La pintura indonesia tiene una tradición e historia muy largas en el arte indonesio , aunque debido a las condiciones climáticas sobreviven muy pocos ejemplos antiguos, Indonesia es el hogar de algunas de las pinturas más antiguas del mundo. Las primeras pinturas indonesias fueron pinturas rupestres de tiempos prehistóricos, como los petroglifos encontrados en lugares como las cuevas del distrito de Maros en Sulawesi , Indonesia . Las pinturas rupestres de la Edad de Piedra encontradas en la cueva de Maros tienen aproximadamente 40.000 años y están catalogadas como una de las pinturas más antiguas del mundo.
Sin embargo, en noviembre de 2018, los científicos informaron del descubrimiento de la pintura de arte figurativo más antigua conocida en ese momento, de más de 40.000 (quizás de 52.000) años de antigüedad, de un animal desconocido, en la cueva de Lubang Jeriji Saléh en la isla indonesia de Borneo. ( Kalimantán ). [1] [2] En diciembre de 2019, se estimó que las pinturas rupestres figurativas que representaban la caza de cerdos en el karst de Maros-Pangkep en Sulawesi eran aún más antiguas, de al menos 43.900 años. Se señaló que el hallazgo era “el registro pictórico de narración de historias más antiguo y la obra de arte figurativa más antigua del mundo”. [3] [4] Y más recientemente, en 2021, se informó sobre el arte rupestre de un cerdo encontrado en una isla de Indonesia y que data de hace más de 45.500 años. [5]
En tiempos prehistóricos , la pintura jugaba un papel importante porque cada pintura tenía un significado y propósito específico. En aquella época las pinturas se realizaban sobre paredes de cuevas y rocas . Una de las técnicas utilizadas por los cavernícolas para pintar en las paredes de las cuevas es colocar las manos en las paredes de la cueva y luego rociarlas con hojas para masticar o piedras minerales de colores. Esta técnica de pulverización se conoce como aerógrafo. Otro medio utilizado para realizar pinturas es la arcilla. Los colorantes utilizados provienen de ingredientes naturales como minerales y grasas animales. En general, el propósito y la temática escogida para realizar estos cuadros son mágicos.
Se pueden ver ejemplos de pinturas prehistóricas en la cueva Leang Pattakere en Maros, Sulawesi del Sur. [6] La pintura representa una escena de caza. Además, también hay pinturas en las paredes de cuevas de la costa sur de Papúa Occidental, en la isla de Nueva Guinea . Las pinturas de estos lugares representan a los antepasados. Lo que llamó la atención de las pinturas esparcidas en un área tan vasta fueron las siluetas de las manos por todas partes. Estas huellas de manos también se encuentran en Sulawesi del Sur, en pinturas sobre acantilados rocosos en la bahía de la isla Seram , en la región del golfo de Berau , Papúa, [7] y en la isla de Arguni y en la isla Kai . Además del motivo de la sombra de la mano, los motivos que se encuentran en muchos lugares son figuras humanas, barcos , sol , luna , pájaros , peces , tortugas , humanos , lagartos , patas y ciervos . [8]
Después del fin de los tiempos prehistóricos, el pueblo indonesio tenía diversos tipos de conocimientos, como la fabricación de grandes piedras en forma de pirámides escalonadas, la fundición de metales, la agricultura y las herramientas, la escultura y la fabricación de batik, que se desarrollaron con la adición de nuevos elementos en la época. época de la afluencia de la influencia hindú. Este período es un nuevo capítulo en la periodización de la cultura en Indonesia y se puede decir que es una era histórica porque en este momento se han encontrado reliquias en forma de escritura. Esto sucedió debido al contacto cultural con la India alrededor del siglo V d.C.
Los temas comunes utilizados en las obras de arte en esta época incluyen la religión, la mitología, las leyendas y las historias históricas. Por ejemplo, una pintura clásica balinesa que contiene las historias del Ramayana y el Mahabharata . El estilo utilizado en los grabados murales de la era Majapahit es el estilo wayang con una composición densa y estilizada del plano horizontal. El término estilo wayang aquí muestra un signo de similitud en las formas estilizadas de los personajes de las historias wayang kulit y las pinturas clásicas balinesas. El color de la pintura se limita a los colores que se pueden lograr con materiales naturales como cortezas , hojas , tierra y hollín . La pintura está realizada sobre tela alargada sin estar unida al marco del tramo, por lo que el resultado se asemeja a una pintura en pergamino. Además de las tallas de las paredes de los templos y los cuadros lontar, la función de la pintura clásica balinesa es la de medio educativo de acuerdo con las enseñanzas religiosas o la filosofía de vida de la era hindú .
La pintura en Bali comenzó a realizarse cuando la cultura hindú de Java Oriental fue presionada por la cultura islámica. La existencia de pintura que fusiona y culturiza la cultura hindú es única y reconocida por varios países hasta ahora. El desarrollo de la pintura hindú-balinesa se puede describir en tres partes: la pintura Kamasan, la pintura Pita Maha y la pintura de Jóvenes Artistas. [9]
Al igual que en la época hindú , el arte islámico en Indonesia se centra en el Kraton o palacio. El trabajo de un artista no es sólo crear obras de arte, sino que también es experto en diversas ciencias y filosofías, además de conocer otras ramas del arte. En el arte islámico está prohibido representar los motivos de los seres vivos en formas realistas. Los artistas se esforzaron por comprometerse con la cultura anterior.
En este caso, la tolerancia islámica apoya la continuidad de la anterior tradición artística, pero con un nuevo aliento, como la decoración con motivos estilizados de animales y humanos combinados con letras árabes, tanto en la aplicación de elementos estéticos a las mezquitas , como en el cultivo de la artesanía. arte, pintura o caligrafía . En cuanto a la fabricación de las estatuas, están tan disfrazadas que es como si esta imagen fuera sólo una decoración de hojas o flora.
Por lo general, se hacen pinturas como decoración que representan historias de personajes del wayang o pinturas de animales de candra sangkala y sobre la historia del profeta . La forma de pintura disfrazada de pintura sobre vidrio originaria de Cirebon . [10]
La nueva pintura indonesia que se ha desarrollado en Indonesia, como el arte en general, no puede entenderse plenamente sin situarla en el marco general de la sociedad y la cultura indonesias. El desarrollo de la pintura indonesia estuvo fuertemente influenciado por fuerzas históricas. La pintura indonesia sólo se desarrolló después de la era de la pintura islámica. La pintura en esta época experimentó un desarrollo muy rápido junto con el desarrollo del arte indonesio en el que participaron figuras como Raden Saleh , Affandi , Basuki Abdullah y otros.
La pintura moderna indonesia comenzó con la entrada del colonialismo holandés en Indonesia. La tendencia del arte de Europa occidental en ese momento hacia el romanticismo hizo que muchos pintores indonesios participaran en el desarrollo de este género.
Raden Saleh Syarif Bustaman es uno de los asistentes que tuvo la suerte de aprender la pintura de estilo europeo que practicaban los pintores holandeses. Luego, Raden Saleh continuó estudiando pintura en los Países Bajos, por lo que se convirtió en un respetado pintor indonesio y pintor de la corte en varios países europeos. Sin embargo, la pintura indonesia no pasó por la misma evolución que durante el renacimiento europeo, por lo que su desarrollo no pasó por las mismas etapas. La era de la revolución en Indonesia hizo que muchos pintores indonesios pasaran de temas románticos a tendencias "populistas". Los objetos relacionados con la belleza natural de Indonesia se consideraban un tema que traicionaba a la nación, porque se consideraban una maldición para los capitalistas que eran enemigos de la ideología popular del comunismo en ese momento. Además, los instrumentos pictóricos como pinturas y lienzos, cada vez más difíciles de encontrar, han hecho que las pinturas indonesias tiendan a adoptar formas más simples, dando lugar a la abstracción.
El Movimiento del Manifiesto Cultural que pretende luchar contra la coerción de la ideología comunista hizo que los pintores de los años 50 prefirieran liberar sus obras de arte de ciertos intereses políticos, de modo que comenzó la era del expresionismo. Las pinturas ya no se consideran mensajeros ni herramientas de propaganda. El recorrido de la pintura indonesia desde la obra pionera de R. Saleh hasta principios del siglo XX sigue estando marcado por diversos choques de concepciones.
La implantación de la pintura indonesia, que aún no ha alcanzado el nivel de éxito, se ha visto devastada por la idea del modernismo que dio lugar al arte alternativo o contemporáneo, con la aparición del arte conceptual: el "arte de instalación" y el "arte de performance", que se han multiplicado. por toda la facultad de arte entre 1993 y 1996. Luego surgieron diversas alternativas como la "colaboración" como moda 1996/1997. Junto a eso, la pintura convencional con varios estilos adorna las galerías, lo que ya no es una forma de agradecimiento a la comunidad, sino un negocio de inversión alternativo.
El término arte moderno indonesio no puede separarse de la tradición artística europea. El contacto entre el arte indonesio y el arte moderno se ha prolongado durante mucho tiempo y ha sido tan profundo que, directa o indirectamente, ha creado una relación o contacto cultural.
El arte moderno en Europa se ha proclamado desde el surgimiento del postimpresionismo (principios del siglo XVIII). En aquella época, el espacio para la libertad de crear obras de arte estaba muy abierto, empezando por el crecimiento de actitudes individualistas en el trabajo. La actitud individualista se fortalece con los experimentos desenfrenados de los artistas, tanto en términos de materiales, técnicas como de expresión de su arte.
El contacto entre el arte colectivo indonesio y el arte moderno europeo pasó a través de pintores europeos que llegaron a Indonesia. Este toque ha inspirado, de forma lenta pero segura, a algunas personas a abrir una nueva página en el arte, es decir, el nuevo arte. En esta nueva era del arte indonesio se produjeron varios avances, como los siguientes. [11]
A mediados del siglo XIX, el mundo de la pintura o el dibujo de los artistas indonesios todavía hacía referencia a los estilos tradicionales que se desarrollaban en las regiones. La mayoría de estas obras de arte tienen potencial decorativo. Por ejemplo, pinturas en Bali y Java , y adornos en Toraja y Kalimantan .
Algunos expertos ven a Raden Saleh Syarif Bustaman (1807-1880) como un pionero de la pintura moderna de Indonesia. Esta expresión no es una exageración teniendo en cuenta que Raden Saleh fue el primer indonesio en recibir orientación especial en pintura de pintores de estilo naturalista y realista de ascendencia belga que habían vivido en Indonesia, concretamente AAJ Payen. Por recomendación de Payen y con el apoyo de C. Reinwart, Raden Saleh tuvo la oportunidad de estudiar en Europa. En aquella época, estudiar en Europa todavía era poco común para la mayoría de los indonesios. Sin embargo, como se consideraba que Raden Saleh tenía un gran talento y todavía era de ascendencia noble, su partida a Europa no pudo impedirlo. Se convirtió en el primer indonesio en estudiar bellas artes en el extranjero. En Europa, Raden Saleh recibió la orientación del destacado retratista Cornellius Krusemen y del pintor de paisajes naturales Andreas Schefhout.
S. Sudjojono (1913-1986), como activador de este grupo, nunca estudió bellas artes en Europa. Los pintores miembros de este grupo incluyen a Agus Djaya Suminta, L. Sutioso, Rameli, Abdul Salam, Otto Jaya, S. Sudiarjo, Emiria Sunassa, Saptarita Latif, Herbert Hutagalung, S. Tutur, Hendro Jasmara y Sutioso.
Para fortalecer el movimiento e igualar las percepciones, este grupo formó la Asociación de Expertos en Dibujo de Indonesia (PERSAGI) en 1938 en Yakarta. Debido a que su principal objetivo era generar solidaridad nacional entre los artistas locales en el desarrollo de una pintura con un auténtico estilo indonesio, siempre hicieron bocetos del estilo de vida de la gente de esa época en varios lugares.
Después de regresar de Europa, Abdullah SR (1878-1941) vivió en Bandung y más tarde desarrolló su propio estilo de pintura, que llegó a ser conocido como Indonesia Jelita (Mooi Indie). Este estilo enfatiza la belleza y la atmósfera de la nación indonesia con su naturaleza fértil y su gente pacífica. El paisaje natural es un objeto pictórico muy dominante. Todo lo que es bello y romántico es placentero, sereno y pacífico. Las pinturas sólo tienen un significado: "Indias cómicas" para extranjeros y turistas.
De hecho, antes de que Abdullah SR desarrollara este estilo, había pintores extranjeros que fueron invitados deliberadamente por el gobierno colonial holandés a trabajar como pintores personalizados. Estos pintores incluyen a WG Hofker (Países Bajos), R. Locatelli (Italia), Le Mayeur (Países Bajos), Roland Strasser (Suiza), E. Dezentje (Países Bajos) y Rudolf Bonnet (Países Bajos).
Durante la ocupación japonesa, concretamente en 1942, PERSAGI se vio obligada a disolverse. Hay un número cada vez mayor de artistas que nacen de la base (grassroots), es decir, de la clase baja. En 1945, Japón estableció una institución con el nombre Japan Keimin Bunka Shidoso (Centro Cultural) cuyos profesores eran ex miembros de PERSAGI como Agus Djaya Suminta y S. Sudjojono. Quienes proporcionan los medios para las actividades artísticas.
En aquella época, aunque la vida económica del pueblo indonesio era completamente deficiente, la vida artística parecía arder. Los pintores también recibieron un soplo de aire fresco del ejército de ocupación japonés. Los pintores indonesios aprovecharon este aire fresco para realizar exposiciones. El objetivo no es sólo exhibir las obras de pintores locales, sino también difundir un sentido de nacionalidad a la comunidad en general. Los pintores que participaron en la exhibición de sus pinturas fueron Basuki Abdullah, Affandi, Kartono Yudhokusumo, Nyoman Ngedon, Hendra Gunawan, Henk Nantung y Otto Jaya.
En el período posterior a la independencia , la pintura se utilizó como medio de lucha. El desarrollo de la pintura en Indonesia muestra un rápido progreso porque la pintura se ha integrado con el espíritu de la lucha por la independencia de la nación. Este espíritu heroico se evidencia en forma de carteles de luchas y bocetos en medio de las batallas. Un pintor que ha hecho esto es Djajengasmoro y su grupo Front Painter.
El traslado del centro de gobierno a Yogyakarta en 1946 fue seguido por la partida de los pintores. La ciudad de Yogyakarta también se ha convertido en un centro de pintores. En 1946, en Yogyakarta, Affandi, Rusli, Hendra Gunawan y Harijadi formaron la Asociación Comunitaria de Artes. Un año más tarde, concretamente en 1947, se unieron a la asociación de Jóvenes Artistas Indonesios (SIM), que se formó en 1946 en Madiun con el pionero Sudjojono.
En 1949, RJ Katamsi con varios artistas miembros del SIM, People's Painters, POETRA y Budayan Taman Siswa iniciaron la Academia de Bellas Artes de Indonesia (ASRI), que ahora se ha convertido en ISI. El propósito de establecer esta academia es producir artistas aspirantes. Las cifras de ASRI incluyeron a S. Soedjojono, Hendra Gunawan, Djajengasmoro, Kusnadi y Sindusiswono. Mientras tanto, en Bandung en la década de 1950 también existía el Centro de Educación Superior para Profesores de Pintura, cuyo pionero fue Syafe'i Soemardja. Contó con la asistencia de Mochtar Apin, Ahmad Sadali, Sudjoko y Edi Karta Subarna. Desde 1959, esta institución cambió su nombre por el de Departamento de Bellas Artes del Instituto de Tecnología de Bandung (ITB).
En 1964, Barli, Karmas, Popo Iskandar, Radiosuto y Wiyoso Yudoseputo fueron pioneros en el Departamento de Educación de Bellas Artes de IKIP Bandung (actualmente conocida como Universidad de Educación de Indonesia). Algunos de los alumnos del Departamento de Bellas Artes de IKIP Bandung que se dedican a la pintura son los artistas Oho Garha, Nana Banna, Hidayat, Dadang MA y Hardiman. Varios años más tarde, se abrió un departamento de bellas artes en otros IKIP de toda Indonesia.
El desarrollo de la tecnología y la sociedad comenzó a avanzar, hacia 1974 nacieron grupos de jóvenes artistas en diversas regiones. Los artistas jóvenes que son miembros de este movimiento incluyen a Jim Supangkat , Syahrinur Prinka, Satyagraha, FX Harsono, Dede Eri Supria y Munni Ardi. Aportan un nuevo estilo a su trabajo. La primera exposición de sus obras tuvo lugar en Taman Ismail Marzuki Yakarta. Las obras de los artistas jóvenes, la mayoría de los cuales aún están en la universidad, están motivadas por las siguientes razones; Desmantelar el término artista como un atributo que sólo se atribuye a los académicos, mientras la pequeña comunidad comprometida con las artes no obtiene un lugar adecuado, desafía los límites del arte que durante mucho tiempo han sido creados por estos viejos artistas significa evitar enmarcar e intentar para crear algo nuevo con diversos medios, conceptos de trabajo, etc., la creación de esta obra de arte no es una excepción al arte que se aplica a cosas que se consideran sagradas.
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