Las cabezas esculpidas de gobernantes y personalidades famosas como Sócrates sobreviven en cierta cantidad, y al igual que los bustos individualizados de gobernantes helenísticos en las monedas, muestran que los retratos griegos podían lograr un buen parecido, y los temas, al menos de las figuras literarias, eran representados con relativamente poca adulación: los retratos de Sócrates muestran por qué tenía reputación de ser feo. Los sucesores de Alejandro Magno comenzaron la práctica de agregar su cabeza (como una figura deificada ) a sus monedas, y pronto usaron las suyas.
El retrato romano adoptó las tradiciones de los retratos tanto de los etruscos como de los griegos, y desarrolló una tradición muy fuerte, vinculada al uso religioso de los retratos de los antepasados, así como a la política romana. Una vez más, las pocas pinturas que sobreviven, en los retratos de Fayum , la Tumba de Aline y el Tondo Severano , todos del Egipto bajo el dominio romano, son claramente producciones provinciales que reflejan estilos griegos más que romanos, pero tenemos una gran cantidad de cabezas esculpidas, incluidos muchos retratos individualizados de tumbas de clase media, y miles de tipos de retratos de monedas.
El grupo más numeroso de retratos pintados son las pinturas funerarias que sobrevivieron en el clima seco del distrito egipcio de Fayum (véase la ilustración, más abajo), que datan del siglo II al IV d. C. Estas son casi las únicas pinturas del período romano que han sobrevivido, aparte de los frescos , aunque se sabe por los escritos de Plinio el Viejo que la pintura de retratos estaba bien establecida en la época griega y que la practicaban tanto hombres como mujeres. [21] En su época, Plinio se quejó del estado de decadencia del arte del retrato romano: "La pintura de retratos que solía transmitir a través de los siglos las semejanzas precisas de las personas, ha desaparecido por completo... La indolencia ha destruido las artes". [22] [23] Estos retratos de rostro completo del Egipto romano son excepciones afortunadas. Presentan un sentido algo realista de la proporción y el detalle individual (aunque los ojos son generalmente de gran tamaño y la habilidad artística varía considerablemente de un artista a otro). Los retratos de Fayum se pintaban sobre madera o marfil con colores de cera y resina (encáustica) o con témpera , y se insertaban en el envoltorio de la momia, para permanecer con el cuerpo por toda la eternidad.
Mientras que la pintura de retratos exentos disminuyó en Roma, el arte del retrato floreció en las esculturas romanas, donde los modelos exigían realismo, aunque poco favorecedor. Durante el siglo IV, el retrato esculpido dominó, con un retroceso a favor de un símbolo idealizado de cómo era esa persona. (Compárense los retratos de los emperadores romanos Constantino I y Teodosio I ) En el período de la Antigüedad Tardía , el interés en una semejanza individual disminuyó considerablemente, y la mayoría de los retratos en las monedas romanas tardías y los dípticos consulares apenas están individualizados en absoluto, aunque al mismo tiempo el arte cristiano primitivo estaba desarrollando imágenes bastante estandarizadas para la representación de Jesús y las otras figuras principales del arte cristiano, como Juan el Bautista y San Pedro .
La mayoría de los retratos medievales tempranos eran retratos de donantes , inicialmente en su mayoría de papas en mosaicos romanos y manuscritos iluminados , un ejemplo es un autorretrato de la escritora, mística, científica, iluminadora y músico Hildegarda de Bingen (1152). [24] Al igual que con las monedas contemporáneas, hubo pocos intentos de semejanza. Los monumentos funerarios de piedra se extendieron en el período románico . Entre 1350 y 1400, las figuras seculares comenzaron a reaparecer en frescos y pinturas sobre tabla , como en Carlos IV recibiendo lealtad del maestro Teodorico , [25] y los retratos volvieron a ser claras semejanzas.
Hacia finales de siglo, aparecieron en Borgoña y Francia los primeros retratos al óleo de personajes contemporáneos, pintados sobre pequeños paneles de madera, primero como perfiles y luego en otras vistas. El Díptico de Wilton , de alrededor de 1400, es uno de los dos retratos sobre tabla que se conservan de Ricardo II de Inglaterra , el primer rey inglés del que tenemos ejemplos contemporáneos.
A finales de la Edad Media , en el siglo XV, la pintura flamenca temprana fue clave para el desarrollo del retrato individualizado. Entre sus maestros se encontraban Jan van Eyck , Robert Campin y Rogier van der Weyden , entre otros. Se encargaban retratos en tabla bastante pequeños , de menos de la mitad del tamaño natural, no solo de figuras de la corte, sino de lo que, por su vestimenta relativamente sencilla, parecían ser ciudadanos adinerados. Las miniaturas de los manuscritos iluminados también incluían retratos individualizados, normalmente del comitente. En las pinturas religiosas, los retratos de los donantes comenzaron a mostrarse como presentes o como participantes en las principales escenas sagradas mostradas, y en las imágenes de la corte más privadas, los sujetos incluso aparecían como figuras significativas, como la Virgen María .
Si el poeta dice que puede inflamar a los hombres de amor…
el pintor tiene el poder de hacer lo mismo…
en cuanto puede colocar delante del amante
la verdadera imagen de quien es amado,
haciéndole a menudo besarla y hablarle.
–Leonardo da Vinci [26]
Ginevra de' Benci ( c. 1474-8 ) de Leonardo es uno de los primeros retratos de tres cuartos conocidos en el arte italiano. [26]
En parte por el interés en el mundo natural y en parte por el interés en las culturas clásicas de la antigua Grecia y Roma, los retratos, tanto pintados como esculpidos, tuvieron un papel importante en la sociedad renacentista y fueron valorados como objetos y como representaciones del éxito y el estatus terrenales. La pintura en general alcanzó un nuevo nivel de equilibrio, armonía y perspicacia, y los más grandes artistas (Leonardo, Miguel Ángel y Rafael) fueron considerados "genios", elevándose muy por encima del estatus de comerciantes a valiosos servidores de la corte y la iglesia. [27]
Durante este período fértil se produjeron muchas innovaciones en las diversas formas del retrato. Comenzó la tradición del retrato en miniatura , que siguió siendo popular hasta la era de la fotografía, y se desarrolló a partir de las habilidades de los pintores de miniaturas en manuscritos iluminados .
Los retratos de perfil, inspirados en medallones antiguos, fueron particularmente populares en Italia entre 1450 y 1500. Las medallas, con sus imágenes de dos caras, también inspiraron una moda de corta duración de pinturas de dos caras a principios del Renacimiento. [28] La escultura clásica, como el Apolo de Belvedere , también influyó en la elección de poses utilizadas por los retratistas del Renacimiento, poses que han seguido utilizándose a lo largo de los siglos. [29]
Los artistas del norte de Europa fueron pioneros en los retratos realistas de sujetos seculares. El mayor realismo y detalle de los artistas del norte durante el siglo XV se debió en parte a las pinceladas más finas y los efectos posibles con los colores al óleo , mientras que los pintores italianos y españoles todavía usaban témpera . Entre los primeros pintores que desarrollaron la técnica del óleo se encontraba Jan van Eyck . Los colores al óleo pueden producir más textura y grados de espesor, y se pueden aplicar en capas de manera más efectiva, con la adición de capas cada vez más gruesas una sobre otra (lo que los pintores conocen como "graso sobre magro"). Además, los colores al óleo se secan más lentamente, lo que permite al artista hacer cambios fácilmente, como alterar los detalles faciales. Antonello da Messina fue uno de los primeros italianos en aprovechar el óleo. Formado en Bélgica, se instaló en Venecia alrededor de 1475 y ejerció una gran influencia sobre Giovanni Bellini y la escuela del norte de Italia. [30] Durante el siglo XVI, el óleo como medio se extendió en popularidad por toda Europa, lo que permitió representaciones más suntuosas de ropa y joyas. También afectó la calidad de las imágenes el cambio de la madera al lienzo , que comenzó en Italia a principios del siglo XVI y se extendió al norte de Europa durante el siglo siguiente. El lienzo resiste mejor las grietas que la madera, retiene mejor los pigmentos y necesita menos preparación, pero al principio era mucho más escaso que la madera.
Los europeos del norte abandonaron pronto el perfil y empezaron a realizar retratos de volumen y perspectiva realistas. En los Países Bajos, Jan van Eyck fue un retratista de primera línea. El matrimonio de los Arnolfini (1434, National Gallery , Londres) es un hito del arte occidental, un ejemplo temprano de un retrato de pareja de cuerpo entero, magníficamente pintado con colores intensos y detalles exquisitos. Pero, igualmente importante, muestra la técnica recién desarrollada de la pintura al óleo iniciada por van Eyck, que revolucionó el arte y se extendió por toda Europa. [31]
Entre los principales retratistas alemanes se encuentran Lucas Cranach , Alberto Durero y Hans Holbein el Joven , quienes dominaron la técnica de la pintura al óleo. Cranach fue uno de los primeros artistas en pintar encargos de tamaño natural de cuerpo entero, una tradición popular a partir de entonces. [32] En esa época, Inglaterra no tenía retratistas de primer nivel, y los mecenas ingleses demandaban artistas como Holbein. [33] Su pintura de Sir Thomas More (1527), su primer mecenas importante en Inglaterra, tiene casi el realismo de una fotografía. [34] Holbein alcanzó su gran éxito pintando a la familia real, incluido Enrique VIII . Durero fue un dibujante excepcional y uno de los primeros artistas importantes en hacer una secuencia de autorretratos, incluida una pintura de rostro completo. También colocó su figura de autorretrato (como espectador) en varias de sus pinturas religiosas. [35] Durero comenzó a hacer autorretratos a la edad de trece años. [36] Más tarde, Rembrandt ampliaría esa tradición.
En Italia, Masaccio fue el primero en modernizar el fresco adoptando una perspectiva más realista. Filippo Lippi abrió el camino al desarrollar contornos más nítidos y líneas sinuosas [37] y su alumno Rafael extendió el realismo en Italia a un nivel mucho más alto en las décadas siguientes con sus monumentales pinturas murales. [38] Durante esta época, se popularizó el retrato de compromiso, una especialidad particular de Lorenzo Lotto . [39] Durante el Renacimiento temprano, las pinturas de retratos eran generalmente pequeñas y a veces cubiertas con tapas protectoras, con bisagras o corredizas. [40]
Durante el Renacimiento, la nobleza florentina y milanesa, en particular, deseaba representaciones más realistas de sí mismos. El desafío de crear vistas completas y de tres cuartos convincentes estimuló la experimentación y la innovación. Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi y Leonardo da Vinci y otros artistas ampliaron su técnica en consecuencia, añadiendo retratos a temas religiosos y clásicos tradicionales. Leonardo y Pisanello estuvieron entre los primeros artistas italianos en añadir símbolos alegóricos a sus retratos seculares. [38]
Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es la pintura de Leonardo da Vinci titulada Mona Lisa , llamada así por Lisa del Giocondo , [41] [42] [43] miembro de la familia Gherardini de Florencia y Toscana y esposa del rico comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. La famosa "sonrisa de Mona Lisa" es un excelente ejemplo de la aplicación de una asimetría sutil a un rostro. En sus cuadernos, Leonardo aconseja sobre las cualidades de la luz en la pintura de retratos:
Un grado muy alto de gracia en la luz y la sombra se añade a los rostros de quienes se sientan en las puertas de las habitaciones que están oscuras, donde los ojos del observador ven la parte sombreada del rostro oscurecida por las sombras de la habitación, y ven la parte iluminada del rostro con el mayor brillo que le da el aire. Mediante este aumento de las sombras y las luces, el rostro adquiere un mayor relieve. [44]
Leonardo fue alumno de Verrocchio . Tras convertirse en miembro del Gremio de Pintores, comenzó a aceptar encargos independientes. Debido a sus amplios intereses y de acuerdo con su mentalidad científica, su producción de dibujos y estudios preliminares es inmensa, aunque su producción artística final es relativamente pequeña. Otros retratos memorables suyos incluyen los de las mujeres nobles Ginevra de' Benci y Cecilia Gallerani . [45]
Los retratos por encargo de Rafael que se conservan son mucho más numerosos que los de Leonardo, y muestran una mayor variedad de poses, iluminación y técnica. En lugar de producir innovaciones revolucionarias, el gran logro de Rafael fue fortalecer y refinar las corrientes en evolución del arte renacentista. [46] Era particularmente experto en el retrato de grupo. Su obra maestra, La escuela de Atenas , es uno de los frescos de grupo más importantes, que contiene imágenes de Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y el propio Rafael, disfrazados de filósofos antiguos. [47] No fue el primer retrato de grupo de artistas. Décadas antes, Paolo Uccello había pintado un retrato de grupo que incluía a Giotto , Donatello , Antonio Manetti y Brunelleschi . [35] A medida que ascendía en prominencia, Rafael se convirtió en el retratista favorito de los papas. Aunque muchos artistas del Renacimiento aceptaron con entusiasmo encargos de retratos, unos pocos los rechazaron, sobre todo el rival de Rafael, Miguel Ángel , quien en su lugar emprendió los enormes encargos de la Capilla Sixtina . [38]
En Venecia, alrededor de 1500, Gentile Bellini y Giovanni Bellini dominaron la pintura de retratos. Recibieron los encargos más altos de los principales funcionarios del estado. El retrato de Bellini del dux Loredan se considera uno de los mejores retratos del Renacimiento y demuestra hábilmente el dominio del artista de las recién llegadas técnicas de pintura al óleo. [48] Bellini también es uno de los primeros artistas en Europa en firmar su trabajo, aunque rara vez los fechó. [49] Más tarde, en el siglo XVI, Tiziano asumió el mismo papel, en particular al expandir la variedad de poses y asientos de sus sujetos reales. Tiziano fue quizás el primer gran retratista de niños. [50] Después de Tiziano, Tintoretto y Veronés se convirtieron en los principales artistas venecianos, ayudando a la transición al manierismo italiano . Los manieristas contribuyeron con muchos retratos excepcionales que enfatizaban la riqueza material y poses elegantemente complejas, como en las obras de Agnolo Bronzino y Jacopo da Pontormo . Bronzino se hizo famoso retratando a la familia Medici . Su atrevido retrato de Cosimo I de' Medici , muestra al austero gobernante con armadura y una mirada cautelosa dirigida hacia su extrema derecha, en marcado contraste con la mayoría de las pinturas reales que muestran a sus modelos como soberanos benignos. [51] El Greco , que se formó en Venecia durante doce años, fue en una dirección más extrema después de su llegada a España, enfatizando su "visión interior" del modelo hasta el punto de disminuir la realidad de la apariencia física. [52] Una de las mejores retratistas de la Italia del siglo XVI fue Sofonisba Anguissola de Cremona, que infundió a sus retratos individuales y grupales nuevos niveles de complejidad.
Los retratos cortesanos en Francia comenzaron cuando el artista flamenco Jean Clouet pintó su opulento retrato de Francisco I de Francia alrededor de 1525. [53] El rey Francisco fue un gran mecenas de artistas y un avaro coleccionista de arte que invitó a Leonardo da Vinci a vivir en Francia durante sus últimos años. La Mona Lisa permaneció en Francia después de que Leonardo muriera allí. [53]
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Durante los períodos barroco y rococó (siglos XVII y XVIII, respectivamente), los retratos se convirtieron en un registro aún más importante del estatus y la posición social. En una sociedad dominada cada vez más por líderes seculares en cortes poderosas, las imágenes de figuras opulentamente vestidas eran un medio para afirmar la autoridad de individuos importantes. Los pintores flamencos Sir Anthony van Dyck y Peter Paul Rubens sobresalieron en este tipo de retratos, mientras que Jan Vermeer produjo retratos principalmente de la clase media, trabajando y jugando en interiores. El retrato que Rubens hizo de él mismo y su primera esposa (1609) con su atuendo nupcial es un ejemplo virtuoso del retrato de pareja. [55]
La fama de Rubens se extendió más allá de su arte: fue un cortesano, diplomático, coleccionista de arte y exitoso hombre de negocios. Su estudio era uno de los más grandes de su época, y empleaba especialistas en naturalezas muertas, paisajes, escenas de animales y género, además de retratos. Van Dyck se formó allí durante dos años. [56] Carlos I de Inglaterra empleó primero a Rubens, y luego importó a Van Dyck como pintor de su corte, lo nombró caballero y le otorgó estatus cortesano. Van Dyck no sólo adaptó los métodos de producción y las habilidades comerciales de Rubens, sino también sus elegantes modales y apariencia. Como se registró, "siempre iba magníficamente vestido, tenía un numeroso y galante carruaje y mantenía una mesa tan noble en su apartamento, que pocos príncipes no eran más visitados o mejor servidos". [57] En Francia, Hyacinthe Rigaud dominó de la misma manera, como notable cronista de la realeza, pintando los retratos de cinco reyes franceses. [58]
Una de las innovaciones del arte renacentista fue la mejora de la representación de las expresiones faciales para acompañar diferentes emociones. En particular, el pintor holandés Rembrandt exploró las múltiples expresiones del rostro humano, especialmente como uno de los principales autorretratistas (de los cuales pintó más de 60 en vida). [59] Este interés en el rostro humano también fomentó la creación de las primeras caricaturas, atribuidas a la Accademia degli Incamminati , dirigida por pintores de la familia Carracci a fines del siglo XVI en Bolonia, Italia.
Durante el período barroco, sobre todo en los Países Bajos, se produjeron en gran número retratos de grupo. A diferencia del resto de Europa, los artistas holandeses no recibieron encargos de la Iglesia calvinista, que había prohibido este tipo de imágenes, ni de la aristocracia, que era prácticamente inexistente. En cambio, los encargos procedían de asociaciones cívicas y empresariales. El pintor holandés Frans Hals utilizó pinceladas fluidas de colores vivos para animar sus retratos de grupo, incluidos los de la guardia civil, a la que pertenecía. Rembrandt se benefició enormemente de estos encargos y de la apreciación general del arte por parte de los clientes burgueses, que apoyaban tanto el retrato como la pintura de naturalezas muertas y paisajes. Además, en esa época florecieron en Holanda los primeros mercados importantes de arte y de marchantes. [60]
En medio de una gran demanda, Rembrandt pudo experimentar con composiciones y técnicas poco convencionales, como el claroscuro . Demostró estas innovaciones, iniciadas por maestros italianos como Caravaggio , sobre todo en su famosa Ronda de noche (1642). [61] La lección de anatomía del doctor Tulp (1632) es otro buen ejemplo de la maestría de Rembrandt en la pintura grupal, en la que baña el cadáver con una luz brillante para atraer la atención hacia el centro de la pintura mientras la ropa y el fondo se funden en negro, haciendo que los rostros del cirujano y los estudiantes destaquen. También es la primera pintura que Rembrandt firmó con su nombre completo. [62]
En España, Diego Velázquez pintó Las Meninas (1656), uno de los retratos de grupo más famosos y enigmáticos de todos los tiempos. Conmemora al artista y a los hijos de la familia real española, y aparentemente los retratados son la pareja real que solo se ve reflejada en un espejo. [63] Velázquez comenzó siendo principalmente un pintor de género, pero rápidamente saltó a la fama como pintor de la corte de Felipe IV , sobresaliendo en el arte del retrato, particularmente en la extensión de la complejidad de los retratos de grupo. [64]
Los artistas rococó, que estaban particularmente interesados en la ornamentación rica e intrincada, fueron maestros del retrato refinado. Su atención a los detalles del vestido y la textura aumentó la eficacia de los retratos como testimonio de la riqueza mundana, como lo demuestran los famosos retratos de Madame de Pompadour ataviada con vaporosos vestidos de seda realizados por François Boucher .
Los primeros grandes retratistas nativos de la escuela británica fueron los pintores ingleses Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds , quienes también se especializaron en vestir a sus sujetos de manera llamativa. El Niño Azul de Gainsborough es uno de los retratos más famosos y reconocidos de todos los tiempos, pintado con pinceles muy largos y pintura al óleo fina para lograr el efecto brillante del traje azul. [66] Gainsborough también se destacó por sus elaborados escenarios de fondo para sus sujetos.
Los dos artistas británicos tenían opiniones opuestas sobre el uso de ayudantes. Reynolds los empleaba con regularidad (a veces haciendo él mismo sólo el 20 por ciento de la pintura), mientras que Gainsborough rara vez lo hacía. [67] A veces un cliente le sacaba una garantía al artista, como hizo Sir Richard Newdegate al retratista Peter Lely (el sucesor de van Dyck en Inglaterra), quien prometió que el retrato sería "de principio a fin dibujado con mis propias manos". [68] A diferencia de la exactitud empleada por los maestros flamencos, Reynolds resumió su enfoque del retrato al afirmar que "la gracia y, podemos añadir, la semejanza, consiste más en tomar el aire general que en observar la similitud exacta de cada rasgo". [69] También fue prominente en Inglaterra William Hogarth , quien se atrevió a desafiar los métodos convencionales al introducir toques de humor en sus retratos. Su "Autorretrato con Pug" es claramente más una interpretación humorística de su mascota que una pintura autoindulgente. [70]
En el siglo XVIII, las pintoras cobraron nueva importancia, en particular en el campo del retrato. Entre las artistas femeninas más destacadas se encuentran la pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun , la pastelista italiana Rosalba Carriera y la artista suiza Angelica Kauffman . También durante ese siglo, antes de la invención de la fotografía, los retratos en miniatura, pintados con increíble precisión y a menudo envueltos en medallones de oro o esmalte, eran muy valorados.
En los Estados Unidos, John Singleton Copley , educado en el refinado estilo británico, se convirtió en el principal pintor de retratos de tamaño natural y en miniatura, con sus imágenes hiperrealistas de Samuel Adams y Paul Revere especialmente bien consideradas. Copley también es notable por sus esfuerzos por fusionar el retrato con el arte académicamente más reverenciado de la pintura histórica , lo que intentó con sus retratos grupales de militares famosos. [71] Igualmente famoso fue Gilbert Stuart , quien pintó más de 1000 retratos y fue especialmente conocido por sus retratos presidenciales. Stuart pintó más de 100 réplicas de George Washington solo. [72] Stuart trabajó rápidamente y empleó pinceladas más suaves y menos detalladas que Copley para capturar la esencia de sus sujetos. A veces hacía varias versiones para un cliente, lo que permitía al modelo elegir su favorita. [73] Famoso por sus mejillas sonrosadas, Stuart escribió: "la carne no se parece a ninguna otra sustancia bajo el cielo. Tiene toda la alegría de la tienda de sedas sin su brillo llamativo, y toda la suavidad de la caoba vieja, sin su tristeza". [74] Otros retratistas estadounidenses destacados de la era colonial fueron John Smibert , Thomas Sully , Ralph Earl , John Trumbull , Benjamin West , Robert Feke , James Peale , Charles Willson Peale y Rembrandt Peale .
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas neoclásicos continuaron la tradición de representar a los personajes con la última moda, lo que para las mujeres de entonces significaba vestidos diáfanos derivados de los estilos de vestimenta de la antigua Grecia y Roma. Los artistas utilizaban la luz dirigida para definir la textura y la redondez simple de los rostros y las extremidades. Los pintores franceses Jacques-Louis David y Jean-Auguste-Dominique Ingres demostraron virtuosismo en esta técnica de dibujante, así como un ojo agudo para los personajes. Ingres, alumno de David, es notable por sus retratos en los que se pinta un espejo detrás del personaje para simular una vista trasera del mismo. [75] Su retrato de Napoleón en su trono imperial es un tour de force del retrato real. (ver la galería a continuación)
Los artistas románticos que trabajaron durante la primera mitad del siglo XIX pintaron retratos de líderes inspiradores, mujeres hermosas y sujetos agitados, utilizando pinceladas vivaces e iluminación dramática, a veces melancólica. Los artistas franceses Eugène Delacroix y Théodore Géricault pintaron retratos particularmente buenos de este tipo, especialmente jinetes apuestos. [76] Un ejemplo notable de artista del período romántico en Polonia , que practicó el retrato de jinetes fue Piotr Michałowski (1800-1855). También es notable la serie de retratos de pacientes mentales de Géricault (1822-1824). El pintor español Francisco de Goya pintó algunas de las imágenes más inquisitivas y provocativas del período, incluida La maja desnuda (c. 1797-1800), así como famosos retratos de la corte de Carlos IV .
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Los artistas realistas del siglo XIX, como Gustave Courbet , crearon retratos objetivos que representaban a personas de clase media y baja. Demostrando su romanticismo, Courbet pintó varios autorretratos que se mostraban a sí mismo en diferentes estados de ánimo y expresiones. [77] Otros realistas franceses incluyen a Honoré Daumier , quien produjo muchas caricaturas de sus contemporáneos. Henri de Toulouse-Lautrec hizo una crónica de algunos de los famosos artistas de teatro, incluida Jane Avril, capturándolos en movimiento. [78] El pintor francés Édouard Manet , fue un importante artista de transición cuyo trabajo oscila entre el realismo y el impresionismo . Fue un retratista de perspicacia y técnica excepcionales, siendo su pintura de Stéphane Mallarmé un buen ejemplo de su estilo de transición. Su contemporáneo Edgar Degas era principalmente realista y su pintura Retrato de la familia Bellelli es una representación perspicaz de una familia infeliz y uno de sus mejores retratos. [79]
En Estados Unidos, Thomas Eakins reinó como el principal retratista, llevando el realismo a un nuevo nivel de franqueza, especialmente con sus dos retratos de cirujanos en acción, así como los de atletas y músicos en acción. En muchos retratos, como "Retrato de la señora Edith Mahon", Eakins transmite con audacia las emociones poco favorecedoras de la tristeza y la melancolía. [80]
Los realistas dieron paso en su mayoría a los impresionistas en la década de 1870. En parte debido a sus escasos ingresos, muchos de los impresionistas dependían de familiares y amigos para que los modelaran, y pintaron grupos íntimos y figuras individuales, ya sea al aire libre o en interiores llenos de luz. Conocidos por sus superficies brillantes y ricas pinceladas de pintura, los retratos impresionistas suelen ser desarmantemente íntimos y atractivos. Los pintores franceses Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir crearon algunas de las imágenes más populares de modelos individuales y grupos. La artista estadounidense Mary Cassatt , que se formó y trabajó en Francia, es popular incluso hoy en día por sus atractivas pinturas de madres e hijos, al igual que Renoir. [81] Paul Gauguin y Vincent van Gogh , ambos postimpresionistas , pintaron retratos reveladores de personas que conocían, arremolinados en color pero no necesariamente favorecedores. Son igualmente, si no más, celebrados por sus poderosos autorretratos.
John Singer Sargent también abarcó el cambio de siglo, pero rechazó el impresionismo y el postimpresionismo manifiestos. Fue el retratista más exitoso de su época, utilizando una técnica mayoritariamente realista a menudo efusiva con el uso brillante del color. Era igualmente apto para retratos individuales y grupales, particularmente de familias de clase alta. Sargent nació en Florencia, Italia, de padres estadounidenses. Estudió en Italia y Alemania, y en París. Sargent es considerado el último gran exponente de la tradición del retrato británico que comenzó con van Dyck. [81] Otro retratista estadounidense destacado que se formó en el extranjero fue William Merritt Chase . La pintora de la sociedad estadounidense Cecilia Beaux , llamada la "Sargent femenina", nació de padre francés, estudió en el extranjero y obtuvo éxito en su país, apegándose a los métodos tradicionales. Otro retratista comparado con Sargent por su exuberante técnica fue el artista parisino nacido en Italia Giovanni Boldini , amigo de Degas y Whistler .
El internacionalista nacido en Estados Unidos James Abbott McNeill Whistler tenía buenas relaciones con artistas europeos y también pintó algunos retratos excepcionales, el más famoso de los cuales es su Arreglo en gris y negro, La madre del artista (1871), también conocido como La madre de Whistler . [82] Incluso con sus retratos, como con sus paisajes tonales, Whistler quería que sus espectadores se centraran en la disposición armónica de la forma y el color en sus pinturas. Whistler utilizó una paleta tenue para crear los efectos deseados, enfatizando el equilibrio del color y los tonos suaves. Como afirmó, "así como la música es la poesía del sonido, la pintura es la poesía de la vista, y el tema no tiene nada que ver con la armonía del sonido o del color". [83] La forma y el color también fueron fundamentales en los retratos de Cézanne , mientras que el color aún más extremo y la técnica de pincelada dominan los retratos de André Derain y Henri Matisse . [84]
El desarrollo de la fotografía en el siglo XIX tuvo un efecto significativo en el retrato, suplantando a la anterior cámara oscura que también se había utilizado anteriormente como ayuda en la pintura. Muchos modernistas acudieron en masa a los estudios de fotografía para hacerse sus retratos, incluido Baudelaire , quien, aunque proclamó que la fotografía era un "enemigo del arte", se sintió atraído por la franqueza y el poder de la fotografía. [85] Al proporcionar una alternativa barata, la fotografía suplantó gran parte del nivel más bajo de la pintura de retratos. Algunos artistas realistas, como Thomas Eakins y Edgar Degas , estaban entusiasmados con la fotografía con cámara y la encontraron una ayuda útil para la composición. Desde los impresionistas en adelante, los pintores de retratos encontraron una miríada de formas de reinterpretar el retrato para competir eficazmente con la fotografía. [86] Sargent y Whistler estuvieron entre los estimulados a expandir su técnica para crear efectos que la cámara no podía capturar.
Otros artistas de principios del siglo XX también ampliaron el repertorio del retrato en nuevas direcciones. El artista fauvista Henri Matisse produjo retratos poderosos usando colores no naturalistas, incluso estridentes, para los tonos de piel. Cézanne se basó en formas muy simplificadas en sus retratos, evitando los detalles mientras enfatizaba las yuxtaposiciones de color. [88] El estilo único del austriaco Gustav Klimt aplicó motivos bizantinos y pintura dorada a sus memorables retratos. Su alumno Oskar Kokoschka fue un importante retratista de la clase alta vienesa. El prolífico artista español Pablo Picasso pintó muchos retratos, incluidas varias representaciones cubistas de sus amantes, en las que la semejanza del sujeto está groseramente distorsionada para lograr una declaración emocional mucho más allá de los límites de la caricatura normal. [89] Una destacada retratista femenina de principios del siglo XX, asociada con el impresionismo francés , fue Olga Boznańska (1865-1940). Los pintores expresionistas proporcionaron algunos de los estudios psicológicos más cautivadores y cautivadores jamás producidos. Artistas alemanes como Otto Dix y Max Beckmann produjeron ejemplos notables de retratos expresionistas. Beckmann fue un prolífico autorretratista, y produjo al menos veintisiete. [90] Amedeo Modigliani pintó muchos retratos en su estilo alargado que depreciaba la "persona interior" en favor de estudios estrictos de forma y color. Para ayudar a lograr esto, restó importancia a los ojos y las cejas normalmente expresivos hasta el punto de utilizar ranuras ennegrecidas y arcos simples. [91]
El arte británico estuvo representado por los vorticistas , que pintaron algunos retratos notables a principios del siglo XX. El pintor dadaísta Francis Picabia ejecutó numerosos retratos con su estilo único. Además, los retratos de Tamara de Lempicka capturaron con éxito la era del art déco con sus curvas estilizadas, colores intensos y ángulos agudos. En Estados Unidos, Robert Henri y George Bellows fueron excelentes retratistas de la década de 1920 y 1930 de la escuela realista estadounidense. Max Ernst produjo un ejemplo de un retrato colegial moderno con su pintura de 1922 Todos los amigos juntos . [92]
Una contribución significativa al desarrollo de la pintura de retratos en los años 1930-2000 la hicieron los artistas rusos, que trabajaban principalmente en las tradiciones de la pintura realista y figurativa. Entre ellos cabe mencionar a Isaac Brodski , Nikolai Fechin , Abram Arjipov y otros. [93]
La producción de retratos en Europa (excluyendo Rusia) y las Américas en general declinó en los años 1940 y 1950, como resultado del creciente interés en la abstracción y el arte no figurativo. Una excepción, sin embargo, fue Andrew Wyeth , quien se convirtió en el principal retratista realista estadounidense. En Wyeth, el realismo, aunque manifiesto, es secundario respecto de las cualidades tonales y el estado de ánimo de sus pinturas. Esto se demuestra acertadamente en su serie histórica de pinturas conocida como los cuadros "Helga", el grupo más grande de retratos de una sola persona realizado por un artista importante (247 estudios de su vecina Helga Testorf, vestida y desnuda, en entornos variados, pintados durante el período 1971-1985). [94]
En los años 1960 y 1970, hubo un resurgimiento del retrato. Artistas ingleses como Lucian Freud (nieto de Sigmund Freud ) y Francis Bacon han producido pinturas poderosas. Los retratos de Bacon son notables por su calidad de pesadilla. En mayo de 2008, el retrato de Freud de 1995, Benefits Supervisor Sleeping, fue vendido en subasta por Christie's en la ciudad de Nueva York por $ 33,6 millones, estableciendo un récord mundial para el valor de venta de una pintura de un artista vivo. [95]
Muchos artistas estadounidenses contemporáneos, como Andy Warhol , Alex Katz y Chuck Close , han hecho del rostro humano el punto central de su obra.
Warhol fue uno de los retratistas más prolíficos del siglo XX. Su cuadro Orange Shot Marilyn de Marilyn Monroe es un ejemplo emblemático de su obra de la década de 1960, y Orange Prince (1984) del cantante pop Prince es un ejemplo posterior, ambos muestran el estilo gráfico único de Warhol en el retrato. [96] [97] [98] [99]
La especialidad de Close eran los enormes retratos hiperrealistas de cabezas del tamaño de una pared, basados en imágenes fotográficas. Jamie Wyeth continúa con la tradición realista de su padre Andrew, y produce famosos retratos cuyos temas van desde presidentes hasta cerdos.
Durante mucho tiempo, la tradición persa de las miniaturas evitó dar a las figuras rasgos faciales individualizados, en parte por razones religiosas, para evitar cualquier atisbo de idolatría . Los gobernantes del mundo islámico nunca ponían sus imágenes en sus monedas, y su apariencia no formaba parte de su esfuerzo de relaciones públicas de la forma en que sí lo hacía en Occidente. Incluso cuando está claro que una escena muestra la corte del príncipe que encarga la obra, los rasgos de la figura principal tienen los mismos rasgos de aspecto bastante chino que el resto. Esta convención de larga duración parece derivar del comienzo de la tradición de las miniaturas bajo los ilkhanidas mongoles , pero sobrevivió mucho tiempo después.
Cuando la tradición persa se desarrolló como la miniatura mogol en la India, las cosas cambiaron rápidamente. A diferencia de sus predecesores persas, los mecenas mogoles hicieron gran hincapié en las semejanzas naturalistas detalladas de todas las formas naturales desconocidas de su nuevo imperio, como animales, pájaros y plantas. Tenían la misma actitud hacia el retrato humano, y los retratos individuales, normalmente de perfil, se convirtieron en una característica importante de la tradición. Esto recibió un énfasis particular bajo el emperador Akbar el Grande , que parece haber sido disléxico y apenas podía leer o escribir. Hizo un gran álbum ( muraqqa ) con retratos de todos los miembros principales de su enorme corte, y lo utilizó cuando consideró nombramientos en todo el imperio con sus asesores. [100]
Los emperadores posteriores, especialmente Jahangir y Shah Jahan , hicieron un gran uso de retratos en miniatura idealizados de ellos mismos como una forma de propaganda, distribuyéndolos a aliados importantes. Estos a menudo presentaban halos más grandes que los que se les daban a las figuras religiosas. Estas imágenes difundieron la idea del retrato del gobernante a las cortes más pequeñas, de modo que en el siglo XVIII muchos pequeños rajás contrataban a artistas de la corte para que los retrataran disfrutando de actividades principescas en imágenes bastante estilizadas que combinan sentidos de informalidad y majestuosidad.
Las miniaturas otomanas generalmente tenían figuras con rostros aún menos individualizados que sus equivalentes persas, pero se desarrolló un género de pequeños retratos de varones de la familia imperial. Estos tenían rasgos muy individuales y bastante exagerados, algunos rayando en las caricaturas ; probablemente solo los veía un círculo muy restringido.
La dinastía persa Qajar , a partir de 1781, se dedicó a los grandes retratos reales al óleo, así como a las miniaturas y a los tapices textiles, en los que predominaban los magníficos trajes y las largas barbas de los shahs.
La pintura china de retratos tardó en desear o conseguir una semejanza real. Muchos "retratos" eran de personajes famosos del pasado y mostraban una idea de cómo debía ser esa persona. El clero budista, especialmente en la escultura, era una especie de excepción a esta regla. Durante mucho tiempo, los retratos del emperador nunca se mostraron en público, en parte por temor a que un maltrato hacia ellos pudiera deshonrar al emperador o incluso causar mala suerte. A los ministros de más alto rango se les permitía una vez al año rendir homenaje a las imágenes de la galería imperial de retratos de antepasados, como un honor especial.
Durante la dinastía Han , el auge del confucianismo , que consideraba al ser humano como el centro del universo y la sociedad, condujo a un enfoque en el estudio psicológico. Mientras tanto, los eruditos taoístas comenzaron el estudio de la fisonomía . Los intereses combinados en las características físicas y psicológicas humanas provocaron un crecimiento en la biografía y el retrato. Las pinturas de retratos creadas durante la dinastía Han se consideraron prototipos de las primeras pinturas de retratos chinos, la mayoría de las cuales se encontraron en las paredes de los salones de palacio, cámaras funerarias y santuarios de ofrendas. Por ejemplo, la figura grabada de un hombre encontrada en una losa de una tumba del oeste de Henan que data del siglo III a. C. indica la observación y el deseo del pintor de crear figuras animadas. Sin embargo, los sujetos de la mayoría de los retratos de pared son figuras anónimas que participan en una conversación. A pesar de la vívida representación de los rasgos físicos y la expresión facial, debido a la falta de identidad y el estrecho vínculo con el contexto narrativo, muchos eruditos categorizan estas pinturas murales de la dinastía Han como "figuras de personajes en acción" en lugar de semejanzas reales de individuos específicos. [101]
La dinastía Jin fue uno de los períodos más turbulentos de la historia de la China antigua. Después de décadas de guerras entre los tres estados de Wei , Shu y Wu, desde el 184 hasta el 280 d. C., Sima Yan finalmente fundó la dinastía Jin occidental en el 266 d. C. El inestable entorno sociopolítico y la decadencia de la autoridad imperial dieron como resultado una transición del confucianismo al neodaoísmo . A medida que florecía la actitud de romper la jerarquía social y el decoro, la autoexpresión y el individualismo comenzaron a crecer entre la intelectualidad.
Los siete sabios del bosque de bambú y Rong Qiqi es una pintura en relieve sobre azulejo encontrada en una tumba de ladrillo de la dinastía Jin en Nanjing . El relieve mide 96 pulgadas de largo y 35 pulgadas de ancho, con más de 300 ladrillos. Es una de las pinturas en relieve mejor conservadas de la dinastía Jin que refleja una artesanía de alta calidad. Hay dos partes del relieve y cada una contiene cuatro retratos de figuras. Según los nombres inscritos junto a las figuras, de arriba a abajo y de izquierda a derecha, las ocho figuras son Rong Qiqi , Ruan Xian , Liu Ling , Xiang Xiu , Ji Kang , Ruan Ji , Shan Tao y Wang Rong . Aparte de Rong Qiqi, las otras siete personas eran famosos eruditos neodaoístas de la dinastía Jin y eran conocidos como los " Siete sabios del bosque de bambú ". Se trataba de eminentes intelectuales con gran talento literario, musical o filosófico. El relieve muestra una escena narrativa en la que ocho caballeros cultos se sientan en el suelo del bosque y realizan diversas actividades. Las figuras se representan en una postura relajada y ensimismada, con prendas sueltas y los pies descalzos.
Las inscripciones de nombres registradas históricamente junto a las figuras hacen que la pintura en relieve funcione como "el retrato representa a personas específicas". [102] Además, los detalles iconográficos de cada figura basados en la biografía brindan un grado de individualización. Por ejemplo, la biografía de Liu Ling en el Libro de Jin registra su obsesión con el alcohol. En la pintura en relieve, la figura de Liu Ling se sienta en una postura informal con una rodilla curvada y sostiene un erbei , un recipiente para alcohol, mientras sumerge la otra mano en la taza para probar la bebida. El retrato refleja la esencia de las características y el temperamento de Liu Ling. La figura de Ruan Xian, que era famosa por su talento musical según el Libro de Jin, toca una flauta en el retrato.
Gu Kaizhi , uno de los artistas más famosos de la dinastía Jin del Este, enseñó cómo reflejar las características del modelo a través de una representación precisa de los rasgos físicos en su libro Sobre la pintura . También hizo hincapié en la captura del espíritu del modelo a través de una representación vívida de los ojos. [101]
Durante la dinastía Tang , hubo un aumento de la humanización y la personalización en la pintura de retratos. Debido a la influencia del budismo , el retrato en la pintura adoptó una apariencia más realista, especialmente para los retratos de los monjes. La creencia en la "incorruptibilidad temporal" del cuerpo inmortal en el budismo Mahayana vinculaba la presencia en una imagen con la presencia en la realidad. El retrato era considerado como la encarnación visual y el sustituto de una persona real. Por lo tanto, la verdadera semejanza era muy valorada en las pinturas y estatuas de los monjes. [101] La pintura mural de retratos de la dinastía Tang valora la calidad espiritual: la "animación a través de la consonancia espiritual" ( qi yun shen tong ). [103]
En cuanto al retrato imperial, el emperador Taizong , segundo emperador de la dinastía Tang, utilizó retratos para legitimar la sucesión y reforzar el poder. Encargó el Retrato de los emperadores sucesores, que contiene los retratos de 13 emperadores de las dinastías anteriores en orden cronológico. Lo común entre los emperadores seleccionados era que eran hijos de los fundadores de las dinastías. Dado que el padre del emperador Taizong, el emperador Gaozu , fue el fundador de la dinastía Tang, la selección por parte del emperador Taizong de los emperadores anteriores en la misma posición que él sirvió como una alusión política. Su sucesión estaba bajo duda y crítica desde que asesinó a dos de sus hermanos y obligó a su padre a cederle el trono. Al encargar los retratos colectivos de los emperadores anteriores, pretendía legitimar la transmisión del reinado. Además, la diferencia en los trajes de los emperadores retratados implicaba la opinión del emperador Taizong sobre ellos. Los emperadores retratados con trajes informales eran considerados malos ejemplos de un gobernante, como ser débiles o violentos, mientras que los que vestían trajes formales eran considerados como los que consiguieron logros civiles o militares. El encargo fue un método indirecto del emperador Taizong para proclamar que sus logros habían superado a los de los emperadores precedentes. El emperador Taizong también encargó una serie de retratos de eruditos e intelectuales famosos antes de convertirse en emperador. Intentó hacerse amigo de los intelectuales colocando los retratos en la pared del Pabellón Pingyan como señal de respeto. Los retratos también sirvieron como evidencia de que había obtenido el apoyo político de los eruditos famosos retratados para asustar a sus oponentes. Durante su reinado, el emperador Taizong encargó retratos de sí mismo recibiendo ofrendas de los embajadores de los países extranjeros conquistados para celebrar y publicitar sus logros militares. [104]
Durante la dinastía Song , el emperador Gaozong encargó retratos de Confucio y setenta y dos discípulos ( sheng xian tu ) sobre un fondo blanco con una inscripción manuscrita. Las figuras estaban retratadas con líneas vívidas, gestos animados y las expresiones faciales tenían una calidad narrativa. El retrato de los santos y sus discípulos se encontró en una placa de piedra en la pared de la Universidad Imperial como un código moral para educar a los estudiantes. Sin embargo, los académicos argumentaron que el verdadero propósito del encargo del emperador Gaozong era anunciar que sus políticas estaban respaldadas por el confucianismo, así como su control sobre la herencia confuciana. [105]
La dinastía Yuan fue un momento decisivo en la historia de China. Después de que el Imperio mongol conquistara China continental y pusiera fin a la dinastía Song, la intelectualidad tradicional china se vio ante el dilema de elegir entre aislarse del gobierno extranjero o emprender una nueva carrera política. Los retratos de "hombres de cultura" ( wen ren hua ) de ese período reflejan este dilema. Por ejemplo, el retrato de Yang Qian lo muestra de pie en un bosque de bambú. Si bien el bambú simboliza su rectitud moral, el espacio medio cerrado y medio abierto del fondo alude a su potencial de elegir entre la reclusión y servir en el gobierno mongol. [106]
En cuanto al retrato imperial, el Retrato de Kublai y el Retrato de Chabi del pintor imperial mongol Araniko en 1294 reflejan la fusión de las técnicas tradicionales de retrato imperial chino y el valor estético mongol-himalaya. Kublai Khan fue retratado como un hombre mayor, mientras que la emperatriz Chabi fue representada como joven, ambos con trajes imperiales mongoles tradicionales. Araniko adoptó la técnica de retrato chino, como delinear la forma con tinta y reforzarla con color, mientras que los reflejos en las joyas de Chabi con el mismo tono pero un valor más claro demostraron ser una continuación del estilo himalaya. La orientación completamente frontal de los modelos y su pupila centrada añaden un impacto de confrontación al espectador, lo que refleja la estética y el estilo nepalíes. La composición altamente simétrica y la representación rígida del cabello y la ropa diferían del estilo de pintura de la dinastía Song anterior. Hay pocas insinuaciones sobre el mérito moral de los modelos o su personalidad, lo que indica un distanciamiento del pintor con respecto al modelo, lo que contradice el énfasis de la dinastía Song en la captura del espíritu. [107]
Durante la dinastía Qing , el retrato de la corte europea del siglo XVIII, en el que se representaba a los aristócratas realizando diversas actividades con diferentes trajes, fue importado a China. El emperador Yongzheng y su hijo, el emperador Qianlong , encargaron una serie de pinturas de retratos de mascarada con diversas implicaciones políticas. En la mayoría de los retratos de mascarada del emperador Yongzheng, este viste trajes exóticos, como el traje de caballero europeo. La falta de inscripción en la pintura del retrato no deja clara su intención, pero algunos estudiosos creen que el traje exótico refleja su interés por la cultura extranjera y su deseo de gobernar el mundo. En comparación con la actitud ambigua del emperador Yongzheng, el emperador Qianlong escribió inscripciones en sus retratos de mascarada para anunciar su filosofía del "Camino de Gobernar", que consistía en ocultar y engañar para que sus subordinados y enemigos no pudieran rastrear sus estrategias. En comparación con el entusiasmo del Emperador Yongzheng por los trajes exóticos, el Emperador Qianlong mostró más interés en los trajes tradicionales chinos, como vestirse como un erudito confuciano, un sacerdote taoísta y un monje budista, lo que manifiesta su deseo de conquistar la herencia tradicional china.
El emperador Qianlong encargó el Mensaje de paz de la primavera después de heredar el trono de su padre, que es un retrato doble de él y su padre vestidos con ropas de erudito confuciano en lugar de las tradicionales túnicas manchúes, de pie uno al lado del otro junto a bambúes. Los eruditos creen que el encargo tenía como objetivo legitimar su sucesión al trono enfatizando la similitud física entre él y su padre, como la estructura facial, la vestimenta y el peinado idénticos. El bosque de bambú en el fondo indica su rectitud moral propuesta por el confucianismo tradicional. El retrato muestra al emperador Yongzheng, que está en una escala más grande, entregando una rama floreciente al emperador Qianlong como metáfora política de la autoridad imperial para reinar. El emperador Qianlong también publicitó su piedad filial propuesta por el confucianismo posando en un gesto modesto. [108]
El pintor jesuita Giuseppe Castiglione pasó 50 años en la corte imperial antes de morir en 1766 y fue pintor de la corte de tres emperadores. En sus retratos, como en otros géneros, combinó aspectos del estilo tradicional chino con la pintura occidental contemporánea.
La pintura de retratos de mujeres en la antigua China desde la dinastía Han hasta la dinastía Qing (206 a. C. – 1912) se desarrolló bajo gran impacto de la cosmología patriarcal confuciana, sin embargo, el tema y el estilo variaron según la cultura de cada dinastía.
En la dinastía Han (206 a. C. – 220 d. C.), las mujeres en los retratos eran principalmente un tipo más que un individuo específico. El tema principal eran las mujeres ejemplares idealizadas ( lie nü ) con virtudes impulsadas por el confucianismo, como la castidad y la triple obediencia ( san cong ) al padre, al marido y al hijo. El rollo de mano de Gu Kaizhi Mujeres ejemplares (lie nü tu), creado poco después de la dinastía Han, representa este género.
En la dinastía Tang (618-906), las mujeres de palacio ( shi nü ) que realizaban tareas cotidianas o entretenimiento se convirtieron en un tema popular. La belleza femenina y el encanto de las damas de palacio eran valorados, pero el tema permaneció inespecífico bajo el nombre de pintura "Damas de palacio". Las características fomentadas por el confucianismo, como la sumisión y la amabilidad, se incluyeron como estándares de belleza y se enfatizaron en el retrato. Los pintores buscaban la corrección y la semejanza de la modelo y apuntaban a revelar la pureza del alma.
En la dinastía Song (960-1279), los retratos de mujeres se basaban en poemas de amor escritos por poetas de la corte. Aunque se las representaba viviendo en un ambiente lujoso y en viviendas cómodas, las mujeres de las pinturas solían ser retratadas como solitarias y melancólicas porque se sentían abandonadas o atrapadas en las tareas domésticas mientras sus maridos se quedaban fuera y se dedicaban a sus carreras. Los escenarios más comunes incluyen un camino de jardín vacío y un sofá de plataforma vacío que insinúan la ausencia de figuras masculinas. Los fondos más comunes incluyen árboles en flor que se asociaban con la belleza y árboles de plátano que simbolizaban la vulnerabilidad de las mujeres.
En la dinastía Ming (1368-1644), la pintura literaria ( wenren hua ), que combinaba pintura, caligrafía y poesía, se convirtió en una tendencia popular entre las élites. La mayoría de las mujeres en la pintura literaria eran figuras abstractas que servían como metáfora visual y permanecían en el anonimato. En la dinastía Qing (1644-1912), la pintura literaria adquirió más variedad de pinceladas y uso de colores brillantes. [109]
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![Maarten van Heemskerck (1498-1574), familia de Pieter Jan Foppesz, antes de c.1532, considerado el primer retrato familiar del retrato holandés.[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3c/Marten_van_Heemskerck_003.jpg/1280px-Marten_van_Heemskerck_003.jpg)
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