- Buda sentado , siglo V d.C., Museo Sarnath
- Pilar de hierro de Delhi conocido por su composición de metales resistentes a la oxidación, c. Siglos III-IV d.C.
- Fresco de las cuevas de Ajanta
El arte indio consta de una variedad de formas artísticas, que incluyen pintura , escultura , cerámica y artes textiles como el tejido de seda . Geográficamente, se extiende por todo el subcontinente indio , incluyendo lo que hoy es India , Pakistán , Bangladesh , Sri Lanka , Nepal y, en ocasiones, el este de Afganistán . Un fuerte sentido del diseño es característico del arte indio y se puede observar en sus formas modernas y tradicionales.
El origen del arte indio se remonta a los asentamientos prehistóricos del tercer milenio a.C. En su camino hacia los tiempos modernos, el arte indio ha tenido influencias culturales, así como influencias religiosas como el hinduismo , el budismo , el jainismo , el sijismo y el islam . A pesar de esta compleja mezcla de tradiciones religiosas, en general, el estilo artístico predominante en cada momento y lugar ha sido compartido por los principales grupos religiosos.
En el arte histórico, la escultura en piedra y metal, principalmente religiosa, ha sobrevivido al clima indio mejor que otros medios y proporciona la mayoría de los mejores restos. Muchos de los hallazgos antiguos más importantes que no están en piedra tallada provienen de las regiones más secas de los alrededores y no de la propia India. Las tradiciones funerarias y filosóficas indias excluyen el ajuar funerario , que es la principal fuente de arte antiguo en otras culturas.
Los estilos de los artistas indios históricamente siguieron las religiones indias fuera del subcontinente, teniendo una influencia especialmente grande en el Tíbet , el sudeste asiático y China . El propio arte indio ha recibido influencias en ocasiones, especialmente de Asia Central , Irán y Europa.
El arte rupestre de la India incluye relieves, grabados y pinturas rupestres , algunos (pero no todos) de la Edad de Piedra del sur de Asia . Se estima que hay alrededor de 1300 sitios de arte rupestre con más de un cuarto de millón de figuras y figurillas. [1] Los grabados rupestres más antiguos de la India fueron descubiertos por Archibald Carlleyle , doce años antes que la Cueva de Altamira en España , [2] aunque su trabajo sólo salió a la luz mucho más tarde a través de J Cockburn (1899). [3]
El Dr. VS Wakankar descubrió varios refugios rocosos pintados en el centro de la India , situados alrededor de la cordillera de Vindhya . De estos, el c. 750 sitios que componen los refugios rocosos de Bhimbetka han sido inscritos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO ; las primeras pinturas tienen unos 10.000 años. [4] [5] [6] [7] [8] Las pinturas en estos sitios comúnmente representaban escenas de la vida humana junto a animales y cacerías con implementos de piedra. Su estilo variaba según la región y la edad, pero la característica más común era un lavado rojo elaborado con un mineral en polvo llamado geru , que es una forma de óxido de hierro ( hematita ). [9]
A pesar de su extensión y sofisticación, la civilización del valle del Indo parece no haber mostrado ningún interés en el arte público a gran escala, a diferencia de muchas otras civilizaciones tempranas. Varias estatuillas de oro, terracota y piedra de niñas en poses de baile revelan la presencia de algunas formas de danza . Además, las figuras de terracota incluían vacas, osos, monos y perros.
La forma más común de arte figurativo encontrada son los pequeños sellos tallados . Se han recuperado miles de sellos de esteatita y su carácter físico es bastante consistente. Su tamaño varía desde 3 ⁄ 4 pulgadas hasta 1 1 ⁄ 2 pulgadas cuadradas. En la mayoría de los casos tienen un saliente perforado en la parte posterior para acomodar un cordón para su manipulación o uso como adorno personal. Se han encontrado sellos en Mohenjo-Daro que representan una figura de pie sobre su cabeza, y otra, en el Sello Pashupati , sentada con las piernas cruzadas en una pose similar a la del yoga . Esta figura ha sido identificada de diversas formas. Sir John Marshall identificó un parecido con el dios hindú Shiva . [10]
El animal representado en la mayoría de las focas en sitios del período maduro no ha sido claramente identificado. Mitad toro, mitad cebra, con un cuerno majestuoso, ha sido motivo de especulación. Hasta el momento, no hay pruebas suficientes para fundamentar las afirmaciones de que la imagen tenía un significado religioso o de culto, pero la prevalencia de la imagen plantea la cuestión de si los animales en las imágenes del IVC son símbolos religiosos o no. [11] La pieza más famosa es la Bailarina de bronce de Mohenjo-Daro , que muestra un modelado notablemente avanzado de la figura humana para esta fecha temprana. [12]
Después del fin de la civilización del valle del Indo, hay una sorprendente ausencia de arte de gran grado de sofisticación hasta la era budista. Se cree que esto refleja en parte el uso de materiales orgánicos perecederos como la madera. [13]
El milenio que siguió al colapso de la civilización del valle del Indo , coincidiendo con la migración indo-aria durante el período védico , está desprovisto de representaciones antropomórficas. [14] Se ha sugerido que la religión védica primitiva se centraba exclusivamente en el culto de "fuerzas elementales de la naturaleza puramente mediante sacrificios elaborados", que no se prestaban fácilmente a representaciones antropomorfológicas. [15] [16] Varios artefactos pueden pertenecer a la cultura Copper Hoard (segundo milenio a. C.), algunos de ellos sugieren características antropomorfológicas. [17] Las interpretaciones varían en cuanto al significado exacto de estos artefactos, o incluso a la cultura y la periodización a la que pertenecían. [17] Algunos ejemplos de expresión artística también aparecen en diseños de cerámica abstracta durante la cultura de la cerámica negra y roja (1450-1200 a. C.) o la cultura de la cerámica pintada de gris (1200-600 a. C.), con hallazgos en un área amplia, incluida el área. de Mathura. [17]
Después de un intervalo de unos mil años, la mayoría de los primeros hallazgos corresponden al llamado "segundo período de urbanización", a mediados del primer milenio a.C. [17] La representación antropomórfica de varias deidades aparentemente comenzó a mediados del primer milenio a. C., posiblemente como consecuencia de la afluencia de estímulos extranjeros iniciada con la conquista aqueménida del valle del Indo y el surgimiento de religiones locales alternativas que desafiaron el vedismo . como el budismo , el jainismo y los cultos populares locales. [14]
El Imperio Maurya del norte de la India floreció desde 322 a. C. hasta 185 a. C. y en su máxima extensión controló todo el subcontinente excepto el extremo sur, así como influencias de las antiguas tradiciones indias y la antigua Persia , [18] como lo muestra el Pataliputra. capital .
El emperador Ashoka , que murió en 232 a. C., adoptó el budismo aproximadamente a mitad de su reinado de 40 años y patrocinó varias estupas grandes en sitios clave de la vida de Buda , aunque sobrevive muy poca decoración del período Maurya, y allí Puede que no haya sido mucho en primer lugar. Hay más información de varios sitios antiguos de la arquitectura india excavada en la roca .
Las supervivencias más famosas son los grandes animales que coronan varios de los Pilares de Ashoka , que mostraban un estilo y una artesanía seguros y audazmente maduros y la primera fundición de hierro de su tipo sin óxido hasta la fecha, que era utilizada por los pueblos védicos en las zonas rurales del país, aunque tenemos muy pocos restos que muestren su desarrollo. [19] La famosa Capital del León de Ashoka , con cuatro animales, fue adoptada como emblema oficial de la India después de la independencia de la India . [20] La escultura y la arquitectura maurya se caracterizan por un pulido maurya muy fino dado a la piedra, que rara vez se encuentra en períodos posteriores.
En la arqueología se han recuperado muchas pequeñas figurillas populares de terracota , en una variedad de estilos a menudo vigorosos aunque algo toscos. Se encuentran tanto animales como figuras humanas, generalmente mujeres que se presume son deidades. [21]
Los yakshas parecen haber sido objeto de un importante culto en los primeros periodos de la historia india, siendo muchos de ellos conocidos como Kubera , rey de los Yakshas, Manibhadra o Mudgarpani . [23] Los Yakshas son una clase amplia de espíritus de la naturaleza, generalmente benévolos, pero a veces traviesos o caprichosos, relacionados con el agua, la fertilidad, los árboles, el bosque, el tesoro y la naturaleza, [24] [25] y fueron objeto de popularidad. culto. [26] Muchos de ellos fueron incorporados posteriormente al budismo, al jainismo o al hinduismo. [23]
En el siglo II a. C., los Yakshas se convirtieron en el foco de la creación de colosales imágenes de culto, típicamente de alrededor de 2 metros o más de altura, que se consideran probablemente las primeras producciones antropomórficas indias en piedra. [27] [23] Aunque pocas estatuas antiguas de Yaksha permanecen en buenas condiciones, el vigor del estilo ha sido aplaudido y expresa cualidades esencialmente indias. [27] A menudo son barrigones, tienen dos brazos y tienen un aspecto feroz. [23] Los Yakshas a menudo se representan con armas o atributos, como el Yaksha Mudgarpani , que en la mano derecha sostiene una maza de mudgar y en la mano izquierda la figura de un pequeño devoto de pie o un niño uniendo sus manos en oración. [28] [23] A menudo se sugiere que el estilo de la colosal estatuaria de Yaksha tuvo una influencia importante en la creación de imágenes divinas y figuras humanas posteriores en la India. [29] El equivalente femenino de los Yakshas eran los Yakshinis, a menudo asociados con árboles y niños, y cuyas voluptuosas figuras se volvieron omnipresentes en el arte indio. [23]
Se ha sugerido alguna influencia helenística , como los pliegues geométricos de las cortinas o la postura al caminar de las estatuas. [27] Según John Boardman , el dobladillo del vestido en las primeras estatuas monumentales de Yaksha se deriva del arte griego. [27] Al describir las cortinas de una de estas estatuas, John Boardman escribe: "No tiene antecedentes locales y se parece más a un manierismo griego del Arcaico tardío", y sugiere que posiblemente se derive del arte helenístico de la cercana Bactria , donde se encuentra este diseño. conocido. [27]
En la producción de colosales estatuas de Yaksha talladas en forma redonda, que se pueden encontrar en varios lugares del norte de la India, el arte de Mathura se considera el más avanzado en calidad y cantidad durante este período. [30]
Los principales vestigios del arte budista comienzan en el período posterior a los maurianos, del que sobreviven buenas cantidades de escultura. Algunos sitios clave son Sanchi , Bharhut y Amaravati , algunos de los cuales permanecen in situ y otros en museos de la India o de todo el mundo. Las estupas estaban rodeadas por vallas ceremoniales con cuatro toranas o puertas ornamentales profusamente talladas que daban a los puntos cardinales. Son de piedra, aunque adoptan claramente formas desarrolladas en madera. Tanto ellos como las paredes de la propia estupa pueden estar profusamente decorados con relieves, que en su mayoría ilustran la vida de Buda. Poco a poco se fueron esculpiendo figuras de tamaño natural, inicialmente en profundo relieve, pero luego independientes. [32]
Mathura fue el centro más importante de este desarrollo, que se aplicó tanto al arte hindú y jainista como al budista. [33] Las fachadas y los interiores de las salas de oración chaitya excavadas en la roca y los viharas monásticos han sobrevivido mejor que estructuras independientes similares en otros lugares, que durante mucho tiempo fueron en su mayoría de madera. Las cuevas de Ajanta , Karle , Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores, como figuras icónicas de Buda y bodhisattvas , que no se encuentran al menos antes del año 100 d.C.
El budismo desarrolló un énfasis cada vez mayor en las estatuas de Buda, que estuvo muy influenciado por el arte figurativo religioso hindú y jainista. Las figuras de este período también fueron influenciadas por el arte greco-budista de los siglos posteriores a las conquistas de Alejandro Magno . Esta fusión se desarrolló en el extremo noroeste de la India, especialmente en Gandhara, en los modernos Afganistán y Pakistán . [34] El Imperio indio Kushan se extendió desde Asia Central para incluir el norte de la India en los primeros siglos d.C., y encargó brevemente grandes estatuas que eran retratos de la dinastía real. [35]
Con la caída del Imperio Maurya , el control de la India volvió a la antigua costumbre de las dinastías regionales, una de las más importantes de las cuales fue la dinastía Shunga (c. 185 a. C. - 72 a. C.) de la India central. Durante este período, así como durante la dinastía Satavahana, que ocurrió al mismo tiempo que la dinastía Shunga en el sur de la India, se crearon algunas de las primeras arquitecturas budistas más significativas. Podría decirse que la arquitectura más significativa de esta dinastía es la estupa, un monumento religioso que suele contener una reliquia sagrada del budismo. Estas reliquias a menudo, pero no siempre, estaban directamente conectadas de alguna manera con el Buda. Debido al hecho de que estas estupas contenían restos del propio Buda, cada estupa era venerada como una extensión del cuerpo de Buda, su iluminación y su logro del nirvana. La forma en que los budistas veneran la estupa es caminando alrededor de ella en el sentido de las agujas del reloj. [36]
Uno de los ejemplos más notables de estupa budista de la dinastía Shunga es la Gran Estupa de Sanchi, que se cree que fue fundada por el emperador Maurya Ashoka c. 273 a. C. - 232 a. C. durante el Imperio Maurya. [37] La Gran Estupa fue ampliada a su diámetro actual de 120 pies, cubierta con un revestimiento de piedra, rematada con un balcón y una sombrilla, y rodeada con una barandilla de piedra durante la dinastía Shunga c. 150 a. C. – 50 a. C.
Además de la arquitectura, otra forma de arte importante de la dinastía Shunga son las placas de terracota elaboradamente moldeadas. Como se ha visto en ejemplos anteriores del Imperio Maurya, un estilo en el que los detalles superficiales, la desnudez y la sensualidad continúan en las placas de terracota de la dinastía Shunga. Las representaciones figurativas más comunes que se ven en estas placas son mujeres, algunas de las cuales se cree que son diosas, que en su mayoría se muestran con el torso desnudo y con elaborados tocados. [38]
La dinastía Satavahana gobernó en el centro de la India y patrocinó muchos grandes monumentos budistas, estupas , templos y salas de oración, incluida la Estupa Amaravati , las Cuevas de Karla y la primera fase de las Cuevas de Ajanta . [39]
Las estupas son monumentos religiosos construidos sobre túmulos que contienen reliquias bajo una sólida cúpula. Las estupas en diferentes áreas de la India pueden variar en estructura, tamaño y diseño; sin embargo, sus significados representacionales son bastante similares. Están diseñados en base a un mandala , un gráfico del cosmos propio del budismo. Una estupa tradicional tiene una barandilla que proporciona un camino sagrado para que los seguidores budistas practiquen la circunvalación devocional en entornos rituales. Además, los antiguos indios consideraban las cuevas como lugares sagrados ya que estaban habitadas por santos y monjes. Se construyó un chaitya a partir de una cueva. [36]
Esculturas en relieve de figuras budistas y epígrafes escritos en caracteres brahmi se encuentran a menudo en lugares divinos específicos del budismo. [40] Para celebrar lo divino, el pueblo Satavahana también hizo imágenes de piedra como decoración en las arquitecturas budistas. Basados en conocimientos de geometría y geología, crearon imágenes ideales utilizando un conjunto de técnicas y herramientas complejas como cinceles, martillos y compases con punta de hierro. [41]
Además, las delicadas monedas Satavahana muestran la capacidad de crear arte en ese período. Los Satavahanas emitieron monedas principalmente en cobre, plomo y potin . Más tarde se empezó a utilizar la plata para la producción de monedas. Las monedas suelen tener retratos detallados de gobernantes e inscripciones escritas en el idioma tamil y telugu . [40]
Establecido oficialmente por Kujula Kadphises , el primer emperador Kushan que unió a las tribus Yuezhi , el imperio Kushan fue un imperio sincrético en Asia central y meridional, incluidas las regiones de Gandhara y Mathura en el norte de la India. Del 127 al 151 d.C., Gandharan alcanzó su apogeo bajo el reinado de Kanishka el Grande. En este período, el arte Kushan heredó el arte greco-budista . [42] El budismo mahayana floreció y las representaciones de Buda como forma humana aparecieron por primera vez en el arte. Vestido con una túnica de monje y un largo trozo de tela sobre el hombro izquierdo y alrededor del cuerpo, el Buda fue representado con 32 lakshanas (marcas distintivas) principales, incluido un cuerpo de color dorado, una ushnisha (una protuberancia) en la parte superior de su cabeza, aretes pesados, lóbulos de las orejas alargados, brazos largos, la impresión de un chakra (rueda) en las palmas de las manos y las plantas de los pies, y la urna (una marca entre las cejas). [36]
Una de las características distintivas del arte gandharano es su relación con el naturalismo del arte helenístico . Las características naturalistas que se encuentran en las esculturas de Gandhara incluyen el tratamiento tridimensional de las cortinas, con pliegues no regularizados que forman patrones realistas de forma y grosor aleatorios. La forma física del Buda y sus bodhisattvas es bien definida, sólida y musculosa, con pechos, brazos y abdomen hinchados. [43] El budismo y el arte budista se extendieron a Asia Central y el Lejano Oriente a través de Bactria y Sogdia , donde el Imperio Kushan se encontró con la Dinastía Han de China. [44]
El período Gupta se considera generalmente como un pico clásico del arte del norte de la India para todos los principales grupos religiosos. Aunque la pintura estaba evidentemente muy extendida y sobrevive en las cuevas de Ajanta , las obras supervivientes son casi todas esculturas religiosas.
Este período vio el surgimiento de la icónica deidad de piedra tallada en el arte hindú, así como la figura de Buda y las figuras jainistas de tirthankara , estas últimas a menudo a muy gran escala. Los principales centros de escultura fueron Mathura Sarnath y Gandhara , este último el centro de arte greco-budista .
El período Gupta marcó la "edad de oro" del hinduismo clásico, [45] y vio la arquitectura de templo hindú más antigua construida , aunque las supervivencias no son numerosas.
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Durante este período, la arquitectura de los templos hindúes maduró en una serie de estilos regionales, y una gran proporción del registro histórico del arte de este período consiste en esculturas de templos, muchas de las cuales permanecen en su lugar. La historia política de los reinos medios de la India vio a la India dividida en muchos estados, y dado que gran parte de los edificios más grandiosos fueron encargados por los gobernantes y su corte, esto contribuyó al desarrollo de diferencias regionales. La pintura, tanto a gran escala en las paredes como en formas en miniatura, era sin duda una práctica muy extendida, pero las supervivencias son raras. Los bronces medievales han sobrevivido con mayor frecuencia en el sur tamil o en las estribaciones del Himalaya.
Las inscripciones en los Pilares de Ashoka mencionan la coexistencia de los reinos del norte con el triunvirato de las dinastías tamil Chola , Chera y Pandya , situados al sur de las montañas Vindhya . [46] El período medieval fue testigo del ascenso y caída de estos reinos, junto con otros reinos de la zona. Es durante la decadencia y el resurgimiento de estos reinos que se renovó el hinduismo . Fomentó la construcción de numerosos templos y esculturas.
El Templo de la Orilla en Mamallapuram construido por los Pallavas simboliza la arquitectura hindú temprana , con su relieve en roca monolítica y esculturas de deidades hindúes. Fueron sucedidos por gobernantes Chola que fueron prolíficos en su búsqueda de las artes . Los Grandes Templos Vivientes Chola de este período son conocidos por su madurez, grandeza y atención al detalle, y han sido reconocidos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO . [47] El período Chola también es conocido por sus esculturas de bronce, la técnica de fundición a la cera perdida y sus pinturas al fresco . Gracias a los reyes hindúes de la dinastía Chalukya , el jainismo floreció junto con el Islam, como lo demuestra el hecho de que el cuarto de los templos de las cuevas de Badami era jainista en lugar de védico . Los reinos del sur de la India continuaron gobernando sus tierras hasta las invasiones musulmanas que establecieron allí sultanatos y destruyeron gran parte de los templos y maravillosos ejemplos de arquitectura y escultura.
Otros estados hindúes ahora son conocidos principalmente por los templos que se conservan y las esculturas adjuntas. Estos incluyen la arquitectura Badami Chalukya (siglos V al VI), la arquitectura Chalukya occidental (siglos XI al XII) y la arquitectura Hoysala (siglos XI al XIV), todas centradas en la moderna Karnataka .
En el este de la India, Odisha y Bengala Occidental , la arquitectura Kalinga era el estilo de templo amplio, con variantes locales, antes de la conquista musulmana.
En la antigüedad, Bengala fue pionera en la pintura en Asia bajo el Imperio Pala. La pintura en miniatura y en pergaminos floreció durante el Imperio mogol. La pintura Kalighat o Kalighat Pat se originó en Bengala del siglo XIX, en las cercanías del Templo Kalighat Kali de Calcuta, y al ser artículos de recuerdo que se llevaban los visitantes del templo de Kali, las pinturas durante un período de tiempo se desarrollaron como una escuela distinta de Pintura india. A partir de la representación de dioses hindúes y otros personajes mitológicos, las pinturas de Kalighat evolucionaron para reflejar una variedad de temas.
Aunque las conquistas islámicas en la India se llevaron a cabo ya en la primera mitad del siglo X, no fue hasta el Imperio Mughal que se observan emperadores que patrocinaban las bellas artes. El emperador Humayun , durante su restablecimiento del Sultanato de Delhi en 1555, trajo consigo a Mir Sayyid Ali y Abd al-Samad , dos de los mejores pintores del renombrado taller del persa Shah Tahmasp .
Durante el reinado de Akbar (1556-1605), el número de pintores aumentó de alrededor de 30 durante la creación de Hamzanama a mediados de la década de 1560, a alrededor de 130 a mediados de la década de 1590. [48] Según el historiador de la corte Abu'l-Fazal , Akbar era muy activo en su interés por las artes, inspeccionando a sus pintores regularmente y premiando a los mejores. [49] Es durante esta época que los artistas persas se sintieron atraídos por traer su estilo único al imperio. Los elementos indios estuvieron presentes en sus obras desde el principio, con la incorporación de flora y fauna india local que de otro modo estaban ausentes en el estilo tradicional persa. Las pinturas de esta época reflejaron la vitalidad y la inclusión del reino de Akbar, con la producción de miniaturas persas , las pinturas Rajput (incluida la escuela Kangra ) y el estilo Pahari del norte de la India. También influyeron en las acuarelas de estilo de la Compañía creadas durante el dominio británico muchos años después.
Con la muerte de Akbar, su hijo Jahangir (1605-1627) subió al trono. Prefería que cada pintor trabajara en una sola pieza en lugar de la colaboración fomentada durante la época de Akbar. Este período marca el surgimiento de distintos estilos individuales, en particular Bishan Das , Manohar Das , Abu al-Hasan , Govardhan y Daulat. [50] El propio Jahangir tenía la capacidad de identificar el trabajo de cada artista individual, incluso si el trabajo no tenía nombre. El Razmnama (traducción persa de la epopeya hindú Mahabharata ) y una memoria ilustrada de Jahangir, llamada Tuzuk-i Jahangiri , fueron creadas bajo su gobierno. Jahangir fue sucedido por Shah Jahan (1628-1658), cuya contribución arquitectónica más notable es el Taj Mahal . Las pinturas bajo su gobierno eran más formales y presentaban escenas de la corte, en contraste con los estilos personales de la época de su predecesor. Aurangzeb (1658-1707), que tenía creencias sunitas cada vez más ortodoxas, arrebató por la fuerza el trono a su padre Shah Jahan. Con la prohibición de la música y la pintura en 1680, su reinado vio el declive del patrocinio mogol de las artes.
A medida que la pintura decayó en la corte imperial, los artistas y la influencia general de la pintura mogol se extendieron a las cortes principescas y las ciudades del norte de la India, donde tanto el retrato como la ilustración de las epopeyas indias y la pintura religiosa hindú se desarrollaron en muchas escuelas y estilos locales. Entre ellas destacan las escuelas de pintura Rajput , Pahari , Deccan y Kangra .
El último imperio del sur de la India ha dejado espectaculares restos de la arquitectura Vijayanagara , especialmente en Hampi, Karnataka , a menudo profusamente decorados con esculturas. Estos desarrollaron la tradición Chola. Después de la conquista mogol, la tradición del templo continuó desarrollándose, principalmente en la expansión de los templos existentes, que agregaron nuevos muros exteriores con gopurams cada vez más grandes , a menudo eclipsando los edificios más antiguos del centro. Por lo general, estos se cubrían densamente con estatuas de yeso de deidades y otras figuras religiosas, cuya pintura de colores brillantes debía renovarse a intervalos para que no se erosionara.
En el centro-sur de la India, a finales del siglo XV, después de los reinos medios, el sultanato de Bahmani se desintegró en los sultanatos del Deccan centrados en Bijapur , Golconda , Ahmadnagar , Bidar y Berar . Utilizaron técnicas védicas de fundición de metales, tallado en piedra y pintura, así como un estilo arquitectónico distintivo con la adición de ciudadelas y tumbas de la arquitectura mogol. Por ejemplo, la dinastía Baridi (1504-1619) de Bidar vio la invención de la cerámica bidri , que fue adoptada de los períodos védico y maurya: pilares ashoka de zinc mezclados con cobre, estaño y plomo e incrustados con plata o latón, luego cubiertos con una pasta de barro que contenía sal amoniacal , que volvía negro el metal base, resaltando el color y el brillo del metal incrustado. Sólo después de la conquista mogol de Ahmadnagar en 1600, la influencia persa patrocinada por los mogoles turco-mongoles comenzó a afectar el arte de Deccan.
El dominio colonial británico tuvo un gran impacto en el arte indio, especialmente a partir de mediados del siglo XIX. Muchos antiguos mecenas del arte se volvieron menos ricos e influyentes, y el arte occidental se hizo más omnipresente a medida que el Imperio Británico estableció escuelas de arte en las principales ciudades. La más antigua, la Escuela Gubernamental de Bellas Artes de Chennai , se estableció en 1850. En las principales ciudades con muchos europeos, el estilo de pequeñas pinturas de la Compañía se volvió común, creado por artistas indios que trabajaban para los patrocinadores europeos de la Compañía de las Indias Orientales . El estilo utilizó principalmente acuarela para transmitir texturas y tonos suaves, en un estilo que combina influencias de grabados occidentales y pintura mogol. [51] Hacia 1858 , el gobierno británico asumió la tarea de administración de la India bajo el Raj británico . Muchos encargos de príncipes indios eran ahora total o parcialmente de estilos occidentales, o de la arquitectura híbrida indo-sarracena . La fusión de las tradiciones indias con el estilo europeo de esta época es evidente en las pinturas al óleo de Raja Ravi Varma de mujeres vestidas con sari de manera elegante.
La Escuela de Arte de Bengala , comúnmente conocida como Escuela de Bengala, fue un movimiento artístico y un estilo de pintura india que se originó en Bengala , principalmente en Calcuta y Shantiniketan, y floreció en todo el subcontinente indio, durante el Raj británico a principios del siglo XX. También conocido como "estilo de pintura indio" en sus inicios, estaba asociado con el nacionalismo indio (swadeshi) y dirigido por Abanindranath Tagore (1871-1951), pero también fue promovido y apoyado por administradores artísticos británicos como EB Havell, el principal de la Escuela Gubernamental de Arte y Artesanía de Calcuta desde 1896; Con el tiempo, condujo al desarrollo de la pintura india moderna.
Más tarde, Tagore intentó desarrollar vínculos con artistas japoneses como parte de una aspiración de construir un modelo de arte panasiático . A través de las pinturas de 'Bharat Mata', Abanindranath estableció el patrón de patriotismo. Los pintores y artistas de la escuela bengalí fueron Nandalal Bose, MAR Chughtai, Sunayani Devi (hermana de Abanindranath Tagore), Manishi Dey, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Asit Kumar Haldar, Sudhir Khastgir , Kshitindranath Majumdar, Sughra Rababi.
Entre 1920 y 1925, Gaganendranath fue pionero en experimentos en pintura modernista. Partha Mitter lo describe como "el único pintor indio antes de la década de 1940 que utilizó el lenguaje y la sintaxis del cubismo en su pintura". A partir de 1925, el artista desarrolló un complejo estilo poscubista.
Con el movimiento Swadeshi ganando impulso en 1905, los artistas indios intentaron resucitar las identidades culturales suprimidas por los británicos, rechazando el estilo romántico de las pinturas de la Compañía y el trabajo amanerado de Raja Ravi Varma y sus seguidores. Así se creó lo que hoy se conoce como la Escuela de Arte de Bengala, liderada por los estilos asiáticos reelaborados (con énfasis en el nacionalismo indio) de Abanindranath Tagore (1871-1951), a quien se ha referido como el padre del arte indio moderno. [52] Otros artistas de la familia Tagore, como Rabindranath Tagore (1861-1941) y Gaganendranath Tagore (1867-1938), así como nuevos artistas de principios del siglo XX como Amrita Sher-Gil (1913-1941), fueron los responsables. por introducir los estilos occidentales de vanguardia en el arte indio. Muchos otros artistas como Jamini Roy y más tarde SH Raza se inspiraron en las tradiciones populares . En 1944, KCS Paniker fundó la Asociación de Pintores Progresistas (PPA), dando lugar así al "movimiento de madrás" en el arte. [53]
En 1947, la India se independizó del dominio británico. Un grupo de seis artistas ( KH Ara , SK Bakre , HA Gade , MF Husain , SH Raza y Francis Newton Souza ) fundaron el Bombay Progressive Artists' Group en el año 1952, para establecer nuevas formas de expresar la India en la era poscolonial. . Aunque el grupo se disolvió en 1956, tuvo una profunda influencia en el cambio del lenguaje del arte indio. Casi todos los artistas más importantes de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que son muy conocidos hoy en día son Bal Chabda, Manishi Dey , VS Gaitonde, Krishen Khanna , Ram Kumar , Tyeb Mehta , KG Subramanyan , A. Ramachandran , Devender Singh , Akbar Padamsee, John Wilkins , Himmat Shah y Manjit Bawa . [54] El arte indio actual es variado como nunca antes. Entre los artistas más conocidos de la nueva generación se encuentran Bose Krishnamachari y Bikash Bhattacharjee .
La pintura y la escultura siguieron siendo importantes en la segunda mitad del siglo XX, aunque en el trabajo de artistas destacados como Nalini Malani , Subodh Gupta , Narayanan Ramachandran, Vivan Sundaram , Jitish Kallat , GR Iranna , Bharati Kher, Chittravanu Muzumdar, a menudo encontraron nuevas direcciones radicales. Bharti Dayal ha elegido manejar la pintura tradicional de Mithila de la manera más contemporánea y ha creado su propio estilo a través de ejercicios de su propia imaginación, que parecen frescos e inusuales.
El aumento del discurso sobre el arte indio, tanto en inglés como en lenguas vernáculas indias, cambió la forma en que se percibía el arte en las escuelas de arte. El enfoque crítico se volvió riguroso; Críticos como Geeta Kapur , R. Siva Kumar , [55] [56] Shivaji K. Panikkar, Ranjit Hoskote , entre otros, contribuyeron a repensar la práctica del arte contemporáneo en la India.
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La primera escultura conocida en el subcontinente indio pertenece a la civilización del valle del Indo (3300-1700 a. C.), y se encuentra en sitios de Mohenjo-daro y Harappa en el actual Pakistán . Estos incluyen al famoso pequeño bailarín de bronce Nataraja . Sin embargo, estas figuras de bronce y piedra son raras y muy superadas en número por las figurillas de cerámica y los sellos de piedra, a menudo de animales o deidades muy finamente representados. Después del colapso de la civilización del valle del Indo, hay pocos registros de esculturas hasta la era budista, aparte de un tesoro de figuras de cobre de (algo controvertidamente) c. 1500 a. C. de Daimabad . [57]
La gran tradición india de escultura monumental en piedra parece comenzar relativamente tarde, con el reinado de Ashoka del 270 al 232 a. C., y los Pilares de Ashoka que erigió por toda la India, llevando sus edictos y coronados por famosas esculturas de animales, en su mayoría leones, de los cuales seis sobreviven. [58] Grandes cantidades de escultura figurativa, en su mayoría en relieve, sobreviven de las estupas de peregrinación del budismo temprano, sobre todo Sanchi ; probablemente surgieron de una tradición que utilizaba madera. [59] De hecho, la madera siguió siendo el principal medio escultórico y arquitectónico en Kerala durante todos los períodos históricos hasta las últimas décadas. [60]
Durante los siglos II al I a. C., en el extremo norte de la India , en el arte greco-budista de Gandhara de lo que hoy es el sur de Afganistán y el norte de Pakistán , las esculturas se volvieron más explícitas y representaban episodios de la vida y las enseñanzas de Buda. Aunque la India tenía una larga tradición escultórica y un dominio de la rica iconografía, el Buda nunca fue representado en forma humana antes de esta época, sino sólo a través de algunos de sus símbolos. Esto puede deberse a que la escultura budista de Gandhara en el Afganistán moderno muestra influencia artística griega y persa . Artísticamente, se dice que la escuela de escultura de Gandhara contribuyó con cabello ondulado, cortinas que cubrían ambos hombros, zapatos y sandalias, decoraciones de hojas de acanto, etc.
Las esculturas hindúes, jainistas y budistas de arenisca rosa de Mathura de los siglos I al III d.C. reflejaban tanto las tradiciones indias nativas como las influencias occidentales recibidas a través del arte greco-budista de Gandhara, y establecieron efectivamente la base para la escultura religiosa india posterior. [59] El estilo se desarrolló y difundió en la mayor parte de la India bajo el Imperio Gupta (c. 320-550), que sigue siendo un período "clásico" para la escultura india, que abarca las anteriores cuevas de Ellora , [61] aunque las cuevas de Elefanta son probablemente un poco más tarde. [62] La escultura posterior a gran escala sigue siendo casi exclusivamente religiosa y, en general, bastante conservadora, y a menudo recurre a simples posturas frontales de pie para las deidades, aunque los espíritus asistentes, como apsaras y yakshi , a menudo tienen posturas sensualmente curvas. El tallado suele ser muy detallado, con un intrincado respaldo detrás de la figura principal en alto relieve. Los célebres bronces a la cera perdida de la dinastía Chola (c. 850-1250) del sur de la India , muchos de ellos diseñados para ser llevados en procesiones, incluyen la forma icónica de Shiva como Nataraja , [63] con las enormes tallas de granito de Mahabalipuram que datan del siglo XIX. anterior dinastía Pallava . [64] El período Chola también es notable por sus esculturas y bronces. [65] Entre los especímenes existentes en los diversos museos del mundo y en los templos del sur de la India se pueden ver muchas figuras hermosas de Siva en diversas formas, Vishnu y su esposa Lakshmi , santos de Siva y muchos más. [66]
La tradición y los métodos de la pintura de acantilados de la India evolucionaron gradualmente a lo largo de muchos miles de años; se encuentran múltiples lugares con arte prehistórico. Las primeras cuevas incluían rocas colgantes decoradas con arte excavado en la roca y el uso de cuevas naturales durante el período Mesolítico (6000 a. C.). Su uso ha continuado en algunas áreas hasta tiempos históricos. [67] Los refugios rocosos de Bhimbetka se encuentran en el borde de la meseta de Deccan , donde una profunda erosión ha dejado enormes afloramientos de arenisca . Las numerosas cuevas y grutas que se encuentran allí contienen herramientas primitivas y pinturas rupestres decorativas que reflejan la antigua tradición de interacción humana con su paisaje, una interacción que continúa hasta el día de hoy. [68]
Los frescos más antiguos que se conservan del período histórico se han conservado en las cuevas de Ajanta ; la cueva 10 tiene algunos del siglo I d.C., aunque los grupos más grandes y famosos son del siglo V. A pesar de las condiciones climáticas que tienden a ir en contra de la supervivencia de las pinturas más antiguas, en total se conocen más de 20 lugares en la India con pinturas y vestigios de pinturas anteriores de la época antigua y temprana de la Edad Media (hasta los siglos VIII y X d.C.), [ 69] aunque estos son sólo una pequeña fracción de lo que alguna vez habría existido. Los frescos más importantes del período antiguo y medieval temprano se encuentran en las cuevas de Ajanta, Bagh , Ellora y Sittanavasal , siendo la última jainista de los siglos VII-X. Aunque muchas muestran evidencia de haber sido realizadas por artistas acostumbrados principalmente a decorar palacios, no sobrevive ninguna pintura mural secular temprana. [70]
Las pinturas al fresco de Chola fueron descubiertas en 1931 dentro del pasaje circunambulatorio del Templo Brihadisvara en Thanjavur , Tamil Nadu , y son los primeros especímenes de Chola descubiertos. Los investigadores han descubierto la técnica utilizada en estos frescos. Se aplica una masa suave de mezcla de piedra caliza sobre las piedras, que tardó de dos a tres días en fraguar. En ese corto lapso, pinturas tan grandes fueron pintadas con pigmentos orgánicos naturales. Durante el período Nayak se pintaron las pinturas Chola. Los frescos de Chola que se encuentran debajo expresan un ardiente espíritu de saivismo . Probablemente se sincronizaron con la finalización del templo por parte de Rajaraja Cholan el Grande.
La pintura mural de Kerala tiene frescos , murales o pinturas murales bien conservados en las paredes de los templos de Pundarikapuram, Ettumanoor y Aymanam y otros lugares.
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Aunque se conservan pocas miniaturas indias anteriores al año 1000 d. C. aproximadamente, y algunas de los siglos siguientes, probablemente existía una tradición considerable. Los que sobreviven son inicialmente ilustraciones de textos budistas, seguidas más tarde por equivalentes jainistas e hindúes, y el declive del budismo, así como el vulnerable material de apoyo del manuscrito en hoja de palma , probablemente explican la rareza de los primeros ejemplos. [71]
La pintura mogol en miniaturas sobre papel se desarrolló muy rápidamente a finales del siglo XVI a partir de la influencia combinada de la tradición de miniaturas existente y de artistas formados en la tradición de miniaturas persa importada por la corte del emperador mogol . Los nuevos ingredientes del estilo fueron un realismo mucho mayor, especialmente en los retratos, y el interés por los animales, las plantas y otros aspectos del mundo físico. [72] La pintura de Deccan se desarrolló aproximadamente al mismo tiempo en las cortes de los sultanatos de Deccan hacia el sur, en algunos aspectos más vital, aunque menos equilibrada y elegante. [73]
Las miniaturas ilustraban libros o eran obras individuales para muraqqas o álbumes de pintura y caligrafía islámica . El estilo se extendió gradualmente en los dos siglos siguientes para influir en la pintura sobre papel en las cortes principescas musulmana e hindú, desarrollándose en una serie de estilos regionales a menudo llamados "sub-mogol", incluida la pintura Rajput , la pintura Pahari y, finalmente, la pintura Company , una Estilo híbrido de acuarela influenciado por el arte europeo y patrocinado en gran medida por el pueblo del raj británico . En los centros "pahari" ("montaña") como el de la pintura Kangra, el estilo siguió siendo vital y continuó desarrollándose hasta las primeras décadas del siglo XIX. [74] Desde mediados del siglo XIX, las pinturas de caballete de estilo occidental fueron pintadas cada vez más por artistas indios formados en escuelas de arte gubernamentales.
El subcontinente indio tiene el legado continuo más largo de fabricación de joyas, con una historia de más de 5.000 años. [75] El uso de joyas como depósito de capital sigue siendo más común en la India que en la mayoría de las sociedades modernas, y el oro parece haber sido siempre el preferido como metal. India y sus alrededores eran fuentes importantes de piedras preciosas de alta calidad , y la joyería de la clase dominante se caracteriza por su uso generoso. Uno de los primeros en empezar a fabricar joyas fue la gente de la civilización del valle del Indo . Los primeros restos son pocos, ya que no fueron enterrados con sus dueños.
Sin duda, la madera era extremadamente importante, pero rara vez sobrevive mucho tiempo en el clima indio. Los materiales animales orgánicos como el marfil o el hueso fueron desaconsejados por las religiones dhármicas , aunque existen ejemplos budistas, como los marfiles de Begram , muchos de fabricación india, pero encontrados en Afganistán , y algunos colmillos tallados relativamente modernos . En entornos musulmanes son más comunes.
La oscuridad envuelve el período comprendido entre la decadencia de los Harappa y el período histórico definido que comienza con los Mauryas , y en el período histórico, la primera religión india que inspiró importantes monumentos artísticos fue el budismo . Aunque es posible que haya habido estructuras anteriores de madera que se hayan transformado en estructuras de piedra, no hay evidencia física de ellas, excepto referencias textuales. Poco después de que los budistas iniciaran las cuevas excavadas en la roca , los hindúes y los jainistas comenzaron a imitarlas en Badami , Aihole , Ellora , Salsette , Elephanta , Aurangabad y Mamallapuram y Mughals . Parece ser una constante en el arte indio que las diferentes religiones compartían un estilo artístico muy similar en un período y lugar determinados, aunque adaptaban naturalmente la iconografía para que coincidiera con la religión que las encargaba. [76] Probablemente los mismos grupos de artistas trabajaron para las diferentes religiones independientemente de sus propias afiliaciones.
El arte budista se desarrolló por primera vez durante el período Gandhara y los períodos Amaravati alrededor del siglo I a.C. Continuó floreciendo durante los períodos Gupta y Pala que comprenden la Edad de Oro de la India, incluso cuando los gobernantes se volvieron en su mayoría hindúes. [77] El arte budista desapareció en gran medida a finales del primer milenio, después de lo cual las dinastías hindúes como los imperios Pallava , Chola , Hoysala y Vijayanagara desarrollaron sus propios estilos.
No existe una línea de tiempo que divida la creación de templos excavados en la roca y los templos independientes construidos con piedra tallada, ya que se desarrollaron en paralelo. La construcción de estructuras independientes comenzó en el siglo V, mientras que se continuaron excavando templos excavados en la roca hasta el siglo XII. Un ejemplo de templo estructural independiente es el Templo de la Costa , parte del Patrimonio de la Humanidad de Mahabalipuram , con su esbelta torre, construida en la orilla de la Bahía de Bengala con rocas de granito finamente talladas , cortadas como ladrillos y que datan del siglo VIII. siglo. [78] [79]
El arte popular y tribal en la India adopta diferentes manifestaciones a través de diversos medios, como la cerámica, la pintura, la orfebrería, [80] el arte en papel, el tejido y el diseño de objetos como joyas y juguetes. Estos no son sólo objetos estéticos sino que, de hecho, tienen un significado importante en la vida de las personas y están ligados a sus creencias y rituales. Los objetos pueden ir desde esculturas, máscaras (utilizadas en rituales y ceremonias), pinturas, textiles, cestería, objetos de cocina, armas y armas, y el propio cuerpo humano ( tatuajes y piercings ). Hay un profundo significado simbólico que se atribuye no sólo a los objetos en sí sino también a los materiales y técnicas utilizados para producirlos.
A menudo, los dioses y leyendas puránicos se transforman en formas contemporáneas e imágenes familiares. Las ferias, los festivales, los héroes locales (en su mayoría guerreros) y las deidades locales desempeñan un papel vital en estas artes (Ejemplo: el arte Nakashi de Telangana o la pintura Cherial Scroll ).
El arte popular también incluye las expresiones visuales de los nómadas errantes. Este es el arte de las personas que están expuestas a paisajes cambiantes mientras viajan por los valles y tierras altas de la India. Llevan consigo las experiencias y recuerdos de diferentes espacios y su arte consiste en el patrón transitorio y dinámico de la vida. Lo rural , lo tribal y las artes de los nómadas constituyen la matriz de la expresión popular. Ejemplos de artes populares son:
Si bien la mayoría de las tribus y comunidades de artistas folclóricos tradicionales están asimiladas al tipo de vida civilizada familiar, aún continúan practicando su arte. Lamentablemente, las fuerzas económicas y del mercado han hecho que el número de estos artistas esté disminuyendo. [84] [85] Varias ONG y el Gobierno de la India están haciendo muchos esfuerzos para preservar y proteger estas artes y promoverlas. Varios académicos en la India y en todo el mundo han estudiado estas artes y se encuentran disponibles valiosas becas sobre ellas. El espíritu popular desempeña un enorme papel en el desarrollo del arte y en la conciencia general de las culturas indígenas.
El año 1997 fue testigo de dos gestos paralelos de formación canónica. Por un lado, el influyente Grupo Baroda , una coalición cuyos miembros originales incluían a Vivan Sundaram , Ghulam Mohammed Sheikh , Bhupen Khakhar y Nalini Malani , y que había dejado su huella en la historia con la exposición de 1981 "Lugar para la gente". —fue definitivamente historizado en 1997 con la publicación de Arte Contemporáneo en Baroda, una antología de ensayos editada por Sheikh. Por otro lado, la exposición de referencia del historiador del arte R. Siva Kumar y su publicación relacionada, A Contextual Modernism , devolvieron a los artistas santiniketanos (Rabindranath Tagore , Nandalal Bose , Benode Behari Mukherjee y Ramkinkar Baij) al lugar que les corresponde como creadores. de un modernismo logrado localmente pero transcultural en la década de 1930, mucho antes de que los progresistas compusieran su manifiesto a finales de la década de 1940. De los artistas de Santiniketan, Siva Kumar observó que “revisaron los antecedentes tradicionales en relación con las nuevas vías abiertas por los contactos interculturales. También lo vieron como un imperativo histórico. Se dieron cuenta de que la insularidad cultural tenía que dar paso al eclecticismo y la impureza cultural”. [86]
La idea de modernismo contextual surgió en 1997 de Santiniketan : The Making of a Contextual Modernism de R. Siva Kumar como una herramienta crítica poscolonial para la comprensión de un modernismo alternativo en las artes visuales de las antiguas colonias como la India, específicamente la de la India. Artistas santiniketanos.
Se han utilizado varios términos, incluida la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow , para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall sostiene que 'modernismo contextual' es un término más adecuado porque “lo colonial en la modernidad colonial no se adapta a la negativa de muchos en situaciones colonizadas a internalizar la inferioridad. El rechazo de la subordinación por parte de los maestros artistas de Santiniketan incorporó una visión contraria a la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsó y caracterizó la modernidad y el modernismo imperial occidental. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de una potencia colonial británica triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares”. [87]
Según R. Siva Kumar, "los artistas de Santiniketan fueron uno de los primeros que desafiaron conscientemente esta idea de modernismo al optar por no aceptar tanto el modernismo internacionalista como el carácter autóctono historicista y trataron de crear un modernismo sensible al contexto". [88] Había estado estudiando el trabajo de los maestros de Santiniketan y pensando en su enfoque del arte desde principios de los años 80. La práctica de subsumir a Nandalal Bose , Rabindranath Tagore , Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee en la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa. Esto sucedió porque los primeros escritores se guiaban por genealogías de aprendizaje más que por sus estilos, cosmovisiones y perspectivas sobre la práctica artística . [88]
El Modernismo Contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos de estudios relacionados, especialmente en la Arquitectura . [89]
... Amado-de-los-dioses, dominio del rey Piyadasi, y entre la gente más allá de las fronteras, los Cholas, los Pandyas, ...
... la globalización ha desencadenado el surgimiento de una macrocultura sintética... está ganando popularidad día a día y silenciosamente diseñando el desgaste gradual del arte y la cultura tribal/folclórica.
En la ola de medios electrónicos, nuestra... cultura antigua y arte tribal han ido decayendo..., dijo el investigador de folklore J Srinivasaiah.
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