El teatro renacentista inglés o teatro isabelino fue el teatro de Inglaterra desde 1558 hasta 1642. Sus dramaturgos más destacados fueron William Shakespeare , Christopher Marlowe y Ben Jonson .
El término teatro renacentista inglés abarca el período comprendido entre 1562 (tras la representación de Gorboduc , la primera obra inglesa en verso libre , en el Inner Temple durante la temporada navideña de 1561) y la prohibición de obras de teatro promulgada por el Parlamento inglés en 1642.
En sentido estricto, el término "isabelino" se refiere únicamente al período del reinado de la reina Isabel (1558-1603). Se puede decir que el teatro renacentista inglés abarca el teatro isabelino de 1562 a 1603, el teatro jacobino de 1603 a 1625 y el teatro carolinano de 1625 a 1642.
Junto con la economía de la profesión, el carácter del teatro cambió hacia el final del período. Bajo el reinado de Isabel, el drama era una expresión unificada en lo que se refiere a la clase social: la Corte veía las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el drama se orientó más hacia los gustos y valores de un público de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I , se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban de las obras acumuladas en las décadas anteriores. [1]
Las escuelas secundarias inglesas , como las del continente, hacían especial hincapié en el trivium : gramática, lógica y retórica . Aunque la instrucción retórica estaba pensada como preparación para carreras en la función pública como la abogacía, los cánones retóricos de memoria ( memoria ) y expresión ( pronuntiatio ), gestos y voz, así como ejercicios de los progymnasmata , como la prosopopoeia , enseñaban habilidades teatrales. [2] [3] Los estudiantes normalmente analizaban textos en latín y griego, escribían sus propias composiciones, las memorizaban y luego las representaban frente a su instructor y sus compañeros. [4] Los registros muestran que, además de esta actuación semanal, los estudiantes representaban obras de teatro en días festivos, [5] y tanto en latín como en inglés. [6]
Las escuelas corales relacionadas con la corte isabelina incluían la Capilla de San Jorge , la Capilla Real y la de San Pablo . [7] Estas escuelas representaban obras de teatro y otros entretenimientos de la corte para la reina. [8] Entre las décadas de 1560 y 1570, estas escuelas habían comenzado a actuar también para el público general. [9] Las compañías de teatro de actores infantiles se derivaron de las escuelas corales. [10] John Lyly es un ejemplo anterior de un dramaturgo contratado para escribir para las compañías infantiles; Lyly escribió Gallathea , Endymion y Midas para Paul's Boys. [11] Otro ejemplo es Ben Jonson , que escribió Cynthia's Revels . [12]
El drama académico se origina en las prácticas de milagros y obras morales de finales de la Edad Media y principios de la Edad Moderna , así como en la Fiesta de los Locos y la elección de un Señor del Desgobierno . [13] La Fiesta de los Locos incluye obras de teatro de mummer . [14] Las universidades, particularmente Oxford y Cambridge , eran asistidas por estudiantes que estudiaban para licenciaturas y maestrías, seguidas de doctorados en Derecho, Medicina y Teología. [15] En el siglo XV, los dramas a menudo se limitaban a obras de mummer con alguien que leía todas las partes en latín. [16] Con el redescubrimiento y la redistribución de materiales clásicos durante el Renacimiento inglés , las obras latinas y griegas comenzaron a ser representadas. [17] Estas obras a menudo iban acompañadas de festines. [18] La reina Isabel I vio dramas durante sus visitas a Oxford y Cambridge. [19] Un conocido ciclo de obras de teatro que se escribió y representó en las universidades fue el Parnassus Plays . [13]
Al graduarse, muchos estudiantes universitarios, especialmente aquellos que se dedicaban al derecho, residían y participaban en los Inns of Court . Los Inns of Court eran comunidades de abogados en activo y ex alumnos universitarios. [20] Entre las figuras literarias y dramaturgos notables que residieron en los Inns of Court se incluyen John Donne , Francis Beaumont , John Marston , Thomas Lodge , Thomas Campion , Abraham Fraunce , Sir Philip Sidney , Sir Thomas More , Sir Francis Bacon y George Gascoigne . [21] [22] Al igual que la universidad, los Inns of Court elegían a su propio Lord of Misrule . [23] Otras actividades incluían la participación en tribunales simulados , disputas y mascaradas . [23] [22] Entre las obras escritas y representadas en los Inns of Court se incluyen Gorboduc , Gismund of Salerne y The Misfortunes of Arthur . [22] Un ejemplo de una mascarada famosa puesta en escena en los Inns fue El triunfo de la paz de James Shirley . La comedia de los errores y La duodécima noche de Shakespeare también se representaron aquí, aunque escritas para el teatro comercial. [24]
El primer teatro inglés permanente, el Red Lion , abrió sus puertas en 1567 [25] , pero fue un fracaso efímero. Los primeros teatros que tuvieron éxito, como The Theatre , abrieron sus puertas en 1576.
La creación de grandes y rentables teatros públicos fue un factor esencial para el éxito del drama renacentista inglés. Una vez en funcionamiento, el drama podía convertirse en un fenómeno fijo y permanente, en lugar de transitorio. Su construcción se vio impulsada cuando el alcalde y la corporación de Londres prohibieron por primera vez las obras en 1572 como medida contra la peste, y luego expulsaron formalmente a todos los actores de la ciudad en 1575. [26] Esto impulsó la construcción de salas de teatro permanentes fuera de la jurisdicción de Londres, en las libertades de Halliwell/Holywell en Shoreditch y más tarde en Clink , y en Newington Butts cerca del distrito de entretenimiento establecido de St. George's Fields en la zona rural de Surrey. [26] El teatro fue construido en Shoreditch en 1576 por James Burbage con su cuñado John Brayne (el propietario del fracasado teatro Red Lion de 1567) [27] y el teatro Newington Butts fue creado, probablemente por Jerome Savage, en algún momento entre 1575 [28] y 1577. [29] El teatro fue rápidamente seguido por el cercano Curtain Theatre (1577), el Rose (1587), el Swan (1595), el Globe (1599), el Fortune (1600) y el Red Bull (1604). [a]
Las excavaciones arqueológicas realizadas en los cimientos del Rose y el Globe a finales del siglo XX mostraron que todos los teatros de Londres tenían diferencias individuales, pero su función común exigía un plan general similar. [30] Los teatros públicos tenían tres pisos y estaban construidos alrededor de un espacio abierto en el centro. Por lo general, tenían una planta poligonal para dar un efecto general redondeado, aunque el Red Bull y el primer Fortune eran cuadrados. Los tres niveles de galerías orientadas hacia el interior daban al centro abierto, en el que sobresalía el escenario: esencialmente una plataforma rodeada por tres lados por el público. El lado trasero estaba restringido a las entradas y salidas de los actores y a los asientos para los músicos. El nivel superior detrás del escenario podía usarse como balcón , como en Romeo y Julieta y Antonio y Cleopatra , o como una posición desde la que un actor podía arengar a una multitud, como en Julio César . [31] El foso era el lugar donde los miembros más pobres de la audiencia podían ver el espectáculo. Alrededor del siglo XVII se introdujo en los teatros una nueva zona, la "garganta", un corredor invisible que utilizaban los actores para ir a los laterales del escenario, donde la gente solía cambiarse de ropa rápidamente [ cita requerida ] .
Los teatros se construían generalmente con madera y yeso. Las descripciones de cada teatro aportan información adicional sobre su construcción, como el uso de piedras de sílex para construir el Cisne. Los teatros también se construían para poder albergar a un gran número de personas. [32]
Un modelo diferente se desarrolló con el Teatro Blackfriars , que entró en uso regular a largo plazo en 1599. [b] El Blackfriars era pequeño en comparación con los teatros anteriores y estaba techado en lugar de abierto al cielo. Se parecía a un teatro moderno en formas en que sus predecesores no lo hicieron. Otros pequeños teatros cerrados siguieron, en particular el Whitefriars (1608) y el Cockpit (1617). Con la construcción del Teatro Salisbury Court en 1629 cerca del sitio del extinto Whitefriars, el público de Londres tenía seis teatros para elegir: tres grandes teatros públicos al aire libre sobrevivientes (el Globe, el Fortune y el Red Bull) y tres teatros privados cerrados más pequeños: el Blackfriars, el Cockpit y el Salisbury Court. [c] Los públicos de la década de 1630 se beneficiaron de medio siglo de vigoroso desarrollo dramatúrgico ; Las obras de Marlowe , Shakespeare y sus contemporáneos todavía se representaban con regularidad, sobre todo en los teatros públicos, mientras que las obras más nuevas de los dramaturgos más nuevos también abundaban, principalmente en los teatros privados. [ cita requerida ]
Alrededor de 1580, cuando tanto el teatro como el telón estaban llenos en los días de verano, la capacidad total de los teatros de Londres era de unos 5000 espectadores. Con la construcción de nuevas instalaciones teatrales y la formación de nuevas compañías, la capacidad total de los teatros de Londres superó los 10 000 espectadores después de 1610. [33]
Los precios de las entradas en general variaban durante este período. El costo de la entrada dependía del lugar del teatro en el que la persona deseaba estar o de lo que podía permitirse. Si la gente quería tener una mejor vista del escenario o estar más separada de la multitud, pagaba más por la entrada. Debido a la inflación que se produjo durante este período, la entrada aumentó en algunos teatros de un penique a seis peniques o incluso más. [34]
Los teatros comerciales se ubicaban en gran medida fuera de los límites de la ciudad de Londres , ya que las autoridades de la ciudad tendían a desconfiar de las compañías de teatro para adultos, pero las obras eran representadas por compañías de gira por toda Inglaterra. [35] Las compañías inglesas incluso realizaban giras y representaban obras inglesas en el extranjero, especialmente en Alemania y Dinamarca . [36] [d]
Los espectadores de clase alta pagaban por asientos en las galerías, y usaban cojines para mayor comodidad. En el teatro Globe, los nobles podían sentarse directamente al costado del escenario. [38]
Las compañías de actores funcionaban con un sistema de repertorio : a diferencia de las producciones modernas que pueden durar meses o años, las compañías de esta época rara vez actuaban la misma obra dos días seguidos. [39] A Game at Chess de Thomas Middleton se representó durante nueve funciones consecutivas en agosto de 1624 antes de que las autoridades la cerraran; pero esto se debió al contenido político de la obra y fue un fenómeno único, sin precedentes e irrepetible. La temporada de 1592 de Lord Strange's Men en el Rose Theatre fue mucho más representativa: entre el 19 de febrero y el 23 de junio, la compañía actuó seis días a la semana, menos el Viernes Santo y otros dos días. Representaron 23 obras diferentes, algunas solo una vez, y su obra más popular de la temporada, The First Part of Hieronimo , basada en The Spanish Tragedy de Kyd , 15 veces. Nunca representaron la misma obra dos días seguidos, y rara vez la misma obra dos veces en una semana. [40] [e] La carga de trabajo de los actores, especialmente de los protagonistas principales como Richard Burbage o Edward Alleyn , debe haber sido tremenda.
Una característica distintiva de las compañías era que sólo actuaban hombres o niños. Los papeles femeninos eran interpretados por actores adolescentes vestidos de mujer. Algunas compañías estaban compuestas exclusivamente por actores varones. [f] Las representaciones en los teatros públicos (como el Globe) se realizaban por la tarde sin iluminación artificial, pero cuando, en el transcurso de una obra, la luz comenzaba a desvanecerse, se encendían velas. [43] En los teatros privados cerrados (como el Blackfriars) se utilizaba iluminación artificial durante toda la obra. Las obras contenían poca o ninguna escenografía, ya que la escenografía era descrita por los actores o indicada por el vestuario a lo largo de la obra. [44]
En la época isabelina, las investigaciones han sido concluyentes sobre cuántos actores y compañías había en el siglo XVI, pero pocas investigaciones profundizan en los roles de los actores en el escenario del renacimiento inglés. El primer punto es que durante la época isabelina, a las mujeres no se les permitía actuar en el escenario. Los actores eran todos hombres; de hecho, la mayoría eran niños. Para las obras escritas que tenían papeles masculinos y femeninos, los papeles femeninos eran interpretados por los actores varones más jóvenes. [45] Los papeles femeninos más importantes en las tragedias eran interpretados por actores varones mayores porque tenían más experiencia. [45] Como actor varón, se debían implementar muchas habilidades, como la voz y el atletismo (la esgrima era una de ellas). [45]
En el entretenimiento isabelino se crearon las troupes, consideradas compañías de actores, que viajaban por toda Inglaterra, ya que el teatro era el arte más entretenido de la época.
Los actores isabelinos nunca representaban el mismo espectáculo en días sucesivos y añadían una nueva obra a su repertorio cada dos semanas. Estos actores recibían un salario dentro de estas compañías, por lo que, por su trabajo, aprendían constantemente nuevas obras mientras realizaban giras por diferentes ciudades de Inglaterra. En estas obras, había contables que actuaban como narradores de estas obras y presentaban a los actores y los diferentes papeles que interpretaban. En algunos puntos, el contable no decía la narrativa de la escena, para que el público pudiera descubrirla por sí mismo. En las obras isabelinas y jacobinas, las obras a menudo excedían el número de personajes/papeles y no tenían suficientes actores para desempeñarlos, por lo que surgió la idea de duplicar los papeles. [46] La duplicación de roles se utiliza para reforzar el tema de una obra haciendo que el actor actúe los diferentes papeles simultáneamente. [47] La razón de esto era que las compañías de actores controlaban los costos salariales o podían actuar en condiciones en las que no había recursos disponibles, como otras compañías de actores que prestaban actores. [47]
Se implementaron dos estilos de actuación: formal y natural. La actuación formal es objetiva y tradicional, mientras que la actuación natural intenta crear una ilusión para el público permaneciendo en el personaje e imitando las circunstancias ficticias. El actor formal simboliza mientras que el actor natural interpreta. El actor natural imita mientras que el actor formal representa el papel. Natural y formal son opuestos entre sí, donde la actuación natural es subjetiva. En general, el uso de estos estilos de actuación y el recurso dramático de roles dobles hicieron que las obras isabelinas fueran muy populares. [48]
Uno de los principales usos del vestuario durante la era isabelina era compensar la falta de decorados, decorados y accesorios en el escenario. Creaba un efecto visual para el público y era una parte integral de la actuación en general. [49] Dado que el principal atractivo visual en el escenario eran los trajes, a menudo eran de colores brillantes y visualmente fascinantes. Los colores simbolizaban la jerarquía social y los trajes se hacían para reflejar eso. Por ejemplo, si un personaje era de la realeza, su traje incluiría púrpura. Los colores, así como las diferentes telas de los trajes, permitían al público conocer el estatus de cada personaje cuando aparecía por primera vez en el escenario. [50]
Los trajes se recogían en inventario. La mayoría de las veces, los trajes no se hacían individualmente para que se ajustaran al actor, sino que se seleccionaban de las existencias que mantenían las compañías de teatro. Una compañía de teatro reutilizaba los trajes cuando era posible y rara vez encargaba trajes nuevos. Los trajes en sí eran caros, por lo que normalmente los actores llevaban ropa contemporánea independientemente del período de tiempo de la obra. Las piezas más caras se les daban a los personajes de clase alta porque el vestuario se usaba para identificar el estatus social en el escenario. Las telas dentro de un teatro indicaban la riqueza de la propia compañía. Las telas más utilizadas eran: terciopelo, satén, seda, tela de oro, encaje y armiño. [51] Para los personajes menos importantes, los actores usaban su propia ropa.
Los actores también dejaban ropa en su testamento para que la usaran los actores siguientes. Los amos también dejaban ropa para los sirvientes en su testamento, pero a los sirvientes no se les permitía usar ropa elegante, en cambio, vendían la ropa a las compañías de teatro. [50] En las épocas Tudor e Isabelina, había leyes que establecían que ciertas clases solo podían usar ropa acorde con su estatus en la sociedad. Había una discriminación de estatus dentro de las clases. Las clases altas ostentaban su riqueza y poder a través de la apariencia de la ropa, sin embargo, las cortesanas y los actores eran las únicas excepciones, ya que la ropa representaba su "capital de trabajo", por así decirlo, pero solo se les permitía vestirse así mientras trabajaban . Si los actores pertenecían a una compañía de actuación con licencia, se les permitía vestirse por encima de su posición en la sociedad para roles específicos en una producción. [52]
La creciente población de Londres, la creciente riqueza de sus habitantes y su afición por el espectáculo produjeron una literatura dramática de notable variedad, calidad y extensión. Se escribieron unas 3.000 obras para el teatro isabelino y, aunque la mayoría de ellas se han perdido, quedan al menos 543. [53] [54]
Las personas que escribieron estas obras eran principalmente hombres que se hicieron a sí mismos y que provenían de orígenes modestos. [g] Algunos de ellos se educaron en Oxford o Cambridge , pero muchos no. Aunque William Shakespeare y Ben Jonson eran actores, la mayoría no parece haber sido intérpretes, y no se sabe que ningún autor importante que apareció en la escena después de 1600 haya complementado sus ingresos actuando. Sus vidas estaban sujetas a los mismos niveles de peligro y mortalidad temprana que todos los que vivieron durante el período moderno temprano: Christopher Marlowe murió en una aparente pelea de taberna, mientras que Ben Jonson mató a un actor en un duelo. Varios probablemente eran soldados.
Los dramaturgos recibían normalmente un pago en incrementos durante el proceso de escritura y, si su obra era aceptada, también recibían las ganancias de un día de representación. Sin embargo, no eran propietarios de las obras que escribían. Una vez que una obra se vendía a una compañía, la compañía era su propietaria y el dramaturgo no tenía control sobre el reparto, la representación, la revisión o la publicación.
La profesión de dramaturgo era exigente y nada lucrativa. [56] Las entradas en el diario de Philip Henslowe muestran que en los años alrededor de 1600 Henslowe pagaba tan poco como £6 o £7 por obra. Probablemente se trataba del extremo inferior del rango, aunque incluso los mejores escritores no podían exigir mucho más. Un dramaturgo, trabajando solo, generalmente podía producir dos obras al año como máximo. En la década de 1630, Richard Brome firmó un contrato con el Salisbury Court Theatre para producir tres obras al año, pero se encontró incapaz de cumplir con la carga de trabajo. Shakespeare produjo menos de 40 obras en solitario en una carrera que duró más de dos décadas: tuvo éxito financiero porque era actor y, lo más importante, accionista de la compañía para la que actuaba y de los teatros que utilizaban. Ben Jonson alcanzó el éxito como proveedor de mascaradas de la Corte y tenía talento para jugar el juego del mecenazgo que era una parte importante de la vida social y económica de la época. A quienes eran puramente dramaturgos les fue mucho menos bien: las biografías de figuras tempranas como George Peele y Robert Greene , y posteriores como Brome y Philip Massinger , están marcadas por la incertidumbre financiera, la lucha y la pobreza.
Los dramaturgos se enfrentaron a la limitación natural de su productividad al combinarse en equipos de dos, tres, cuatro e incluso cinco para generar textos teatrales. La mayoría de las obras escritas en esta época fueron colaboraciones, y los artistas solistas que generalmente evitaban los esfuerzos colaborativos, como Jonson y Shakespeare, fueron las excepciones a la regla. Dividir el trabajo, por supuesto, significaba dividir los ingresos; pero el acuerdo parece haber funcionado lo suficientemente bien como para que valiera la pena. De las más de 70 obras conocidas en el canon de Thomas Dekker , aproximadamente 50 son colaboraciones. En un solo año (1598), Dekker trabajó en 16 colaboraciones para el empresario Philip Henslowe y ganó £ 30, o un poco menos de 12 chelines por semana, aproximadamente el doble del ingreso promedio de un artesano de 1 chelín por día. [57] Al final de su carrera, Thomas Heywood afirmó haber tenido "una mano entera, o al menos un dedo principal" en la autoría de unas 220 obras. Un artista en solitario normalmente necesitaba meses para escribir una obra (aunque se dice que Jonson hizo Volpone en cinco semanas); el Diario de Henslowe indica que un equipo de cuatro o cinco escritores podía producir una obra en tan sólo dos semanas. Sin embargo, es cierto que el Diario también muestra que equipos de dramaturgos de la casa de Henslowe ( Anthony Munday , Robert Wilson , Richard Hathwaye , Henry Chettle y los demás, incluso incluyendo a un joven John Webster ) podían comenzar un proyecto y aceptar anticipos por él, pero no lograr producir nada digno de ser presentado en escena. [58]
Las líneas amarillas cortas indican 27 años, la edad promedio en la que estos autores comenzaron sus carreras como dramaturgos.
Los géneros de la época incluían el teatro histórico , que representaba la historia inglesa o europea. Las obras de Shakespeare sobre las vidas de los reyes, como Ricardo III y Enrique V , pertenecen a esta categoría, al igual que Eduardo II de Christopher Marlowe y la Crónica famosa del rey Eduardo I de George Peele . Las obras históricas también trataban de acontecimientos más recientes, como A Larum for London , que dramatiza el saqueo de Amberes en 1576. Una obra más conocida, La batalla de Alcázar (c. 1591) de Peele, representa la batalla de Alcázar Quibir en 1578.
La tragedia fue un género muy popular. Las tragedias de Marlowe tuvieron un éxito excepcional, como El doctor Fausto y El judío de Malta . Al público le gustaban especialmente los dramas de venganza , como La tragedia española de Thomas Kyd . Las cuatro tragedias consideradas las más grandes de Shakespeare ( Hamlet , Otelo , El rey Lear y Macbeth ) fueron compuestas durante este período.
Las comedias también eran habituales. Un subgénero desarrollado en este período fue la comedia urbana , que trata satíricamente la vida en Londres al estilo de la nueva comedia romana . Algunos ejemplos son Las vacaciones del zapatero de Thomas Dekker y Una casta doncella en Cheapside de Thomas Middleton .
Aunque marginados, los géneros más antiguos, como la pastoral ( La fiel pastora , 1608) e incluso el drama moral ( Cuatro dramas en uno , ca. 1608-13) pudieron ejercer influencias. Después de 1610, el nuevo subgénero híbrido de la tragicomedia gozó de un florecimiento, al igual que la mascarada durante los reinados de los dos primeros reyes Estuardo , Jacobo I y Carlos I.
Las obras sobre temas bíblicos eran comunes, y David y Betsabé de Peele es uno de los pocos ejemplos que sobreviven.
Solo una minoría de las obras del teatro renacentista inglés se imprimieron. De las 220 obras de Heywood, solo unas 20 se publicaron en forma de libro. [59] Un poco más de 600 obras se publicaron en el período en su conjunto, la mayoría de las veces en ediciones individuales en cuarto . (Las ediciones recopiladas más grandes, como las de Shakespeare , Ben Jonson y Beaumont y Fletcher , fueron un desarrollo tardío y limitado). Durante gran parte de la era moderna, se pensó que los textos de las obras eran artículos populares entre los lectores del Renacimiento que proporcionaban ganancias saludables para los libreros que los imprimían y vendían. A principios del siglo XXI, el clima de la opinión académica cambió un poco con respecto a esta creencia: algunos investigadores contemporáneos sostienen que publicar obras de teatro era un negocio arriesgado y marginal [60] , aunque otros han cuestionado esta conclusión. [61] Algunos de los editores más exitosos del Renacimiento inglés, como William Ponsonby o Edward Blount , rara vez publicaron obras de teatro.
Un pequeño número de obras de teatro de la época sobrevivieron no en textos impresos sino en forma de manuscrito . [h]
El movimiento puritano en ascenso era hostil hacia el teatro, ya que consideraba que el "entretenimiento" era pecaminoso. Políticamente, los dramaturgos y actores eran clientes de la monarquía y la aristocracia, y la mayoría apoyaba la causa realista. La facción puritana, poderosa durante mucho tiempo en Londres, obtuvo el control de la ciudad a principios de la Primera Guerra Civil Inglesa , y el 2 de septiembre de 1642, el Parlamento Largo , impulsado por el partido parlamentario , bajo influencia puritana , prohibió la puesta en escena de obras en los teatros de Londres, aunque no ordenó, contrariamente a lo que se afirma comúnmente, el cierre, y mucho menos la destrucción, de los propios teatros:
Considerando que el afligido Estado de Irlanda, empapado en su propia sangre, y el perturbado Estado de Inglaterra, amenazado con una nube de sangre por una guerra civil, exigen todos los medios posibles para apaciguar y evitar la ira de Dios, que aparece en estos juicios; entre los cuales, el ayuno y la oración, que a menudo se han probado por ser muy eficaces, se han ordenado recientemente y todavía se recomiendan; y considerando que los deportes públicos no se llevan bien con las calamidades públicas, ni las representaciones teatrales públicas con las épocas de humillación, siendo este un ejercicio de triste y piadosa solemnidad, y el otro siendo espectáculos de placer, que muy comúnmente expresan alegría lasciva y frivolidad: por lo tanto, se considera adecuado y se ordena, por los Lores y los Comunes reunidos en este Parlamento, que, mientras continúen estas tristes causas y estos tiempos de humillación, las representaciones teatrales públicas cesarán y se abandonarán, en lugar de lo cual se recomiendan al pueblo de esta tierra las consideraciones provechosas y oportunas del arrepentimiento, la reconciliación y la paz con Dios, que probablemente puedan producir paz y prosperidad externas, y traer de nuevo tiempos de alegría y regocijo a estas naciones.
— Oficina de papelería de Su Majestad , Actas y ordenanzas del interregno, 1642-1660 , "Septiembre de 1642: Orden de cesar las obras de teatro" [62]
La Ley establece que la prohibición será temporal ("... mientras estas tristes causas y estos tiempos de humillación continúen, las representaciones teatrales públicas cesarán y serán abolidas") pero no le asigna un límite de tiempo.
Incluso después de 1642, durante la Guerra Civil Inglesa y el Interregno ( Commonwealth inglesa ) que le siguió, se siguió haciendo teatro renacentista inglés. Por ejemplo, las autoridades permitieron obras cómicas breves llamadas drolls , mientras que prohibieron las obras de larga duración. Los edificios del teatro no se cerraron, sino que se utilizaron para otros fines que no fueran la representación de obras. [i]
La representación de obras de teatro estuvo prohibida durante la mayor parte de los dieciocho años siguientes, pero se volvió a permitir tras la Restauración de la monarquía en 1660. Los teatros comenzaron a representar muchas de las obras de la época anterior, aunque a menudo en formas adaptadas. Pronto surgieron nuevos géneros de comedia y espectáculo de la Restauración , que dieron al teatro inglés de finales del siglo XVII su carácter distintivo.
Cronología de la compañía de juegos del Renacimiento inglés
Esta cronología traza la existencia de las principales compañías teatrales inglesas desde 1572 (" Acta para el castigo de Vacabondes ", que restringía legalmente la actuación a los actores con un mecenas de suficiente nivel) hasta 1642 (el cierre de los teatros por parte del Parlamento ). Antes de 1572 existían una variedad de actores ambulantes e incluso las primeras compañías con sede en Londres. Las situaciones eran a menudo fluidas y gran parte de esta historia es oscura; esta cronología implica necesariamente más precisión de la que existe en algunos casos. Las etiquetas de la izquierda indican los nombres más comunes de las compañías. Los segmentos de la barra indican el mecenas específico. En el caso de las compañías infantiles (una situación legal distinta), se mencionan algunos fundadores.
