La pintura es un arte visual , que se caracteriza por la práctica de aplicar pintura , pigmento , color u otro medio a una superficie sólida (llamada "matriz" [1] o " soporte "). [2] El medio se aplica comúnmente a la base con un pincel , pero se pueden usar otros implementos, como cuchillos, esponjas y aerógrafos .
En arte , el término "pintura" describe tanto el acto como el resultado de la acción (la obra final se denomina "una pintura"). El soporte para pinturas incluye superficies como paredes, papel, lienzo, madera, vidrio, laca, cerámica , hojas , cobre y hormigón , y la pintura puede incorporar muchos otros materiales, incluidos arena, arcilla , papel, yeso , pan de oro y incluso objetos enteros.
La pintura es una forma importante de arte visual , que incorpora elementos como el dibujo , la composición , el gesto , la narración y la abstracción . [3] Las pinturas pueden ser naturalistas y representativas (como en la naturaleza muerta y la pintura de paisajes ), fotográficas , abstractas, narrativas, simbólicas (como en el arte simbolista ), emotivas (como en el expresionismo ) o de naturaleza política (como en el artivismo ).
Una parte de la historia de la pintura, tanto en el arte oriental como en el occidental, está dominada por el arte religioso . Los ejemplos de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica , pasando por escenas bíblicas en el techo de la Capilla Sixtina , hasta escenas de la vida de Buda (u otras imágenes de origen religioso oriental ).
Las pinturas más antiguas conocidas tienen aproximadamente 40.000 años de antigüedad y se han encontrado tanto en la región franco-cantábrica de Europa occidental como en las cuevas del distrito de Maros ( Célebes , Indonesia ). Sin embargo, en noviembre de 2018, los científicos informaron del descubrimiento de la pintura de arte figurativo más antigua conocida en ese momento, de más de 40.000 (quizás de 52.000) años de antigüedad, de un animal desconocido, en la cueva de Lubang Jeriji Saléh en la isla indonesia de Borneo. ( Kalimantán ). [4] [5] En diciembre de 2019, se estimó que las pinturas rupestres figurativas que representaban la caza de cerdos en el karst de Maros-Pangkep en Sulawesi eran aún más antiguas, de al menos 43.900 años. Se señaló que el hallazgo era "el registro pictórico de narración de historias más antiguo y la obra de arte figurativa más antigua del mundo". [6] [7] Más recientemente, en 2021, se informó sobre el arte rupestre de un cerdo encontrado en una isla de Indonesia y que data de hace más de 45.500 años. [8] [9] Sin embargo, la evidencia más antigua del acto de pintar se ha descubierto en dos refugios rocosos en Arnhem Land , en el norte de Australia. En la capa más baja de material de estos yacimientos se encuentran piezas usadas de ocre con una antigüedad estimada de 60.000 años. Los arqueólogos también han encontrado un fragmento de pintura rupestre conservado en un refugio de piedra caliza en la región de Kimberley , en el noroeste de Australia, que data de hace 40.000 años. [10] Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Indonesia , Francia , España , Portugal , Italia , China , India , Australia , México , [11] etc. En las culturas occidentales, la pintura al óleo y la acuarela tienen propiedades ricas y tradiciones complejas en estilo y temática. En Oriente, la tinta y las tintas de color predominaron históricamente en la elección de los medios, con tradiciones igualmente ricas y complejas.
La invención de la fotografía tuvo un gran impacto en la pintura. En las décadas posteriores a la producción de la primera fotografía en 1829, los procesos fotográficos mejoraron y se practicaron más ampliamente, privando a la pintura de gran parte de su propósito histórico de proporcionar un registro preciso del mundo observable. Una serie de movimientos artísticos de finales del siglo XIX y principios del XX (en particular, el impresionismo , el posimpresionismo , el fauvismo , el expresionismo , el cubismo y el dadaísmo ) desafiaron la visión renacentista del mundo. La pintura oriental y africana, sin embargo, continuó una larga historia de estilización y no sufrió una transformación equivalente al mismo tiempo. [ cita necesaria ]
El arte moderno y contemporáneo se ha alejado del valor histórico de la artesanía y la documentación en favor del concepto . Esto no ha disuadido a la mayoría de los pintores vivos de seguir practicando la pintura, ya sea en su totalidad o como parte de su obra. La vitalidad y versatilidad de la pintura en el siglo XXI desafían las "declaraciones" anteriores de su desaparición. En una época caracterizada por la idea del pluralismo , no hay consenso en cuanto a un estilo representativo de la época. Los artistas continúan creando importantes obras de arte en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos ; sus méritos quedan en manos del público y del mercado para juzgarlos.
El movimiento artístico feminista [12] comenzó en la década de 1960 durante la segunda ola del feminismo. El movimiento buscaba lograr la igualdad de derechos y oportunidades para las artistas femeninas a nivel internacional.
El color , compuesto de matiz , saturación y valor , dispersos sobre una superficie, es la esencia de la pintura, del mismo modo que el tono y el ritmo son la esencia de la música . El color es muy subjetivo, pero tiene efectos psicológicos observables, aunque pueden diferir de una cultura a otra. El negro se asocia con el luto en Occidente, pero en Oriente el blanco sí. Algunos pintores, teóricos, escritores y científicos, entre ellos Goethe , [13], Kandinsky , [14] y Newton , [15] han escrito su propia teoría del color .
Además, el uso del lenguaje es sólo una abstracción de un color equivalente. La palabra " rojo ", por ejemplo, puede abarcar una amplia gama de variaciones del rojo puro del espectro de luz visible . No existe un registro formalizado de diferentes colores en la forma en que existe concordancia en diferentes notas en la música, como F o C♯ . Para un pintor, el color no se divide simplemente en colores básicos (primarios) y derivados (complementarios o mixtos) (como rojo, azul, verde, marrón, etc.).
Los pintores se ocupan prácticamente de pigmentos , [16] por lo que " azul " para un pintor puede ser cualquiera de los azules: azul de ftalocianina , azul de Prusia , índigo , azul cobalto , ultramar , etc. Los significados psicológicos y simbólicos del color no son, estrictamente hablando, medios de pintura. Los colores sólo se suman al contexto potencial derivado de los significados y, debido a esto, la percepción de una pintura es altamente subjetiva. La analogía con la música es bastante clara: el sonido en la música (como una nota C) es análogo a la "luz" en la pintura, las "sombras" a la dinámica , y la "coloración" es a la pintura lo que el timbre específico de los instrumentos musicales es a la música. Estos elementos no necesariamente forman una melodía (en música) por sí mismos; más bien, pueden agregarle diferentes contextos.
Los artistas modernos han ampliado considerablemente la práctica de la pintura para incluir, como ejemplo, el collage , que comenzó con el cubismo y no es pintura en sentido estricto. Algunos pintores modernos incorporan diferentes materiales como metal, plástico, arena , cemento , paja , hojas o madera para su textura. Ejemplos de ello son las obras de Jean Dubuffet y Anselm Kiefer . Existe una creciente comunidad de artistas que utilizan computadoras para "pintar" colores sobre un "lienzo" digital utilizando programas como Adobe Photoshop , Corel Painter y muchos otros. Estas imágenes se pueden imprimir en lienzos tradicionales si es necesario.
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La técnica divisionista en forma de mosaico de Jean Metzinger tuvo su paralelo en la literatura; una característica de la alianza entre escritores simbolistas y artistas neoimpresionistas:
A la pincelada dividida no le pido la representación objetiva de la luz, sino iridiscencias y ciertos aspectos del color aún ajenos a la pintura. Hago una especie de versificación cromática y para las sílabas utilizo trazos que, variables en cantidad, no pueden diferir en dimensión sin modificar el ritmo de una fraseología pictórica destinada a traducir las diversas emociones que despierta la naturaleza. (Jean Metzinger, c. 1907 ) [17]
El ritmo , para artistas como Piet Mondrian , [18] [19] es importante en la pintura como lo es en la música. Si se define el ritmo como "una pausa incorporada a una secuencia", entonces puede haber ritmo en las pinturas. Estas pausas permiten que la fuerza creativa intervenga y agregue nuevas creaciones: forma, melodía, coloración. La distribución de la forma o cualquier tipo de información es de crucial importancia en una obra de arte determinada y afecta directamente el valor estético de esa obra. Esto se debe a que el valor estético depende de la funcionalidad, es decir, la libertad (de movimiento) de percepción se percibe como belleza. El libre flujo de energía, tanto en el arte como en otras formas de " techne ", contribuye directamente al valor estético. [18]
La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto , ya que la música es abstracta por naturaleza: no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa de manera inmediata los sentimientos internos del alma. Wassily Kandinsky utilizaba a menudo términos musicales para identificar sus obras; Llamó a sus pinturas más espontáneas "improvisaciones" y describió las obras más elaboradas como "composiciones". Kandinsky teorizó que "la música es el maestro supremo", [20] y posteriormente se embarcó en las primeras siete de sus diez composiciones . Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del do central en una trompeta de metal; el negro es el color del cierre y del fin de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871 el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. [21] [22] La escenografía de Kandinsky para una representación de Cuadros de una exposición de Mussorgsky ilustra su concepto "sinestésico" de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. [23]
La música define gran parte de la pintura abstracta modernista. Jackson Pollock subraya ese interés con su pintura de 1950 Autumn Rhythm (Número 30) . [24]
La estética es el estudio del arte y la belleza ; Fue una cuestión importante para filósofos de los siglos XVIII y XIX como Kant y Hegel . Los filósofos clásicos como Platón y Aristóteles también teorizaron sobre el arte y la pintura en particular. Platón hizo caso omiso de los pintores (y de los escultores) en su sistema filosófico; Sostuvo que la pintura no puede representar la verdad : es una copia de la realidad (una sombra del mundo de las ideas) y no es más que un oficio , similar a la fabricación de calzado o la fundición de hierro. [25] En la época de Leonardo, la pintura se había convertido en una representación más cercana de la verdad que la pintura en la Antigua Grecia . Leonardo da Vinci , por el contrario, decía que " en italiano : La Pittura è cosa mentale " ("inglés: pintar es una cosa de la mente "). [26] Kant distinguió entre Belleza y Lo Sublime , en términos que claramente daban prioridad a la primera. [ cita necesaria ] Aunque no se refirió a la pintura en particular, este concepto fue retomado por pintores como JMW Turner y Caspar David Friedrich .
Hegel reconoció el fracaso en la consecución de un concepto universal de belleza y, en su ensayo estético, escribió que la pintura es una de las tres artes "románticas", junto con la Poesía y la Música , por su finalidad simbólica y altamente intelectual. [27] [28] Los pintores que han escrito obras teóricas sobre pintura incluyen a Kandinsky y Paul Klee . [29] [30] En su ensayo, Kandinsky sostiene que la pintura tiene un valor espiritual y atribuye colores primarios a sentimientos o conceptos esenciales, algo que Goethe y otros escritores ya habían intentado hacer.
La iconografía es el estudio del contenido de las pinturas, más que de su estilo. Erwin Panofsky y otros historiadores del arte primero buscan comprender las cosas representadas, antes de observar su significado para el espectador en ese momento y, finalmente, analizar su significado cultural, religioso y social más amplio. [31]
En 1890, el pintor parisino Maurice Denis afirmó: "Recordemos que una pintura, antes de ser un caballo de guerra, una mujer desnuda o una historia u otra, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores reunidos en un orden determinado". [32] Así, muchos desarrollos de la pintura en el siglo XX, como el cubismo , fueron reflexiones sobre los medios de la pintura más que sobre el mundo externo ( la naturaleza) , que anteriormente había sido su tema central. El pintor y escritor Julian Bell ha realizado contribuciones recientes al pensamiento sobre la pintura. En su libro ¿Qué es la pintura? Bell analiza el desarrollo, a lo largo de la historia, de la noción de que las pinturas pueden expresar sentimientos e ideas. [33] En Mirror of The World, Bell escribe:
Una obra de arte busca captar la atención y mantenerla fija: una historia del arte la impulsa hacia adelante, arrasando una autopista a través de los hogares de la imaginación. [34]
Los diferentes tipos de pintura suelen identificarse por el medio en el que está suspendido o incrustado el pigmento, lo que determina las características generales de trabajo de la pintura, como viscosidad , miscibilidad , solubilidad , tiempo de secado, etc.
La pintura encáustica , también conocida como pintura con cera caliente, implica el uso de cera de abejas calentada a la que se añaden pigmentos de colores. Luego, el líquido/pasta se aplica a una superficie, generalmente madera preparada, aunque a menudo se utilizan lienzos y otros materiales. La mezcla encáustica más simple se puede hacer agregando pigmentos a la cera de abejas, pero hay varias otras recetas que se pueden usar, algunas que contienen otros tipos de ceras , resina de damar , aceite de linaza u otros ingredientes. Se pueden comprar y utilizar pigmentos puros en polvo, aunque algunas mezclas utilizan pinturas al óleo u otras formas de pigmento. Se pueden usar herramientas de metal y cepillos especiales para darle forma a la pintura antes de que se enfríe, o se pueden usar herramientas de metal calentadas para manipular la cera una vez que se haya enfriado en la superficie. Otros materiales se pueden revestir o formar en forma de collage en la superficie, o en capas, utilizando el medio encáustico para adherirlo a la superficie.
La técnica era la normal para las pinturas sobre paneles de la antigua Grecia y Roma, y siguió utilizándose en la tradición de los iconos ortodoxos orientales .
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La acuarela es un método de pintura en el que las pinturas están hechas de pigmentos suspendidos en un vehículo soluble en agua. El soporte tradicional y más común para las acuarelas es el papel; otros soportes incluyen papiro , papeles de corteza, plásticos, vitela o cuero , telas , madera y lienzos . En el este de Asia, la pintura de acuarela con tintas se conoce como pintura con pincel o pintura con pergaminos. En la pintura china , coreana y japonesa ha sido el medio dominante, a menudo en monocromo negro o marrón. India, Etiopía y otros países también tienen largas tradiciones. La pintura con los dedos con acuarelas se originó en China . Hay varios tipos de acuarelas utilizadas por los artistas. Algunos ejemplos son las acuarelas en sartén, las acuarelas líquidas, los pinceles de acuarela y los lápices de acuarela . Los lápices acuarelables (lápices de colores solubles en agua) se pueden utilizar húmedos o secos.
Gouache es una pintura a base de agua que consta de pigmentos y otros materiales diseñados para usarse en un método de pintura opaca. El gouache se diferencia de la acuarela en que las partículas son más grandes, la proporción de pigmento a agua es mucho mayor y también está presente un pigmento blanco adicional, inerte, como la tiza . Esto hace que el gouache sea más pesado y opaco, con mayores cualidades reflectantes. Como todos los medios acuosos, se diluye con agua. [35]
Las pinturas con tinta se realizan con un líquido que contiene pigmentos o colorantes y se utiliza para colorear una superficie para producir una imagen, texto o diseño . La tinta se utiliza para dibujar con pluma , pincel o pluma . La tinta puede ser un medio complejo, compuesto de disolventes , pigmentos, colorantes, resinas , lubricantes , solubilizantes , tensioactivos , partículas , fluorescentes y otros materiales. Los componentes de las tintas sirven para muchos propósitos; El portador de tinta, los colorantes y otros aditivos controlan el flujo y el espesor de la tinta y su apariencia cuando está seca.
Los esmaltes se elaboran pintando un sustrato, normalmente metálico, con vidrio en polvo; Los minerales llamados óxidos de color proporcionan coloración. Después de cocinar a una temperatura de 750 a 850 grados Celsius (1380 a 1560 grados Fahrenheit), el resultado es una laminación fusionada de vidrio y metal. A diferencia de la mayoría de las técnicas de pintura, la superficie se puede manipular y humedecer. Los esmaltes se han utilizado tradicionalmente para la decoración de objetos preciosos, [36] pero también se han utilizado para otros fines. El esmalte de Limoges fue el centro principal de la pintura en esmalte del Renacimiento, con pequeñas escenas religiosas y mitológicas en marcos decorados, en placas u objetos como sales o cofres. En el siglo XVIII, la pintura con esmalte estuvo de moda en Europa, especialmente como medio para retratos en miniatura . [37] A finales del siglo XX, la técnica del esmalte de porcelana sobre metal se ha utilizado como un medio duradero para murales al aire libre. [38]
La témpera , también conocida como témpera al huevo, es un medio de pintura permanente y de secado rápido que consiste en un pigmento coloreado mezclado con un medio aglutinante soluble en agua (generalmente un material glutinoso como la yema de huevo o algún otro tamaño ). Tempera también se refiere a las pinturas realizadas en este medio. Las pinturas al temple son muy duraderas y todavía existen ejemplos de los primeros siglos d.C. La tempera al huevo fue un método principal de pintura hasta después de 1500, cuando fue reemplazada por la invención de la pintura al óleo . Una pintura comúnmente llamada témpera (aunque no lo es) que consiste en pigmento y pegamento se usa comúnmente y algunos fabricantes en Estados Unidos la denominan pintura para carteles .
El fresco es cualquiera de varios tipos de pintura mural relacionados , realizados sobre yeso en paredes o techos. La palabra fresco proviene del vocablo italiano affresco [afˈfresːko] , que deriva del vocablo latino para fresco . Los frescos se realizaron a menudo durante el Renacimiento y otros períodos tempranos.La técnica del buon fresco consiste en pintar con pigmento mezclado con agua sobre una fina capa de mortero o yeso de cal fresco y húmedo , para lo que se utiliza la palabra italiana para yeso, intonaco . Una pintura secco , por el contrario, se realiza sobre yeso seco ( secco significa "seco" en italiano). Los pigmentos requieren un medio aglutinante, como huevo ( tempera ), pegamento o aceite para adherir el pigmento a la pared.
La pintura al óleo es el proceso de pintar con pigmentos unidos con un medio de aceite secante , como el aceite de linaza , que se usaba ampliamente en la Europa moderna temprana. A menudo el aceite se hervía con una resina como resina de pino o incluso incienso ; estos se llamaban "barnices" y eran apreciados por su cuerpo y brillo. La pintura al óleo finalmente se convirtió en el principal medio utilizado para crear obras de arte a medida que sus ventajas se hicieron ampliamente conocidas. La transición comenzó con la pintura holandesa temprana en el norte de Europa y, en el apogeo del Renacimiento , las técnicas de pintura al óleo habían reemplazado casi por completo a las pinturas al temple en la mayor parte de Europa.
El pastel es un medio de pintura en forma de barra, que consta de pigmento puro en polvo y un aglutinante. [39] Los pigmentos utilizados en los pasteles son los mismos que los utilizados para producir todos los medios artísticos coloreados, incluidas las pinturas al óleo ; el aglutinante es de tonalidad neutra y de baja saturación . El efecto de color de los pasteles se acerca más al de los pigmentos secos naturales que al de cualquier otro proceso. [40] Debido a que la superficie de una pintura al pastel es frágil y se mancha fácilmente, su conservación requiere medidas de protección como enmarcarla bajo un vidrio; También se puede rociar con un fijador . Sin embargo, cuando se elabora con pigmentos permanentes y se cuida adecuadamente, una pintura al pastel puede permanecer sin cambios durante siglos. Los pasteles no son susceptibles, al igual que las pinturas realizadas con un medio fluido, al agrietamiento y la decoloración que resultan de los cambios en el color, la opacidad o las dimensiones del medio a medida que se seca.
La pintura acrílica es una pintura de secado rápido que contiene una suspensión de pigmentos en una emulsión de polímero acrílico . Las pinturas acrílicas se pueden diluir con agua pero se vuelven resistentes al agua cuando se secan. Dependiendo de cuánto se diluya la pintura (con agua) o se modifique con geles, medios o pastas acrílicas, la pintura acrílica terminada puede parecerse a una acuarela o una pintura al óleo , o tener sus propias características únicas que no se pueden lograr con otros medios. La principal diferencia práctica entre la mayoría de las pinturas acrílicas y al óleo es el tiempo de secado inherente. [41] Los aceites permiten más tiempo para mezclar colores y aplicar esmaltes uniformes sobre pinturas base. Este aspecto del óleo de secado lento puede verse como una ventaja para ciertas técnicas, pero también puede impedir la capacidad del artista para trabajar rápidamente. Otra diferencia es que las acuarelas deben pintarse sobre una superficie porosa, principalmente papel de acuarela. Las pinturas acrílicas se pueden utilizar en muchas superficies diferentes. [41] [42] Tanto el acrílico como la acuarela son fáciles de limpiar con agua. La pintura acrílica debe limpiarse con agua y jabón inmediatamente después de su uso. La pintura de acuarela se puede limpiar solo con agua. [43] [44] [45]
Entre 1946 y 1949, Leonard Bocour y Sam Golden inventaron una solución de pintura acrílica bajo la marca Magna Paint . Eran pinturas a base de alcohol mineral . Posteriormente, las pinturas acrílicas a base de agua se vendieron como pinturas de látex para el hogar. [46] En 1963, George Rowney (parte de Daler-Rowney desde 1983) fue el primer fabricante en introducir pinturas acrílicas para artistas en Europa, bajo la marca "Cryla". [47] Los acrílicos son las pinturas más comunes utilizadas en el grattage , una técnica surrealista que comenzó a utilizarse con la llegada de este tipo de pintura. Los acrílicos se utilizan para este propósito porque se raspan o pelan fácilmente de una superficie. [48]
La pintura en aerosol (también llamada pintura en aerosol) [49] es un tipo de pintura que viene en un recipiente presurizado sellado y se libera en una fina niebla al presionar un botón de válvula . Una forma de pintura en aerosol , la pintura en aerosol deja una superficie lisa y con una capa uniforme. Las latas de tamaño estándar son portátiles, económicas y fáciles de almacenar. La imprimación en aerosol se puede aplicar directamente sobre metal desnudo y muchos plásticos.
La velocidad, la portabilidad y la permanencia también hacen de la pintura en aerosol un medio común para el graffiti . A finales de la década de 1970, las firmas y los murales de los escritores de graffiti callejero se volvieron más elaborados y se desarrolló un estilo único como factor del medio aerosol y la velocidad requerida para el trabajo ilícito. Muchos ahora reconocen el graffiti y el arte callejero como una forma de arte única y se fabrican pinturas en aerosol específicamente para el artista del graffiti. Una plantilla protege una superficie, excepto la forma específica que se va a pintar. Las plantillas se pueden comprar como letras móviles, pedirlas como logotipos cortados profesionalmente o cortarlas a mano por artistas.
Las pinturas al óleo miscibles en agua (también llamadas "solubles en agua" o "miscibles en agua") son una variedad moderna de pintura al óleo diseñada para diluirse y limpiarse con agua, [50] [51] en lugar de tener que usar productos químicos como trementina . . Se puede mezclar y aplicar utilizando las mismas técnicas que la pintura tradicional a base de aceite, pero mientras aún está húmeda se puede eliminar eficazmente de pinceles, paletas y trapos con agua y jabón común. Su solubilidad en agua proviene del uso de un medio oleoso en el que un extremo de la molécula se ha alterado para unirse libremente a las moléculas de agua, como en una solución .
La pintura con arena es el arte de verter arenas coloreadas y pigmentos en polvo de minerales o cristales, o pigmentos de otras fuentes naturales o sintéticas, sobre una superficie para hacer una pintura con arena fija o no.
La pintura digital es un método para crear un objeto de arte (pintura) digitalmente o una técnica para hacer arte digital en la computadora. Como método para crear un objeto de arte, adapta medios de pintura tradicionales como pintura acrílica , óleos , tinta , acuarela , etc. y aplica el pigmento a soportes tradicionales, como lienzos tejidos, papel, poliéster, etc. mediante software que controla maquinaria robótica industrial o de oficina (impresoras). Como técnica, se refiere a un programa de software de gráficos por computadora que utiliza un lienzo virtual y una caja de pintura virtual con pinceles, colores y otros suministros. La caja virtual contiene muchos instrumentos que no existen fuera de la computadora y que le dan a una obra de arte digital una apariencia diferente a la de una obra de arte hecha de manera tradicional. Además, la pintura digital no es arte "generado por computadora", ya que la computadora no crea automáticamente imágenes en la pantalla mediante algunos cálculos matemáticos. Por otro lado, el artista utiliza su propia técnica pictórica para crear una determinada obra en el ordenador. [52]
El estilo se utiliza en dos sentidos: puede referirse a los elementos, técnicas y métodos visuales distintivos que tipifican el trabajo de un artista individual . También puede referirse al movimiento o escuela al que está asociado un artista. Esto puede provenir de un grupo real con el que el artista estaba involucrado conscientemente o puede ser una categoría en la que los historiadores del arte han colocado al pintor. La palabra "estilo" en este último sentido ha caído en desgracia en los debates académicos sobre la pintura contemporánea, aunque sigue utilizándose en contextos populares. Dichos movimientos o clasificaciones incluyen los siguientes:
El modernismo describe tanto un conjunto de tendencias culturales como una serie de movimientos culturales asociados , que originalmente surgieron de cambios a gran escala y de gran alcance en la sociedad occidental a finales del siglo XIX y principios del XX. El modernismo fue una revuelta contra los valores conservadores del realismo . [53] [54] El término abarca las actividades y la producción de aquellos que sentían que las formas "tradicionales" de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, organización social y vida cotidiana estaban quedando obsoletas en las nuevas tendencias económicas, sociales y políticas. condiciones de un mundo emergente plenamente industrializado. Una característica destacada del modernismo es la timidez. Esto a menudo condujo a experimentos con la forma y a trabajos que llaman la atención sobre los procesos y materiales utilizados (y sobre la tendencia posterior a la abstracción). [55]
El primer ejemplo de modernismo en pintura fue el impresionismo , una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en estudios, sino al aire libre ( en plein air ). Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió adeptos a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la exposición comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en lugares comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, programándolas para que coincidieran con el Salón oficial. Un acontecimiento significativo de 1863 fue el Salón de los Rechazados , creado por el emperador Napoleón III para exhibir todas las pinturas rechazadas por el Salón de París.
La pintura abstracta utiliza un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con cierto grado de independencia de las referencias visuales del mundo. [56] [57] El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial que combinó la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo. , y la imagen de ser rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, algunos sienten, nihilista. [58]
La pintura de acción , a veces llamada abstracción gestual , es un estilo de pintura en el que la pintura se gotea, salpica o unta espontáneamente sobre el lienzo, en lugar de aplicarse con cuidado. [59] La obra resultante a menudo enfatiza el acto físico de pintar en sí como un aspecto esencial de la obra terminada o preocupación de su artista. El estilo estuvo muy extendido desde la década de 1940 hasta principios de la de 1960 y está estrechamente asociado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado los términos "pintura de acción" y "expresionismo abstracto" indistintamente).
Otros estilos modernistas incluyen:
El término arte outsider fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 como sinónimo en inglés de art brut ( francés: [aʁ bʁyt] , "arte crudo" o "arte en bruto"), una etiqueta creada por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte. creado fuera de los límites de la cultura oficial; Dubuffet se centró particularmente en el arte de los reclusos de manicomio . [60] El arte outsider se ha convertido en una categoría exitosa de marketing artístico (desde 1992 se celebra en Nueva York una feria anual de arte outsider). El término a veces se aplica erróneamente como una etiqueta de marketing general para el arte creado por personas fuera del "mundo del arte" dominante, independientemente de sus circunstancias o el contenido de su trabajo.
El fotorrealismo es el género de pintura que se basa en el uso de la cámara y fotografías para recopilar información y luego, a partir de esta información, crear una pintura que parece muy realista como una fotografía . El término se aplica principalmente a pinturas del movimiento artístico estadounidense que comenzó a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Como movimiento artístico en toda regla, el fotorrealismo evolucionó a partir del arte pop [61] [62] [63] y como oposición al expresionismo abstracto .
El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a una fotografía de alta resolución . El hiperrealismo es una escuela de arte en toda regla y puede considerarse un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados para crear las pinturas o esculturas resultantes. El término se aplica principalmente a un movimiento artístico y estilo artístico independiente en los Estados Unidos y Europa que se ha desarrollado desde principios de la década de 2000. [64]
El surrealismo es un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es mejor conocido por la producción artística y literaria de quienes estaban afiliados al movimiento surrealista . Las obras de arte surrealistas presentan el elemento sorpresa, lo siniestro, lo inconsciente, las yuxtaposiciones inesperadas y el non-sequitur ; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su trabajo como una expresión del movimiento filosófico ante todo, siendo las obras un artefacto. El líder André Breton fue explícito en su afirmación de que el surrealismo era ante todo un movimiento revolucionario.
El surrealismo se desarrolló a partir de las actividades dadaístas de la Primera Guerra Mundial y el centro más importante del movimiento fue París . A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo y acabó afectando a las artes visuales , la literatura , el cine y la música de muchos países, así como al pensamiento y la práctica políticos , la filosofía y la teoría social .
Las pinturas en miniatura fueron la forma principal de pintura en la India precolonial. Se realizaban sobre un papel especial (conocido como wasli) utilizando colores minerales y naturales. La pintura en miniatura no es un estilo, sino un grupo de varios estilos de escuelas de pintura como Mughal, Pahari, Rajasthani, Company style, etc.
La pintura en miniatura mogol es un estilo particular del sur de Asia , particularmente del norte de India (más específicamente, la actual India y Pakistán), que se limita a miniaturas , ya sea como ilustraciones de libros o como obras individuales para guardar en álbumes ( muraqqa ). Surgió [65] de la pintura en miniatura persa (en parte de origen chino ) y se desarrolló en la corte del Imperio mogol de los siglos XVI al XVIII. La pintura mogol inmediatamente se interesó mucho más por el retrato realista que el típico de las miniaturas persas. Los animales y las plantas fueron el tema principal de muchas miniaturas para álbumes y estaban representados de manera más realista. [66] [67] [68]
La pintura rajasthani evolucionó y floreció en las cortes reales de Rajputana [69] en el norte de la India, principalmente durante el siglo XVII. Los artistas formados en la tradición de la miniatura mogol se dispersaron del
Corte imperial mogol y estilos desarrollados que también se inspiran en las tradiciones pictóricas locales, especialmente aquellas que ilustran las epopeyas sánscritas, el Mahabharata y el Ramayana . Los temas variaban, pero los retratos de la familia gobernante, a menudo dedicados a la caza o a sus actividades diarias, eran generalmente populares, al igual que las escenas narrativas de las epopeyas o la mitología hindú , así como algunas escenas de género de paisajes y humanos. [70] [71] [72] Pintura de Punjab Hills o Pahari de las cuales Kangra, Guller y Basholi eran los principales subestilos. La pintura Kangra es el arte pictórico de Kangra , que lleva el nombre de Kangra , Himachal Pradesh , un antiguo estado principesco , que patrocinaba el arte. Se hizo frecuente con el desvanecimiento de la escuela de pintura Basohli a mediados del siglo XVIII. [73] [74] El tema central de la pintura Kangra es Shringar (el sentimiento erótico). Los temas que se ven en la pintura Kangra exhiben el gusto y los rasgos del estilo de vida de la sociedad de ese período. [75] Los artistas adoptaron temas de la poesía de amor de Jayadeva y Keshav Das , quienes escribieron extasiados sobre el amor de Radha y Krishna con Bhakti como fuerza impulsora. [76] [77]
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Estilo de empresa es un término para un estilo híbrido indoeuropeo de pinturas realizadas en la India por artistas indios, muchos de los cuales trabajaron para patrocinadores europeos en la Compañía Británica de las Indias Orientales u otras compañías extranjeras en los siglos XVIII y XIX. [78] Tres estilos distintos de pintura de empresa surgieron en tres centros de poder británicos: Delhi , Calcuta y Madrás . El tema de las pinturas de la empresa realizadas para mecenas occidentales era a menudo más documental que imaginativo y, como consecuencia, los artistas indios debieron adoptar un enfoque de la pintura más naturalista de lo que había sido tradicionalmente habitual. [79] [80]
El estilo sikh y el estilo Deccan son otros estilos de pintura en miniatura destacados de la India.
Las pinturas de Pichwai son pinturas sobre textiles y generalmente representan historias de la vida del Señor Krishna. [81] Estos se hicieron en gran formato y a menudo se usaban como telón de fondo para el ídolo principal en templos u hogares. Las pinturas de Pichwai se hicieron y todavía se hacen principalmente en Rajasthan, India. Sin embargo, se fabricaron muy pocos en la región de Deccan, pero son extremadamente raros. El propósito de los pichwais, además del atractivo artístico, es narrar historias de Krishna a los analfabetos. Los templos cuentan con decorados con diferentes imágenes, las cuales van cambiando según el calendario de fiestas que celebran a la deidad . [82]
Pattachitra es un término general para la pintura tradicional en pergamino a base de tela , con sede en los estados de Odisha y Bengala Occidental, en el este de la India . [83] La tradición pictórica de Pattachitra está estrechamente vinculada con la adoración del Señor Jagannath en Odisha. [84] El tema de Pattachitra se limita a temas religiosos. La forma de arte Patachitra es conocida por sus intrincados detalles, así como por las narrativas mitológicas y los cuentos populares inscritos en ella. Todos los colores utilizados en las pinturas son naturales y las pinturas están hechas de manera completamente tradicional por Chitrakaras, es decir, Odiya Painter. El estilo de pintura Pattachitra es una de las formas de arte más antiguas y populares de Odisha . Los patachitras son un componente de un antiguo arte narrativo bengalí y originalmente servían como un dispositivo visual durante la interpretación de una canción. [85] [86] [87]
El arte Madhubani es un estilo de pintura india , practicado en la región de Mithila en India y Nepal. El estilo se caracteriza por patrones geométricos complejos; estas pinturas son famosas por representar contenido ritual utilizado para ocasiones particulares como festivales, rituales religiosos, etc. [88]
Warli es otra forma de arte tribal popular de la India.
La Escuela de Bengala [89] fue un movimiento artístico y un estilo de pintura india que se originó en Bengala , principalmente en Calcuta y Shantiniketan , y floreció en todo el subcontinente indio , durante el Raj británico a principios del siglo XX. [90] La escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionaba contra los estilos artísticos académicos previamente promovidos en la India, tanto por artistas indios como Raja Ravi Varma como en las escuelas de arte británicas. La escuela quería establecer un estilo indio distintivo que celebrara la herencia cultural indígena. En un intento de rechazar la estética colonial, Abanindranath Tagore también recurrió a China y Japón con la intención de promover una estética panasiática e incorporó elementos del arte del Lejano Oriente, como la técnica del lavado japonés . [91] [92] [93]
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La alegoría es un modo figurativo de representación que transmite un significado distinto del literal. La alegoría comunica su mensaje mediante figuras simbólicas , acciones o representaciones simbólicas. La alegoría generalmente se trata como una figura retórica , pero no es necesario que se exprese en el lenguaje : puede dirigirse a la vista y se encuentra a menudo en la pintura realista. Un ejemplo de alegoría visual simple es la imagen de la parca . Los espectadores entienden que la imagen de la Parca es una representación simbólica de la muerte.
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En el arte español , un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa artículos de despensa, como víveres, juegos y bebidas, a menudo dispuestos sobre una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero elementos significativos de la naturaleza muerta, típicamente ambientados. en una cocina o taberna. A partir del Barroco , este tipo de pinturas se popularizaron en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de bodegones parece haber comenzado y fue mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos , hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que nunca en el sur de Europa . Los bodegones nórdicos tenían muchos subgéneros: la pieza del desayuno se complementó con el trompe-l'œil , el ramo de flores y las vanitas . En España había muchos menos clientes para este tipo de cosas, pero sí se popularizó una especie de pieza de desayuno , en la que se presentaban algunos objetos de comida y vajilla puestos sobre una mesa.
Una pintura de figuras es una obra de arte en cualquiera de los medios pictóricos cuyo tema principal es la figura humana, ya sea vestida o desnuda . La pintura de figuras también puede referirse a la actividad de crear dicha obra. La figura humana ha sido uno de los temas de contraste del arte desde las primeras pinturas rupestres de la Edad de Piedra y ha sido reinterpretada en diversos estilos a lo largo de la historia. [96] Algunos artistas muy conocidos por la pintura de figuras son Peter Paul Rubens , Edgar Degas y Édouard Manet .
Las pinturas de ilustración son aquellas que se utilizan como ilustraciones en libros, revistas, carteles de teatro o películas y cómics. Hoy en día, existe un interés creciente por coleccionar y admirar las obras de arte originales. Varias exposiciones de museos, revistas y galerías de arte han dedicado espacio a los ilustradores del pasado. En el mundo de las artes visuales, los ilustradores a veces han sido considerados menos importantes en comparación con los artistas plásticos y los diseñadores gráficos . Pero como resultado del crecimiento de la industria de los juegos de ordenador y del cómic, las ilustraciones se están volviendo valoradas como obras de arte populares y rentables que pueden adquirir un mercado más amplio que las otras dos, especialmente en Corea , Japón, Hong Kong y Estados Unidos.
Las ilustraciones de los códices medievales se conocían como iluminaciones , y estaban dibujadas y pintadas a mano individualmente. Con la invención de la imprenta durante el siglo XV, los libros se distribuyeron más ampliamente y, a menudo, se ilustraban con grabados en madera . [97] [98] En Estados Unidos , esto condujo a una "edad de oro de la ilustración" desde antes de la década de 1880 hasta principios del siglo XX. Un pequeño grupo de ilustradores tuvo mucho éxito y las imágenes que crearon se consideraron un retrato de las aspiraciones estadounidenses de la época. [99] Entre los ilustradores más conocidos de ese período se encontraban NC Wyeth y Howard Pyle de la Escuela Brandywine , James Montgomery Flagg , Elizabeth Shippen Green , JC Leyendecker , Violet Oakley , Maxfield Parrish , Jessie Willcox Smith y John Rea Neill . En Francia , en 1905, la Sociedad del Libro Contemporáneo encargó a Paul Jouve la ilustración del Libro de la selva de Rudyard Kipling . Paul Jouve dedicará diez años a las 130 ilustraciones de este libro que quedará como una de las obras maestras de la bibliofilia. [100]
Pintura de paisaje es un término que cubre la representación de paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos, lagos y bosques, y especialmente el arte donde el tema principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otras obras, los fondos paisajísticos para figuras todavía pueden formar una parte importante de la obra. El cielo casi siempre está incluido en la vista y el clima suele ser un elemento de la composición. Los paisajes detallados como tema diferenciado no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representar otros temas. Las dos tradiciones principales surgen de la pintura occidental y del arte chino y se remontan a más de mil años en ambos casos.
Los retratos son representaciones de una persona, en las que predomina el rostro y su expresión. La intención es mostrar el parecido, la personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. El arte del retrato floreció en la escultura griega antigua y especialmente en la romana , donde los retratados exigían retratos individualizados y realistas, incluso poco favorecedores. Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es el cuadro de Leonardo da Vinci titulado Mona Lisa , que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini , la esposa de Francesco del Giocondo. [103]
Warhol fue uno de los retratistas más prolíficos del siglo XX. La pintura de Warhol Orange Shot Marilyn de Marilyn Monroe es un ejemplo temprano icónico de su trabajo de la década de 1960, y Orange Prince (1984) del cantante pop Prince es un ejemplo posterior, y ambos exhiben el estilo gráfico de retrato único de Warhol. [104] [105] [106]
Una naturaleza muerta es una obra de arte que representa temas en su mayoría inanimados, típicamente objetos comunes, que pueden ser naturales (comida, flores, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (vasos, libros, jarrones, joyas, monedas). , tuberías, etc.). Con orígenes en la Edad Media y el arte griego/romano antiguo, las pinturas de naturalezas muertas le dan al artista más libertad en la disposición de los elementos de diseño dentro de una composición que las pinturas de otros tipos de temas, como paisajes o retratos . Las pinturas de bodegones, especialmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismos religiosos y alegóricos relacionados con los objetos representados. Algunas naturalezas muertas modernas rompen la barrera de las dos dimensiones y emplean técnicas mixtas tridimensionales, y utilizan objetos encontrados, fotografías, gráficos por computadora, así como video y sonido.
Una veduta es una pintura muy detallada, generalmente a gran escala, de un paisaje urbano o alguna otra vista. Este género de paisaje se originó en Flandes , donde artistas como Paul Bril pintaron vedute ya en el siglo XVI. A medida que el itinerario del Grand Tour se volvió algo estandarizado, la aparición de escenas familiares como el Foro Romano o el Gran Canal recordó las primeras aventuras en el continente de los ingleses aristocráticos. A finales del siglo XIX, impresiones más personales de paisajes urbanos reemplazaron el deseo de precisión topográfica, que fue satisfecho con panoramas pintados .
La pintura y la música son artes especialmente románticas.
Por último, como unión de pintura y música surge la poesía, donde el elemento sensible está más que nunca subordinado al espíritu.
