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El cine musical es un género cinematográfico en el que las canciones de los personajes se entrelazan con la narración, a veces acompañadas de baile. Las canciones suelen hacer avanzar la trama o desarrollar los personajes de la película, pero en algunos casos, sirven simplemente como pausas en la trama, a menudo como elaborados "números de producción".
El cine musical fue una evolución natural del musical teatral tras la aparición de la tecnología cinematográfica sonora. Normalmente, la mayor diferencia entre el cine y los musicales teatrales es el uso de decorados y localizaciones suntuosas que serían poco prácticos en un teatro. Las películas musicales suelen contener elementos que recuerdan al teatro; los intérpretes suelen tratar sus números de canto y baile como si los estuviera viendo un público en vivo. En cierto sentido, el espectador se convierte en el público diegético , ya que el intérprete mira directamente a la cámara y actúa para ella.
Con la llegada del sonido a finales de la década de 1920, los musicales ganaron popularidad entre el público y están ejemplificados por las películas de Busby Berkeley , un coreógrafo conocido por sus distintivas y elaboradas piezas escenográficas con múltiples coristas. Estos fastuosos números de producción están tipificados por su trabajo coreográfico en 42nd Street , Gold Diggers of 1933 , Footlight Parade (todas de 1933). Durante la década de 1930, las películas musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers se convirtieron en elementos culturales masivos a los ojos del público estadounidense. Estas películas incluyeron Top Hat (1935), Follow the Fleet , Swing Time (ambas de 1936) y Shall We Dance (1937). El mago de Oz (1939) de Victor Fleming se convertiría en una película histórica para los musicales cinematográficos, ya que experimentó con nuevas tecnologías como el Technicolor .
Durante las décadas de 1940 y 1950, se estrenaron regularmente películas musicales de los musicales de MGM . Estas obras incluyeron: Meet Me in St. Louis (1944), Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Singin' in the Rain (1952), The Band Wagon (1953), High Society (1956) y Gigi (1958). Durante este tiempo, las películas fuera de la unidad Arthur Freed en MGM incluyeron Holiday Inn (1942), White Christmas (1954) y Funny Face (1957), así como Oklahoma! (1955), The King and I (1956), Carousel y South Pacific (1958). Estas películas de la época generalmente dependían del poder estelar de estrellas de cine como Fred Astaire , Gene Kelly , Bing Crosby , Frank Sinatra , Judy Garland , Ann Miller , Kathryn Grayson y Howard Keel . También dependían de directores de cine como Stanley Donen y Vincente Minnelli , así como de los compositores Comden y Green , Rodgers y Hammerstein , Irving Berlin , Cole Porter y los hermanos Gershwin .
Durante la década de 1960, las películas basadas en musicales teatrales continuaron siendo éxitos de crítica y taquilla. Estas películas incluyeron West Side Story (1961), Gypsy (1962), The Music Man (1962), Bye Bye Birdie (1963), My Fair Lady , Mary Poppins (ambas de 1964), The Sound of Music (1965), A Funny Thing Happened on the Way to the Forum , How to Succeed in Business Without Really Trying , Thoroughly Modern Millie (todas de 1967), Oliver! y Funny Girl (ambas de 1968). En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la demografía cambiante de los espectadores de cine pusieron mayor énfasis en el realismo crudo, mientras que el entretenimiento puro y la teatralidad de los musicales de la era clásica de Hollywood se vieron como anticuados. A pesar de esto, Scrooge (1970), Willy Wonka y la fábrica de chocolate (1971), El violinista en el tejado (1971), Cabaret (1972), 1776 (1972), Bedknobs and Broomsticks (1971) y Pete's Dragon (1977) de Disney, así como Grease y El mago (ambas de 1978), fueron musicales más tradicionales adaptados de espectáculos teatrales y fueron grandes éxitos entre la crítica y el público. A lo largo de las décadas de 1980 y 1990, los musicales tendieron a provenir principalmente de las películas animadas de Disney de la época, de compositores y letristas, Howard Ashman , Alan Menken y Stephen Schwartz . El renacimiento de Disney comenzó con La Sirenita de 1989 , seguida de La Bella y la Bestia (1991), Aladino (1992), El Rey León (1994), Pocahontas (1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997) y Mulán (1998).
Desde el siglo XXI, el género musical se rejuveneció con musicales más oscuros, biopics musicales, remakes musicales, musicales de drama épico y musicales de drama de comedia como Moulin Rouge! (2001), Chicago (2002), El fantasma de la ópera (2004), Rent (2005), Dreamgirls , Idlewild (ambos de 2006), Across the Universe , Enchanted , Hairspray , Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (todos de 2007), Mamma Mia! (2008), Nine (2009), Los Teleñecos (2011), Los Miserables (2012), Into the Woods , Muppets Most Wanted (ambos de 2014), La La Land (2016), La bella y la bestia , El gran showman (ambos de 2017), Mamma Mia! ¡Aquí vamos de nuevo! , Ha nacido una estrella , El regreso de Mary Poppins , Bohemian Rhapsody (todas de 2018), Aladdin , Rocketman , El rey león (todas de 2019), In the Heights , Respeto , Querido Evan Hansen , Cyrano , Todo el mundo habla de Jamie , Tic, tic… ¡Boom!, West Side Story (todas de 2021) , Elvis , Spirited , Desencantada , Matilda el musical , Whitney Houston: Quiero bailar con alguien (todas de 2022) , La sirenita , Dicks: el musical , Wonka , El color púrpura (todas de 2023) , Chicas pesadas , Bob Marley: Un amor , Wicked , Mufasa: El rey león (todas de 2024) .
Se considera que la década de 1930 y principios de 1950 fue la época dorada del cine musical, cuando la popularidad del género alcanzó su punto más alto en el mundo occidental . Blancanieves y los siete enanitos de Disney , la primera película animada de Disney, fue un musical que ganó un Oscar honorario para Walt Disney en la 11.ª edición de los Premios Óscar .
Los cortometrajes musicales fueron realizados por Lee de Forest en 1923-24. A partir de 1926, se realizaron miles de cortometrajes Vitaphone , muchos con bandas, vocalistas y bailarines. Los primeros largometrajes con sonido sincronizado solo tenían una banda sonora de música y efectos de sonido ocasionales que se reproducían mientras los actores interpretaban a sus personajes tal como lo hacían en las películas mudas: sin diálogos audibles. [1] The Jazz Singer , estrenada en 1927 por Warner Brothers , fue la primera en incluir una pista de audio que incluía música no diegética y música diegética, pero solo tenía una secuencia corta de diálogo hablado. Este largometraje también era un musical, con Al Jolson cantando "Dirty Hands, Dirty Face", "Toot, Toot, Tootsie", " Blue Skies " y " My Mammy ". El historiador Scott Eyman escribió: "Cuando la película terminó y los aplausos crecieron con las luces de la sala, la esposa de Sam Goldwyn , Frances, miró a las celebridades entre la multitud. Vio 'terror en todos sus rostros', dijo, como si supieran que 'el juego que habían estado jugando durante años finalmente había terminado'". [2] Aún así, solo secuencias aisladas presentaban sonido "en vivo"; la mayor parte de la película tenía solo una banda sonora sincrónica. [1] En 1928, Warner Brothers siguió con otra película parcialmente hablada de Jolson, The Singing Fool , que fue un éxito de taquilla. [1] Los cines se apresuraron a instalar el nuevo equipo de sonido y contratar a compositores de Broadway para escribir musicales para la pantalla. [3] El primer largometraje totalmente hablado, Lights of New York , incluyó una secuencia musical en un club nocturno. El entusiasmo de la audiencia fue tan grande que en menos de un año todos los estudios principales estaban haciendo películas sonoras exclusivamente. The Broadway Melody (1929) tenía una trama de espectáculo sobre dos hermanas que competían por un encantador cantante y bailarín. Anunciada por MGM como la primera película "All-Talking, All-Singing, All-Dancing", fue un éxito y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en 1929. Hubo una prisa por parte de los estudios para contratar talentos del teatro para protagonizar versiones lujosamente filmadas de éxitos de Broadway. The Love Parade (Paramount 1929) fue protagonizada por Maurice Chevalier y la debutante Jeanette MacDonald , escrita por el veterano de Broadway Guy Bolton . [3]
Warner Brothers produjo la primera opereta cinematográfica, The Desert Song, en 1929. No escatimaron en gastos y fotografiaron un gran porcentaje de la película en Technicolor . A esto le siguió el primer largometraje musical a todo color y con diálogos, titulado On with the Show (1929). La película más popular de 1929 fue el segundo largometraje a todo color y con diálogos, titulado Gold Diggers of Broadway (1929). Esta película rompió todos los récords de taquilla y siguió siendo la película más taquillera jamás producida hasta 1939. De repente, el mercado se inundó de musicales, revistas y operetas. Solo en 1929 y 1930 se produjeron los siguientes musicales en color: The Hollywood Revue of 1929 (1929), The Show of Shows (1929), Sally (1929), The Vagabond King (1930), Follow Thru (1930), Bright Lights (1930), Golden Dawn (1930), Hold Everything (1930), The Rogue Song (1930), Song of the Flame (1930), Song of the West (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Under a Texas Moon (1930), Bride of the Regiment (1930), Whoopee! (1930), King of Jazz (1930), Viennese Nights (1930) y Kiss Me Again (1930). Además, se estrenaron decenas de musicales con secuencias en color.
Hollywood estrenó más de 100 películas musicales en 1930, pero solo 14 en 1931. [4] A finales de 1930, el público estaba sobresaturado de musicales y los estudios se vieron obligados a cortar la música de las películas que se estrenaban en ese momento. Por ejemplo, Life of the Party (1930) se produjo originalmente como una comedia musical a todo color y con diálogos. Sin embargo, antes de su estreno, se cortaron las canciones. Lo mismo ocurrió con Fifty Million Frenchmen (1931) y Manhattan Parade (1932), ambas filmadas íntegramente en Technicolor . Marlene Dietrich cantó canciones con éxito en sus películas, y Rodgers y Hart escribieron algunas películas bien recibidas, pero incluso su popularidad disminuyó en 1932. [4] El público había llegado rápidamente a asociar el color con los musicales y, por lo tanto, la disminución de su popularidad también resultó en una disminución de las producciones en color.
El gusto por los musicales resurgió en 1933, cuando el director Busby Berkeley comenzó a mejorar el número de baile tradicional con ideas extraídas de la precisión de los ejercicios que había experimentado como soldado durante la Primera Guerra Mundial . En películas como 42nd Street y Gold Diggers of 1933 (1933), Berkeley coreografió varias películas con su estilo único. Los números de Berkeley suelen comenzar en un escenario, pero gradualmente trascienden las limitaciones del espacio teatral: sus ingeniosas rutinas, que involucran cuerpos humanos formando patrones como un caleidoscopio, nunca podrían encajar en un escenario real y la perspectiva pretendida es verlas desde arriba. [5]
Estrellas musicales como Fred Astaire y Ginger Rogers se encontraban entre las personalidades más populares y respetadas de Hollywood durante la era clásica; la pareja Fred y Ginger tuvo un éxito especial, lo que dio como resultado varias películas clásicas, como Top Hat (1935), Swing Time (1936) y Shall We Dance (1937). Muchos actores dramáticos participaron con gusto en musicales como una forma de romper con su encasillamiento. Por ejemplo, el talentoso James Cagney había saltado a la fama originalmente como cantante y bailarín de teatro, pero su reiterado papel de "tipo duro" y películas de mafiosos le dio pocas oportunidades de mostrar estos talentos. El papel de Cagney, ganador del Oscar , en Yankee Doodle Dandy (1942) le permitió cantar y bailar, y lo consideró uno de sus mejores momentos.
Muchas comedias (y algunos dramas) incluían sus propios números musicales. Las películas de los Hermanos Marx incluían un número musical en casi todas, lo que les permitía destacar su talento musical. Su última película, titulada Love Happy (1949), contaba con la participación de Vera-Ellen , considerada la mejor bailarina entre sus colegas y profesionales del medio siglo.
De manera similar, el comediante vodevilesco WC Fields unió fuerzas con la actriz cómica Martha Raye y el joven comediante Bob Hope en la antología musical de Paramount Pictures The Big Broadcast of 1938. La película también mostró los talentos de varios artistas musicales reconocidos internacionalmente, entre ellos: Kirsten Flagstad (soprano operística noruega), Wilfred Pelletier (director canadiense de la Orquesta de la Ópera Metropolitana ), Tito Guizar (tenor mexicano), Shep Fields dirigiendo su Rippling Rhythm Jazz Orchestra y John Serry Sr. (acordeonista de concierto ítalo-estadounidense). [6] Además del Premio de la Academia a la Mejor Canción Original (1938), la película ganó un Premio de Cine y Televisión ASCAP (1989) por la canción insignia de Bob Hope " Thanks for the Memory ". [7]
A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, una unidad de producción de la Metro-Goldwyn-Mayer dirigida por Arthur Freed hizo la transición de las películas musicales anticuadas, cuya fórmula se había vuelto repetitiva, a algo nuevo. (Sin embargo, también produjeron remakes en Technicolor de musicales como Show Boat , que ya se había filmado en la década de 1930). En 1939, Freed fue contratado como productor asociado de la película Babes in Arms . A partir de 1944 con Meet Me in St. Louis , la Unidad Freed trabajó de forma algo independiente de su propio estudio para producir algunos de los ejemplos más populares y conocidos del género. Los productos de esta unidad incluyen Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Singin' in the Rain (1952), The Band Wagon (1953) y Gigi (1958). Los musicales no liberados del estudio incluyeron Seven Brides for Seven Brothers en 1954 y High Society en 1956, y el estudio distribuyó Guys and Dolls de Samuel Goldwyn en 1955.
En esta época, las estrellas musicales se convirtieron en nombres conocidos, entre ellas, Judy Garland , Gene Kelly , Ann Miller , Donald O'Connor , Cyd Charisse , Mickey Rooney , Vera-Ellen , Jane Powell , Howard Keel y Kathryn Grayson . Fred Astaire también salió de su retiro para el Desfile de Pascua y regresó de forma permanente.
Los demás estudios de Hollywood demostraron ser igualmente hábiles a la hora de abordar el género en esta época, particularmente en la década de 1950. Cuatro adaptaciones de los programas de Rodgers y Hammerstein - Oklahoma! , El rey y yo , Carrusel y South Pacific - fueron éxitos, mientras que Paramount Pictures lanzó White Christmas y Funny Face , dos películas que utilizaron música previamente escrita por Irving Berlin y los Gershwin, respectivamente. Warner Bros. produjo Calamity Jane y A Star Is Born ; la primera película fue un vehículo para Doris Day , mientras que la segunda proporcionó un regreso a la pantalla grande para Judy Garland, que había estado fuera de los focos desde 1950. Mientras tanto, el director Otto Preminger , más conocido por sus "películas con mensaje", hizo Carmen Jones y Porgy and Bess , ambas protagonizadas por Dorothy Dandridge , considerada la primera estrella de cine afroamericana de primera línea. El célebre director Howard Hawks también se aventuró en el género con Los caballeros las prefieren rubias .
En los años 1960, 1970 y hasta hoy, el cine musical dejó de ser un género rentable y en el que se podía confiar para conseguir un éxito asegurado. El público que lo veía disminuyó y se produjeron menos películas musicales a medida que el género se volvía menos convencional y más especializado.
En la década de 1960, el éxito de crítica y taquilla de las películas West Side Story , Gypsy , The Music Man , Bye Bye Birdie , My Fair Lady , Mary Poppins , The Sound of Music , A Funny Thing Happened on the Way to the Forum , El libro de la selva , Thoroughly Modern Millie , Oliver! y Funny Girl sugirieron que el musical tradicional gozaba de buena salud, mientras que los musicales de jazz del cineasta francés Jacques Demy Los paraguas de Cherburgo y Las señoritas de Rochefort fueron populares entre los críticos internacionales. Sin embargo, los gustos musicales populares se vieron muy afectados por el rock and roll y la libertad y la juventud asociadas con él, y de hecho Elvis Presley hizo algunas películas que se han equiparado a los viejos musicales en términos de forma. A Hard Day's Night y Help!, protagonizadas por los Beatles , fueron audaces. La mayoría de las películas musicales de las décadas de 1950 y 1960, como Oklahoma! y Sonrisas y lágrimas fueron adaptaciones directas o puestas en escena de producciones teatrales exitosas. Los musicales más exitosos de la década de 1960 creados específicamente para el cine fueron Mary Poppins y El libro de la selva , dos de los mayores éxitos de Disney de todos los tiempos.
El fenomenal desempeño en taquilla de The Sound of Music dio a los principales estudios de Hollywood más confianza para producir musicales largos y de gran presupuesto. A pesar del rotundo éxito de algunas de estas películas, Hollywood también produjo una gran cantidad de fracasos musicales a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970 que parecieron juzgar gravemente mal el gusto del público. Las películas que no tuvieron éxito comercial o crítico incluyeron Camelot , Finian's Rainbow , Hello Dolly!, Sweet Charity , Doctor Dolittle , Half a Sixpence , The Happiest Millionaire , Star!, Darling Lili , Goodbye, Mr. Chips , Paint Your Wagon , Song of Norway , On a Clear Day You Can See Forever , 1776 , Man of La Mancha , Lost Horizon y Mame . Colectivamente e individualmente, estos fracasos afectaron la viabilidad financiera de varios estudios importantes.
En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la demografía cambiante de los espectadores hicieron mayor hincapié en el realismo crudo, mientras que el entretenimiento puro y la teatralidad de los musicales de la era clásica de Hollywood se consideraban anticuados. A pesar de esto, El violinista en el tejado y Cabaret eran musicales más tradicionales adaptados de espectáculos teatrales y fueron un gran éxito entre la crítica y el público. El cambio de las costumbres culturales y el abandono del Código Hays en 1968 también contribuyeron a cambiar los gustos de los espectadores de cine. La película de 1973 de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice Jesucristo Superstar fue recibida con algunas críticas por parte de grupos religiosos, pero fue bien recibida. A mediados de la década de 1970, los cineastas evitaron el género a favor de utilizar música de bandas populares de rock o pop como música de fondo, en parte con la esperanza de vender un álbum de banda sonora a los fanáticos. The Rocky Horror Picture Show se estrenó originalmente en 1975 y fue un fracaso crítico hasta que comenzaron las proyecciones de medianoche en la década de 1980, cuando alcanzó el estatus de culto. Ese mismo año también se estrenó la película Train Ride to Hollywood de la banda de R&B Bloodstone , pero los problemas de distribución hicieron que apenas tuviera un estreno simbólico en las salas de cine. [8] El año 1976 vio el lanzamiento del musical cómico de bajo presupuesto, The First Nudie Musical , lanzado por Paramount. La versión cinematográfica de 1978 de Grease fue un gran éxito; sus canciones eran composiciones originales hechas en un estilo pop de los años 50. Sin embargo, la secuela Grease 2 (lanzada en 1982) fracasó en la taquilla. Se produjeron películas sobre artistas que incorporaron drama valiente y números musicales entrelazados como parte diegética de la historia, como Lady Sings the Blues , All That Jazz y New York, New York . Algunos musicales hechos en Gran Bretaña experimentaron con la forma, como Oh ! ¡Qué guerra tan bonita! (estrenada en 1969), Bugsy Malone , de Alan Parker , y Tommy y Lisztomania , de Ken Russell .
Todavía se estaban haciendo varias películas musicales que tuvieron menos éxito financiero y/o crítico que en la época dorada de los musicales. Entre ellas se incluyen 1776 , The Wiz , At Long Last Love , Mame , Man of La Mancha , Lost Horizon , Godspell , Phantom of the Paradise , Funny Lady ( la secuela de Funny Girl de Barbra Streisand ), A Little Night Music y Hair , entre otras. La ira crítica contra At Long Last Love , en particular, fue tan fuerte que nunca se estrenó en vídeo doméstico. Las películas musicales de fantasía Scrooge , The Blue Bird , El principito , Willy Wonka y la fábrica de chocolate , Pete's Dragon y Bedknobs and Broomsticks de Disney también se estrenaron en la década de 1970, esta última ganó el Premio de la Academia a los mejores efectos visuales .
En la década de 1980, los financieros se sintieron cada vez más confiados en el género musical, en parte impulsados por la relativa salud del musical en Broadway y el West End de Londres . Las producciones de las décadas de 1980 y 1990 incluyeron The Apple , Xanadu , The Blues Brothers , Annie , Monty Python's The Meaning of Life , The Best Little Whorehouse in Texas , Victor/Victoria , Footloose , Fast Forward , A Chorus Line , Little Shop of Horrors , Forbidden Zone , Absolute Beginners , Labyrinth , Evita y Everyone Says I Love You . Sin embargo, Can't Stop the Music , protagonizada por Village People , fue un intento calamitoso de resucitar el musical de estilo antiguo y se estrenó con indiferencia del público en 1980. Little Shop of Horrors se basó en una adaptación musical fuera de Broadway de una película de Roger Corman de 1960, un precursor de posteriores adaptaciones de película a teatro a película, incluyendo The Producers .
Muchas películas animadas de la época, predominantemente de Disney , incluyeron números musicales tradicionales. Howard Ashman , Alan Menken y Stephen Schwartz tenían experiencia previa en teatro musical y escribieron canciones para películas animadas durante esta época, suplantando a los caballos de batalla de Disney, los hermanos Sherman . A partir de La sirenita de 1989 , el renacimiento de Disney dio nueva vida al cine musical. Otros musicales animados exitosos incluyeron Aladdin , El jorobado de Notre Dame y Pocahontas de Disney propiamente dicho, Pesadilla antes de Navidad de la división Disney Touchstone Pictures, El príncipe de Egipto de DreamWorks, Anastasia de Fox y Don Bluth, Ocho noches locas de Columbia y South Park: más grande, más largo y sin cortes de Paramount. La bella y la bestia , El rey león y otros fueron adaptados para el teatro después de su éxito de taquilla.
En el siglo XXI, los musicales cinematográficos renacieron con musicales más oscuros, biopics musicales, musicales de drama épico y musicales de drama de comedia como O Brother, Where Art Thou?, Moulin Rouge!, Chicago , Walk the Line , Dreamgirls , Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street , Les Misérables , La La Land y West Side Story ; todas las cuales ganaron el Globo de Oro a la Mejor Película - Musical o Comedia en sus respectivos años, mientras que películas como El fantasma de la ópera , Hairspray , Mamma Mia!, Nine , Into the Woods , El gran showman , El regreso de Mary Poppins , Rocketman , Cyrano , Tick, Tick... Boom!, Elvis y El color púrpura solo fueron nominadas. Chicago también fue el primer musical desde Oliver! en ganar Mejor Película en los Premios de la Academia.
El documental nominado al premio Oscar de Joshua Oppenheimer, The Act of Killing, puede considerarse un musical de no ficción. [9]
Una tendencia musical específica fue el creciente número de musicales de gramola basados en música de varios artistas pop/rock en la pantalla grande, algunos de los cuales basados en espectáculos de Broadway. Ejemplos de películas musicales de gramola basadas en Broadway incluyeron Mamma Mia! ( ABBA ), Rock of Ages y Sunshine on Leith ( The Proclaimers ). Las originales incluyeron Across the Universe ( The Beatles ), Moulin Rouge! (varios éxitos pop), Idlewild ( Outkast ) y Yesterday ( The Beatles ).
Disney también regresó a los musicales con Encantada , La princesa y el sapo , Enredados , Winnie the Pooh , Los Teleñecos , Frozen , Los Teleñecos más buscados , En el bosque , Moana , El regreso de Mary Poppins , Frozen II , Encanto , Mejor Nate que nunca , Desencantada , Deseo , Moana 2 y Mufasa: El rey león . Después de una serie de éxitos con adaptaciones de fantasía de acción real de varias de sus películas animadas , Disney produjo una versión de acción real de La bella y la bestia , la primera de este paquete de adaptación de fantasía de acción real en ser un musical completo, y presenta nuevas canciones, así como nuevas letras tanto para el número de Gastón como para la repetición de la canción principal. Bill Condon , quien dirigió Dreamgirls , dirigió La bella y la bestia . La segunda película de este paquete de adaptación de fantasía de acción real en ser un musical completo fue Aladdin y presenta nuevas canciones. La tercera película de este paquete de adaptación de fantasía de acción real que es un musical completo fue El rey león y presenta nuevas canciones. La cuarta película de este paquete de adaptación de fantasía de acción real que es un musical completo fue La sirenita y presenta nuevas canciones con letras de Lin-Manuel Miranda , en reemplazo de Ashman. Pixar también produjo Coco , la primera película musical animada por computadora de la compañía. Otras películas musicales animadas incluyen Río , Dr. Seuss' The Lorax , Río 2 , El libro de la vida , Trolls , Sing , My Little Pony: La película , Smallfoot , UglyDolls , Trolls World Tour , Over the Moon , Vivo , Sing 2 , The Bob's Burgers Movie , Under the Boardwalk , Trolls Band Together , Leo , Thelma the Unicorn y Spellbound .
Las películas biográficas sobre artistas musicales y showmen también fueron un éxito en el siglo XXI. Algunos ejemplos incluyen 8 Mile ( Eminem ), Ray ( Ray Charles ), Walk the Line ( Johnny Cash y June Carter ), La Vie en Rose ( Édith Piaf ), Notorious ( Biggie Smalls ), Jersey Boys ( The Four Seasons ) , Love & Mercy ( Brian Wilson ), CrazySexyCool: The TLC Story ( TLC ), Aaliyah: The Princess of R&B ( Aaliyah ), Get on Up ( James Brown ), Whitney and I Wanna Dance With Somebody ( Whitney Houston ), Straight Outta Compton ( NWA ), The Greatest Showman ( PT Barnum ), Bohemian Rhapsody ( Freddie Mercury ), The Dirt ( Mötley Crüe ), Judy ( Judy Garland ), Rocketman ( Elton John ), Respect ( Aretha Franklin ) y Elvis ( Elvis Presley ). Con una recaudación de más de 900 millones de dólares en taquilla, Bohemian Rhapsody es la película biográfica musical de mayor éxito comercial. [10]
El director Damien Chazelle creó una película musical llamada La La Land , protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone . Su objetivo era reintroducir el estilo tradicional de jazz de los números de canciones con influencias de la Edad de Oro de Hollywood y los musicales franceses de Jacques Demy , al tiempo que incorporaba una visión contemporánea/moderna de la historia y los personajes con equilibrios en números de fantasía y realidad fundamentada. Recibió 14 nominaciones en la 89.ª edición de los Premios Óscar , empatando el récord de más nominaciones con All About Eve (1950) y Titanic (1997), y ganó los premios a Mejor Director , Mejor Actriz , Mejor Cinematografía , Mejor Banda Sonora Original , Mejor Canción Original y Mejor Diseño de Producción .
En 2013, NBC produjo The Sound of Music Live! como parte de su esfuerzo por expandir los eventos de entretenimiento en vivo, que se convirtieron en una tradición anual de adaptaciones de musicales teatrales, creados específicamente como eventos de televisión en vivo. Los años siguientes presentaron Peter Pan Live!, The Wiz Live !, Hairspray Live!, Jesus Christ Superstar Live!, Dr. Seuss' The Grinch Musical Live! y Annie Live!. ABC y Fox también produjeron eventos similares, incluidos Grease Live!, A Christmas Story Live!, Rent : Live y The Little Mermaid Live!. [ 11]
Una excepción a la decadencia del cine musical es el cine indio , especialmente la industria cinematográfica de Bollywood con sede en Mumbai (antes Bombay), donde la mayoría de las películas han sido, y siguen siendo, musicales. La mayoría de las películas producidas en la industria tamil , con sede en Chennai (antes Madrás), la industria del sándalo , con sede en Bangalore , la industria telugu , con sede en Hyderabad , y la industria malayalam también son musicales.
A pesar de esta excepción de que casi todas las películas indias son musicales y de que la India produce la mayor cantidad de películas del mundo (se formó en 1913), la primera película de Bollywood en ser un musical completo, Dev D (dirigida por Anurag Kashyap ), llegó en 2009. La segunda película musical que le siguió fue Jagga Jasoos (dirigida por Anurag Basu ), en 2017.
Los musicales de Bollywood tienen sus raíces en el teatro musical tradicional de la India , como el teatro musical indio clásico , el drama sánscrito y el teatro parsi . Los primeros cineastas de Bombay combinaron estas tradiciones del teatro musical indio con el formato de película musical que surgió de las primeras películas sonoras de Hollywood. [12] Otras influencias tempranas en los cineastas de Bombay incluyeron la literatura urdu y Las mil y una noches . [13]
La primera película sonora india, Alam Ara (1931) de Ardeshir Irani , fue un gran éxito comercial. [14] Claramente, existía un enorme mercado para las películas sonoras y los musicales; Bollywood y todas las industrias cinematográficas regionales rápidamente cambiaron a la filmación sonora.
En 1937, Ardeshir Irani, conocido por su trabajo en Alam Ara , hizo la primera película en color en hindi , Kisan Kanya . Al año siguiente, hizo otra película en color, una versión de Mother India . Sin embargo, el color no se convirtió en una característica popular hasta finales de los años 50. En esa época, los musicales románticos y los melodramas eran el plato fuerte del cine.
Tras la independencia de la India , los historiadores del cine consideran que el período comprendido entre finales de la década de 1940 y principios de la de 1960 es la «Edad de oro» del cine hindi . [15] [16] [17] Algunas de las películas hindi más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante este período. Algunos ejemplos son Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959), dirigidas por Guru Dutt y escritas por Abrar Alvi , Awaara (1951) y Shree 420 (1955), dirigidas por Raj Kapoor y escritas por Khwaja Ahmad Abbas , y Aan (1952), dirigida por Mehboob Khan y protagonizada por Dilip Kumar . Estas películas expresaban temas sociales que trataban principalmente de la vida de la clase trabajadora en la India , en particular la vida urbana en los dos primeros ejemplos; Awaara presentaba la ciudad como una pesadilla y un sueño, mientras que Pyaasa criticaba la irrealidad de la vida urbana. [18]
Mother India (1957), de Mehboob Khan , una nueva versión de su anterior Aurat (1940), fue la primera película india nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera , que perdió por un solo voto. [19] Mother India también fue una película importante que definió las convenciones del cine hindi durante décadas. [20] [21] [22]
En la década de 1960 y principios de la de 1970, la industria estaba dominada por películas románticas musicales con protagonistas "héroes románticos", siendo el más popular Rajesh Khanna . [23] Otros actores durante este período incluyen a Shammi Kapoor , Jeetendra , Sanjeev Kumar y Shashi Kapoor , y actrices como Sharmila Tagore , Mumtaz , Saira Banu , Helen y Asha Parekh .
A principios de la década de 1970, el cine hindi estaba experimentando un estancamiento temático, [24] dominado por películas románticas musicales . [23] La llegada del dúo de guionistas Salim-Javed , formado por Salim Khan y Javed Akhtar , marcó un cambio de paradigma, revitalizando la industria. [24] Comenzaron el género de películas de crímenes del submundo de Bombay, crudas y violentas, a principios de la década de 1970, con películas como Zanjeer (1973) y Deewaar (1975). [25] [26]
La década de 1970 fue también cuando se acuñó el nombre "Bollywood", [27] [28] y cuando se establecieron las convenciones por excelencia de las películas comerciales de Bollywood. [29] La clave para esto fue el surgimiento del género cinematográfico masala , que combina elementos de múltiples géneros ( acción , comedia , romance , drama , melodrama , musical). La película masala fue iniciada a principios de la década de 1970 por el cineasta Nasir Hussain , [30] junto con el dúo de guionistas Salim-Javed, [29] pioneros del formato de éxito de taquilla de Bollywood . [29] Yaadon Ki Baarat (1973), dirigida por Hussain y escrita por Salim-Javed, ha sido identificada como la primera película masala y la "primera" película por excelencia de "Bollywood". [31] [29] Salim-Javed pasó a escribir películas masala más exitosas en las décadas de 1970 y 1980. [29] Las películas masala lanzaron a Amitabh Bachchan a la estrella de cine más grande de Bollywood de los años 1970 y 1980. Un hito para el género de películas masala fue Amar Akbar Anthony (1977), [32] [31] dirigida por Manmohan Desai y escrita por Kader Khan . Manmohan Desai continuó explotando con éxito el género en los años 1970 y 1980.
Junto con Bachchan, otros actores populares de esta época incluyeron a Feroz Khan , [33] Mithun Chakraborty , Naseeruddin Shah , Jackie Shroff , Sanjay Dutt , Anil Kapoor y Sunny Deol . Las actrices de esta época incluyeron a Hema Malini , Jaya Bachchan , Raakhee , Shabana Azmi , Zeenat Aman , Parveen Babi , Rekha , Dimple Kapadia , Smita Patil , Jaya Prada y Padmini Kolhapure . [34]
A finales de los años 1980, el cine hindi experimentó otro período de estancamiento, con un descenso en la participación en taquilla, debido al aumento de la violencia, la disminución de la calidad melódica musical y el aumento de la piratería de vídeo, lo que llevó a que el público familiar de clase media abandonara los cines. El punto de inflexión llegó con Qayamat Se Qayamat Tak (1988), dirigida por Mansoor Khan , escrita y producida por su padre Nasir Hussain , y protagonizada por su primo Aamir Khan con Juhi Chawla . Su mezcla de juventud, entretenimiento sano, cocientes emocionales y melodías fuertes atrajo al público familiar de nuevo a la pantalla grande. [35] [36] Estableció un nuevo modelo para las películas románticas musicales de Bollywood que definieron el cine hindi en la década de 1990. [36]
El período del cine hindi a partir de la década de 1990 se conoce como cine del "Nuevo Bollywood", [37] vinculado a la liberalización económica en la India a principios de la década de 1990. [38] A principios de la década de 1990, el péndulo había vuelto a girar hacia los musicales románticos centrados en la familia. A Qayamat Se Qayamat Tak le siguieron éxitos de taquilla como Maine Pyar Kiya (1989), Chandni (1989), Hum Aapke Hain Kaun (1994), Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995), Raja Hindustani (1996), Dil To Pagal Hai (1997). ), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) y Kuch Kuch Hota Hai (1998). Surgió una nueva generación de actores populares, como Aamir Khan, Aditya Pancholi , Ajay Devgan , Akshay Kumar , Salman Khan ( hijo de Salim Khan ) y Shahrukh Khan , y actrices como Madhuri Dixit , Sridevi , Juhi Chawla , Meenakshi Seshadri , Manisha . Koirala , Kajol y Karisma Kapoor . [34]
Desde la década de 1990, las tres mayores estrellas de cine de Bollywood han sido los " Tres Khans ": Aamir Khan , Shah Rukh Khan y Salman Khan . [39] [40] En conjunto, han protagonizado la mayoría de las diez películas de Bollywood más taquilleras . Los tres Khans han tenido carreras exitosas desde finales de la década de 1980, [39] y han dominado la taquilla india desde la década de 1990, [41] a lo largo de tres décadas. [42]
Baz Luhrmann afirmó que su exitosa película musical Moulin Rouge! (2001) se inspiró directamente en los musicales de Bollywood. [43] La película rinde homenaje a la India, incorporando una obra de temática india y una secuencia de baile al estilo de Bollywood con una canción de la película China Gate . El éxito crítico y financiero de Moulin Rouge! renovó el interés en el entonces moribundo género musical de acción en vivo del oeste, y posteriormente se produjeron películas como Chicago , The Producers , Rent , Dreamgirls y Hairspray , impulsando un renacimiento del género. [44]
El Gurú y Virgen a los 40 también presentan secuencias de canciones y bailes al estilo indio; el musical de Bollywood Lagaan (2001) fue nominado al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera ; otras dos películas de Bollywood, Devdas (2002) y Rang De Basanti (2006), fueron nominadas al Premio BAFTA a la Mejor Película que no está en idioma inglés ; y Slumdog Millionaire (2008), ganadora del Premio de la Academia de Danny Boyle, también presenta un número de canciones y bailes al estilo de Bollywood durante los créditos finales de la película, Tallika (2022) fue la primera película con el máximo de géneros musicales compuestos por Maharaja y registrada como poseedor de un récord mundial en música, [45]
España tiene una historia y tradición de películas musicales que se hicieron independientemente de la influencia de Hollywood. Las primeras películas surgen durante la Segunda República Española de la década de 1930 y la llegada del cine sonoro . Algunas zarzuelas ( opereta española ) incluso fueron adaptadas como guiones durante la era muda. Los inicios del musical español se centraron en arquetipos románticos españoles: pueblos y paisajes andaluces , gitanos, "bandoleros", y copla y otras canciones populares incluidas en el desarrollo de la historia. Estas películas tuvieron incluso más éxito de taquilla que los estrenos de Hollywood en España. Las primeras estrellas del cine español vinieron del género musical: Imperio Argentina , Estrellita Castro , Florián Rey (director) y, más tarde, Lola Flores , Sara Montiel y Carmen Sevilla . El musical español comenzó a expandirse y crecer. Aparecen estrellas juveniles y encabezan la taquilla. Marisol , Joselito , Pili & Mili y Rocío Dúrcal fueron las grandes figuras del cine musical de los años 60 a 70. Debido a la transición española a la democracia y al auge de la " cultura de la Movida ", el género musical cayó en producción y taquilla, solo salvado por Carlos Saura y sus películas musicales de flamenco .
A diferencia de las películas musicales de Hollywood y Bollywood, popularmente identificadas con el escapismo, el musical soviético era, ante todo, una forma de propaganda. Vladimir Lenin dijo que el cine era "la más importante de las artes". Su sucesor, Joseph Stalin , también reconoció el poder del cine para difundir eficazmente la doctrina del Partido Comunista. Las películas fueron muy populares en la década de 1920, pero fue el cine extranjero el que dominó el mercado cinematográfico soviético. Las películas de Alemania y los Estados Unidos resultaron más entretenidas que los dramas históricos del director soviético Sergei Eisenstein . [46] En la década de 1930 estaba claro que si el cine soviético iba a competir con sus homólogos occidentales, tendría que dar a los espectadores lo que querían: el glamour y la fantasía que obtenían de Hollywood. [47] El cine musical, que surgió en esa época, encarnaba la combinación ideal de entretenimiento e ideología oficial.
La lucha entre la risa por la risa y el entretenimiento con un mensaje ideológico claro definiría la edad de oro del musical soviético de los años 1930 y 1940. El entonces jefe de la industria cinematográfica, Boris Shumyatsky, intentó emular el método de producción en cadena de Hollywood, llegando tan lejos como para sugerir la creación de un Hollywood soviético. [48]
En 1930, el estimado director de cine soviético Sergei Eisenstein fue a los Estados Unidos con su colega director Grigori Aleksandrov para estudiar el proceso de realización cinematográfica de Hollywood. Las películas estadounidenses influyeron mucho en Aleksandrov, en particular los musicales. [49] Regresó en 1932 y en 1934 dirigió The Jolly Fellows , el primer musical soviético. La película tenía una trama ligera y se centraba más en la comedia y los números musicales. Al principio, los funcionarios del partido recibieron la película con gran hostilidad. Aleksandrov defendió su trabajo argumentando la noción de la risa por la risa. [50] Finalmente, cuando Aleksandrov le mostró la película a Stalin, el líder decidió que los musicales eran un medio eficaz para difundir propaganda. Mensajes como la importancia del trabajo colectivo y las historias de pobreza a riqueza se convertirían en las tramas de la mayoría de los musicales soviéticos.
El éxito de The Jolly Fellows aseguró un lugar en el cine soviético para el formato musical, pero inmediatamente Shumyatsky estableció pautas estrictas para asegurarse de que las películas promovieran los valores comunistas. El decreto de Shumyatsky "Películas para millones" exigía tramas, personajes y montaje convencionales para representar con éxito el realismo socialista (la glorificación de la industria y la clase trabajadora) en el cine. [51]
La primera combinación exitosa de mensaje social y entretenimiento fue El circo de Aleksandrov (1936). En ella, su esposa, Lyubov Orlova (una cantante de ópera que también había aparecido en The Jolly Fellows ), interpretaba a una artista de circo estadounidense que tiene que emigrar a la URSS desde los EE. UU. porque tiene un hijo mestizo, que tuvo con un hombre negro. En medio de un telón de fondo de fastuosas producciones musicales, finalmente encuentra amor y aceptación en la URSS, transmitiendo el mensaje de que la tolerancia racial solo se puede encontrar en la Unión Soviética.
La influencia de la coreografía de Busby Berkeley en la dirección de Aleksandrov se puede ver en el número musical que conduce al clímax. Otra referencia más obvia a Hollywood es el imitador de Charlie Chaplin que proporciona un alivio cómico a lo largo de la película. Cuatro millones de personas en Moscú y Leningrado fueron a ver Circus durante su primer mes en los cines. [52]
Otra de las películas más populares de Aleksandrov fue El camino luminoso (1940). Se trataba de una reelaboración del cuento de hadas Cenicienta ambientado en la Unión Soviética contemporánea. La Cenicienta de la historia era de nuevo Orlova, que en ese momento era la estrella más popular de la URSS. [53] Era un cuento de fantasía, pero la moraleja de la historia era que una vida mejor viene del trabajo duro. Mientras que en Circo , los números musicales implicaban baile y espectáculo, el único tipo de coreografía en El camino luminoso es el movimiento de las máquinas de la fábrica. La música se limitaba al canto de Orlova. Aquí, el trabajo proporcionaba el espectáculo.
El otro director de películas musicales fue Ivan Pyryev . A diferencia de Aleksandrov, el foco de las películas de Pyryev era la vida en las granjas colectivas. Sus películas, Tractoristas (1939), El porquero y el pastor (1941), y su más famosa, Cosacos del Kuban (1949) fueron protagonizadas todas por su esposa, Marina Ladynina. Al igual que en El camino luminoso de Aleksandrov , la única coreografía era el trabajo que realizaban los personajes en la película. Incluso las canciones trataban sobre las alegrías del trabajo.
En lugar de tener un mensaje específico para cualquiera de sus películas, Pyryev promovió el lema de Stalin "la vida se ha vuelto mejor, la vida se ha vuelto más alegre". [54] A veces, este mensaje contrastaba marcadamente con la realidad de la época. Durante el rodaje de Cosacos del Kuban , la Unión Soviética atravesaba una hambruna de posguerra. En realidad, los actores que cantaban sobre una época de prosperidad estaban hambrientos y desnutridos. [55] Sin embargo, las películas proporcionaron escapismo y optimismo al público espectador.
La película más popular de la breve era de los musicales estalinistas fue Volga-Volga, de 1938, dirigida por Alexandrov . La estrella, de nuevo, era Lyubov Orlova y la película incluía canto y baile, sin tener nada que ver con el trabajo. Es la más inusual de su tipo. La trama gira en torno a una historia de amor entre dos individuos que quieren tocar música. No son representativos de los valores soviéticos, ya que se centran más en su música que en sus trabajos. Los gags se burlan de las autoridades locales y la burocracia. No hay glorificación de la industria, ya que tiene lugar en un pequeño pueblo rural. El trabajo tampoco se glorifica, ya que la trama gira en torno a un grupo de aldeanos que utilizan su tiempo de vacaciones para hacer un viaje por el Volga y el Canal de Moscú para actuar en Moscú. La película puede verse como una glorificación del canal de Moscú sin ninguna pista de que el canal fue construido por prisioneros del Gulag .
Volga-Volga siguió los principios estéticos del realismo socialista en lugar de los principios ideológicos. Se convirtió en la película favorita de Stalin y se la regaló al presidente Roosevelt durante la Segunda Guerra Mundial . Es otro ejemplo de una de las películas que afirmaba que la vida es mejor. Estrenada en el apogeo de las purgas de Stalin, proporcionó escapismo y una ilusión reconfortante para el público. [56]
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