Shirley Clarke (de soltera Brimberg ; 2 de octubre de 1919 - 23 de septiembre de 1997) fue una cineasta estadounidense.
Nacida como Shirley Brimberg en la ciudad de Nueva York , era hija de un padre inmigrante polaco que hizo su fortuna en la industria manufacturera. Su madre era hija de un fabricante e inventor judío multimillonario. La mayor de tres hijas, su hermana era la escritora Elaine Dundy . [1] Su interés por la danza comenzó a una edad temprana, pero encontró la desaprobación de su padre, un matón violento. [2]
Clarke asistió a Stephens College , a la Universidad Johns Hopkins , a Bennington College y a la Universidad de Carolina del Norte . Como resultado de las lecciones de baile en cada una de estas escuelas, se formó bajo la técnica de Martha Graham , la técnica Humphrey-Weidman y el método de danza moderna Hanya Holm . Se casó con Bert Clarke para escapar del control de su padre y poder estudiar danza con los maestros en la ciudad de Nueva York. Su hija Wendy nació en 1944. [3] Su matrimonio con Bert terminó en divorcio en 1963. [4] Comenzó su carrera como bailarina en el movimiento de danza moderna de vanguardia de Nueva York. Participó ávidamente en lecciones de danza y presentaciones en la Asociación Hebrea de Mujeres Jóvenes .
En 1972, Clarke firmó una campaña de la revista Ms. , "Hemos tenido abortos", que pedía el fin de las "leyes arcaicas" que limitaban la libertad reproductiva; Los participantes alentaron a las mujeres a compartir sus historias y actuar. [5]
En su primera película, Dance in the Sun (1953), adaptó una coreografía de Daniel Nagrin . La New York Dance Film Society la seleccionó como la mejor película de danza del año. [6] En Dance in the Sun (1953), Clarke utilizó tomas rítmicas, filmando un baile en el escenario y luego cortando del escenario a la playa y de ida y vuelta a lo largo de la película. Pasó de ser bailarina a ser cineasta y expresar su arte a través de un nuevo medio. [7]
Clarke estudió cine con Hans Richter en el City College de Nueva York después de realizar In Paris Parks (1954). En 1955, se convirtió en miembro de Independent Filmmakers of America y formó parte de un círculo de cineastas independientes en Greenwich Village como Maya Deren , Stan Brakhage , Jonas Mekas y Lionel Rogosin .
En A Moment in Love , Clarke utilizó líneas y colores abstractos para capturar la danza pura. La película de Clarke Bridges Go-Round (1958) [8] es un gran ejemplo de expresionismo abstracto en el cine, con dos bandas sonoras alternativas, una con música electrónica de Louis y Bebe Barron [9] y la otra orientada al jazz y fue creada por Teo. macero . Usó la cámara para crear una sensación de movimiento mientras filmaba estructuras inanimadas. También participó en películas producidas por la Agencia de Información de Estados Unidos para la Exposición Mundial de Bruselas de 1958. [10]
Recibió una nominación al Premio de la Academia por Skyscraper (1959) con otros dos realizadores de documentales. Filmado principalmente en 1958, el cortometraje captura la construcción del 666 de la Quinta Avenida que comenzó en 1957. La película de 20 minutos incluye tomas del Teatro Roxy , que fue demolido el año en que se estrenó Skyscraper . En 1959 ganó el premio Golden Gate en el Festival Internacional de Cine de San Francisco .
A Scary Time (1960), que muestra la pobreza y las enfermedades entre los niños de los países del Tercer Mundo, fue producida por UNICEF en consulta con Thorold Dickinson . Cuenta con música de Peggy Glanville-Hicks . [11]
Clarke describió el impacto que tuvo su experiencia como mujer en su realización cinematográfica:
Hay varias razones por las que lo logré. Primero, tenía suficiente dinero como para no tener que convertirme en secretaria para sobrevivir. Y en segundo lugar, he desarrollado esta personalidad, esta forma de ser... Resulta que he elegido un campo en el que tengo que estar ahí fuera, conectarme constantemente, estar a cargo de grandes cantidades de dinero, equipos y personas. Y ese no es particularmente el papel de la mujer en nuestra sociedad... Me identifiqué con los negros porque no podía lidiar con la cuestión de la mujer y la transpuse. Podía entender muy fácilmente los problemas de los negros y de alguna manera los equiparaba con cómo me sentía. Cuando hice The Connection , que trataba sobre adictos, no sabía nada sobre basura y me importaba menos. Era un símbolo: gente que está afuera. Siempre me sentí sola y fuera de la cultura en la que estaba. Crecí en una época en la que las mujeres no dirigían las cosas. Todavía no lo son. [12]
En 1962, describió sus objetivos: "Me estoy rebelando contra las convenciones del cine. ¿Quién dice que una película tiene que costar un millón de dólares y ser lo suficientemente segura e inocua para satisfacer a todos los niños de 12 años en Estados Unidos?" [1]
Su primer largometraje , The Connection (1961), a partir de la obra de Jack Gelber , trata sobre músicos de jazz adictos a la heroína, y fue parte del surgimiento de un movimiento cinematográfico independiente en Nueva York. La película presagiaba un nuevo estilo que abordaba cuestiones sociales relevantes en películas de bajo presupuesto en blanco y negro. Clarke pretendía que la película se utilizara como caso de prueba en una lucha exitosa para abolir las reglas de censura del estado de Nueva York . También sirvió como comentario sobre los fracasos del cinema verité . Su objetivo es que parezca documentar las interacciones espontáneas de un estilo de vida específico y contemporáneo (la Nueva York bohemia de principios de los años 1960).
The Connection generó controversia y discusión en la comunidad artística del centro de la ciudad de Nueva York. La obra original de Jack Gelber había sido condenada por los críticos principales durante sus representaciones fuera de Broadway, pero aún así había atraído a una audiencia que incluía a " Leonard Bernstein , Anita Loos , Salvador Dalí y Lillian Hellman , quienes la compararon con "un buen momento en el circo'". [13]
Clarke estaba decidido a filmar la obra y, una vez terminada, recibió críticas favorables. Se proyectó fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes de 1961, donde nuevamente fue recibido positivamente. Celebridades estadounidenses de la generación Beat que se encontraban en Europa en ese momento viajaron a Cannes para mostrar su apoyo a la película de Clarke. Posteriormente , las proyecciones de The Connection en el estado de Nueva York fueron prohibidas tras denuncias de indecencia, basadas en una toma que incluía una revista pornográfica y una palabra considerada obscena. En ese momento, el estado de Nueva York sólo permitía la proyección pública de películas si habían recibido una licencia de la junta de censores del estado. Un año más tarde se hizo otro intento de proyectar públicamente la película, pero intervino la policía, ya que los realizadores todavía no tenían una licencia de la junta de censores del estado. Después de estos incidentes, las críticas a The Connection se volvieron predominantemente negativas. La situación dificultó a Clarke organizar la financiación y distribución de sus proyectos cinematográficos. [13]
Mientras filmaba The Connection , se enamoró del actor Carl Lee . Después de su divorcio de Bert Clarke, comenzó una relación con Lee que duró hasta su muerte en 1986 por SIDA , que había contraído por el uso de una aguja hipodérmica sucia. [1] [14]
En 1961, Clarke firmó el manifiesto "Declaración para un nuevo cine americano ", [15] y en 1962 cofundó The Film-Makers' Cooperative en Nueva York con Jonas Mekas . [1]
Robert Frost: A Lover's Quarrel With the World (1963), dirigida por Clarke y protagonizada por el poeta Robert Frost , ganó el Premio de la Academia al Largometraje Documental .
Basada en una novela de Warren Miller , el largometraje de Clarke, The Cool World (1964), siguió la vida de un joven que llegó a convertirse en el líder de una pandilla juvenil. [1] La primera película que dramatiza una historia sobre pandillas callejeras negras sin depender de la moralización al estilo de Hollywood, fue filmada en Harlem y producida por Frederick Wiseman . The Cool World fue la primera película realizada de forma independiente que se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Venecia . [12]
Clarke dirigió una entrevista de largometraje con un prostituto negro gay, Portrait of Jason (1967), que fue seleccionada para el Festival de Cine de Nueva York . [1] Editada a partir de 12 horas de material de entrevista, Lauren Rabinovitz describió la película como una exploración del "carácter de una persona y al mismo tiempo aborda el alcance y las limitaciones del estilo cinema-verité". Retrato de Jason (1967) tuvo una respuesta mixta por parte de los críticos estadounidenses. Con la excepción de las publicaciones no convencionales, los críticos fueron en general negativos y se centraron en el supuesto "punto de vista morboso y la falta de pulido de la producción" de Clarke. El retrato de Jason tuvo mejor acogida en Europa. La película fue distribuida por el Film-Makers Distribution Center. Cofundada por Clarke en 1966, la distribuidora cerró en 1970 tras afrontar dificultades financieras. [dieciséis]
En la década de 1970 y principios de la de 1980, Clarke experimentó con presentaciones de video en vivo, [17] regresando a sus raíces como bailarina. Formó The TeePee Video Space Troupe en el ático de su hotel Chelsea . Este grupo incluía a los videoartistas Andy Gurian, Bruce Ferguson, Stephanie Palewski, DeeDee Halleck, Vickie Polan, Shrider Bapat, la hija de Clarke, Wendy Clarke, y muchos otros. The Troupe también fueron los primeros en experimentar con presentaciones, instalaciones y documentación en video grabado. [18]
Después de trabajar en películas de vídeo durante varios años en el Hotel Chelsea, Roger Corman se acercó a Clarke para trabajar en su próxima película Crazy Mama (1975). Esto provocó desacuerdos sobre enfoques creativos. Clarke se dio cuenta de que Corman esperaba un protegido sin experiencia cinematográfica. En una entrevista de 1985, Clarke declaró que no creía que la situación hubiera ocurrido si hubiera sido un cineasta:
Claramente no podía estar hablando con un cineasta establecido que había recibido premios y esas cosas. Él no sabía quién era yo en absoluto. [...] ¿Alguna vez hablaría con un hombre así? No confiaba en mí, eso es seguro. Existe una profunda discriminación contra las mujeres artistas que aún es muy fuerte. Yo era un representante del tokenismo. Se confiaba en mí para ser la cineasta. Ninguna persona puede soportar esa carga. No hay duda de que mi carrera habría sido diferente si fuera un hombre, pero si fuera un hombre sería un ser humano diferente. [12]
De vez en cuando, miembros del colectivo de vídeo pionero Videofreex formaban parte del Troupe: David Cort, Parry Teasdale, Chuck Kennedy, Skip Blumberg, Bart Freidman y Nancy Cain. El grupo trabajó dentro y alrededor del Hotel Chelsea en West 23rd St en la ciudad de Nueva York, a menudo instalando múltiples cámaras y monitores en el techo o en la escalera. Los participantes invitados del Chelsea incluyeron a Viva , Arthur C. Clarke (sin relación), Severn Darden y Agnès Varda . [18] La compañía realizó una gira por universidades y centros de medios, incluido Bucknell College en Pensilvania, donde trabajaron con estudiantes de teatro y danza en una actuación nocturna masiva en el centro de estudiantes, y SUNY Cortland , donde crearon un video mural con arte. estudiantes.
La última película de Clarke fue Ornette: Made in America (1985), un perfil documental del saxofonista y compositor de jazz Ornette Coleman . [1]
Además de dirigir sus propias películas, Clarke interpretó a una cineasta independiente en la comedia estilo cinéma vérité Lions Love (1969) de Agnès Varda . Clarke también aparece brevemente en el documental He Stands in a Desert Counting the Seconds of His Life (1986) de Jonas Mekas. Las piernas de Clarke aparecieron en la película de 1971 de John Lennon y Yoko Ono, Up Your Legs Forever . [19]
Clarke daba conferencias con regularidad y hablaba en teatros y museos. Durante el período comprendido entre 1971 y 1974, Clarke dirigió varios talleres itinerantes de Teepee en una variedad de lugares e instituciones, incluidos Kitchen, Museum of Modern art ("Open Circuits"), Antioch College, Baltimore, Wesleyan College, Bucknell University, Film. Centro de estudios, Hampshire College y la Universidad de Buffalo. Clarke se convirtió en profesor en UCLA en 1975, enseñando cine y vídeo hasta 1983. [1]
Clarke murió de un derrame cerebral en Boston, Massachusetts, después de una lucha contra la enfermedad de Alzheimer , poco antes de cumplir 78 años.
El único largometraje que recibió una amplia cobertura mediática durante la vida de Clarke fue The Connection . No fue su única película sujeta a prohibiciones por parte de los censores del estado de Nueva York, ni a desafíos de distribución planteados por la falta de infraestructura para los cineastas independientes. La reputación de Clarke languideció durante muchos años, durante un período en el que fue "marginada, eliminada de la historia y descartada como diletante". [13] Sin embargo, ha habido un renovado interés en su realización cinematográfica. El primer premio Shirley Clarke Avant-Garde Filmmaker fue entregado a Barbara Hammer en octubre de 2006. [20] Thomas Cohen, en un libro de 2012 sobre su carrera, describió sus largometrajes como "películas consideradas obras esenciales del nuevo cine americano". [21]
A partir de 2012, Milestone Films emprendió el "Proyecto Shirley", un proyecto en profundidad de ocho años para lanzar versiones restauradas de muchas de las películas de Clarke en DVD y Blu-ray, precedido por presentaciones teatrales limitadas. [13] [22] [23] Esto incluía a Ornette: Made in America (Volumen 1, 11 de noviembre de 2014), [24] Retrato de Jason (Volumen 2, 11 de noviembre de 2014), [25] The Connection (Volumen 3 , 24 de febrero de 2015) [26] [27] y La caja mágica: las películas de Shirley Clarke. 1927-1986 (Volumen 4, 15 de noviembre de 2016). [28] [29]