El cine de mujeres se refiere principalmente a obras cinematográficas dirigidas (y, opcionalmente, también producidas) por mujeres cineastas. Las obras en sí no tienen por qué ser historias específicamente sobre mujeres, y el público al que van dirigidas puede ser variado.
También se trata de una variedad de temas agrupados para crear el trabajo de las mujeres en el cine. Esto puede incluir mujeres que desempeñan roles detrás de escena, como directoras, directoras de fotografía, escritoras y productoras, al mismo tiempo que abordan las historias de las mujeres y el desarrollo de personajes a través de guiones (por otro lado, las películas hechas por hombres sobre mujeres se denominan en cambio películas de mujeres ).
Entre las directoras de cine de renombre se incluyen Alice Guy-Blaché , pionera del cine y una de las primeras directoras de cine, Agnès Varda , la primera directora de la Nouvelle Vague francesa, Margot Benacerraf (1959), la primera mujer en ganar el Premio de la Crítica Internacional de Cannes y ser nominada a la Palma de Oro, Yulia Solntseva , la primera mujer en ganar el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cine de Cannes ( 1961 ), Lina Wertmüller , la primera mujer nominada al Premio de la Academia a la Mejor Dirección ( 1977 ), Barbra Streisand , la primera mujer en ganar el Globo de Oro a la Mejor Dirección ( 1983 ), Jane Campion , la primera mujer en ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes ( 1993 ), y Kathryn Bigelow , la primera mujer en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Dirección ( 2009 ), [1] junto con muchas otras directoras de todo el mundo como Dorothy Arzner , Ida Lupino , Lois Weber , Leni Riefenstahl , Mary Harron , Sofia Coppola , Kira Muratova , Claire Denis , Chantal Akerman , Catherine Breillat , Lucrecia Martel , Lynne Ramsay , Céline Sciamma , Claudia Weill y Julie Dash . Muchas directoras de fotografía de éxito también son mujeres, entre ellas Margarita Pilikhina , Maryse Alberti , Reed Morano , Rachel Morrison , Halyna Hutchins y Zoe White.
El cine de mujeres reconoce las contribuciones de las mujeres en todo el mundo, no solo en películas narrativas sino también en documentales. El reconocimiento del trabajo de las mujeres se produce a través de diversos festivales y premios, como el Festival de Cine de Cannes , por ejemplo. [2]
“El cine de mujeres es una construcción compleja, crítica, teórica e institucional”, explica Alison Butler. El concepto ha recibido numerosas críticas, lo que ha provocado que algunas cineastas se distancien de él por miedo a que se las asocie con la marginación y la controversia ideológica. [2]
Alice Guy-Blaché fue una pionera del cine y la primera directora femenina. [3] Trabajaba para la compañía cinematográfica Gaumont en Francia en la época en que se inventaba el cine y creó La Fée aux Choux (1896). Las fechas de muchas de las primeras películas son especulativas, pero La Fée aux Choux bien podría ser la primera película narrativa jamás estrenada. [4] Trabajó como jefa de producción de Gaumont desde 1896 hasta 1906 y, en última instancia, produjo cientos de películas mudas en Francia y Estados Unidos. [5]
En Suecia, Anna Hofman-Uddgren fue la primera cineasta mujer de ese país, produciendo la película muda Stockholmsfrestelser en 1911. También actuó en la película. [6] Sin embargo, Ebba Lindkvist dirigió el cortometraje dramático , Värmländingarna , que se estrenó en Suecia el 27 de octubre de 1910, lo que la convirtió técnicamente en la primera mujer cineasta, [7] y cronológicamente, la segunda directora de largometrajes en el mundo, después de Alice Guy-Blaché.
Luise Fleck fue una directora de cine austríaca y ha sido considerada la segunda directora de largometrajes del mundo, después de Alice Guy-Blaché. En 1911, Luise Fleck dirigió Die Glückspuppe .
Elvira Notari es la primera directora italiana en realizar una película. Las primeras películas de Notari son Maria Rosa di Santa Flavia , Carmela la pazza , Bufera d'anime , todas realizadas en 1911.
Helen Gardner , una actriz de Vitagraph Studios que había ganado elogios por su interpretación de Becky Sharp en la versión de 1910 de Vanity Fair , fue la primera actriz de cine, hombre o mujer, en formar su propia compañía de producción, The Helen Gardner Picture Players. [8] La primera producción de Gardner fue Cleopatra (1912), uno de los primeros largometrajes estadounidenses.
En 1913, la cineasta rusa Olga Preobrazhenskaya comenzó a dirigir películas en el estudio "Timan y Reingardt". Es la primera directora rusa. Su primer trabajo como directora fue la película de 1916 La señorita campesina, basada en la obra homónima de Aleksandr Pushkin .
La directora estadounidense Lois Weber fue entrenada e inspirada por Guy-Blaché y tuvo éxito en la creación de películas mudas. [9] Weber es conocida por sus películas Hypocrites (1915), The Blot (1921) y Suspense (1913). Las películas de Weber a menudo se centran en cuestiones sociales difíciles. Por ejemplo, su película Where Are My Children? (1916) aborda las controvertidas cuestiones del control de la natalidad y el aborto . Y cuestionó la validez de la pena capital en The People vs. John Doe (1916). [10] [11]
Mabel Normand fue otra de las primeras cineastas importantes. Comenzó como actriz y se convirtió en productora, guionista y directora en la década de 1910, trabajando en los primeros cortometrajes que hizo Charlie Chaplin como El vagabundo en los Keystone Studios de Mack Sennett . [12] Colaboró más con Sennett en otras películas de Keystone y, a fines de la década de 1910 y principios de la de 1920, tuvo su propio estudio cinematográfico y compañía de producción. [13] Otras actrices notables que se convirtieron en directoras incluyen a Grace Cunard y Nell Shipman .
Las guionistas eran muy buscadas en los primeros años del cine. Frances Marion , Anita Loos y June Mathis tuvieron carreras exitosas en las eras del cine mudo y del sonoro. Mathis también fue la primera ejecutiva femenina en Hollywood .
Ver Mary Pickford
A medida que el cine estadounidense se convirtió en una industria altamente comercializada en la década de 1920 y su contenido se volvió cada vez más convencional, las oportunidades para las productoras y directoras fueron cada vez menores. Cuando el sonido llegó a los EE. UU. en 1927 y los años inmediatamente posteriores, los roles de las mujeres detrás de la cámara se limitaban en gran medida a guionistas, diseñadoras de vestuario, decoradoras, maquilladoras y similares. Y la implementación de la autocensura por parte de la industria en forma del Código Hays en 1934 significó que temas como el control de la natalidad y el aborto eran tabú. Dorothy Arzner fue la única directora que sobrevivió en este entorno hostil. Lo hizo produciendo películas bien hechas pero formalmente bastante convencionales. Sin embargo, es posible rastrear elementos feministas en sus películas. [14] Los críticos de cine encuentran su película, Dance, Girl, Dance , sobre dos mujeres que luchan por triunfar en el mundo del espectáculo, particularmente interesante desde una perspectiva feminista. Cuando la película fue seleccionada para su inclusión en el Registro Nacional de Cine , se señaló que "Las bailarinas, interpretadas por Maureen O'Hara y Lucille Ball , se esfuerzan por preservar su propia integridad feminista, mientras luchan por su lugar en el centro de atención y por el amor del protagonista masculino Louis Hayward ". [15] Más allá de Dance, Girl, Dance , Arzner también trabajó con algunas de las actrices más formidables de Hollywood, incluidas Katharine Hepburn en Christopher Strong (1933) y Joan Crawford en La novia vestía de rojo (1937).
La primera mujer que dirigió una película de cine negro, Ida Lupino , es considerada por muchos como la cineasta más destacada que trabajó en la década de 1950 durante el sistema de estudios de Hollywood. Es más conocida por dirigir El autoestopista . Ida Lupino también es famosa por su trabajo como actriz.
El cine experimental y de vanguardia es el género que se considera más cercano a las cineastas y que también promueve temas relacionados con las mujeres. Annette Kuhn, por ejemplo, señaló esta afinidad especial al citar que las bajas inversiones de dinero y el "profesionalismo" han significado que es más abierto que la industria cinematográfica convencional para las mujeres. [16] Tanto Pam Cook como Laura Mulvey también señalaron una alineación y alianza del cine experimental y de vanguardia con el interés y la política feministas. En concreto, Mulvey explicó que las películas convencionales o de Hollywood son incapaces de proporcionar la experiencia de la contradicción, lo que refuerza el antirrealismo y que aquí es donde el cine de vanguardia es útil para las mujeres y el feminismo porque comparten "un interés común en la política de las imágenes y los problemas del lenguaje estético". [17]
La participación de las mujeres en el cine experimental y de vanguardia comenzó a principios del siglo XX, aunque fue limitada debido a las restricciones de las convenciones sociales de este período. [2] Fue solo después de la guerra cuando las mujeres se involucraron activamente en este género cinematográfico. Germaine Dulac fue un miembro destacado del movimiento cinematográfico de vanguardia francés después de la Primera Guerra Mundial. [18] También está el caso de las películas visionarias de Maya Deren , que pertenecieron a los clásicos del cine experimental y se centraron en la vanguardia norteamericana. [19] La tendencia contemporánea no se opuso a la entrada de las cineastas en el cine de vanguardia aunque, en sus primeros años, no recibieron tantos elogios de la crítica como sus contrapartes masculinas. [2]
Shirley Clarke fue una figura destacada de la escena cinematográfica independiente estadounidense en Nueva York en los años cincuenta. [20] Su trabajo es inusual, en la medida en que dirigió películas experimentales y de largometraje, así como documentales. Joyce Wieland fue una cineasta experimental canadiense . La Junta Nacional de Cine de Canadá permitió a muchas mujeres producir películas de animación no comerciales. En Europa, artistas mujeres como Valie Export estuvieron entre las primeras en explorar el potencial artístico y político de los videos . Sus obras de arte incitaron controversia debido a sus cualidades sexuales y feministas. [21]
A finales de los años sesenta, cuando comenzó la segunda ola del feminismo , la Nueva Izquierda estaba en su apogeo. Ambos movimientos se oponían firmemente al "cine dominante", es decir, Hollywood y el cine burgués de autor europeo masculino. Se acusaba a Hollywood de fomentar la opresión al difundir estereotipos sexistas, racistas e imperialistas. Las mujeres participaban en nuevos colectivos mixtos como Newsreel , pero también formaban sus propios grupos cinematográficos. Las primeras películas feministas a menudo se centraban en experiencias personales. [24]
El feminismo de segunda ola se revelaría en diferentes formas en las películas de la última parte del siglo XX, como la idea de las "hermandades" en las películas (aunque muchas de estas películas fueron hechas por hombres). [25] Otros conceptos del feminismo de segunda ola en las películas involucraban la opresión de las mujeres y la dificultad de identificarse con la idea de la feminidad. Durante esta época, el feminismo en las películas también se representaría como un contracine [26] mediante el cual los cineastas intentarían deconstruir intencionalmente el modelo de la película clásica. Este estilo de contracine feminista se puede ver en las obras de artistas como Thriller de Sally Potter en 1979.
Resistirse a la opresión de la sexualidad femenina fue uno de los objetivos centrales del feminismo de segunda ola . El aborto seguía siendo muy controvertido en muchas sociedades occidentales y las feministas se oponían al control del Estado y la Iglesia. La exploración de la sexualidad femenina adoptó muchas formas: centrándose en formas de sexualidad censuradas durante mucho tiempo ( lesbianismo , sadomasoquismo ) o mostrando la heterosexualidad desde el punto de vista de una mujer. Liliana Cavani , Birgit Hein , Elfi Mikesch, Nelly Kaplan , Catherine Breillat y Barbara Hammer son algunas de las directoras que hay que recordar.
Una película que destaca por su retrato empático del trabajo sexual es Working Girls (1986) , de Lizzie Borden . Molly, una lesbiana blanca que mantiene una relación estable con un hombre de raza mixta, es una fotógrafa formada en Yale que ha decidido aumentar sus ingresos mediante el trabajo sexual en un burdel urbano de bajo perfil. Acompañamos a Molly en lo que resulta ser su último día de trabajo, entendiendo sus interacciones profesionales con sus "clientes" a través de su perspectiva, un punto de vista completamente original, ya que, hasta la película de Borden, las trabajadoras sexuales habían sido representadas en gran medida de forma estereotipada. El personaje y la situación empáticos y completos de la historia humanizan el trabajo sexual, y la película en sí misma combate la postura antipornografía promovida por muchas feministas de la segunda ola, que Borden rechaza por represiva. [27]
Por lo general, las mujeres son retratadas como dependientes de otros personajes, hiperemocionales y confinadas a trabajos de bajo estatus en comparación con los personajes masculinos emprendedores y ambiciosos (Bussey y Bandura, 1999). Las mujeres en el cine están groseramente mal representadas y definitivamente subrepresentadas. Los papeles que desempeñan los hombres son el superhéroe, el hombre de negocios rico o el villano todopoderoso. Cuando se trata de los papeles que desempeñan las mujeres, tienden a ser la ama de casa, la mujer que no puede conseguir un hombre, la puta o la secretaria. La verdadera comparación es la masculinidad versus la feminidad. La prueba de Bechdel para el cine es un tipo de prueba de fuego que examina la representación de las mujeres en los medios. Los tres factores evaluados son: 1. ¿Hay al menos dos mujeres en la película que tengan nombres? 2. ¿Esas mujeres hablan entre sí? 3. ¿Hablan entre ellas sobre algo que no sea un hombre? (Sharma y Sender, 2014). Muchos de los papeles que se les dan a las mujeres las hacen dependientes de su contraparte masculina o limitan su papel. Otra característica de su distribución de roles es que las mujeres tienen el doble de probabilidades de tener un rol relacionado con la vida en lugar de un rol relacionado con el trabajo. Hollywood rara vez elige que las mujeres sean la jefa todopoderosa o incluso que tengan una carrera exitosa. Ha habido algunos ejemplos que rompen esta norma, como La proposición de Anne Fletcher . Incluso en estas dos películas, la contraparte masculina es un papel fuerte y en ambas la protagonista femenina depende de ambos actores para la historia. Las mujeres no se sostienen por sí solas en las películas y rara vez son el centro de atención sin que haya un hombre allí para robar el protagonismo. Algunos roles que se han retratado en películas recientes han ido en contra de esta norma, como Katniss en Los juegos del hambre y Furiosa en Mad Max: Furia en la carretera (ambas películas están dirigidas por hombres). Estos roles rompen la norma, ya que las mujeres generalmente son retratadas como dependientes de otros personajes, sobre emocionales y confinadas a trabajos de bajo estatus en comparación con los personajes masculinos emprendedores y ambiciosos (Bussey y Bandura, 1999). Las mujeres en el cine están groseramente mal representadas y subrepresentadas. [28]
Muchas mujeres tienen miedo incluso de entrar en la industria cinematográfica, y mucho menos de producir múltiples obras en ella. Se dice que tanto los trabajadores hombres como las mujeres creen que contratar mujeres para la industria es correr un gran riesgo o ser arriesgado. [29] Hay muchos actos discriminatorios hacia las mujeres durante el proceso de contratación en la industria, como la discriminación por edad y ofrecerles salarios más bajos. [29] La mayoría de las trabajadoras de la industria cinematográfica solo se convierten en trabajadoras autónomas, lo que en la mayoría de los casos les impide crear carreras y ganarse la vida con su pasión por el cine y la cinematografía. [30] Estas son las tácticas de miedo que se utilizan, ya sea a propósito o no, para evitar que las mujeres prosperen en la industria cinematográfica.
Sin embargo, existe una discriminación mucho mayor hacia las mujeres después de que reciben el trabajo y comienzan a ayudar y/o producir trabajo. Las estadísticas muestran que no hay muchas mujeres en puestos de alto nivel en la industria. [30] En comparación con el número de mujeres contratadas, se muestra claramente que a las mujeres no se les da la oportunidad de mantener sus trabajos durante largos períodos de tiempo. "Sin embargo, es notable que las mujeres perdieron sus trabajos a un ritmo seis veces mayor que los hombres, lo que indica la particular y elevada vulnerabilidad de las mujeres en la industria". [30] Las mujeres no están siendo promovidas a puestos más altos con tanta frecuencia como sus homólogos masculinos y ni siquiera se les da la oportunidad de permanecer el tiempo suficiente para ser promovidas. Estos son múltiples problemas que ocurren durante el proceso de contratación e incluso las experiencias posteriores a la contratación de las mujeres que pueden hacer que otras mujeres teman ingresar a la industria en primer lugar.
La forma en que se trata a las mujeres en el lugar de trabajo también es una prueba de las desigualdades que sufren en la industria cinematográfica. Las tasas de remuneración de las mujeres y las expectativas en relación con su formación/experiencia en cinematografía son muy diferentes a las de los trabajadores masculinos. Hay muchos escenarios en la industria que muestran que la mujer tiene más calificaciones para el trabajo que el hombre, pero gana menos dinero por el mismo trabajo que el hombre. [31] "Cabe destacar que las mujeres en este campo están significativamente mejor calificadas que sus homólogos masculinos, con una mayor proporción de licenciadas y una diferencia aún más significativa en el número de mujeres, en comparación con los hombres, con títulos superiores (Skillset, 2010a: 6)". [30] Incluso las mujeres que están sobrecalificadas son tratadas como si no lo estuvieran, lo que hace que trabajen más duro para ser mejores y ser recompensadas como sus homólogos masculinos. [31] Todas estas desigualdades y discriminación hacia las mujeres en la industria cinematográfica crean un miedo en las mujeres incluso de querer entrar en la industria.
Un estudio realizado por USC Annenberg investigó qué significa ser una mujer en la industria cinematográfica, sin importar si trabajaban detrás de escena o eran personajes ficticios. USC Annenberg analizó dos grupos de prueba de películas: las 100 mejores películas de cada año entre 2007 y 2015 y las 100 mejores películas de 2015.
En el caso de las 100 mejores películas de 2015, en 32 de ellas las protagonistas y coprotagonistas eran mujeres, mientras que de las 32 películas, solo 3 de ellas incluían una raza distinta a la caucásica. De los miles de papeles con diálogos, solo 32 personajes eran LGBT y, de esos personajes, el 40% eran racialmente diversos. También era tres veces más probable que los personajes femeninos aparecieran en un contexto sexual. [32]
Detrás de escena, las estadísticas eran similares a las de los personajes ficticios femeninos. Las directoras, guionistas y productoras representaron el 19% de las 1.365 personas que se necesitaron para crear las 100 mejores películas de 2015. El porcentaje de guionistas (11,8%) y productoras (22%) puede considerarse alto en comparación con el de directoras (7,5%). Del 7,5% de directoras, tres de ellas eran afroamericanas y una asiática. [32]
De las 100 mejores películas de cada año desde 2007 hasta 2015, de las 800 películas, el 4,1 % fueron dirigidas por mujeres. [32]
Si bien todavía existe una brecha entre el porcentaje de cineastas mujeres y hombres, las mujeres tienden a participar más en películas documentales. Hay un mayor porcentaje de mujeres que dirigen documentales que de mujeres que dirigen películas narrativas. [33] Llegó un punto en el que las directoras apenas eran notadas o no eran reconocidas en absoluto.
En el mundo del cine, a muchas cineastas no se les da mucha atención ni oportunidades para mostrar de lo que son capaces. Este tema aún se debate, pero varios activistas tienen como objetivo cambiar y superar este tipo de desigualdad. Estos activistas tienen como objetivo crear conciencia y producir un cambio social en lo que se muestra actualmente en los medios. Durante la década de 1990, surgieron muchas películas que presentaban cineastas de diferentes nacionalidades y grupos raciales. [34] Por ejemplo, una de las películas estrenadas ese año se llama Sisters in Cinema [35] dirigida por Yvonne Welbon . Este documental fue para demostrar cómo las directoras afroamericanas inspeccionan su lugar actual en la industria. Al darles a estas directoras de cine la oportunidad de mostrar su trabajo y demostrar sus acciones, los documentales feministas serán tan importantes como cualquier otro documental. No solo esto, sino que muchos documentales tienden a mostrar diferentes activistas sociales que buscan un cambio social al crear conciencia y reforzar a las directoras de cine.
El Centro de Estudios de la Mujer en la Televisión y el Cine ha dedicado 18 años al estudio de las mujeres en la industria cinematográfica. Se crea un informe anual en el que se analiza cómo han contribuido las mujeres como cineastas. La mayoría de los hallazgos de la investigación muestran que, estadísticamente, dice lo mismo de un año a otro. [36] Las películas con mayores ingresos de los últimos 20 años, con la excepción de las películas extranjeras y las reediciones, han sido monitoreadas y estudiadas por el Celluloid Ceiling para proporcionar información sobre las contribuciones y el empleo de las mujeres en estas películas. [37] Según el Centro de Estudios de la Mujer en la Televisión y el Cine de la Universidad Estatal de San Diego, en 2017, "las mujeres representaban el 18% de todos los directores, guionistas, productores, productores ejecutivos, editores y directores de fotografía que trabajaban en las 250 películas nacionales más taquilleras". [37] El mismo estudio concluyó que en 2017, 10 o más mujeres obtuvieron uno de estos puestos en el 1% de las películas, en comparación con 10 o más hombres contratados para estos trabajos en el 70% de las películas. [37] La información del Celluloid Ceiling muestra que más mujeres tienden a ser empleadas en proyectos cinematográficos dirigidos por mujeres. [37] Según el Duke Journal of Gender Law and Policy, "en películas con al menos una directora, las mujeres representaban el 53% de los guionistas. Por el contrario, en películas con directores hombres, las mujeres representaban solo el 10% de los guionistas". [38] Estadísticamente, las directoras generalmente crean películas sobre y para mujeres, y contratan a mujeres para asumir los roles de personajes principales o protagonistas. [38] El Duke Journal of Gender Law and Policy también descubrió que "en 2015, las mujeres representaban solo el 22% de los protagonistas y el 18% de los antagonistas. Solo el 34% de los personajes principales y el 33% de todos los personajes con diálogo en las 100 películas más taquilleras del país eran mujeres". [38]
El grupo también contribuye con su tiempo a crear artículos que discuten cómo se ve a las mujeres en el cine, no solo como cineastas sino también como personajes de ficción. [36]
Mary Harron es una famosa directora canadiense que trabaja en Hollywood. Ganó reconocimiento por primera vez con la película I Shot Andy Warhol , que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1996. También dirigió American Psycho (2000) y The Notorious Bettie Page (2005).
Joyce Wieland es una destacada cineasta experimental y artista de medios mixtos canadiense. Estuvo activa desde la década de 1950 hasta la de 1980 como cineasta. En los últimos años, la actriz convertida en cineasta Sarah Polley ha realizado varias películas notables. En 2022, escribió y dirigió la película Women Talking , basada en la novela homónima de 2018 de Miriam Toews , por la que ganó el Premio de la Academia al Mejor Guion Adaptado . [39]
En la era del cine mudo, las mujeres estadounidenses estaban muy involucradas en el cine en todas las ocupaciones.
Helen Gardner fue la primera actriz de cine, hombre o mujer, en formar su propia compañía de producción, "The Helen Gardner Picture Players". El primer largometraje de la compañía fue la película de 1912 Cleopatra , que ella produjo y protagonizó. [8]
La directora estadounidense Lois Weber es una de las directoras y productoras de cine más prolíficas de la era del cine mudo. [9] Weber es conocida por sus películas Hypocrites (1915), The Blot (1921) y Suspense (1913).
Mabel Normand fue otra destacada cineasta pionera. Comenzó como actriz y se convirtió en productora y directora en la década de 1910. [12] A finales de la década de 1910 y principios de la de 1920, tuvo su propio estudio cinematográfico y compañía de producción. [13] Otras actrices notables que se convirtieron en directoras incluyen a Grace Cunard y Nell Shipman .
Dorothy Arzner fue una de las pocas mujeres que tuvieron éxito en puestos ejecutivos en Hollywood desde la década de 1920 hasta la de 1940. Desde 1927 hasta 1943, Arzner fue la única directora que trabajó en Hollywood. [14]
Ida Lupino , la primera mujer que dirigió una película de cine negro , es considerada por muchos como la cineasta más destacada de la década de 1950, durante el sistema de estudios de Hollywood. Además de dirigir, también fue actriz.
La cineasta estadounidense nacida en Ucrania Maya Deren dirigió películas vanguardistas y experimentales innovadoras en la década de 1940, entre ellas Meshes of the Afternoon (1943). [19]
Shirley Clarke fue una importante e innovadora cineasta independiente que filmó tres largometrajes en la década de 1960: The Connection (1961), The Cool World (1964) y Portrait of Jason (1967).
La película Wanda de 1970 de Barbara Loden es uno de los retratos más conmovedores de la alienación en el cine. [24]
Joyce Chopra alcanzó el éxito como directora de documentales y largometrajes en los años 1970 y 1980. Su película Smooth Talk ganó el Gran Premio del Jurado en la categoría de Drama en el Festival de Sundance de 1986. También colaboró con la directora Claudia Weill en su documental Joyce at 34 , que documentaba su parto. [40]
La película de 1978 aclamada por la crítica Girlfriends de Claudia Weill es un punto culminante del cine femenino de los años 70. En 2019, la Biblioteca del Congreso seleccionó la película para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". Debido al acoso sexual en el lugar de trabajo por parte del productor Ray Stark en el set de su siguiente película It's My Turn (1980), Weill dejó de hacer largometrajes. [40]
Elaine May , Joan Darling , Joan Tewkesbury , Joan Micklin Silver , Karen Arthur y Martha Coolidge son otros directores de cine notables de la década de 1970.
Barbra Streisand , mejor conocida como actriz y cantante, dirigió la película Yentl en 1983, convirtiéndose así en la primera mujer en escribir, producir, dirigir y protagonizar una película de un gran estudio. Fue la primera mujer en ganar el Globo de Oro a la mejor dirección en 1983.
La directora de cine Julie Dash logró un gran éxito comercial y crítico con su película de 1991 Daughters of the Dust , que fue premiada en el Festival de Cine de Sundance. En 2004, la Biblioteca del Congreso seleccionó la película para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por su "significación cultural, histórica o estética".
Kathryn Bigelow trabaja en géneros tradicionalmente dominados por los hombres, como la ciencia ficción, la acción y el terror. Su debut como directora fue el drama de motociclistas de 1981 The Loveless . Se convirtió en la primera mujer en ganar un Premio de la Academia a la Mejor Dirección y el Premio del Sindicato de Directores de Estados Unidos en 2010 por The Hurt Locker . [1] [41] En 2013, su película Zero Dark Thirty fue recibida con aclamación universal [42] y recaudó $ 95 millones en la taquilla de los Estados Unidos. [43] Bigelow fue nominada a Mejor Directora en los Premios BAFTA , Globo de Oro y Premio del Sindicato de Directores de Estados Unidos, entre otros. Sin embargo, no logró ser preseleccionada para la categoría en la 85.ª edición de los Premios de la Academia, en lo que fue ampliamente visto como un desaire . [44] [45] [46]
Lizzie Borden es una destacada cineasta feminista de la década de 1980 que realizó películas sobre temas controvertidos, incluido el trabajo sexual. Algunas de sus películas más destacadas son Born in Flames (1983) y Working Girls (1986).
En la década de 2000, las películas dirigidas por mujeres en Hollywood comenzaron a ganar más dinero que nunca, y las películas más taquilleras recaudaron 100 millones o incluso mil millones de dólares.
Anne Fletcher ha dirigido siete películas financiadas por estudios: Step Up (2006), 27 vestidos (2008), La propuesta (2009) , The Guilt Trip (2012), Hot Pursuit (2015), Dumplin' (2018) y Hocus Pocus 2 (2022), que han recaudado más de 343 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos y 632 millones de dólares en todo el mundo. [47]
Las películas de Catherine Hardwicke han recaudado un total acumulado de 551,8 millones de dólares. [48] Sus películas más exitosas son Crepúsculo (2008) y Caperucita Roja (2011).
Nancy Meyers ha disfrutado del éxito con sus cinco largometrajes: The Parent Trap (1998), What Women Want (2000), Something's Gotta Give (2003), The Holiday (2006) y It's Complicated (2009) que han acumulado 1.157 millones de dólares en todo el mundo. [49] Antes de comenzar su carrera como directora, escribió otras películas de éxito como Private Benjamin (1980) por la que fue nominada al Oscar al Mejor Guion Original , Baby Boom (1987) o El padre de la novia (1991).
Sofia Coppola es una directora aclamada por la crítica que también ha tenido éxito financiero. Su película debut como directora Lost in Translation (2003) recaudó más de $119 millones. Las vírgenes suicidas (1999), María Antonieta (2006) y The Bling Ring (2013) también tuvieron éxito. En el Festival de Cine de Cannes de 2017, Sophia Coppola ganó el premio a Mejor Directora por su trabajo en la película dramática The Beguiled , convirtiéndose en la segunda mujer en la historia del festival en ganar el premio. Su sobrina Gia Coppola también es una destacada cineasta.
Ava DuVernay es la directora de la aclamada Selma (2014), así como la primera mujer afroamericana en dirigir una película con un presupuesto de tres dígitos, A Wrinkle in Time (2018).
Otra directora moderna notable, Greta Gerwig , ha dirigido dos películas, Lady Bird (2017) y Mujercitas (2019), que obtuvieron nominaciones al premio Oscar a la mejor película. Su tercera película, Barbie (2023), tuvo el fin de semana de estreno más grande para una directora, con 162 millones de dólares en taquilla.
Jennifer Lee , directora de los grandes éxitos Frozen y Frozen II , es la primera directora de un largometraje de Walt Disney Animation Studios y la primera directora de un largometraje que recaudó más de mil millones de dólares en ingresos brutos de taquilla.
Chloe Zhao es una directora de cine nacida en China que es mejor conocida por su trabajo en Hollywood. Zhao se convirtió en la primera mujer asiática, la primera mujer de color y la segunda mujer en ganar el premio a Mejor Director por su película de 2020 Nomadland . En 2021 dirigió la película de superhéroes con reparto coral Eternals . Se mudó a Los Ángeles desde Beijing cuando era adolescente. Su trabajo está fuertemente censurado en China.
Las directoras de cine más taquilleras cuyas películas han ganado más de 180 millones de dólares incluyen a Nancy Meyers , Elizabeth Banks , Catherine Hardwicke , Betty Thomas , Brenda Chapman , Vicky Jenson , Jennifer Lee , Patty Jenkins y Anna Boden , todas ellas son cineastas de Hollywood estadounidenses. [50]
Daughters of the Dust (1991) de Julie Dash fue la primera película de larga duración con estreno general en salas escrita y dirigida por una mujer afroamericana . Desde entonces ha habido varias mujeres africanas o afroamericanas que han escrito, producido o dirigido películas con estreno nacional. Neema Barnette ( Civil Brand ), Maya Angelou ( Down in the Delta ), Kasi Lemmons ( Eve's Bayou ), Cheryl Dunye ( My Baby's Daddy ), Stephanie Allain ( Biker Boyz ), Tracey Edmonds ( Soul Food ), Frances-Anne Solomon ( A Winter Tale ) y Dianne Houston ( City of Angels ), Leslie Harris ( Just Another Girl on the IRT ) se encuentran entre estas cineastas. En 1994, Darnell Martin se convirtió en la primera mujer afroamericana en escribir y dirigir una película producida por un estudio importante cuando Columbia Pictures respaldó I Like It Like That . [51]
Hasta la fecha, Nnegest Likké es la primera mujer afroamericana en escribir, dirigir y actuar en una película de larga duración estrenada por un estudio importante, Phat Girlz (2006), protagonizada por Jimmy Jean-Louis y Mo'Nique .
Para una descripción mucho más completa de la historia de las cineastas negras, véase el documental de 62 minutos de Yvonne Welbon Sisters in Cinema (2003). [52]
Además, desde el comienzo revolucionario del cine, las cineastas negras han luchado continuamente y todavía luchan por mostrar su trabajo en largometrajes en Hollywood. [53] Sin embargo, eso no excluye el hecho de que hubo varias cineastas negras que brillaron durante su tiempo y edad debido a su trabajo fenomenal detrás de escena. [53] Jessie Maple es considerada una de las figuras más reconocidas de los derechos civiles de la comunidad afroamericana y las mujeres de color dentro de la industria cinematográfica. [53] Su carrera cinematográfica despegó cuando trabajó por primera vez como editora de películas para la película de drama criminal Shaft's Big Score (1972) y The Super Cops (1974), que se basó en un libro. Continuó trabajando como editora de películas durante varios años, pero finalmente se convirtió en la única camarógrafa negra sindicalizada en su tiempo en Nueva York. [53] Con su pasión por el cine y el activismo creciendo día a día, Maple y su marido, Leroy Patton, crearon LJ Film productions, Inc. y estaban a punto de producir varios documentales cortos dentro de la frontera y el contexto de la representación negra, como Black Economic Power: Reality or Fantasy? (1977). [53] Sus dos obras principales, Will (1988) y Twice as Nice (1988), fueron los primeros largometrajes independientes creados y dirigidos exclusivamente por una mujer afroamericana. [53]
Alile Sharon Larkin es conocida como directora de cine, productora y escritora. Comenzó su carrera cinematográfica mientras obtenía su maestría en UCLA en producción de cine y televisión. [53] Una de sus primeras películas llamada Your Children Come Back to You (1979) describe el dilema constante que enfrenta una joven afroamericana mientras elige entre el deseo de su tía de adoptar un estilo de vida europeo mientras su madre está estrictamente intacta con sus raíces y cultura africanas. [53] El segundo largometraje de Larkin, A Different Image (1982), le valió el reconocimiento y elogios populares, y finalmente ganó un premio al primer lugar de la Black American Cinema Society . [53] Su continuo éxito en la industria cinematográfica le dio el potencial y la oportunidad de formar su propio estudio de producción para crear y mejorar videos educativos y televisión para niños pequeños. [53] Dreadlocks and the Three Bears (1992) y Mz Medusa (1998) son algunas de las producciones producidas en su estudio durante la década de 1990. [53]
La periodista camerunesa Thérèse Sita-Bella dirigió un documental en 1963, Tam-Tam à Paris , y Sarah Maldoror , cineasta francesa de ascendencia guadalupeña, rodó el largometraje Sambizanga en Angola en 1972. Pero la primera directora de cine africana en obtener reconocimiento internacional fue la etnóloga senegalesa Safi Faye con una película sobre el pueblo en el que nació ( Carta desde el pueblo , 1975). El Festival Internacional de Cine de Mujeres de Créteil de 1989 incluyó cortometrajes de Leonie Yangba Zowe de la República Centroafricana ( Yangba-Bola y Lengue , 1985) y Flora M'mbugu-Schelling de Tanzania . [54] Otras cineastas africanas incluyen a Anne Mungai , Fanta Régina Nacro ( La noche de la verdad , 2004), Tsitsi Dangarembga ( El día de la madre , 2004) y Marguerite Abouet , una escritora de novelas gráficas marfileña que codirigió una película animada basada en su novela gráfica: Aya de Yopougon (2012). La película más exitosa en la historia de Nollywood , The Wedding Party , fue dirigida por Kemi Adetiba en 2016.
La camerunesa-belga Rosine Mbakam, que dirigió dos largometrajes documentales, The Two Faces of a Bamiléké Woman (2016) y Chez Jolie Coiffure (2018), ha sido descrita como "una de las cineastas de no ficción creativa más importantes del momento". [55]
La industria cinematográfica india ha sido un éxito continuo desde el comienzo revolucionario de sus musicales y dramas familiares románticos. La mayoría de estas populares películas "Masala" suelen estar dirigidas por hombres. [56] Los roles femeninos en la industria cinematográfica se limitaban únicamente a actuar, cantar y bailar. Sin embargo, recientemente las mujeres han dado un paso adelante y han tomado la iniciativa como directoras exitosas, produciendo películas que giran principalmente en torno a problemas femeninos dentro de la sociedad. [56] Como la mayoría de las mujeres en todo el mundo, las mujeres en la India han estado luchando por demostrar su punto. [56] Las películas hechas por mujeres generalmente se categorizaban como películas de arte o películas del cine paralelo. Las mujeres cineastas indias no podían tener acceso completo a fondos y publicidad cinematográfica como lo hicieron los cineastas masculinos. [56] El cine convencional en la India consiste básicamente en las " películas Masala ", que incluyen varios géneros como comedia, acción, venganza, tragedia, romance combinados para crear una película completa. [56] Las mujeres enfrentan continuamente luchas para intentar obtener una fracción de los millones de dólares gastados en estas películas masala. [56] Esto obliga a las mujeres a alejarse del género masala para obtener algún reconocimiento, lo que a menudo puede causar controversias y levantar sospechas. [56]
Varias cineastas indias conocidas han logrado un éxito comercial asombroso con sus películas, entre ellas Mira Nair (activa en Estados Unidos), Aparna Sen , Deepa Mehta (activa en Canadá), Gurinder Chadha (activa en el Reino Unido) y Manju Borah . Sin embargo, hay otras cineastas indias que han hecho películas notables que van más allá del mero entretenimiento; aprovechan su plataforma para abordar una variedad de cuestiones sociales y políticas. [57] Otras cineastas indias notables son Vijaya Nirmala , Nisha Ganatra , Sonali Gulati , Indu Krishnan, Eisha Marjara , Pratibha PJaaparmar , Nandini Sikand, Ish Amitoj Kaur , Harpreet Kaur , Leena Manimekalai y Shashwati Talukdar , Rima Das .
Deepa Mehta es una cineasta transnacional cuyo trabajo en el cine es reconocido internacionalmente en los niveles más altos. Está activa principalmente en Canadá desde 1973. Sus conmovedoras películas se han proyectado en casi todos los festivales de cine importantes. [58] Produjo la película Heaven on Earth , en 2008, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto . Desde su estreno, la película se ha convertido en una herramienta útil para los profesionales que se especializan en ayudar a las mujeres maltratadas, específicamente en las circunstancias de las mujeres inmigrantes en entornos abusivos, ya que se ha proyectado en conferencias de fiscales de la corona, jueces y trabajadores de la salud para ayudarlos a comprender mejor las situaciones de estas mujeres. [57] Fire es la historia de dos cuñadas que van en contra de sus tradiciones y cultura con el objetivo de comenzar una nueva vida juntas. [56] Cuando la película se proyectó por primera vez en Bombay, provocó una reacción violenta por parte de algunos partidos políticos como el Shiv Sena . [56] La mayoría de los cines dejaron de proyectar la película debido a los violentos ataques de la turba que causaron graves daños a la sala de cine y a la propiedad. [56] Los atacantes no querían que se proyectara la película porque iba en contra de sus creencias y era una violación de la "cultura india". [56] La sociedad india todavía no está preparada para comprender y aceptar las relaciones homosexuales y lésbicas en su comunidad. Por otro lado, hay quienes elogiaron la película de Mehta por mostrar los problemas sociales que enfrentaba la India.
Algunas de sus otras obras conocidas incluyen su trilogía elemental: Tierra (1996), Fuego (1998), Agua (2005), donde los valores masculinos dominantes y las prácticas de opresión y explotación de las mujeres son desafiados en esta convincente serie de tres partes. [59] La película de Mehta , Tierra (1998), se inspiró en " Cracking India " de Bapsi Sidhwa , que era una historia que giraba en torno a la Partición India-Pakistán de 1947 y tuvo un resultado exitoso. [56] Mehta comenzó a trabajar en su última película, Agua (2005) , en su trilogía. La película se ambienta en la década de 1930 cuando India luchaba por la independencia contra el dominio colonial británico. [56] La película retrata a un grupo de viudas que luchan contra la pobreza en la ciudad de Varanasi . [56] También analiza la dinámica entre una de las viudas, que aspira a liberarse de las restricciones sociales impuestas a las viudas, y un hombre que pertenece a una clase social más baja y es seguidor de Mahatma Gandhi. [56] Se destacan cuestiones sociales feministas, como el maltrato a las viudas, la misoginia religiosa y las novias niñas en las zonas rurales de la India. [57] Mehta se vio obligada a detener la producción de la película debido a que el partido político de extremistas hindúes en relación con el Partido Bharatiya Janatha (BJP), respondió afirmando que la película empaña la imagen de la India y estaba asociada a un intento de organización de la iglesia cristiana de rebelarse contra el hinduismo . [56] Recibió una nominación al Oscar por Water en 2007. [60] Otras películas notables suyas son Bollywood/Hollywood (2002) y la adaptación de Hijos de la medianoche (2012). [58]
Mira Nair , una consumada cineasta india, ha escrito, producido y dirigido una gran cantidad de documentales. Su capacidad única para provocar tanto a los espectadores occidentales como a los no occidentales de diversas formas la ha llevado a ser vista como una cineasta no tradicional que no teme crear controversia a través de su trabajo. [61] So Far From India (1983) describió la historia de un joven inmigrante indio que trabaja en la ciudad de Nueva York y su desgarradora experiencia de aculturación. Mientras lidia con sus propias nuevas luchas en Estados Unidos, también tiene que preocuparse por su esposa embarazada en casa. [61] India Cabaret (1986), es una película de estilo documental que prestó voz a las strippers o bailarinas de cabaret en Mumbai . [61] Más allá de estos impresionantes trabajos, también tiene una lista de largometrajes en su haber; su primer largometraje, Salaam Bombay! (1988), que detalla la devastación urbana creada por la prostitución y la pobreza, fue nominada a un Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1988, ganó el Prix du Publique a la entrada más popular en el Festival de Cine de Cannes , la Camera D'Or a la mejor ópera prima, así como otros 25 premios internacionales. [62]
La mayoría de las cineastas indias intentan cambiar la industria cinematográfica al incluir temas sociales reales, en lugar de las películas masala convencionales por las que se ha conocido a la India. [56] Daman (2001) está dirigida por Lajma, quien decidió abordar un tema único pero distinto al crear conciencia sobre la violación conyugal. [56] La actriz principal ganó un premio por su destacada actuación cruda que revivió las películas indias que intentan crear conciencia sobre un problema social grave. [56]
La periodista y directora Jocelyne Saab está considerada una pionera del cine libanés. Comenzó su carrera en la década de 1970. Dirigió tanto películas documentales como de ficción.
Heiny Srour fue la primera mujer cineasta árabe cuya película, La hora de la liberación ha llegado , se proyectó en el Festival de Cine de Cannes en 1974.
Danielle Arbid es una cineasta franco-libanesa cuyo trabajo se ha proyectado en el Festival de Cine de Cannes. Su debut cinematográfico fue In the Battlefields (2004).
Nadine Labaki es una destacada directora de cine libanesa. Su primer largometraje, Caramel, se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2007.
Noura Kevorkian es una guionista, directora y productora armenia-libanesa-siria. Nació en Alepo, Siria, pero creció en el Líbano y es ciudadana libanesa. Estudió Finanzas, Estudios de Oriente Próximo y Medio y Cine en la Universidad de Toronto, en Canadá. Kevorkian es una cineasta especializada en géneros documentales y narrativos para cine y televisión. Su reciente película BATATA ganó un premio Peabody, ganó el premio al Mejor Largometraje Documental (un Tanit d'Or que califica para el Oscar) en el Festival de Cine de Cartago, el Premio de Derechos Humanos en el Festival de Cine de Cartago, el Premio Amnistía en el Festival Internacional de Cine de Durban, el Premio del Público TOP 10 Películas Favoritas en Hot Docs y obtuvo tres nominaciones en los Premios de Cine Canadiense de 2023.
Haifa Al-Mansour es la primera cineasta saudí y se la considera la creadora cinematográfica más controvertida del país, especialmente después de su icónica película que causó revuelo, Wadjda (2012). [63] Completó sus estudios universitarios en la Universidad Americana de El Cairo y luego continuó sus estudios de maestría en producción cinematográfica en la Universidad de Sydney en Australia. [63] Uno de sus tres exitosos cortometrajes, Women Without Shadows, inspiró a cientos de cineastas saudíes en rebelión y planteó preguntas sobre la cuestión de la apertura pública de cines en Arabia Saudita. [63] Sus películas han sido tanto celebradas como criticadas debido al hecho de que su trabajo aborda temas sociales serios con los que los saudíes están luchando con respecto a su cultura y tradiciones conservadoras. [64]
En Wadjda , el personaje principal, Waad Mohammed, decide ir en contra de las normas sociales impuestas a una niña de diez años en el reino. Ella se convierte en una paria debido a la bicicleta que monta en público. [64] Sin embargo, la película termina con una nota ligera e inspiradora que libera a Wadjda de todas las restricciones sociales que se le imponen. Haifa al Mansour refleja una parte de la sociedad saudí que se niega a aceptar la forma de vida tradicional sumisa. [64] Sin embargo, Wadjda promueve una cantidad de libertad para los derechos de las mujeres que necesitan más que un cambio de la noche a la mañana en una cultura tan conservadora y restringida. [64]
Durante mucho tiempo, Kinuyo Tanaka fue la única mujer que dirigió largometrajes en Japón. Como directora, trabajó en las décadas de 1950 y 1960. Pudo hacerlo a pesar de una feroz resistencia porque gozaba de un estatus de actriz estrella.
Actualmente, la cineasta japonesa más conocida es quizás Naomi Kawase ; en 2007 ganó el Gran Premio de Cannes , mientras que Memorias de una higuera , el debut como directora de la conocida actriz Kaori Momoi , se estrenó en 2006. La película de aventuras sociocrítica K-20: La leyenda de la máscara de Shimako Sato fue su gran avance en el cine de mayor presupuesto; fue protagonizada por Takeshi Kaneshiro y se estrenó en todo el mundo.
De manera similar, en Corea del Sur , Yim Soon-rye obtuvo un éxito de taquilla con Forever the Moment (2008), mientras que So Yong Kim recibió algo de atención por su película In Between Days (2006) y Lee Suk-Gyung hizo The Day After, una película sutilmente feminista y con temática femenina .
Una de las cineastas chinas de quinta generación más importantes es Ning Ying, que ganó varios premios por sus películas; Ning Ying ha seguido realizando pequeñas películas independientes con temas fuertemente vinculados a la vida cotidiana china, siendo por tanto también un vínculo entre la quinta y la sexta generación. La sexta generación ha visto un creciente número de mujeres cineastas como Liu Jiayin , mejor conocida por su película Oxhide , y Xiaolu Guo ; en 2001, Li Yu dirigió la primera película china que retrataba abiertamente una relación lésbica, Fish and Elephant .
La famosa cineasta de Hong Kong Ann Hui ha realizado una amplia gama de películas que van desde el género wuxia hasta el drama; Ivy Ho y la taiwanesa Sylvia Chang también son nombres conocidos en la industria de Hong Kong, mientras que en Taiwán la cineasta queer Zero Chou ha recibido elogios en festivales de todo el mundo.
Lindan Hu ha documentado el resurgimiento del deseo femenino en el cine de mujeres de la década de 1980 en China continental tras la era Mao . Las películas que Hu analiza son Army Nurse , dirigida por Hu Mei , y Women on the Long March, dirigida por Liu Miaomiao . [65]
Chloe Zhao es una cineasta ganadora del premio Oscar nacida en China que actualmente está activa en Hollywood. Es más conocida por su película Nomadland de 2020. Se mudó a Los Ángeles desde Beijing cuando era adolescente. Su trabajo está fuertemente censurado en China.
Yasmin Ahmad (1958-2009) es considerada una de las directoras más importantes de Malasia ; originalmente fue directora comercial, pero se dedicó al cine relativamente tarde y ganó reconocimiento internacional al tiempo que generaba controversia entre los conservadores de su país natal.
En Pakistán, donde la industria cinematográfica no es muy grande, hay algunos directores destacados trabajando en ella. La industria cinematográfica convencional cuenta con directores como Sangeeta y Shamim Ara , que están haciendo películas con temas feministas. En especial, Sangeeta tiene mérito por haber realizado algunas películas basadas en temas específicos. Ahora, algunos directores nuevos de la industria de la televisión también están llegando al medio cinematográfico. Sabiha Sumar y Mehreen Jabbar son dos nombres nuevos en el mundo del cine en Pakistán. Ambos directores han hecho películas que no solo se basan en temas nacionales, sino que también han ganado premios internacionales en diferentes festivales de cine.
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Rakhshan Bani-Etemad , escritora y directora, es probablemente la cineasta iraní más conocida y, sin duda, la más prolífica. Se ha consolidado como la mujer más veterana del cine iraní con documentales y películas que tratan la patología social. La poeta iraní contemporánea Forugh Farrokhzad (1935-1967) también fue cineasta. Su película más conocida es La casa es negra (Khane siah ast, 1962), un documental sobre una colonia de leprosos en el norte de Irán. Samira Makhmalbaf dirigió su primera película, The Apple, cuando tenía solo 17 años y ganó el Premio del Jurado de Cannes en 2000 por su siguiente película, The Blackboard . Su madrastra Marzieh Meshkini hizo "El día que me convertí en mujer" y la hermana de Samira, Hana Makhmalbaf, comenzó su carrera con "La alegría de la locura", un documental detrás de escena sobre la película de Samira " A las cinco de la tarde ", y posteriormente hizo dos largometrajes, Buddha Collapsed out of Shame y "Green Days", una película sobre la Revolución Verde que fue prohibida en Irán.
Rukmani Devi y Florida Jayalath fueron figuras pioneras en los primeros días del cine de Sri Lanka, pasando de actrices aclamadas a productoras y directoras pioneras [66] [67] Rukmani Devi protagonizó notablemente la película sonora inaugural de Sri Lanka, " Kadawunu Poronduwa " (1947), mientras que Florida Jayalath comenzó su carrera como actriz con "Sengawunu Pilitura" (1951) antes de aventurarse en el cine. Siguiendo su ejemplo, la veterana actriz Ruby de Mel se aventuró en la dirección y producción con su película debut, "Pipena Kumudu" (1967), [68] [69] y Rohini Jayakody dirigió su primer largometraje, "Hangi Hora" (1968). [70] A pesar de sus incursiones iniciales en el cine, más tarde regresaron a sus carreras de actuación, absteniéndose de involucrarse más en la producción cinematográfica. [71]
Sumitra Peries es una veterana directora de cine de Sri Lanka y esposa de Lester James Peries . También ocupó el cargo de embajadora de Sri Lanka en Francia, España y las Naciones Unidas a finales de los años 90.
Inoka Sathyangani es una directora y productora cinematográfica de Sri Lanka aclamada internacionalmente. En el año 2002, recibió numerosos premios por su primera película, Sulang Kirilli, que trata el tema del aborto. La película obtuvo el mayor número de premios ganados por una sola película en la historia de la industria cinematográfica de Sri Lanka.
Anomma Rajakaruna es una premiada directora de cine de Sri Lanka. [72] [73] El trabajo de Rajakaruna ha sido reconocido tanto a nivel local como internacional, consolidando su lugar como una figura destacada en el cine de Sri Lanka. [74]
Sumathi Sivamohan es directora de ficción y documentales. [75]
Marta Rodríguez es una documentalista colombiana que estuvo activa en las décadas de 1970 y 1980.
Durante la era del cine mudo de las décadas de 1910 y 1920, varias mujeres en Argentina se convirtieron en cineastas, algo que no sucedería hasta décadas después de la llegada del cine sonoro y la consolidación de la industria a principios de la década de 1930. [76] La cineasta argentina más prolífica del período posiblemente fue Renée Oro quien, a diferencia de sus pares, se especializó en documentales , un género altamente dominado por hombres. [77] La primera película dirigida por una mujer fue Un romance argentino (1915) de Angélica García de García Mansilla, financiada por la Comisión de Mujeres del Hospital San Fernando de Buenos Aires . [78] Las primeras cineastas del país surgieron a través de organizaciones filantrópicas , una actividad típica de las mujeres de las clases altas . [79] Estas instituciones solo para mujeres, conocidas como sociedades de beneficencia (en inglés: "societies of beneficence"), promovieron festivales en los que, además de exhibir las películas, había números teatrales o musicales. [79] Otras pioneras son Emilia Saleny , Antonieta Capurro de Renauld, Elena Sansinena de Elizalde y María B. de Celestini, entre otras. [78]
La primera directora de cine sonoro en Argentina fue Vlasta Lah , quien dirigió Las furias (1960) y Las modelos (1963). Lah fue la única cineasta mujer en América Latina durante la década de 1960. [80]
Una de las figuras más influyentes en la historia del cine femenino argentino fue María Luisa Bemberg . [81] Su debut como directora fue Momentos (1981), a la que le siguió Señora de nadie (1982). Una de sus películas más celebradas fue Camila (1984), que fue nominada al Premio Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera , siendo la segunda vez que una película argentina era nominada a este premio. [82]
Lucrecia Martel ha sido descrita como "posiblemente la autora más aclamada por la crítica en el cine de arte en español fuera de América Latina". [83] Su película de 2001 La ciénaga fue votada como la mejor película del cine argentino por un amplio margen en una encuesta de 2022 organizada por las revistas especializadas La vida útil , Taipei y La tierra quema , que se presentó en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata . [84]
Lucía Puenzo es la otra destacada directora argentina contemporánea. Además, María Victoria Menis ha escrito y dirigido varias películas aclamadas por la crítica, entre ellas La cámara oscura (2008) y María y el araña (2013).
El cine brasileño cuenta con varias directoras cuyas obras datan de la década de 1930.
Cléo de Verberena es la primera directora de Brasil. Su debut como directora fue O Mistério do Dominó Preto en 1931.
Carmen Santos produjo una amplia variedad de películas a través de su compañía productora a partir de 1930 y tuvo su debut como directora en 1948 con La conspiración de Minas .
Gilda de Abreu dirigió su primera película O Ébrio en 1946.
La era más prolífica de las directoras brasileñas se desarrolla a partir de la década de 1970. Algunos nombres contemporáneos incluyen: Ana Carolina , Betse De Paula, Carla Camurati , Eliane Caffé , Helena Solberg , Lúcia Murat , Sandra Kogut , Suzana Amaral , Anna Muylaert , Petra Costa , Norma Bengell y Tata Amaral .
Las cineastas en América Latina, específicamente México, sufren un abandono absoluto por parte de la industria cinematográfica y la audiencia. [85] Mimí Derba fundó una de las primeras productoras mexicanas, Azteca Films. Tuvo una exitosa carrera en vodevil antes de ingresar al cine. Derba fue la primera directora mujer en México. Luego, Matilde Landeta fue una cineasta y guionista mexicana, quien fue la primera mujer en desempeñar esos roles durante la Época de Oro del cine mexicano . Sus películas se centraron en la representación de protagonistas femeninas fuertes y realistas en un mundo patriarcal. Landeta ganó un premio Ariel en 1957 a la Mejor Historia Original por la película El camino de la vida , que coescribió con su hermano Eduardo. La película también ganó el Ariel de Oro de 1957, el Ariel de Plata a la Película de Gran Interés Nacional y Mejor Dirección y otros dos premios en 1956 en el Festival Internacional de Cine de Berlín bajo el nombre de Alfonso Corona Blake . [86] En las décadas de 1980 y 1990, las cosas comenzaron a cambiar. Las mujeres cineastas en México finalmente tuvieron la oportunidad de crear y producir largometrajes profesionales. [85] Las dos más populares serían El secreto de Romeila (1988) dirigida por Busi Cortés y Los pasos de Ana (1990) de Marisa Sistach. [85] Estas dos películas fueron consideradas las puertas que abrieron la oportunidad para las mujeres cineastas en México, así como crearon un nuevo género con el que la gente no estaba familiarizada, etiquetado como "cine de mujeres". [85] El crecimiento fenomenal del "cine de mujeres" no solo significó que habría una expansión infinita en la lista de nombres femeninos como cineastas o creadoras; en realidad, creó un género cinematográfico desalentador al objetivar a las mujeres y desplazarlas dentro de la industria cinematográfica. [85]
La mayoría de las cineastas en México se reconocen como feministas. La razón principal por la que muchas de ellas se comprometieron a ser cineastas fue retratar historias de mujeres en su esencia original y verdadera, así como esforzarse por readaptar los roles de las mujeres en la pantalla mexicana. [85] Según Patricia Torres San Martín, una honorable académica de cine, hay un nuevo tema emergente dentro de la industria cinematográfica en México que se conoce como la "nueva identidad femenina". [85] Este nuevo cambio estructural en el cine creó un cambio cultural geográfico en México debido a su nuevo concepto revelador surgimiento en la industria cinematográfica. [85] Uno de los primeros cortometrajes de María Novaro (un trabajo escolar: Una isla rodeada de agua , 1984) fue adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York para su colección de películas permanente y fue distribuido en los Estados Unidos por Women Make Movies. El Jardín del Edén de 1994 le valió a María una segunda nominación al Premio Ariel a la Mejor Película, la primera para una mujer en México. En el Jardín del Edén, tres mujeres muy diferentes se encuentran en la ciudad fronteriza mexicano-estadounidense de Tijuana, cada una con su propio objetivo. Las mujeres: Elizabeth (Rosario Sagrav), una artista en apuros, Jane ( Renée Coleman ), que busca a su hermano, y Serena ( Gabriela Roel ), una viuda que acaba de llegar a la ciudad con su familia. Aunque las tres provienen de diferentes orígenes culturales (Serena es mexicana, Jane es estadounidense y Elizabeth es mexicano-estadounidense), las tres están igualmente en busca de un nuevo rumbo.
Mariana Chenillo se convirtió en la primera directora en ganar un Premio Ariel a la Mejor Película en 2010 por la película El testamento de Nora . El Ariel es el premio de la Academia Mexicana de Cine. En el cine, se considera el equivalente mexicano a los Premios Óscar de los Estados Unidos. La trama de la película gira en torno a una misteriosa fotografía dejada debajo de una cama que conduce a un desenlace inesperado. Issa López escribió los guiones de varios largometrajes, tres de ellos producidos en México por los principales estudios de Hollywood, y dos de los dirigidos por ella misma; Efectos secundarios ( Warner Bros. , 2006) y Casi Divas Almost Divas ( Sony Pictures , 2008). Casi Divas es la única película mexicana que cuenta con la música del aclamado compositor de Hollywood Hans Zimmer .
En Bélgica, el francés es el segundo idioma más utilizado y muchos cineastas belgas eligen rodar sus películas en francés, por lo que sus películas a menudo ganan popularidad en Francia.
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Chantal Akerman es la directora belga más famosa. Como directora, debutó con el largometraje documental Hotel Monterey en 1973. Su siguiente película fue el largometraje dramático Je Tu Il Elle (1974). Su película más conocida es Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) sobre una ama de casa que se gana la vida como prostituta. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes. La película se convirtió en un objeto de culto en las décadas siguientes. Chantal Akerman tuvo una larga carrera como cineasta desde el año 1968 hasta el 2015, hasta su muerte, que duró casi 50 años.
Otros directores de cine belgas notables incluyen a Lydia Chagoll , Marion Hänsel , Anne Lévy-Morelle , Nadine Monfils , Yolande Moreau , Nathalie Teirlinck , Fien Troch , Chris Vermorcken y Laura Wandel .
La película de Marion Hänsel Entre el diablo y el mar azul (1995) se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
Yolande Moreau se hizo famosa inicialmente como actriz. En 2004 debutó como directora de cine con Cuando sube el mar, película por la que ganó un premio César.
Laura Wandel debutó como directora de cine con la película Playground (2021), que se proyectó en el Festival de Cine de Cannes, donde ganó el premio FIPRESCI . También fue candidata belga a la mejor película extranjera en la 94ª edición de los Premios Óscar.
Fien Troch es una conocida directora belga moderna. Su debut cinematográfico Someone Else's Happiness (2005) fue la película belga que presentó su candidatura a los premios Óscar. Su película Unspoken (2008) se estrenó en el Festival de Cine de Toronto.
Binka Zhelyazkova fue la primera mujer búlgara en dirigir un largometraje con Life Flows Quietly By... en 1957 y fue una de las pocas mujeres en todo el mundo en dirigir largometrajes en la década de 1950.
Irina Aktasheva, una rusa, hizo varias películas búlgaras durante los años 1960 y 1970, incluyendo Monday Morning en 1965. [87] Radka Bachvarova fue una directora de animación búlgara. [88] Lada Boyadjieva tuvo dos películas compitiendo por la Palma de Oro al Mejor Cortometraje en 1961 y 1962. Ivanka Grybcheva hizo películas en los años 1970 y 1980.
Olga Rautenkranzová es la primera directora checoslovaca. En 1918 dirigió Kozlonoh y Ucitel orientálních jazyku . Se ha publicado poco sobre su vida y su carrera.
Thea Červenková es la segunda directora de cine checoslovaca. En 1919 dirigió Monarchistické spiknutí , Náměsíčný , Byl první máj y Zloděj . También fue guionista, escritora, documentalista, actriz de cine, periodista y crítica de cine, productora, propietaria de una compañía cinematográfica y socia fundadora.
Věra Chytilová fue una directora de cine checa de vanguardia y pionera de la nueva ola cinematográfica checa. Prohibida por el gobierno checoslovaco en la década de 1960, es conocida principalmente por su película Margaritas (1966).
Hermína Týrlová fue una destacada directora checa de películas de animación. Trabajó en el cine entre 1928 y 1986. Týrlová produjo más de 60 películas.
La primera película danesa dirigida por una mujer fue Ud i den kolde sne de 1934, dirigida por Alice O'Fredericks , quien se convertiría en una de las directoras de cine danesas más prolíficas. Inicialmente codirigió sus películas con Lau Lauritzen Jr. , sin embargo, en la década de 1940 comenzó a dirigir películas por su cuenta. Se le atribuye la dirección de más de 70 largometrajes, así como la escritura de guiones para más de 30 películas, lo que la convierte en una de las directoras más productivas del cine danés y entre sus películas más memorables se encuentran las películas Far til Fire y la filmatización de las novelas de Morten Korch , que fueron muy populares durante la Edad de Oro del cine danés . También es conocida por sus películas centradas en las mujeres y los derechos de las mujeres.
En la década de 1940, la actriz estrella Bodil Ipsen y la guionista Grete Frische se unieron a O'Fredericks para dirigir largometrajes comerciales. Hacia el final de su carrera, Ipsen codirigió con Lau Lauritsen Jr. y Fische codirigió Så mødes vi hos Tove con O'Fredericks. Recibió el Gran Premio del Festival de Cine de Cannes por su película The Red Meadows en 1946, el primer año del festival.
Otros directores daneses prolíficos incluyen a Astrid Henning-Jensen , quien se convirtió en la primera directora en ser nominada a un Premio de la Academia con Paw , Susanne Bier , la primera directora en ganar un Globo de Oro , un Premio de la Academia, un Premio Emmy y un Premio de Cine Europeo , y Lone Scherfig , cuyas películas han sido nominadas a los Premios de la Academia, BAFTA y un Premio de Cine Europeo .
El premio cinematográfico danés más antiguo se llama Premio Bodil en honor a Bodil Ipsen y Bodil Kjer , y el Premio Alice , que se otorga a la mejor directora en el Festival Internacional de Cine de Copenhague, lleva el nombre de Alice O'Fredericks.
Glory Leppänen fue la primera mujer finlandesa en dirigir una película. La película de 1936 Onnenpotku de Leppännen fue protagonizada por Miss Finlandia Ester Toivonen . A fecha de febrero de 2020, conserva el récord de mayor audiencia de cualquier película dirigida por una directora finlandesa. [89]
Ansa Ikonen , Kyllikki Forssell y Ritva Arvelo también se encuentran entre las cuatro primeras directoras de cine finlandesas. [90]
En cuanto a las películas destacadas del siglo XXI, se pueden encontrar muchos nuevos talentos. El largometraje experimental sobre la actriz de cine Marilyn Monroe , titulado M (2018), de la directora Anna Eriksson, se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
Tove (2020), de la directora Zaida Bergroth, sobrela escritora e ilustradora bisexual de los Moomins, Tove Jansson, se estrenó con gran éxito de crítica y fue una de las candidatas finlandesas al Oscar de 2021.
El drama apocalíptico Quarantine (2021) de la directora de cine finlandesa Diana Ringo fue una de las candidatas a los Globos de Oro de 2022 procedentes de Finlandia y Rusia.
La película de terror corporal Hatching de Hanna Bergholm y la película sobre el paso de la infancia a la adultez Girl Picture de Alli Haapasalo se estrenaron en el Festival de Cine de Sundance de 2022.
Otros directores notables incluyen a Johanna Vuoksenmaa , Pamela Tola , Auli Mantila y Taru Mäkelä .
Francia es la cuna del cine, que contribuyó tanto con la expresión artística como con el proceso técnico de producción cinematográfica. El país tiene una fuerte tradición cinematográfica femenina, con muchas directoras pioneras que debutan cada década. Hay tres cineastas pioneras que dejaron su herencia y registraron su historia al principio, en el medio y al final. La directora Alice Guy existió durante el nacimiento del cine. [91] Germaine Dulac estuvo presente en el cine de vanguardia durante la década de 1920. [91] Por último, Agnés Varda (1954) se unió al movimiento de la Nouvelle Vague . [91]
Entre las cineastas francesas más conocidas se encuentran Agnès Varda , Claire Denis , Alice Guy-Blaché , Germaine Dulac , Jacqueline Audry , Catherine Breillat , Nelly Kaplan y Diane Kurys . Otros incluyen a Julia Ducournau , Céline Sciamma , Mia Hansen-Løve , Mati Diop , Pascale Ferran , Agnès Jaoui , Noémie Lvovsky , Tonie Marshall , Coline Serreau , Danièle Huillet y Danièle Thompson .
En la época del cine mudo, las directoras francesas tuvieron un papel muy destacado. Alice Guy-Blaché dirigió alrededor de 700 películas y se le atribuye la introducción de la forma narrativa con su película La Fée aux Choux (1896).
Alice Guy fue secretaria de Leon Gaumont antes de realizar su primera película, que tuvo lugar un año después del nacimiento del cine, en 1854 para ser exactos. [91]
Como Alice Guy trabajaba para Gaumont, era responsable de la parte de producción de la compañía como directora, cineasta y directora de escenario. De secretaria a jefa, había creado 406 películas durante este período de tiempo. [91] La mayoría de sus películas tenían una duración de entre 20 y 90 minutos; que una película creada durante tanto tiempo durante este tiempo se consideraría un cortometraje, pero saber el hecho de que se hizo antes es excepcional durante los primeros años. [91] Alice Guy tuvo la oportunidad de rodar algunas de sus películas de una manera diferente a la del precursor de Gaumont, los hermanos Lumière . Los hermanos estaban interesados principalmente en rodar películas que mostraran lo que las cámaras pueden capturar a nivel técnico y no lo que pueden expresar en un grado más profundo; por ejemplo, tener tomas repetitivas y monótonas de trenes o de la marcha militar. [91] Guy no estaba tan interesada en la repetitividad en las películas, aunque estaba ligeramente influenciada por ellas, había decidido pensar en algo mejor y cómico. [91] En esta película, presentó una serie de cortometrajes cómicos a Gaumont, que los aprobó. [91] En 1906, dirigió el cortometraje cómico The Consequences of Feminism , que mostraba un mundo en el que los roles de género tradicionales se invertían. Un año después de presentar sus cortometrajes, estos se convirtieron en un éxito total. Su película La Passion o La Vie du Christ (1906) fue una obra de arte en la que trabajó durante años. Esta película incluía 25 decorados, varias áreas exteriores y alrededor de 300 escenas de multitudes. [91]
Germaine Dulac fue una de las directoras de cine más creativas y llegó a ser la líder del movimiento de cineclubs francés. [92] Dulac había estudiado música primero y luego se convirtió en lógica cinematográfica y periodista. Se centró mucho en la fotografía fija justo antes de realizar su primera película en el año 1926. [91]
En la época en la que Germain Dulac estaba rodando su primera película en 1916, la industria cinematográfica en Francia se encontraba en un estado inusual debido al auge inicial que se produjo entre 1901 y 1904. [91] Durante 1910, entre el sesenta y el setenta por ciento de las películas se enviaban a todo el mundo desde París, sin embargo, durante 1914 la industria empezó a declinar estas películas porque carecía de inversión y herramientas de producción para las prácticas. [91] Más tarde, a lo largo de los años en 1920, el nuevo cine en Francia empezó debido al cine de vanguardia y al primer movimiento de teoría cinematográfica, en el que Dulac estaba interesado. [91] Dulac empezó como periodista para las revistas feministas La Fraciase y La Fronde y más tarde se interesó por la fotografía fija, lo que la hizo reflexionar sobre la conexión entre la lente de la cámara y el feminismo. [91] En sus primeros años de vida estuvo muy influenciada por la música, que incorporó a las películas para ver visualmente el movimiento de la música. [91] Sus películas sonaban poéticas para mostrar y expresar emociones, y su experiencia como periodista feminista afectó su trabajo al representar personajes femeninos. [91] Una de sus películas más conocidas es La souriante Madame Beudet ( La sonriente Madame Beudet ), creada en 1923, que se convirtió en una película feminista histórica. La trama de la película gira en torno a una mujer trabajadora en un matrimonio sin amor. [91]
Musidora fue otra pionera del cine francés: fue actriz, directora de cine y guionista. Dirigió películas en las décadas de 1910 y 1920.
Marie-Louise Iribe comenzó como actriz en películas mudas y más tarde fue dueña de una compañía de producción y dirigió importantes largometrajes en las décadas de 1920 y 1930.
Juliette Bruno-Ruby dirigió dos películas en la década de 1920.
Marie Epstein fue actriz, guionista, directora de cine y conservacionista cinematográfica. Dirigió películas desde la década de 1920 hasta la de 1950. A menudo colaboraba con su hermano, Jean Epstein .
Solange Térac dirigió tres películas. Su debut como directora fue en 1932 con La vagabonde . Es más conocida por la película Koenigsmark (1953).
Andrée Feix debutó como directora con la película Una vez basta (1946). También dirigió El capitán Blomet (1947).
Nicole Védrès dirigió dos largometrajes documentales, Paris 1900 (1947) y La Vie Commence Demain (1950). Paris 1900 se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
Jacqueline Audry dirigió numerosas adaptaciones literarias. Su debut como directora fue Las desventuras de Sofía en 1946. Sus películas a menudo trataban temas controvertidos, entre ellos el sexo extramatrimonial, como Mitsoi (1956) y el drama romántico lésbico Olivia (1951). Olivia fue una película pionera en cuanto a representación lésbica en su momento. Ha dirigido dieciséis películas en total y fue la primera directora de cine de éxito comercial de la Francia de posguerra. [93] [94]
Inicialmente, Agnés Varda tenía un intenso interés por la historia del arte, y solo más tarde se inclinó por el cine y la fotografía en 1954. [91] Su debut como directora fue La Pointe Courte (1955), que ha sido descrita como la primera película de la Nouvelle Vague francesa. Varda es más conocida por su obra maestra de la Nouvelle Vague, Cléo de 5 a 7 (1962), que se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1962. Otra película aclamada de Varda fue Vagabond (1985), considerada una de las obras feministas más importantes de Varda. [95] También dirigió varios documentales durante su carrera. Como una de las cineastas más activas de todos los tiempos, su carrera como directora duró cinco décadas.
En 1959, la escritora Marguerite Duras escribió el guion de Hiroshima, mi amor, de Alain Resnais . Su guion fue nominado a la categoría de Mejor Guión en los Premios Oscar de 1959. En 1966, se dedicó a la dirección con La Musica .
La directora Danièle Huillet dirigió junto a su marido dos docenas de películas entre 1963 y 2006. De las nubes a la resistencia se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1979.
Suzanne Schiffman fue guionista, guionista y directora de cine. Es conocida por su estrecha colaboración con François Truffaut . Su producción como directora consta de tres películas. Su debut como directora fue en 1971 con Out 1 (codirigida con Jacques Rivette).
Paula Delsol debutó como directora en 1962 con La Dérive . La película trataba sobre la liberación sexual femenina.
La directora de cine y escritora Marceline Loridan-Ivens dirigió varios documentales en los años 1960 y 1970. Sobrevivió a Auschwitz-Birkenau . Su debut como directora fue en 1962 con Algérie, année zéro .
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Entre las cineastas destacadas que surgieron de la década de 1970 se encuentran Catherine Breillat , Diane Kurys , Nelly Kaplan , Coline Serreau , Nadine Trintignant , Marion Sarraut , Rachel Weinberg , Véra Belmont , Josée Dayan , Liliane de Kermadec , Sarah Maldoror , Ariane Mnouchkine , Christine Lipinska , Jeanne. Labrune .
El debut como directora de Coline Serrau fue en 1974. Su mayor éxito comercial fue Tres hombres y una cuna (1985), que luego fue rehecha en Hollywood . Recibió tres premios César por la película.
La primera película sobre la transición a la edad adulta de Diane Kurys como directora, Peppermint Soda, fue premiada en el Festival de Cine de Cannes de 1977.
Delphine Seyrig fue una cineasta abiertamente feminista activa en la década de 1970, conocida por su documental Sois belle et tais-toi, estrenado en 1981.
La cineasta feminista Catherine Breillat es conocida por sus descripciones francas de la sexualidad y los temas tabú en el cine y por sus obras sobre el paso de la infancia a la adultez. Se enfrentó a la censura y la controversia durante la mayor parte de su carrera. Su primera película, A Real Young Girl, fue prohibida durante varias décadas debido a su sexualidad explícita. Sus películas más conocidas son A Real Young Girl (1976), Romance (1999) y Fat Girl (2001). En 2007, su película The Last Mistress fue seleccionada en el Festival de Cine de Cannes.
Jeanne Moreau , más conocida como actriz, dirigió dos largometrajes en la década de 1970: Lumière en 1976 sobre la amistad femenina y La adolescente en 1978 sobre el paso de una joven a la edad adulta. Otra actriz emblemática, Anna Karina, tuvo su debut como directora en 1973 con Vivre ensemble , que se proyectó en el Festival de Cine de Cannes. En 2008 dirigió y protagonizó la película Victoria .
Directoras notables que debutaron en la década de 1980: Claire Denis , Catherine Corsini , Tonie Marshall , Claire Devers , Patricia Mazuy , Agnès Merlet , Sólveig Anspach , Juliet Berto , Josiane Balasko , Laurence Ferreira Barbosa .
Claire Denis es una de las directoras francesas más aclamadas de finales de los años 80. Su ópera prima Chocolat se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1988. Su película Beau Travail recibió excelentes críticas en el momento de su estreno. En 2022 ganó el Gran Premio de Cannes por Stars at Noon . Su carrera ha durado más de tres décadas.
La directora Yolande Zauberman debutó en 1988 con Gente clasificada . Ganó un premio por Yo, Iván, tú, Abraham en el Festival de Cine de Cannes de 1993.
La cineasta Catherine Corsini comenzó a dirigir películas en la década de 1980. Sus películas Replay (2001) y Three Worlds (2012) se proyectaron en el Festival de Cine de Cannes.
La directora y guionista Pascale Ferran debutó como directora de largometrajes con Coming to Terms with the Dead en 1994, que ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Su película Bird People (2014) se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
En 2000, Tonie Marshall fue la primera mujer en recibir el premio César a la mejor dirección. Su primera película como directora fue Pentimento (1989).
Lisa Azuelos es una conocida directora francesa que dirigió su primera película en 1993. Su película LOL (Laughing Out Loud) (2008) fue rehecha en Hollywood en 2012 .
Marion Vernoux dirigió su primera película en 1994. Es más conocida por su película de 1999 Empty Days .
Sylvie Verheyde hizo su debut como directora en 1997. Su película de 2012 Confesión de un niño del siglo se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
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Entre los directores franceses modernos que se hicieron conocidos en la década de 2000 y posteriores se incluyen los ganadores del Festival de Cine de Cannes Julia Ducournau , Céline Sciamma , Mia Hansen-Løve y Mati Diop , Marie Amachoukeli , Rebecca Zlotowski , Claire Burger , Julie Lopes-Curval y Houda Benyamina .
Otros directores notables incluyen a Virginie Despentes , Valérie Donzelli , Alix Delaporte , Marie-Castille Mention-Schaar , Marion Laine , Léa Mysius , Sophie Barthes , Marina de Van , Houda Benyamina , Karin Albou , Mona Achache , Lola Bessis .
Muchos actores famosos deciden posteriormente asumir funciones de dirección. Fanny Ardant , Sophie Marceau , Julie Delpy , Zabou Breitman , Maïwenn e Isild Le Besco , Valeria Bruni Tedeschi , Zabou Breitman, Marilou Berry , Sylvie Testud , Brigitte Sy , Emmanuelle Bercot son todas actrices conocidas que también empezaron a dirigir películas en la década de 2000.
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Luise Fleck fue una directora de cine austríaca, considerada la segunda directora de largometrajes del mundo, después de Alice Guy-Blaché. Luise Fleck trabajó con su marido Jacob y ambos compartieron los créditos de dirección. En 1911, Luise Fleck dirigió Die Glückspuppe .
La cineasta austriaca Leontine Sagan es una destacada directora que trabajó en Alemania.
Entre las directoras austriacas contemporáneas se encuentran Barbara Albert , Jessica Hausner , Marie Kreutzer y Katharina Mückstein . Las películas de Hausner se han proyectado en el Festival de Cine de Cannes y en la Berlinale.
Katharina Mückstein es una destacada activista feminista y del movimiento “Metoo” , que ha criticado abiertamente el acoso sexual en la industria cinematográfica austriaca.
La artista feminista y cineasta experimental Valie Export es conocida por sus obras de videoarte realizadas en la década de 1970. Su trabajo fue innovador en su momento y despertó controversia en el conservador mundo del arte austríaco. [21]
Lotte Reiniger fue una directora de cine alemana y la pionera más importante de la animación de siluetas. Sus películas más conocidas son Las aventuras del príncipe Achmed (1926), el primer largometraje de animación, y Papageno (1935).
La película Girls in Uniform ( Muchachas de uniforme) , de Leontine Sagan , es una de las primeras películas narrativas que retrata explícitamente la homosexualidad. La película trata sobre una niña de 14 años que se enamora de su maestra en un internado solo para niñas.
La actriz y directora Leni Riefenstahl es mejor conocida por realizar la infame película de propaganda nazi de 1935 El triunfo de la voluntad , que a pesar de su naturaleza controvertida todavía se considera una de las mejores películas de todos los tiempos.
Las cineastas alemanas Helke Sander y Cristina Perincioli también son pioneras del movimiento feminista. [96] Helke Sander fundó en 1974 el periódico feminista Frauen und Film . [97]
Otras cineastas destacadas son Margarethe von Trotta y Helma Sanders-Brahms , que comenzaron sus carreras en la década de 1970. Monika Treut también ha ganado reconocimiento por sus representaciones de la sexualidad queer y alternativa. Entre las directoras alemanas contemporáneas destacadas se encuentran Maren Ade , Doris Dörrie , Frauke Finsterwalder , Katja von Garnier , Nicolette Krebitz , Caroline Link y Angela Schanelec .
Anna Indermaur es la primera directora de cine suiza. Indermaur abrió los estudios de cine Nord-Süd en 1935.
Ursula Meier es una destacada directora de cine suiza moderna. Sus películas se han proyectado en el Festival de Cine de Cannes.
En Hungría, la directora de cine y guionista Marta Meszaros ha estado haciendo películas importantes durante décadas, desde 1968 hasta 2020. Su debut como directora de largometraje, Eltavozott nap/The Girl (1968), fue la primera película húngara dirigida por una mujer. Meszaros es más conocida por su película ganadora del Festival de Cine de Cannes de 1984, Diary for My Children .
La directora Ildikó Enyedi es conocida por su película de 2017 En cuerpo y alma , que ganó el máximo galardón en el 67º Festival Internacional de Cine de Berlín y fue nominada a un premio de la Academia de las Lenguas Extranjeras. Ha dirigido ocho largometrajes desde 1989.
Elvira Notari fue una pionera del cine italiano, y fue seguida por otras directoras destacadas como Lina Wertmüller y Liliana Cavani . La condesa Marina Cicogna es la primera productora europea. [98]
Elvira Notari es la primera directora italiana que ha dirigido una película. Ha dirigido más de sesenta largometrajes y alrededor de 100 documentales. Las primeras películas de Notari son Maria Rosa di Santa Flavia , Carmela la pazza y Bufera d'anime , todas ellas realizadas en 1911.
La directora Diana Karenne fue una pionera del cine polaco que dirigió muchas de sus películas en Italia. Su debut cinematográfico fue Lea en 1916, que dirigió en Italia. En 1917 abrió su propia productora cinematográfica en Milán.
Lina Wertmüller es conocida por sus películas satíricas Swept Away (1974) y Seven Beauties (1975). Con Seven Beauties, Wertmüller se convirtió en la primera directora nominada al Oscar como mejor directora.
Liliana Cavani es más conocida por su controvertida película El portero de noche (1974). Ambientada en Viena en 1957, la película se centra en la relación sadomasoquista entre un ex oficial de un campo de concentración nazi y una de sus reclusas. La película fue protagonizada por Dirk Bogarde y Charlotte Rampling . En 2002 Cavani dirigió El juego de Ripley protagonizada por John Malkovich , basada en la novela homónima de Patricia Highsmith .
Alice Rohrwacher es una destacada directora de cine moderno de Italia cuyas películas se proyectaron en el Festival de Cine de Cannes. Su película más conocida es Happy as Lazzaro (2018).
La actriz noruega Aud Egede-Nissen abrió su propia compañía de producción en 1917 y produjo al menos 29 películas.
Edith Carlmar es la primera directora noruega. Su debut como directora fue en 1949 con La muerte es una caricia. Su última película contó con el debut de la actriz Liv Ullmann . Liv Ullmann se dedicó a la dirección en los años 90.
Entre los directores notables que surgieron en el período de las décadas de 1960 y 1970 se encuentran Anja Breien , Vibeke Lokkeberg , Laila Mikkelsen y Unni Straume .
Eva Dahr tuvo su debut como directora con la película Burning Flowers en 1985. También fue una prolífica directora de cortometrajes.
La directora noruega Deeyah Khan, que debutó en 2012, ha ganado dos premios Emmy, dos premios Peabody, un premio BAFTA y ha recibido el premio de la Royal Television Society al mejor director factual.
La película Happy, Happy de 2010 , dirigida por Anne Sewitsky , fue la candidata de Noruega a los Premios de la Academia.
Maria Sødahl es mejor conocida por su película Hope de 2019 .
La ópera prima de la directora Mona Fastvold, The Sleepwalker (2014), se proyectó en el Festival de Cine de Sundance. La directora reside en Estados Unidos.
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Nina Niovilla fue la primera directora de cine polaca y la única directora de cine mudo en Polonia. Debutó en 1918 con la película Die Heiratsannonce .
La directora Diana Karenne fue otra pionera del cine polaco, que dirigió la mayoría de sus películas en el extranjero, en Italia, Alemania y Francia. Su debut cinematográfico fue Lea en 1916, que dirigió en Italia.
Wanda Jakubowska fue una directora de cine polaca conocida por su trabajo sobre el Holocausto. Su película de 1948 La última etapa fue una de las primeras e influyentes descripciones de los campos de concentración. Se filmó en Auschwitz, donde Jakubowska había estado internada. Jakubowska trabajó como directora durante más de 50 años, desde 1932 hasta 1988.
Agnieszka Holland es una destacada directora de cine moderna que lleva activa en el mundo del cine desde 1973. Sus películas se han proyectado en el Festival de Cine de Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Su hermana Magdalena Łazarkiewicz y su hija Kasia Adamik son directoras de cine.
Otras directoras de cine polacas son Maria Kaniewska , Agnieszka Smoczyńska , Urszula Antoniak , Małgorzata Szumowska , Ewa Petelska , Teresa Kotlarczyk , Anna Kazejak-Dawid y Dorota Kobiela .
Bárbara Virgínia se convirtió en la primera directora de cine de Portugal en 1945 con la película Três Dias Sem Deus . Se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
Gloria , la película de 1999 de la editora y directora portuguesa Manuela Viegas , estrenada en competición en la 57ª edición de la Berlinale , está considerada en su país el clímax de un cine de sensibilidad femenina. Otras directoras de cine portuguesas son Teresa Villaverde , Catarina Ruivo , Raquel Freire , Margarida Gil , Cláudia Tomaz y Rita Azevedo Gomes . La actual presidenta de la Asociación de Directores de Portugal es Margarida Gil. [99]
La cinematografía rusa ha visto a varias directoras que crearon películas aclamadas a nivel nacional e internacional. La primera película rusa producida por una directora se estrenó en la década de 1910. Olga Preobrazhenskaya fue introducida en la incipiente industria cinematográfica por Yakov Protazanov . En 1913, Olga Preobrazhenskaya comenzó a dirigir películas en el estudio "Timan y Reingardt". Su primer trabajo como directora fue un esfuerzo conjunto con el actor, guionista y director Vladimir Gardin : en 1916, filmaron Miss Peasant basada en la obra del mismo nombre de Pushkin . Como dijo Olga Preobrazhenskaya, "la película se estrenó, fue elogiada, pero como era la primera producción de una directora, fue tratada con desconfianza, y en los carteles y las reseñas mi nombre a menudo estaba escrito con una terminación masculina o atribuido a la producción de otros directores". [100] En los primeros años después de la Revolución, Olga Preobrazhenskaya fue también la primera mujer en enseñar dirección: impartió clases en la Escuela Estatal de Cinematografía (ahora VGIK) . La obra más exitosa de Preobrazhenskaya es el drama Mujeres de Riazán (1927), que el escritor Theodore Dreiser, que visitó la URSS en ese momento, calificó de milagro. La película trataba sobre la difícil vida de una campesina rusa común en el campo en vísperas y después de la revolución. Preobrazhenskaya creó esta imagen junto con el director Ivan Pravov, como muchas de sus otras películas, diseñadas en el espíritu del realismo socialista: Y tranquilo fluye el Don , Stepan Razin , El muchacho de la taiga .
Las hermanas Brumberg fueron pioneras en animación. Estuvieron activas entre 1925 y 1970. En una carrera que duró casi 50 años, crearon alrededor de 50 películas como directoras de animación, animadoras y guionistas.
EspañolNadezhda Kosheverova es considerada la mejor directora de cuentos de hadas del cine soviético. A pesar de que la directora se probó en diferentes géneros, desde el realista ( Galia ) hasta la comedia ( El domador de tigres ), fue en el género de los cuentos de hadas donde su talento se reveló más plenamente. La más famosa de sus diez obras en este género es Cenicienta, estrenada en 1947, filmada junto con Mikhail Shapiro sobre el guión de Evgeny Schwartz . Cenicienta fue, quizás, el primer cuento de hadas en la historia del cine soviético, desprovisto de cualquier connotación ideológica, pero al mismo tiempo reflejando con una suave sátira los rasgos del modo de vida soviético. Por ejemplo, en la madrastra, interpretada por Faina Ranevskaya , uno puede reconocer fácilmente a la activista comunal ejemplar. Y también por primera vez en el cine soviético, los héroes aristocráticos, el rey Erast Garin y el príncipe Alexei Konsovsky, no son retratados como personajes negativos caricaturizados.
Margarita Barskaya fue la primera directora que logró mostrar el mundo a través de los ojos de un niño. En 1933 estrenó Tattered Shoes , la primera película sonora para niños de la historia del cine mundial. Contaba la historia de unos niños que crecían en un país europeo convencional donde el régimen fascista llegó al poder. Tras el estreno de la película, Barskaya fue inmediatamente considerada como un talento nuevo y original, y mucho más tarde, casi como una precursora del neorrealismo italiano. Los espectadores estaban encantados con la naturalidad con la que los niños se comportaban en el encuadre, como si no se dieran cuenta de la lente; el mérito es de Barskaya, que desarrolló su propio sistema de trabajo con actores jóvenes. Margarita Barskaya fue la iniciadora del primer estudio de cine infantil del mundo, "Soyuzdetfilm", donde se rodó el largometraje Padre e hijo . Nunca llegó a aparecer en las pantallas: los críticos tacharon la película de "falsa", porque Barskaya, fiel a su estilo, reflejaba la vida de una familia soviética sin adornos. A la directora ya no se le permitió rodar, principalmente por su amistad con el opositor caído en desgracia Karl Radek, por lo que la película Padre e hijo fue el último trabajo de Barskaya.
La cineasta Yulia Solntseva , antes de convertirse en una famosa directora, logró llamar la atención como actriz gracias a sus papeles principales en las películas mudas Aelita y La chica del cigarrillo de Mosselprom . La obra más famosa de Solntseva fue Poema del mar , filmada en 1958 a partir de un guion de su esposo, el director Alexander Dovzhenko , en el que la directora presentó la construcción de la central hidroeléctrica de Kakhovka al estilo de una antigua epopeya griega. Otro trabajo notable de Solntseva fue la primera película de pantalla ancha en Europa, Crónica de años llameantes (1960), que ganó el premio a la mejor dirección en Cannes.
Iskra Babich , graduada de la VGIK en 1958, fue una de las alumnas favoritas del director y profesor Ivan Pyryev . En su filmografía solo había cuatro largometrajes, todos ellos melodramas. Babich hizo películas penetrantes sobre el amor, la conciencia y la bondad, pero sin una expresión excesiva ni tramas excéntricas. La película más famosa de la directora es Muzhiki! (1982), que ganó muchos premios y alcanzó el reconocimiento internacional.
Dinara Asanova , alumna de Mijail Romm , es conocida por ser una directora que muestra con precisión el carácter conflictivo de un adolescente. Dos de sus películas más famosas: una historia lírica sobre el amor no correspondido, Los pájaros carpinteros no tienen dolores de cabeza (1975) y un drama sobre jóvenes matones, Boys (1983), en el que aparecían actores aficionados, adolescentes con problemas reales. Después de la película, Asanova comenzó a recibir paquetes de cartas: la gente le pedía consejo, creyendo que el director era un especialista calificado en la educación de "niños difíciles". Sin embargo, la única tarea de Asanova era mostrar que el período de transición entre la adolescencia y la juventud no es un ensayo para la vida adulta "real", sino una parte importante de nuestra única y gran vida.
Larisa Shepitko fue una de las figuras centrales del cine soviético de los años 60 y 70. Una de sus películas más aclamadas, Wings (Alas) , estrenada en 1966, reflejaba el destino de los soldados en el frente. La veterana de guerra en la película era una mujer, una ex aviadora llamada Nadezhda Petrukhina, que después de la guerra se convirtió en directora de una escuela vocacional. La protagonista, obligada a abandonar el cielo, tuvo que vivir según las nuevas reglas, que no tenían la claridad moral inherente a los tiempos de guerra, lo que finalmente la llevó a un callejón sin salida existencial, como a muchos de su generación. Para rodar su película principal, The Ascension (1976), Shepitko tuvo que enfrentarse a las autoridades. La película se convirtió en la primera película soviética en ganar el "Oso de Oro" en el Festival Internacional de Cine de Berlín.
Tatiana Lukashevich debutó como directora de cine a los 24 años: su película El crimen de Iván Karaváev era más una propaganda cinematográfica diseñada artísticamente que una declaración artística, pero aun así llamó la atención sobre la joven directora. Posteriormente, Lukashevich dirigió principalmente películas que contribuyeron a la "educación moral de la generación más joven" ("Gavrosh", "El expósito", "El certificado de madurez"). A pesar de la estricta adhesión del director a los cánones del realismo socialista, valores como la humanidad y la autenticidad siempre estuvieron en primer plano en las películas de Lukashevich. Esto se nota especialmente en la película El expósito, cuya idea principal se expresa en los versos de una canción de cuna: "En nuestra gran ciudad, todos son amables con los bebés".
Para Aida Manasarova, lo más importante de su trabajo fue, quizás, evitar todo lo que fuera demasiado idealista y exagerado. Según Manasarova, "era mucho más importante para ella mostrar el verdadero drama de la búsqueda de ideales morales", por lo que sus personajes nunca fueron unidimensionales y positivos. Casi todas sus películas hablaban de personas que atravesaban una profunda crisis interior. "Me gustan los personajes que están atormentados por su imperfección", admitió Manasarova. Uno de los trabajos más destacados de la directora es el drama familiar "Mira hacia otro lado" (1983), sobre la difícil relación entre madre e hijo.
Diecisiete momentos de primavera , una de las series más famosas y aclamadas del cine soviético, también fue dirigida por la directora Tatiana Lioznova . Sin embargo, la directora no solo es conocida por la historia de la popular espía soviética. Un personaje clave en todas sus obras fue un hombre que se encuentra en condiciones antinaturales, un cuervo blanco, cuya resistencia es puesta a prueba, y no siempre con éxito. Nyura de la película Tres álamos en Plyushchikha de 1967 que nunca encontró el amor; Nina de Carnaval (1981) que regresó a su pequeño pueblo, sin haber logrado ningún éxito como gran actriz; Lenya de la película Nosotros, abajo (1980) que no logró recolectar las firmas que tanto necesitaba. Esta combinación de terquedad y humildad es característica de sus películas. Como dijo el dramaturgo Alexander Gelman, "sus películas son sinceras, la verdad del alma en ellas supera la verdad de los hechos, como sucede en la vida con las personas reales".
Alla Surikova es conocida por dirigir muchas películas de comedia de éxito. Su película más popular es el western satírico Un hombre del bulevar de las Capuchinas (1987).
Kira Muratova siempre se esforzó por hacer películas que ella misma quería crear, independientemente de los cambios de agenda política, regímenes y pautas estéticas. Esto llevó a que sus primeras películas, Breves encuentros (1967) y La larga despedida (1971), quedaran archivadas; la tercera, Conocer el mundo grande y ancho (1979), nunca se exhibió en gran escala, y la cuarta, Entre piedras grises (1983), fue muy recortada por la censura y estrenada bajo el seudónimo de Ivan Sidorov. Finalmente, El síndrome asténico (1989), estrenada como Muratova quería, le trajo el reconocimiento mundial. Hoy Muratova es una de las directoras soviéticas más aclamadas.
Hay muchos nombres nuevos e importantes en la fuerte tradición cinematográfica femenina rusa del siglo XXI, y el número aumenta constantemente.
Svetlana Baskova ganó notoriedad a nivel nacional por dirigir la película de terror y explotación El elefante verde en 1999.
Renata Litvinova , inicialmente famosa como actriz en las películas de Kira Muratova, perfeccionó sus habilidades como directora en Goddess: How I Fell in Love (2004) y The Last Tale of Rita . Su último trabajo notable es el largometraje de 2021 The North Wind . Litvinova suele protagonizar también sus películas.
Una de las directoras rusas modernas más populares, Anna Melikyan , es conocida como autora del ganador del Sundance Mermaid (2007), [101] y el drama romántico satírico The Three (2020).
La directora Avdotya Smirnova, inicialmente conocida como guionista, es la autora de las películas Two Days (2011), Story of One Appointment (2018) y la serie biográfica Vertinskiy (2021) sobre la famosa cantante rusa .
Oksana Bychkova, es mejor conocida como directora del drama romántico Piter FM (2006).
Valeriya Gai Germanika , uno de los nombres más provocadores de la industria cinematográfica rusa, inicialmente solo dirigió documentales. Es conocida por su largometraje ganador del Festival de Cine de Cannes Everybody Dies but Me (2008). Su último trabajo, la serie Mutual Consent (2022) sobre una maestra violada, ha sido descrita por los autores como la primera serie MeToo de Rusia.
Diana Ringo es directora de la película distópica Quarantine (2021) protagonizada por Anatoly Bely . Quarantine es una película de autor filosófica y experimental sobre un hombre que vive en un búnker durante 20 años. Diana Ringo es directora, productora, guionista y compositora de la banda sonora de la película. Además de dirigir, Diana Ringo también es músico y compositora profesional.
La película de 2021 Gerda , sobre una joven bailarina de striptease, dirigida por Natalya Kudryashova, se estrenó en el Festival de Cine de Locarno, donde recibió varios premios. Kudryashova también es actriz.
Natalya Merkulova es conocida por sus películas codirigidas con su marido, Aleksey Chupov. Sus películas The Man Who Surprised Everyone (2018) y Captain Volkonogov Escaped (2021) se han proyectado en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
Radda Novikova es directora de cine y televisión. Es una de las directoras de comedia rusas más prolíficas del siglo XXI. Ha dirigido muchas series de televisión populares, entre ellas Girls with Makarov (2022), Interns (2013) y Two Fathers, Two Sons (2011).
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Elena Jordi fue la primera directora de cine de España. Dirigió Thaïs en 1918.
Las cineastas pioneras Josefina Molina , Helena Cortesina y Rosario Pi estuvieron entre las primeras mujeres directoras de cine de España.
María Forteza fue la primera mujer directora de una película sonora en 1934 con el cortometraje documental Mallorca .
Ana Mariscal fue una prolífica actriz en las décadas de 1940 y 1950. A principios de la década de 1950 se convirtió en productora y poco después comenzó a dirigir y escribir sus propias películas. Su película más conocida es quizás El camino (1963), una adaptación de la novela de Miguel Delibes . Otras películas incluyen Segundo López, aventurero urbano (1953) inspirada en el neorrealismo italiano o Con la vida hicieron fuego (1959), sobre un excombatiente de la facción republicana que intenta comenzar una nueva vida mientras lucha contra los inquietantes recuerdos de la Guerra Civil Española .
Josefina Molina , también novelista, comenzó su carrera en la década de 1960. Fue la primera mujer que se graduó en la Escuela Nacional de Cine de España en 1967. Su prolífico currículum televisivo incluye la miniserie de gran éxito Teresa de Jesús (1984), una dramatización de la vida de Teresa de Ávila . Su trabajo en cine incluye Vera, un cuento cruel (1974), Función de noche (1981) o Esquilache (1989) que se presentó al 39º Festival Internacional de Cine de Berlín .
Pilar Miró fue una célebre directora y guionista de cine y televisión, entre cuyos trabajos más destacados se encuentran Gary Cooper, Who Art in Heaven (1980), Prince of Shadows (1991), que ganó el Oso de Plata a la contribución artística sobresaliente en el 42º Festival Internacional de Cine de Berlín y El perro del hortelano (1996), una adaptación de una obra de Lope de Vega que ganó 7 premios Goya, incluidos los de mejor película y mejor dirección. También estuvo a cargo de la televisión pública española TVE entre 1986 y 1989.
Icíar Bollaín debutó como actriz cuando era adolescente bajo la dirección de Víctor Erice en El sur (1983). Dio el salto a la dirección y escritura en 1995 con Hola, ¿estás sola?, que le valió una nominación al Premio Goya a la Mejor Dirección Novel . Su filmografía posterior incluye Flores de otro mundo (1999), ganadora del Gran Premio en la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Cine de Cannes de 1999 , Te doy mis ojos (2003), que le valió un Premio Goya a la Mejor Dirección y una nominación al Premio del Cine Europeo a la Mejor Dirección o Incluso la lluvia (2010), que estuvo en la lista de preseleccionados en enero para el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera .
Isabel Coixet dirigió numerosos anuncios de televisión durante la década de 1990. Normalmente filma en inglés con actores internacionales. Algunas de sus películas más conocidas incluyen Mi vida sin mí (2003), protagonizada por Sarah Polley , Mark Ruffalo , Scott Speedman y Deborah Harry , La vida secreta de las palabras (2005) una vez más protagonizada por Polley, así como Tim Robbins y Julie Christie , un segmento sobre la película ómnibus París, te amo (2006) y la adaptación de Philip Roth Elegy (2008) protagonizada por Ben Kingsley , Penélope Cruz , Dennis Hopper y Patricia Clarkson .
Gracia Querejeta ha sido aclamada por sus dramas corales By My Side Again (1999), Héctor (2004) y Seven Billiard Tables (2007). También ha dirigido documentales y episodios de televisión.
Otros cineastas destacados incluyen a María Ripoll ( Sopa de tortilla , El hombre de la lluvia en los zapatos ), Patricia Ferreira, Chus Gutiérrez, María Lidón aka Luna ( Varados: Náufragos , Moscú cero ), Rosa Vergés, Lydia Zimmermann , Laura Mañá , Carla Simón , Elena Martín y Neus Ballús .
Ebba Lindkvist es la primera mujer sueca en dirigir una película. En 1910 dirigió el cortometraje dramático Värmländingarna , que se estrenó en Suecia el 27 de octubre de 1910. Otra pionera del cine sueco fue Anna Hofman-Uddgren , que dirigió Stockholmsfrestelser en 1911. La actriz sueca Mai Zetterling dirigió varias películas en los años 1960 y 1970.
Una notable película reciente realizada por una directora de cine sueca, Pleasure (2021) de Ninja Thyberg, se proyectó en el Festival de Cine de Sundance.
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Joy Batchelor fue una animadora, directora, guionista y productora inglesa. Se casó con John Halas en 1940, [102] y posteriormente cofundó Halas y Batchelor Cartoons, cuya producción más conocida es el largometraje animado Rebelión en la granja (1954), que la convirtió en la primera mujer directora de un largometraje animado desde Lotte Reiniger .
Muriel Box fue una guionista y directora inglesa que dirigió su primera película en 1941. Estuvo activa durante dos décadas, hasta los años 1960. [103]
En Gran Bretaña, Jane Arden (1927-1982), después de su drama televisivo The Logic Game (1965), escribió y protagonizó la película Separation ( Jack Bond 1967), que explora el panorama mental de una mujer durante una ruptura matrimonial. Arden se convirtió en la única mujer británica en obtener un crédito como directora en solitario por The Other Side of the Underneath (1972), un estudio inquietante sobre la locura femenina filmado principalmente en el sur de Gales. El trabajo abiertamente feminista de Arden fue ignorado y casi perdido hasta que el British Film Institute redescubrió y reeditó sus tres largometrajes y el corto Vibration (1974), en 2009.
Andrea Arnold ganó un premio Oscar en 2005 por su cortometraje Wasp , y ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes tres veces: en 2006 por Red Road , en 2009 por Fish Tank y en 2016 por American Honey .
Dos de los primeros cortometrajes de Lynne Ramsay ( Small Deaths y Gasman ) ganaron el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes, y sus cuatro largometrajes posteriores, Ratcatcher (1999), Morvern Callar (2002), We Need to Talk About Kevin (2011) y You Were Never Really Here (2017) se han proyectado en el Festival de Cannes.
Georgina Willis debutó en Cannes con la controvertida película feminista de producción independiente Watermark (2003). Watermark trata sobre una mujer que enfrenta problemas de salud mental y termina matando a su propio hijo.
Mamma Mia!, dirigida por Phyllida Lloyd, se convirtió en la quinta película más taquillera de 2008 [104] y la película más taquillera de la historia en el Reino Unido. [105] La siguiente película de Lloyd, la película biográfica de Margaret Thatcher La dama de hierro (2012) recaudó 114 millones de dólares en todo el mundo. [106] Debbie Isitt ha dirigido películas de gran éxito, entre ellas "Confetti" y la trilogía "Nativity!".
Cinenova es una organización con sede en Londres que distribuye películas producidas por mujeres.
Sally Potter es una destacada cineasta feminista británica que se dio a conocer como directora de Orlando (1992), protagonizada por Tilda Swinton . Sus películas se proyectan con regularidad y ganan premios en los principales festivales de cine, incluidos el Festival de Cine de Venecia y el Festival de Cine de Berlín. Otras películas destacadas de Potter incluyen The Party (2017), The Man Who Cried (2000) y Ginger & Rosa (2012).
Las cineastas británicas Ngozi Onwurah y Pratibha Parmar exploran los legados del colonialismo. La directora de cine Gurinder Chadha hace principalmente películas sobre mujeres de origen indio que viven en Inglaterra.
La directora de cine y escritora británica Shamim Sarif suele inspirarse en su propia experiencia personal con el amor intercultural y no heterosexual. Algunas de sus películas más destacadas son el drama romántico lésbico I Can't Think Straight (2008) y la película de espionaje sobre la Guerra Fría, Awareness the Falling Snow (2016), protagonizada por Rebecca Ferguson .
En parte como resultado de la financiación del Consejo de Cine del Reino Unido (disuelto en 2010), ha surgido una nueva generación de cineastas británicas en el siglo XXI, entre las que se incluyen Penny Woolcock , Carol Morley , Joanna Hogg , Clio Barnard , Sally El Hosaini , Amma Asante y Tina Gharavi . Las artistas de galería Gillian Wearing y Sam Taylor-Wood se han pasado al cine de largometrajes, y Taylor-Wood (ahora Taylor-Johnson) ha sido nombrada directora de la adaptación de Cincuenta sombras de Grey . [107]
El aumento de la financiación gubernamental a la industria cinematográfica en Australia en la década de 1970 condujo a un renacimiento del cine y, como parte del creciente movimiento feminista en Australia en ese momento, creció el cine de mujeres. El papel de las películas de mujeres se discutió en la Conferencia de Liberación de la Mujer en Melbourne en 1970, [108] y se establecieron grupos como el colectivo Feminist Film Workers (décadas de 1970 y 1980), Sydney Women"s Film Group (SWFG, 1972–), Melbourne Women's Film Group (1973–), Reel Women (1979 a 1983 en Melbourne) y Women's Film Unit (Sídney y Melbourne, 1984/5). [109] Varias cineastas, incluidas Jeni Thornley , Sarah Gibson, Susan Lambert, Martha Ansara , Margot Nash y Megan McMurchy, participaron en estos grupos. [108] El Festival Internacional de Cine de Mujeres de 1975 , el primero de su tipo, [108] fue iniciado por el SWFG, [110] pero grupos de todo el país organizaron eventos de proyección en otras capitales estatales. En Melbourne y Sídney los festivales Las funciones duraron nueve días (con una audiencia de alrededor de 56.000 personas) y en los demás estados duraron entre dos y tres días. [111]
Gillian Armstrong es una destacada cineasta australiana, conocida por su película de 1979 Mi brillante carrera . Otros directores de cine australianos importantes son Jocelyn Moorhouse , Catriona McKenzie y Kitty Green . [ cita requerida ]
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Jane Campion (nacida en 1954) es la directora más conocida de Nueva Zelanda. Por su película The Piano (1993) recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1993. En 2022 recibió el Premio de la Academia como Mejor Directora por la película The Power of the Dog . [ cita requerida ]
Pietra Brettkelly (nacida en 1985) es conocida por sus documentales, entre los que se incluyen Yellow is Forbidden y A Flickering Truth . [ cita requerida ]
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