El teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogos hablados , actuación y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo , amor, ira) se comunican a través de palabras, música, movimiento y aspectos técnicos del entretenimiento como un todo integrado. Aunque el teatro musical se superpone con otras formas teatrales como la ópera y la danza, se puede distinguir por la igual importancia que se le da a la música en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos. Desde principios del siglo XX, las obras escénicas del teatro musical generalmente se denominan, simplemente, musicales .
Aunque la música ha sido parte de representaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical occidental moderno surgió durante el siglo XIX, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las de Harrigan y Hart en Estados Unidos. A estas les siguieron las comedias musicales eduardianas , que surgieron en Gran Bretaña, y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a principios del siglo XX. Los musicales del Princess Theatre (1915-1918) fueron pasos artísticos más allá de las revistas y otros entretenimientos espumosos de principios del siglo XX y dieron lugar a obras tan innovadoras como Show Boat (1927), Of Thee I Sing (1931) y Oklahoma! (1943). Algunos de los musicales más famosos de las décadas siguientes incluyen My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986). ), Rent (1996), Wicked (2003) y Hamilton (2015).
Los musicales se representan en todo el mundo. Pueden presentarse en lugares grandes, como producciones de gran presupuesto de Broadway o del West End en la ciudad de Nueva York o Londres. Alternativamente, los musicales pueden representarse en lugares más pequeños, como producciones fuera de Broadway , fuera de Broadway , teatro regional , teatro marginal o producciones de teatro comunitario , o en gira . Los musicales suelen ser presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. Además de Estados Unidos y Gran Bretaña, existen vibrantes escenas de teatro musical en Europa continental, Asia, Australasia, Canadá y América Latina.
Desde el siglo XX, el "libro musical" se define como una obra musical en la que canciones y danzas se integran plenamente en una historia bien realizada, con objetivos dramáticos serios y que es capaz de evocar emociones genuinas distintas de la risa. [2] [3] Los tres componentes principales de un libro musical son su música , letra y libro . El libro o guión de un musical se refiere a la historia, el desarrollo de los personajes y la estructura dramática, incluido el diálogo hablado y las acotaciones escénicas, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, a los que a veces se hace referencia como libreto (en italiano, " libro pequeño"). La música y la letra juntas forman la partitura de un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son "secuencias teatrales con música, que a menudo combinan canciones con diálogos hablados". [4] La interpretación de un musical es responsabilidad de su equipo creativo, que incluye un director, un director musical, normalmente un coreógrafo y en ocasiones un orquestador . La producción de un musical también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos, como la escenografía , el vestuario , las propiedades escénicas (objetos) , la iluminación y el sonido . El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones generalmente cambian desde la producción original hasta las producciones posteriores. Algunos elementos de producción, sin embargo, pueden conservarse de la producción original, por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago .
No hay una duración fija para un musical. Si bien puede variar desde un entretenimiento breve en un acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales duran entre una hora y media y tres horas. Los musicales suelen presentarse en dos actos, con un breve intermedio , y el primer acto suele ser más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayor parte de la música y, a menudo, termina con la introducción de un conflicto dramático o una complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede introducir algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto. o complicación. Un libro musical generalmente se construye alrededor de cuatro a seis temas principales que se repiten más adelante en el programa, aunque a veces consiste en una serie de canciones que no están directamente relacionadas musicalmente. El diálogo hablado generalmente se intercala entre números musicales, aunque se puede utilizar el "diálogo cantado" o el recitativo , especialmente en los musicales llamados " cantados " como Jesucristo Superstar , Falsettos , Los Miserables , Evita y Hamilton . Varios musicales de corta duración en Broadway y el West End del siglo XXI se han presentado en un solo acto.
Los momentos de mayor intensidad dramática en un libro musical a menudo se interpretan en forma de canción. Proverbialmente, "cuando la emoción se vuelve demasiado fuerte para hablar, cantas; cuando se vuelve demasiado fuerte para cantar, bailas". [5] En un libro musical, una canción está idealmente diseñada para adaptarse al personaje (o personajes) y su situación dentro de la historia; aunque ha habido momentos en la historia del musical (por ejemplo, desde la década de 1890 hasta la de 1920) en que esta integración entre música e historia ha sido tenue. Como describió el crítico del New York Times, Ben Brantley , el ideal de la canción en el teatro al reseñar la reposición de Gypsy en 2008 : "No hay separación alguna entre canción y personaje, que es lo que sucede en esos momentos poco comunes en los que los musicales se esfuerzan por alcanzar su objetivo". Razones ideales para estarlo." [6] Por lo general, se cantan muchas menos palabras en una canción de cinco minutos que las que se dicen en un bloque de diálogo de cinco minutos. Por tanto, hay menos tiempo para desarrollar el drama en un musical que en una obra de teatro de duración equivalente, ya que un musical suele dedicar más tiempo a la música que al diálogo. Dentro de la naturaleza comprimida de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.
El material presentado en un musical puede ser original, o puede ser una adaptación de novelas ( Malvados y El hombre de la Mancha ), obras de teatro ( ¡Hola, Dolly! y Carrusel ), leyendas clásicas ( Camelot ), hechos históricos ( Evita y Hamilton ) o películas ( Los Productores y Billy Elliot ). Por otro lado, muchas obras exitosas de teatro musical han sido adaptadas a películas musicales , como West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver! y Chicago .
El teatro musical está estrechamente relacionado con la forma teatral de la ópera, pero ambos suelen distinguirse sopesando una serie de factores. En primer lugar, los musicales generalmente se centran más en el diálogo hablado. [7] Algunos musicales, sin embargo, están completamente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como Die Zauberflöte , y la mayoría de las operetas , tienen algunos diálogos sin acompañamiento. [7] En segundo lugar, los musicales suelen incluir más baile como parte esencial de la narración, especialmente por parte de los artistas principales y del coro. En tercer lugar, los musicales suelen utilizar varios géneros de música popular o al menos estilos musicales y de canto populares. [8]
Por último, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se representa en el idioma de su público. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, siempre se cantan en inglés, incluso si fueron escritos originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es principalmente cantante y sólo secundariamente actor (y rara vez necesita bailar), un intérprete de teatro musical suele ser primero actor, pero también debe ser cantante y bailarín. Alguien que tiene los mismos logros en los tres se denomina "triple amenaza". Los compositores de música para musicales a menudo consideran las demandas vocales de los roles teniendo en mente a los intérpretes de teatro musical. Hoy en día, los grandes teatros que representan musicales generalmente utilizan micrófonos y amplificación de las voces de los actores de una manera que generalmente sería desaprobada en un contexto operístico. [9]
Algunas obras, incluidas las de George Gershwin , Leonard Bernstein y Stephen Sondheim , se han convertido tanto en teatro musical como en producciones operísticas. [10] [11] De manera similar, algunas operetas u óperas ligeras más antiguas (como Los piratas de Penzance de Gilbert y Sullivan ) se han producido en adaptaciones modernas que las tratan como musicales. Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra para definir en qué forma artística cae la pieza. [12] Sondheim dijo: "Realmente creo que cuando algo se presenta en Broadway es un musical, y cuando se presenta en un teatro de ópera es ópera. Eso es todo. Es el terreno, el campo, las expectativas del público lo que lo convierte en una sola cosa. u otro." [13] Sigue habiendo una superposición en la forma entre formas operísticas más ligeras y musicales musicalmente más complejos o ambiciosos. En la práctica, a menudo resulta difícil distinguir entre los distintos tipos de teatro musical, incluidas la "obra musical", la "comedia musical", la "opereta" y la "ópera ligera". [14]
Al igual que la ópera, el canto en el teatro musical generalmente va acompañado de un conjunto instrumental llamado orquesta de foso , ubicado en una zona rebajada frente al escenario. Mientras que la ópera normalmente utiliza una orquesta sinfónica convencional , los musicales generalmente se orquestan para conjuntos que van desde 27 músicos hasta sólo unos pocos músicos . Los musicales de rock suelen emplear un pequeño grupo de instrumentos, en su mayoría de rock, [15] y algunos musicales pueden requerir sólo un piano o dos instrumentos. [16] La música en los musicales utiliza una variedad de "estilos e influencias que incluyen opereta , técnicas clásicas, música folclórica , jazz [y] estilos locales o históricos [que] son apropiados para el entorno". [4] Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que "entreteje extractos de las famosas melodías de la partitura". [17]
Hay varias tradiciones orientales de teatro que incluyen música, como la ópera china , la ópera taiwanesa , el noh japonés y el teatro musical indio , incluido el drama sánscrito , la danza clásica india , el teatro parsi y el Yakshagana . [18] India, desde el siglo XX, ha producido numerosas películas musicales, denominadas musicales de " Bollywood ", y en Japón se ha desarrollado en las últimas décadas una serie de musicales 2.5D basados en cómics populares de anime y manga .
Hay versiones "jóvenes" más cortas o simplificadas de muchos musicales disponibles para escuelas y grupos juveniles, y las obras muy breves creadas o adaptadas para la interpretación de niños a veces se denominan minimusicales . [19] [20]
Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia , donde la música y la danza se incluyeron en comedias y tragedias escénicas durante el siglo V a.C. [21] [22] Sin embargo, la música de las formas antiguas se ha perdido y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. [23] En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaban la liturgia . Grupos de actores usarían vagones de desfile (escenarios sobre ruedas) al aire libre para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas a veces se alternaban con los diálogos en prosa y los cantos litúrgicos daban paso a nuevas melodías. [24]
El Renacimiento europeo vio cómo las formas más antiguas evolucionaban hasta convertirse en dos antecedentes del teatro musical: la commedia dell'arte , donde estridentes payasos improvisaban historias familiares, y más tarde, la ópera buffa . En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobeas incluían con frecuencia música, [25] y se empezaron a incluir obras musicales breves en los entretenimientos dramáticos de las noches. [26] Las máscaras de la corte se desarrollaron durante el período Tudor que involucraban música, baile, canto y actuación, a menudo con trajes costosos y un diseño escénico complejo . [27] [28] Estas se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas; la primera suele considerarse El asedio de Rodas (1656). [29] En Francia, mientras tanto, Molière convirtió varias de sus comedias de farsa en entretenimientos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully ) y danza a finales del siglo XVII. Estos influyeron en un breve período de la ópera inglesa [30] de compositores como John Blow [31] y Henry Purcell . [29]
Desde el siglo XVIII, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron las óperas baladas , como The Beggar's Opera de John Gay , que incluían letras escritas con melodías de canciones populares de la época (a menudo parodias de ópera), y más tarde pantomima . que se desarrolló a partir de la commedia dell'arte y la ópera cómica con tramas principalmente románticas, como The Bohemian Girl (1845) de Michael Balfe . Mientras tanto, en el continente iban surgiendo el singspiel , la comédie en vaudeville , la opéra comique , la zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero. La Ópera del Mendigo fue la primera obra de teatro de larga duración registrada de cualquier tipo, con 62 representaciones sucesivas en 1728. Pasaría casi un siglo antes de que alguna obra superara las 100 representaciones, [32] pero el récord pronto alcanzó las 150 a finales de la década de 1820. . [33] [34] Otras formas de teatro musical se desarrollaron en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall , el melodrama y la burletta , que se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo como salas de música y no se les permitía presentar obras sin música.
La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias gestionadas por su hermano Lewis . [35] En Nueva York, en el verano de 1753, representaron baladas-ópera, como The Beggar's Opera , y baladas-farsas. [35] En la década de 1840, PT Barnum operaba un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. [36] Otros teatros musicales tempranos en Estados Unidos consistían en formas británicas, como la burletta y la pantomima, [23] pero el nombre de una pieza no necesariamente definía lo que era. El espectáculo de Broadway de 1852 The Magic Deer se anunció a sí mismo como "Un cuento burletico, extravagante, histórico, operístico y trágico, de encantamiento". [37] El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad al centro de la ciudad alrededor de 1850 y no llegó al área de Times Square hasta las décadas de 1920 y 1930. Las presentaciones en Nueva York quedaron muy por detrás de las de Londres, pero la "burletta musical" Seven Sisters (1860) de Laura Keene rompió el récord anterior del teatro musical de Nueva York, con una serie de 253 representaciones. [38]
Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico al que llamó opérette . [39] Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach de las décadas de 1850 a 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. [23] Las fértiles melodías de Offenbach, combinadas con la ingeniosa sátira de sus libretistas, formaron un modelo para el teatro musical que siguió. [39] Las adaptaciones de las operetas francesas (interpretadas en su mayoría con traducciones malas y atrevidas), burlescos musicales , music hall, pantomima y burletta dominaron el escenario musical de Londres hasta la década de 1870. [40]
En Estados Unidos, los espectáculos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluían toscas revistas de variedades , que con el tiempo se convirtieron en vodevil , espectáculos de juglares , que pronto cruzaron el Atlántico hasta Gran Bretaña, y burlesque victoriano, popularizado por primera vez en Estados Unidos por compañías británicas. [23] Un musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook , fue una pieza de teatro musical original que se ajustaba a muchas de las definiciones modernas de un musical, incluida la danza y la música original que ayudaba a contar la historia. La espectacular producción, famosa por su diminuto vestuario, tuvo un récord de 474 funciones. [41] El mismo año, The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer programa que se autodenominó "comedia musical". Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1885. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomadas de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representaron un importante paso adelante hacia una sociedad más forma teatral legítima . Estaban protagonizadas por cantantes de alta calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ) en lugar de las damas de dudosa reputación que habían protagonizado formas musicales anteriores.
A medida que el transporte mejoró, la pobreza en Londres y Nueva York disminuyó y el alumbrado público hizo que los viajes nocturnos fueran más seguros, el número de clientes del creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras duraron más, lo que generó mejores ganancias y mejores valores de producción, y los hombres comenzaron a llevar a sus familias al teatro. La primera obra de teatro musical que superó las 500 representaciones consecutivas fue la opereta francesa Las campanadas de Normandía en 1878 (705 representaciones). [33] [42] La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas exitosas de la opereta europea, ninguna con más éxito que la serie de más de una docena de óperas cómicas de Gilbert y Sullivan de larga duración , incluidas HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885 ). ). [39] Estas fueron sensaciones en ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el estándar de lo que se consideró un espectáculo exitoso. [43] Estos espectáculos fueron diseñados para audiencias familiares, un marcado contraste con los burlescos atrevidos, los espectáculos obscenos de music hall y las operetas francesas que a veces atraían a una multitud que buscaba entretenimiento menos saludable. [40] Sólo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la ejecución de El Mikado , como Dorothy , que se inauguró en 1886 y estableció un nuevo récord con una serie de 931 representaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" musicales para que las letras y el diálogo avanzaran en una historia coherente. [44] [45] Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña [46] [47] y Estados Unidos. [43] [48]
Un viaje a Chinatown (1891) fue la campeona de larga duración de Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 funciones, pero las presentaciones en Nueva York continuaron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las presentaciones en Londres, hasta la década de 1920. [33] Gilbert y Sullivan fueron ampliamente pirateados y también fueron imitados en Nueva York por producciones como Robin Hood (1891) de Reginald De Koven y El Capitán (1896)de John Philip Sousa . A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares ), seguida deespectáculos con tintes de ragtime . Cientos de comedias musicales se representaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo XX, compuestas por canciones escritas en Tin Pan Alley de Nueva York , incluidas las de George M. Cohan , quien trabajó para crear un estilo estadounidense distinto de las obras de Gilbert y Sullivan. A los espectáculos más exitosos de Nueva York les seguían a menudo extensas giras nacionales. [49]
Mientras tanto, los musicales se apoderaron de los escenarios londinenses en los alegres años noventa , liderados por el productor George Edwardes , quien percibió que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo Saboya y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical familiar y de vestimenta moderna, con canciones populares y alegres, bromas ágiles y románticas y espectáculos elegantes en el Gaiety y sus otros teatros. Estos se inspiraron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos del burlesco y de las piezas de Harrigan y Hart. Reemplazó a las mujeres obscenas del burlesque con su "respetable" cuerpo de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito del primero de ellos, In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893) marcó el estilo para las siguientes tres décadas. Las tramas eran en general espectáculos ligeros y románticos "la pobre doncella ama al aristócrata y lo gana contra todo pronóstico", con música de Ivan Caryll , Sidney Jones y Lionel Monckton . Estos espectáculos fueron inmediatamente copiados ampliamente en Estados Unidos, y la comedia musical eduardiana arrasó con las formas musicales anteriores de ópera cómica y opereta. La Geisha (1896) fue una de las más exitosas de la década de 1890, estuvo en cartelera durante más de dos años y alcanzó un gran éxito internacional.
The Belle of New York (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense que se presentó durante más de un año en Londres. La comedia musical británica Florodora (1899) fue un éxito popular en ambos lados del Atlántico, al igual que A Chinese Honeymoon (1901), que alcanzó un récord de 1.074 funciones en Londres y 376 en Nueva York. [34] Después del cambio de siglo XX, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de programas populares. Otros éxitos duraderos de la comedia musical eduardiana incluyeron The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910). [50]
Prácticamente eliminadas de los escenarios de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con La viuda alegre , y las adaptaciones de operetas continentales se convirtieron en competidoras directas de los musicales. Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial. [51] En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas duraderas, entre ellas The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), El molino rojo (1906) y Naughty Marietta (1910).
En la década de 1910, el equipo formado por PG Wodehouse , Guy Bolton y Jerome Kern , siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan , crearon los " espectáculos Princess Theatre " y allanaron el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podía combinar luz, música popular. entretenimiento con continuidad entre su historia y canciones. [44] El historiador Gerald Bordman escribió:
Estos espectáculos construyeron y pulieron el molde a partir del cual evolucionaron casi todas las grandes comedias musicales posteriores. ... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de comedia musical, creíbles y el humor provenía de las situaciones o la naturaleza de los personajes. Se emplearon las melodías exquisitamente fluidas de Kern para promover la acción o desarrollar la caracterización. ... La comedia musical [eduardiana] a menudo era culpable de insertar canciones de manera impredecible. Los musicales del Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el letrista más observador, alfabetizado e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se siente hasta el día de hoy. [52]
El público que iba al teatro necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial , y acudió en masa al teatro. El exitoso musical de 1919 Irene tuvo 670 funciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta 1938. [53] El público del teatro británico apoyó funciones mucho más largas como la de La doncella de las montañas (1.352 funciones) y especialmente Chu Chin Chow . Su duración de 2.238 funciones fue más del doble que la de cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años. [54] Incluso una reposición de The Beggar's Opera ocupó el escenario durante 1.463 funciones. [55] Revistas como The Bing Boys Are Here in Britain y las de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos también fueron extraordinariamente populares. [37]
Los musicales de los locos años veinte , tomados del vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar grandes rutinas de baile y canciones populares a expensas de la trama. Típicas de la década fueron producciones alegres como Sally ; Señora, sea buena ; No, no, Nanette ; ¡Ay, Kay! ; y cara divertida . A pesar de historias olvidables, estos musicales contaron con estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares perdurables de Kern, George e Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porter y Rodgers and Hart . La música popular estuvo dominada por estándares del teatro musical, como " Fascinating Rhythm ", " Tee for Two " y " Alguien que me cuide ". Muchos espectáculos eran revistas , series de sketches y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Las más conocidas fueron las Ziegfeld Follies anuales , espectaculares revistas de canto y baile en Broadway con decorados extravagantes, trajes elaborados y hermosas coristas. [23] Estos espectáculos también elevaron los valores de producción, y montar un musical generalmente se volvió más caro. [37] Shuffle Along (1921), un espectáculo exclusivamente afroamericano, fue un éxito en Broadway. [56] Una nueva generación de compositores de operetas también surgió en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg , para crear una serie de éxitos populares de Broadway. [57]
En Londres, escritores-estrella como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, como lo hicieron Kern y otros compositores de Tin Pan Alley. Comenzó a llevar a los teatros nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz , y los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway. El escritor de teatro musical Andrew Lamb señala: "Los estilos operístico y teatral de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más adecuado a la sociedad del siglo XX y su idioma vernáculo. Fue en Estados Unidos de donde surgió el estilo más directo, y en Estados Unidos que pudo florecer en una sociedad en desarrollo menos restringida por la tradición del siglo XIX". [58] En Francia, la comedia musical fue escrita en las primeras décadas del siglo para estrellas como Yvonne Printemps . [59]
Avanzando mucho más allá de los musicales comparativamente frívolos y las operetas sentimentales de la década, Show Boat (1927) de Broadway representó una integración aún más completa de libro y partitura que los musicales del Princess Theatre, con temas dramáticos contados a través de la música, el diálogo, el escenario y el movimiento. . Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el hábil libreto de Oscar Hammerstein II . Un historiador escribió: "Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical a diferencia de la comedia musical. Ahora... todo lo demás estaba subordinado a esa obra. Ahora... llegó la integración completa de la canción, el humor y los números de producción en una entidad artística única e inextricable." [60]
A medida que se desató la Gran Depresión durante la gira nacional de Show Boat posterior a Broadway , el público volvió a disfrutar de un entretenimiento de canto y baile, mayoritariamente ligero y escapista. [52] El público de ambos lados del Atlántico tenía poco dinero para gastar en entretenimiento, y sólo unos pocos espectáculos en el escenario superaron una racha de 500 funciones durante la década. La revista The Band Wagon (1931) fue protagonizada por los compañeros de baile Fred Astaire y su hermana Adele , mientras que Anything Goes (1934) de Porter confirmó la posición de Ethel Merman como Primera Dama del teatro musical, título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron ofreciendo musicales sentimentales y anticuados, como The Dancing Years , mientras que Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos de Broadway, incluido On Your Toes (1936, con Ray Bolger , el primer musical de Broadway que hacer uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y The Boys from Syracuse (1938). Porter añadió Du Barry era una dama (1939). La obra de teatro musical de mayor duración de la década de 1930 en Estados Unidos fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que presentó 1.404 funciones, estableciendo un nuevo récord en Broadway. [53] En Gran Bretaña, Me and My Girl tuvo 1.646 funciones. [55]
Aún así, algunos equipos creativos comenzaron a aprovechar las innovaciones de Show Boat . Of Thee I Sing (1931), una sátira política de los Gershwin, fue el primer musical galardonado con el Premio Pulitzer . [23] [61] As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o sketch se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway protagonizado por una afroamericana, Ethel Waters . junto a actores blancos. Los números de Waters incluían " Supper Time ", el lamento de una mujer por su marido que ha sido linchado. [62] Porgy and Bess (1935) de los Gershwin contó con un elenco exclusivamente afroamericano y una mezcla de modismos operísticos, folk y jazz. The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles , fue una pieza prosindical altamente política que, a pesar de la controversia que la rodeó, tuvo 108 funciones. [37] I'd Rather Be Right (1937) de Rodgers y Hart fue una sátira política con George M. Cohan como el presidente Franklin D. Roosevelt , y Knickerbocker Holiday de Kurt Weill describió la historia temprana de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba afablemente la buenas intenciones.
La película supuso un desafío para el escenario. Las películas mudas habían presentado sólo una competencia limitada, pero a finales de la década de 1920, películas como The Jazz Singer podían presentarse con sonido sincronizado. Las películas "talkie" a precios bajos acabaron con el vodevil a principios de la década de 1930. [63] A pesar de los problemas económicos de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, continuó evolucionando temáticamente más allá de los gags y coristas musicales de los alegres años noventa y los locos años veinte y el romance sentimental de la opereta, añadiendo experiencia técnica y la puesta en escena trepidante y el estilo de diálogo naturalista liderado por el director George Abbott . [23]
La década de 1940 comenzaría con más éxitos de Porter, Irving Berlin , Rodgers y Hart, Weill y Gershwin, algunos con más de 500 representaciones a medida que la economía se recuperaba, pero el cambio artístico estaba en el aire.
¡Oklahoma de Rodgers y Hammerstein ! (1943) completó la revolución iniciada por Show Boat , al integrar estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con una trama cohesiva, canciones que impulsaban la acción de la historia y presentaban ballets oníricos y otras danzas que avanzaban la trama y desarrollaban los personajes. , en lugar de utilizar el baile como excusa para hacer desfilar a mujeres ligeras de ropa por el escenario. [3] Rodgers y Hammerstein contrataron a la coreógrafa de ballet Agnes de Mille , quien utilizó movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus ideas. Desafió las convenciones musicales al levantar el telón del primer acto no sobre un grupo de coristas, sino más bien sobre una mujer batiendo mantequilla, con una voz fuera del escenario cantando las primeras líneas de Oh, What a Beautiful Mornin' sin acompañamiento. Recibió excelentes críticas, desató un frenesí de taquilla y recibió un premio Pulitzer . [64] Brooks Atkinson escribió en The New York Times que el número de apertura del espectáculo cambió la historia del teatro musical: "Después de un verso como ese, cantado con una melodía alegre, las banalidades del antiguo escenario musical se volvieron intolerables". [65] Fue el primer espectáculo de Broadway "de gran éxito", con un total de 2.212 funciones y se convirtió en una película de éxito. Sigue siendo uno de los proyectos del equipo que se producen con más frecuencia. William A. Everett y Paul R. Laird escribieron que se trataba de un "espectáculo que, como Show Boat , se convirtió en un hito, de modo que los historiadores posteriores que escribieran sobre momentos importantes del teatro del siglo XX comenzarían a identificar épocas según su relación con ¡Oklahoma! ”. [66]
"Después de Oklahoma!, Rodgers y Hammerstein fueron los contribuyentes más importantes a la forma de obra musical... Los ejemplos que dieron en la creación de obras vitales, a menudo ricas en pensamiento social, proporcionaron el estímulo necesario para que otros escritores talentosos crearan obras musicales de los suyos". [60] Los dos colaboradores crearon una extraordinaria colección de algunos de los clásicos más queridos y duraderos del teatro musical, incluidos Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) y The Sound of Music (1959). Algunos de estos musicales tratan temas más serios que la mayoría de los programas anteriores: ¡el villano de Oklahoma! es un presunto asesino y psicópata; Carousel trata sobre el abuso conyugal, el robo, el suicidio y la otra vida; South Pacific explora el mestizaje incluso más a fondo que Show Boat ; el héroe de El rey y yo muere en el escenario; y el telón de fondo de El sonido de la música es la anexión de Austria por la Alemania nazi en 1938 .
La creatividad del espectáculo estimuló a los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein y marcó el comienzo de la "Edad de Oro" del teatro musical estadounidense. [65] Americana se exhibió en Broadway durante la "Edad de Oro", cuando el ciclo de espectáculos en tiempos de guerra comenzó a llegar. Un ejemplo de ello es On the Town (1944), escrita por Betty Comden y Adolph Green , compuesta por Leonard Bernstein y coreografiada por Jerome Robbins . La historia se desarrolla en tiempos de guerra y trata sobre tres marineros que están de permiso en tierra las 24 horas en la ciudad de Nueva York, durante el cual cada uno se enamora. El espectáculo también da la impresión de un país con un futuro incierto, como también lo tienen los marineros y sus mujeres. Irving Berlin utilizó la carrera de la francotiradora Annie Oakley como base para su Annie Get Your Gun (1946, 1147 representaciones); Burton Lane , EY Harburg y Fred Saidy combinaron la sátira política con la fantasía irlandesa en su fantasía Finian's Rainbow (1947, 725 representaciones); y Cole Porter se inspiró en La fierecilla domada de William Shakespeare para Kiss Me, Kate (1948, 1.077 representaciones). Los musicales estadounidenses arrasaron con los antiguos espectáculos británicos de estilo Coward/Novello, uno de cuyos últimos grandes éxitos fue Perchance to Dream de Novello (1945, 1.021 representaciones). [55] La fórmula de los musicales de la Edad de Oro reflejaba una o más de las cuatro percepciones ampliamente difundidas del "sueño americano": que la estabilidad y el valor se derivan de una relación amorosa sancionada y restringida por los ideales protestantes del matrimonio; que una pareja casada debería formar un hogar moral con niños lejos de la ciudad, en un suburbio o un pueblo pequeño; que la función de la mujer era la de ama de casa y madre; y que los estadounidenses incorporen un espíritu independiente y pionero o que su éxito sea fruto de su propia iniciativa. [67]
La década de 1950 fue crucial para el desarrollo del musical estadounidense. [68] Los personajes eclécticos de Damon Runyon fueron el núcleo de Guys and Dolls , de Frank Loesser y Abe Burrows (1950, 1200 representaciones); y la fiebre del oro fue el escenario de Paint Your Wagon (1951) de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe . La relativamente breve duración de siete meses de ese espectáculo no desanimó a Lerner y Loewe de colaborar nuevamente, esta vez en My Fair Lady (1956), una adaptación de Pygmalion de George Bernard Shaw protagonizada por Rex Harrison y Julie Andrews , que con 2.717 funciones mantuvo el récord a largo plazo durante muchos años. De todos estos musicales se hicieron películas populares de Hollywood. Dos éxitos de los creadores británicos en esta década fueron The Boy Friend (1954), que tuvo 2.078 funciones en Londres y marcó el debut de Andrews en Estados Unidos, y Salad Days (1954), que rompió el récord británico de larga duración con una serie de 2.283. actuaciones. [55] [54]
Otro récord lo estableció The Threepenny Opera , que tuvo 2.707 funciones, convirtiéndose en el musical off-Broadway de mayor duración hasta The Fantasticks . La producción también abrió camino al demostrar que los musicales podían ser rentables fuera de Broadway en un formato de orquesta pequeña y a pequeña escala. Esto se confirmó en 1959 cuando una reposición de Leave It to Jane de Jerome Kern y PG Wodehouse duró más de dos años. La temporada off-Broadway de 1959-1960 incluyó una docena de musicales y revistas, entre ellas Little Mary Sunshine , The Fantasticks y Ernest in Love , una adaptación musical del éxito de Oscar Wilde de 1895, The Importance of Being Earnest . [69]
West Side Story (1957) transportó a Romeo y Julieta a la moderna ciudad de Nueva York y convirtió a las familias enemistadas Montague y Capulet en pandillas étnicas opuestas, los Jets y los Sharks. El libro fue adaptado por Arthur Laurents , con música de Leonard Bernstein y letra del recién llegado Stephen Sondheim . Fue bien recibido por los críticos, pero no logró ser una elección popular para las "damas matinales de cabello azul", que preferían la pequeña ciudad de River City, Iowa, de The Music Man (1957) de Meredith Willson a los callejones de Manhattan . s Lado superior oeste. Aparentemente , los votantes del premio Tony tenían una opinión similar, ya que favorecían el primero sobre el segundo. West Side Story tuvo una respetable racha de 732 funciones (1.040 en el West End), mientras que The Music Man duró casi el doble, con 1.375 funciones. Sin embargo, la película de 1961 de West Side Story tuvo un gran éxito. [70] Laurents y Sondheim se unieron nuevamente para Gypsy (1959, 702 representaciones), con Jule Styne proporcionando la música para una historia entre bastidores sobre la madre escénica más motivada de todos los tiempos, la madre de la stripper Gypsy Rose Lee , Rose. La producción original tuvo 702 funciones y tuvo cuatro reposiciones posteriores, con Angela Lansbury , Tyne Daly , Bernadette Peters y Patti LuPone asumiendo más tarde el papel que Ethel Merman hizo famoso.
Aunque los directores y coreógrafos han tenido una gran influencia en el estilo del teatro musical desde al menos el siglo XIX, [71] George Abbott y sus colaboradores y sucesores asumieron un papel central en la integración total del movimiento y la danza en las producciones de teatro musical de la Edad de Oro. [72] Abbott introdujo el ballet como un recurso para contar historias en On Your Toes en 1936, al que siguió el ballet y la coreografía de Agnes de Mille en Oklahoma. . [73] Después de que Abbott colaborara con Jerome Robbins en On the Town y otros espectáculos, Robbins combinó los roles de director y coreógrafo, enfatizando el poder narrativo de la danza en West Side Story , Algo curioso sucedió en el camino al foro ( 1962) y El violinista en el tejado (1964). Bob Fosse coreografió para Abbott en The Pyjama Game (1956) y Damn Yankees (1957), inyectando sexualidad lúdica en esos éxitos. Posteriormente fue director-coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) y Chicago (1975). Otros directores y coreógrafos notables han incluido a Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne y Susan Stroman . Entre los directores destacados se encuentran Hal Prince , quien también comenzó con Abbott, [72] y Trevor Nunn . [74]
Durante la Edad de Oro, las empresas automotrices y otras grandes corporaciones comenzaron a contratar talentos de Broadway para escribir musicales corporativos , espectáculos privados que sólo veían sus empleados o clientes. [75] [76] La década de 1950 terminó con el último éxito de Rodgers y Hammerstein , The Sound of Music , que también se convirtió en otro éxito de Mary Martin. Tuvo 1.443 funciones y compartió el premio Tony al mejor musical. Junto con su exitosa versión cinematográfica de 1965 , se ha convertido en uno de los musicales más populares de la historia.
En 1960, The Fantasticks se produjo por primera vez fuera de Broadway. Este íntimo espectáculo alegórico se exhibiría silenciosamente durante más de 40 años en el Sullivan Street Theatre de Greenwich Village , convirtiéndose, con diferencia, en el musical de mayor duración de la historia. Sus autores produjeron otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! ¡Sí! , el primer musical de Broadway de dos personajes. En la década de 1960 se produjeron varios éxitos de taquilla, como El violinista en el tejado (1964; 3242 representaciones), ¡Hola, muñequita! (1964; 2.844 representaciones), Funny Girl (1964; 1.348 representaciones) y El hombre de la Mancha (1965; 2.328 representaciones), y algunas piezas más atrevidas como Cabaret , antes de desembocar en el surgimiento del musical de rock . ¡En Gran Bretaña, Oliver! (1960) tuvo 2.618 funciones, pero el campeón a largo plazo de la década fue The Black and White Minstrel Show (1962), que tuvo 4.344 funciones. [55] Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la historia del teatro musical a partir de esta década: Stephen Sondheim y Jerry Herman .
El primer proyecto para el que Sondheim escribió música y letras fue Algo curioso sucedió en el camino al foro (1962, 964 representaciones), con un libro basado en las obras de Plauto de Burt Shevelove y Larry Gelbart , protagonizado por Zero Mostel . Sondheim llevó el musical más allá de su concentración en las tramas románticas típicas de épocas anteriores; su trabajo tendía a ser más oscuro, explorando los lados más crudos de la vida tanto presente como pasada. Otros trabajos tempranos de Sondheim incluyen Everyone Can Whistle (1964, que tuvo sólo nueve funciones, a pesar de tener como estrellas a Lee Remick y Angela Lansbury ), y las exitosas Company (1970), Follies (1971) y A Little Night Music (1973). Más tarde, Sondheim encontró inspiración en fuentes inverosímiles: la apertura de Japón al comercio occidental para Pacific Overtures (1976), un barbero asesino legendario que busca venganza en la era industrial de Londres para Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat para Sunday in the Park with George (1984), cuentos de hadas para Into the Woods (1987) y una colección de asesinos presidenciales en Assassins (1990).
Si bien algunos críticos han argumentado que algunos de los musicales de Sondheim carecen de atractivo comercial, otros han elogiado su sofisticación lírica y complejidad musical, así como la interacción de letras y música en sus espectáculos. Algunas de las innovaciones notables de Sondheim incluyen un espectáculo presentado al revés ( Merrily We Roll Along ) y el ya mencionado Everyone Can Whistle , en el que el primer acto termina con el elenco informando al público que están locos.
Jerry Herman desempeñó un papel importante en el teatro musical estadounidense, comenzando con su primera producción de Broadway, Milk and Honey (1961, 563 representaciones), sobre la fundación del estado de Israel, y continuando con los éxitos taquilleros Hello, Dolly! (1964, 2.844 representaciones), Mame (1966, 1.508 representaciones) y La Cage aux Folles (1983, 1.761 representaciones). Incluso sus programas menos exitosos como Dear World (1969) y Mack and Mabel (1974) han tenido partituras memorables ( Mack and Mabel fue posteriormente reelaborado hasta convertirse en un éxito en Londres). Al escribir tanto letra como música, muchas de las melodías de los programas de Herman se han convertido en estándares populares, incluidos " ¡Hola, Dolly! ", "Necesitamos un poco de Navidad", "I Am What I Am", "Mame", "The Best of Times". , "Antes de que pase el desfile", "Ponte la ropa del domingo", "Solo toma un momento", "Bosom Buddies" y "No enviaré rosas", grabadas por artistas como Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark y Bernadette Peters. El cancionero de Herman ha sido objeto de dos revistas musicales populares, Jerry's Girls (Broadway, 1985) y Showtune (fuera de Broadway, 2003).
El musical comenzó a alejarse de los límites relativamente estrechos de la década de 1950. La música rock se utilizaría en varios musicales de Broadway, comenzando con Hair , que presentaba no sólo música rock sino también desnudez y opiniones controvertidas sobre la guerra de Vietnam , las relaciones raciales y otras cuestiones sociales. [77]
Después de Show Boat y Porgy and Bess , y a medida que avanzaba la lucha en Estados Unidos y otros lugares por los derechos civiles de las minorías, Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg y otros se animaron a escribir más musicales y óperas que apuntaran a normalizar la tolerancia social de las minorías e instaron a armonía racial. Las obras de la Edad de Oro temprana que se centraron en la tolerancia racial incluyeron Finian's Rainbow y South Pacific . Hacia el final de la Edad de Oro, varios programas abordaron temas y cuestiones judías, como El violinista en el tejado , Leche y miel , Blitz! y posteriormente Trapos . El concepto original que se convirtió en West Side Story se desarrolló en el Lower East Side durante las celebraciones de Pascua; las bandas rivales serían judías y católicas italianas . Más tarde, el equipo creativo decidió que el conflicto entre polacos (blancos) y puertorriqueños era más reciente. [78]
La tolerancia como tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A finales de la década de 1960, los musicales se integraron racialmente, con miembros del reparto blancos y negros incluso cubriendo los papeles de los demás, como lo hicieron en Hair . [79] La homosexualidad también ha sido explorada en musicales, comenzando con Hair , y aún más abiertamente en La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch y otros espectáculos de las últimas décadas. Parade es una exploración sensible tanto del antisemitismo como del racismo histórico estadounidense, y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en Estados Unidos.
Tras el éxito de Hair , los musicales de rock florecieron en los años 1970, con Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita y Two Gentlemen of Verona . Algunos de ellos comenzaron como " álbumes conceptuales " que luego fueron adaptados al escenario, entre los que destacan Jesucristo Superstar y Evita . Otros no tenían diálogos o recordaban a la ópera, con temas dramáticos y emotivos; Estos a veces comenzaron como álbumes conceptuales y fueron referidos como óperas rock . Espectáculos como Raisin , Dreamgirls , Purlie y The Wiz trajeron una importante influencia afroamericana a Broadway. Se incorporaron géneros y estilos musicales más variados a los musicales tanto dentro como fuera de Broadway. Al mismo tiempo, Stephen Sondheim tuvo éxito con algunos de sus musicales, como se mencionó anteriormente.
En 1975, el musical de baile A Chorus Line surgió de sesiones grabadas de estilo terapia grupal que Michael Bennett dirigió con "gitanos" (aquellos que cantan y bailan en apoyo de los actores principales) de la comunidad de Broadway. A partir de cientos de horas de cintas, James Kirkwood Jr. y Nick Dante crearon un libro sobre una audición para un musical, incorporando muchas historias de la vida real de las sesiones; Algunos de los que asistieron a las sesiones finalmente tocaron variaciones de ellos mismos o de otros en el espectáculo. Con música de Marvin Hamlisch y letra de Edward Kleban , A Chorus Line se estrenó por primera vez en el Public Theatre de Joseph Papp en el bajo Manhattan. Lo que inicialmente se había planeado como un compromiso limitado finalmente se trasladó al Teatro Shubert de Broadway [80] para una serie de 6.137 funciones, convirtiéndose en la producción de mayor duración en la historia de Broadway hasta ese momento. El programa arrasó en los premios Tony y ganó el premio Pulitzer , y su exitosa canción, What I Did for Love , se convirtió en un estándar. [81]
El público de Broadway dio la bienvenida a musicales que variaban del estilo y sustancia de la época dorada. John Kander y Fred Ebb exploraron el ascenso del nazismo en Alemania en Cabaret y el asesinato y los medios de comunicación en el Chicago de la era de la Prohibición , que se basaba en antiguas técnicas de vodevil . Pippin , de Stephen Schwartz , está ambientada en la época de Carlomagno . La película autobiográfica 8½ de Federico Fellini se convirtió en Nine de Maury Yeston . A finales de la década, Evita y Sweeney Todd fueron precursores de los musicales más oscuros y de gran presupuesto de los años 80, que dependían de historias dramáticas, partituras arrolladoras y efectos espectaculares. Al mismo tiempo, todavía se adoptaban valores anticuados en éxitos como Annie , 42nd Street , My One and Only y reposiciones populares de No, No, Nanette e Irene . Aunque en la década de 1970 se hicieron muchas versiones cinematográficas de musicales, pocas fueron un éxito de crítica o de taquilla, con las notables excepciones de El violinista en el tejado , Cabaret y Grease . [82]
La década de 1980 vio la influencia de los " megamusicales " europeos en Broadway, el West End y otros lugares. Por lo general, presentan una partitura de influencia pop, elencos numerosos y decorados y efectos especiales espectaculares: una lámpara de araña que cae (en El fantasma de la ópera ); un helicóptero aterrizando en el escenario (en Miss Saigon ) – y grandes presupuestos. Algunos se basaron en novelas u otras obras literarias. El equipo británico formado por el compositor Andrew Lloyd Webber y el productor Cameron Mackintosh inició el fenómeno megamusical con su musical Cats de 1981 , basado en los poemas de TS Eliot , que superó a A Chorus Line para convertirse en el espectáculo de Broadway de mayor duración. Lloyd Webber siguió con Starlight Express (1984), realizada sobre patines; El fantasma de la ópera (1986; también con Mackintosh), derivada de la novela del mismo nombre ; y Sunset Boulevard (1993), de la película homónima de 1950 . Phantom superaría a Cats para convertirse en el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway, un récord que aún ostenta. [83] [84] El equipo francés formado por Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil escribió Les Misérables , basada en la novela del mismo nombre , cuya producción londinense de 1985 fue producida por Mackintosh y se convirtió, y sigue siendo, el musical de mayor duración. en la historia del West End y Broadway . El equipo produjo otro éxito con Miss Saigon (1989), que se inspiró en la ópera Madama Butterfly de Puccini . [83] [84]
Los enormes presupuestos de los megamusicales redefinieron las expectativas de éxito financiero en Broadway y el West End. En años anteriores, era posible que un espectáculo fuera considerado un éxito después de varios cientos de funciones, pero con costos de producción multimillonarios, un espectáculo debe durar años simplemente para obtener ganancias. Los megamusicales también se reprodujeron en producciones de todo el mundo, multiplicando su potencial de ganancias y ampliando al mismo tiempo la audiencia global del teatro musical. [84]
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En la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales, entre ellos Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa , quienes comenzaron con producciones fuera de Broadway. El éxito más notorio de estos artistas fue el espectáculo Rent (1996) de Jonathan Larson , un musical de rock (basado en la ópera La bohème ) sobre una comunidad de artistas en dificultades en Manhattan. Si bien el costo de las entradas para los musicales de Broadway y West End subía más allá del presupuesto de muchos asistentes al teatro, Rent se comercializó para aumentar la popularidad de los musicales entre el público más joven. Presentaba un elenco joven y una partitura fuertemente influenciada por el rock; el musical se convirtió en un éxito. Sus jóvenes fanáticos, muchos de ellos estudiantes, que se hacen llamar RENTheads], acamparon en el Nederlander Theatre con la esperanza de ganar la lotería por boletos de primera fila de $ 20, y algunos vieron el espectáculo docenas de veces. Otros espectáculos en Broadway siguieron el ejemplo de Rent al ofrecer grandes descuentos el día de la función o entradas para estar de pie, aunque a menudo los descuentos se ofrecen sólo a los estudiantes. [85]
La década de 1990 también vio la influencia de las grandes corporaciones en la producción de musicales. La más importante ha sido Disney Theatrical Productions , que comenzó a adaptar algunas de las películas musicales animadas de Disney para el escenario, empezando por La Bella y la Bestia (1994), El Rey León (1997) y Aida (2000), estas dos últimas con música de Elton John . El Rey León es el musical más taquillero en la historia de Broadway. [86] The Who's Tommy (1993), una adaptación teatral de la ópera rock Tommy , logró una buena racha de 899 representaciones, pero fue criticada por desinfectar la historia y "teatralizar musicalmente" la música rock. [87]
A pesar del creciente número de musicales a gran escala en las décadas de 1980 y 1990, varios musicales de menor escala y de menor presupuesto lograron encontrar un éxito crítico y financiero, como Falsettoland , Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical y Blood. Hermanos , que tuvo 10.013 funciones. [88] Los temas de estas piezas varían ampliamente, y la música abarca desde el rock hasta el pop, pero a menudo se producen fuera de Broadway o para teatros más pequeños de Londres, y algunas de estas puestas en escena se han considerado imaginativas e innovadoras. [89]
En el nuevo siglo, la familiaridad ha sido adoptada por productores e inversores ansiosos por garantizar la recuperación de sus considerables inversiones. Algunos se arriesgaron (normalmente con un presupuesto modesto) con material nuevo y creativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Junto a Normal (2009), American Idiot (2010) y El Libro de Mormón (2011). Hamilton (2015), transformó la "historia estadounidense poco dramatizada" en un éxito inusual con influencias de hip-hop. [90] En 2011, Sondheim argumentó que de todas las formas de "música pop contemporánea", el rap era "el más cercano al teatro musical tradicional" y era "un camino hacia el futuro". [91]
Sin embargo, la mayoría de las producciones del siglo XXI de los principales mercados han tomado un camino seguro, con reposiciones de temas familiares, como El violinista en el tejado , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story y Grease , o con adaptaciones de otro material probado, como literatura ( La pimpinela escarlata , Wicked y Fun Home ), con la esperanza de que, como resultado, los programas tuvieran una audiencia incorporada. Esta tendencia es especialmente persistente con las adaptaciones cinematográficas, incluidas ( The Producers , Spamalot , Hairspray , Legally Blonde , The Color Purple , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Waitress y Groundhog Day ). [92] Algunos críticos han argumentado que la reutilización de tramas cinematográficas, especialmente aquellas de Disney (como Mary Poppins y La Sirenita ), equipara el musical de Broadway y West End con una atracción turística, en lugar de una salida creativa. [37]
Hoy en día, es menos probable que un único productor, como David Merrick o Cameron Mackintosh , respalde una producción. Los patrocinadores corporativos dominan Broadway y, a menudo, se forman alianzas para montar musicales, que requieren una inversión de 10 millones de dólares o más. En 2002, los créditos de Thoroughly Modern Millie enumeraban diez productores, y entre esos nombres había entidades compuestas por varios individuos. [93] Por lo general, los teatros regionales y fuera de Broadway tienden a producir musicales más pequeños y, por lo tanto, menos costosos, y el desarrollo de nuevos musicales se ha llevado a cabo cada vez más fuera de Nueva York y Londres o en lugares más pequeños. Por ejemplo, Spring Awakening , Fun Home y Hamilton se desarrollaron fuera de Broadway antes de lanzarse en Broadway.
Varios musicales regresaron al formato de espectáculo que tuvo tanto éxito en la década de 1980, recordando extravagancias que se han presentado en ocasiones, a lo largo de la historia del teatro, desde que los antiguos romanos representaban simulacros de batallas navales. Los ejemplos incluyen las adaptaciones musicales de El señor de los anillos (2007), Lo que el viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). Estos musicales involucraban a compositores con poca experiencia teatral y las costosas producciones generalmente hacían perder dinero. Por el contrario, The Drowsy Chaperone , Avenue Q , The 25th Annual Putnam County Spelling Bee , Xanadu y Fun Home , entre otras, se han presentado en producciones de menor escala, en su mayoría ininterrumpidas por un intermedio, con tiempos de ejecución cortos, y han disfrutado de un éxito financiero. En 2013, la revista Time informó que una tendencia fuera de Broadway ha sido el teatro "inmersivo", citando espectáculos como Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) y Here Lies Love (2013) en los que la puesta en escena se desarrolla alrededor y dentro de la audiencia. [94] Los programas establecieron un récord conjunto, cada uno de los cuales recibió 11 nominaciones a los premios Lucille Lortel , [95] y presentan partituras contemporáneas. [96] [97]
En 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el [Tony por] Mejor Música sin un colaborador masculino" por escribir la música y la letra de Kinky Boots . En 2015, por primera vez, un equipo de escritura exclusivamente femenino , Lisa Kron y Jeanine Tesori , ganó el premio Tony a la mejor banda sonora original (y mejor libro para Kron) por Fun Home , [98] aunque el trabajo de compositores masculinos continúa producirse con mayor frecuencia. [99]
Otra tendencia ha sido crear una trama mínima que se ajuste a una colección de canciones que ya han sido éxitos. Tras el éxito anterior de Buddy – The Buddy Holly Story , estos incluyen Movin' Out (2002, basado en las canciones de Billy Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, con rock clásico de la década de 1980), Thriller – Live (2009, Michael Jackson ) y muchos otros. Este estilo a menudo se conoce como el " musical de máquina de discos ". [100] Se han construido musicales similares, pero más basados en la trama, en torno al canon de un grupo pop en particular, incluido Mamma Mia. (1999, basada en las canciones de ABBA ), Our House (2002, basada en las canciones de Madness ) y We Will Rock You (2002, basada en las canciones de Queen ).
Las películas musicales de imagen real estuvieron casi muertas en los años 1980 y principios de los 1990, con excepciones de Víctor/Victoria , La pequeña tienda de los horrores y la película de 1996 de Evita . [101] ¡ En el nuevo siglo, Baz Luhrmann inició un resurgimiento de la película musical con Moulin Rouge! (2001). Le siguieron Chicago (2002); El fantasma de la ópera (2004); Alquiler (2005); Chicas soñadas (2006); Hairspray , Enchanted y Sweeney Todd (todos en 2007); ¡Madre mía! (2008); Nueve (2009); Los Miserables y Pitch Perfect (ambas en 2012), Into The Woods , The Last Five Years (2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), Ha nacido una estrella y Mary Poppins Returns (ambas en 2018), Rocketman (2019) e In the Heights y la versión de West Side Story de Steven Spielberg (ambas en 2021), entre otras. ¡Cómo el Grinch se robó la Navidad del Dr. Seuss ! (2000) y The Cat in the Hat (2003), convirtieron libros infantiles en películas musicales de acción real. Después del inmenso éxito de Disney y otras casas con películas musicales animadas que comenzaron con La Sirenita en 1989 y se extendieron a lo largo de la década de 1990 (incluidas algunas películas con temas más para adultos, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), menos películas animadas Las películas musicales se estrenaron en la primera década del siglo XXI. [101] El género regresó a partir de 2010 con Enredados (2010), Río (2011) y Frozen (2013). En Asia, la India sigue produciendo numerosas películas musicales de "Bollywood", y Japón produce películas musicales de "anime" y "manga".
Las películas musicales hechas para televisión fueron populares en la década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderella (1997) y Annie (1999). Varios musicales realizados para televisión en la primera década del siglo XXI fueron adaptaciones de la versión teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) y Once Upon a Mattress (2005), y una versión televisada de la versión teatral. musical Legally Blonde en 2007. Además, se filmaron varios musicales en el escenario y se transmitieron por la Televisión Pública, por ejemplo Contact en 2002 y Kiss Me, Kate and Oklahoma! en 2003. El musical hecho para televisión High School Musical (2006) y sus varias secuelas gozaron de un éxito particular y fueron adaptados para musicales teatrales y otros medios.
En 2013, NBC inició una serie de transmisiones televisivas en vivo de musicales con The Sound of Music Live! [102] Aunque la producción recibió críticas mixtas, fue un éxito de audiencia. [103] Otras transmisiones han incluido Peter Pan Live! (NBC 2014), ¡ El mago en vivo! (NBC 2015), [104] una transmisión del Reino Unido, The Sound of Music Live ( ITV 2015) [105] Grease: Live ( Fox 2016), [106] [107] Hairspray Live! (NBC, 2016), ¡ Una historia de Navidad en vivo! (Fox, 2017), [108] y Rent: Live (Fox 2019). [109]
Algunos programas de televisión han ambientado episodios como un musical. Los ejemplos incluyen episodios de Ally McBeal , Xena: Princesa Guerrera ("The Bitter Suite" y "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych (" Psych: The Musical "), Buffy, la cazavampiros (" Once More, with Feeling "), That's So Raven , Daria , El laboratorio de Dexter , Las chicas superpoderosas , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs (un episodio fue escrito por los creadores de Avenue Q ), Batman: The Brave and the Bold ( "Mayhem of the Music Meister" ) y That '70s Show (el episodio 100, " That '70s Musical "). Otros han incluido escenas donde los personajes de repente comienzan a cantar y bailar en un estilo de teatro musical durante un episodio, como en varios episodios de Los Simpson , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob's Burgers y Family Guy . [110] Las series de televisión que han utilizado ampliamente el formato musical incluyen Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee , Smash y Crazy Ex-Girlfriend .
También se han realizado musicales para Internet, incluido Dr. Horrible's Sing-Along Blog , sobre un supervillano de bajo costo interpretado por Neil Patrick Harris . Fue escrito durante la huelga de escritores de la WGA . [111] Desde 2006, los reality shows se han utilizado para ayudar a comercializar resurgimientos musicales mediante la celebración de un concurso de talentos para elegir protagonistas (generalmente femeninas). Ejemplos de estos son ¿Cómo se resuelve un problema como el de María? , Grease: ¡Tú eres el que quiero! , Cualquier sueño servirá , Legalmente rubia: El musical – La búsqueda de Elle Woods , Haría cualquier cosa y Sobre el arcoíris . En 2021, ¡Schmigadoon! fue una parodia y un homenaje a los musicales de la Edad de Oro de las décadas de 1940 y 1950. [112]
La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de teatros y festivales de teatro en todo el mundo a principios de 2020, incluidos todos los teatros de Broadway [113] y West End. [114] Muchas instituciones de artes escénicas intentaron adaptarse o reducir sus pérdidas ofreciendo nuevos (o ampliados) servicios digitales. En particular, esto dio lugar a la transmisión en línea de actuaciones previamente grabadas de muchas empresas, [115] [116] [117] , así como a proyectos de crowdsourcing personalizados. [118] [119] Por ejemplo, The Sydney Theatre Company encargó a los actores que se filmaran en casa discutiendo y luego interpretando un monólogo de uno de los personajes que habían interpretado previamente en el escenario. [120] Los elencos de musicales, como Hamilton y Mamma Mia! unidos en llamadas de Zoom para entretener a individuos y al público. [121] [122] Algunas actuaciones se transmitieron en vivo, se presentaron al aire libre o de otras formas "socialmente distanciadas", lo que a veces permitió a los miembros de la audiencia interactuar con el elenco. [123] Se transmitieron festivales de radioteatro. [124] Se crearon musicales virtuales e incluso colaborativos, como Ratatouille the Musical . [125] [126] Las versiones filmadas de importantes musicales, como Hamilton , se lanzaron en plataformas de transmisión. [127] Andrew Lloyd Webber publicó grabaciones de sus musicales en YouTube. [128]
Debido a los cierres y la pérdida de venta de entradas, muchas compañías de teatro corrieron peligro financiero. Algunos gobiernos ofrecieron ayuda de emergencia a las artes. [129] [130] [131] Algunos mercados de teatro musical comenzaron a reabrir a trompicones a principios de 2021, [132] con los teatros del West End posponiendo su reapertura de junio a julio, [133] y Broadway a partir de septiembre. [134] Sin embargo, a lo largo de 2021, los picos de la pandemia han provocado algunos cierres incluso después de la reapertura de los mercados. [135] [136]
Estados Unidos y Gran Bretaña fueron las fuentes más activas de libros musicales desde el siglo XIX hasta gran parte del siglo XX (aunque Europa produjo varias formas de ópera ligera y opereta populares, por ejemplo la zarzuela española , durante ese período e incluso antes). Sin embargo, el escenario musical ligero de otros países se ha vuelto más activo en las últimas décadas.
Los musicales de otros países de habla inglesa (especialmente Australia y Canadá) a menudo obtienen buenos resultados a nivel local y ocasionalmente incluso llegan a Broadway o al West End (por ejemplo, The Boy from Oz y The Drowsy Chaperone ). Sudáfrica tiene una activa escena de teatro musical, con revistas como African Footprint y Umoja y libros musicales, como Kat and the Kings y Sarafina. de gira internacional. A nivel local, se han producido con éxito musicales como Vere , Love and Green Onions , Over the Rainbow: el nuevo espectáculo totalmente gay... y Bangbroek Mountain e In Briefs, un pequeño musical queer .
Los musicales de éxito de Europa continental incluyen espectáculos de (entre otros países) Alemania ( Elixier y Ludwig II ), Austria ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart! y Rebecca ), República Checa ( Drácula ), Francia ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Los Miserables , Roméo et Juliette y Mozart, l'opéra rock ) y España ( Hoy no me puedo levantar y El Musical Sancho Panza ).
Japón ha visto recientemente el crecimiento de una forma autóctona de teatro musical, tanto animado como de acción en vivo, basado principalmente en anime y manga , como Kiki's Delivery Service y Tenimyu . La popular metaserie de Sailor Moon ha tenido veintinueve musicales de Sailor Moon , a lo largo de trece años. A partir de 1914, la Takarazuka Revue, exclusivamente femenina, ha presentado una serie de revistas populares , que actualmente cuenta con cinco grupos de actuación. En otras partes de Asia, el musical indio de Bollywood , principalmente en forma de películas, tiene un éxito tremendo. [137]
A partir de una gira de Los Miserables en 2002 , se importaron varios musicales occidentales a China continental y se representaron en inglés. [138] Los intentos de localizar las producciones occidentales en China comenzaron en 2008, cuando Fama se produjo en mandarín con un elenco chino completo en la Academia Central de Drama de Beijing. [139] Desde entonces, otras producciones occidentales se han representado en China en mandarín con un elenco chino. La primera producción china al estilo del teatro musical occidental fue The Gold Sand en 2005. [138] Además, Li Dun, un conocido productor chino, produjo Butterflies , basada en una tragedia amorosa clásica china, en 2007, así como Te amo Teresa en 2011. [138]
Los musicales suelen ser presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. [140] [141] Aunque el teatro de aficionados ha existido durante siglos, incluso en el Nuevo Mundo, [142] François Cellier y Cunningham Bridgeman escribieron, en 1914, que antes de finales del siglo XIX, los actores aficionados eran tratados con desprecio por los profesionales. Después de la formación de las compañías de aficionados Gilbert y Sullivan con licencia para representar las óperas de Saboya , los profesionales reconocieron que las sociedades de aficionados "apoyan la cultura de la música y el teatro. Actualmente son aceptadas como escuelas de formación útiles para el escenario legítimo y entre las filas de voluntarios". Han surgido muchos favoritos actuales." [143] La Asociación Nacional de Ópera y Drama se fundó en el Reino Unido en 1899. En 1914 informó que cerca de 200 sociedades dramáticas de aficionados estaban produciendo obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña ese año. [143] De manera similar, se fundaron más de 100 teatros comunitarios en los EE. UU. a principios del siglo XX. Este número ha aumentado a aproximadamente 18.000 en los EE. UU. [142] La Asociación de Teatro Educativo de Estados Unidos tiene casi 5.000 escuelas miembros. [144]
La Liga de Broadway anunció que en la temporada 2007-08 se compraron 12,27 millones de entradas para espectáculos de Broadway por un importe de venta bruta de casi mil millones de dólares. [145] La Liga informó además que durante la temporada 2006-07, aproximadamente el 65% de las entradas de Broadway fueron compradas por turistas, y que los turistas extranjeros representaron el 16% de los asistentes. [146] La Sociedad de Teatro de Londres informó que 2007 estableció un récord de asistencia en Londres. El total de asistentes a los principales teatros comerciales y subvencionados del centro de Londres fue de 13,6 millones y los ingresos totales por entradas fueron de £469,7 millones. [147] La escena musical internacional ha sido cada vez más activa en las últimas décadas. Sin embargo, Stephen Sondheim comentó en el año 2000:
Hay dos tipos de espectáculos en Broadway: reposiciones y el mismo tipo de musicales una y otra vez, todos espectáculos. Obtienes tus entradas para El Rey León con un año de antelación, y esencialmente una familia... transmite a sus hijos la idea de que eso es el teatro: un musical espectacular que se ve una vez al año, una versión teatral de una película. No tiene nada que ver con el teatro en absoluto. Tiene que ver con ver lo que es familiar. ... No creo que el teatro vaya a morir per se , pero nunca volverá a ser lo que era. ... Es una atracción turística." [148]
Sin embargo, al observar el éxito en las últimas décadas del material original y las reimaginaciones creativas del cine, las obras de teatro y la literatura, el historiador del teatro John Kenrick respondió:
¿Está muerto el musical? ... ¡Absolutamente no! ¿Cambiando? ¡Siempre! El musical ha ido cambiando desde que Offenbach hizo su primera reescritura en la década de 1850. Y el cambio es la señal más clara de que el musical sigue siendo un género vivo y en crecimiento. ¿Volveremos algún día a la llamada "edad de oro", con los musicales en el centro de la cultura popular? Probablemente no. El gusto del público ha experimentado cambios fundamentales y las artes comerciales sólo pueden fluir donde el público que paga lo permite. [37]
