Stanley Kubrick ( / ˈ k uː b r ɪ k / ; 26 de julio de 1928 - 7 de marzo de 1999) fue un cineasta y fotógrafo estadounidense. Ampliamente considerado uno de los mejores cineastas de todos los tiempos, sus películas fueron casi todas adaptaciones de novelas o cuentos, abarcaron varios géneros y obtuvieron reconocimiento por su intensa atención al detalle, cinematografía innovadora , escenografía extensa y humor negro .
Nacido y criado en la ciudad de Nueva York , Kubrick era un estudiante promedio, pero mostró un gran interés por la literatura, la fotografía y el cine desde una edad temprana; Comenzó a aprender por sí mismo todos los aspectos de la producción y dirección cinematográfica después de graduarse de la escuela secundaria. Después de trabajar como fotógrafo para la revista Look a finales de los años 1940 y principios de los 1950, comenzó a hacer cortometrajes de bajo presupuesto e hizo su primera película importante de Hollywood, The Killing , para United Artists en 1956. A esto le siguieron dos colaboraciones con Kirk Douglas. : la película pacifista Paths of Glory (1957) y la película épica histórica Spartacus (1960).
En 1961, Kubrick abandonó Estados Unidos debido a preocupaciones sobre la delincuencia en el país, así como a una creciente aversión por el funcionamiento de Hollywood y diferencias creativas con Douglas y los estudios cinematográficos; se instaló en Inglaterra, que abandonaría sólo un puñado de veces durante el resto de su vida. Estableció su hogar en Childwickbury Manor , que compartía con su esposa Christiane , y se convirtió en su lugar de trabajo donde centralizó la escritura, la investigación, la edición y la gestión de sus producciones. Esto le permitió un control artístico casi total sobre sus películas, con la rara ventaja del apoyo financiero de los principales estudios de Hollywood. Sus primeras producciones en Inglaterra fueron dos películas con Peter Sellers : una adaptación de Lolita (1962) y la comedia negra de la Guerra Fría Dr. Strangelove (1964).
Kubrick, un perfeccionista que asumió el control directo sobre la mayoría de los aspectos de su realización cinematográfica, cultivó experiencia en escritura, edición, etalonaje , promoción y exhibición. Era famoso por el esmerado cuidado puesto en la investigación de sus películas y las escenas de puesta en escena, realizadas en estrecha coordinación con sus actores, equipo y otros colaboradores. Con frecuencia pedía varias docenas de repeticiones de la misma toma de una película, lo que a menudo confundía y frustraba a sus actores. A pesar de la notoriedad que esto provocó, muchas de las películas de Kubrick abrieron nuevos caminos cinematográficos y ahora se consideran hitos. El realismo científico y los efectos especiales innovadores de su épica de ciencia ficción 2001: Una odisea en el espacio (1968) fue una novedad en la historia del cine, y la película le valió su único Premio de la Academia (a los mejores efectos visuales ). El cineasta Steven Spielberg se ha referido a 2001 como el "big bang" de su generación y la considera una de las mejores películas jamás realizadas .
Si bien muchas de las películas de Kubrick fueron controvertidas e inicialmente recibieron críticas mixtas tras su estreno, en particular la brutal La naranja mecánica (1971), que Kubrick retiró de circulación en el Reino Unido tras un frenesí mediático , la mayoría fueron nominadas a los premios de la Academia, los Globos de Oro o los BAFTA. Premios y se sometió a reevaluaciones críticas. Para la película de época del siglo XVIII Barry Lyndon (1975), Kubrick obtuvo lentes desarrollados por Carl Zeiss para la NASA para filmar escenas a la luz de las velas. Con la película de terror El resplandor (1980), se convirtió en uno de los primeros directores en utilizar una Steadicam para tomas de seguimiento fluidas y estabilizadas, una tecnología vital para su película sobre la guerra de Vietnam , Full Metal Jacket (1987). Unos días después de presentar una proyección para su familia y las estrellas de su última película, el drama erótico Eyes Wide Shut (1999), murió de un infarto a la edad de 70 años.
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Kubrick nació en una familia judía en el Lying-In Hospital del distrito de Manhattan de la ciudad de Nueva York el 26 de julio de 1928. [1] [2] Fue el primero de dos hijos de Jacob Leonard Kubrick (21 de mayo de 1902 - 19 de octubre). , 1985), conocido como Jack o Jacques, y su esposa Sadie Gertrude Kubrick (de soltera Perveler; 28 de octubre de 1903 – 23 de abril de 1985), conocida como Gert. Su hermana Barbara Mary Kubrick nació en mayo de 1934. [3] Jack, cuyos padres y abuelos paternos eran de origen judío polaco y judío rumano , [1] era médico homeópata y [4] se graduó en la Facultad de Medicina Homeopática de Nueva York. College en 1927, el mismo año en que se casó con la madre de Kubrick, que era hija de inmigrantes judíos austríacos . [5] El 27 de diciembre de 1899, el bisabuelo de Kubrick, Hersh Kubrick, llegó a la isla Ellis vía Liverpool en barco a la edad de 47 años, dejando atrás a su esposa y dos hijos mayores (uno de los cuales era Elías, el abuelo de Stanley) para comenzar una nueva vida con una mujer más joven. [6] Elias siguió en 1902. [7] Cuando Stanley nació, los Kubrick vivían en el Bronx . [8] Sus padres se casaron en una ceremonia judía , pero Kubrick no fue criado religioso y más tarde profesó una visión atea del universo. [9] Su padre era médico y, según los estándares del oeste del Bronx , la familia era bastante rica. [10]
Poco después del nacimiento de su hermana, Kubrick comenzó a estudiar en la Escuela Pública 3 en el Bronx y se trasladó a la Escuela Pública 90 en junio de 1938. Se descubrió que su coeficiente intelectual estaba por encima del promedio, pero su asistencia era deficiente. [2] Mostró interés por la literatura desde muy joven y comenzó a leer mitos griegos y romanos y las fábulas de los hermanos Grimm , lo que "le inculcó una afinidad con Europa para toda la vida". [11] Pasó la mayoría de los sábados durante el verano viendo a los Yankees de Nueva York y luego fotografió a dos niños viendo el juego en una tarea para la revista Look para emular su propia emoción infantil con el béisbol. [10] Cuando Kubrick tenía 12 años, su padre Jack le enseñó ajedrez . El juego siguió siendo un interés de toda la vida de Kubrick, [12] apareciendo en muchas de sus películas. [13] Kubrick, quien más tarde se convirtió en miembro de la Federación de Ajedrez de Estados Unidos , explicó que el ajedrez le ayudó a desarrollar "paciencia y disciplina" en la toma de decisiones. [14] Cuando Kubrick tenía 13 años, su padre le compró una cámara Graflex , lo que desencadenó una fascinación por la fotografía fija . Se hizo amigo de un vecino, Marvin Traub , con quien compartía su pasión por la fotografía. [15] Traub tenía su propio cuarto oscuro donde él y el joven Kubrick pasaban muchas horas examinando fotografías y observando cómo los productos químicos "creaban imágenes mágicamente en papel fotográfico". [3] Los dos se entregaron a numerosos proyectos fotográficos para los cuales deambularon por las calles en busca de temas interesantes para capturar y pasaron tiempo en los cines locales estudiando películas. El fotógrafo independiente Weegee (Arthur Fellig) tuvo una influencia considerable en el desarrollo de Kubrick como fotógrafo; Más tarde, Kubrick contrató a Fellig como fotógrafo especial de Dr. Strangelove (1964). [16] Cuando era adolescente, Kubrick también estaba interesado en el jazz e intentó brevemente una carrera como baterista. [17]
Kubrick asistió a la escuela secundaria William Howard Taft de 1941 a 1945. [18] Se unió al club de fotografía de la escuela, lo que le permitió fotografiar los eventos de la escuela en su revista. [3] Era un estudiante mediocre, con un promedio de calificaciones de 67/D+ . [19] Introvertido y tímido, Kubrick tenía un historial de asistencia bajo y a menudo faltaba a la escuela para ver películas dobles. [20] Se graduó en 1945, pero sus malas notas, combinadas con la demanda de admisiones universitarias por parte de los soldados que regresaban de la Segunda Guerra Mundial , eliminaron cualquier esperanza de educación superior. Más adelante en su vida, Kubrick habló con desdén de su educación y de la escolarización estadounidense en su conjunto, sosteniendo que las escuelas eran ineficaces para estimular el pensamiento crítico y el interés de los estudiantes. Su padre estaba decepcionado porque su hijo no logró alcanzar la excelencia en la escuela de la que sabía que Stanley era plenamente capaz. Jack también animó a Stanley a leer de la biblioteca familiar en casa, al tiempo que le permitió dedicarse a la fotografía como un pasatiempo serio. [21]
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Mientras estaba en la escuela secundaria, Kubrick fue elegido fotógrafo oficial de la escuela. A mediados de la década de 1940, dado que no pudo obtener la admisión a las clases diurnas en las universidades, asistió brevemente a clases nocturnas en el City College de Nueva York . [22] Finalmente, vendió una serie fotográfica a la revista Look , [23] [a] que se imprimió el 26 de junio de 1945. Kubrick complementó sus ingresos jugando ajedrez "por cuartos" en Washington Square Park y en varios clubes de ajedrez de Manhattan. [25]
En 1946, se convirtió en fotógrafo aprendiz de Look y más tarde en fotógrafo de plantilla a tiempo completo. G. Warren Schloat, Jr., otro fotógrafo nuevo de la revista en ese momento, recordó que pensaba que Kubrick carecía de la personalidad para triunfar como director en Hollywood y comentó: "Stanley era un tipo tranquilo. No hablaba mucho". ... Era delgado, flaco y algo pobre, como todos nosotros". [26] Kubrick rápidamente se hizo conocido por su forma de contar historias en fotografías. El primero, publicado el 16 de abril de 1946, se titulaba "Una breve historia desde el balcón de una película" y representaba una pelea entre un hombre y una mujer, durante la cual el hombre es abofeteado, tomado genuinamente por sorpresa. [23] En otra tarea, Kubrick tomó 18 fotografías de varias personas esperando en un consultorio dental. Se ha dicho retrospectivamente que este proyecto demostró un interés temprano de Kubrick por capturar a los individuos y sus sentimientos en entornos mundanos. [27] En 1948, lo enviaron a Portugal para documentar un artículo de viaje, y ese mismo año cubrió el circo Ringling Bros. and Barnum & Bailey en Sarasota, Florida . [28] [b]
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Kubrick, un entusiasta del boxeo, finalmente comenzó a fotografiar combates de boxeo para la revista. Su primer libro, "Prizefighter", se publicó el 18 de enero de 1949 y capturó un combate de boxeo y los acontecimientos que lo precedieron, con la participación del peso mediano estadounidense Walter Cartier . [30] El 2 de abril de 1949, publicó el ensayo fotográfico "Chicago-City of Extremes" en Look , que mostraba su talento desde el principio para crear atmósferas con imágenes. Al año siguiente, en julio de 1950, la revista publicó su ensayo fotográfico, "Working Debutante – Betsy von Furstenberg ", que presentaba de fondo un retrato de Pablo Picasso de Ángel F. de Soto. [31] A Kubrick también se le asignó la tarea de fotografiar a numerosos músicos de jazz, desde Frank Sinatra y Erroll Garner hasta George Lewis , Eddie Condon , Phil Napoleon , Papa Celestin , Alphonse Picou , Muggsy Spanier , Sharkey Bonano y otros. [32]
Kubrick se casó con su novia de la secundaria, Toba Metz, el 28 de mayo de 1948. Vivían juntos en un pequeño apartamento en 36 West 16th Street, junto a la Sexta Avenida , justo al norte de Greenwich Village . [33] Durante este tiempo, Kubrick comenzó a frecuentar proyecciones de películas en el Museo de Arte Moderno y en los cines de la ciudad de Nueva York. Se inspiró en el complejo y fluido trabajo de cámara del director francés Max Ophüls , cuyas películas influyeron en el estilo visual de Kubrick, y en el director Elia Kazan , a quien describió como el "mejor director" de Estados Unidos en ese momento, con su capacidad de "realizar milagros" con sus actores. [34] Sus amigos comenzaron a notar que Kubrick se había obsesionado con el arte de hacer cine; un amigo, David Vaughan , observó que Kubrick examinaba la película en el cine cuando se quedaba en silencio y volvía a leer su periódico cuando la gente empezaba a hablar. . [23] Pasó muchas horas leyendo libros sobre teoría cinematográfica y escribiendo notas. Se inspiró especialmente en Sergei Eisenstein y Arthur Rothstein , director técnico fotográfico de la revista Look . [35] [c]
Kubrick compartía el amor por el cine con su amigo de la escuela Alexander Singer , quien después de graduarse de la escuela secundaria tenía la intención de dirigir una versión cinematográfica de La Ilíada de Homero . A través de Singer, que trabajaba en las oficinas de la productora de noticieros The March of Time , Kubrick se enteró de que hacer un cortometraje adecuado podía costar 40.000 dólares, dinero que no podía permitirse. Tenía $1500 en ahorros y produjo algunos documentales cortos gracias al apoyo de Singer. Comenzó a aprender todo lo que pudo sobre cómo hacer cine por su cuenta, llamando a proveedores de películas, laboratorios y casas de alquiler de equipos. [36]
Kubrick decidió realizar un cortometraje documental sobre el boxeador Walter Cartier , a quien había fotografiado y sobre quien había escrito para la revista Look un año antes. Alquiló una cámara y produjo un documental en blanco y negro de 16 minutos, Día de la Lucha . Kubrick encontró el dinero de forma independiente para financiarlo. Había considerado pedirle que lo narrara Montgomery Clift , a quien había conocido durante una sesión fotográfica para Look , pero se decidió por el veterano de noticias de la CBS, Douglas Edwards . [37] Según Paul Duncan, la película fue "notablemente lograda para una primera película", y utilizó un plano de seguimiento hacia atrás para filmar una escena en la que Cartier y su hermano caminan hacia la cámara, un dispositivo que más tarde se convirtió en una de las características de la cámara de Kubrick. movimientos. [38] Vincent Cartier, hermano y manager de Walter, reflexionó más tarde sobre sus observaciones de Kubrick durante el rodaje. Dijo: "Stanley era una persona muy estoica, impasible pero imaginativa, con pensamientos fuertes e imaginativos. Inspiraba respeto de una manera tranquila y tímida. Lo que quería, lo cumplías, simplemente te cautivaba. Cualquiera que trabajara con Stanley lo hacía. lo que Stanley quería". [36] [d] Después de que el amigo de Singer, Gerald Fried , añadiera una partitura , Kubrick había gastado 3900 dólares en hacerla y la vendió a RKO-Pathé por 4000 dólares, que era lo máximo que la compañía había pagado jamás por un cortometraje en el tiempo. [38] Kubrick describió su primer esfuerzo en la realización cinematográfica como valioso ya que creía haberse visto obligado a hacer la mayor parte del trabajo, [39] y más tarde declaró que "la mejor educación cinematográfica es hacer una". [3]
Inspirado por este éxito inicial, Kubrick dejó su trabajo en Look y visitó a cineastas profesionales en la ciudad de Nueva York y les hizo muchas preguntas detalladas sobre los aspectos técnicos de la realización cinematográfica. Dijo que durante este período se le dio la confianza para convertirse en cineasta debido a la cantidad de películas malas que había visto, y comentó: "No sé nada sobre películas, pero sé que puedo hacer una película mejor que eso". [40] Comenzó a hacer Flying Padre (1951), una película que documenta al reverendo Fred Stadtmueller, quien viaja unas 4.000 millas para visitar sus 11 iglesias. La película originalmente iba a llamarse "Sky Pilot", un juego de palabras con el término del argot para referirse a un sacerdote. [41] Durante el transcurso de la película, el sacerdote realiza un funeral, se enfrenta a un niño que intimida a una niña y toma un vuelo de emergencia para ayudar a una madre enferma y a su bebé a subir a una ambulancia. Varias de las vistas desde y del avión en Flying Padre se repiten más tarde en 2001: A Space Odyssey (1968) con las imágenes de la nave espacial y una serie de primeros planos de los rostros de las personas que asistieron al funeral probablemente se inspiraron por El acorazado Potemkin (1925) de Sergei Eisenstein e Iván el Terrible (1944/1958). [38]
A Flying Padre le siguió The Seafarers (1953), la primera película en color de Kubrick, que se rodó para la Unión Internacional de Gente de Mar en junio de 1953. Describía la logística de una unión democrática y se centraba más en las comodidades de la navegación que en el acto. Para la escena de la cafetería de la película, Kubrick eligió una toma con plataforma rodante para establecer la vida de la comunidad de marinos; Este tipo de disparo se convertiría más tarde en una técnica característica. La secuencia de Paul Hall , secretario-tesorero de SIU Atlantic y del distrito del golfo, hablando con miembros del sindicato se hace eco de escenas de la huelga de Eisenstein (1925) y de Octubre (1928). [42] Day of the Fight , Flying Padre y The Seafarers constituyen las únicas obras documentales de Kubrick que se conservan; algunos historiadores creen que él creó a otros. [43]
Después de recaudar $ 1000 para mostrar sus cortometrajes a amigos y familiares, Kubrick encontró las finanzas para comenzar a hacer su primer largometraje, Fear and Desire (1953), originalmente titulado The Trap , escrito por su amigo Howard Sackler . El tío de Kubrick, Martin Perveler, propietario de una farmacia de Los Ángeles, invirtió otros 9.000 dólares con la condición de que se le acreditara como productor ejecutivo de la película. [44] Kubrick reunió a varios actores y un pequeño equipo de 14 personas (cinco actores, cinco tripulantes y cuatro más para ayudar a transportar el equipo) y voló a las montañas de San Gabriel en California para un rodaje de cinco semanas de bajo presupuesto. [44] Posteriormente rebautizado como The Shape of Fear antes de finalmente llamarse Fear and Desire , es una alegoría ficticia sobre un equipo de soldados que sobreviven a un accidente aéreo y quedan atrapados detrás de las líneas enemigas en una guerra. Durante el transcurso de la película, uno de los soldados se enamora de una atractiva chica en el bosque y la ata a un árbol. Esta escena destaca por sus primeros planos del rostro de la actriz. Kubrick tenía la intención de que Fear and Desire fuera una película muda para asegurar bajos costos de producción; Los sonidos, efectos y música añadidos finalmente elevaron los costos de producción a alrededor de $53,000, superando el presupuesto. [45] El productor Richard de Rochemont lo rescató con la condición de que ayudara en la producción de De Rochemont de una serie de televisión de cinco capítulos sobre Abraham Lincoln en Hodgenville, Kentucky . [46]
Fear and Desire fue un fracaso comercial, pero obtuvo varias críticas positivas tras su lanzamiento. Críticos como el crítico del New York Times creían que la profesionalidad de Kubrick como fotógrafo se traslucía en la imagen y que "captó artísticamente vislumbres de las actitudes grotescas de la muerte, el carácter lobuno de los hombres hambrientos, así como su bestialidad y en una escena, el efecto devastador de la lujuria sobre un soldado lastimosamente juvenil y la muchacha inmovilizada que protege". El académico de la Universidad de Columbia, Mark Van Doren , quedó muy impresionado por las escenas con la niña atada al árbol y comentó que perduraría como una secuencia "hermosa, aterradora y extraña" que ilustraba el inmenso talento de Kubrick y garantizaba su éxito futuro. [47] El propio Kubrick expresó más tarde su vergüenza con Fear and Desire , e intentó a lo largo de los años mantener copias de la película fuera de circulación. [48] [e] Durante la producción de la película, Kubrick casi mata a su elenco con gases venenosos por error. [49]
Después de Fear and Desire , Kubrick comenzó a trabajar en ideas para una nueva película de boxeo. Debido al fracaso comercial de su primer largometraje, Kubrick evitó pedir más inversiones, pero comenzó un guión de cine negro con Howard O. Sackler. Originalmente bajo el título Kiss Me, Kill Me , y luego The Nymph and the Maniac , Killer's Kiss (1955) es una película negra de 67 minutos sobre la relación de un joven boxeador de peso pesado con una mujer que sufre abusos por parte de su jefe criminal. Al igual que Fear and Desire , fue financiado de forma privada por la familia y amigos de Kubrick, con unos 40.000 dólares aportados por el farmacéutico del Bronx Morris Bousse. [42] Kubrick comenzó a filmar imágenes en Times Square y exploró con frecuencia durante el proceso de filmación, experimentando con la cinematografía y considerando el uso de ángulos e imágenes no convencionales. Inicialmente optó por grabar el sonido en el lugar, pero encontró dificultades con las sombras de los micrófonos, lo que restringía el movimiento de la cámara. Su decisión de abandonar el sonido en favor de las imágenes fue costosa; Después de 12 a 14 semanas de rodaje, gastó unos siete meses y 35.000 dólares trabajando en el sonido. [50] Chantaje (1929), de Alfred Hitchcock , influyó directamente en la película con el cuadro riéndose de un personaje, y Martin Scorsese , a su vez, citó los ángulos de disparo innovadores y las tomas atmosféricas de Kubrick en El beso del asesino como una influencia en Toro salvaje (1980). ). [51] La actriz Irene Kane , estrella de Killer's Kiss , observó: "Stanley es un personaje fascinante. Piensa que las películas deben moverse, con un mínimo de diálogo, y está totalmente a favor del sexo y el sadismo". [52] Killer's Kiss tuvo un éxito comercial limitado y ganó muy poco dinero en comparación con su presupuesto de producción de 75.000 dólares. [51] Los críticos han elogiado el trabajo de cámara de la película, pero su actuación y su historia generalmente se consideran mediocres. [53] [f]
Mientras jugaba ajedrez en Washington Square, Kubrick conoció al productor James B. Harris , quien consideraba a Kubrick "la persona más inteligente y creativa con la que he estado en contacto". Los dos formaron Harris-Kubrick Pictures Corporation en 1955. [56] Harris compró los derechos de la novela Clean Break de Lionel White por 10.000 dólares [g] y Kubrick escribió el guión, [58] pero por sugerencia de Kubrick, contrataron cine negro. al novelista Jim Thompson para que escribiera el diálogo de la película, que se convirtió en The Killing (1956), sobre un robo en una pista de carreras meticulosamente planeado que salió mal. La película fue protagonizada por Sterling Hayden , quien había impresionado a Kubrick con su actuación en La jungla de asfalto (1950). [59]
Kubrick y Harris se mudaron a Los Ángeles y firmaron con la Agencia Jaffe para filmar la película, que se convirtió en el primer largometraje de Kubrick filmado con un elenco y un equipo profesionales. La Unión de Hollywood declaró que a Kubrick no se le permitiría ser al mismo tiempo director y director de fotografía, lo que resultó en la contratación del veterano director de fotografía Lucien Ballard . Kubrick acordó renunciar a sus honorarios por la producción, que se rodó en 24 días con un presupuesto de 330.000 dólares. [60] Se enfrentó con Ballard durante el tiroteo, y en una ocasión Kubrick amenazó con despedir a Ballard luego de una disputa con la cámara, a pesar de tener solo 27 años y 20 años menor que Ballard. [59] Hayden recordó que Kubrick era "frío y distante. Muy mecánico, siempre confiado. He trabajado con pocos directores que sean tan buenos". [61]
The Killing no logró asegurar una difusión adecuada en todo Estados Unidos; la película ganó poco dinero y sólo se promocionó en el último minuto, como segundo largometraje de la película occidental Bandido. (1956). Varios críticos contemporáneos elogiaron la película, y un crítico de Time comparó su trabajo de cámara con el de Orson Welles . [62] Hoy en día, los críticos generalmente consideran que The Killing se encuentra entre las mejores películas de los inicios de la carrera de Kubrick; su narrativa no lineal y su ejecución clínica también tuvieron una gran influencia en directores posteriores de películas policiales , incluido Quentin Tarantino . Dore Schary de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) también quedó muy impresionada y ofreció a Kubrick y Harris 75.000 dólares para escribir, dirigir y producir una película, que finalmente se convirtió en Paths of Glory (1957). [63] [h]
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Paths of Glory , ambientada durante la Primera Guerra Mundial , está basada en la novela pacifista de 1935 de Humphrey Cobb . Schary estaba familiarizado con la novela, pero afirmó que MGM no financiaría otra película de guerra, dado su respaldo a la película pacifista The Red Badge of Courage (1951). [i] Después de que Schary fuera despedido por MGM en una gran reorganización, Kubrick y Harris lograron interesar a Kirk Douglas en el papel del Coronel Dax. [65] [j] Douglas, a su vez, firmó con Harris-Kubrick Pictures un acuerdo de coproducción de tres películas con su productora cinematográfica, Bryna Productions , que aseguró un acuerdo de financiación y distribución para Paths of Glory y dos películas posteriores con Artistas Unidos . [66] [67] [68] La película, rodada en Munich , en marzo de 1957, [69] sigue a una unidad del ejército francés encargada de una misión imposible, y sigue con un juicio de guerra de tres soldados, elegidos arbitrariamente, por mala conducta. A Dax se le asigna la tarea de defender a los hombres en la corte marcial. Para la escena de la batalla, Kubrick alineó meticulosamente seis cámaras una tras otra a lo largo del límite de la tierra de nadie, cada una de las cuales capturaba un campo específico y estaba numerada, y dio a cada uno de los cientos de extras un número para la zona en la que se encontraban. moriría. [70] Kubrick operó una cámara Arriflex para la batalla, acercándose a Douglas. Paths of Glory se convirtió en el primer éxito comercial significativo de Kubrick y lo consagró como un joven cineasta prometedor. Los críticos elogiaron las escenas de combate poco sentimentales, sobrias y sin adornos de la película y su cruda cinematografía en blanco y negro. [71] A pesar de los elogios, la fecha de lanzamiento navideña fue criticada, [72] y el tema fue controvertido en Europa. La película fue prohibida en Francia hasta 1974 por su descripción "poco halagadora" del ejército francés, y fue censurada por el ejército suizo hasta 1970. [71]
En octubre de 1957, después de que Paths of Glory tuviera su estreno mundial en Alemania, Bryna Productions optó por la autobiografía de Herbert Emerson Wilsons, ministro de la iglesia canadiense convertido en maestro ladrón de cajas fuertes, I Stole $16,000,000 , especialmente para Stanley Kubrick y James B. Harris. [73] [74] La película iba a ser la segunda en el acuerdo de coproducción entre Bryna Productions y Harris-Kubrick Pictures, que Kubrick escribiría y dirigiría, Harris coproduciría y Douglas coproduciría y protagonizaría. [73] En noviembre de 1957, Gavin Lambert fue contratado como editor de la historia de I Stole $16,000,000 , y con Kubrick, terminó un guión titulado God Fearing Man , pero la película nunca fue filmada. [75]
Marlon Brando se puso en contacto con Kubrick y le pidió que dirigiera una adaptación cinematográfica de la novela occidental de Charles Neider, La auténtica muerte de Hendry Jones , con Pat Garrett y Billy the Kid . [71] [k] Brando quedó impresionado y dijo: "Stanley es inusualmente perceptivo y delicadamente sintonizado con la gente. Tiene un intelecto hábil y es un pensador creativo, no un repetidor, no un recopilador de hechos. Digiere lo que aprende. y aporta a un nuevo proyecto un punto de vista original y una pasión reservada". [77] Los dos trabajaron en un guión durante seis meses, iniciado por un entonces desconocido Sam Peckinpah . Surgieron muchas disputas sobre el proyecto y, al final, Kubrick se distanció de lo que se convertiría en El tuerto (1961). [l]
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En febrero de 1959, Kubrick recibió una llamada telefónica de Kirk Douglas pidiéndole que dirigiera Spartacus (1960), basada en la histórica Spartacus y la Tercera Guerra Servil . Douglas había adquirido los derechos de la novela de Howard Fast y el guionista Dalton Trumbo, incluido en la lista negra , comenzó a escribir el guión. [82] Fue producida por Douglas, quien también interpretó a Espartaco, y eligió a Laurence Olivier como su enemigo, el general y político romano Marco Licinio Craso . Douglas contrató a Kubrick por una tarifa de 150.000 dólares para que se hiciera cargo de la dirección poco después de despedir al director Anthony Mann . [83] Kubrick, a los 31 años, ya había dirigido cuatro largometrajes, y este se convirtió en el más grande con diferencia, con un elenco de más de 10.000 personas y un presupuesto de 6 millones de dólares. [m] En ese momento, esta era la película más cara jamás realizada en Estados Unidos, y Kubrick se convirtió en el director más joven en la historia de Hollywood en hacer una épica. [85] Fue la primera vez que Kubrick filmó utilizando el proceso anamórfico Super Technirama horizontal de 35 mm para lograr una definición ultra alta, lo que le permitió capturar grandes escenas panorámicas, incluida una con 8.000 soldados entrenados de España que representan al ejército romano. [norte]
Las disputas surgieron durante el rodaje de Spartacus . Kubrick se quejó de no tener control creativo total sobre los aspectos artísticos, insistiendo en improvisar mucho durante la producción. [87] [o] Kubrick y Douglas también estaban en desacuerdo sobre el guión, y Kubrick enfureció a Douglas cuando cortó todas menos dos de sus líneas de los primeros 30 minutos. [91] A pesar de los problemas en el set, Spartacus recaudó 14,6 millones de dólares en taquilla en su primera ejecución. [87] La película estableció a Kubrick como un director importante, recibiendo seis nominaciones al Premio de la Academia y ganando cuatro; finalmente lo convenció de que si se podía hacer tanto con una producción tan problemática, podría lograr cualquier cosa. [92] Spartacus también marcó el final de la relación laboral entre Kubrick y Douglas. [pag]
Kubrick y Harris decidieron filmar la siguiente película de Kubrick, Lolita (1962), en Inglaterra, debido a cláusulas impuestas en el contrato por los productores Warner Bros. que les daban control total sobre la película, y al hecho de que el plan Eady permitía a los productores cancelar la película. costos si el 80% de la tripulación fuera británica. En cambio, firmaron un contrato de 1 millón de dólares con Associated Artists Productions de Eliot Hyman y una cláusula que les daba la libertad artística que deseaban. [95] Lolita , el primer intento de Kubrick de comedia negra , fue una adaptación de la novela homónima de Vladimir Nabokov , la historia de un profesor universitario de mediana edad que se enamora de una niña de 12 años. Estilísticamente, Lolita , protagonizada por Peter Sellers , James Mason , Shelley Winters y Sue Lyon , fue una película de transición para Kubrick, "que marcó el punto de inflexión desde un cine naturalista... al surrealismo de las películas posteriores", según el crítico de cine. Gene Youngblood . [96] Kubrick quedó impresionado por la variedad del actor Peter Sellers y le dio una de sus primeras oportunidades para improvisar salvajemente durante el rodaje, mientras lo filmaba con tres cámaras. [97] [q]
Kubrick filmó a Lolita durante 88 días con un presupuesto de 2 millones de dólares en los estudios Elstree , entre octubre de 1960 y marzo de 1961. [100] Kubrick a menudo chocaba con Shelley Winters, a quien encontraba "muy difícil" y exigente, y casi la despide en un momento. [101] Debido a su provocativa historia, Lolita fue la primera película de Kubrick que generó controversia; En última instancia, se vio obligado a obedecer a los censores y eliminar gran parte del elemento erótico de la relación entre Humbert de Mason y Lolita de Lyon que había sido evidente en la novela de Nabokov. [102] La película no fue un gran éxito comercial ni de crítica, ganando 3,7 millones de dólares en taquilla en su estreno. [103] [r] Desde entonces, Lolita ha sido aclamada por la crítica. [104]
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El siguiente proyecto de Kubrick fue Dr. Strangelove o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964), otra comedia negra satírica. Kubrick se preocupó por la cuestión de la guerra nuclear a medida que se desarrollaba la Guerra Fría en la década de 1950, e incluso consideró mudarse a Australia porque temía que la ciudad de Nueva York pudiera ser un objetivo probable para los rusos. Estudió más de 40 libros de investigación militar y política sobre el tema y finalmente llegó a la conclusión de que "nadie sabía realmente nada y toda la situación era absurda". [105]
Tras comprar los derechos de la novela Red Alert , Kubrick colaboró con su autor, Peter George , en el guión. Originalmente fue escrito como un thriller político serio, pero Kubrick decidió que un "tratamiento serio" del tema no sería creíble y pensó que algunos de sus puntos más destacados serían material para la comedia. [106] El productor y amigo de toda la vida de Kubrick, James B. Harris , pensó que la película debería ser seria, y los dos se separaron, amistosamente, debido a este desacuerdo: Harris pasó a producir y dirigir el serio thriller de la guerra fría The Bedford Incident . [107] [108] [109] Kubrick y el autor de Red Alert , George, luego reelaboraron el guión como una sátira (titulada provisionalmente "El delicado equilibrio del terror") en la que la trama de Red Alert se situaba como una película dentro de un película realizada por una inteligencia extraterrestre, pero esta idea también fue abandonada y Kubrick decidió hacer la película como "una escandalosa comedia negra". [110]
Justo antes de que comenzara el rodaje, Kubrick contrató al destacado periodista y autor satírico Terry Southern para transformar el guión en su forma final, una comedia negra, cargada de insinuaciones sexuales, [111] convirtiéndose en una película que mostraba los talentos de Kubrick como un "tipo único de absurdo". según el estudioso del cine Abrams. [112] Southern hizo importantes contribuciones al guión final y fue coacreditado (por encima de Peter George) en los títulos iniciales de la película; Su papel percibido en la escritura condujo más tarde a una ruptura pública entre Kubrick y Peter George, quien posteriormente se quejó en una carta a la revista Life de que se estaba dando indebida la intensa pero relativamente breve participación de Southern (del 16 de noviembre al 28 de diciembre de 1962) en el proyecto. prominencia en los medios, mientras que su propio papel como autor de la novela original de la película y su período de diez meses como coguionista del guión fueron minimizados, una percepción que Kubrick evidentemente hizo poco por abordar. [113]
Kubrick descubrió que Dr. Strangelove , una producción de 2 millones de dólares que empleó lo que se convirtió en el "primer equipo de efectos visuales importante del mundo", [114] sería imposible de realizar en los EE. UU. por varias razones técnicas y políticas, lo que lo obligó a trasladar la producción. a Inglaterra. Se rodó en 15 semanas y finalizó en abril de 1963, tras lo cual Kubrick pasó ocho meses editándolo. [115] Peter Sellers aceptó nuevamente trabajar con Kubrick y terminó interpretando tres papeles diferentes en la película. [s]
Tras su estreno, la película generó mucha controversia y opiniones encontradas. Al crítico de cine del New York Times, Bosley Crowther, le preocupaba que fuera un "descrédito e incluso desprecio por todo nuestro sistema de defensa... la broma de mal gusto más demoledora que jamás haya conocido", [117] mientras que Robert Brustein de Out of This World en un artículo de febrero de 1970 lo llamó " sátira juvenil ". [115] Kubrick respondió a las críticas, afirmando: "Un satírico es alguien que tiene una visión muy escéptica de la naturaleza humana, pero que todavía tiene el optimismo para hacer algún tipo de broma con ello. Por muy brutal que pueda ser esa broma". . [118] Hoy en día, la película se considera una de las películas de comedia más ingeniosas jamás realizadas y tiene una calificación casi perfecta del 98% en Rotten Tomatoes según 91 reseñas hasta noviembre de 2020 [actualizar]. [119] Fue nombrada la 39ª mejor película estadounidense y la tercera mejor película de comedia estadounidense de todos los tiempos por el American Film Institute , [120] [121] y en 2010, fue nombrada la sexta mejor película de comedia de todos los tiempos. por El Guardián . [122]
Kubrick pasó cinco años desarrollando su siguiente película, 2001: Una odisea en el espacio (1968), habiendo quedado muy impresionado con la novela Childhood's End del escritor de ciencia ficción Arthur C. Clarke , sobre una raza alienígena superior que ayuda a la humanidad a eliminar su antiguo yo. Después de conocer a Clarke en la ciudad de Nueva York en abril de 1964, Kubrick sugirió trabajar en su cuento de 1948 The Sentinel , en el que un monolito encontrado en la Luna alerta a los extraterrestres de la humanidad. [123] Ese año, Clarke comenzó a escribir la novela 2001: Una odisea en el espacio y colaboró con Kubrick en un guión. El tema de la película, el nacimiento de una inteligencia a partir de otra, se desarrolla en dos historias paralelas que se cruzan en dos escalas temporales diferentes. Uno representa las transiciones evolutivas entre varias etapas del hombre, desde el simio hasta el "niño estrella", a medida que el hombre renace en una nueva existencia, cada paso guiado por una enigmática inteligencia alienígena vista sólo en sus artefactos: una serie de seres negros aparentemente indestructibles de eones de antigüedad. monolitos. En el espacio, el enemigo es una supercomputadora conocida como HAL que maneja la nave espacial, un personaje que el novelista Clancy Sigal describió como "mucho, mucho más humano, más divertido y posiblemente decente que cualquier otra cosa que pueda surgir de esta empresa con visión de futuro". . [124] [t]
Kubrick investigó intensamente para la película, prestando especial atención a la precisión y el detalle de cómo podría ser el futuro. La NASA le concedió permiso para observar con precisión la nave espacial utilizada en la misión Ranger 9 . [126] El rodaje comenzó el 29 de diciembre de 1965, con la excavación del monolito en la luna, [127] y las imágenes se filmaron en el desierto de Namib a principios de 1967, y las escenas de los simios se completaron ese mismo año. El equipo de efectos especiales continuó trabajando hasta fin de año para completar la película, lo que elevó el costo a 10,5 millones de dólares. [127] 2001: Odisea en el espacio fue concebida como un espectáculo de Cinerama y fotografiada en Super Panavision 70 , brindando al espectador una "deslumbrante mezcla de imaginación y ciencia" a través de efectos innovadores, lo que le valió a Kubrick su único Oscar personal, un Oscar de la Academia. Premio de Efectos Visuales . [127] [u] Kubrick dijo sobre el concepto de la película en una entrevista con Rolling Stone : "En el nivel psicológico más profundo, la trama de la película simboliza la búsqueda de Dios, y finalmente postula lo que es poco menos que una definición científica de Dios. "La película gira en torno a esta concepción metafísica, y el hardware realista y los sentimientos documentales sobre todo fueron necesarios para socavar la resistencia innata al concepto poético". [129]
Tras su lanzamiento en 1968, 2001: Una odisea en el espacio no fue un éxito inmediato entre los críticos, quienes criticaron su falta de diálogo, su ritmo lento y su trama aparentemente impenetrable. [130] La película parecía desafiar las convenciones de género, muy diferente a cualquier película de ciencia ficción anterior, [131] y claramente diferente de cualquiera de los trabajos anteriores de Kubrick. Kubrick estaba particularmente indignado por una crítica mordaz de Pauline Kael , quien la llamó "la película amateur más grande de todas", con Kubrick haciendo "realmente todas las tonterías que siempre quiso hacer". [132] A pesar de las críticas mixtas contemporáneas, 2001 ganó gradualmente popularidad y recaudó 31 millones de dólares en todo el mundo a finales de 1972. [127] [v] Hoy en día, se la considera una de las películas más grandes e influyentes jamás realizadas y es un elemento básico en las listas de los 10 mejores de todos los tiempos. [134] [135] Baxter describe la película como "una de las creaciones más admiradas y discutidas en la historia del cine", [136] y Steven Spielberg se ha referido a ella como "el big bang de su generación cinematográfica". [137] Para el biógrafo Vincent LoBrutto, "posicionó a Stanley Kubrick como un artista puro clasificado entre los maestros del cine". [138]
Después de completar 2001: Odisea en el espacio , Kubrick buscó un proyecto que pudiera filmar rápidamente con un presupuesto más modesto. A finales de 1969 se decidió por La naranja mecánica (1971), una exploración de la violencia y la rehabilitación experimental por parte de las autoridades encargadas de hacer cumplir la ley, basada en el personaje de Alex (interpretado por Malcolm McDowell ). Kubrick había recibido una copia de la novela homónima de Anthony Burgess de manos de Terry Southern mientras trabajaban en Dr. Strangelove , pero la había rechazado alegando que el nadsat , [w] un lenguaje callejero para jóvenes adolescentes, era demasiado difícil. para comprender. La decisión de hacer una película sobre la degeneración de la juventud reflejaba las preocupaciones contemporáneas de 1969; El movimiento Nuevo Hollywood estaba creando un gran número de películas que describían la sexualidad y la rebeldía de los jóvenes. [139] La naranja mecánica se rodó entre 1970 y 1971 con un presupuesto de 2 millones de libras esterlinas. [140] Kubrick abandonó el uso de CinemaScope en el rodaje, decidiendo que el formato de pantalla panorámica 1,66:1 era, en palabras de Baxter, un "compromiso aceptable entre espectáculo e intimidad", y favoreció su "encuadre rigurosamente simétrico", que "incrementó la belleza de sus composiciones". [141] La película presenta en gran medida "erotismo pop" de la época, incluido un conjunto gigante de plástico blanco de genitales masculinos, decoración que Kubrick había intentado darle un aspecto "ligeramente futurista". [142] El papel de McDowell en If ... (1968) de Lindsay Anderson fue crucial para su elección como Alex, [x] y Kubrick profesó que probablemente no habría hecho la película si McDowell no hubiera estado disponible. [144]
Debido a su descripción de la violencia adolescente, La naranja mecánica se convirtió en una de las películas más controvertidas de su época y en parte de un debate en curso sobre la violencia y su glorificación en el cine. Recibió una calificación X , o certificado, tanto en el Reino Unido como en los EE. UU., cuando se estrenó justo antes de la Navidad de 1971, aunque muchos críticos vieron gran parte de la violencia representada en la película como satírica y menos violenta que Perros de Paja , que se había estrenado. un mes antes. [145] Kubrick personalmente retiró la película del estreno en el Reino Unido después de recibir amenazas de muerte luego de una serie de crímenes de imitación basados en la película; por lo tanto, no estuvo disponible legalmente en el Reino Unido hasta después de la muerte de Kubrick, y no se volvió a estrenar hasta el año 2000. [146] [y] John Trevelyan , el censor de la película, consideró personalmente La naranja mecánica como "quizás la pieza más brillante". del arte cinematográfico que he visto jamás", y creía que presentaba un "argumento intelectual más que un espectáculo sádico" en su descripción de la violencia, pero reconoció que muchos no estarían de acuerdo. [148] A pesar del revuelo negativo de los medios sobre la película, La Naranja Mecánica recibió cuatro nominaciones al Premio de la Academia, por Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Montaje, y fue nombrada por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como la Mejor Película de 1971. [149] Después de que William Friedkin ganara el premio al Mejor Director por The French Connection ese año, dijo a la prensa: "Hablando personalmente, creo que Stanley Kubrick es el mejor cineasta estadounidense del año. De hecho, no sólo este año, sino el mejor, punto." [150]
Barry Lyndon (1975) es una adaptación de La suerte de Barry Lyndon , de William Makepeace Thackeray , una novela picaresca sobre las aventuras de un pícaro y escalador social irlandés del siglo XVIII. John Calley de Warner Bros. acordó en 1972 invertir 2,5 millones de dólares en la película, con la condición de que Kubrick se acercara a las principales estrellas de Hollywood para asegurar el éxito. [151] Al igual que películas anteriores, Kubrick y su departamento de arte llevaron a cabo una enorme cantidad de investigaciones sobre el siglo XVIII. Se tomaron extensas fotografías de lugares y obras de arte en particular, y se replicaron meticulosamente pinturas de las obras de los grandes maestros de la época en la película. [152] [z] La película se rodó en Irlanda, a partir del otoño de 1973, con un coste de 11 millones de dólares y un reparto y un equipo de 170 personas. [154] La decisión de rodar en Irlanda surgió del hecho de que todavía conservaba muchos edificios del siglo XVIII de los que Inglaterra carecía. [155] La producción fue problemática desde el principio, plagada de fuertes lluvias y conflictos políticos que involucraban a Irlanda del Norte en ese momento. [156] Después de que Kubrick recibiera amenazas de muerte del IRA en 1974 debido a las escenas de tiroteo con soldados ingleses, huyó de Irlanda con su familia en un ferry desde Dún Laoghaire bajo una identidad supuesta y reanudó el rodaje en Inglaterra. [157]
Baxter señala que Barry Lyndon fue la película que hizo a Kubrick famoso por prestar escrupulosa atención a los detalles, exigiendo a menudo veinte o treinta repeticiones de la misma escena para perfeccionar su arte. [158] A menudo considerada su película de aspecto más auténtico, [159] las técnicas cinematográficas y de iluminación que Kubrick y el director de fotografía John Alcott utilizaron en Barry Lyndon fueron muy innovadoras. Las escenas interiores se rodaron con una lente de cámara Zeiss de alta velocidad f/0,7 especialmente adaptada y desarrollada originalmente para la NASA para su uso en fotografía por satélite. Las lentes permitieron iluminar muchas escenas únicamente con la luz de las velas, creando imágenes bidimensionales de luz difusa que recuerdan a las pinturas del siglo XVIII. [160] El director de fotografía Allen Daviau afirma que el método le da a la audiencia una forma de ver los personajes y las escenas como los habrían visto las personas en ese momento. [161] Muchas de las escenas de lucha fueron filmadas con una cámara en mano para producir una "sensación de realismo e inmediatez documental". [162]
Barry Lyndon encontró un gran público en Francia, pero fue un fracaso de taquilla, recaudando sólo 9,5 millones de dólares en el mercado americano, ni siquiera cerca de los 30 millones de dólares que Warner Bros. necesitaba para generar beneficios. [163] El ritmo y la duración de Barry Lyndon en tres horas desanimaron a muchos críticos y audiencias estadounidenses, pero la película fue nominada a siete premios de la Academia y ganó cuatro, incluyendo Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Banda Sonora Musical. , más que cualquier otra película de Kubrick. Como ocurre con la mayoría de las películas de Kubrick, la reputación de Barry Lyndon ha crecido a lo largo de los años y ahora se considera una de las mejores, especialmente entre cineastas y críticos. Numerosas encuestas, como The Village Voice (1999), Sight & Sound (2002) y Time (2005), la han calificado como una de las mejores películas jamás realizadas. [164] [165] [166] A marzo de 2019 [actualizar], tiene una calificación del 94% en Rotten Tomatoes, según 64 reseñas. [167] Roger Ebert se refirió a ella como "una de las películas más bellas jamás realizadas... sin duda, en cada fotograma, una película de Kubrick: técnicamente asombrosa, emocionalmente distante, despiadada en sus dudas sobre la bondad humana". [168]
The Shining , estrenada en 1980, fue una adaptación de la novela del mismo nombre del exitoso escritor de terror Stephen King . La película está protagonizada por Jack Nicholson como un escritor que acepta un trabajo como conserje de invierno en un hotel aislado en las Montañas Rocosas. Pasa el invierno allí con su esposa, interpretada por Shelley Duvall , y su hijo pequeño, que muestra habilidades paranormales . Durante su estancia, se enfrentan tanto al descenso de Jack a la locura como a los aparentes horrores sobrenaturales que acechan en el hotel. Kubrick dio a sus actores libertad para ampliar el guión e incluso improvisar en ocasiones, y como resultado, Nicholson fue el responsable de '¡Aquí está Johnny!' línea y la escena en la que está sentado frente a la máquina de escribir y desata su ira sobre su esposa. [169] Kubrick a menudo exigía hasta 70 u 80 repeticiones de la misma escena. Duvall, a quien Kubrick aisló y discutió intencionalmente, se vio obligado a realizar la agotadora escena del bate de béisbol 127 veces. [170] La escena del bar con el camarero fantasmal se rodó 36 veces, mientras que la escena de la cocina entre los personajes de Danny ( Danny Lloyd ) y Halloran ( Scatman Crothers ) tuvo 148 tomas. [171] Las tomas aéreas del Overlook Hotel se tomaron en Timberline Lodge en Mount Hood en Oregon, mientras que los interiores del hotel se filmaron en Elstree Studios en Inglaterra entre mayo de 1978 y abril de 1979. [172] Se hicieron modelos de cartón de todos de los decorados de la película, y la iluminación de los mismos fue una tarea enorme, que requirió cuatro meses de cableado eléctrico. [173] Kubrick hizo un uso extensivo del recién inventado Steadicam , un soporte de cámara con peso equilibrado, que permitía un movimiento suave de la cámara portátil en escenas donde una pista de cámara convencional no era práctica. Según Garrett Brown , el inventor de Steadicam, fue la primera imagen en utilizar todo su potencial. [174] El resplandor no fue la única película de terror a la que se había vinculado a Kubrick; había rechazado la dirección de El exorcista (1973) y Exorcista II: el hereje (1977), a pesar de haberle dicho una vez, en 1966, a un amigo que hacía tiempo que deseaba "hacer la película más aterradora del mundo, con una serie de episodios que jugaría con los miedos de pesadilla del público". [175]
Cinco días después del estreno, el 23 de mayo de 1980, Kubrick ordenó la eliminación de una escena final, en la que el director del hotel Ullman ( Barry Nelson ) visita a Wendy (Shelley Duvall) en el hospital, creyéndolo innecesario tras presenciar la emoción del público en las salas de cine. clímax de la película. [176] The Shining abrió con fuertes recaudaciones de taquilla, ganando $ 1 millón en el primer fin de semana y ganando $ 30,9 millones en Estados Unidos a finales de año. [172] La respuesta crítica original fue mixta, y King detestaba la película y no le gustaba Kubrick. [177] The Shining ahora se considera un clásico de terror, [178] y el American Film Institute la ha clasificado como la 27ª película de suspenso más grande de todos los tiempos. [179]
Kubrick conoció al autor Michael Herr a través de un amigo en común David Cornwell (novelista John le Carré ) en 1980, y se interesó en su libro Dispatches , sobre la guerra de Vietnam . [180] Herr había escrito recientemente la narración de Martin Sheen para Apocalypse Now (1979). Kubrick también estaba intrigado por la novela sobre la guerra de Vietnam de Gustav Hasford, The Short-Timers . Con la visión en mente de rodar lo que se convertiría en La chaqueta metálica (1987), Kubrick comenzó a trabajar con Herr y Hasford por separado en un guión. Finalmente descubrió que la novela de Hasford era "brutalmente honesta" y decidió rodar una película que sigue de cerca la novela. [180] Toda la película se rodó con un coste de 17 millones de dólares en un radio de 30 millas de su casa entre agosto de 1985 y septiembre de 1986, más tarde de lo previsto, ya que Kubrick cerró la producción durante cinco meses tras un accidente casi mortal con un jeep que involucra a Lee Ermey. [181] Una planta de gas abandonada en Beckton, en el área de los Docklands de Londres , se hizo pasar por la ciudad en ruinas de Huế , [182] lo que hace que la película sea visualmente muy diferente de otras películas de la guerra de Vietnam. Se importaron alrededor de 200 palmeras a través de remolques de 40 pies por carretera desde el norte de África, a un costo de £ 1000 por árbol, y se encargaron miles de plantas de plástico desde Hong Kong para proporcionar follaje para la película. [183] Kubrick explicó que hizo que la película pareciera realista utilizando luz natural y logró un "efecto de noticiero" al hacer que las tomas de Steadicam fueran menos estables, [184] lo que los críticos y comentaristas pensaron que contribuía a la desolación y seriedad de la película. [185]
Según el crítico Michel Ciment , la película contenía algunas de las características características de Kubrick, como su selección de música irónica, representaciones de hombres deshumanizados y atención al detalle extremo para lograr realismo. En una escena posterior, los marines de los Estados Unidos patrullan las ruinas de una ciudad abandonada y destruida cantando el tema principal del Mickey Mouse Club como contrapunto sardónico. [186] La película se estrenó con fuerza en junio de 1987, recaudando más de 30 millones de dólares sólo en los primeros 50 días, [187] pero críticamente se vio eclipsada por el éxito de Platoon de Oliver Stone , estrenada un año antes. [188] El coprotagonista Matthew Modine afirmó que una de las críticas favoritas de Kubrick decía: "La primera mitad de FMJ es brillante. Luego la película degenera en una obra maestra". [189] Roger Ebert no quedó particularmente impresionado con ella, otorgándole un mediocre 2,5 sobre 4. Concluyó: " La chaqueta metálica de Stanley Kubrick se parece más a un libro de cuentos que a una novela", una "película extrañamente informe del hombre cuya obra suele imponer a su material una visión ferozmente consistente". [190]
La última película de Kubrick fue Eyes Wide Shut (1999), protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman como una pareja de Manhattan en una odisea sexual. Tom Cruise interpreta a un médico que presencia un extraño ritual orgiástico casi religioso enmascarado en una mansión de campo, un descubrimiento que luego amenaza su vida. La historia está basada en la novela freudiana Traumnovelle ( Dream Story en inglés) de Arthur Schnitzler de 1926 , que Kubrick trasladó desde la Viena de principios de siglo a la ciudad de Nueva York en la década de 1990. Kubrick dijo de la novela: "Un libro difícil de describir: qué buen libro no lo es. Explora la ambivalencia sexual de un matrimonio feliz y trata de equiparar la importancia de los sueños y lo que podría haber sido sexual con la realidad. Todo el libro de Schnitzler "El trabajo es psicológicamente brillante". [191] Kubrick tenía casi 70 años, pero trabajó incansablemente durante 15 meses para sacar la película en la fecha de estreno prevista para el 16 de julio de 1999. Comenzó un guión con Frederic Raphael , [162] y trabajó 18 horas al día, mientras mantenía total confidencialidad sobre la película. [192]
Eyes Wide Shut , como Lolita y La naranja mecánica antes, enfrentó censura antes de su lanzamiento. Kubrick envió una copia preliminar inacabada a las estrellas y productores unos meses antes del lanzamiento, pero su repentina muerte el 7 de marzo de 1999 se produjo unos días después de terminar de editar. Nunca vio la versión final lanzada al público, [193] pero sí vio la vista previa de la película con Warner Bros., Cruise y Kidman, y supuestamente le había dicho al ejecutivo de Warner, Julian Senior, que era su "mejor película de su historia". . [194] En ese momento, la opinión crítica sobre la película fue mixta y fue vista menos favorablemente que la mayoría de las películas de Kubrick. Roger Ebert le otorgó 3,5 de 4 estrellas, comparó la estructura con un thriller y escribió que es "como un sueño erótico sobre oportunidades perdidas y oportunidades evitadas", y pensó que el uso de la iluminación por parte de Kubrick en Navidad hizo que la película fuera "un poco estridente, como un espectáculo urbano". [195] A Stephen Hunter de The Washington Post no le gustó la película y escribió que "en realidad es más triste que mala. Se siente chirriante, antigua, irremediablemente fuera de contacto, encaprichada con los tabúes candentes de su juventud e incapaz de conectarse con eso". En lo retorcido se ha convertido la sexualidad contemporánea". [196]
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A lo largo de la década de 1980 y principios de la de 1990, Kubrick colaboró con Brian Aldiss para ampliar su cuento " Supertoys Last All Summer Long " a una película en tres actos. Era un cuento de hadas futurista sobre un robot que se parece a un niño y se comporta como él, y sus esfuerzos por convertirse en un "niño de verdad" de una manera similar a Pinocho. Kubrick se acercó a Spielberg en 1995 con el guión de AI con la posibilidad de que Steven Spielberg lo dirigiera y Kubrick lo produjera. [188] Según se informa, Kubrick mantuvo largas conversaciones telefónicas con Spielberg sobre la película y, según Spielberg, en un momento declaró que el tema estaba más cerca de la sensibilidad de Spielberg que de la suya. [197]
Tras la muerte de Kubrick en 1999, Spielberg tomó los borradores y las notas dejadas por Kubrick y sus escritores y compuso un nuevo guión basado en una historia anterior de 90 páginas escrita por Ian Watson bajo la supervisión y especificaciones de Kubrick. [198] En asociación con lo que quedaba de la unidad de producción de Kubrick, dirigió la película AI Artificial Intelligence (2001) [198] [199] que fue producida por el productor (y cuñado) de Kubrick, Jan Harlan . [200] Los decorados, el vestuario y la dirección de arte se basaron en las obras del artista conceptual Chris Baker, quien también había realizado gran parte de su trabajo bajo la supervisión de Kubrick. [201]
Spielberg pudo funcionar de forma autónoma en ausencia de Kubrick, pero dijo que se sentía "inhibido para honrarlo" y siguió el esquema visual de Kubrick con la mayor fidelidad posible. Spielberg, que una vez se refirió a Kubrick como "el mayor maestro al que he servido", ahora con la producción en marcha, admitió: "Me sentí como si estuviera siendo entrenado por un fantasma". [202] La película se estrenó en junio de 2001. Contiene un crédito de producción póstumo para Stanley Kubrick al principio y la breve dedicatoria "Para Stanley Kubrick" al final. La partitura de John Williams contiene muchas alusiones a piezas escuchadas en otras películas de Kubrick. [203]
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Después de 2001: Odisea en el espacio , Kubrick planeaba hacer una película sobre la vida de Napoleón . Fascinado por la vida del líder francés y su "autodestrucción", [204] Kubrick dedicó mucho tiempo a planificar el desarrollo de la película y llevó a cabo cerca de dos años de investigación sobre la vida de Napoleón, leyendo varios cientos de libros y obteniendo acceso a sus memorias personales y comentarios. Intentó ver todas las películas sobre Napoleón y ninguna le pareció atractiva, incluida la película de Abel Gance de 1927 , que generalmente se considera una obra maestra, pero para Kubrick, una película "realmente terrible". [205] LoBrutto afirma que Napoleón era un tema ideal para Kubrick, abrazando la "pasión por el control, el poder, la obsesión, la estrategia y el ejército" de Kubrick, mientras que la intensidad y profundidad psicológica de Napoleón, el genio logístico y la guerra, el sexo y la naturaleza malvada del hombre eran ingredientes que atraían profundamente a Kubrick. [206]
Kubrick redactó un guión en 1961 y preveía realizar una epopeya "grandiosa", con hasta 40.000 soldados de infantería y 10.000 de caballería. Tenía la intención de contratar a las fuerzas armadas de todo un país para hacer la película, ya que consideraba que las batallas napoleónicas eran "tan hermosas, como vastos ballets letales", con una "brillantez estética que no requiere una mente militar para apreciarla". Quería que se replicaran lo más auténticamente posible en la pantalla. [207] Kubrick envió equipos de investigación a buscar localizaciones por toda Europa y encargó al guionista y director Andrew Birkin , uno de sus jóvenes asistentes en 2001 , que viajara a la isla de Elba , Austerlitz y Waterloo , tomando miles de fotografías para su posterior lectura. Kubrick se acercó a numerosas estrellas para interpretar papeles protagónicos, incluida Audrey Hepburn para la emperatriz Josephine , un papel que no pudo aceptar debido a su semijubilación. [208] Los actores británicos David Hemmings e Ian Holm fueron considerados para el papel principal de Napoleón, antes de que Jack Nicholson fuera elegido. [209] La película estaba en preproducción y lista para comenzar a filmarse en 1969 cuando MGM canceló el proyecto. Se han citado numerosas razones para el abandono del proyecto, incluido su costo proyectado, un cambio de propiedad en MGM, [204] y la mala recepción que recibió la película soviética de 1970 sobre Napoleón, Waterloo . En 2011, Taschen publicó el libro Stanley Kubrick's Napoleon: The Greatest Movie Never Made , una recopilación de gran volumen de literatura y documentos fuente de Kubrick, como ideas para fotografías de escenas y copias de cartas que Kubrick escribió y recibió. En marzo de 2013, Steven Spielberg, que anteriormente colaboró con Kubrick en Inteligencia Artificial AI y es un apasionado admirador de su trabajo, anunció que desarrollaría Napoleón como una miniserie de televisión basada en el guión original de Kubrick. [210]
En la década de 1950, Kubrick y Harris desarrollaron una comedia protagonizada por Ernie Kovacs y una adaptación cinematográfica del libro I Stole $16,000,000 , pero no salió nada de ellas. [71] Tony Frewin, un asistente que trabajó con el director durante un largo período de tiempo, reveló en un artículo de Atlantic de 2013 : "[Kubrick] estaba infinitamente interesado en cualquier cosa que tuviera que ver con los nazis y quería desesperadamente hacer una película sobre el tema. ". Kubrick tenía la intención de hacer una película sobre Dietrich Schulz-Köhn , un oficial nazi que usaba el seudónimo de "Dr. Jazz" para escribir reseñas de escenas musicales alemanas durante la era nazi. Kubrick recibió una copia del libro de Mike Zwerin Swing Under the Nazis después de terminar la producción de Full Metal Jacket , cuya portada mostraba una fotografía de Schulz-Köhn. Nunca se completó el guión y nunca se inició la adaptación de Kubrick. [211] Los inacabados Aryan Papers , basado en la primera novela de Louis Begley, Wartime Lies , fue un factor en el abandono del proyecto. El trabajo en Aryan Papers deprimió enormemente a Kubrick, y finalmente decidió que La lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg cubría gran parte del mismo material. [188]
Según el biógrafo John Baxter , Kubrick había mostrado interés en dirigir una película pornográfica basada en una novela satírica escrita por Terry Southern, titulada Blue Movie , sobre un director que realiza la primera película porno de gran presupuesto de Hollywood. Baxter afirma que Kubrick concluyó que no tenía la paciencia ni el temperamento para involucrarse en la industria del porno, y Southern afirmó que Kubrick era "demasiado ultraconservador" hacia la sexualidad para seguir adelante, pero le gustó la idea. [212] Kubrick no pudo dirigir una película de El péndulo de Foucault de Umberto Eco porque Eco había dado instrucciones a su editor de nunca vender los derechos cinematográficos de ninguno de sus libros después de su insatisfacción con la versión cinematográfica de El nombre de la rosa . [213] Además, cuando los derechos cinematográficos de El Señor de los Anillos de Tolkien se vendieron a United Artists, los Beatles se acercaron a Kubrick para dirigirlos en una adaptación cinematográfica, pero Kubrick no estaba dispuesto a producir una película basada en un libro muy popular. [214]
Cualquiera que haya tenido el privilegio de dirigir una película sabe que, aunque puede ser como intentar escribir Guerra y paz en un auto chocador en un parque de diversiones, cuando finalmente lo haces bien, no hay muchas alegrías en la vida que puedan igualar. la sensación.
— Stanley Kubrick, aceptando el premio DW Griffith [215]
Cuando era joven, Kubrick estaba fascinado por las películas de cineastas soviéticos como Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin . [216] Kubrick leyó el trabajo teórico fundamental de Pudovkin, Film Technique, que sostiene que la edición hace del cine una forma de arte única y que debe emplearse para manipular el medio al máximo. Kubrick recomendó este trabajo a otros durante muchos años. Thomas Nelson describe este libro como "la mayor influencia de cualquier obra escrita en la evolución de la estética privada [de Kubrick]". Kubrick también consideró que las ideas de Konstantin Stanislavski eran esenciales para comprender los conceptos básicos de la dirección y se dio un curso intensivo para aprender sus métodos. [217]
La familia de Kubrick y muchos críticos sintieron que su ascendencia judía pudo haber contribuido a su visión del mundo y a aspectos de sus películas. Después de su muerte, tanto su hija como su esposa declararon que no era religioso, pero "no negaba su judaísmo, en absoluto". Su hija señaló que quería hacer una película sobre el Holocausto, los Aryan Papers , después de haber pasado años investigando el tema. [218] La mayoría de los amigos de Kubrick y sus primeros colaboradores de fotografía y cine eran judíos, y sus dos primeros matrimonios fueron con hijas de inmigrantes judíos recientes de Europa. El guionista británico Frederic Raphael , que trabajó estrechamente con Kubrick en sus últimos años, cree que la originalidad de las películas de Kubrick se debió en parte a que "tenía un respeto (¿judío?) por los eruditos". Declaró que era "absurdo intentar comprender a Stanley Kubrick sin tener en cuenta el judaísmo como un aspecto fundamental de su mentalidad". [219]
Walker señala que Kubrick fue influenciado por los estilos de seguimiento y "cámara fluida" del director Max Ophüls , y los utilizó en muchas de sus películas, incluidas Paths of Glory y 2001: A Space Odyssey . Kubrick observó cómo en las películas de Ophuls "la cámara atravesaba cada pared y cada piso". [220] Una vez nombró Le Plaisir (1952) de Ophüls como su película favorita. Según el historiador de cine John Wakeman, el propio Ophüls aprendió la técnica del director Anatole Litvak en la década de 1930, cuando era su asistente, y cuyo trabajo estaba "repleto de seguimientos de cámara, movimientos y movimientos en picado que más tarde se convirtieron en la marca registrada de Max Ophüls". [221] Geoffrey Cocks cree que Kubrick también fue influenciado por las historias de amor frustrado y preocupación por hombres depredadores de Ophüls, mientras que Herr señala que Kubrick se inspiró profundamente en GW Pabst , quien anteriormente intentó, pero no pudo, adaptar Traumnovelle de Schnitzler , la base de Ojos bien cerrados . [222] El historiador y crítico de cine Robert Kolker ve la influencia de las tomas de cámara en movimiento de Welles en el estilo de Kubrick. LoBrutto señala que Kubrick se identificó con Welles y que esto influyó en la realización de The Killing , con sus "múltiples puntos de vista, ángulos extremos y enfoque profundo". [223] [224]
Kubrick admiraba el trabajo de Ingmar Bergman y lo expresó en una carta personal: "Tu visión de la vida me ha conmovido profundamente, mucho más de lo que me ha conmovido ninguna película. Creo que eres el mejor cineasta en activo hoy en día [ ...], insuperable por nadie en la creación de ambientes y atmósferas, la sutileza de la interpretación, la evitación de lo obvio, la veracidad y integridad de la caracterización. A esto hay que añadir también todo lo demás que implica la realización de una película. ; [...] y esperaré con ansias cada una de tus películas." [225]
Cuando la revista estadounidense Cinema le pidió a Kubrick en 1963 que nombrara sus películas favoritas, incluyó I Vitelloni, del director italiano Federico Fellini, como número uno en su lista Top 10. [226]
Las películas de Kubrick suelen implicar expresiones de una lucha interior, examinadas desde diferentes perspectivas. [215] Tuvo mucho cuidado de no presentar sus propios puntos de vista sobre el significado de sus películas y de dejarlas abiertas a la interpretación. Explicó en una entrevista de 1960 con Robert Emmett Ginna :
"Una de las cosas que siempre encuentro extremadamente difícil, cuando una película está terminada, es cuando un escritor o un crítico de cine pregunta: '¿Qué es lo que intentabas decir en esa película?' Y sin parecer demasiado presuntuoso al utilizar esta analogía, me gusta recordar lo que TS Eliot le dijo a alguien que le había preguntado (creo que era La tierra baldía ) qué quería decir con el poema. Él respondió: "Quise decir lo que dije". .' Si pudiera haberlo dicho de otra manera, lo habría hecho". [227]
Kubrick comparó la comprensión de sus películas con la música popular, en el sentido de que, cualquiera que sea el origen o el intelecto del individuo, un disco de los Beatles, por ejemplo, puede ser apreciado tanto por el camionero de Alabama como por el joven intelectual de Cambridge, porque sus "emociones y subconscientes" son mucho más similares que sus intelectos". Creía que la reacción emocional subconsciente experimentada por el público era mucho más poderosa en el medio cinematográfico que en cualquier otra forma verbal tradicional, y esta era una de las razones por las que a menudo recurría a largos períodos en sus películas sin diálogo, poniendo énfasis en las imágenes. y sonido. [227] En una entrevista de 1975 para la revista Time , Kubrick afirmó además: "La esencia de una forma dramática es dejar que una idea venga a la gente sin que se exprese claramente. Cuando dices algo directamente, simplemente no es tan potente como es". cuando permites que la gente lo descubra por sí misma". [40] También dijo: "El realismo es probablemente la mejor manera de dramatizar argumentos e ideas. La fantasía puede tratar mejor temas que se encuentran principalmente en el inconsciente". [228]
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Diane Johnson , que coescribió el guión de El resplandor con Kubrick, señala que "siempre decía que era mejor adaptar un libro que escribir un guión original, y que había que elegir una obra que no fuera una obra maestra para que puedes mejorarlo. Que es lo que ha hecho siempre, excepto con Lolita ". [229] Al decidir el tema de una película, buscaba muchos aspectos y siempre hacía películas que "atrajeran a todo tipo de espectador, cualesquiera que fueran sus expectativas sobre la película". [230] Según su coproductor Jan Harlan , Kubrick principalmente "quería hacer películas sobre cosas que importaban, que no sólo tuvieran forma, sino sustancia". [231] Kubrick creía que el público a menudo se sentía atraído por "enigmas y alegorías" y no le gustaban las películas en las que todo estaba explicado claramente. [232]
La sexualidad en las películas de Kubrick suele representarse fuera de las relaciones matrimoniales, en situaciones hostiles. Baxter afirma que Kubrick explora los "callejones furtivos y violentos de la experiencia sexual: voyeurismo, dominación, esclavitud y violación" en sus películas. [233] Señala además que películas como La Naranja Mecánica son "poderosamente homoeróticas", desde Alex caminando por el apartamento de sus padres con sus frontales en Y, con un ojo "maquillado con pestañas postizas como de muñeco", hasta su inocente aceptación de las insinuaciones sexuales de su asesor post-correctivo Deltroid ( Aubrey Morris ). [234] De hecho, se cree que la película estuvo fuertemente influenciada por las numerosas visualizaciones de Kubrick del hito del cine queer de 1969 de Matsumoto Toshio , Funeral Parade of Roses . [235] El crítico de cine Adrian Turner señala que las películas de Kubrick parecen estar "preocupadas por cuestiones del mal universal y heredado", y Malcolm McDowell se refirió a su humor como "negro como el carbón", cuestionando su visión de la humanidad. [236] Algunas de sus fotografías eran obvias sátiras y comedias negras, como Lolita y Dr. Strangelove ; muchas de sus otras películas también contenían elementos menos visibles de sátira o ironía. Sus películas son impredecibles y examinan "la dualidad y las contradicciones que existen en todos nosotros". [237] Ciment señala cómo Kubrick a menudo intentaba confundir las expectativas de la audiencia estableciendo estados de ánimo radicalmente diferentes de una película a otra, comentando que estaba casi "obsesionado con contradecirse a sí mismo, con hacer de cada obra una crítica de la anterior". [238] Kubrick afirmó que "no existe un patrón deliberado en las historias que he elegido convertir en películas. El único factor en juego cada vez es que trato de no repetirme". [239] Como resultado, los críticos a menudo malinterpretaban a Kubrick, y solo una vez recibió críticas unánimemente positivas tras el estreno de una película: Paths of Glory . [240]
El autor de cine Patrick Webster considera que los métodos de Kubrick para escribir y desarrollar escenas encajan con la teoría clásica de la dirección de autor, permitiendo la colaboración y la improvisación con los actores durante el rodaje. [241] Malcolm McDowell recordó el énfasis colaborativo de Kubrick durante sus discusiones y su disposición a permitirle improvisar una escena, afirmando que "había un guión y lo seguimos, pero cuando no funcionó, él lo sabía y tuvimos que hacerlo". Seguimos ensayando sin cesar hasta que nos aburrimos". [242] Una vez que Kubrick confiaba en la puesta en escena general de una escena y sentía que los actores estaban preparados, desarrollaba los aspectos visuales, incluida la ubicación de la cámara y la iluminación. Walker cree que Kubrick fue uno de "los pocos directores de cine competentes para instruir a sus fotógrafos de iluminación sobre el efecto preciso que desean". [243] Baxter cree que Kubrick estuvo fuertemente influenciado por su ascendencia y siempre poseyó una perspectiva europea del cine, particularmente el imperio austrohúngaro y su admiración por Max Ophuls y Richard Strauss . [244]
Gilbert Adair , escribiendo en una reseña para Full Metal Jacket , comentó que "el enfoque de Kubrick hacia el lenguaje siempre ha sido de una naturaleza reduccionista e inflexiblemente determinista. Parece verlo como el producto exclusivo del condicionamiento ambiental, influenciado sólo muy marginalmente por conceptos de subjetividad e interioridad, por todos los caprichos, matices y modulaciones de la expresión personal". [245] Johnson señala que aunque Kubrick era un "cineasta visual", también amaba las palabras y era como un escritor en su enfoque, muy sensible a la historia en sí, que encontraba única. [246] Antes de comenzar el rodaje, Kubrick intentó tener el guión lo más completo posible, pero aun así se permitió suficiente espacio para realizar cambios durante el rodaje, encontrando "más rentable evitar encerrar cualquier idea sobre la puesta en escena o la cámara o incluso el diálogo antes". a los ensayos", como él mismo dijo. [243] Kubrick le dijo a Robert Emmett Ginna: "Creo que hay que ver todo el problema de poner la historia que quieres contar allí arriba en ese cuadrado luminoso. Comienza con la selección de la propiedad; continúa hasta la creación del "La historia, los decorados, el vestuario, la fotografía y las actuaciones. Y cuando se rueda la película, sólo está parcialmente terminada. Creo que el montaje es sólo una continuación de la dirección de una película. Creo que el uso de efectos musicales, ópticas y, finalmente, "Los títulos principales son todos parte de contar la historia. Y creo que la fragmentación de estos trabajos, por diferentes personas, es algo muy malo". [159] Kubrick también dijo: "Creo que la mejor trama es la que no tiene una trama aparente. Me gusta un comienzo lento, el comienzo que se mete bajo la piel del público y lo involucra para que pueda apreciar las notas de gracia y los tonos suaves y no "Hay que golpearlo en la cabeza con argumentos y herramientas de suspenso". [154]
En términos de guiones y narrativas de Kubrick, los análisis póstumos de sus películas a menudo resaltan una "misantropía" generalizada, un estilo poco sentimental y un menor interés en las emociones específicas o rasgos de personalidad de sus personajes. [247] El cineasta Quentin Tarantino describe la manera en que Kubrick escribe personajes y películas como "fría" y distante. [248]
Trabajan con Stanley y pasan por infiernos para los que nada en sus carreras podría haberlos preparado, piensan que deben haber estado locos para involucrarse, piensan que morirían antes de volver a trabajar con él, ese maníaco obsesionado; y cuando todo haya quedado atrás y el profundo cansancio de tanta intensidad haya pasado, harían cualquier cosa en el mundo para volver a trabajar para él. Durante el resto de sus vidas profesionales anhelan trabajar con alguien que se preocupe como lo hizo Stanley, alguien de quien puedan aprender. Buscan a alguien a quien respetar como ellos llegaron a respetarlo, pero nunca encuentran a nadie... He escuchado esta historia tantas veces.
— Michael Herr, guionista de Full Metal Jacket sobre los actores que trabajan con Kubrick. [249]
Kubrick era conocido por filmar muchas más tomas de las habituales durante la producción de largometrajes y su enfoque implacable a menudo imponía grandes exigencias a sus actores. Jack Nicholson comentó que Kubrick frecuentemente necesitaba hasta cincuenta tomas de una escena antes de que el director sintiera que se había hecho justicia al material. [250] Nicole Kidman explicó que las docenas de tomas que a menudo requería tenían el efecto de suprimir los pensamientos conscientes del actor sobre la técnica, difundiendo la concentración que Kubrick decía que podía ver en los ojos de un actor que aún no estaba actuando en la cima de su capacidad y ayudarles a entrar en un "lugar más profundo". [251] Kubrick se hizo eco de este sentimiento y dijo: "[l]os actores son esencialmente instrumentos que producen emociones, y algunos siempre están afinados y listos, mientras que otros alcanzarán un tono fantástico en una toma y nunca volverán a igualarlo, sin importar lo duro que lo hagan". intentar". [252]
Si bien algunos críticos consideraron irracional el alto índice de aceptación de Kubrick, él creía firmemente que los actores estaban en su mejor momento durante el rodaje, a diferencia de los ensayos, y dijo: "[c]uando haces una película, se necesitan unos días para Acostúmbrate al equipo, porque es como desnudarte delante de cincuenta personas. Una vez que te acostumbras, la presencia de una sola persona en el set es discordante y tiende a producir timidez en los actores, y ciertamente en si mismo". [253] [254]
En 1987, cuando Rolling Stone le preguntó a Kubrick sobre su reputación de tomas excesivas , respondió que era exagerada pero que cuando era cierta, "[e]s sucede cuando los actores no están preparados. No se puede actuar sin conocer el diálogo. Si los actores Tienes que pensar en las palabras, no pueden trabajar en la emoción. Así que terminas haciendo treinta tomas de algo. Y aún así puedes ver la concentración en sus ojos; no conocen sus líneas. Así que simplemente lo filmas. y dispárale y espero que puedas sacar algo de él en pedazos". [255] También le dijo al biógrafo Michel Ciment que "[un] actor sólo puede hacer una cosa a la vez, y cuando aprendió sus líneas sólo lo suficientemente bien como para decirlas mientras piensa en ellas, siempre tendrá problemas como Tan pronto como tiene que trabajar en las emociones de la escena o encontrar marcas de cámara. En una escena emocional fuerte, siempre es mejor poder filmar en tomas completas para permitir al actor una continuidad de las emociones, y es raro para la mayoría. Los actores alcanzan su punto máximo más de una o dos veces. Hay, ocasionalmente, escenas que se benefician de tomas adicionales, pero incluso entonces, no estoy seguro de que las primeras tomas no sean solo ensayos glorificados con la adrenalina adicional de la película corriendo. la Cámara." [256]
Matthew Modine , quien interpretó al Joker en Full Metal Jacket , se hace eco de estas evaluaciones incluso de la interpretación de un actor de renombre mundial en una película de Kubrick. En una historia oral recopilada por Peter Bogdanovich después de la muerte del director, Modine recordó que "una vez le pregunté [a Kubrick] por qué hacía tantas tomas con tanta frecuencia. [...] Y habló de Jack Nicholson [diciendo] ''Jack Entraba durante el bloqueo y como que buscaba a tientas las líneas. Las aprendía mientras estaba allí. Y luego empezabas a disparar y después de la toma 3, 4 o 5, obtenías el Jack Nicholson. eso todo el mundo lo sabe y con lo que la mayoría de los directores estarían contentos. Y luego subías a 10 o 15 y él era realmente horrible y luego comenzaba a entender cuáles eran las líneas, qué significaban las líneas, y luego "Se había vuelto inconsciente de lo que estaba diciendo. Así que en la toma 30 o 40 las líneas se convirtieron en algo más". [257]
Por el contrario, durante el rodaje de Full Metal Jacket, el ex instructor del Cuerpo de Marines R. Lee Ermey a menudo satisfacía a Kubrick en tan solo dos o tres tomas. El director elogió a Ermey como un excelente intérprete y luego le dijo a Rolling Stone que la intensa familiaridad de Ermey con el papel había perfeccionado su entrega y fluidez de improvisación a un nivel que no hubiera esperado descubrir en un actor profesional, sin importar cuántas tomas hiciera. fueron dados. [255] Kubrick repitió sus elogios al Washington Post , diciendo que "siempre ha descubierto que algunas personas pueden actuar y otras no, hayan tenido o no capacitación. Y sospecho que ser un instructor de ejercicios es, en En cierto sentido, ser actor. Porque dicen las mismas cosas cada ocho semanas, a chicos nuevos, como si lo dijeran por primera vez, y eso es actuar". [258]
En el set, Kubrick dedicaba sus descansos personales a largas discusiones con sus actores. Entre los que valoraron su atención se encontraba Tony Curtis , protagonista de Spartacus , quien dijo que Kubrick era su director favorito y agregó que "su mayor eficacia era su relación uno a uno con los actores". [94] Añadió además: "Kubrick tenía su propio enfoque en la realización de películas. Quería ver los rostros de los actores. No quería cámaras siempre en un plano amplio a veinticinco pies de distancia, quería primeros planos, "Quería mantener la cámara en movimiento. Ese era su estilo". [85] De manera similar, Malcolm McDowell recuerda las largas discusiones que tuvo con Kubrick para ayudarlo a desarrollar su personaje en La naranja mecánica , señalando que en el set se sintió completamente desinhibido y libre, que es lo que hizo de Kubrick "un gran director". [250] Kubrick también permitió a los actores en ocasiones improvisar y "romper las reglas", particularmente con Peter Sellers en Lolita , lo que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera ya que le permitió trabajar creativamente durante el rodaje, a diferencia de la preproducción. escenario. [259] Durante una entrevista, Ryan O'Neal recordó el estilo de dirección de Kubrick: "Dios, él te trabaja duro. Te conmueve, te empuja, te ayuda, se enoja contigo, pero sobre todo te enseña el valor de un buen director. Stanley sacó a relucir aspectos de mi personalidad e instintos de actuación que habían estado dormidos... Mi fuerte sospecha [era] que estaba involucrado en algo grandioso". [260] Añadió además que trabajar con Kubrick fue "una experiencia impresionante" y que nunca se recuperó de trabajar con alguien de tal magnificencia. [261]
Kubrick atribuyó la facilidad con la que filmó escenas a sus primeros años como fotógrafo. [262] Rara vez agregaba instrucciones de cámara en el guión, prefiriendo manejar eso después de crear una escena, ya que la parte visual de la realización de películas le resultaba más fácil. [263] Incluso al decidir qué accesorios y escenarios se utilizarían, Kubrick prestó meticulosa atención a los detalles y trató de recopilar la mayor cantidad de material de fondo posible, actividades que el director comparó con ser "un detective". [264] El director de fotografía John Alcott, que trabajó estrechamente con Kubrick en cuatro de sus películas y ganó un Oscar a la mejor fotografía por Barry Lyndon , comentó que Kubrick "cuestiona todo", [265] y estuvo involucrado en los aspectos técnicos de la película. hacer, incluida la ubicación de la cámara, la composición de la escena, la elección de la lente e incluso el funcionamiento de la cámara, lo que normalmente se dejaría en manos del director de fotografía. Alcott consideraba a Kubrick como "lo más parecido a un genio con el que he trabajado, con todos los problemas de un genio". [266]
Entre las innovaciones de Kubrick en cinematografía se encuentra el uso de efectos especiales, como en 2001 , donde utilizó tanto fotografía de escaneo de hendidura como proyección en pantalla frontal , lo que le valió a Kubrick su único Oscar por efectos especiales. Algunos críticos han descrito e ilustrado con videoclips el uso que hace Kubrick de la " perspectiva de un punto ", que lleva la mirada del espectador hacia un punto de fuga central. La técnica se basa en crear una simetría visual compleja utilizando líneas paralelas en una escena que convergen en ese único punto, alejándose del espectador. Combinado con el movimiento de la cámara, podría producir un efecto que un escritor describe como "hipnótico y emocionante". [267] The Shining estuvo entre la primera media docena de largometrajes que utilizaron la entonces revolucionaria Steadicam (después de las películas de 1976 Bound for Glory , Marathon Man y Rocky ). Kubrick lo utilizó en todo su potencial, lo que le dio a la audiencia un seguimiento del movimiento suave y estabilizado por parte de la cámara. Kubrick describió Steadicam como una "alfombra mágica", que permitía "movimientos de cámara rápidos y fluidos" en el laberinto de El Resplandor que de otro modo hubieran sido imposibles. [268]
Kubrick fue uno de los primeros directores en utilizar la asistencia de vídeo durante el rodaje. Cuando comenzó a utilizarlo en 1966, se consideraba tecnología de vanguardia, lo que le obligó a construir su propio sistema. Al tenerlo colocado durante el rodaje de 2001 , pudo visualizar un vídeo de una toma inmediatamente después de ser filmada. [269] En algunas películas, como Barry Lyndon , utilizó lentes de zoom hechos a medida, lo que le permitió comenzar una escena con un primer plano y alejarse lentamente para capturar el panorama completo del paisaje y filmar tomas largas en exteriores cambiantes. condiciones de iluminación haciendo ajustes de apertura mientras las cámaras rodaban. LoBrutto señala que el conocimiento técnico de Kubrick sobre lentes "deslumbró a los ingenieros del fabricante, quienes consideraron que no tenía precedentes entre los cineastas contemporáneos". [270] Para Barry Lyndon también utilizó una lente de cámara Zeiss de alta velocidad (f/0,7) especialmente adaptada, desarrollada originalmente para la NASA, para fotografiar numerosas escenas iluminadas únicamente con luz de velas. El actor Steven Berkoff recuerda que Kubrick quería que las escenas se rodaran utilizando "pura luz de velas" y, al hacerlo, Kubrick "hizo una contribución única al arte del cine, volviendo a la pintura... Casi posabas como para retratos". [271] LoBrutto señala que los directores de fotografía de todo el mundo querían saber acerca de la "lente mágica" de Kubrick y que se convirtió en una "leyenda" entre los camarógrafos de todo el mundo. [272]
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Kubrick pasó muchas horas editando, a menudo trabajando siete días a la semana y más horas al día a medida que se acercaban las fechas de entrega. [273] Para Kubrick, el diálogo escrito era un elemento que debía equilibrarse con la puesta en escena (arreglos escénicos), la música y, especialmente, la edición. Inspirado por el tratado de Pudovkin sobre montaje cinematográfico, Kubrick se dio cuenta de que se podía crear una actuación en la sala de montaje y, a menudo, "redireccionar" una película, y comentó: "Me encanta montar. Creo que me gusta más que cualquier otro". fase de la realización cinematográfica... La edición es el único aspecto único de la realización cinematográfica que no se parece a ninguna otra forma de arte; un punto tan importante que no se puede enfatizar demasiado... Puede hacer o deshacer una película". [273] El biógrafo John Baxter afirmó que "en lugar de encontrar la columna vertebral intelectual de una película en el guión antes de comenzar a trabajar, Kubrick se abrió camino hacia la versión final de una película filmando cada escena desde muchos ángulos y exigiendo decenas de tomas de cada una". línea. Luego, durante meses... arregló y reorganizó las decenas de miles de fragmentos de película para que se ajustaran a una visión que realmente sólo comenzó a surgir durante la edición". [274]
La atención de Kubrick a la música era un aspecto de lo que muchos llamaban su "perfeccionismo" y su extrema atención a los detalles minuciosos, que su esposa Christiane atribuyó a una adicción a la música. En sus últimas seis películas, Kubrick suele elegir música de fuentes existentes, especialmente composiciones clásicas. Prefería seleccionar música grabada antes que componerla para una película, creyendo que ningún compositor contratado podría hacerlo tan bien como los compositores clásicos de dominio público. También consideró que la creación de escenas a partir de buena música a menudo creaba las "escenas más memorables" de las mejores películas. [275] En un caso, para una escena de Barry Lyndon que estaba escrita en el guión simplemente como "Barry se duele con Lord Bullingdon", pasó cuarenta y dos días hábiles en la fase de edición. Durante ese período, escuchó lo que LoBrutto describe como "todas las grabaciones disponibles de música de los siglos XVII y XVIII, adquiriendo miles de discos para encontrar la zarabanda de Handel utilizada para componer la escena". [276] Nicholson también observó su atención a la música, afirmando que Kubrick "escuchaba música constantemente hasta que descubría algo que sentía que era correcto o que lo excitaba". [240]
A Kubrick se le atribuye haber presentado al compositor húngaro György Ligeti a una amplia audiencia occidental al incluir su música en 2001 , The Shining y Eyes Wide Shut . Según Baxter, la música en 2001 estaba "al frente de la mente de Kubrick" cuando concibió la película. [277] Durante la proyección anterior tocó música de Mendelssohn [aa] y Vaughan Williams , y Kubrick y el escritor Clarke habían escuchado la transcripción de Carl Orff de Carmina Burana , que consta de canciones sagradas y seculares del siglo XIII. [277] La música de Ligeti empleó el nuevo estilo de micropolifonía , que utilizaba acordes disonantes sostenidos que cambian lentamente con el tiempo, un estilo que él originó. Su inclusión en la película se convirtió en una "bendición para el compositor relativamente desconocido", en parte porque fue presentada junto con los antecedentes de Johann Strauss y Richard Strauss . [279]
Además de Ligeti, Kubrick disfrutó de una colaboración con la compositora Wendy Carlos , cuyo álbum de 1968 Switched-On Bach , que reinterpretaba la música barroca mediante el uso de un sintetizador Moog , llamó su atención. En 1971, Carlos compuso y grabó música para la banda sonora de La Naranja Mecánica . En 1972 se estrenó música adicional que no se utilizó en la película como La naranja mecánica de Wendy Carlos . Más tarde, Kubrick colaboró con Carlos en El resplandor (1980). La apertura de la película emplea la interpretación de Carlos de "Dies Irae" (Día de la ira) de la Sinfonía fantástica de Héctor Berlioz . [280]
Kubrick se casó con su novia de la secundaria Toba Metz, una caricaturista, el 29 de mayo de 1948, cuando tenía 19 años. [23] La pareja vivió junta en Greenwich Village y se divorció tres años después, en 1951. Conoció a su segunda esposa, la bailarina y diseñadora teatral de origen austriaco Ruth Sobotka , en 1952. Vivieron juntos en el East Village de la ciudad de Nueva York a partir de 1952. Se casó en enero de 1955 y se mudó a Hollywood en julio de 1955, donde interpretó un breve papel como bailarina de ballet en la película de Kubrick, Killer's Kiss (1955). Al año siguiente, fue directora de arte de su película The Killing (1956). Se divorciaron en 1957. [281]
Durante la producción de Paths of Glory en Múnich a principios de 1957, Kubrick conoció y se enamoró de la actriz alemana Christiane Harlan , quien desempeñó un papel pequeño pero memorable en la película. Kubrick se casó con Harlan en 1958 y la pareja permaneció junta durante 40 años, hasta su muerte en 1999. Además de su hijastra, tuvieron dos hijas juntas: Anya Renata (6 de abril de 1959 – 7 de julio de 2009) y Vivian Vanessa (nacida el 5 de agosto de 2009). , 1960). [282] En 1959, se instalaron en una casa en 316 South Camden Drive en Beverly Hills con la hija de Harlan, Katherina, de seis años. [283] También vivieron en la ciudad de Nueva York, tiempo durante el cual Christiane estudió arte en la Art Students League de Nueva York , y luego se convirtió en artista independiente. [284] La pareja se mudó al Reino Unido en 1961 para hacer Lolita , y Kubrick contrató a Peter Sellers para protagonizar su siguiente película, Dr. Strangelove . Sellers no pudo salir del Reino Unido, por lo que Kubrick hizo de Gran Bretaña su hogar permanente a partir de entonces. La medida fue bastante conveniente para Kubrick, ya que evitaba el sistema de Hollywood y su maquinaria publicitaria y él y Christiane se habían alarmado por el aumento de la violencia en la ciudad de Nueva York. [285]
En 1965, los Kubrick compraron Abbots Mead en Barnet Lane, justo al suroeste del complejo de estudios Elstree/Borehamwood en Inglaterra. Kubrick trabajó casi exclusivamente desde esta casa durante 14 años, donde investigó, inventó técnicas de efectos especiales, diseñó lentes de luz ultrabaja para cámaras especialmente modificadas, preprodujo, editó, postprodujo, publicitó, distribuyó y gestionó cuidadosamente todos los aspectos de cuatro de sus películas. En 1978, Kubrick se mudó a Childwickbury Manor en Hertfordshire, una casa señorial principalmente del siglo XVIII, que alguna vez fue propiedad de un rico propietario de caballos de carreras, a unas 30 millas (50 km) al norte de Londres y a 10 minutos en coche de su anterior casa en Abbott Mead. Su nuevo hogar se convirtió en un lugar de trabajo para Kubrick y su esposa, "una fábrica familiar perfecta", como la llamó Christiane, [286] y Kubrick convirtió los establos en salas de producción adicionales además de las que usaba dentro de la casa para editar y almacenar. [287]
Adicto al trabajo, Kubrick rara vez se tomó vacaciones o abandonó Inglaterra durante los cuarenta años previos a su muerte. [288] LoBrutto señala que la forma de vida confinada de Kubrick y su deseo de privacidad han llevado a historias espurias sobre su reclusión, similares a las de Greta Garbo , Howard Hughes y JD Salinger . [289] Michael Herr, coguionista de Kubrick en La chaqueta metálica , que lo conoció bien, considera que su "reclusión" es un mito: "[Él] fue de hecho un completo fracaso como recluso, a menos que creas que un recluso es simplemente alguien que rara vez sale de su casa. Stanley vio a mucha gente... era uno de los hombres más sociables que he conocido y no cambió nada el hecho de que la mayor parte de esta convivencia se desarrollara a través del teléfono". [290] LoBrutto afirma que una de las razones por las que adquirió una reputación de recluso fue que insistía en permanecer cerca de su casa, pero la razón de esto fue que para Kubrick solo había tres lugares en el planeta donde podía hacer películas de alta calidad. la experiencia técnica y el equipo necesarios: Los Ángeles, Nueva York o los alrededores de Londres. No le gustaba vivir en Los Ángeles y pensaba que Londres era un centro de producción cinematográfica superior a la ciudad de Nueva York. [291]
Como persona, Norman Lloyd describió a Kubrick como "un tipo muy oscuro, con el ceño fruncido y muy serio". [292] Marisa Berenson , que protagonizó Barry Lyndon , recordó con cariño: "Había una gran ternura en él y era un apasionado de su trabajo. Lo que llamaba la atención era su enorme inteligencia, pero también tenía un gran sentido del humor. Era un "Es una persona muy tímida y protectora, pero estaba lleno de aquello que lo impulsaba las veinticuatro horas del día". [293] A Kubrick le gustaban especialmente las máquinas y los equipos técnicos, hasta el punto de que su esposa Christiane afirmó una vez que "Stanley estaría contento con ocho grabadoras y un par de pantalones". [294] Kubrick había obtenido una licencia de piloto en agosto de 1947 y algunos han afirmado que más tarde desarrolló miedo a volar, debido a un incidente a principios de la década de 1950 cuando un colega murió en un accidente aéreo. A Kubrick le habían enviado los restos carbonizados de su cámara y sus cuadernos que, según Paul Duncan, lo traumatizaron de por vida. [87] [ab] Kubrick también tenía una gran desconfianza hacia los médicos y la medicina. [296]
El 7 de marzo de 1999, seis días después de proyectar una versión final de Eyes Wide Shut para su familia y las estrellas de la película, Kubrick murió de un ataque cardíaco mientras dormía a la edad de 70 años. [297] Su funeral se celebró cinco días después en Childwickbury Manor, al que solo asistieron amigos cercanos y familiares, con un total de unas 100 personas. Los medios de comunicación se mantuvieron a un kilómetro y medio de distancia frente a la puerta de entrada. [298] Alexander Walker , que asistió al funeral, lo describió como una "despedida familiar,... casi como un picnic inglés" con violonchelistas, clarinetistas y cantantes interpretando música de muchas de las composiciones clásicas favoritas de Kubrick. Se recitó Kadish , la oración judía que suelen decir los dolientes y en otros contextos. Algunos de sus obituarios mencionaron su origen judío. [299] Entre los que pronunció elogios se encontraban su cuñado Jan Harlan , Terry Semel , Steven Spielberg , Nicole Kidman y Tom Cruise . Fue enterrado junto a su árbol favorito de la finca. En su libro dedicado a él, su esposa Christiane incluyó una de sus citas favoritas de Oscar Wilde : "La tragedia de la vejez no es que uno sea viejo sino que uno sea joven". [300]
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Como parte de la ola cinematográfica del Nuevo Hollywood, las películas de Kubrick son consideradas por el historiador de cine Michel Ciment como "una de las contribuciones más importantes al cine mundial en el siglo XX", [ 34] y con frecuencia se lo cita como uno de los más grandes y Directores más influyentes de la historia del cine. [301] [302] Según el historiador de cine y estudioso de Kubrick, Robert Kolker, [303] [304] [305] [306] Las películas de Kubrick eran "más intelectualmente rigurosas que el trabajo de cualquier otro cineasta estadounidense". [303] Directores destacados, incluido Martin Scorsese , [307] [308] Steven Spielberg , [309] Wes Anderson , [310] George Lucas , [311] James Cameron , [312] Terry Gilliam , [313] los hermanos Coen , [314] Ridley Scott , [315] y George A. Romero , [316] han citado a Kubrick como fuente de inspiración y, adicionalmente, en el caso de Spielberg y Scott, de colaboración. [309] [317] En el DVD de Eyes Wide Shut , Steven Spielberg comenta que la forma en que Kubrick "cuenta una historia es la antítesis de la forma en que estamos acostumbrados a recibir historias" y que "nadie podría filmar mejor una imagen en la historia". [318] Orson Welles, una de las mayores influencias personales y directores favoritos de Kubrick, dijo que: "Entre los que yo llamaría 'generación más joven', Kubrick me parece un gigante". [319]
Kubrick sigue siendo citado como una gran influencia por muchos directores, incluidos Christopher Nolan , [320] Todd Field , [321] David Fincher , Guillermo del Toro , David Lynch , [322] Lars von Trier , [323] Tim Burton , [ 324] Michael Mann , [325] y Gaspar Noé . [326] Muchos cineastas imitan el uso inventivo y único de Kubrick del movimiento de la cámara y el encuadre, así como su uso de la música, incluido Frank Darabont . [327]
Artistas de campos distintos al cine también han expresado su admiración por Kubrick. El músico y poeta inglés PJ Harvey , en una entrevista sobre su álbum de 2011 Let England Shake , argumentó que "algo sobre [...] lo que no se dice en sus películas... hay tanto espacio, tantas cosas que están en silencio – y de alguna manera, en ese espacio y silencio todo se vuelve claro. Con cada película, parece capturar la esencia de la vida misma, particularmente en películas como Paths of Glory , 2001: Una odisea en el espacio , Barry Lyndon ...esas son algunas de mis favoritos." [328] El vídeo musical de la canción de 2010 de Kanye West , " Runaway ", se inspiró en Eyes Wide Shut . [329] Los conciertos de la cantante pop Lady Gaga han incluido el uso de diálogos, disfraces y música de La naranja mecánica . [330]
En 2000, BAFTA cambió el nombre de su premio Britannia a la trayectoria a " Premio Stanley Kubrick Britannia ", [331] uniéndose a personas como DW Griffith , Laurence Olivier , Cecil B. DeMille e Irving Thalberg , todos los cuales tienen premios anuales que llevan su nombre. Kubrick ganó este premio en 1999, y entre los ganadores posteriores se encuentran George Lucas , Warren Beatty , Tom Cruise, Robert De Niro , Clint Eastwood y Daniel Day-Lewis . Muchas personas que trabajaron con Kubrick en sus películas crearon el documental de 2001 Stanley Kubrick: A Life in Pictures , producido y dirigido por el cuñado de Kubrick, Jan Harlan, quien había sido productor ejecutivo de las últimas cuatro películas de Kubrick. [332]
La primera exposición pública de material de los archivos personales de Kubrick fue presentada conjuntamente en 2004 por el Deutsches Filmmuseum y el Deutsches Architekturmuseum de Frankfurt, Alemania, en cooperación con Christiane Kubrick y Jan Harlan / The Stanley Kubrick Estate. [333] En 2009, se celebró en Dublín , Irlanda, una exposición de pinturas y fotografías inspiradas en las películas de Kubrick, titulada "Stanley Kubrick: Taming Light". [334] El 30 de octubre de 2012, se inauguró una exposición dedicada a Kubrick en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) y concluyó en junio de 2013. Las exhibiciones incluyen una amplia colección de documentos, fotografías y material de rodaje ensamblado a partir de 800 cajas. de archivos personales que estaban almacenados en el lugar de trabajo de Kubrick en el Reino Unido. [335] Muchas celebridades asistieron y hablaron en la gala previa a la inauguración del museo, incluidos Steven Spielberg, Tom Hanks y Jack Nicholson, [336] mientras que la viuda de Kubrick, Christiane, apareció en la revista de prensa previa a la gala. [337] En octubre de 2013, el Festival Internacional de Cine de São Paulo, Brasil , rindió homenaje a Kubrick, organizando una exposición de su trabajo y una retrospectiva de sus películas. La exposición se inauguró en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) a finales de 2014 y finalizó en enero de 2015. [338]
Kubrick tiene muchas referencias en la cultura popular; por ejemplo, se dice que la serie de televisión Los Simpson contiene más referencias a las películas de Kubrick que cualquier otro fenómeno de la cultura pop. Cuando el Sindicato de Directores de Gran Bretaña le otorgó a Kubrick un premio a la trayectoria, incluyeron una secuencia recortada de todos los homenajes del programa. [339] [340] Se han creado varias obras relacionadas con la vida de Kubrick, incluido el falso documental hecho para televisión Dark Side of the Moon (2002), que es una parodia de la generalizada teoría de la conspiración de que Kubrick había estado involucrado con el Imágenes falsas de los alunizajes de la NASA durante el rodaje de 2001: Una odisea en el espacio . Color Me Kubrick (2005) fue autorizada por la familia de Kubrick y protagonizada por John Malkovich como Alan Conway , un estafador que había asumido la identidad de Kubrick en la década de 1990. [341] En la película de 2004 La vida y muerte de Peter Sellers , Kubrick fue interpretado por Stanley Tucci ; La película documenta el rodaje de Dr. Strangelove . [342]
En abril de 2018, el mes que marcó el 50 aniversario de 2001: Una odisea en el espacio , la Unión Astronómica Internacional nombró a la montaña más grande de Caronte , la luna de Plutón , en honor a Kubrick. [343] [344]
De octubre de 2019 a marzo de 2020, el Centro Cultural Skirball organizó una exposición llamada A través de una lente diferente: fotografías de Stanley Kubrick , una muestra que se centra en los inicios de la carrera de Kubrick. [345] [346] [347]
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