Oscar-Claude Monet ( Reino Unido : / ˈ m ɒ n eɪ / , EE. UU .: / m oʊ ˈ n eɪ , m ə ˈ -/ , francés: [klod mɔnɛ] ; 14 de noviembre de 1840 - 5 de diciembre de 1926) fue un pintor francés y Fundador de la pintura impresionista que es visto como un precursor clave del modernismo , especialmente en sus intentos de pintar la naturaleza tal como él la percibía. [1] Durante su larga carrera, fue el practicante más consistente y prolífico de la filosofía del impresionismo de expresar las percepciones de la naturaleza, especialmente en lo que se refiere a la pintura de paisajes al aire libre ( plein air ). [2] El término "Impresionismo" se deriva del título de su cuadro Impresión, soleil levant , expuesto en 1874 (la "exposición de los rechazados") iniciada por Monet y sus asociados como alternativa al Salón .
Monet se crió en Le Havre , Normandía , y se interesó por el aire libre y el dibujo desde temprana edad. Aunque su madre, Louise-Justine Aubrée Monet, apoyaba sus ambiciones de ser pintor, su padre, Claude-Adolphe, lo desaprobaba y quería que siguiera una carrera en los negocios. Era muy cercano a su madre, pero ella murió en enero de 1857, cuando él tenía dieciséis años, y fue enviado a vivir con su tía viuda pero rica, Marie-Jeanne Lecadre, que no tenía hijos. Continuó sus estudios en la Académie Suisse y con el pintor de historia académico Charles Gleyre , donde fue compañero de clase de Auguste Renoir . Sus primeras obras incluyen paisajes, marinas y retratos, pero atrajeron poca atención. Una de sus primeras influencias clave fue Eugène Boudin , quien le introdujo en el concepto de pintura al aire libre . A partir de 1883, Monet vivió en Giverny , también en el norte de Francia, donde compró una casa y una propiedad y comenzó un vasto proyecto de paisajismo, incluido un estanque con nenúfares.
La ambición de Monet de documentar la campiña francesa llevó a un método de pintar la misma escena muchas veces para capturar el cambio de luz y el paso de las estaciones. Entre los ejemplos más conocidos se encuentran su serie de pajares (1890-1891), pinturas de la catedral de Rouen (1892-1894) y las pinturas de nenúfares en su jardín de Giverny que lo ocuparon continuamente durante los últimos 20 años de su vida. .
Expuesto con frecuencia y exitoso durante su vida, la fama y popularidad de Monet se dispararon en la segunda mitad del siglo XX, cuando se convirtió en uno de los pintores más famosos del mundo y en una fuente de inspiración para un floreciente grupo de artistas.
Claude Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en el quinto piso del 45 de la rue Laffitte , en el distrito 9 de París . [3] Era el segundo hijo de Claude Adolphe Monet y Louise Justine Aubrée Monet, ambos parisinos de segunda generación. El 20 de mayo de 1841, fue bautizado en la iglesia local de París, Notre-Dame-de-Lorette , como Oscar-Claude, pero sus padres lo llamaron simplemente Oscar. [3] [4] A pesar de haber sido bautizado católico, Monet más tarde se volvió ateo. [5] [6]
En 1845, su familia se trasladó a Le Havre, en Normandía . Su padre, un comerciante mayorista , quería que se dedicara al negocio de comestibles y avituallamiento de barcos de la familia, [7] [8] pero Monet quería convertirse en artista. Su madre era cantante y apoyó el deseo de Monet de hacer una carrera en el arte. [9]
El 1 de abril de 1851 ingresó en la escuela secundaria de artes de Le Havre. [10] Era un estudiante apático que, después de mostrar habilidad en el arte desde una edad temprana, comenzó a dibujar caricaturas y retratos de conocidos a los 15 años por dinero. [11] Comenzó sus primeras lecciones de dibujo con Jacques-François Ochard , un antiguo alumno de Jacques-Louis David . [11] Alrededor de 1858, conoció a su colega artista Eugène Boudin , quien alentaría a Monet a desarrollar sus técnicas, le enseñaría las técnicas de pintura " en plein air " (al aire libre) y llevaría a Monet a excursiones de pintura. [12] [13] Monet pensaba en Boudin como su maestro, a quien "le debía todo" por su éxito posterior. [14]
En 1857 murió su madre. [15] Vivía con su padre y su tía, Marie-Jeanne Lecadre; Lecadre sería una fuente de apoyo para Monet en sus inicios en su carrera artística. [13] [15]
De 1858 a 1860, Monet continuó sus estudios en París, donde se matriculó en la Académie Suisse y conoció a Camille Pissarro en 1859. [16] [17] Fue llamado al servicio militar y sirvió bajo las órdenes de los Chasseurs d'Afrique (Cazadores africanos), en Argelia , de 1861 a 1862. [18] Su estancia en Argelia tuvo un poderoso efecto en Monet, quien más tarde dijo que la luz y los colores vivos del norte de África "contenían la joya de mis futuras investigaciones". [19] La enfermedad le obligó a regresar a Le Havre, donde compró el resto de su servicio y conoció a Johan Barthold Jongkind , quien junto con Boudin fue un importante mentor de Monet. [12]
A su regreso a París, con el permiso de su padre, dividió su tiempo entre la casa de su infancia y el campo y se matriculó en el estudio de Charles Gleyre , donde conoció a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille . [15] [21] [22] Bazille finalmente se convirtió en su amigo más cercano. [14] En busca de motivos, viajaron a Honfleur , donde Monet pintó varios "estudios" del puerto y de la desembocadura del Sena. [23] Monet a menudo pintaba junto a Renoir y Alfred Sisley , [24] quienes compartían su deseo de articular nuevos estándares de belleza en temas convencionales. [25]
Durante este tiempo pintó Mujeres en el jardín , su primer cuadro exitoso a gran escala, y Le déjeuner sur l'herbe , el "cuadro más importante del primer período de Monet". [24] [26] [27] Habiendo debutado en el Salón en 1865 con La Pointe de la Hève en marea baja y Boca del Sena en Honfleur con grandes elogios, esperaba que Le déjeuner sur l'herbe le ayudara a abrirse paso en el Salón de 1866. No pudo terminarlo a tiempo y, en cambio, presentó a aceptación La mujer del vestido verde y Pavé de Chailly . [15] [28] A partir de entonces, presentó obras al Salón anualmente hasta 1870, pero fueron aceptadas por los jurados sólo dos veces, en 1866 y 1868. [12] No envió más obras al Salón hasta su único y último intento. en 1880. [12] Su obra fue considerada radical, "desalentada en todos los niveles oficiales". [21]
En 1867 su entonces amante, Camille Doncieux —a quien había conocido dos años antes como modelo para sus cuadros— dio a luz a su primer hijo, Jean . [13] Monet tenía una fuerte relación con Jean, afirmando que Camille era su esposa legítima, por lo que Jean sería considerado legítimo . [29] El padre de Monet dejó de apoyarlo financieramente como resultado de la relación. A principios de año, Monet se vio obligado a mudarse a la casa de su tía en Sainte-Adresse . [15] [28] Allí se sumergió en su trabajo, aunque un problema temporal en su vista, probablemente relacionado con el estrés, le impidió trabajar bajo la luz del sol. [15] [28] [12] Monet amaba mucho a su familia y pintó muchos retratos de ellos, como el de un niño con una taza y un retrato de Jean Monet . Esta pintura en particular muestra los primeros signos de la famosa obra impresionista posterior de Monet. [30]
Con la ayuda del coleccionista de arte Louis-Joachim Gaudibert, se reunió con Camille y se mudó a Étretat al año siguiente. [14] [15] Por esta época, estaba tratando de establecerse como un pintor de figuras que representaba al "burgués explícitamente contemporáneo", una intención que continuó hasta la década de 1870. [15] [31] [21] [22] Evolucionó su técnica de pintura e integró la experimentación estilística en su estilo plein-air, como lo demuestra La playa de Sainte-Adresse y En la orilla del Sena respectivamente, siendo la primera su "primera campaña sostenida de pintura que involucró el turismo". [15] [28]
Varios de sus cuadros habían sido comprados por Gaudíbert, quien encargó un cuadro de su esposa, junto con otros proyectos; Los Gaudibert fueron durante dos años "los que más apoyaron a los mecenas de la ciudad natal de Monet ". [12] [29] Monet sería posteriormente apoyado financieramente por el artista y coleccionista de arte Gustave Caillebotte , Bazille y quizás Gustave Courbet , aunque los acreedores todavía lo perseguían. [12] [21]
Se casó con Camille el 28 de junio de 1870, justo antes del estallido de la guerra franco-prusiana . [32] Durante la guerra, él y su familia vivieron en Londres y los Países Bajos para evitar el servicio militar obligatorio . [15] [16] Monet y Charles-François Daubigny vivieron en un exilio autoimpuesto . [16] [R] Mientras vivía en Londres, Monet conoció a su viejo amigo Pissarro, el pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler , y se hizo amigo de su primer y principal marchante de arte, Paul Durand-Ruel ; un encuentro que sería decisivo para su carrera. Allí vio y admiró las obras de John Constable y JMW Turner y quedó impresionado por el tratamiento de la luz por parte de Turner, especialmente en las obras que representan la niebla en el Támesis . [12] [15] [33] [34] Pintó repetidamente el Támesis, Hyde Park y Green Park . [15] En la primavera de 1871, a sus obras se les negó la autorización para su inclusión en la exposición de la Real Academia y la policía sospechó de sus actividades revolucionarias. [35] [32] Ese mismo año se enteró de la muerte de su padre. [12]
La familia se mudó a Argenteuil en 1871, donde él, influenciado por su época con pintores holandeses, pintó principalmente los alrededores del Sena . [31] [36] Adquirió un velero para pintar en el río. [12] En 1874, firmó un contrato de arrendamiento por seis años y medio y se mudó a una "casa color rosa con contraventanas verdes" de nueva construcción en Argenteuil, donde pintó quince cuadros de su jardín desde una perspectiva panorámica . [31] [37] Pinturas como Gladiolos marcaron lo que probablemente fue la primera vez que Monet cultivó un jardín para su arte. [31] La casa y el jardín se convirtieron en el motivo "más importante" de sus últimos años en Argenteuil. [37] Durante los siguientes cuatro años, pintó principalmente en Argenteuil y se interesó por las teorías del color del químico Michel Eugène Chevreul . [12] Durante tres años de la década, alquiló una gran villa en Saint-Denis por mil francos al año. Camille Monet en un banco de jardín muestra el jardín de la villa y lo que algunos han argumentado que es el dolor de Camille al enterarse de la muerte de su padre. [38]
Monet y Camille a menudo se encontraban en apuros financieros durante este período: no pudieron pagar la factura del hotel durante el verano de 1870 y probablemente vivieron en las afueras de Londres debido a la insuficiencia de fondos. Sin embargo, una herencia de su padre, junto con las ventas de sus pinturas, les permitió contratar dos sirvientes y un jardinero en 1872. [13] [39] [40] Tras la exitosa exposición de algunas pinturas marítimas y la obtención de Medalla de plata en Le Havre, los cuadros de Monet fueron confiscados por acreedores, a quienes fueron recomprados por un comerciante naviero, Gaudibert, que también era mecenas de Boudin. [41]
Cuando el apoyo anterior de Durand-Ruel a Monet y sus pares comenzó a declinar, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Paul Cézanne , Edgar Degas y Berthe Morisot expusieron sus obras de forma independiente; Lo hicieron bajo el nombre de Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores, en la que Monet fue una figura destacada en su formación. [12] [15] Se inspiró en el estilo y el tema de sus contemporáneos un poco mayores, Pissarro y Édouard Manet. [42] El grupo, cuyo título fue elegido para evitar asociación con cualquier estilo o movimiento, estaba unificado en su independencia del Salón y en el rechazo del academicismo predominante . [12] [43] Monet se ganó la reputación de ser el pintor paisajista más destacado del grupo. [dieciséis]
En la primera exposición, en 1874, Monet mostró, entre otras, Impresión, Amanecer , El almuerzo y Boulevard des Capucines . [44] El crítico de arte Louis Leroy escribió una crítica hostil. Prestando especial atención a Impression, Sunrise (1872), una descripción confusa del puerto de Le Havre y su desvío estilístico, acuñó el término " impresionismo ". Los críticos conservadores y el público se burlaron del grupo, siendo el término inicialmente irónico y denotando que la pintura estaba inacabada. [15] [43] Los críticos más progresistas elogiaron la descripción de la vida moderna; Louis Edmond Duranty llamó a su estilo una "revolución en la pintura". [43] Leroy más tarde se arrepintió de haber inspirado el nombre, ya que creía que eran un grupo "cuya mayoría no tenía nada de impresionista". [14]
La asistencia total se estima en 3.500 personas. Monet fijó el precio de Impresión: amanecer en 1.000 francos, pero no logró venderlo. [45] [46] [47] La exposición estaba abierta a cualquiera que estuviera dispuesto a pagar 60 francos y brindó a los artistas la oportunidad de mostrar su trabajo sin la interferencia de un jurado. [45] [46] [47] En 1876 se celebró otra exposición, nuevamente en oposición al Salón. Monet exhibió 18 pinturas, incluida La playa de Sainte-Adresse , que mostraba múltiples características impresionistas. [28] [48]
Para la tercera exposición, el 5 de abril de 1877, seleccionó siete cuadros de la docena que había realizado en la Gare Saint-Lazare en los últimos tres meses, la primera vez que "sincronizó tantos cuadros del mismo lugar, coordinando cuidadosamente sus escenas". y temporalidades". [49] Las pinturas fueron bien recibidas por la crítica, quienes elogiaron especialmente la forma en que capturó la llegada y salida de los trenes. [49] En la cuarta exposición su participación se produjo a través de una negociación por parte de Caillebotte. [15] La última vez que expuso con los impresionistas fue en 1882, cuatro años antes de la última exposición impresionista. [50] [51]
Monet, Renoir, Pissarro, Morisot, Cézanne y Sisley procedieron a experimentar con nuevos métodos de representar la realidad. Rechazaron la iluminación oscura y contrastante de las pinturas románticas y realistas, en favor de los tonos pálidos de las pinturas de sus pares, como las de Jean-Baptiste-Camille Corot y Boudin. [52] Después de desarrollar métodos para pintar efectos transitorios, Monet buscaría temas más exigentes, nuevos mecenas y coleccionistas; sus pinturas producidas a principios de la década de 1870 dejaron un impacto duradero en el movimiento y en sus compañeros, muchos de los cuales se mudaron a Argenteuil como resultado de admirar su representación. [15] [53]
En 1875, volvió a la pintura de figuras con Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo , después de abandonarla efectivamente con El almuerzo . Su interés por la figura continuó durante los siguientes cuatro años, alcanzando su punto máximo en 1877 y concluyendo por completo en 1890. [29] [61] En una carta "inusualmente reveladora" a Théodore Duret , Monet habló de su revitalizado interés: "Estoy trabajando como nunca antes en una nueva empresa figuras al aire libre, tal como yo las entiendo. Este es un viejo sueño, un sueño que siempre me ha obsesionado y que me gustaría dominar de una vez por todas. ¡Pero es todo tan difícil! trabajando muy duro, casi hasta enfermarme".
En 1876, Camille Monet enfermó gravemente. [62] Su segundo hijo, Michel , nació en 1878, después de lo cual la salud de Camille se deterioró aún más. [62] En el otoño de ese año, se mudaron al pueblo de Vétheuil , donde compartieron casa con la familia de Ernest Hoschedé , un rico propietario de grandes almacenes y mecenas de las artes que había encargado cuatro pinturas a Monet. [12] [15] En 1878, a Camille le diagnosticaron cáncer de útero . [63] Ella murió al año siguiente. [15] Su muerte, junto con las dificultades financieras (una vez que tuvo que abandonar su casa para evitar a los acreedores), afectó la carrera de Monet; Hoschedé había comprado recientemente varias pinturas, pero pronto quebró y se fue a París con la esperanza de recuperar su fortuna, a medida que disminuía el interés por los impresionistas. [16] [12] [15]
Monet hizo un estudio al óleo de su difunta esposa. Muchos años después, le confesó a su amigo Georges Clemenceau que su necesidad de analizar los colores era para él a la vez una alegría y un tormento. Explicó: "Un día me encontré mirando el rostro muerto de mi amada esposa y observando sistemáticamente los colores según un reflejo automático". [64] John Berger describe la obra como "una ventisca de pintura blanca, gris y violácea... una terrible ventisca de pérdida que borrará para siempre sus rasgos. De hecho, puede haber muy pocas pinturas de lecho de muerte que hayan sido tan intensamente sentido o subjetivamente expresivo." [sesenta y cinco]
El estudio de Monet sobre el Sena continuó. Presentó dos cuadros al Salón de 1880, uno de los cuales fue aceptado. [12] Comenzó a abandonar las técnicas impresionistas ya que sus pinturas utilizaban tonos más oscuros y mostraban entornos, como el río Sena, en condiciones climáticas adversas. Durante el resto de la década, se centró en el aspecto elemental de la naturaleza. [24] [53] Su vida personal influyó en su distanciamiento de los impresionistas. [15] Regresó a Étretat y expresó en cartas a Alice Hoschedé —con quien se casaría en 1892, tras la muerte de su marido el año anterior— su deseo de morir. [14] [15] [61] En 1881, se mudó con Alice y sus hijos a Poissy y nuevamente vendió sus pinturas a Durand-Ruel . [12] La tercera hija de Alice, Suzanne, se convertiría en el "modelo preferido" de Monet, después de Camille. [61]
En abril de 1883, mirando por la ventanilla del tren entre Vernon y Gasny, descubrió Giverny en Normandía. [66] Ese mismo año se llevó a cabo su primera gran exposición retrospectiva. [53]
Las luchas de Monet con los acreedores terminaron tras viajes prósperos; viajó a Bordighera en 1884 y trajo 50 paisajes. [12] [53] Viajó a los Países Bajos en 1886 para pintar los tulipanes. Pronto conoció y se hizo amigo de Gustave Geffroy , quien publicó un artículo sobre Monet. [12] A pesar de sus escrúpulos, las pinturas de Monet se vendieron en Estados Unidos y contribuyeron a su seguridad financiera. [15] En contraste con las dos últimas décadas de su carrera, Monet prefería trabajar solo y sentía que siempre era mejor cuando lo hacía, ya que regularmente "anhelaba la soledad, lejos de los complejos turísticos abarrotados y de los entornos urbanos sofisticados". . [67] [53] Tal deseo era recurrente en sus cartas a Alice. [67] [61]
En 1883, Monet y su familia alquilaron una casa y jardines en Giverny , lo que le proporcionó una estabilidad doméstica que aún no había disfrutado. [15] La casa estaba situada cerca de la carretera principal entre las ciudades de Vernon y Gasny en Giverny. Había un granero que hacía las veces de estudio de pintura, huertos y un pequeño jardín. La casa estaba lo suficientemente cerca de las escuelas locales para que asistieran los niños, y el paisaje circundante proporcionaba numerosas áreas naturales para que Monet pintara. [68] [69] [70]
La familia trabajó y construyó los jardines, y la suerte de Monet comenzó a mejorar a medida que Durand-Ruel tuvo cada vez más éxito en la venta de sus pinturas. [71] Los jardines fueron la mayor fuente de inspiración de Monet durante 40 años. [72] [73] En 1890, Monet compró la casa. [53] Durante la década de 1890, Monet construyó un invernadero y un segundo estudio, un edificio espacioso y bien iluminado con tragaluces.
Monet escribía instrucciones diarias a su jardinero, diseños y diseños precisos para las plantaciones y facturas de sus compras florales y su colección de libros de botánica. A medida que crecía la riqueza de Monet, su jardín evolucionó. Siguió siendo su arquitecto, incluso después de contratar a siete jardineros. [74] Monet compró un terreno adicional con una pradera de agua. [12] Se plantaron nenúfares blancos locales de Francia junto con cultivares importados de América del Sur y Egipto, lo que dio como resultado una gama de colores que incluía lirios amarillos, azules y blancos que se volvían rosados con la edad. [75] En 1902, aumentó el tamaño de su jardín acuático en casi 4.000 metros cuadrados; El estanque fue ampliado en 1901 y 1910 con caballetes instalados alrededor para permitir capturar diferentes perspectivas. [15] [73]
Insatisfecho con las limitaciones del impresionismo, Monet comenzó a trabajar en series de pinturas que mostraban temas únicos (pajares, álamos y la catedral de Rouen ) para resolver su frustración. [24] [61] Estas series de pinturas proporcionaron un éxito crítico y financiero generalizado; en 1898 se expusieron 61 cuadros en la galería Petit. [76] También comenzó una serie de Mañanas en el Sena, que retrataba las horas del amanecer del río. [15] En 1887 y 1889 exhibió una serie de pinturas de Belle Île con excelentes críticas por parte de los críticos. [67] Monet eligió el lugar con la esperanza de encontrar un "nuevo lenguaje estético que pasara por alto las fórmulas aprendidas, uno que fuera fiel a la naturaleza y único para él como individuo, no como nadie más". [67]
En 1899 comenzó a pintar los nenúfares que lo ocuparían continuamente durante los siguientes 20 años de su vida, siendo su última y "más ambiciosa" secuencia de pinturas. [31] [77] Había expuesto este primer grupo de fotografías del jardín, dedicadas principalmente a su puente japonés, en 1900. [15] Regresó a Londres, que ahora reside en el prestigioso Hotel Savoy , en 1899 para producir una serie que incluían 41 pinturas del puente de Waterloo , 34 del puente de Charing Cross y 19 de la Casa del Parlamento . [78] El último viaje de Monet sería a Venecia, con Alicia en 1908. [15]
Las representaciones de nenúfares, con alternancia de luces y reflejos como de espejos, se convirtieron en una parte integral de su obra. [79] A mediados de la década de 1910, Monet había logrado "un estilo de pintura completamente nuevo, fluido y algo audaz en el que el estanque de nenúfares se convirtió en el punto de partida de un arte casi abstracto". [80] Claude Roger-Marx señaló en una reseña de la exitosa exposición de Monet de 1909 de la primera serie de Nenúfares que había "alcanzado el máximo grado de abstracción e imaginación unidas a lo real". [81] Esta exposición, titulada Nenúfares, una serie de paisajes acuáticos, constaba de 42 lienzos, su "serie más grande y unificada hasta la fecha" . [15] Finalmente haría más de 250 pinturas de los Nenúfares . [50]
En su casa, Monet se reunió con artistas, escritores, intelectuales y políticos de Francia, Inglaterra, Japón y Estados Unidos. [16] En el verano de 1887 conoció a John Singer Sargent , cuya experimentación con la pintura de figuras al aire libre lo intrigó; La pareja pasó a influirse mutuamente con frecuencia. [61]
La segunda esposa de Monet, Alice, murió en 1911, y su hijo mayor, Jean, que se había casado con la hija de Alice, Blanche, la favorita de Monet, murió en 1914. [ 82] Sus muertes dejaron a Monet deprimido, ya que Blanche cuidaba de él. [15] [83] Fue durante este tiempo que Monet comenzó a desarrollar los primeros signos de posibles cataratas . [83] En 1913, Monet viajó a Londres para consultar al oftalmólogo alemán Richard Liebreich . Le recetaron gafas nuevas y rechazó la cirugía de cataratas en el ojo derecho. [84] Al año siguiente, Monet, animado por Clemenceau, hizo planes para construir un nuevo y grande estudio que podría utilizar para crear un "ciclo decorativo de pinturas dedicadas al jardín acuático". [15]
En los años siguientes, su percepción del color se vio afectada; sus trazos amplios eran más amplios y sus pinturas cada vez más oscuras. Para lograr el resultado deseado, comenzó a etiquetar sus tubos de pintura, mantuvo un orden estricto en su paleta y usó un sombrero de paja para evitar el brillo . [84] Se acercó a la pintura formulando las ideas y características en su mente, tomando el "motivo en grandes masas" y transcribiéndolos a través de la memoria y la imaginación. Esto se debía a que era "insensible" a los "tonos más finos de tonalidades y colores vistos de cerca". [85]
La producción de Monet disminuyó a medida que se retiró, aunque produjo varias pinturas sobre tabla para el gobierno francés , de 1914 a 1918 con gran éxito financiero y más tarde crearía obras para el estado. [84] [73] [81] Su trabajo sobre el "ciclo de pinturas" se produjo principalmente entre 1916 y 1921. [15] La cirugía de cataratas fue recomendada una vez más, esta vez por Clemenceau. [84] Monet, que estaba preocupado después de las fallidas cirugías de Honoré Daumier y Mary Cassatt , afirmó que preferiría tener problemas de vista y tal vez abandonar la pintura que renunciar a "un poco de estas cosas que amo". [84] En 1919, Monet comenzó una serie de pinturas de paisajes, "con toda su fuerza", aunque no estaba satisfecho con el resultado. [81] En octubre, el clima hizo que Monet dejara de pintar al aire libre y al mes siguiente vendió cuatro de las once pinturas de Nenúfares , a pesar de su entonces renuencia a renunciar a su trabajo. [81] La serie inspiró elogios de sus compañeros; sus obras posteriores fueron bien recibidas por marchantes y coleccionistas, y recibió 200.000 francos de un coleccionista. [81]
En 1922, una prescripción de midriáticos proporcionó un alivio de corta duración. Finalmente se sometió a una cirugía de cataratas en 1923. La cianopsia persistente y las gafas afáquicas resultaron ser una lucha. Ahora "capaz de ver los colores reales", comenzó a destruir lienzos de su período preoperatorio. [84] Al recibir lentes Zeiss teñidas , Monet se mostró elogioso, aunque su ojo izquierdo pronto tuvo que quedar completamente cubierto por una lente negra. En 1925, su discapacidad visual mejoró y comenzó a retocar algunos de sus trabajos preoperatorios, con nenúfares más azules que antes. [86] [84]
Durante la Primera Guerra Mundial , en la que sirvió su hijo menor, Michel, Monet pintó una serie de Sauces llorones como homenaje a los soldados franceses caídos. [87] Se dedicó profundamente a la decoración de su jardín durante la guerra. [73]
Monet ha sido descrito como "la fuerza impulsora detrás del impresionismo". [88] Crucial para el arte de los pintores impresionistas fue la comprensión de los efectos de la luz sobre el color local de los objetos y los efectos de la yuxtaposición de colores entre sí. [89] Su estilo fluido y su uso del color han sido descritos como "casi etéreo" y el "[epítome] del estilo impresionista"; Impresión, amanecer es un ejemplo del principio impresionista "fundamental" de representar sólo lo que es puramente visible. [24] [90] Monet estaba fascinado por los efectos de la luz y por la pintura al aire libre ; creía que su único "mérito reside en haber pintado directamente frente a la naturaleza, buscando plasmar mis impresiones con los efectos más fugaces" [ 14] [90] Queriendo "pintar el aire", a menudo combinaba temas de la vida moderna con luz exterior. [27] [91]
Monet hizo de la luz el foco central de sus pinturas. Para capturar sus variaciones, a veces completaba una pintura de una sola vez, a menudo sin preparación. [92] Deseaba demostrar cómo la luz alteraba el color y la percepción de la realidad. [24] Su interés por la luz y la reflexión comenzó a finales de la década de 1860 y duró toda su carrera. [21] Durante su primera estancia en Londres, desarrolló una admiración por la relación entre el artista y los motivos, por lo que consideraba el "sobre". [78] Utilizó dibujos a lápiz para anotar rápidamente temas y motivos para referencia futura. [15]
La representación de paisajes de Monet enfatizó elementos industriales como ferrocarriles y fábricas; sus primeros paisajes marinos presentaban una naturaleza inquietante representada con colores apagados y residentes locales. [28] [43] Crítico y amigo de Monet, Théodore Duret señaló, en 1874, que se sentía "poco atraído por las escenas rústicas... Se sentía particularmente atraído por la naturaleza cuando estaba embellecida y por las escenas urbanas y por Preferiblemente pintaba jardines floridos, parques y arboledas". [31] Al representar figuras y paisajes en conjunto, Monet deseaba que el paisaje no fuera un mero telón de fondo y que las figuras no dominaran la composición. [61] Su dedicación a tal representación de paisajes resultó en que Monet reprendiera a Renoir por desafiarlo. [61] A menudo representaba las actividades de ocio suburbanas y rurales de París y, cuando era joven, experimentó con naturalezas muertas . [21] [43] A partir de la década de 1870, se alejó gradualmente de los paisajes suburbanos y urbanos; cuando los representó fue para ampliar su estudio de la luz. [50] Los críticos contemporáneos, y más tarde académicos, sintieron que con su elección de exhibir Belle Île, había indicado un deseo de alejarse de la cultura moderna de las pinturas impresionistas y, en cambio, acercarse a la naturaleza primitiva . [67]
Después de conocer a Boudin, Monet se dedicó a buscar nuevos y mejores métodos de expresión pictórica. Para ello, de joven visitó el Salón y se familiarizó con las obras de pintores mayores y entabló amistad con otros artistas jóvenes. [88] Los cinco años que pasó en Argenteuil , pasando mucho tiempo en el río Sena en un pequeño estudio flotante, fueron formativos en su estudio de los efectos de la luz y los reflejos. Empezó a pensar en términos de colores y formas en lugar de escenas y objetos. Usó colores brillantes en pinceladas, rayas y garabatos de pintura. Habiendo rechazado las enseñanzas académicas del estudio de Gleyre, se liberó de la teoría diciendo: "Me gusta pintar como canta un pájaro". [93] Boudin, Daubigny, Jongkind, Courbet y Corot estuvieron entre las influencias de Monet y a menudo trabajaría de acuerdo con los desarrollos del arte de vanguardia . [22] [14] [61] [94]
En 1877, una serie de pinturas en la estación St-Lazare mostraban a Monet observando el humo y el vapor y la forma en que afectaban el color y la visibilidad, siendo a veces opacos y a veces translúcidos . Este estudio lo utilizaría aún más para pintar los efectos de la niebla y la lluvia en el paisaje. [95] El estudio de los efectos de la atmósfera evolucionaría hacia una serie de series de pinturas en las que Monet pintaba repetidamente el mismo tema (como su serie de nenúfares) [96] con diferentes luces, en diferentes horas del día, y a través de los cambios de clima y estación. Este proceso comenzó en la década de 1880 y continuó hasta el final de su vida en 1926. [ cita necesaria ] En su carrera posterior, Monet "trascendió" el estilo impresionista y comenzó a traspasar los límites del arte. [24] [97]
Monet refinó su paleta en la década de 1870, minimizando conscientemente el uso de tonos más oscuros y favoreciendo los colores pastel. Esto coincidió con su enfoque más suave, utilizando pinceladas más pequeñas y variadas. Su paleta volvería a sufrir cambios en la década de 1880, con más énfasis que antes en la armonía entre tonos cálidos y fríos . [15] Después de su operación óptica en 1923, Monet volvió a su estilo de hace una década. Renunció a los colores llamativos o a la "aplicación tosca" por esquemas de color enfatizados de azul y verde. [84] Aunque padecía cataratas, sus pinturas eran más amplias y abstractas; desde finales de la década de 1880 en adelante, había simplificado sus composiciones y buscado temas que pudieran ofrecer colores y tonos amplios. [84] [98] Usó cada vez más tonos rojos y amarillos, una tendencia que comenzó después de su viaje a Venecia. [90] Monet viajaba a menudo solo en esta época: de Francia a Normandía y a Londres; a Rivera y Rouen , en busca de temas nuevos y más desafiantes. [16] [99]
El cambio de estilo probablemente fue una consecuencia del desorden y no una elección intencional. [84] Monet trabajaba a menudo en lienzos grandes debido al deterioro de su vista y en 1920 admitió que se había acostumbrado demasiado a la pintura amplia como para volver a los lienzos pequeños. [24] [81] La influencia de sus cataratas en su producción ha sido un tema de discusión entre académicos; Lane y col. (1997) sostiene que el deterioro que se produjo a partir de finales de la década de 1860 condujo a una disminución de las líneas nítidas. [90] Los jardines fueron un foco de atención en todo su arte, y se volvieron prominentes en su obra posterior, especialmente durante la última década de su vida. [31] [73] Daniel Wildenstein notó una continuidad "perfecta" en sus pinturas que fue "enriquecida por la innovación". [99]
A partir de la década de 1880 (y particularmente en la década de 1890), la serie de pinturas de Monet sobre temas específicos buscó documentar las diferentes condiciones de luz y clima. [15] A medida que la luz y el clima cambiaban a lo largo del día, alternaba entre lienzos, a veces trabajando hasta ocho a la vez, y generalmente dedicaba una hora a cada uno. [15] En 1895, expuso 20 pinturas de la catedral de Rouen , mostrando la fachada en diferentes condiciones de luz, clima y atmósfera. [15] Las pinturas no se centran en el gran edificio medieval, sino en el juego de luces y sombras a través de su superficie, transformando la sólida mampostería. [100] Para esta serie, experimentó con la creación de sus propios marcos. [101]
Su primera serie expuesta fue de almiares , pintada desde distintos puntos de vista y en distintos momentos del día. Quince de las pinturas se exhibieron en la Galerie Durand-Ruel en 1891. En 1892 realizó veintiséis vistas de la catedral de Rouen . [89] Entre 1883 y 1908, Monet viajó al Mediterráneo , donde pintó monumentos, paisajes y paisajes marinos, incluida una serie de pinturas en Venecia . En Londres pintó cuatro series: las Casas del Parlamento, Londres , el puente de Charing Cross , el puente de Waterloo y las Vistas del puente de Westminster . Helen Gardner escribe:
Monet, con precisión científica, nos ha brindado un registro incomparable e inigualable del paso del tiempo visto en el movimiento de la luz sobre formas idénticas. [102]
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Tras su regreso de Londres, Monet pintó principalmente del natural, en su propio jardín; sus nenúfares, su estanque y su puente. Del 22 de noviembre al 15 de diciembre de 1900 se celebró otra exposición dedicada a él en la galería Durand-Ruel, en la que se exhibieron una decena de versiones de los Nenúfares . Esta misma exposición se organizó en febrero de 1901 en la ciudad de Nueva York, donde tuvo gran éxito. [34]
En 1901, Monet amplió el estanque de su casa comprando un prado situado al otro lado del Ru, el curso de agua local. Luego dividió su tiempo entre el trabajo sobre la naturaleza y el trabajo en su estudio. [104]
Los lienzos dedicados a los nenúfares evolucionaron con los cambios realizados en su jardín. Además, hacia 1905, Monet fue modificando paulatinamente su estética abandonando el perímetro del cuerpo de agua y modificando por tanto la perspectiva. También cambió la forma y el tamaño de sus lienzos pasando de bastidores rectangulares a bastidores cuadrados y luego circulares. [34]
Estos lienzos fueron creados con gran dificultad: Monet dedicó una gran cantidad de tiempo a reelaborarlos para encontrar los efectos e impresiones perfectos. Cuando consideró que no habían tenido éxito, no dudó en destruirlos. Pospuso continuamente la exposición de Durand-Ruel hasta quedar satisfecho con las obras. Después de varios aplazamientos que se remontan a 1906, la exposición Les Nymphéas acabó inaugurándose el 6 de mayo de 1909. Compuesta por cuarenta y ocho pinturas que datan de 1903 a 1908, que representan una serie de paisajes y escenas de nenúfares, esta exposición volvió a ser un éxito. [34]
Monet murió de cáncer de pulmón el 5 de diciembre de 1926 a la edad de 86 años y está enterrado en el cementerio de la iglesia de Giverny. Monet había insistido en que la ocasión fuera sencilla; por tanto, sólo asistieron a la ceremonia unas cincuenta personas. [105] En su funeral, Clemenceau quitó la tela negra que cubría el ataúd y dijo: "¡Nada de negro para Monet!" y lo reemplazó con una tela con estampado de flores. [106] En el momento de su muerte, Waterlilies estaba "técnicamente inacabado". [50]
La casa, el jardín y el estanque de nenúfares de Monet fueron legados por Michel a la Academia Francesa de Bellas Artes (parte del Instituto de Francia ) en 1966. A través de la Fundación Claude Monet , la casa y los jardines se abrieron para visitas en 1980, tras su restauración. . [107] Además de recuerdos de Monet y otros objetos de su vida, la casa contiene su colección de grabados en madera japoneses . La casa y el jardín, junto con el Museo del Impresionismo, son las principales atracciones de Giverny, que recibe a turistas de todo el mundo.
Hablando de la obra de Monet, Wildenstein dijo que es "tan extensa que su ambición y diversidad desafían nuestra comprensión de su importancia". [99] Se ha dicho que sus pinturas producidas en Giverny y bajo la influencia de cataratas crean un vínculo entre el impresionismo y el arte del siglo XX y el arte abstracto moderno , respectivamente. [84] [99] Sus obras posteriores fueron una inspiración "importante" para la abstracción objetiva . [108] Ellsworth Kelly , tras una experiencia formativa en Giverny, rindió homenaje a las obras de Monet creadas allí con Tableau Vert (1952). [97] Monet ha sido llamado un "intermediario" entre la tradición y el modernismo —su trabajo ha sido examinado en relación con el posmodernismo— y fue una influencia para Bazille, Sisley, Renoir y Pissarro. [21] [97] Monet es ahora el más famoso de los impresionistas; Como resultado de sus contribuciones al movimiento, "ejerció una enorme influencia en el arte de finales del siglo XIX". [16] [109]
En mayo de 1927, se exhibieron 27 pinturas sobre tabla en el Museo de la Orangerie , tras largas negociaciones con el gobierno francés. [81] Debido a que sus obras posteriores fueron ignoradas por artistas, historiadores del arte, críticos y el público, pocos asistieron a la muestra. [97] En la década de 1950, las obras posteriores de Monet fueron "redescubiertas" por los expresionistas abstractos , y aquellos adyacentes como Clement Greenberg , quienes utilizaron lienzos similares [ se necesita aclaración ] y mantuvieron un desinterés en el arte contundente e ideológico de la guerra. [97] [24] Un ensayo de 1952 de André Masson ayudó a cambiar la percepción de las pinturas e inspirar una apreciación que comenzó a tomar forma en 1956-1957. [97] Al año siguiente, un incendio en el Museo de Arte Moderno haría quemar las pinturas de Nenúfares adquiridas por ellos. [97] La naturaleza a gran escala de las pinturas posteriores de Monet resultó difícil para algunos museos, lo que les obligó a alterar el encuadre. [97]
En 1978, el jardín de Monet en Giverny, que se había vuelto decrépito durante cincuenta años, fue restaurado y abierto al público. [72] En 2004, el Parlamento de Londres, Effects of Sun in the Fog ( Londres, le Parlement, trouée de soleil dans le brouillard ; 1904), se vendió por 20,1 millones de dólares. [110] En 2006, la revista Proceedings of the Royal Society publicó un artículo que proporciona evidencia de que estos fueron pintados in situ en el Hospital St Thomas sobre el río Támesis . [111] En 1981, Ronald Pickvance señaló que las obras de Monet posteriores a 1880 estaban recibiendo cada vez más atención académica. [112]
Falaises près de Dieppe ( Acantilados cerca de Dieppe ) ha sido robado en dos ocasiones: una vez en 1998 (en la que el curador del museo fue declarado culpable del robo y encarcelado durante cinco años y dos meses junto con dos cómplices) y la más reciente en agosto de 2007. [113] Fue recuperado en junio de 2008. [114]
El 14 de noviembre de 2001, se realizó un Doodle de Google para el 161 cumpleaños de Claude Monet, que representaba el logotipo de Google en el estilo característico de Monet. [115] Fue el primer Doodle de Google creado para el cumpleaños de alguien.
Le Pont du chemin de fer à Argenteuil de Monet , una pintura de 1873 de un puente ferroviario que cruza el Sena cerca de París, fue comprada por un postor telefónico anónimo por un récord de 41,4 millones de dólares en la subasta de Christie's en Nueva York el 6 de mayo de 2008. El récord anterior de su cuadro se vendió por 36,5 millones de dólares. [116] Unas semanas más tarde, Le bassin aux nymphéas (de la serie de nenúfares) se vendió en la subasta de Christie's el 24 de junio de 2008 en Londres [117] por £40.921.250 ($80.451.178), casi duplicando el récord del artista. [118] Esta compra representó uno de los 20 precios más altos pagados por una pintura en ese momento.
En octubre de 2013, las pinturas de Monet L'Eglise de Vétheuil y Le Bassin aux Nympheas se convirtieron en objeto de un caso legal en Nueva York contra Vilma Bautista, radicada en Nueva York, ex asistente de Imelda Marcos , esposa del dictador Ferdinand Marcos , [119] después de vender Le Bassin aux Nympheas por 32 millones de dólares a un comprador suizo. Dichas pinturas de Monet, junto con otras dos, fueron adquiridas por Imelda durante la presidencia de su marido y supuestamente compradas con fondos de la nación. El abogado de Bautista afirmó que el asistente vendió el cuadro para Imelda pero no tuvo oportunidad de darle el dinero. El gobierno filipino busca la devolución del cuadro. [119] Le Bassin aux Nympheas , también conocido como Puente peatonal japonés sobre el estanque de nenúfares en Giverny , es parte de la famosa serie de nenúfares de Monet.
Bajo el régimen nazi, tanto en Alemania a partir de 1933 como en los países ocupados por Alemania hasta 1945, los coleccionistas de arte judíos de Monet fueron saqueados por los nazis y sus agentes. Varias de las obras de arte robadas han sido devueltas a sus legítimos propietarios, mientras que otras han sido objeto de batallas judiciales. En 2014, durante el espectacular descubrimiento de un tesoro de arte escondido en Múnich, se encontró un Monet que había pertenecido a un magnate minorista judío en la maleta de Cornelius Gurlitt , hijo de uno de los marchantes oficiales de arte saqueado de Hitler , Hildebrand Gurlitt. . [120] [121]
Ejemplos de obras de Monet saqueadas por los nazis incluyen:
Le Palais Ducal de Monet y su obra de 1880, Campo de amapolas cerca de Vétheui l, anteriormente en la colección de Max Emden , han sido objeto de reclamaciones de restitución. [128] [129] "La Mare, Snow Effect" ("La Mare, effect de neige") fue objeto de un acuerdo con los herederos de Richard Semmel . [130]
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![Desembocadura del Sena en Honfleur, 1865, Fundación Norton Simon, Pasadena, California; indica la influencia de la pintura marítima holandesa.[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/42/Claude_Monet_-_Mouth_of_the_Seine.jpg/1280px-Claude_Monet_-_Mouth_of_the_Seine.jpg)
![Mujeres en el jardín, 1866-1867, Museo de Orsay, París[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/95/Claude_Monet_024.jpg/1280px-Claude_Monet_024.jpg)
![Jardín en Sainte-Adresse ("Jardin à Sainte-Adresse"), 1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a0/Claude_Monet_-_Jardin_%C3%A0_Sainte-Adresse.jpg/1280px-Claude_Monet_-_Jardin_%C3%A0_Sainte-Adresse.jpg)
![El almuerzo, 1868, Städel, en el que aparecen Camille Doncieux y Jean Monet, fue rechazado por el Salón de París de 1870, pero incluido en la exposición de los primeros impresionistas en 1874.[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9e/Claude_Monet_-_The_Luncheon_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Claude_Monet_-_The_Luncheon_-_Google_Art_Project.jpg)
![La Grenouillére 1869, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; una pequeña pintura al aire libre creada con amplias pinceladas de color intenso.[58]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/67/Claude_Monet_La_Grenouill%C3%A9re.jpg/1280px-Claude_Monet_La_Grenouill%C3%A9re.jpg)
![Le port de Trouville (rompeolas en Trouville, marea baja), 1870, Museo de Bellas Artes, Budapest[59]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e6/Claude_Monet,_1870,_Le_port_de_Trouville_(Breakwater_at_Trouville,_Low_Tide),_oil_on_canvas,_54_x_65.7_cm,_Museum_of_Fine_Arts,_Budapest.jpg/1280px-Claude_Monet,_1870,_Le_port_de_Trouville_(Breakwater_at_Trouville,_Low_Tide),_oil_on_canvas,_54_x_65.7_cm,_Museum_of_Fine_Arts,_Budapest.jpg)
![La plage de Trouville, 1870, National Gallery, Londres. La figura de la izquierda puede ser Camille, a la derecha posiblemente la esposa de Eugène Boudin, cuyas escenas de playa influyeron en Monet.[60]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/df/Claude_Monet_002.jpg/1280px-Claude_Monet_002.jpg)
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![Llegada del tren de Normandía, Gare Saint-Lazare, 1877, Instituto de Arte de Chicago,[103] parte de la serie Gare Saint-Lazare de Monet.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f2/Claude_Monet_-_Arrival_of_the_Normandy_Train,_Gare_Saint-Lazare_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Claude_Monet_-_Arrival_of_the_Normandy_Train,_Gare_Saint-Lazare_-_Google_Art_Project.jpg)
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{{cite book}}: Mantenimiento CS1: falta el editor de la ubicación ( enlace )La disputa por el Monet se enmarca en la saga de la persecución de Max Emden una vez que los nazis tomaron el poder en 1933 y la incautación o venta de su propiedad.
