John Martin Feeney (1 de febrero de 1894 - 31 de agosto de 1973), conocido profesionalmente como John Ford , fue un director y productor de cine estadounidense. Está considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes durante la Edad de Oro de Hollywood , [2] y fue uno de los primeros directores estadounidenses en ser reconocido como autor . [3] [4] En una carrera de más de 50 años, dirigió más de 140 películas entre 1917 y 1965 (aunque la mayoría de sus películas mudas ahora se han perdido ), y recibió seis premios de la Academia , incluido un récord de cuatro victorias como Mejor Director por El delator (1935), Las uvas de la ira (1940), Qué verde era mi valle (1941) y El hombre tranquilo (1952).
Ford es conocido por sus westerns , como Stagecoach (1939), My Darling Clementine (1946), Fort Apache (1948), The Searchers (1956) y The Man Who Shot Liberty Valance (1962); aunque trabajó en muchos otros géneros, incluidas comedias , dramas de época y documentales . Hizo un uso frecuente del rodaje en exteriores y planos generales , en los que sus personajes aparecían encuadrados en un terreno natural vasto, duro y accidentado. Se le atribuye el lanzamiento de las carreras de algunas de las estrellas más importantes de Hollywood durante las décadas de 1930, 1940 y 1950, incluidos John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara y James Stewart .
El trabajo de Ford fue muy apreciado por sus contemporáneos, y Akira Kurosawa , Orson Welles , Frank Capra , [5] Andrei Tarkovsky e Ingmar Bergman lo nombraron uno de los mejores directores de todos los tiempos. [6] Las generaciones posteriores de directores, incluidas muchas de las principales figuras del movimiento Nuevo Hollywood , han citado su influencia. [5] [7] El Harvard Film Archive escribe que "la amplitud y medida de las principales contribuciones de Ford a la Edad de Oro del cine de Hollywood, y al lenguaje cinematográfico en general, sigue siendo algo difícil de discernir... Rara vez se reconocen en su totalidad Los grandes logros de Ford como estilista visual consumado y maestro narrador." [4]
Ford nació como John Martin "Jack" Feeney (aunque más tarde a menudo dio su nombre de pila como Seán Aloysius, a veces con el apellido O'Feeny u Ó Fearna; un equivalente en irlandés de Feeney) en Cape Elizabeth, Maine , de John Augustine Feeney y Barbara "Abbey" Curran, el 1 de febrero de 1894, [8] (aunque ocasionalmente dijo 1895 y esa fecha está inscrita erróneamente en su lápida). [9] Su padre, John Augustine, nació en Spiddal , [10] Condado de Galway , Irlanda, en 1854. [9] Barbara Curran nació en las Islas Aran , en la localidad de Kilronan en la isla de Inishmore (Inis Mór ). [9] Se decía que la abuela de John A. Feeney, Barbara Morris, era miembro de una rama empobrecida de una familia de la nobleza irlandesa , los Morris de Spiddal (encabezados actualmente por Lord Killanin ).
John Augustine y Barbara Curran llegaron a Boston y Portland respectivamente en mayo y junio de 1872. Presentaron sus intenciones de casarse el 31 de julio de 1875 y se convirtieron en ciudadanos estadounidenses cinco años después, el 11 de septiembre de 1880. [9] La familia John Augustine Feeney Residía en Sheridan Street, en el barrio irlandés de Munjoy Hill en Portland, Maine, y su padre realizaba diversos trabajos ocasionales para mantener a la familia: agricultura, pesca, trabajador de la compañía de gas, tabernero y concejal. [9] John y Barbara tuvieron once hijos: Mamie (Mary Agnes), nacida en 1876; Delia (Edith), 1878–1881; Patricio; Francisco Ford , 1881–1953; Brígida, 1883–1884; Bárbara, nacida y fallecida en 1888; Eduardo, nacido en 1889; Josefina, nacida en 1891; Hannah (Joanna), nacida y fallecida en 1892; Juan Martín, 1894–1973; y Daniel, nacido y fallecido en 1896 (o 1898). [9]
Feeney asistió a Portland High School, Portland, Maine , donde jugó como fullback y tackle defensivo. Se ganó el apodo de "Toro" por, se dice, la forma en que bajaba el casco y cargaba la línea. Un pub de Portland, llamado "Bull Feeney's" en su honor, estuvo abierto de 2002 a 2023. Más tarde se mudó a California y en 1914 comenzó a trabajar en la producción cinematográfica además de actuar para su hermano mayor Francis , adoptando a "Jack Ford" como un nombre profesional. Además de los papeles acreditados, apareció no acreditado como miembro del Klan en El nacimiento de una nación, de 1915, de DW Griffith . [11] [12]
Se casó con Mary McBride Smith el 3 de julio de 1920 y tuvieron dos hijos. Su hija Barbara estuvo casada con el cantante y actor Ken Curtis de 1952 a 1964. El matrimonio entre Ford y Smith duró toda la vida a pesar de varios problemas, uno de los cuales era que Ford era católica [13] mientras que ella era una divorciada no católica. [14] No está claro qué dificultad causó esto, ya que se cuestiona el nivel de compromiso de Ford con la fe católica. [15] Otra tensión fueron las numerosas relaciones extramatrimoniales de Ford. [dieciséis]
Ford comenzó su carrera en el cine después de mudarse a California en julio de 1914. Siguió los pasos de su talentoso hermano mayor Francis Ford, doce años mayor que él, que había dejado su casa años antes y había trabajado en vodevil antes de convertirse en actor de cine. . Francis actuó en cientos de películas mudas para cineastas como Thomas Edison , Georges Méliès y Thomas Ince , y finalmente progresó hasta convertirse en un destacado actor, escritor y director de Hollywood con su propia productora (101 Bison) en Universal . [17]
Ford comenzó en las películas de su hermano como asistente, personal de mantenimiento, especialista y actor ocasional, y con frecuencia doblaba a su hermano, a quien se parecía mucho. [18] Francisco le dio a su hermano menor su primer papel actoral en La rosa misteriosa (noviembre de 1914). [19] A pesar de una relación a menudo combativa, en tres años Jack había progresado hasta convertirse en el asistente principal de Francis y, a menudo, trabajaba como su camarógrafo. [20] Cuando a Jack Ford se le dio su primera oportunidad como director, el perfil de Francis estaba disminuyendo y dejó de trabajar como director poco después.
Las películas de Ford utilizaban una "sociedad anónima" de actores, mucho más que muchos directores. Muchas estrellas famosas aparecieron en al menos dos o más películas de Ford, incluido Harry Carey Sr. (la estrella de 25 películas mudas de Ford), Will Rogers , John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara , James Stewart , Woody Strode , Richard. Widmark , Victor McLaglen , Vera Miles y Jeffrey Hunter . Muchos de sus actores secundarios aparecieron en múltiples películas de Ford, a menudo durante un período de varias décadas, incluidos Ben Johnson , Chill Wills , Andy Devine , Ward Bond , Grant Withers , Mae Marsh , Anna Lee , Harry Carey Jr. , Ken Curtis , Frank. Baker, Dolores del Río , Pedro Armendáriz , Hank Worden , John Qualen , Barry Fitzgerald , Arthur Shields , John Carradine , OZ Whitehead y Carleton Young . Los miembros principales de esta "compañía" ampliada, incluidos Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr., Mae Marsh, Frank Baker y Ben Johnson, eran conocidos informalmente como John Ford Stock Company .
Asimismo, Ford disfrutó de amplias relaciones laborales con su equipo de producción y muchos miembros de su equipo trabajaron con él durante décadas. Hizo numerosas películas con los mismos colaboradores importantes, incluido el productor y socio comercial Merian C. Cooper , los guionistas Nunnally Johnson , Dudley Nichols y Frank S. Nugent , y los directores de fotografía Ben F. Reynolds, John W. Brown y George Schneiderman (quienes entre ellos rodó la mayoría de las películas mudas de Ford), Joseph H. August , Gregg Toland , Winton Hoch , Charles Lawton Jr., Bert Glennon , Archie Stout y William H. Clothier . La mayoría de las películas de posguerra de Ford fueron editadas por Jack Murray hasta su muerte en 1961. Otho Lovering , que había trabajado por primera vez con Ford en Stagecoach (1939), se convirtió en el editor principal de Ford después de la muerte de Murray.
Durante su primera década como director, Ford trabajó en decenas de largometrajes (incluidos muchos westerns), pero sólo diez de las más de sesenta películas mudas que hizo entre 1917 y 1928 aún sobreviven en su totalidad. [21] Sin embargo, en los últimos años se han redescubierto en archivos cinematográficos extranjeros copias de varias películas mudas de Ford que antes se creían perdidas: en 2009 se redescubrió en el Archivo Cinematográfico de Nueva Zelanda un tesoro de 75 películas mudas de Hollywood , entre las que se encontraba la única superviviente. Impresión de la comedia muda de Ford de 1927, Upstream . [22] La copia fue restaurada en Nueva Zelanda por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas antes de ser devuelta a Estados Unidos, donde se le dio un "Re-estreno" en el Teatro Samuel Goldwyn en Beverly Hills el 31 de agosto de 2010, presentando una partitura recién encargada por Michael Mortilla. [23]
A lo largo de su carrera, Ford fue uno de los directores más ocupados de Hollywood, pero fue extraordinariamente productivo en sus primeros años como director (hizo diez películas en 1917, ocho en 1918 y quince en 1919) y dirigió un total de 62 películas. cortometrajes y largometrajes entre 1917 y 1928, aunque no apareció en los créditos cinematográficos de la mayoría de sus primeras películas.
Existe cierta incertidumbre sobre la identidad de la primera película de Ford como director; el guionista Ephraim Katz señala que Ford podría haber dirigido la película en cuatro partes Lucille the Waitress ya en 1914 [24] , pero la mayoría de las fuentes citan su debut como director como la película muda. The Tornado , de dos bobinas , estrenado en marzo de 1917. Según la propia historia de Ford, el jefe de Universal , Carl Laemmle , le asignó el trabajo y supuestamente dijo: "Dale el trabajo a Jack Ford; grita bien". El Tornado fue seguido rápidamente por una serie de "rapiditos" de dos y tres carretes: The Trail of Hate , The Scrapper , The Soul Herder y Cheyenne's Pal ; se hicieron en unos pocos meses y, por lo general, cada uno de ellos se rodó en sólo dos o tres días; ahora se presume que todos están perdidos. The Soul Herder también es notable como el comienzo de la asociación de cuatro años y 25 películas de Ford con el veterano escritor y actor Harry Carey , [25] quien (con el hermano de Ford, Francis) fue una fuerte influencia inicial en el joven director, así como siendo una de las principales influencias en la personalidad cinematográfica del protegido de Ford, John Wayne . El hijo de Carey, Harry "Dobe" Carey Jr. , que también se convirtió en actor, fue uno de los amigos más cercanos de Ford en años posteriores y apareció en muchos de sus westerns más famosos.
El primer largometraje de Ford fue Straight Shooting (agosto de 1917), que también es su primera película completa como director y una de las dos únicas supervivientes de sus veinticinco colaboraciones cinematográficas con Harry Carey. Al hacer la película, Ford y Carey ignoraron las órdenes del estudio y entregaron cinco carretes en lugar de dos, y fue sólo gracias a la intervención de Carl Laemmle que la película evitó ser cortada para su primer estreno, aunque posteriormente fue editada en dos carretes para relanzamiento a finales de la década de 1920. [26] Durante mucho tiempo se pensó que la última película de Ford de 1917, Bucking Broadway , se había perdido, pero en 2002 se descubrió la única copia superviviente conocida en los archivos del Centro Nacional Francés de Cinematografía [27] y desde entonces ha sido restaurada y digitalizado.
Ford dirigió alrededor de 36 películas durante tres años para Universal antes de mudarse al estudio William Fox en 1920; su primera película para ellos fue Just Pals (1920). Su largometraje Cameo Kirby de 1923 , protagonizado por el ídolo de la pantalla John Gilbert , otro de los pocos filmes mudos de Ford que se conservan, marcó su primer crédito como director bajo el nombre de "John Ford", en lugar de "Jack Ford", como se le había acreditado anteriormente.
El primer gran éxito de Ford como director fue el drama histórico The Iron Horse (1924), un relato épico de la construcción del primer ferrocarril transcontinental . Fue una producción extensa, larga y difícil, rodada en locaciones de Sierra Nevada . La logística fue enorme: se construyeron dos ciudades enteras, había 5.000 extras, 100 cocineros, 2.000 ayudantes de ferrocarril, un regimiento de caballería, 800 nativos americanos, 1.300 bisontes, 2.000 caballos, 10.000 cabezas de ganado y 50.000 propiedades, incluida la diligencia original utilizada por Horacio . Greeley , la pistola derringer de Wild Bill Hickok y réplicas de las locomotoras " Júpiter " y " 119 " que se encontraron en Promontory Summit cuando se unieron los dos extremos de la línea el 10 de mayo de 1869. [28]
Aunque Ford se convertiría en uno de los directores de Hollywood más honrados (tanto por los cineastas como por los críticos), su reputación en 1928 era, en el mejor de los casos, modesta. Si bien demostró ser un director comercialmente responsable, sólo dos o tres de sus películas habían merecido más que una atención pasajera. El Ford anterior a 1929, según Andrew Sarris , parecía merecer "como mucho una nota a pie de página en la historia del cine".
—Historiador de cine Richard Koszarski , 1976 [29]
El hermano de Ford, Eddie, era miembro de la tripulación y peleaban constantemente; En una ocasión, según los informes, Eddie "fue tras el anciano con un pico". Solo se escribió una breve sinopsis cuando comenzó el rodaje y Ford escribió y filmó la película día a día. La producción se retrasó, retrasada por el mal tiempo constante y el frío intenso, y los ejecutivos de Fox exigieron repetidamente resultados, pero Ford rompía los telegramas o los retenía y hacía que el especialista Edward "Pardner" Jones disparara agujeros en el nombre del remitente. [30] A pesar de la presión para detener la producción, el jefe del estudio William Fox finalmente respaldó a Ford y le permitió terminar la película y su apuesta dio buenos resultados: The Iron Horse se convirtió en una de las películas más taquilleras de la década, apoderándose de Estados Unidos. 2 millones de dólares en todo el mundo, frente a un presupuesto de 280.000 dólares. [28]
Ford hizo una amplia gama de películas en este período y se hizo muy conocido por sus películas occidentales y "fronterizas", pero el género perdió rápidamente su atractivo para los principales estudios a finales de la década de 1920. El último western mudo de Ford fue 3 Bad Men (1926), ambientado durante la fiebre de tierras de Dakota y filmado en Jackson Hole , Wyoming y en el desierto de Mojave . Pasarían trece años antes de que hiciera su siguiente western, Stagecoach , en 1939.
Durante la década de 1920, Ford también se desempeñó como presidente de la Asociación de Directores de Cine , precursora del actual Directors Guild of America .
Ford fue uno de los directores pioneros del cine sonoro; filmó la primera canción de Fox cantada en la pantalla, para su película Mother Machree (1928), de la que sólo sobreviven cuatro de los siete carretes originales; esta película también se destaca como la primera película de Ford que presenta al joven John Wayne (como extra no acreditado) y apareció como extra en varias de las películas de Ford durante los dos años siguientes. Además, Hangman's House (1928) es notable porque presenta la primera aparición confirmada en pantalla de John Wayne en una película de Ford, interpretando a un espectador excitable durante la secuencia de la carrera de caballos. [2]
Justo antes de que el estudio se convirtiera al cine sonoro, Fox le dio un contrato al director alemán FW Murnau , y su película Sunrise: A Song of Two Humans (1927), todavía muy apreciada por la crítica, tuvo un poderoso efecto en Ford. [31] La influencia de Murnau se puede ver en muchas de las películas de Ford de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930: Four Sons (1928), se filmó en algunos de los lujosos decorados que quedaron de la producción de Murnau.
En noviembre de ese año, Ford dirigió el primer largometraje dramático hablado de Fox, Napoleon's Barber (1928), una película de tres bobinas que ahora se considera una película perdida. [32] A El barbero de Napoleón le siguieron sus dos últimos largometrajes mudos, Riley the Cop (1928) y Strong Boy (1929), protagonizada por Victor McLaglen ; que fueron lanzados con partituras y efectos de sonido sincronizados, este último ahora se ha perdido (aunque el libro de Tag Gallagher registra que se rumoreaba que la única copia superviviente de Strong Boy , una impresión de nitrato de 35 mm, se encontraba en una colección privada en Australia [ 33] ). The Black Watch (1929), una aventura del ejército colonial ambientada en el paso de Khyber, protagonizada por Victor McLaglen y Myrna Loy, es el primer largometraje totalmente hablado de Ford; Fue rehecho en 1954 por Henry King como Rey de los rifles Khyber .
La producción de Ford fue bastante constante desde 1928 hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial; hizo cinco largometrajes en 1928 y luego hizo dos o tres películas cada año desde 1929 hasta 1942, inclusive. En 1929 se estrenaron tres películas: Strong Boy , The Black Watch y Salute . Sus tres películas de 1930 fueron Hombres sin mujeres , Born Reckless y Up the River , que se destaca como la primera película de Spencer Tracy y Humphrey Bogart , quienes firmaron con Fox por recomendación de Ford (pero posteriormente abandonaron). Las películas de Ford en 1931 fueron Seas Beneath , The Brat y Arrowsmith ; esta última, adaptada de la novela de Sinclair Lewis y protagonizada por Ronald Colman y Helen Hayes , marcó el primer reconocimiento de Ford a los Premios de la Academia , con cinco nominaciones, incluida la de Mejor Película.
La eficiencia de Ford y su capacidad para crear películas que combinen el ingenio con un fuerte atractivo comercial le valieron un reconocimiento cada vez mayor. En 1940 ya era reconocido como uno de los directores de cine más importantes del mundo. [ cita necesaria ] Su creciente prestigio se reflejó en su remuneración: en 1920, cuando se mudó a Fox, le pagaban entre 300 y 600 dólares por semana. Cuando su carrera despegó a mediados de los años veinte, sus ingresos anuales aumentaron significativamente. Ganó casi 134.000 dólares en 1929, y ganó más de 100.000 dólares por año cada año desde 1934 hasta 1941, ganando la asombrosa cifra de 220.068 dólares en 1938 [34] , más del doble del salario del presidente de los Estados Unidos en ese momento (aunque todavía era menos de la mitad). los ingresos de Carole Lombard , la estrella mejor pagada de Hollywood de la década de 1930, que ganaba alrededor de 500.000 dólares al año en ese momento).
Con la producción cinematográfica afectada por la Depresión, Ford hizo dos películas cada una en 1932 y 1933: Air Mail (realizada para Universal) con un joven Ralph Bellamy y Flesh (para MGM) con Wallace Beery . En 1933, regresó a Fox para Pilgrimage y Doctor Bull , la primera de sus tres películas con Will Rogers .
El drama sobre el desierto de la Primera Guerra Mundial The Lost Patrol (1934), basado en el libro Patrol de Philip MacDonald , fue una nueva versión superior de la película muda de 1929 Lost Patrol . Estaba protagonizada por Victor McLaglen como El Sargento, el papel desempeñado por su hermano Cyril McLaglen en la versión anterior, con Boris Karloff , Wallace Ford , Alan Hale y Reginald Denny (quien fundó una empresa que fabricaba aviones objetivo radiocontrolados durante la Guerra Mundial). Segunda Guerra). Fue uno de los primeros grandes éxitos de Ford en la era del sonido: fue calificada tanto por el National Board of Review como por The New York Times como una de las 10 mejores películas de ese año y ganó una nominación al Oscar por su conmovedora banda sonora de Max Steiner . [35] Le siguió más tarde ese año The World Moves On con Madeleine Carroll y Franchot Tone , y la exitosa Judge Priest , su segunda película con Will Rogers, que se convirtió en una de las películas más taquilleras del año.
La primera película de Ford de 1935 (realizada para Columbia ) fue la comedia de identidades equivocadas The Whole Town's Talking with Edward G. Robinson and Jean Arthur , estrenada en el Reino Unido como Passport to Fame , y recibió elogios de la crítica. Steamboat Round The Bend fue su tercera y última película con Will Rogers; Es probable que hubieran seguido trabajando juntos, pero su colaboración se vio truncada por la prematura muerte de Rogers en un accidente aéreo en mayo de 1935, que devastó a Ford.
Ford confirmó su posición en el rango superior de los directores estadounidenses con el drama del Ejército Republicano Irlandés influenciado por Murnau The Informer (1935), protagonizado por Victor McLaglen. Obtuvo grandes elogios de la crítica, fue nominada a Mejor Película, le valió a Ford su primer Premio de la Academia al Mejor Director y fue aclamada en su momento como una de las mejores películas jamás realizadas, aunque su reputación ha disminuido considerablemente en comparación con otras contendientes como Ciudadano Kane. , o el posterior The Searchers (1956) del propio Ford .
El prisionero de la isla Shark (1936), con carga política , que marcó el debut con Ford del veterano jugador de "Stock Company", John Carradine , exploró la historia poco conocida de Samuel Mudd , un médico que quedó atrapado en el Abraham Lincoln. conspiración de asesinato y enviado a una prisión en alta mar para tratar al herido John Wilkes Booth . Otras películas de este período incluyen el melodrama de los Mares del Sur The Hurricane (1937) y el alegre vehículo de Shirley Temple Wee Willie Winkie (1937), cada una de las cuales tuvo una recaudación bruta en el primer año en Estados Unidos de más de 1 millón de dólares. Durante el rodaje de Wee Willie Winkie , Ford hizo construir decorados elaborados en el Iverson Movie Ranch en Chatsworth, California , un rancho muy filmado y más estrechamente asociado con series y películas del oeste de serie B, que se convertiría, junto con Monument Valley , en uno de los Los lugares de rodaje preferidos del director y un lugar al que Ford regresaría en los próximos años para Stagecoach y The Grapes of Wrath .
La versión revisada más larga de Dirigida por John Ford mostrada en Turner Classic Movies en noviembre de 2006 presenta a los directores Steven Spielberg , Clint Eastwood y Martin Scorsese , quienes sugieren que la serie de películas clásicas que Ford dirigió entre 1936 y 1941 se debió en parte a una intensa Relación extramatrimonial de seis meses con Katharine Hepburn , la estrella de María de Escocia (1936), un drama de época isabelina.
Stagecoach (1939) fue el primer western de Ford desde 3 Bad Men en 1926, y fue el primero con sonido. Orson Welles afirmó que vio Stagecoach cuarenta veces como preparación para hacer Ciudadano Kane . Sigue siendo una de las películas de Hollywood más admiradas e imitadas, sobre todo por su culminante persecución de diligencias y la espeluznante escena del salto de un caballo, interpretada por el especialista Yakima Canutt .
El guión de Dudley Nichols - Ben Hecht se basó en una historia de Ernest Haycox que Ford había descubierto en la revista Collier's y compró los derechos de pantalla por sólo 2.500 dólares. El jefe de producción Walter Wanger instó a Ford a contratar a Gary Cooper y Marlene Dietrich para los papeles principales, pero finalmente aceptó la decisión de Ford de elegir a Claire Trevor como Dallas y a un virtual desconocido, su amigo John Wayne , como Ringo; Según se informa, Wanger tuvo poca influencia sobre la producción. [36]
Al hacer Stagecoach , Ford enfrentó prejuicios arraigados en la industria sobre el género ahora trillado que él había ayudado a hacer tan popular. Aunque los estudios de " Poverty Row " seguían produciendo en gran número películas y series del oeste de bajo presupuesto , el género había perdido el favor de los grandes estudios durante la década de 1930 y en la década de 1930 se las consideraba películas "pulp" de categoría B. mejor. Como resultado, Ford comercializó el proyecto en Hollywood durante casi un año, ofreciéndolo sin éxito tanto a Joseph Kennedy como a David O. Selznick antes de vincularse finalmente con Walter Wanger, un productor independiente que trabaja a través de United Artists .
Stagecoach es importante por varias razones: derribó los prejuicios de la industria al convertirse en un éxito comercial y de crítica, recaudando más de 1 millón de dólares en su primer año (contra un presupuesto de poco menos de 400.000 dólares), y su éxito (junto con los westerns de 1939, Destry Rides). De nuevo con James Stewart y Marlene Dietrich , Union Pacific de Cecil B. DeMille con Joel McCrea y Dodge City de Michael Curtiz con Erroll Flynn), revitalizó el género moribundo, demostrando que los westerns podían ser "inteligentes, ingeniosos, un gran entretenimiento y rentables". [37] Fue nominada a siete premios de la Academia, incluidos Mejor Película y Mejor Director, y ganó dos premios Oscar, al Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell) y a la Mejor Música. Stagecoach se convirtió en el primero de la serie de siete westerns clásicos de Ford filmados en Monument Valley , [38] con metraje adicional filmado en otro de los lugares de rodaje favoritos de Ford, el Iverson Movie Ranch en Chatsworth, California , donde había filmado gran parte de El pequeño Willie Winkie dos años antes. Ford combinó hábilmente a Iverson y Monument Valley para crear las imágenes icónicas del oeste americano de la película.
John Wayne tenía buenas razones para estar agradecido por el apoyo de Ford; Stagecoach brindó al actor un gran avance en su carrera que lo elevó al estrellato internacional. Durante 35 años, Wayne apareció en 24 películas de Ford y tres episodios de televisión. A Ford se le atribuye haber desempeñado un papel importante en la configuración de la imagen de Wayne en la pantalla. La miembro del reparto Louise Platt, en una carta que relataba la experiencia de la producción de la película, citó a Ford diciendo sobre el futuro de Wayne en el cine: "Será la estrella más grande de todos los tiempos porque es el perfecto 'hombre común'" .
Stagecoach marcó el comienzo de la fase más exitosa de la carrera de Ford: en sólo dos años, entre 1939 y 1941, creó una serie de películas clásicas que ganaron numerosos premios de la Academia. La siguiente película de Ford, la película biográfica Young Mr Lincoln (1939), protagonizada por Henry Fonda , tuvo menos éxito que Stagecoach , atrajo poca atención de la crítica y no ganó ningún premio. No fue un gran éxito de taquilla, aunque tuvo una respetable recaudación nacional de 750.000 dólares en el primer año, pero el académico de Ford Tag Gallagher lo describe como "una obra más profunda y de más niveles que Stagecoach ... (que) parece en retrospectiva una de las mejores películas de antes de la guerra". [40]
Drums Along the Mohawk (1939) fue un lujoso drama fronterizo coprotagonizado por Henry Fonda, Claudette Colbert y John Carradine; También fue la primera película de Ford en color e incluyó contribuciones de guión no acreditadas de William Faulkner . Fue un gran éxito de taquilla, recaudó 1,25 millones de dólares en su primer año en Estados Unidos y le valió a Edna May Oliver una nominación al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su actuación.
A pesar de su postura humanista y política intransigente, la adaptación cinematográfica de Ford de Las uvas de la ira de John Steinbeck (con guión de Nunnally Johnson y fotografiada por Gregg Toland ) fue un gran éxito de taquilla y un gran éxito de crítica, y todavía es ampliamente considerada. como una de las mejores películas de Hollywood de la época. El destacado crítico Andrew Sarris la describió como la película que transformó a Ford de "un narrador de la pantalla a un poeta laureado cinematográfico de Estados Unidos". [41] La tercera película de Ford en un año y su tercera película consecutiva con Fonda, recaudó 1,1 millones de dólares en los EE. UU. en su primer año [42] y ganó dos premios de la Academia: el segundo Oscar al 'Mejor Director' de Ford y el de 'Mejor Actriz de Reparto'. ' por la espectacular interpretación de Jane Darwell de Ma Joad. Durante la producción, Ford regresó al Iverson Movie Ranch en Chatsworth, California , para filmar una serie de tomas clave, incluida la imagen fundamental que representa la primera vista completa de la familia migrante de las fértiles tierras de cultivo de California , representadas por el Valle de San Fernando. como se ve desde el Rancho Iverson.
A Las uvas de la ira le siguieron dos películas menos exitosas y menos conocidas. The Long Voyage Home (1940) fue, al igual que Stagecoach , realizada con Walter Wanger a través de United Artists. Adaptación de cuatro obras de Eugene O'Neill , fue escrita por Dudley Nichols y Ford, en consulta con O'Neill. Aunque no fue un éxito de taquilla significativo (recaudó sólo 600.000 dólares en su primer año), fue elogiado por la crítica y fue nominado a siete Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Guión (Nichols), Mejor Música, Música Original ( Richard Hageman ). , Mejor fotografía ( Gregg Toland ), Mejor montaje (Sherman Todd), Mejores efectos (Ray Binger y RT Layton) y Mejor sonido ( Robert Parrish ). Era uno de los favoritos personales de Ford; fotogramas de ella decoraban su casa y, según se informa, a O'Neill también le encantó la película y la proyectó periódicamente. [43]
Tobacco Road (1941) fue una comedia rural con guión de Nunnally Johnson , adaptada de la versión teatral de larga duración de Jack Kirkland de la novela de Erskine Caldwell . Estaba protagonizada por el veterano actor Charley Grapewin y el reparto secundario incluía a los habituales de Ford, Ward Bond y Mae Marsh , con Francis Ford en un pequeño papel no acreditado; También se destaca por las primeras apariciones en pantalla de las futuras estrellas Gene Tierney y Dana Andrews . Aunque algunos críticos no lo consideran muy bien (Tag Gallagher le dedica sólo un breve párrafo en su libro sobre Ford [44] ), tuvo bastante éxito en taquilla, recaudando 900.000 dólares en su primer año. La película fue prohibida en Australia. [45]
El último largometraje de Ford antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial fue su adaptación cinematográfica de Qué verde era mi valle (1941), protagonizada por Walter Pidgeon , Maureen O'Hara y Roddy McDowall en su papel decisivo como Huw. El guión fue escrito por Philip Dunne a partir de la novela más vendida de Richard Llewellyn . Originalmente se planeó como una epopeya de cuatro horas para rivalizar con Lo que el viento se llevó (solo los derechos de pantalla le costaron a Fox 300.000 dólares) e iba a filmarse en locaciones de Gales, pero se abandonó debido al intenso bombardeo alemán de Gran Bretaña. Una búsqueda de ubicaciones en el sur de California resultó en que el escenario de la aldea se construyera en los terrenos del Crags Country Club (más tarde el rancho Fox, ahora el núcleo del Parque Estatal Malibu Creek). [46] Otro factor informado fue el nerviosismo de los ejecutivos de Fox por el tono prosindical de la historia. [ cita necesaria ] William Wyler originalmente estaba comprometido para dirigir, pero dejó el proyecto cuando Fox decidió filmarlo en California; Ford fue contratado en su lugar y la producción se pospuso durante varios meses hasta que estuvo disponible. El productor Darryl F. Zanuck tuvo una fuerte influencia sobre la película y tomó varias decisiones clave, incluida la idea de que el personaje de Huw narre la película con voz en off (entonces un concepto novedoso) y la decisión de que el personaje de Huw no debería envejecer. ( Tyrone Power estaba originalmente programado para interpretar al adulto Huw). [47]
How Green Was My Valley se convirtió en una de las películas más importantes de 1941. Fue nominada a diez premios de la Academia, incluidos Mejor Actriz de Reparto ( Sara Allgood ), Mejor Montaje, Mejor Guión, Mejor Música y Mejor Sonido, y ganó cinco premios Oscar: Mejor Director, Mejor Película, Mejor Actor de Reparto ( Donald Crisp ), Mejor Fotografía en Blanco y Negro ( Arthur C. Miller ) y Mejor Dirección de Arte/Decoración de Interiores. Fue un gran éxito de público, situándose detrás de Sergeant York como la segunda película más taquillera del año en Estados Unidos y recaudando casi 3 millones de dólares frente a su considerable presupuesto de 1.250.000 dólares. [42] Ford también fue nombrado Mejor Director por los críticos de cine de Nueva York, y este fue uno de los pocos premios de su carrera que recogió en persona (generalmente evitaba la ceremonia del Oscar). [48]
Durante la Segunda Guerra Mundial , Ford se desempeñó como jefe de la unidad fotográfica de la Oficina de Servicios Estratégicos y realizó documentales para el Departamento de Marina. Fue comisionado como comandante de la Reserva de la Marina de los Estados Unidos . Según Searching for John Ford, "Ford y sus hombres se concentraron en gran medida en misiones fotográficas secretas para la OSS". [49] En 1961, Ford dijo a una revista: "Nuestro trabajo consistía en fotografiar, tanto para los registros como para nuestra evaluación de inteligencia, el trabajo de guerrilleros, saboteadores y equipos de Resistencia". [49] Ganó dos premios de la Academia más durante este tiempo, uno por el semidocumental The Battle of Midway (1942) y otro por la película de propaganda 7 de diciembre: The Movie (1943). Ford filmó el ataque japonés a Midway desde la central eléctrica de Sand Island y resultó herido en el brazo izquierdo por una bala de ametralladora . [50] [51] [52]
Ford también estuvo presente en Omaha Beach el Día D. Cruzó el Canal de la Mancha en el USS Plunkett (DD-431) , que ancló frente a la playa de Omaha a las 06:00. Observó cómo la primera ola aterrizaba en la playa desde el barco, y luego él mismo aterrizó en la playa con un equipo de camarógrafos de la Guardia Costera que Filmó la batalla desde detrás de los obstáculos de la playa, con Ford dirigiendo las operaciones. La película fue editada en Londres, pero muy poco se hizo público. Ford explicó en una entrevista de 1964 que el gobierno de Estados Unidos tenía "miedo de mostrar tantas bajas estadounidenses en la pantalla", y agregó que toda la película del Día D "todavía existe en color almacenada en Anacostia, cerca de Washington, DC" [53] Treinta años después, el historiador Stephen E. Ambrose informó que el Centro Eisenhower no había podido encontrar la película. [54] Los Archivos Nacionales de EE. UU. descubrieron una película que coincide parcialmente con la descripción de Ford en 2014. [55] Otros investigadores afirman que Ford no aterrizó personalmente en Omaha Beach el día D (llegando más bien uno o dos días después) y que John Las imágenes del Día D de Ford son en general un "cuento fantástico". [56]
Ford finalmente ascendió hasta convertirse en uno de los principales asesores del director de la OSS, William Joseph Donovan . Según registros publicados en 2008, Ford fue citado por sus superiores por su valentía y tomó la posición de filmar una misión que era "un objetivo obvio y claro". Sobrevivió a un "ataque continuo y resultó herido" mientras continuaba filmando, según consta en un elogio en su expediente. [57] En 1945, Ford ejecutó declaraciones juradas que atestiguaban la integridad de las películas tomadas para documentar las condiciones en los campos de concentración nazis. [58]
Su última película de guerra fue They Were Expendable (MGM, 1945), un relato de la desastrosa derrota de Estados Unidos en Filipinas, contada desde el punto de vista de un escuadrón de barcos PT y su comandante. Ford creó un papel para Ward Bond en recuperación , que necesitaba dinero. Aunque se le vio durante toda la película, nunca caminó hasta que pusieron una parte donde le dispararon en la pierna. Durante el resto de la película pudo utilizar una muleta en la marcha final. Ford declaró repetidamente que no le gustaba la película y que nunca la había visto, quejándose de que lo habían obligado a hacerla, [59] aunque fue fuertemente defendida por la cineasta Lindsay Anderson . [60] Estrenada varios meses después del final de la guerra, estuvo entre los 20 principales sorteos de taquilla del año, aunque Tag Gallagher señala que muchos críticos han afirmado incorrectamente que perdió dinero. [61]
Después de la guerra, Ford siguió siendo oficial en la Reserva de la Marina de los Estados Unidos . Regresó al servicio activo durante la Guerra de Corea y fue ascendido a Contraalmirante el día que dejó el servicio.
Ford dirigió dieciséis largometrajes y varios documentales en la década comprendida entre 1946 y 1956. Al igual que en su carrera de antes de la guerra, sus películas alternaron entre fracasos (relativos) de taquilla y grandes éxitos, pero la mayoría de sus películas posteriores obtuvieron sólidos beneficios, y Fort Apache , The Quiet Man , Mogambo y The Searchers se ubicaron entre los 20 mejores éxitos de taquilla de sus respectivos años. [62]
La primera película de posguerra de Ford, My Darling Clementine (Fox, 1946), fue una versión romántica de la leyenda occidental primitiva de Wyatt Earp y el tiroteo en OK Corral , con secuencias exteriores filmadas en locaciones del Monument Valley visualmente espectacular (pero geográficamente inapropiado) . Reunió a Ford con Henry Fonda (como Earp) y coprotagonizó a Victor Mature en uno de sus mejores papeles como el tísico y amante de Shakespeare Doc Holliday , con Ward Bond y Tim Holt como los hermanos Earp, Linda Darnell como la sensual chica de salón Chihuahua. , una sólida actuación de Walter Brennan (en un raro papel de villano) como el venenoso Viejo Clanton, con Jane Darwell y una aparición temprana en la pantalla de John Ireland como Billy Clanton. En contraste con la serie de éxitos de 1939-1941, no ganó ningún premio estadounidense importante, aunque el Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos le concedió una cinta de plata a la Mejor Película Extranjera en 1948, y fue un sólido éxito financiero, recaudando 2,75 millones de dólares en Estados Unidos y 1,75 millones de dólares a nivel internacional en su primer año de estreno. [42]
Al rechazar un lucrativo contrato ofrecido por Zanuck en 20th Century Fox que le habría garantizado 600.000 dólares al año, [63] Ford se lanzó como director y productor independiente y realizó muchas de sus películas en este período con Argosy Pictures Corporation, que era una sociedad. entre Ford y su viejo amigo y colega Merian C. Cooper . Ford y Cooper habían estado involucrados anteriormente con la distinta Argosy Corporation, que se estableció después del éxito de Stagecoach (1939); Argosy Corporation produjo una película, The Long Voyage Home (1940), antes de que interviniera la Segunda Guerra Mundial. [64] [65] The Fugitive (1947), nuevamente protagonizada por Fonda, fue el primer proyecto de Argosy Pictures. Era una adaptación libre de The Power and the Glory de Graham Greene , que Ford había pensado originalmente hacer en Fox antes de la guerra, con Thomas Mitchell como sacerdote. Filmada en locaciones de México, fue fotografiada por el distinguido director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa (quien luego trabajó con Luis Buñuel ). El elenco secundario incluía a Dolores del Río , J. Carrol Naish , Ward Bond , Leo Carrillo y Mel Ferrer (que debutaba en la pantalla) y un elenco de extras principalmente mexicanos. Según se informa, Ford consideró esta su mejor película [66] , pero le fue relativamente mal en comparación con su predecesora, recaudando sólo 750.000 dólares en su primer año. También provocó una ruptura entre Ford y el guionista Dudley Nichols que provocó el fin de su exitosa colaboración. [67] Al propio Greene le disgustaba especialmente esta adaptación de su obra. [67]
Fort Apache (Argosy/RKO, 1948) fue la primera parte de la llamada 'Trilogía de Caballería' de Ford, toda ella basada en historias de James Warner Bellah . Contó con muchos de sus actores de la 'Sociedad Anónima', incluidos John Wayne, Henry Fonda, Ward Bond, Victor McLaglen, Mae Marsh, Francis Ford (como barman), Frank Baker, Ben Johnson y también contó con Shirley Temple , en su final. aparición para Ford y una de sus últimas apariciones cinematográficas. También marcó el inicio de la larga asociación entre Ford y el guionista Frank S. Nugent , un ex crítico de cine del New York Times que (al igual que Dudley Nichols) no había escrito un guión cinematográfico hasta que Ford lo contrató. [68] Fue un gran éxito comercial, recaudando casi 5 millones de dólares en todo el mundo en su primer año y ubicándose entre los 20 mejores éxitos de taquilla de 1948. [42]
Durante ese año, Ford también ayudó a su amigo y colega Howard Hawks , que estaba teniendo problemas con su película actual Red River (protagonizada por John Wayne) y, según se informa, Ford hizo numerosas sugerencias de edición, incluido el uso de un narrador. [69] A Fort Apache le siguió otro western, 3 Godfathers , una nueva versión de una película muda de 1916 protagonizada por Harry Carey (a quien estaba dedicada la versión de Ford), que el propio Ford ya hizo rehacer en 1919 como Marked Men , también con Carey y pensamiento. perdido. Estaba protagonizada por John Wayne, Pedro Armendáriz y Harry "Dobe" Carey Jr (en uno de sus primeros papeles importantes) como tres forajidos que rescatan a un bebé después de que su madre ( Mildred Natwick ) muere al dar a luz, con Ward Bond como el sheriff persiguiéndolos. [70] [71] El tema recurrente del sacrificio también se puede encontrar en The Outcasts of Poker Flat , Three Godfathers , The Wallop , Desperate Trails , Hearts of Oak , Bad Men , Men without Women . [72]
En 1949, Ford regresó brevemente a Fox para dirigir Pinky . Preparó el proyecto pero trabajó sólo un día antes de enfermarse, supuestamente con herpes zóster , y Elia Kazan lo reemplazó (aunque Tag Gallagher sugiere que la enfermedad de Ford fue un pretexto para abandonar la película, lo que a Ford no le gustó. [73]
Su única película completa de ese año fue la segunda entrega de su Trilogía de Caballería, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy/RKO, 1949), protagonizada por John Wayne y Joanne Dru , con Victor McLaglen, John Agar , Ben Johnson , Mildred Natwick y Harry. Carey Jr. Filmada nuevamente en locaciones de Monument Valley, fue ampliamente aclamada por su impresionante cinematografía en Technicolor (incluida la famosa escena de caballería filmada frente a una tormenta que se aproxima); le valió a Winton Hoch el Premio de la Academia de 1950 a la mejor fotografía en color y generó grandes negocios con su primer estreno, recaudando más de 5 millones de dólares en todo el mundo. John Wayne, que entonces tenía 41 años, también recibió grandes elogios por su papel del capitán Nathan Brittles, de 60 años.
La primera película de Ford de 1950 fue la poco convencional comedia militar When Willie Comes Marching Home , protagonizada por Dan Dailey y Corinne Calvet , con William Demarest , de la 'sociedad anónima' de Preston Sturges , y las primeras apariciones en pantalla (sin acreditar) de Alan Hale Jr. y Vera Miles. . Le siguió Wagon Master , protagonizada por Ben Johnson y Harry Carey Jr, que es particularmente notable por ser la única película de Ford desde 1930 cuyo guión escribió él mismo. Posteriormente se adaptó a la serie de televisión de larga duración Wagon Train (con Ward Bond repitiendo el papel principal hasta su repentina muerte en 1960). Aunque tuvo un negocio mucho menor que la mayoría de sus otras películas en este período, Ford citó a Wagon Master como su favorita personal de todas sus películas, y le dijo a Peter Bogdanovich que "se acercó más a lo que esperaba lograr". [74]
Rio Grande (Republic, 1950), tercera parte de la 'Trilogía de Caballería', coprotagonizada por John Wayne y Maureen O'Hara , con el hijo de Wayne, Patrick Wayne , debutando en la pantalla (apareció en varias películas posteriores de Ford, incluida The Searchers ). Se hizo ante la insistencia de Republic Pictures , que exigía un western rentable como condición para respaldar el próximo proyecto de Ford, The Quiet Man . Un testimonio de la legendaria eficiencia de Ford, Rio Grande se rodó en sólo 32 días, con sólo 352 tomas de 335 configuraciones de cámara, y fue un éxito sólido, recaudando 2,25 millones de dólares en su primer año.
La ansiedad de Republic fue borrada por el éxito rotundo de The Quiet Man (Republic, 1952), un proyecto favorito que Ford había querido realizar desde la década de 1930 (y casi lo hizo en 1937 con una cooperativa independiente llamada Renowned Artists Company). Se convirtió en su película más taquillera hasta la fecha, recaudando casi 4 millones de dólares sólo en Estados Unidos en su primer año y ubicándose entre las 10 películas más taquilleras de ese año. Fue nominada a siete premios de la Academia y le valió a Ford su cuarto Oscar al Mejor Director, así como un segundo Oscar a la Mejor Fotografía para Winton Hoch . Fue seguido por ¿A qué precio la gloria? (1952), un drama de la Primera Guerra Mundial, la primera de dos películas que Ford hizo con James Cagney ( Mister Roberts fue la otra) que también obtuvo buenos resultados en taquilla (2 millones de dólares).
The Sun Shines Bright (1953), la primera entrada de Ford en el Festival de Cine de Cannes , fue una comedia dramática occidental en la que Charles Winninger revivió el papel de Judge Priest que Will Rogers hizo famoso en la década de 1930. Más tarde, Ford se refirió a él como uno de sus favoritos, pero fue mal recibido y Republic lo cortó drásticamente (de 90 minutos a 65 minutos) poco después de su lanzamiento, y ahora se presume que algunas escenas eliminadas se perdieron. Le fue mal en taquilla y su fracaso contribuyó al posterior colapso de Argosy Pictures.
La siguiente película de Ford fue la aventura romántica Mogambo (MGM, 1953), una nueva versión de la célebre película Red Dust de 1932 . Filmada en locaciones de África, fue fotografiada por el director de fotografía británico Freddie Young y protagonizada por el viejo amigo de Ford, Clark Gable , con Ava Gardner , Grace Kelly (que reemplazó a un enfermo Gene Tierney ) y Donald Sinden . Aunque la producción fue difícil (exacerbada por la irritante presencia del entonces marido de Gardner, Frank Sinatra ), Mogambo se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la carrera de Ford, con la mayor recaudación nacional en el primer año de cualquiera de sus películas (5,2 millones de dólares); también revitalizó la menguante carrera de Gable y obtuvo nominaciones al Oscar a Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto para Gardner y Kelly (de quien se rumoreaba que había tenido un breve romance con Gable durante el rodaje de la película).
En 1955, Ford hizo el drama menos conocido de West Point The Long Gray Line para Columbia Pictures, la primera de dos películas de Ford que presentaban a Tyrone Power , quien originalmente había sido programado para interpretar al adulto Huw en How Green Was My Valley en el pasado. 1941. Más tarde, en 1955, Warner Bros contrató a Ford para dirigir la comedia naval Mister Roberts , protagonizada por Henry Fonda , Jack Lemmon , William Powell y James Cagney , pero hubo un conflicto entre Ford y Fonda, que había estado desempeñando el papel principal. en Broadway durante los últimos siete años y tenía dudas sobre la dirección de Ford. Durante una reunión a tres bandas con el productor Leland Hayward para tratar de solucionar los problemas, Ford se enfureció y golpeó a Fonda en la mandíbula, tirándolo al otro lado de la habitación, una acción que creó una ruptura duradera entre ellos. [ cita necesaria ] Después del incidente, Ford se puso cada vez más malhumorado, bebió mucho y finalmente se retiró a su yate, el Araner , y se negó a comer o ver a nadie. La producción se detuvo durante cinco días y Ford recuperó la sobriedad, pero poco después sufrió una rotura de la vesícula biliar, que requirió una cirugía de emergencia, y fue reemplazado por Mervyn LeRoy .
Ford también hizo sus primeras incursiones en la televisión en 1955, dirigiendo dos dramas de media hora para las cadenas de televisión. En el verano de 1955 obtuvo el premio al Novato del Año (Hal Roach Studios) por la serie de televisión Studio Directors Playhouse ; Con guión de Frank S. Nugent, presentaba a los habituales de Ford John y Pat Wayne, Vera Miles y Ward Bond, y el propio Ford aparecía en la introducción. En noviembre realizó The Bamboo Cross (Lewman Ltd-Revue, 1955) para la serie Fireside Theatre ; estaba protagonizada por Jane Wyman con un elenco asiático-estadounidense y los veteranos de Stock Company Frank Baker y Pat O'Malley en papeles menores.
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Ford regresó a la gran pantalla con The Searchers (Warner Bros, 1956), el único western que realizó entre 1950 y 1959 y que ahora es ampliamente considerado no sólo como una de sus mejores películas, sino también por muchos como uno de los mejores westerns. , y una de las mejores actuaciones de la carrera de John Wayne. Filmada en Monument Valley, cuenta la historia del amargado veterano de la Guerra Civil Ethan Edwards que pasa años buscando a su sobrina, secuestrada por comanches cuando era niña. El reparto secundario incluía a Jeffrey Hunter , Ward Bond , Vera Miles y la estrella en ascenso Natalie Wood . Fue la primera película de Hunter para Ford. Tuvo un gran éxito en su primer estreno y se convirtió en una de las 20 mejores películas del año, recaudando 4,45 millones de dólares, aunque no recibió ninguna nominación al Premio de la Academia . Sin embargo, su reputación ha crecido enormemente a lo largo de los años: fue nombrada el mejor western de todos los tiempos por el American Film Institute en 2008 y también ocupó el puesto 12 en la lista de 2007 del instituto de las 100 mejores películas de todos los tiempos. [75] The Searchers ha ejercido una amplia influencia en el cine y la cultura popular: ha inspirado (y ha sido citado directamente por) muchos cineastas, incluidos David Lean y George Lucas , el eslogan del personaje de Wayne "Ese será el día" inspiró a Buddy Holly a escribió su famosa canción del mismo nombre, y el grupo de pop británico The Searchers también tomó su nombre de la película.
The Searchers estuvo acompañado por uno de los primeros documentales sobre el "making of", un programa promocional de cuatro partes creado para el segmento "Detrás de la cámara" del programa semanal de televisión Warner Bros. Presents (la primera incursión del estudio en la televisión) que se transmitió en la cadena ABC en 1955-1956. Presentados por Gig Young , los cuatro segmentos incluyeron entrevistas con Jeffrey Hunter y Natalie Wood y metraje detrás de escena filmado durante la realización de la película.
The Wings of Eagles (MGM, 1957) era una biografía ficticia del viejo amigo de Ford, el aviador convertido en guionista Frank "Spig" Wead , que había escrito guiones de varias de las primeras películas sonoras de Ford. Fue protagonizada por John Wayne y Maureen O'Hara , con Ward Bond como John Dodge (un personaje basado en el propio Ford). Le siguió una de las películas menos conocidas de Ford, The Growler Story , un documental dramatizado de 29 minutos sobre el USS Growler . Realizado para la Marina de los EE. UU. y filmado por el Grupo de Cámaras de Combate del Comando de la Flota del Pacífico, presentaba a Ward Bond y Ken Curtis junto a personal real de la Marina y sus familias.
Las siguientes dos películas de Ford se diferencian un poco del resto de sus películas en términos de producción y, en particular, no recibió salario por ninguno de los trabajos. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) fue una película 'ómnibus' de tres partes rodada en Irlanda y basada en cuentos irlandeses. Fue realizada por Four Province Productions, una empresa fundada por el magnate irlandés Lord Killanin , que recientemente se había convertido en presidente del Comité Olímpico Internacional y con quien Ford tenía un parentesco lejano. Killanin también fue el productor real (pero no acreditado) de The Quiet Man . [ cita necesaria ] La película no logró recuperar sus costos, ganó menos de la mitad ($ 100,000) de su costo negativo de poco más de $ 256,000 y generó cierta controversia en Irlanda.
Ambas películas de Ford de 1958 fueron realizadas para Columbia Pictures y ambas se desviaron significativamente de la norma de Ford. El día de Gideon (titulado Gideon of Scotland Yard en EE. UU.) fue una adaptación de la novela del escritor británico John Creasey . Es la única película de género policial de Ford y una de las pocas películas de Ford ambientadas en la actualidad de la década de 1950. Se rodó en Inglaterra con un reparto británico encabezado por Jack Hawkins , a quien Ford (inusualmente) elogió como "el mejor actor dramático con el que he trabajado". [76] Fue mal promocionado por Columbia, que sólo lo distribuyó en blanco y negro, aunque se rodó en color, [76] y tampoco logró obtener ganancias en su primer año, ganando sólo 400.000 dólares frente a su presupuesto de 453.000 dólares.
The Last Hurray (Columbia, 1958), ambientada de nuevo en la actualidad de los años cincuenta, fue protagonizada por Spencer Tracy , que había hecho su primera aparición cinematográfica en Up The River, de Ford , en 1930. Tracy interpreta a un político anciano que lucha en su última campaña, con Jeffrey Hunter como su sobrino. Según se informa, Katharine Hepburn facilitó un acercamiento entre los dos hombres, poniendo fin a una larga disputa, y convenció a Tracy para que asumiera el papel principal, que originalmente le había sido ofrecido a Orson Welles (pero fue rechazado por el agente de Welles sin su conocimiento, mucho para su disgusto). Hizo negocios considerablemente mejores que cualquiera de las dos películas anteriores de Ford, recaudando 950.000 dólares en su primer año [77] aunque Anna Lee , miembro del reparto , afirmó que Ford estaba "decepcionado con la película" y que Columbia no le había permitido supervisar la edición.
Corea: campo de batalla por la libertad (1959), el segundo documental de Ford sobre la Guerra de Corea , fue realizado para el Departamento de Defensa de Estados Unidos como película de orientación para los soldados estadounidenses estacionados allí.
Le siguió su último largometraje de la década, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), una historia de la Guerra Civil fuertemente ficticia protagonizada por John Wayne, William Holden y Constance Towers . Aunque Ford manifestó su descontento con el proyecto, fue un éxito comercial: se estrenó en el puesto número uno y se ubicó entre los 20 mejores éxitos de taquilla del año, recaudando 3,6 millones de dólares en su primer año y lo que le valió a Ford su honorario más alto de su historia: 375.000 dólares, más 10% del bruto. [77] Según se informa, la producción fue difícil para el director y el elenco, e incurrió en importantes sobrecostos, exacerbados por los salarios sin precedentes otorgados a Holden y Wayne ($750,000, más el 20% de la ganancia total, cada uno). Reflejando las tensiones en pantalla entre los personajes de Wayne y Holden, los dos actores discutían constantemente; Wayne también estaba luchando por ayudar a su esposa Pilar a superar una adicción a los barbitúricos, que culminó con su intento de suicidio mientras la pareja estaba junta en Luisiana. Los problemas de Ford alcanzaron su punto máximo con la trágica muerte del especialista Fred Kennedy, quien sufrió una fractura fatal en el cuello mientras ejecutaba una caída de caballo durante la secuencia culminante de la batalla. Ford quedó devastado por el accidente y perdió interés en la película, por lo que la producción regresó a Hollywood. También descartó el final planeado, que representa la entrada triunfal de Marlowe en Baton Rouge, concluyendo la película con la despedida de Marlowe de Hannah Hunter y el cruce y demolición del puente.
En sus últimos años, Ford se vio afectado por un deterioro de su salud, en gran parte resultado de décadas de beber y fumar en exceso, y exacerbado por las heridas que sufrió durante la Batalla de Midway. Su visión, en particular, comenzó a deteriorarse rápidamente y en un momento la perdió por completo durante un breve período; su prodigiosa memoria también empezó a fallar, por lo que tuvo que recurrir cada vez más a asistentes. Su trabajo también se vio restringido por el nuevo régimen de Hollywood y le resultó difícil realizar muchos proyectos. En la década de 1960 lo habían encasillado como director occidental y se quejaba de que ahora le resultaba casi imposible conseguir respaldo para proyectos de otros géneros.
Sargento Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) fue la última película de caballería de Ford. Ambientada en la década de 1880, cuenta la historia de un soldado de caballería afroamericano (interpretado por Woody Strode ) que es acusado injustamente de violar y asesinar a una niña blanca. Warner la comercializó erróneamente como una película de suspenso y no fue un éxito comercial. Durante 1960, Ford hizo su tercera producción televisiva, The Colter Craven Story , un episodio de una hora del programa de televisión Wagon Train , que incluía imágenes de Ford's Wagon Master (en el que se basó la serie). También visitó el set de El Álamo , producida, dirigida y protagonizada por John Wayne, donde su interferencia provocó que Wayne lo enviara a filmar escenas de la segunda unidad que nunca se usaron (ni se pretendía usar) en la película. [78]
Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) coprotagonizada por James Stewart y Richard Widmark , con Shirley Jones y los habituales de Stock Company Andy Devine , Henry Brandon , Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh y Frank Baker, con una de las primeras apariciones en pantalla de Linda Cristal , quien luego protagonizó la serie de televisión occidental The High Chaparral . Fue un éxito comercial considerable, recaudando 1,6 millones de dólares en su primer año.
El hombre que mató a Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) es citada frecuentemente como la última gran película de la carrera de Ford. Protagonizada por John Wayne y James Stewart , el reparto de reparto incluye a la protagonista Vera Miles , Edmond O'Brien como un locuaz editor de periódicos, Andy Devine como el inepto mariscal Appleyard, Denver Pyle , John Carradine y Lee Marvin en un papel importante como el brutal. Valance, con Lee Van Cleef y Strother Martin como sus secuaces. También es notable como la película en la que Wayne usó con mayor frecuencia su frase característica "Pilgrim" (su apodo para el personaje de James Stewart). La película fue un gran éxito, recaudando más de 3 millones de dólares en su primer año, aunque el reparto principal puso a prueba su credibilidad: se podría suponer que los personajes interpretados por Stewart (entonces de 53 años) y Wayne (entonces de 54) tenían poco más de 20 años dadas las circunstancias. y, según se informa, Ford consideró elegir a un actor más joven para el papel de Stewart, pero temía que eso resaltara la edad de Wayne. Aunque a menudo se afirma que las limitaciones presupuestarias hicieron necesario rodar la mayor parte de la película en estudios de sonido de Paramount, los registros contables del estudio muestran que esto era parte del concepto artístico original de la película, según el biógrafo de Ford, Joseph McBride. Según Lee Marvin en una entrevista filmada, Ford había luchado mucho para rodar la película en blanco y negro para acentuar su uso de las sombras. Aún así, fue una de las películas más caras de Ford con 3,2 millones de dólares.
Después de completar Liberty Valance , Ford fue contratado para dirigir la sección de Guerra Civil de la épica de MGM How The West Was Won , la primera película no documental que utilizó el proceso de pantalla ancha Cinerama . El segmento de Ford contó con George Peppard , con Andy Devine , Russ Tamblyn , Harry Morgan como Ulysses S. Grant y John Wayne como William Tecumseh Sherman . Wayne ya había interpretado a Sherman en un episodio de 1960 de la serie de televisión Wagon Train que Ford dirigió en apoyo de la estrella de la serie Ward Bond , " The Coulter Craven Story ", para la que contrató a la mayor parte de su sociedad anónima. También en 1962, Ford dirigió su cuarta y última producción televisiva, Flashing Spikes , una historia de béisbol realizada para la serie Alcoa Premiere y protagonizada por James Stewart, Jack Warden , Patrick Wayne y Tige Andrews , con Harry Carey Jr. y una larga aparición sorpresa de John. Wayne, anunciado en los créditos como "Michael Morris", como también lo había sido en el episodio Wagon Train dirigido por Ford.
Donovan's Reef (Paramount, 1963) fue la última película de Ford con John Wayne. Filmada en locaciones de la isla hawaiana de Kauai (doblando una isla ficticia en la Polinesia Francesa ), era una obra de moralidad disfrazada de comedia de acción, que abordaba de manera sutil pero aguda cuestiones de intolerancia racial, connivencia corporativa, codicia y creencias estadounidenses. de superioridad social. El reparto secundario incluía a Lee Marvin , Elizabeth Allen , Jack Warden , Dorothy Lamour y César Romero . También fue el último éxito comercial de Ford, recaudando 3,3 millones de dólares frente a un presupuesto de 2,6 millones de dólares.
Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) fue la épica despedida de Ford a Occidente, que declaró públicamente como una elegía a los nativos americanos. Fue su último western, su película más larga y la más cara de su carrera (4,2 millones de dólares), pero no logró recuperar sus costos de taquilla y perdió alrededor de 1 millón de dólares en su primer estreno. El elenco estelar estuvo encabezado por Richard Widmark , con Carroll Baker , Karl Malden , Dolores del Río , Ricardo Montalbán , Gilbert Roland , Sal Mineo , James Stewart como Wyatt Earp, Arthur Kennedy como Doc Holliday, Edward G. Robinson , Patrick Wayne , Elizabeth Allen , Mike Mazurki y muchos de los fieles de la Sociedad Anónima de Ford, incluidos John Carradine , Ken Curtis , Willis Bouchey , James Flavin , Danny Borzage, Harry Carey Jr. , Chuck Hayward , Ben Johnson , Mae Marsh y Denver Pyle . William Clothier fue nominado al Oscar a la Mejor Fotografía y Gilbert Roland fue nominado al Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto por su interpretación del anciano cheyenne Dull Knife .
En 1965, Ford comenzó a trabajar en Young Cassidy (MGM), un drama biográfico basado en la vida del dramaturgo irlandés Seán O'Casey , pero cayó enfermo al principio de la producción y fue reemplazado por Jack Cardiff .
El último largometraje completo de Ford fue 7 Women (MGM, 1966), un drama ambientado alrededor de 1935, sobre mujeres misioneras en China que intentan protegerse de los avances de un bárbaro señor de la guerra mongol. Anne Bancroft reemplazó en el papel principal a Patricia Neal , quien sufrió un derrame cerebral casi fatal dos días después del rodaje. El reparto de reparto incluía a Margaret Leighton , Flora Robson , Sue Lyon , Mildred Dunnock , Anna Lee , Eddie Albert , Mike Mazurki y Woody Strode , con música de Elmer Bernstein . Desafortunadamente, fue un fracaso comercial, recaudando sólo alrededor de la mitad de su presupuesto de 2,3 millones de dólares. Algo inusual en Ford fue que se filmó en continuidad por el bien de las actuaciones y, por lo tanto, expuso aproximadamente cuatro veces más película de la que filmaba habitualmente. Anna Lee recordó que Ford era "absolutamente encantador" con todos y que el único gran estallido se produjo cuando Flora Robson se quejó de que el letrero en la puerta de su camerino no incluía su título ("Dame") y, como resultado, Robson fue "Absolutamente destrozado" por Ford frente al elenco y el equipo.
El siguiente proyecto de Ford, El milagro de Merriford , fue descartado por MGM menos de una semana antes de que comenzara el rodaje. Su último trabajo terminado fue Chesty: A Tribute to a Legend , un documental sobre el marine estadounidense más condecorado, el general Lewis B. Puller , con narración de John Wayne, que se realizó en 1970 pero no se estrenó hasta 1976, tres años después de la muerte de Ford. .
La salud de Ford se deterioró rápidamente a principios de los años 1970; sufrió una fractura de cadera en 1970 que lo dejó en silla de ruedas. Tuvo que mudarse de su casa de Bel Air a una casa de un solo nivel en Palm Desert, California , cerca del Centro Médico Eisenhower , donde estaba siendo tratado por cáncer de estómago. El Screen Directors Guild organizó un homenaje a Ford en octubre de 1972, y en marzo de 1973 el American Film Institute lo honró con su primer Lifetime Achievement Award en una ceremonia que se transmitió por televisión a todo el país, en la que el presidente Richard Nixon promovió a Ford a Almirante y le entregó el título de Almirante. la Medalla Presidencial de la Libertad .
Según John Wayne , socio y amigo de Ford desde hace mucho tiempo , Ford podría haber seguido dirigiendo películas. Le dijo a Roger Ebert en 1976:
Hasta los últimos años de su vida... Pappy podría haber dirigido otra película, y muy buena. Pero dijeron que Pappy era demasiado mayor. Demonios, nunca fue demasiado mayor. En Hollywood hoy en día, no respaldan a nadie. Preferirían convertirlo en una maldita leyenda y acabar con él. [79]
Ford murió el 31 de agosto de 1973 en Palm Desert [9] y su funeral se celebró el 5 de septiembre en la Iglesia del Santísimo Sacramento de Hollywood. Fue enterrado en el cementerio de Holy Cross en Culver City, California . [80]
Ford era conocido por su personalidad distintiva y contundente, y por sus numerosas idiosincrasias y excentricidades. Desde principios de los años 30 siempre usó gafas oscuras y un parche en el ojo izquierdo, que sólo en parte servía para proteger su mala vista. Era un fumador empedernido de pipa y mientras filmaba masticaba un pañuelo de lino; cada mañana su esposa le daba una docena de pañuelos nuevos, pero al final de un día de filmación, las esquinas de todos ellos estaban masticadas hasta convertirse en una docena. jirones. Siempre tenía música en el set y rutinariamente hacía una pausa para tomar el té ( Earl Grey ) a media tarde todos los días durante el rodaje. Desalentaba la charla y no le gustaban las malas palabras en el set; su uso, especialmente frente a una mujer, normalmente resultaría en que el infractor sea expulsado de la producción. Rara vez bebía durante el rodaje de una película, pero cuando terminaba la producción a menudo se encerraba en su estudio, envuelto sólo en una sábana, y se emborrachaba en solitario durante varios días, seguido de una contrición rutinaria y la promesa de no volver a beber nunca. beber de nuevo. Era extremadamente sensible a las críticas y siempre le irritaba especialmente cualquier comparación entre su obra y la de su hermano mayor Francisco. Rara vez asistía a estrenos o ceremonias de premiación, aunque sus premios Oscar y otros premios estaban exhibidos con orgullo en la repisa de su casa.
Hubo rumores ocasionales sobre sus preferencias sexuales, [81] y en su autobiografía de 2004 'Tis Herself' , Maureen O'Hara recordó haber visto a Ford besando a un actor famoso (a quien no nombró) en su oficina de Columbia Studios. [82]
Era desordenado y su estudio siempre estaba lleno de libros, papeles y ropa. Compró un Rolls-Royce nuevo en la década de 1930, pero nunca montó en él porque su esposa, Mary, no le permitía fumar en él. Su propio automóvil, un Ford roadster destartalado, estaba tan deteriorado y desordenado que una vez llegó tarde a una reunión del estudio porque el guardia en la puerta del estudio no creía que el verdadero John Ford conduciría un automóvil así y se negó a dejarlo entrar. .
Ford sentía antipatía hacia los ejecutivos de los estudios. Se dice que en una de las primeras películas de Fox ordenó a un guardia que mantuviera al jefe del estudio, Darryl F. Zanuck, fuera del set, y en otra ocasión, llevó a un ejecutivo frente al equipo, lo puso de perfil y anunció: "Esto es productor asociado; fíjate bien, porque no volverás a verlo en esta película". Mientras filmaba Rio Grande en 1950, el productor Herbert Yates y el ejecutivo de Republic Rudy Ralston visitaron el lugar y cuando Yates señaló la hora (eran las 10 am) y preguntó cuándo pensaba Ford comenzar a filmar, Ford ladró: "Tan pronto como tengas la información". ¡Maldita sea, fuera de mi set! Durante la cena, Ford supuestamente reclutó al miembro del elenco Alberto Morin para hacerse pasar por un camarero francés inepto, quien procedió a derramar sopa sobre ellos, romper platos y causar un caos general, pero los dos ejecutivos aparentemente no se dieron cuenta de que eran víctimas de uno de los ataques de Ford. bromas.
Disfrutaba mucho pasar tiempo en su yate, Araner , que compró en 1934 y en el que derrochó cientos de miles de dólares en reparaciones y mejoras a lo largo de los años; se convirtió en su principal refugio entre películas y en un lugar de encuentro para su círculo de amigos cercanos, incluidos John Wayne y Ward Bond.
Ford era muy inteligente, erudito, sensible y sentimental, pero para protegerse en la atmósfera despiadada de Hollywood cultivó la imagen de un "hijo de puta irlandés duro, ambicioso y bebedor". [81] Un acontecimiento famoso, presenciado por el amigo de Ford, el actor Frank Baker, ilustra sorprendentemente la tensión entre la persona pública y el hombre privado. Durante la Depresión, Ford (para entonces un hombre muy rico) fue abordado fuera de su oficina por un ex actor de Universal que era indigente y necesitaba 200 dólares para una operación para su esposa. Mientras el hombre contaba sus desgracias, Ford pareció enfurecerse y luego, ante el horror de los espectadores, se abalanzó sobre el hombre, lo tiró al suelo y le gritó: "¿Cómo te atreves a venir aquí así? ¿Quién te crees que eres?". ¿Hablarme de esta manera?" antes de salir furioso de la habitación. Sin embargo, cuando el anciano conmocionado salió del edificio, Frank Baker vio al gerente comercial de Ford, Fred Totman, recibirlo en la puerta, donde le entregó un cheque por $1,000 y le ordenó al chofer de Ford que lo llevara a casa. Allí, una ambulancia esperaba para llevar a la esposa del hombre al hospital donde un especialista, traído en avión desde San Francisco a expensas de Ford, realizó la operación. Algún tiempo después, Ford compró una casa para la pareja y les dio una pensión de por vida. Cuando Baker le contó la historia a Francis Ford, declaró que el incidente ilustraba muy bien la personalidad de su hermano:
En cualquier momento, si ese viejo actor hubiera seguido hablando, la gente se habría dado cuenta de lo blando que es Jack. No podría haber soportado esa triste historia sin derrumbarse. Ha construido toda esta leyenda de dureza a su alrededor para proteger su suavidad. [83]
En el libro Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero de Nancy Schoenberger, la autora analiza el impacto cultural de la masculinidad retratada en las películas de Ford. En una entrevista con Portland Magazine , Schoenberger afirma: "En cuanto a que Ford y Wayne "modifican las convenciones de lo que es un 'hombre' hoy en día", creo que Ford, habiendo crecido con hermanos a los que idolatraba, en un mundo agitado de boxeadores, bebedores y peones, encontró su tema más profundo en la camaradería masculina, especialmente en el ejército, uno de los pocos lugares donde los hombres pueden expresar su amor por otros hombres, pero le preocupaban los hombres que actuaban heroicamente, por lo que el tipo más macho era "No siempre es el más heroico. McLaglen a menudo presentaba el lado cómico de la masculinidad tempestuosa. Ford destacó la ternura de Wayne así como su dureza, especialmente en Stagecoach ". [84]
Ford tenía muchas marcas estilísticas distintivas y un conjunto de preocupaciones temáticas y motivos visuales y auditivos se repiten a lo largo de su trabajo como director. El periodista de cine Ephraim Katz resumió algunas de las características clave del trabajo de Ford en su entrada de la Collins Film Encyclopedia :
De todos los directores estadounidenses, Ford probablemente tenía la visión personal más clara y el estilo visual más consistente. Sus ideas y sus personajes son, como muchas cosas tildadas de "estadounidenses", engañosamente simples. Sus héroes... pueden parecer simplemente solitarios, ajenos a la sociedad establecida, que generalmente hablan a través de acciones más que de palabras. Pero su conflicto con la sociedad encarna temas más amplios en la experiencia estadounidense.
Las películas de Ford, particularmente los westerns, expresan una profunda sensibilidad estética por el pasado estadounidense y el espíritu de la frontera... sus composiciones tienen una fuerza clásica en las que masas de personas y su entorno natural se yuxtaponen maravillosamente, a menudo en planos largos impresionantes. El movimiento de hombres y caballos en sus westerns rara vez ha sido superado en majestuosa serenidad y poder evocador. La partitura musical, a menudo variaciones de temas populares, juega un papel más importante que el diálogo en muchas películas de Ford.
Ford también defendió el valor y la fuerza del grupo, como se evidencia en sus muchos dramas militares... [él] expresó un sentimiento similar de camaradería a través de su uso repetido de ciertos actores en los papeles principales y secundarios... también sintió una lealtad a lugares... [85]
A diferencia de su contemporáneo Alfred Hitchcock , Ford nunca utilizó guiones gráficos, componiendo sus fotografías enteramente en su cabeza, sin ningún esquema escrito o gráfico de las tomas que usaría. [86] El desarrollo del guión podía ser intenso pero, una vez aprobados, sus guiones rara vez se reescribían; También fue uno de los primeros cineastas en alentar a sus escritores y actores a preparar una historia completa para sus personajes. Odiaba las escenas expositivas largas y era famoso por arrancar páginas de un guión para cortar el diálogo. Durante la realización de Mogambo , cuando el productor de la película Sam Zimbalist lo cuestionó por tener un retraso de tres días, Ford respondió arrancando tres páginas del guión y declarando "Estamos según lo previsto" y, de hecho, nunca filmó esas páginas. [87] Mientras hacía Drums Along the Mohawk , Ford eludió hábilmente el desafío de filmar una escena de batalla grande y costosa: hizo que Henry Fonda improvisara un monólogo mientras disparaba preguntas detrás de la cámara sobre el curso de la batalla (un tema sobre el cual Fonda estaba bien versado) y luego simplemente editando las preguntas.
Era relativamente parco en el uso de movimientos de cámara y primeros planos, prefiriendo planos estáticos, medianos o largos, con sus jugadores encuadrados contra vistas dramáticas o interiores iluminados en un estilo expresionista , aunque a menudo usaba tomas panorámicas y a veces usaba una plataforma rodante dramática en (por ejemplo, la primera aparición de John Wayne en Stagecoach ). Ford es famoso por sus emocionantes travellings, como la secuencia de persecución de los Apaches en Stagecoach o el ataque al campamento comanche en The Searchers .
Los motivos visuales recurrentes incluyen trenes y vagones (muchas películas de Ford comienzan y terminan con un vehículo de conexión, como un tren o un vagón, que llega y sale): puertas, caminos, flores, ríos, reuniones (desfiles, bailes, reuniones, escenas de bares, etc.) ; También empleó motivos gestuales en muchas películas, en particular el lanzamiento de objetos y el encendido de lámparas, cerillas o cigarrillos. [88] Si se muestra a un personaje condenado jugando al póquer (como Liberty Valance o el pistolero Tom Tyler en Stagecoach ), la última mano que juega es la " mano de la muerte ": dos ochos y dos ases, uno de ellos el as de espadas. Se llama así porque se dice que Wild Bill Hickok tomó esta mano cuando fue asesinado. Muchas de sus películas sonoras incluyen interpretaciones o citas de su himno favorito, " Shall We Gather at the River? ", como su uso paródico para subrayar las escenas iniciales de Stagecoach , cuando las matronas locales echan a la prostituta Dallas de la ciudad. . Los nombres de los personajes también aparecen en muchas películas de Ford: el nombre Quincannon, por ejemplo, se usa en varias películas, incluidas The Lost Patrol , Rio Grande , She Wore A Yellow Ribbon y Fort Apache . El personaje de John Wayne se llama "Kirby Yorke" tanto en Fort Apache y Rio Grande , y los nombres Tyree y Boone también son recurrentes en varias películas de Ford.
Trabajos recientes sobre las representaciones de Ford de los nativos americanos han argumentado que, contrariamente a la creencia popular, sus personajes indios abarcaban una gama de imágenes hostiles a comprensivas desde The Iron Horse hasta Cheyenne Autumn . Su descripción de los navajos en Wagon Master incluía a sus personajes que hablaban el idioma navajo . La marca distintiva de los westerns de temática india de Ford es que sus personajes nativos siempre permanecieron separados y apartados de la sociedad blanca. [89]
Ford era legendario por su disciplina y eficiencia en el set [90] y era conocido por ser extremadamente duro con sus actores, burlándose de ellos, gritándoles e intimidándolos con frecuencia; También era famoso por sus bromas pesadas, a veces sádicas. Cualquier actor lo suficientemente tonto como para exigir un trato de estrella recibiría toda la fuerza de su implacable desprecio y sarcasmo. Una vez se refirió a John Wayne como un "gran idiota" e incluso golpeó a Henry Fonda. Henry Brandon (quien interpretó al Jefe Scar en The Searchers ) se refirió una vez a Ford como "el único hombre que podía hacer llorar a John Wayne". [ cita necesaria ] . También menospreció a Victor McLaglen, y en una ocasión supuestamente gritó por el megáfono: "¿Sabes, McLaglen, que Fox te paga 1.200 dólares a la semana por hacer cosas que cualquier niño de la calle podría hacer mejor?". [91] Ward Bond, veterano de la sociedad anónima , fue supuestamente uno de los pocos actores que fueron inmunes a las burlas y sarcasmos de Ford. Sir Donald Sinden , entonces estrella contratada por Rank Organization en Pinewood Studios cuando protagonizó Mogambo , no fue la única persona que sufrió a manos del notorio comportamiento de John Ford. Recuerda: "Diez Cazadores Blancos fueron enviados a nuestra unidad para nuestra protección y para proporcionarnos carne fresca. Entre ellos estaba Marcus, Lord Wallscourt, un hombre encantador a quien Ford trataba de manera abismal, a veces muy sádica. A los ojos de Ford, el pobre hombre no podía hacer nada bien". y continuamente le gritaban delante de toda la unidad (de alguna manera, de vez en cuando me quitaba la presión). Ninguno de nosotros podía entender el motivo de este trato atroz, que este querido y amable hombre de ninguna manera merecía. Varias semanas más tarde descubrimos la causa por boca del cuñado de Ford: antes de emigrar a Estados Unidos, el abuelo de Ford había sido trabajador en la finca en Irlanda del entonces Lord Wallscourt: Ford ahora se estaba vengando de su descendiente. No es una vista encantadora." [92] "Ahora tuvimos que regresar a los estudios MGM-British en Londres para filmar todas las escenas interiores. Alguien debe haberle señalado a Ford que había sido completamente grosero conmigo durante todo el rodaje y cuando llegué para mi El primer día de trabajo, descubrí que había hecho que se pintara un gran cartel en la entrada de nuestro escenario de sonido en letras mayúsculas que decía: SÉ AMABLE CON DONALD WEEK. Cumplió su palabra, precisamente durante siete días. En el octavo día Arrancó el cartel y volvió a su comportamiento normal de intimidación". [93]
Ford generalmente daba a sus actores poca dirección explícita, aunque en ocasiones él mismo caminaba casualmente por una escena y se esperaba que los actores notaran cada acción o manierismo sutil; si no lo hacían, Ford les hacía repetir la escena hasta que la hacían bien y, a menudo, reprendía y menospreciaba a aquellos que no conseguían la actuación deseada. En El hombre que mató a Liberty Valance , Ford repasó una escena con Edmond O'Brien y terminó dejando caer la mano sobre una barandilla. O'Brien se dio cuenta de esto, pero lo ignoró deliberadamente y en su lugar puso su mano en la barandilla; Ford no lo corrigió explícitamente y, según se informa, hizo que O'Brien interpretara la escena cuarenta y dos veces antes de que el actor cediera y lo hiciera a la manera de Ford.
A pesar de su personalidad a menudo difícil y exigente, muchos actores que trabajaron con Ford reconocieron que él sacó lo mejor de ellos. John Wayne comentó que "nadie podía manejar actores y equipo como Jack". [94] Dobe Carey declaró que "tenía una cualidad que hacía que todos casi se suicidaran para complacerlo. Al llegar al set, sentirías de inmediato que algo especial iba a suceder. Te sentirías espiritualmente despierto de repente". ". [95] Carey le da crédito a Ford por la inspiración de la última película de Carey, Comanche Stallion ( 2005 ).
El lugar favorito de Ford para sus películas del oeste era Monument Valley, en el sur de Utah . Aunque generalmente no es geográficamente apropiado como escenario para sus tramas, el impacto visual expresivo del área permitió a Ford definir imágenes del oeste americano con algunas de las cinematografías más bellas y poderosas jamás filmadas, en películas como Stagecoach , The Searchers y Fuerte Apache . [¿ según quién? ] Un ejemplo notable es la famosa escena de Ella llevaba una cinta amarilla en la que la tropa de caballería es fotografiada frente a una tormenta que se avecina. Se ha examinado la influencia en las películas de artistas occidentales clásicos como Frederic Remington y otros. [96] El uso evocador del territorio por parte de Ford para sus westerns ha definido las imágenes del Oeste americano tan poderosamente que Orson Welles dijo una vez que otros cineastas se negaron a rodar en la región por temor a plagio. [97]
Por lo general, Ford filmaba sólo el metraje que necesitaba y, a menudo, filmaba en secuencia, minimizando el trabajo de sus editores de cine. [98] En opinión de Joseph McBride, [49] la técnica de Ford de cortar la cámara le permitió conservar el control creativo en un período en el que los directores a menudo tenían poco que decir sobre la edición final de sus películas. Ford señaló:
No les doy mucha película para jugar. De hecho, Eastman solía quejarse de que expuse tan poca película. Corto la cámara. De lo contrario, si les das mucha película, 'el comité' se hace cargo. Empiezan a hacer malabarismos con las escenas y a sacar esto y poner aquello. No pueden hacerlo con mis fotos. Coloqué la cámara y listo. No queda mucha película en el suelo cuando termino. [99]
Ford ganó un total de cuatro premios de la Academia , todos ellos como Mejor Director , por las películas The Informer (1935), The Grapes of Wrath (1940), How Green Was My Valley (1941) y The Quiet Man (1952). —ninguno de ellos westerns (también protagonizó los dos últimos Maureen O'Hara , "su actriz favorita"). También fue nominado como Mejor Director por Stagecoach (1939). Posteriormente dirigió dos documentales, La batalla de Midway y El 7 de diciembre , ambos ganaron el premio al Mejor Documental , aunque el premio no lo ganó él. Hasta el día de hoy, Ford ostenta el récord de ganar más premios Oscar al Mejor Director, habiendo ganado el premio en cuatro ocasiones. William Wyler y Frank Capra ocupan el segundo lugar después de haber ganado el premio tres veces. Ford fue el primer director en ganar premios consecutivos al Mejor Director, en 1940 y 1941. Esta hazaña fue igualada más tarde por Joseph L. Mankiewicz exactamente diez años después, cuando ganó premios consecutivos al Mejor Director en 1950 y 1951. Como productor, También recibió una nominación a Mejor Película por The Quiet Man . En 1955 y 1957, Ford recibió el premio George Eastman, otorgado por la George Eastman House por su destacada contribución al arte del cine. Fue el primer ganador del premio Life Achievement Award del American Film Institute en 1973. También ese año, Ford recibió la Medalla Presidencial de la Libertad de manos del presidente Richard Nixon .
Ford dirigió a 10 actores diferentes en actuaciones nominadas al Oscar: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly y Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp y Lemmon ganaron un Oscar por uno de sus papeles en una de las películas de Ford.
En 1998, se inauguró una estatua de Ford en Portland, Maine , frente a donde su padre alguna vez tuvo un pub. Esculpida por el artista George Kelly, la estatua está rodeada por un monumento que contiene datos sobre la vida de Ford y sus películas. [100]
El 5 de diciembre de 1971 se transmitió por la cadena CBS un especial de televisión con Ford, John Wayne, James Stewart y Henry Fonda, llamado The American West of John Ford , que presenta fragmentos de la carrera de Ford intercalados con entrevistas realizadas por Wayne, Stewart y Fonda, quien también se turnó para narrar el documental de una hora de duración .
En 2007, Twentieth Century Fox lanzó Ford at Fox , una caja de DVD con 24 películas de Ford. Richard Corliss de la revista Time lo nombró uno de los "10 mejores DVD de 2007", ubicándolo en el puesto número 1. [101]
En 2019 Jean-Christophe Klotz estrenó el documental John Ford, l'homme qui inventa l'Amérique , sobre su influencia en la leyenda del oeste americano en películas como Stagecoach (1939), The Grapes of Wrath (1940), The Man Quién disparó a Liberty Valance (1962) y Cheyenne Autumn (1964). [102]
El Academy Film Archive ha conservado varias películas de John Ford, incluidas How Green Was My Valley , The Battle of Midway , Drums Along the Mohawk , Sex Hygiene , Torpedo Squadron 8 y Four Sons . [103]
Al principio de su vida, la política de Ford era convencionalmente progresista; sus presidentes favoritos fueron los demócratas Franklin D. Roosevelt , John F. Kennedy y el republicano Abraham Lincoln . [104] Pero a pesar de estas inclinaciones, muchos pensaron [105] [106] que era republicano debido a su larga asociación con los actores John Wayne , James Stewart , Maureen O'Hara y Ward Bond .
La actitud de Ford hacia el macartismo en Hollywood se expresa en una historia contada por Joseph L. Mankiewicz . Una facción del Gremio de Directores de América , encabezada por Cecil B. DeMille , había tratado de hacer obligatorio que todos los miembros firmaran un juramento de lealtad . Se estaba llevando a cabo una campaña de rumores contra Mankiewicz, entonces presidente del gremio, alegando que tenía simpatías comunistas. En una reunión crucial del Gremio, la facción de DeMille habló durante cuatro horas hasta que Ford habló en contra de DeMille y propuso un voto de confianza a Mankiewicz, que fue aprobado. Sus palabras fueron registradas por una taquígrafa:
Mi nombre es John Ford. Hago westerns. No creo que haya nadie en esta sala que sepa más sobre lo que quiere el público estadounidense que Cecil B. DeMille , y ciertamente sabe cómo comunicárselo... [mirando a DeMille] Pero no me agradas. , CB No me gusta lo que representas y no me gusta lo que has estado diciendo aquí esta noche. [107]
La versión de Mankiewicz de los hechos fue impugnada en 2016, con el descubrimiento de la transcripción judicial, que se publicó como parte de los archivos de Mankiewicz. La cuenta de Mankiewicz le da crédito exclusivo a Ford por hundir a DeMille. La cuenta tiene varios adornos. La decisión de DeMille de despedir a Mankiewicz había provocado una tormenta de protestas. DeMille estuvo básicamente en el extremo receptor de un torrente de ataques de muchos oradores durante la reunión y en un momento pareció que simplemente lo expulsarían del tablero del gremio.
En ese momento, Ford se levantó para hablar. Su apertura fue que se levantó en defensa del tablero. Reclamó un papel personal en un voto de confianza a Joseph Mankiewicz. Luego pidió el fin de la política en el gremio y que se volviera a centrar en las condiciones laborales. Ford dijo en la reunión que el gremio se formó para "protegernos contra los productores". Ford se opuso a "publicar información despectiva sobre un director, ya sea comunista, golpee a su suegra o golpee a los perros". Ford quería que el debate y la reunión terminaran ya que su enfoque era la unidad del gremio. Dijo que Mankiewicz había sido vilipendiado y merecía una disculpa. Su última sección fue apoyar a DeMille contra nuevos pedidos de su renuncia. Las palabras de Ford sobre DeMille fueron: "Y creo que algunas de las acusaciones hechas aquí esta noche fueron bastante antiamericanas. Quiero decir, un grupo de hombres se ha metido probablemente con el decano de nuestra profesión. No estoy de acuerdo con CB DeMille. Lo admiro. "No me gusta, pero lo admiro. Todo lo que dijo esta noche tenía derecho a decirlo. No me gusta escuchar acusaciones en su contra". Concluyó "suplicando" a los miembros que retuvieran a DeMille.
Ford temía que la salida de DeMille hubiera provocado que el cuerpo se desintegrara. Su segundo movimiento fue hacer que toda la junta directiva dimitiera, lo que salvó las apariencias de DeMille y permitió que la cuestión se resolviera sin dimisiones forzadas. Al día siguiente, Ford escribió una carta apoyando a DeMille y luego llamó por teléfono, donde Ford describió a DeMille como "una figura magnífica" muy por encima de esa "maldita manada de ratas".
En una reunión acalorada y ardua, Ford salió en defensa de un colega que sufría un ataque sostenido por parte de sus pares. Vio los peligros de expulsar a DeMille. Ford observó toda la reunión para asegurarse de que DeMille permaneciera en el gremio. Luego ofreció su propia renuncia, como parte de toda la junta directiva, para garantizar que el gremio no se rompiera y permitiera que DeMille se fuera sin perder la cara. [108]
Sin embargo, a medida que pasó el tiempo, Ford se alió más públicamente con el Partido Republicano, declarándose "republicano de Maine" en 1947. Dijo que votó por Barry Goldwater en las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 1964 y apoyó a Richard Nixon en 1968 y se convirtió en un Partidario de la guerra de Vietnam . En 1973, el presidente Nixon le concedió la Medalla de la Libertad, cuya campaña había apoyado públicamente. [109]
En 1952, Ford esperaba una candidatura presidencial republicana de Robert Taft / Douglas MacArthur . [110] Cuando Dwight Eisenhower ganó la nominación, Ford le escribió a Taft diciéndole que, como "un millón de otros estadounidenses, estoy naturalmente desconcertado y herido por el resultado de la Convención Republicana en Chicago ". [111]
En 1966, apoyó a Ronald Reagan en su carrera para gobernador y nuevamente para su reelección en 1970 . [112]
El estudioso de Ford Tag Gallagher afirma que Ford era "esencialmente apolítico", aunque también señala que el director se convirtió en un ferviente partidario del Ejército Republicano Irlandés después de su primera visita a Irlanda en la década de 1920 y que canalizó fondos al IRA durante el resto de su carrera. [113] : 29, 339
Ford es ampliamente considerado uno de los cineastas más influyentes de Hollywood. Flickside lo catalogó como el sexto director más influyente de todos los tiempos. [114] A continuación se muestran algunas de las personas que fueron influenciadas directamente por Ford o que admiraron mucho su trabajo:
En diciembre de 2011, la Academia Irlandesa de Cine y Televisión (IFTA), en asociación con John Ford Estate y el Departamento Irlandés de Artes, Patrimonio y Gaeltacht, establecieron "John Ford Irlanda", celebrando el trabajo y el legado de John Ford. La Academia Irlandesa declaró que a través de John Ford Irlanda esperan sentar las bases para honrar, examinar y aprender del trabajo y el legado de John Ford, ampliamente considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación.
El primer Simposio John Ford Irlanda se celebró en Dublín, Irlanda, del 7 al 10 de junio de 2012. El Simposio, diseñado para inspirarse y celebrar la continua influencia de Ford en el cine contemporáneo, contó con un programa diverso de eventos, incluida una serie de proyecciones, clases magistrales, paneles de discusión, entrevistas públicas y una proyección al aire libre de The Searchers .
Entre los invitados que asistieron se encontraban Dan Ford, nieto de John Ford; el compositor Christopher Caliendo dirigió la aclamada RTÉ Concert Orchestra interpretando su partitura de The Iron Horse de Ford , abriendo el evento de cuatro días; el autor y biógrafo Joseph McBride pronunció la conferencia inaugural del Simposio; Los directores Peter Bogdanovich , Stephen Frears , John Boorman , Jim Sheridan , Brian Kirk , Thaddeus O'Sullivan y Sé Merry Doyle participaron en varios eventos; Los escritores irlandeses Patrick McCabe , Colin Bateman , Ian Power y Eoghan Harris examinaron el trabajo de Ford desde la perspectiva de los guionistas; Joel Cox impartió una clase magistral de edición; y compositores y músicos, entre los que se encuentran David Holmes y Kyle Eastwood , hablaron sobre música para películas.
El Simposio de Cine Irlandés John Ford se celebró nuevamente en Dublín en el verano de 2013.
Clint Eastwood recibió el premio John Ford inaugural en diciembre de 2011. Fue entregado al Sr. Eastwood, en una recepción en Burbank, California, por Michael Collins, embajador de Irlanda en los Estados Unidos, Dan Ford, nieto de John Ford, y Áine Moriarty. , director ejecutivo de la Academia Irlandesa de Cine y Televisión (IFTA).
Al aceptar el premio, el Sr. Eastwood dijo: "Cualquier tipo de asociación con John Ford es el sueño de la mayoría de los directores, ya que él fue sin duda un pionero del cine estadounidense y yo crecí con sus películas. Sus westerns tuvieron una gran influencia en mí, ya que Creo que tenían en todo el mundo. Cuando trabajé con Sergio Leone hace años en Italia, su director favorito era John Ford y habló muy abiertamente sobre esa influencia. Quiero agradecer a todos los que están aquí desde la Academia Irlandesa, la familia John Ford y gracias a John Ford Irlanda."
Ford recibió la Legión de Mérito con Combate "V" , [124] [50] [125] [126] un Corazón Púrpura , [50] [125] la Medalla al Servicio Meritorio , [124] la Medalla del Aire , [50] la Medalla de Encomio de la Armada y el Cuerpo de Marines con Combate "V", [124] la Cinta de Acción de Combate de la Armada [124] la Medalla Presidencial de la Libertad , [127] [125] [128] la Medalla del Servicio de China [124] el Servicio de Defensa Estadounidense Medalla con estrella de servicio , [124] [125] Medalla de la campaña estadounidense , [125] Medalla de la campaña de Europa, África y Medio Oriente con tres estrellas de campaña , [124] [125] Medalla de la campaña de Asia y el Pacífico también con tres estrellas de campaña , [124] [125] [129] la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial , [125] la Medalla del Servicio de Ocupación de la Marina , [124] [129] la Medalla del Servicio de Defensa Nacional con estrella de servicio, [124] [129] el Servicio de Corea Medalla con una estrella de campaña, [124] [129] Medalla de la Reserva Naval , [125] Medalla Samil al Mérito de la Orden de Seguridad Nacional , [124] Medalla de Corea de las Naciones Unidas , [124] [129] Cinta de Disparo de Pistola Distinguida ( 1952-1959) , [124] y la Orden belga de Leopoldo . [124]
Qué famosa película contó con tres grandes direccionales de Hollywood, Erich von Stroheim, John Ford y Raoul Walsh entre su elenco secundario; pasó una incómoda cantidad de tiempo venerando al Ku Klux Klan; ¿E hizo más que cualquier otro trabajo en la historia del cine para fundar el vocabulario visual del cine moderno? Si tus labios están dando forma a El nacimiento de una nación, estás en lo cierto.
{{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)Sólo el propio director lo defendió.
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