El cine de mujeres describe principalmente obras cinematográficas dirigidas (y opcionalmente también producidas) por mujeres cineastas. Las obras en sí no tienen por qué ser historias específicamente sobre mujeres y el público objetivo puede ser variado.
También es una variedad de temas agrupados para crear el trabajo de las mujeres en el cine. Esto puede incluir a mujeres que desempeñan roles detrás de escena, como directoras, directoras de fotografía, escritoras y productoras, al mismo tiempo que abordan las historias de mujeres y el desarrollo de personajes a través de guiones (por otro lado, las películas hechas por hombres sobre mujeres se llaman Películas de mujeres). ).
Entre las directoras de renombre se encuentran Alice Guy-Blaché , pionera del cine y una de las primeras directoras de cine, Agnès Varda , la primera directora francesa de la Nueva Ola, Yulia Solntseva , la primera mujer en ganar el Premio a la Mejor Directora en el Festival de Cine de Cannes ( 1961 ), Lina Wertmüller , la primera mujer nominada al Premio de la Academia al Mejor Director ( 1977 ), Barbra Streisand , la primera mujer en ganar el Globo de Oro al Mejor Director ( 1983 ), Jane Campion , la primera mujer en ganar la Palma de Oro en Festival de Cine de Cannes ( 1993 ), y Kathryn Bigelow , la primera mujer en ganar el Premio de la Academia al Mejor Director ( 2009 ), [1] junto con muchas otras directoras de todo el mundo como Dorothy Arzner , Ida Lupino , Lois Weber , Leni Riefenstahl , Mary Harron , Sofia Coppola , Kira Muratova , Claire Denis , Chantal Akerman , Catherine Breillat , Lucrecia Martel , Lynne Ramsay , Céline Sciamma , Claudia Weill y Julie Dash . Muchos directores de fotografía de éxito también son mujeres, entre ellos Margarita Pilikhina , Maryse Alberti , Reed Morano , Rachel Morrison , Halyna Hutchins y Zoe White.
El cine de mujeres reconoce las contribuciones de las mujeres en todo el mundo, no sólo a las películas narrativas sino también a los documentales. El reconocimiento al trabajo de las mujeres se da a través de diversos festivales y premios, como el Festival de Cine de Cannes , por ejemplo. [2]
"El cine de mujeres es una construcción compleja, crítica, teórica e institucional", explica Alison Butler. El concepto ha recibido una buena cantidad de críticas, lo que ha provocado que algunas cineastas se distancien de él por temor a ser asociadas con la marginación y la controversia ideológica. [2]
Alice Guy-Blaché fue una pionera del cine y la primera directora. [3] Trabajando para la Gaumont Film Company en Francia en la época en que se inventaba el cine, creó La Fée aux Choux (1896). Las fechas de muchas de las primeras películas son especulativas, pero La Fée aux Choux bien puede ser la primera película narrativa jamás estrenada. [4] Se desempeñó como jefa de producción de Gaumont de 1896 a 1906 y finalmente produjo cientos de películas mudas en Francia y Estados Unidos. [5]
En Suecia, Anna Hofman-Uddgren fue la primera cineasta de ese país: produjo la película muda Stockholmsfrestelser en 1911. También actuó en la película. [6] Sin embargo, Ebba Lindkvist dirigió el cortometraje Värmländingarna , que se estrenó en Suecia el 27 de octubre de 1910, convirtiéndola técnicamente en la primera cineasta, [7] y cronológicamente, en la segunda directora de largometrajes del mundo. según Alice Guy-Blaché.
Luise Fleck fue una directora de cine austriaca y ha sido considerada la segunda directora de largometraje del mundo, después de Alice Guy-Blaché. En 1911 Luise Fleck dirigió Die Glückspuppe .
Elvira Notari es la primera directora italiana en realizar una película. Las primeras películas de Notari son Maria Rosa di Santa Flavia , Carmela la pazza , Bufera d'anime , todas realizadas en 1911.
Helen Gardner , una jugadora de Vitagraph Studios que había sido aclamada por su interpretación de Becky Sharp en la versión de 1910 de Vanity Fair , fue la primera actriz de cine, hombre o mujer, en formar su propia productora, The Helen Gardner Picture Players. [8] La primera producción de Gardner fue Cleopatra (1912), uno de los primeros largometrajes estadounidenses.
En 1913, la cineasta rusa Olga Preobrazhenskaya comenzó a dirigir películas en el estudio "Timan and Reingardt". Es la primera directora rusa. Su primer trabajo como directora fue la película Miss Peasant de 1916 , basada en la obra homónima de Aleksandr Pushkin .
La directora nacida en Estados Unidos, Lois Weber, fue entrenada e inspirada por Guy-Blaché y tuvo éxito en la creación de películas mudas. [9] Weber es conocida por sus películas Hypocrites (1915), The Blot (1921) y Suspense (1913). Las películas de Weber a menudo se centran en cuestiones sociales difíciles. Por ejemplo, su película ¿ Dónde están mis hijos? (1916) aborda los temas controvertidos del control de la natalidad y el aborto . Y cuestionó la validez de la pena capital en The People vs. John Doe (1916). [10] [11]
Mabel Normand fue otra de las primeras cineastas importantes. Comenzó como actriz y se convirtió en productora, guionista y directora en la década de 1910, trabajando en los primeros cortometrajes que hizo Charlie Chaplin como El vagabundo en los estudios Keystone de Mack Sennett . [12] Además colaboró con Sennett en otras películas de Keystone y, a finales de la década de 1910 y principios de la de 1920, tuvo su propio estudio de cine y compañía de producción. [13] Otras actrices notables que se convirtieron en directoras incluyen a Grace Cunard y Nell Shipman .
Las guionistas eran muy buscadas en los primeros años del cine. Frances Marion , Anita Loos y June Mathis tuvieron carreras exitosas en la era del cine mudo y del sonido temprano. Mathis fue también la primera mujer ejecutiva en Hollywood .
Ver María Pickford
A medida que el cine estadounidense se convirtió en una industria altamente comercializada en la década de 1920 y su contenido se volvió cada vez más convencional, las oportunidades para las productoras y directoras fueron cada vez menores. Cuando el sonido llegó a los Estados Unidos en 1927 y los años inmediatamente posteriores, los roles de las mujeres detrás de la cámara se limitaban en gran medida a guionistas, diseñadoras de vestuario, decoradoras de escenarios, maquilladoras y similares. Y la implementación de la autocensura por parte de la industria en forma del Código Hays en 1934 significó que temas como el control de la natalidad y el aborto fueran tabú. Dorothy Arzner fue la única directora que sobrevivió en este ambiente hostil. Lo hizo produciendo películas bien hechas pero formalmente más bien convencionales. Sin embargo, es posible rastrear elementos feministas en sus películas. [14] Los críticos de cine consideran que su película, Dance, Girl, Dance , sobre dos mujeres que luchan por triunfar en el mundo del espectáculo, es particularmente interesante desde una perspectiva feminista. Cuando la película fue seleccionada para su inclusión en el Registro Nacional de Cine , se señaló que "las bailarinas, interpretadas por Maureen O'Hara y Lucille Ball , se esfuerzan por preservar su propia integridad feminista, mientras luchan por su lugar en el centro de atención y por la amor por el protagonista masculino Louis Hayward ". [15] Más allá de Dance, Girl, Dance , Arzner también trabajó con algunas de las actrices más formidables de Hollywood, incluidas Katharine Hepburn en Christopher Strong (1933) y Joan Crawford en The Bride Wore Red (1937).
La primera mujer en dirigir un cine negro, Ida Lupino , es ampliamente considerada como la cineasta más destacada que trabajó en la década de 1950 durante el sistema de estudios de Hollywood. Es mejor conocida por dirigir El autoestopista . Ida Lupino también es famosa por su trabajo como actriz.
El cine experimental y de vanguardia es el género que se considera más cercano a las mujeres cineastas y que también avanza en temas femeninos. Annette Kuhn, por ejemplo, destacó esa afinidad especial al citar que las bajas inversiones de dinero y el "profesionalismo" han significado que la industria cinematográfica sea más abierta para las mujeres que la industria cinematográfica convencional. [16] Tanto Pam Cook como Laura Mulvey también notaron una alineación y alianza del cine experimental y de vanguardia con el interés y la política feministas. En concreto, Mulvey explicó que las películas convencionales o de Hollywood son incapaces de proporcionar la experiencia de la contradicción, reforzando el antirrealismo y, aquí es donde el cine de vanguardia es útil para las mujeres y el feminismo porque comparten "un interés común en la política de las imágenes". y problemas del lenguaje estético." [17]
La participación de las mujeres en el cine experimental y de vanguardia se inició a principios del siglo XX, aunque fue limitada debido a las limitaciones de las convenciones sociales de este período. [2] No fue hasta después de la guerra cuando las mujeres se involucraron activamente en este género cinematográfico. Germaine Dulac fue una figura destacada del movimiento cinematográfico de vanguardia francés tras la Primera Guerra Mundial. [18] También está el caso de las películas visionarias de Maya Deren , que pertenecían a los clásicos del cine experimental y se centraban en el cine norteamericano. vanguardia. [19] La tendencia contemporánea no se opuso a la entrada de las cineastas en el cine de vanguardia aunque, en sus primeros años, no recibieron tanta aclamación crítica como sus homólogos masculinos. [2]
Shirley Clarke fue una figura destacada del panorama cinematográfico independiente estadounidense en Nueva York en los años cincuenta. [20] Su trabajo es inusual, en la medida en que dirigió destacados largometrajes y largometrajes experimentales, así como documentales. Joyce Wieland fue una cineasta experimental canadiense . La Junta Nacional de Cine de Canadá permitió a muchas mujeres producir películas de animación no comerciales. En Europa, artistas como Valie Export estuvieron entre las primeras en explorar el potencial artístico y político de los vídeos . Sus obras de arte generaron controversia debido a sus cualidades sexuales y feministas. [21]
A finales de los años sesenta, cuando comenzó la segunda ola del feminismo , la Nueva Izquierda estaba en su apogeo. Ambos movimientos se opusieron firmemente al "cine dominante", es decir, Hollywood y el cine de autor masculino burgués europeo. Hollywood fue acusado de fomentar la opresión al difundir estereotipos sexistas, racistas e imperialistas. Las mujeres participaron en nuevos colectivos mixtos como Newsreel , pero también formaron sus propios grupos cinematográficos. Las primeras películas feministas a menudo se centraban en experiencias personales. [24]
El feminismo de la segunda ola se revelaría en diferentes formas en las películas de la última parte del siglo XX, como con la idea de "hermandades" en las películas (sin embargo, muchas de estas películas fueron hechas por hombres). [25] Otros conceptos del feminismo de la segunda ola en las películas involucraban la opresión de las mujeres y la dificultad para identificarse con la idea de feminidad. Durante esta época, el feminismo en las películas también sería representado como un contracine [26] mediante el cual los cineastas intentarían deconstruir intencionalmente el modelo del cine clásico. Este estilo de contracine feminista se puede ver en las obras de artistas como Thriller de Sally Potter en 1979.
Resistir la opresión de la sexualidad femenina fue uno de los objetivos centrales del feminismo de la segunda ola . El aborto todavía era muy controvertido en muchas sociedades occidentales y las feministas se oponían al control del Estado y de la Iglesia. La exploración de la sexualidad femenina tomó muchas formas: centrándose en formas de sexualidad censuradas durante mucho tiempo ( lesbianismo , sadomasoquismo ) o mostrando la heterosexualidad desde el punto de vista de una mujer. Liliana Cavani , Birgit Hein , Elfi Mikesch, Nelly Kaplan , Catherine Breillat y Barbara Hammer son algunas de las directoras que serán recordadas.
Una película que se destaca por su retrato empático del trabajo sexual es Working Girls (1986) de Lizzie Borden . Molly, una lesbiana blanca en una relación estable de raza mixta, es una fotógrafa educada en Yale que ha elegido aumentar sus ingresos a través del trabajo sexual en un burdel urbano discreto. Acompañamos a Molly en lo que resulta ser su último día de trabajo, entendiendo sus interacciones profesionales con sus "clientes" a través de su perspectiva, un punto de vista completamente original, ya que, hasta la película de Borden, las trabajadoras sexuales habían sido representadas en gran medida de manera estereotipada. El carácter y la situación comprensivos y completos de la historia humanizan el trabajo sexual, y la película en sí combate la postura antipornografía promocionada por muchas feministas de la segunda ola, que Borden rechaza por considerarla represiva. [27]
Por lo general, las mujeres son retratadas como dependientes de otros personajes, demasiado emocionales y confinadas a trabajos de bajo estatus en comparación con personajes masculinos emprendedores y ambiciosos (Bussey y Bandura, 1999). Las mujeres en el cine están tremendamente tergiversadas y definitivamente infrarrepresentadas. Los papeles que desempeñan los hombres son el de superhéroe, el de rico empresario o el de villano todopoderoso. Cuando se trata de los roles que desempeñan las mujeres, tienden a ser el de ama de casa, la mujer que no puede conseguir un hombre, la puta o la secretaria. La verdadera comparación es masculinidad versus feminidad. La prueba de Bechdel para el cine es un tipo de prueba de fuego que examina la representación de las mujeres en los medios. Los tres factores evaluados son: 1. ¿Hay al menos dos mujeres en la película que tengan nombre? 2. ¿Esas mujeres hablan entre sí? 3. ¿Hablan entre ellos de otra cosa que no sea un hombre? (Sharma y remitente, 2014). Muchos roles que se asignan a las mujeres las hacen dependientes de la contraparte masculina o limitan su rol. Otra característica de su asignación de roles es que las mujeres tienen el doble de probabilidades de desempeñar un rol relacionado con la vida que uno relacionado con el trabajo. Hollywood rara vez elige que las mujeres sean jefas todopoderosas o incluso que tengan una carrera exitosa. Ha habido algunos ejemplos que rompen esta norma, como La propuesta de Anne Fletcher . Incluso en estas dos películas, la contraparte masculina tiene un papel importante y en ambas la protagonista femenina depende de ambos actores para la trama. Las mujeres no se sostienen solas en las películas y rara vez son el centro de atención sin que haya un hombre allí para robarse el protagonismo. Algunos papeles que han sido interpretados en películas recientes han ido en contra de esta norma, como Katniss en Los juegos del hambre y Furiosa en Mad Max: Fury Road (ambas películas están dirigidas por hombres). Estos roles rompen la norma, ya que las mujeres suelen ser retratadas como dependientes de otros personajes, demasiado emocionales y confinadas a trabajos de bajo estatus en comparación con personajes masculinos emprendedores y ambiciosos (Bussey y Bandura, 1999). Las mujeres en el cine están tremendamente tergiversadas y subrepresentadas. [28]
Muchas mujeres temen incluso ingresar a la industria cinematográfica, y mucho menos producir múltiples trabajos en la industria. Se dice que tanto los trabajadores como las trabajadoras creen que contratar mujeres en la industria es un gran riesgo o un gran riesgo. [29] Hay muchos actos discriminatorios hacia las mujeres durante el proceso de contratación en la industria, como la discriminación por edad y el otorgamiento de salarios más bajos. [29] La mayoría de las trabajadoras en la industria cinematográfica solo se convierten en trabajadoras independientes, lo que en la mayoría de los casos les impide crear carreras y ganarse la vida con su pasión por el cine. [30] Estas son las tácticas de miedo implementadas, ya sea a propósito o no, para impedir que las mujeres prosperen en la industria cinematográfica.
Sin embargo, hay mucha más discriminación de género hacia las mujeres después de que reciben el trabajo y realmente comienzan a ayudar y/o producir trabajo. Las estadísticas muestran que no hay muchas mujeres en puestos directivos en la industria. [30] En comparación con el número de mujeres contratadas, se muestra claramente que a las mujeres no se les da la oportunidad de conservar sus puestos de trabajo durante largos períodos de tiempo. "Sin embargo, es notable que las mujeres perdieron sus empleos a un ritmo seis veces mayor que el de los hombres, lo que indica la particular y mayor vulnerabilidad de las mujeres en la industria". [30] Las mujeres no son promovidas a puestos más altos con tanta frecuencia como sus homólogos masculinos y ni siquiera se les da la oportunidad de permanecer el tiempo suficiente para conseguir un ascenso. Estos son múltiples problemas que ocurren durante el proceso de contratación e incluso las experiencias posteriores a la contratación de las mujeres que pueden hacer que otras mujeres teman ingresar a la industria en primer lugar.
La forma en que se trata a las mujeres en el lugar de trabajo también es una prueba de las desigualdades que sufren en la industria cinematográfica. Las tasas salariales y las expectativas de las mujeres en cuanto a su formación/experiencia en el cine son muy diferentes a las de los trabajadores masculinos. Hay muchos escenarios en la industria que muestran a la mujer con más calificaciones para el trabajo que el hombre, pero gana menos dinero por el mismo trabajo que el hombre. [31] "Vale la pena señalar que las mujeres en este campo están significativamente mejor calificadas que sus homólogos masculinos, con una mayor proporción de graduados y una diferencia aún más significativa en el número de mujeres, en comparación con los hombres, con títulos superiores (Skillset, 2010a: 6)." [30] Incluso las mujeres que están sobrecualificadas son tratadas como si no lo estuvieran, lo que las obliga a trabajar más duro para mejorar y ser recompensadas como sus homólogos masculinos. [31] Todas estas desigualdades y discriminación hacia las mujeres en la industria cinematográfica crean el temor de que las mujeres incluso quieran ingresar a la industria.
Un estudio realizado por USC Annenberg investigó lo que significaba ser mujer en la industria cinematográfica, sin importar si trabajaban detrás de escena o eran personajes de ficción. USC Annenberg analizó dos grupos de prueba de películas, las 100 mejores películas de cada año entre 2007 y 2015 y las 100 mejores películas de 2015.
De las 100 películas principales de 2015, las mujeres fueron protagonistas y coprotagonistas en 32 de ellas, mientras que de las 32 películas, solo 3 incluían una raza distinta a la caucásica. De los miles de papeles hablados, sólo 32 personajes eran LGBT y de esos personajes, el 40% eran racialmente diversos. Los personajes femeninos también tenían tres veces más probabilidades de ser vistos en un contexto sexual. [32]
Detrás de escena había estadísticas similares a las de los personajes femeninos de ficción. Las directoras, escritoras y productoras representaron el 19% de las 1.365 personas que se necesitaron para crear las 100 mejores películas en 2015. El porcentaje de escritoras (11,8%) y productoras (22%) puede considerarse alto en comparación con las mujeres. directores (7,5%). Del 7,5% de directoras, tres de ellas eran afroamericanas y una asiática. [32]
De las 100 mejores películas de cada año desde 2007 hasta 2015, de las 800 películas, el 4,1% fueron dirigidas por mujeres. [32]
Si bien todavía existe una brecha entre el porcentaje de cineastas hombres y mujeres, las mujeres tienden a participar más en películas documentales. Hay un mayor porcentaje de mujeres dirigiendo documentales que de mujeres dirigiendo películas narrativas. [33] Llegó un punto en el que las directoras apenas eran notadas o no reconocidas en absoluto.
En el mundo del cine, a muchas cineastas no se les presta mucha atención ni oportunidades de mostrar de lo que son capaces. Este tema aún se debate, pero varios activistas pretenden cambiar y superar este tipo de desigualdad. Estos activistas pretenden concienciar y producir un cambio social a lo que se muestra actualmente en los medios. Durante la década de 1990, surgieron muchas películas que presentaban a cineastas de diferentes nacionalidades y grupos raciales. [34] Por ejemplo, una de las películas estrenadas ese año se llama Sisters in Cinema [35] dirigida por Yvonne Welbon . Este documental tenía como objetivo demostrar cómo las directoras afroamericanas inspeccionan su lugar actual en el negocio. Al darles a estas directoras de cine la oportunidad de mostrar su trabajo y demostrar sus acciones, los documentales feministas serán tan importantes como cualquier otro documental. No sólo esto, sino que muchos documentales tienden a mostrar a diferentes activistas sociales que aspiran a un cambio social creando conciencia y reforzando a las directoras de cine.
El Centro de Estudios de la Mujer en la Televisión y el Cine ha dedicado 18 años al estudio de la mujer en la industria cinematográfica. Se crea un informe anual que analiza cómo las mujeres han contribuido como cineastas. La mayoría de los hallazgos de la investigación muestran que, estadísticamente, dice lo mismo de año en año. [36] Las películas con mayores ganancias de los últimos 20 años, con excepción de las películas extranjeras y sus reediciones, han sido monitoreadas y estudiadas por Celluloid Roof para proporcionar información sobre las contribuciones y el empleo de las mujeres en estas películas. [37] Según el Centro para el Estudio de las Mujeres en la Televisión y el Cine de la Universidad Estatal de San Diego, en 2017, "las mujeres constituían el 18% de todos los directores, escritores, productores, productores ejecutivos, editores y directores de fotografía que trabajaban en la cima". 250 películas de recaudación nacional." [37] El mismo estudio concluyó que en 2017, a 10 o más mujeres se les asignó uno de estos puestos en el 1% de las películas, en comparación con 10 o más hombres contratados para estos trabajos en el 70% de las películas. [37] La información de Celluloid Roof muestra que más mujeres tienden a trabajar en proyectos cinematográficos dirigidos por mujeres. [37] Según el Duke Journal of Gender Law and Policy, "en películas con al menos una directora, las mujeres constituían el 53% de los escritores. Por el contrario, en películas con directores hombres, las mujeres constituían sólo el 10% de los escritores". [38] Estadísticamente, las directoras generalmente crean películas sobre y para mujeres, y contratan mujeres para que asuman los papeles de personajes principales o protagonistas. [38] El Duke Journal of Gender Law and Policy encontró además que "en 2015, las mujeres constituían solo el 22% de los protagonistas y el 18% de los antagonistas. Solo el 34% de los personajes principales y el 33% de todos los personajes parlantes entre los 100 personajes con mayor recaudación nacional Las películas eran mujeres." [38]
El grupo también contribuye con su tiempo a la creación de artículos que analizan cómo se ve a las mujeres en el cine, no sólo como cineastas sino también como personajes de ficción. [36]
Mary Harron es una famosa directora de Canadá que trabaja activamente en Hollywood. Obtuvo reconocimiento por primera vez con la película I Shot Andy Warhol , que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1996 . También dirigió American Psycho (2000) y The Notorious Bettie Page (2005).
Joyce Wieland es una notable cineasta experimental y artista de medios mixtos canadiense. Estuvo activa desde la década de 1950 hasta la de 1980 como cineasta. En los últimos años, la actriz convertida en cineasta Sarah Polley ha realizado varias películas notables. En 2022, escribió y dirigió la película Women Talking , basada en la novela homónima de 2018 de Miriam Toews , por la que ganó el Premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado . [39]
En la era del cine mudo, las mujeres estadounidenses estaban muy involucradas en el cine en todas las ocupaciones.
Helen Gardner fue la primera actriz de cine, hombre o mujer, en formar su propia productora, "The Helen Gardner Picture Players". El primer largometraje de la compañía fue la película Cleopatra de 1912 , que ella produjo y protagonizó.
La directora estadounidense Lois Weber es una de las directoras y productoras de cine más prolíficas de la era del cine mudo. [9] Weber es conocida por sus películas Hypocrites (1915), The Blot (1921) y Suspense (1913).
Mabel Normand fue otra de las primeras cineastas notables. Comenzó como actriz y se convirtió en productora y directora en la década de 1910. [12] A finales de la década de 1910 y principios de la de 1920, tenía su propio estudio de cine y compañía de producción. [13] Otras actrices notables que se convirtieron en directoras incluyen a Grace Cunard y Nell Shipman .
Dorothy Arzner fue una de las pocas mujeres en puestos ejecutivos que tuvo éxito desde la década de 1920 hasta la de 1940 en Hollywood. Desde 1927 hasta 1943, Arzner fue la única directora que trabajó en Hollywood. [14]
La primera mujer en dirigir un cine negro, Ida Lupino , es ampliamente considerada como la cineasta más destacada que trabajó en la década de 1950 durante el sistema de estudios de Hollywood. Además de dirigir, también fue actriz.
La cineasta estadounidense nacida en Ucrania Maya Deren dirigió innovadoras películas experimentales y de vanguardia en la década de 1940, incluida Meshes of the Afternoon (1943). [19]
Shirley Clarke fue una cineasta independiente importante e innovadora que rodó tres largometrajes en la década de 1960: The Connection (1961), The Cool World (1964) y Portrait of Jason (1967).
La película Wanda de Barbara Loden de 1970 es uno de los retratos más conmovedores de la alienación en el cine. [24]
Joyce Chopra alcanzó el éxito como directora de documentales y largometrajes en las décadas de 1970 y 1980. Su película Smooth Talk ganó el Gran Premio del Jurado en la categoría Dramática en el Festival de Sundance de 1986. También colaboró con la directora Claudia Weill en su documental Joyce a los 34 , que documentó su parto. [40]
La película de 1978 Girlfriends, aclamada por la crítica, de Claudia Weill, es un punto culminante del cine femenino de los años 70. En 2019, la película fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". Debido al acoso sexual en el lugar de trabajo por parte del productor Ray Stark en el set de su siguiente película It's My Turn (1980), Weill dejó de hacer largometrajes. [40]
Elaine May , Joan Darling , Joan Tewkesbury , Joan Micklin Silver , Karen Arthur y Martha Coolidge son otras directoras de cine notables de los años 70.
Barbra Streisand , mejor conocida como actriz y cantante, dirigió la película Yentl en 1983, convirtiéndose así en la primera mujer en escribir, producir, dirigir y protagonizar una película de un importante estudio. Fue la primera mujer en ganar el Globo de Oro al Mejor Director en 1983.
La directora de cine Julie Dash logró un gran éxito comercial y de crítica con su exitosa película de 1991 Daughters of the Dust , que ganó un premio en el Festival de Cine de Sundance. En 2004, la película fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".
Kathryn Bigelow trabaja en géneros tradicionalmente dominados por hombres como la ciencia ficción, la acción y el terror. Su debut como directora fue el drama de motociclistas de 1981 The Loveless . Se convirtió en la primera mujer en ganar un Premio de la Academia al Mejor Director y el Premio del Sindicato de Directores de América en 2010 por The Hurt Locker . [1] [41] En 2013, su película Zero Dark Thirty fue recibida con elogios universales [42] y recaudó 95 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos. [43] Bigelow pasó a ser nominado a Mejor Director en los Premios BAFTA , los Premios Globo de Oro y el Premio del Sindicato de Directores de América, entre otros. Sin embargo, no logró ser preseleccionada para la categoría en la 85ª edición de los Premios de la Academia, en lo que fue ampliamente visto como un desaire . [44] [45] [46]
Lizzie Borden es una destacada cineasta feminista de los años 80 que hizo películas sobre temas controvertidos, incluido el trabajo sexual. Algunas de sus películas notables incluyen Born in Flames (1983) y Working Girls (1986).
En la década de 2000, las películas dirigidas por mujeres realizadas en Hollywood comenzaron a ganar más dinero que nunca, y las películas más taquilleras obtuvieron 100 millones o incluso hasta mil millones de dólares brutos.
Anne Fletcher ha dirigido siete películas financiadas por el estudio: Step Up (2006), 27 Dresses (2008), The Proposal (2009) , The Guilt Trip (2012), Hot Pursuit (2015), Dumplin' (2018) y Hocus Pocus 2. (2022), que recaudó más de 343 millones de dólares en la taquilla de EE. UU. y 632 millones de dólares en todo el mundo. [47]
Las películas de Catherine Hardwicke han recaudado un total acumulado de 551,8 millones de dólares. [48] Sus películas más exitosas son Crepúsculo (2008) y Caperucita Roja (2011).
Nancy Meyers ha disfrutado del éxito con sus cinco largometrajes: The Parent Trap (1998), What Women Want (2000), Something's Gotta Give (2003), The Holiday (2006) y It's Complicated (2009), que han recaudado 1.157 millones de dólares en todo el mundo. [49] Antes de comenzar su carrera como directora, escribió otras películas de éxito como Private Benjamin (1980), por la que fue nominada al Oscar al mejor guión original , Baby Boom (1987) o Father of the Bride (1991).
Sofia Coppola es una directora aclamada por la crítica que también ha tenido éxito financiero. Su primera película como directora, Lost in Translation (2003), recaudó más de 119 millones de dólares. También tuvieron éxito Las vírgenes suicidas (1999), María Antonieta (2006) y The Bling Ring (2013). En el Festival de Cine de Cannes de 2017, Sophia Coppola ganó el premio a Mejor Directora por su trabajo en la película dramática The Beguiled , convirtiéndose en la segunda mujer en la historia del festival en ganar el premio. Su sobrina Gia Coppola también es una destacada cineasta.
Ava DuVernay es la directora de la aclamada Selma (2014), así como la primera mujer afroamericana en dirigir una película con un presupuesto de tres dígitos, A Wrinkle in Time (2018).
Otra destacada directora moderna, Greta Gerwig , ha dirigido dos películas, Lady Bird (2017) y Mujercitas (2019), ambas nominadas al Premio de la Academia a la Mejor Película. Su tercera película, Barbie (2023), tuvo el mayor fin de semana de estreno para una directora con 162 millones de dólares en taquilla.
Jennifer Lee , directora de los grandes éxitos Frozen y Frozen II , es la primera directora de un largometraje de Walt Disney Animation Studios y la primera directora de un largometraje que recaudó más de mil millones de dólares en ingresos brutos de taquilla.
Chloe Zhao es una directora de cine nacida en China, mejor conocida por su trabajo en Hollywood. Zhao se convirtió en la primera mujer asiática, la primera mujer de color y la segunda mujer en ganar el premio al Mejor Director por su película Nomadland de 2020 . En 2021 dirigió la película de superhéroes Eternals . Se mudó a Los Ángeles desde Beijing cuando era adolescente. Su trabajo está fuertemente censurado en China.
Las directoras de cine más taquilleras cuyas películas han recaudado más de 180 millones de dólares incluyen a Nancy Meyers , Elizabeth Banks , Catherine Hardwicke , Betty Thomas , Brenda Chapman , Vicky Jenson , Jennifer Lee , Patty Jenkins , Anna Boden ; todas ellas son cineastas estadounidenses de Hollywood. [50]
Daughters of the Dust (1991) de Julie Dash fue el primer largometraje de estreno general en cines escrito y dirigido por una mujer afroamericana . Desde entonces han sido varias las mujeres africanas o afroamericanas que han escrito, producido o dirigido películas de estreno nacional. Neema Barnette ( Civil Brand ), Maya Angelou ( Down in the Delta ), Kasi Lemmons ( Eve's Bayou ), Cheryl Dunye ( My Baby's Daddy ), Stephanie Allain ( Motor Boyz ), Tracey Edmonds ( Soul Food ), Frances-Anne Solomon ( A Winter Tale ) y Dianne Houston ( City of Angels ), Leslie Harris ( Just Another Girl on the IRT ) se encuentran entre estos cineastas. En 1994, Darnell Martin se convirtió en la primera mujer afroamericana en escribir y dirigir una película producida por un importante estudio cuando Columbia Pictures respaldó I Like It Like That . [51]
Hasta la fecha, Nnegest Likké es la primera mujer afroamericana que escribe, dirige y actúa en un largometraje estrenado por un importante estudio, Phat Girlz (2006), protagonizado por Jimmy Jean-Louis y Mo'Nique .
Para una descripción mucho más completa de la historia más amplia de las cineastas negras, consulte el documental de 62 minutos de Yvonne Welbon Sisters in Cinema (2003). [52]
Además, desde el inicio revolucionario del cine, las cineastas negras han luchado continuamente y todavía luchan por mostrar su trabajo en largometrajes en Hollywood. [53] Sin embargo, eso no excluye el hecho de que hubo varias cineastas negras que brillaron durante su época debido a su fenomenal trabajo detrás de escena. [53] Jessie Maple es considerada una de las figuras más reconocidas por los derechos civiles de la comunidad afroamericana y las mujeres de color dentro de la industria cinematográfica. [53] Su carrera cinematográfica despegó cuando trabajó por primera vez como editora de películas para la película de drama criminal Shaft's Big Score (1972) y The Super Cops (1974), que se basó en un libro. Continuó trabajando como editora de películas durante varios años, pero finalmente se convirtió en la única camarógrafo sindical negra en su estancia en Nueva York. [53] Con su devota pasión por el cine y el activismo creciendo día a día, Maple y su esposo, Leroy Patton, crearon LJ Film Productions, Inc. y cuando estaban a punto de producir varios documentales cortos dentro de la frontera y el contexto de la representación negra, como como poder económico negro: ¿realidad o fantasía? (1977). [53] Sus dos obras principales, Will (1988) y Twice as Nice (1988), fueron los primeros largometrajes independientes creados y dirigidos exclusivamente por una mujer afroamericana. [53]
Alile Sharon Larkin es conocida como directora de cine, productora y escritora. Comenzó su carrera cinematográfica mientras obtenía su maestría en producción de cine y televisión en UCLA. [53] Una de sus primeras películas llamada Tus hijos vuelven a ti (1979) describe el dilema actual que enfrenta una joven afroamericana al elegir entre el deseo de su tía de adoptar un estilo de vida europeo mientras su madre está estrictamente intacta con su familia africana. raíces y cultura. [53] El segundo largometraje de Larkin, A Different Image (1982), obtuvo su reconocimiento y elogios populares y, finalmente, ganó un primer premio de la Black American Cinema Society . [53] Su continuo éxito en la industria cinematográfica le dio el potencial y la oportunidad de formar su propio estudio de producción para crear y mejorar videos educativos y televisión para niños pequeños. [53] Dreadlocks and the Three Bears (1992) y Mz Medusa (1998) son algunas de las producciones realizadas en su estudio durante la década de 1990. [53]
La periodista camerunesa Thérèse Sita-Bella dirigió un documental en 1963, Tam-Tam à Paris , y Sarah Maldoror , una cineasta francesa de ascendencia guadalupeña, rodó el largometraje Sambizanga en Angola en 1972. Pero la primera directora de cine africana en ganar internacionalidad El reconocimiento fue para la etnóloga senegalesa Safi Faye con una película sobre el pueblo en el que nació ( Carta del pueblo , 1975). El Festival Internacional de Cine de Mujeres de Créteil de 1989 incluyó cortometrajes de Leonie Yangba Zowe de la República Centroafricana ( Yangba-Bola y Lengue , 1985) y Flora M'mbugu-Schelling de Tanzania . [54] Otras cineastas africanas incluyen a Anne Mungai , Fanta Régina Nacro ( La noche de la verdad , 2004), Tsitsi Dangarembga ( El día de la madre , 2004) y Marguerite Abouet , una escritora de novelas gráficas de Costa de Marfil que codirigió una película animada basada en su novela gráfica: Aya de Yopougon (2012). La película más exitosa de la historia de Nollywood , The Wedding Party , fue dirigida por Kemi Adetiba en 2016.
La camerunesa-belga Rosine Mbakam, que dirigió dos largometrajes documentales, Las dos caras de una mujer Bamiléké (2016) y Chez Jolie Coiffure (2018), ha sido descrita como "una de las cineastas creativas de no ficción más destacadas en activo en este momento". [55]
La industria cinematográfica india ha sido un éxito continuo desde el inicio revolucionario de sus musicales y dramas familiares románticos. La mayoría de estas películas populares de "Masala" suelen estar dirigidas por hombres. [56] Los papeles femeninos en la industria cinematográfica se restringían únicamente a actuar, cantar y bailar. Sin embargo, recientemente las mujeres han dado un paso adelante y han asumido el liderazgo como directoras exitosas, produciendo películas que giran principalmente en torno a cuestiones femeninas dentro de la sociedad. [56] Como la mayoría de las mujeres en todo el mundo, las mujeres en la India han estado luchando por demostrar su punto. [56] Las películas realizadas por mujeres generalmente se clasificaban como películas de arte o películas del cine paralelo. Las cineastas indias no podían tener pleno acceso a fondos y publicidad cinematográfica como lo tenían los cineastas. [56] El cine convencional en la India consiste básicamente en las " Películas Masala ", que incluyen varios géneros como comedia, acción, venganza, tragedia y romance combinados para crear una película completa. [56] Las mujeres enfrentan continuamente dificultades al intentar conseguir una fracción de los millones de dólares gastados en estas películas masala. [56] Esto obliga a las mujeres a alejarse del género masala para obtener cierto reconocimiento, lo que a menudo puede causar controversias y generar sospechas. [56]
Varias cineastas indias de renombre han logrado un éxito comercial asombroso con sus películas, entre ellas Mira Nair (activa en Estados Unidos), Aparna Sen , Deepa Mehta (activa en Canadá), Gurinder Chadha (activa en el Reino Unido) y Manju Borah. . Sin embargo, hay otras cineastas indias que han realizado películas notables que van más allá del simple entretenimiento; aprovechan su plataforma para abordar una variedad de cuestiones sociales y políticas. [57] Otras cineastas indias notables incluyen a Vijaya Nirmala , Nisha Ganatra , Sonali Gulati , Indu Krishnan, Eisha Marjara , Pratibha PJaaparmar , Nandini Sikand, Ish Amitoj Kaur , Harpreet Kaur , Leena Manimekalai y Shashwati Talukdar , Rima Das .
Deepa Mehta es una cineasta transnacional cuyo trabajo cinematográfico es reconocido internacionalmente al más alto nivel. Desde 1973 trabaja principalmente en Canadá. Sus películas conmovedoras se han proyectado en casi todos los festivales de cine importantes. [58] Produjo la película Heaven on Earth , en 2008, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto . Desde su estreno, la película se ha convertido en una herramienta útil para los profesionales que se especializan en ayudar a mujeres maltratadas, analizando específicamente las circunstancias de las mujeres inmigrantes en entornos abusivos, ya que se ha proyectado en conferencias de abogados de la Corona, jueces y trabajadores de la salud para para ayudarles a comprender mejor la situación de estas mujeres. [57] Fire es la historia de dos cuñadas que van en contra de sus tradiciones y cultura con el objetivo de comenzar una nueva vida juntas. [56] Cuando la película se proyectó por primera vez en Bombay, provocó una reacción violenta por parte de algunos partidos políticos como el Shiv Sena . [56] La mayoría de los cines dejaron de proyectar la película debido a los violentos ataques de la turba que causaron graves daños a la sala del teatro y a la propiedad. [56] Los atacantes no querían que se proyectara la película porque iba en contra de sus creencias y constituía una violación de la "cultura india". [56] La sociedad india todavía no está preparada para comprender y aceptar las relaciones de gays y lesbianas en su comunidad. Por otro lado, hay quienes elogiaron la película de Mehta por mostrar los problemas sociales que enfrentaba la India.
Algunas de sus otras obras conocidas incluyen su trilogía elemental: Tierra (1996), Fuego (1998), Agua (2005), donde los valores masculinos dominantes y las prácticas de opresión y explotación de las mujeres se desafían en esta convincente serie de tres partes. [59] La película Earth (1998) de Mehta se inspiró en " Cracking India " de Bapsi Sidhwa , que era una historia que giraba en torno a la partición India-Pakistán de 1947 y tuvo un resultado exitoso. [56] Mehta comenzó a trabajar en su última película, Water (2005) , en su trilogía. La película se desarrolló en la década de 1930, cuando la India luchaba por la independencia contra el dominio colonial británico. [56] La película retrata a un grupo de viudas que luchan contra la pobreza en la ciudad de Varanasi . [56] También analiza la dinámica entre una de las viudas, que aspira a estar libre de las restricciones sociales impuestas a las viudas y un hombre que pertenece a una clase social más baja y es seguidor de Mahatma Gandhi. [56] Se destacan cuestiones sociales feministas, como el maltrato a las viudas, la misoginia religiosa y las novias infantiles en las zonas rurales de la India. [57] Mehta se vio obligado a detener la producción de la película debido al partido político de extremistas hindúes en relación con el Partido Bharatiya Janatha (BJP), respondió afirmando que la película empaña la imagen de la India y estaba asociada en la organización del intento de rebelión de la iglesia cristiana. contra el hinduismo . [56] Recibió una nominación al Oscar por Agua en 2007. [60] Otras películas notables suyas son Bollywood/Hollywood (2002) y la adaptación de Midnight's Children (2012). [58]
Mira Nair , una consumada cineasta india, ha escrito, producido y dirigido una gran cantidad de documentales. Su capacidad única para provocar a los espectadores occidentales y no occidentales de diversas maneras la ha llevado a ser vista como una cineasta no tradicional que no teme crear controversia a través de su trabajo. [61] Tan lejos de la India (1983) describió la historia de un joven inmigrante indio que trabaja en la ciudad de Nueva York y su desgarradora experiencia de aculturación. Mientras lidia con sus nuevas luchas en Estados Unidos, también tiene que preocuparse por su esposa embarazada en casa. [61] India Cabaret (1986), es una película de estilo documental que daba voz a strippers o bailarinas de cabaret en Mumbai . [61] Más allá de estos impresionantes trabajos, también tiene una lista de largometrajes en su haber; su primer largometraje, Salaam Bombay! (1988), que detalla la devastación urbana creada por la prostitución y la pobreza, fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1988, ganó el Prix du Publique a la película más popular en el Festival de Cine de Cannes , la Cámara de Oro por mejor ópera prima, además de otros 25 premios internacionales. [62]
La mayoría de las cineastas de la India intentan cambiar la industria cinematográfica incorporando cuestiones sociales reales, en lugar de las películas masala convencionales por las que la India es conocida. [56] Daman (2001) está dirigida por Lajma, quien decidió abordar un tema único pero distinto al crear conciencia sobre la violación conyugal. [56] La actriz principal ganó un premio por su destacada interpretación cruda que revivió películas indias que intentan crear conciencia sobre un problema social grave. [56]
La periodista y directora Jocelyne Saab es considerada una pionera del cine libanés. Comenzó su carrera en la década de 1970. Dirigió películas tanto documentales como de ficción.
Heiny Srour fue la primera cineasta árabe cuya película, The Hour of Liberation Has Arrived , se proyectó en el Festival de Cine de Cannes en 1974.
Danielle Arbid es una cineasta libanesa-francesa cuyo trabajo se proyectó en el Festival de Cine de Cannes. Su debut cinematográfico fue In the Battlefields (2004).
Nadine Labaki es una destacada directora de cine libanesa. Su primer largometraje Caramel se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2007.
Noura Kevorkian es una escritora, directora y productora armenia-libanesa-siria. Nació en Alepo, Siria, pero creció en el Líbano y es ciudadana libanesa. Estudió Finanzas, Estudios de Oriente Próximo y Medio y Cine en la Universidad de Toronto en Canadá. Kevorkian es un cineasta especializado en géneros documentales y narrativos para cine y televisión. Su reciente película BATATA ganó un Premio Peabody, ganó el Mejor Largometraje Documental (un Tanit d'Or que califica para el Oscar) en el Festival de Cine de Cartago, el Premio de Derechos Humanos en el Festival de Cine de Cartago, el Premio de Amnistía en el Festival Internacional de Cine de Durban, el Premio del Público TOP 10 de Películas Favoritas en Hot Docs, y obtuvo tres nominaciones en los Canadian Screen Awards 2023.
Haifa Al-Mansour es la primera cineasta saudí y está considerada la creadora de cine más controvertida del país, especialmente después de su icónica película que generó revuelo, Wadjda (2012). [63] Completó sus estudios universitarios en la Universidad Americana de El Cairo y luego continuó con su maestría en producción cinematográfica de la Universidad de Sydney en Australia. [63] Uno de sus tres cortometrajes exitosos, Mujeres sin sombras, inspiró a cientos de cineastas sauditas en levantamiento y también planteó preguntas sobre la cuestión de la apertura pública de cines en Arabia Saudita. [63] Sus películas han sido celebradas y criticadas debido al hecho de que su trabajo aborda temas sociales serios con los que los sauditas están luchando con respecto a su cultura y tradiciones conservadoras. [64]
En Wadjda , el personaje principal, Waad Mohammed, decide ir en contra de las normas sociales impuestas a una niña de diez años en el reino. Se convierte en una marginada por la bicicleta que anda en público. [64] Sin embargo, la película termina con una nota ligera e inspiradora que libera a Wadjda de todas las limitaciones sociales que se le imponen. Haifa al Mansour refleja una parte de la sociedad saudita que se niega a aceptar la sumisa forma de vida tradicional. [64] Sin embargo, Wadjda promueve una cantidad de libertad para los derechos de las mujeres que necesita más que un cambio de la noche a la mañana en una cultura tan conservadora y restringida. [64]
En Japón, durante mucho tiempo, Kinuyo Tanaka fue la única mujer que realizó largometrajes. Como directora estuvo activa en los años 1950 y 1960. Pudo hacer esto contra una feroz resistencia porque disfrutaba del estatus de actriz estrella.
Actualmente, la cineasta más conocida de Japón quizá sea Naomi Kawase ; En 2007 ganó el Gran Premio de Cannes , mientras que en 2006 se estrenó Memorias de una higuera , el debut como directora de la conocida actriz Kaori Momoi . La película de aventuras sociocríticas K-20: La leyenda de la máscara de Shimako Sato fue su gran avance. en cine de mayor presupuesto; Fue protagonizada por Takeshi Kaneshiro y se estrenó en todo el mundo.
De manera similar, en Corea del Sur , Yim Soon-rye consiguió un éxito de taquilla con Forever the Moment (2008), mientras que So Yong Kim llamó la atención por su película In Between Days (2006) y Lee Suk-Gyung hizo la película con temática femenina. y sutilmente feminista El día después .
Una de las cineastas chinas de quinta generación importantes es Ning Ying, quien ganó varios premios por sus películas; Ning Ying ha realizado pequeñas películas independientes con temas fuertemente vinculados a la vida cotidiana china, siendo por tanto también un vínculo entre la quinta y la sexta generación. La Sexta Generación ha visto un número creciente de mujeres cineastas como Liu Jiayin , mejor conocida por su película Oxhide , y Xiaolu Guo ; En 2001, Li Yu dirigió la primera película china que retrataba abiertamente una relación lésbica, Pez y Elefante .
La famosa cineasta de Hong Kong Ann Hui ha realizado una amplia gama de películas que van desde el género wuxia hasta el drama; Ivy Ho y la taiwanesa Sylvia Chang también son nombres conocidos en la industria de Hong Kong, mientras que en Taiwán el cineasta queer Zero Chou ha sido aclamado en festivales de todo el mundo.
Lindan Hu ha documentado el resurgimiento post- Mao del deseo femenino en el cine femenino de la década de 1980 en China continental. Las películas que Hu considera son Enfermera del ejército, dirigida por Hu Mei, y Mujeres en la larga marcha, dirigida por Liu Miaomiao . [sesenta y cinco]
Chloe Zhao es una cineasta china ganadora del Premio de la Academia que actualmente trabaja en Hollywood. Es mejor conocida por su película Nomadland de 2020 . Se mudó a Los Ángeles desde Beijing cuando era adolescente. Su trabajo está fuertemente censurado en China.
Yasmin Ahmad (1958-2009) es considerada una de las directoras más importantes de Malasia ; Originalmente directora comercial, pasó al cine relativamente tarde y obtuvo reconocimiento internacional al mismo tiempo que generó controversia entre los conservadores de su país de origen.
En Pakistán, donde la industria cinematográfica no es muy grande, trabajan algunos directores destacados. La industria cinematográfica convencional tiene directoras como Sangeeta y Shamim Ara que hacen películas con temas feministas. Especialmente para crédito de Sangeeta hay algunas películas basadas en temas. Ahora algunos nuevos directores de la industria televisiva también se están acercando al cine. Sabiha Sumar y Mehreen Jabbar son dos nuevos nombres del cine en Pakistán. Ambos directores han realizado películas que no solo se basan en temas que abordan cuestiones nacionales, sino que también han ganado premios internacionales en diferentes festivales de cine.
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Rakhshan Bani-Etemad , escritora y directora, es probablemente la cineasta más conocida y ciertamente más prolífica de Irán. Se ha consolidado como la mayor estadista del cine iraní con documentales y películas que tratan sobre la patología social. El poeta iraní contemporáneo Forugh Farrokhzad (1935-1967) también fue cineasta. Su película más conocida es La casa es negra (Khane siah ast, 1962), un documental sobre una colonia de leprosos en el norte de Irán. Samira Makhmalbaf dirigió su primera película, The Apple, cuando sólo tenía 17 años y ganó el Premio del Jurado de Cannes en 2000 por su siguiente película, The Blackboard . Su madrastra Marzieh Meshkini hizo "El día que me convertí en mujer" y la hermana de Samira, Hana Makhmalbaf, comenzó su carrera con "La alegría de la locura", un documental detrás de escena sobre la película de Samira " A las cinco de la tarde ", y posteriormente ha Hizo dos largometrajes, Buddha Collapsed out of Shame y "Green Days", una película sobre la Revolución Verde que fue prohibida en Irán.
Rukmani Devi y Florida Jayalath fueron figuras innovadoras en los primeros días del cine de Sri Lanka, pasando de actrices aclamadas a productores y directores pioneros [66] [67] Rukmani Devi protagonizó notablemente la película sonora inaugural de Sri Lanka, " Kadawunu Poronduwa " (1947) , mientras que Florida Jayalath comenzó su andadura como actriz con "Sengawunu Pilitura" (1951) antes de incursionar en el cine. Siguiendo su ejemplo, la veterana actriz Ruby de Mel se aventuró a dirigir y producir con su primera película, "Pipena Kumudu" (1967), [68] [69] y Rohini Jayakody dirigió su primer largometraje, "Hangi Hora" (1968). [70] A pesar de sus incursiones iniciales en el cine, más tarde regresaron a sus carreras como actores, absteniéndose de participar más en la producción cinematográfica. [71]
Sumitra Peries es una directora de cine veterana del cine de Sri Lanka y es la esposa de Lester James Peries . También ocupó el cargo de embajadora de Sri Lanka en Francia, España y las Naciones Unidas a finales de los años noventa.
Inoka Sathyangani es una directora y productora de cine de Sri Lanka de renombre internacional. En el año 2002, recibió numerosos premios por su trabajo inaugural Sulang Kirilli, que trata el tema del aborto. La película obtuvo el mayor número de premios ganados por una sola película en la historia de la industria cinematográfica de Sri Lanka.
Anomma Rajakaruna es una directora de cine de Sri Lanka galardonada. [72] [73] El trabajo de Rajakaruna ha sido reconocido tanto a nivel local como internacional, consolidando su lugar como una figura prominente en el cine de Sri Lanka. [74]
Sumathi Sivamohan es directora de ficción y documentales. [75]
Marta Rodríguez es una documentalista colombiana que estuvo activa en las décadas de 1970 y 1980.
Durante la era del cine mudo de las décadas de 1910 y 1920, varias mujeres en Argentina se convirtieron en cineastas, algo que no sucedería durante décadas después de la llegada del cine sonoro y la consolidación de la industria a principios de los años 1930. [76] Podría decirse que la cineasta argentina más prolífica de la época fue Renée Oro quien, a diferencia de sus pares, se especializó en documentales , un género altamente dominado por hombres. [77] La primera película dirigida por una mujer fue Un romance argentino (1915) de Angélica García de García Mansilla, financiada por la Comisión de Mujeres del Hospital San Fernando de Buenos Aires . [78] Las primeras mujeres cineastas del país surgieron a través de organizaciones filantrópicas , actividad típica de mujeres de clases altas . [79] Estas instituciones exclusivamente femeninas, conocidas como sociedades de beneficencia, promovían festivales en los que, además de proyectar las películas, había números teatrales o musicales. [79] Otras pioneras son Emilia Saleny , Antonieta Capurro de Renauld, Elena Sansinena de Elizalde y María B. de Celestini, entre otras. [78]
La primera mujer directora de cine sonoro en Argentina fue Vlasta Lah , quien dirigió Las furias (1960) y Las modelos (1963). Lah la única mujer cineasta en América Latina durante los años 1960. [80]
Una de las figuras más influyentes en la historia del cine femenino argentino fue María Luisa Bemberg ,. [81] Su debut como directora fue Momentos (1981), a la que siguió Señora de nadie (1982). Una de sus películas más celebradas fue Camila (1984), que fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera , siendo la segunda vez que una película argentina era nominada a este premio. [82]
Lucrecia Martel ha sido descrita como "posiblemente la autora más aclamada por la crítica del cine artístico en español fuera de América Latina". [83] Su película de 2001, La ciénaga, fue votada como la mejor película del cine argentino por un amplio margen en una encuesta de 2022 organizada por las revistas especializadas La vida útil , Taipei y La tierra quema , que se presentó en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. . [84]
Lucía Puenzo es la otra destacada directora argentina contemporánea. Además, María Victoria Menis ha escrito y dirigido varias películas aclamadas por la crítica, entre ellas La cámara oscura (2008) y María y el araña (2013).
El cine brasileño cuenta con varias directoras cuyas obras datan de la década de 1930.
Cléo de Verberena es la primera directora de Brasil. Su debut como directora fue O Mistério do Dominó Preto en 1931.
Carmen Santos produjo una amplia variedad de películas a través de su productora a partir de 1930 y debutó como directora en 1948 con La conspiración de Minas .
Gilda de Abreu dirigió su primera película O Ébrio en 1946.
La era más prolífica de las directoras brasileñas se desarrolla a partir de la década de 1970. Algunos nombres contemporáneos incluyen: Ana Carolina , Betse De Paula, Carla Camurati , Eliane Caffé , Helena Solberg , Lúcia Murat , Sandra Kogut , Suzana Amaral , Anna Muylaert , Petra Costa , Norma Bengell y Tata Amaral .
Las cineastas de América Latina, específicamente México, sufren un absoluto abandono por parte de la industria cinematográfica y la audiencia. [85] Mimí Derba fundó una de las primeras productoras mexicanas, Azteca Films. Tuvo una exitosa carrera en el vodevil antes de ingresar al cine. Derba fue la primera directora en México. Entonces Matilde Landeta fue una cineasta y guionista mexicana, quien fue la primera mujer en desempeñar esos papeles durante la Época de Oro del cine mexicano . Sus películas se centraron en la representación de protagonistas femeninas fuertes y realistas en un mundo patriarcal. Landeta ganó un Premio Ariel en 1957 a la Mejor Historia Original por la película El camino de la vida que coescribió con su hermano Eduardo. La película también ganó el Ariel de Oro de 1957, el Ariel de Plata Película de Mayor Interés Nacional y Mejor Dirección y otros dos premios en 1956 en el Festival Internacional de Cine de Berlín bajo el nombre de Alfonso Corona Blake . [86] En las décadas de 1980 y 1990 las cosas empezaron a dar un giro. Las mujeres cineastas en México finalmente tuvieron la oportunidad de crear y producir largometrajes profesionales. [85] Los dos más populares serían El secreto de Romeila (1988) dirigida por Busi Cortés y Los pasos de Ana (1990) de Marisa Sistach. [85] Estos dos largometrajes fueron considerados las puertas que abrieron oportunidades para las mujeres cineastas en México y crearon un nuevo género con el que la gente no estaba familiarizada, denominado "cine de mujeres". [85] El fenomenal crecimiento del "cine de mujeres" no sólo significó que habría una expansión infinita en la lista de nombres femeninos como cineastas o creadoras; en realidad, creó un género cinematográfico desalentador al cosificar a las mujeres y al mismo tiempo desplazarlas dentro de la industria cinematográfica. [85]
La mayoría de las cineastas en México se reconocen como feministas. La razón principal por la que muchas de ellas se comprometieron a ser cineastas fue representar historias de mujeres en su esencia original y verdadera, así como esforzarse en readaptar los roles femeninos en la pantalla mexicana. [85] Según Patricia Torres San Martín, honorable estudiosa del cine, está surgiendo un nuevo tema dentro de la industria cinematográfica en México que se conoce como la "nueva identidad femenina". [85] Este nuevo cambio estructural en el cine creó un cambio cultural geográfico en México debido al nuevo concepto revelador que surgió en la industria cinematográfica. [85] Uno de los primeros cortometrajes de María Novaro (una obra escolar: Una isla rodeada de agua , 1984) fue adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York para su colección permanente de películas y fue distribuido en Estados Unidos por Women Make Movies. . Su película El Jardín del Edén de 1994 le valió una segunda nominación al Premio Ariel a la Mejor Película, la primera para una mujer en México. En el Jardín del Edén, tres mujeres muy diferentes se encuentran en la ciudad fronteriza entre México y Estados Unidos de Tijuana, cada una con su propio objetivo. Las mujeres: la artista en apuros Elizabeth (Rosario Sagrav), Jane ( Renée Coleman ), que busca a su hermano, y Serena ( Gabriela Roel ), una viuda que acaba de llegar a la ciudad con su familia a cuestas. Aunque el trío proviene de diferentes orígenes culturales (Serena es mexicana, Jane es estadounidense y Elizabeth es mexicano-estadounidense), los tres también buscan una nueva dirección.
Mariana Chenillo se convirtió en la primera directora en ganar un Premio Ariel a la Mejor Película allá por 2010 por la película Nora's Will . El Ariel es el Premio de la Academia Mexicana de Cine. En cine, se considera el equivalente mexicano a los Premios de la Academia (“Oscar”) de Estados Unidos. La trama de la película gira en torno a una misteriosa fotografía dejada debajo de una cama que conduce a un desenlace inesperado. Issa López escribió los guiones de varios largometrajes cinematográficos, tres de ellos producidos en México por los Major Hollywood Studios, y dos de ellos dirigidos por ella misma; Efectos Secundarios ( Warner Bros. , 2006) y Casi Divas Casi Divas ( Sony Pictures , 2008). Casi Divas es la única película mexicana musicalizada por el aclamado compositor de Hollywood Hans Zimmer .
En Bélgica, el idioma francés es el segundo más utilizado y muchos cineastas belgas optan por rodar sus películas en francés, por lo que sus películas suelen ganar popularidad en Francia.
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Chantal Akerman es la directora belga más famosa. Como directora debutó con el largometraje documental Hotel Monterey en 1973. Su siguiente película fue el largometraje dramático Je Tu Il Elle (1974). Su película más conocida es Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) sobre un ama de casa que se gana la vida como prostituta. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes. La película obtuvo seguidores de culto en las décadas siguientes. Chantal Akerman tuvo una larga carrera como cineasta desde el año 1968 hasta 2015, hasta su muerte, que duró casi 50 años.
Otros directores de cine belgas notables incluyen a Lydia Chagoll , Marion Hänsel , Anne Lévy-Morelle , Nadine Monfils , Yolande Moreau , Nathalie Teirlinck , Fien Troch , Chris Vermorcken y Laura Wandel .
La película de Marion Hänsel Entre el diablo y el mar azul profundo (1995) se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
Yolande Moreau inicialmente se hizo famosa como actriz. En 2004 debutó como directora de cine con Cuando el mar se eleva, por la que ganó un premio César.
Laura Wandel debutó como directora de cine con la película Playground (2021) que se proyectó en el Festival de Cine de Cannes donde ganó el premio FIPRESCI . También fue presentada como la entrada belga a la mejor película extranjera en la 94ª edición de los Premios de la Academia.
Fien Troch es un conocido director belga moderno. Su debut cinematográfico, La felicidad de alguien más (2005), fue la candidata belga a los Premios de la Academia. Su película Unspoken (2008) se estrenó en el Festival de Cine de Toronto.
Binka Zhelyazkova fue la primera mujer búlgara en dirigir un largometraje con Life Flows Quietly By... en 1957 y fue una de las pocas mujeres en todo el mundo en dirigir largometrajes en la década de 1950.
Irina Aktasheva, rusa, hizo varias películas búlgaras durante las décadas de 1960 y 1970, incluida Monday Morning en 1965. [87] Radka Bachvarova fue una directora de animación búlgara. [88] Lada Boyadjieva hizo competir dos películas por la Palma de Oro del cortometraje en 1961 y 1962 . Ivanka Grybcheva hizo películas en los años 1970 y 1980.
Olga Rautenkranzová es la primera directora checoslovaca. En 1918 dirigió Kozlonoh y Ucitel orientálních jazyku . Poco se ha publicado sobre su vida y carrera.
Thea Červenková es la segunda directora de cine checoslovaca. En 1919 dirigió Monarchistické spiknutí , Náměsíčný , Byl první máj y Zloděj . También fue guionista, escritora, documentalista, actriz de cine, periodista y crítica de cine, productora, propietaria de una compañía cinematográfica y socia fundadora.
Věra Chytilová fue una directora de cine checa de vanguardia y pionera del cine checo de la Nueva Ola. Prohibida por el gobierno checoslovaco en la década de 1960, es más conocida por su película Daisies (1966).
Hermína Týrlová fue una destacada directora checa de películas de animación. Estuvo activa entre 1928 y 1986. Týrlová produjo más de 60 películas.
El primer largometraje danés dirigido por una mujer fue Ud i den kolde sne de 1934, dirigido por Alice O'Fredericks , quien se convertiría en una de las directoras de cine danesas más prolíficas. Inicialmente codirigió sus películas con Lau Lauritzen Jr. , sin embargo, en la década de 1940 comenzó a dirigir películas por su cuenta. Se le atribuye la dirección de más de 70 largometrajes y la escritura de guiones para más de 30 películas, lo que la convierte en una de las directoras más productivas del cine danés y entre sus películas más memorables se encuentran las películas Far til Fire y la filmación de las novelas de Morten Korch , todas muy populares durante la Edad de Oro del cine danés . También se destaca por sus películas centradas en las mujeres y los derechos de las mujeres.
En la década de 1940, la actriz estrella Bodil Ipsen y la guionista Grete Frische se unieron a O'Fredericks para dirigir largometrajes convencionales. Ipsen codirigiría hacia el final de su carrera con Lau Lauritsen Jr. y Fische codirigiría Så mødes vi hos Tove con O'Fredericks. Recibió el Gran Premio del Festival de Cine de Cannes por su película The Red Meadows en 1946, el primer año del festival.
Otros directores daneses prolíficos incluyen a Astrid Henning-Jensen , que se convirtió en la primera directora nominada a un Premio de la Academia con Paw , Susanne Bier , la primera directora en ganar un Globo de Oro , un Premio de la Academia, un Premio Emmy y una Película Europea. Award y Lone Scherfig , cuyas películas han sido nominadas a los premios de la Academia, los BAFTA y un premio de cine europeo .
El premio cinematográfico danés más antiguo se llama Premio Bodil en honor a Bodil Ipsen y Bodil Kjer , y el Premio Alice , que se concede a la mejor directora en el Festival Internacional de Cine de Copenhague, lleva el nombre de Alice O'Fredericks.
Glory Leppänen fue la primera mujer finlandesa en dirigir una película. Largometraje de 1936 Onnenpotku de Leppännen protagonizado por Miss Finlandia Ester Toivonen . En febrero de 2020, conserva el récord de mayor número de espectadores de cualquier película de una directora finlandesa. [89]
Ansa Ikonen , Kyllikki Forssell y Ritva Arvelo también se encuentran entre las cuatro primeras directoras de cine finlandesas. [90]
En cuanto a las películas destacadas del siglo XXI, se encuentran muchos nuevos talentos. En el Festival Internacional de Cine de Venecia se proyectó el largometraje experimental sobre la actriz de cine Marilyn Monroe , titulado M (2018), de la directora Anna Eriksson .
Tove (2020), de la directora Zaida Bergroth, sobre la escritora e ilustradorabisexual de los Moomins, Tove Jansson, fue estrenada con gran éxito de crítica y fue candidata al Oscar finlandés en 2021.
El drama apocalíptico Quarantine (2021) de la directora de cine finlandesa Diana Ringo fue una entrada a los Globos de Oro 2022 procedente de Finlandia y Rusia.
La película de terror corporal Hatching de Hanna Bergholm y la película sobre la mayoría de edad Girl Picture de Alli Haapasalo se estrenaron en el Festival de Cine de Sundance de 2022.
Otros directores notables incluyen a Johanna Vuoksenmaa , Pamela Tola , Auli Mantila y Taru Mäkelä .
Francia es la cuna del cine que contribuyó tanto a la expresión artística como al propio proceso técnico de producción cinematográfica. El país tiene una fuerte tradición de realización cinematográfica femenina y en cada década debutan muchas directoras innovadoras. Hay tres cineastas pioneras que dejaron su herencia y registraron su historia en el principio, la mitad y el final. La directora Alice Guy existió durante el nacimiento del cine. [91] Germaine Dulac estuvo presente en el cine de vanguardia durante la década de 1920. [91] Por último, Agnés Varda (1954) se unió al movimiento de la Nueva Ola . [91]
Entre las cineastas francesas más conocidas se encuentran Agnès Varda , Claire Denis , Alice Guy-Blaché , Germaine Dulac , Jacqueline Audry , Catherine Breillat , Nelly Kaplan y Diane Kurys . Otros incluyen a Julia Ducournau , Céline Sciamma , Mia Hansen-Løve , Mati Diop , Pascale Ferran , Agnès Jaoui , Noémie Lvovsky , Tonie Marshall , Coline Serreau , Danièle Huillet y Danièle Thompson .
En la época del cine mudo las directoras francesas eran muy destacadas. Alice Guy-Blaché dirigió alrededor de 700 películas y se le atribuye la introducción de la forma narrativa con su película La Fée aux Choux (1896).
Alice Guy fue secretaria de Léon Gaumont antes de realizar su primera película, un año después del nacimiento del cine, exactamente 1854. [91]
Dado que Alice Guy trabajaba para Gaumont, era responsable en la parte de producción de la empresa como directora, cineasta y directora de escena. De secretaria a directora había creado 406 películas durante este período de tiempo. [91] La mayoría de sus películas duraban entre 20 y 90 minutos, ya que una película creada durante tanto tiempo durante este tiempo se consideraría un cortometraje, pero saber el hecho de que se hizo antes es excepcional durante los primeros años. años. [91] Alice Guy tuvo la oportunidad de rodar algunas de sus películas de una manera diferente a la de los hermanos Lumière, precursores de Gaumont . Los hermanos estaban interesados sobre todo en rodar películas que mostraran lo que las cámaras pueden captar a nivel técnico y no lo que pueden expresar en mayor profundidad; por ejemplo tener tomas repetitivas y monótonas de trenes o militares marchando. [91] Guy no estaba tan interesado en la repetitividad en las películas, aunque ella estaba ligeramente influenciada por ellas, había decidido pensar en algo mejor y cómico. [91] Aquí ella entregó un montón de cortometrajes de comedia a Gaumont y él aprobó sus películas. [91] En 1906 dirigió el cortometraje cómico Las consecuencias del feminismo , que describía un mundo donde los roles tradicionales de género se invierten. Un año después de la presentación de sus cortometrajes, estos se han convertido en un completo éxito. Su película La Passion o La Vie du Christ (1906) fue una obra de arte en la que trabajó durante años. Esto ha incluido 25 decorados junto con varias áreas exteriores y alrededor de 300 escenas de multitudes. [91]
Germaine Dulac fue una de las directoras de cine artístico más creativas y llegó a ser la líder del movimiento cinéclub francés. [92] Dulac había estudiado música primero y luego se convirtió en lógico cinematográfico y periodista. Se centró de cerca en la fotografía fija justo antes de realizar su primera película en el año 1926. [91]
En el momento en que Germain Dulac estaba filmando su primera película en 1916, la industria cinematográfica en Francia se encontraba en un estado inusual debido al auge inicial que se produjo en 1901-1904. [91] Durante 1910, alrededor del sesenta al setenta por ciento de las películas se enviaron a todo el mundo desde París, sin embargo, durante 1914 la industria comenzó a declinar estas películas porque carecía de inversión y herramientas de producción para las prácticas. [91] Más tarde, en 1920, el nuevo cine en Francia comenzó debido al cine de vanguardia y al primer movimiento de la teoría del cine, en el que Dulac estaba interesado. [91] Dulac comenzó como periodista para revistas feministas. La Fraciase y La Fronde y más tarde se interesó por la fotografía fija, lo que la hizo reflexionar sobre la conexión entre el objetivo de la cámara y el feminismo. [91] Estuvo muy influenciada por la música en sus primeros años de vida, que incorporó en películas para ver visualmente el movimiento de la música. [91] Había hecho que sus películas sonaran poéticas para mostrar y expresar emociones y su experiencia como periodista feminista afectó su trabajo al representar personajes femeninos. [91] Una de sus películas más conocidas es La Souriante Madame Beudet ( La sonriente Madame Beudet ), creada en 1923, que se convirtió en una película feminista histórica. La trama de la película gira en torno a una mujer trabajadora en un matrimonio sin amor. [91]
Musidora fue otra pionera del cine francés: fue actriz, directora de cine y guionista. Dirigió películas en las décadas de 1910 y 1920.
Marie-Louise Iribe comenzó como actriz en películas mudas y luego fue propietaria de una productora y dirigió importantes largometrajes en las décadas de 1920 y 1930.
Juliette Bruno-Ruby dirigió dos películas en los años 1920.
Marie Epstein fue actriz, guionista, directora de cine y conservacionista cinematográfica. Dirigió películas desde la década de 1920 hasta la de 1950. A menudo colaboraba con su hermano, Jean Epstein .
Solange Térac dirigió tres películas. Su debut como directora fue en 1932 con La vagabonde . Es mejor conocida por la película Koenigsmark (1953).
Andrée Feix debutó como directora con la película Once is Enough (1946). También dirigió Capitán Blomet (1947).
Nicole Védrès dirigió dos largometrajes documentales, Paris 1900 (1947) y La Vie Commence Demain (1950). París 1900 se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
Jacqueline Audry dirigió numerosas adaptaciones literarias. Su debut como directora fue Las desgracias de Sophie en 1946. Sus películas a menudo trataban temas controvertidos que incluían sexo extramatrimonial como Mitsoi (1956) y el drama romántico lésbico Olivia (1951). Olivia fue una película pionera en cuanto a representación lésbica en su momento. Ha dirigido dieciséis películas en total y fue la primera directora de éxito comercial de la Francia de posguerra. [93] [94]
Inicialmente, Agnés Varda tenía un intenso interés por la historia del arte, y sólo más tarde se dedicó al cine y la fotografía en 1954. [91] Su debut como directora fue La Pointe Courte (1955), que ha sido descrita como la primera película francesa de la Nueva Ola. Varda es mejor conocida por su obra maestra de la Nueva Ola Cléo de 5 a 7 (1962). Se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1962. Otra película aclamada de Varda fue Vagabond (1985). Vagabond es considerada una de las mayores obras feministas de Varda. [95] También dirigió varios documentales durante su carrera. Como una de las cineastas más activas de todos los tiempos, su carrera como directora duró cinco décadas.
En 1959, la escritora Marguerite Duras escribió el guión de Hiroshima Mon Amour, de Alain Resnais . Su guión fue nominado a la categoría de Mejor Guión en los Premios de la Academia de 1959. Se dedicó a dirigir con La Música en 1966.
La directora Danièle Huillet y su marido rodaron dos docenas de películas entre 1963 y 2006. De las nubes a la resistencia se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1979.
Suzanne Schiffman fue guionista, guionista y directora de cine. Es conocida por su estrecha colaboración con Francois Truffaut . Su producción como directora consta de tres películas. Su debut como directora tuvo lugar en 1971 con Out 1 (codirigida con Jacques Rivette).
Paula Delsol debutó como directora en 1962 con La Dérive . La película tenía temas de liberación sexual femenina.
La directora de cine y escritora Marceline Loridan-Ivens dirigió varios documentales en las décadas de 1960 y 1970. Sobrevivió a Auschwitz-Birkenau . Su debut como directora fue en 1962 con Algérie, année zéro .
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Entre las cineastas destacadas que surgieron de la década de 1970 se encuentran Catherine Breillat , Diane Kurys , Nelly Kaplan , Coline Serreau , Nadine Trintignant , Marion Sarraut , Rachel Weinberg , Véra Belmont , Josée Dayan , Liliane de Kermadec , Sarah Maldoror , Ariane Mnouchkine , Christine Lipinska , Jeanne Labrune .
El debut como directora de Coline Serrau fue en 1974. Su mayor éxito comercial fue Tres hombres y una cuna (1985), que luego fue rehecha en Hollywood . Recibió tres premios César por la película.
La primera película de Diane Kurys sobre la mayoría de edad, Peppermint Soda, fue premiada en el Festival de Cine de Cannes de 1977.
Delphine Seyrig fue una cineasta abiertamente feminista activa en la década de 1970 conocida por su documental Sois belle et tais-toi estrenado en 1981.
La cineasta feminista Catherine Breillat es conocida por sus francas descripciones de la sexualidad y los temas tabú en el cine y por sus obras sobre la mayoría de edad. Se enfrentó a la censura y la controversia durante la mayor parte de su carrera. Su primera película, A Real Young Girl, estuvo prohibida durante varias décadas debido a su sexualidad explícita. Sus películas más conocidas son A Real Young Girl (1976), Romance (1999) y Fat Girl (2001). En 2007 su película The Last Mistress fue seleccionada en el Festival de Cine de Cannes.
Jeanne Moreau , más conocida como actriz, dirigió dos largometrajes en la década de 1970: Lumière en 1976 sobre la amistad femenina y The Adolescent en 1978 sobre la mayoría de edad de una joven. Otra actriz icónica, Anna Karina, debutó como directora en 1973 con Vivre ensemble , que se proyectó en el Festival de Cine de Cannes. En 2008 dirigió y protagonizó la película Victoria .
Directoras notables que debutaron en la década de 1980: Claire Denis , Catherine Corsini , Tonie Marshall , Claire Devers , Patricia Mazuy , Agnès Merlet , Sólveig Anspach , Juliet Berto , Josiane Balasko , Laurence Ferreira Barbosa .
Claire Denis es una de las directoras francesas más aclamadas de finales de los años 80. Su debut cinematográfico, Chocolat, se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1988. Su película Beau Travail recibió críticas muy favorables en el momento de su estreno. En 2022 ganó el Gran Premio de Cannes por Stars at Noon . Su carrera ha durado más de tres décadas.
La directora Yolande Zauberman debutó en 1988 con Classified People . Ganó un premio por Me Ivan, You Abraham en el Festival de Cine de Cannes de 1993.
La cineasta Catherine Corsini comenzó a dirigir películas en los años 1980. Sus películas Replay (2001) y Three Worlds (2012) se proyectaron en el Festival de Cine de Cannes.
La directora y guionista Pascale Ferran debutó como directora con Coming to Terms with the Dead en 1994, que ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Su película Bird People (2014) se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
En 2000 Tonie Marshall fue la primera mujer en recibir el premio César como Mejor Directora. Su primera película como directora fue Pentimento (1989).
Lisa Azuelos es una conocida directora francesa que dirigió su primera película en 1993. Su película LOL (Laughing Out Loud) (2008) fue rehecha en Hollywood en 2012 .
Marion Vernoux dirigió su primera película en 1994. Es mejor conocida por su película de 1999 Días vacíos .
Sylvie Verheyde debutó como directora en 1997. Su película de 2012 Confesión de un niño del siglo se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
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Los directores franceses modernos se hicieron muy conocidos en la década de 2000 y más tarde incluyen a las ganadoras del Festival de Cine de Cannes Julia Ducournau , Céline Sciamma , Mia Hansen-Løve y Mati Diop , Marie Amachoukeli , Rebecca Zlotowski , Claire Burger , Julie Lopes-Curval , Houda Benyamina .
Otros directores notables incluyen a Virginie Despentes , Valérie Donzelli , Alix Delaporte , Marie-Castille Mention-Schaar , Marion Laine , Léa Mysius , Sophie Barthes , Marina de Van , Houda Benyamina , Karin Albou , Mona Achache , Lola Bessis .
Muchos actores famosos deciden posteriormente asumir funciones de dirección. Fanny Ardant , Sophie Marceau , Julie Delpy , Zabou Breitman , Maïwenn e Isild Le Besco , Valeria Bruni Tedeschi , Zabou Breitman , Marilou Berry , Sylvie Testud , Brigitte Sy , Emmanuelle Bercot son todas actrices conocidas que también empezaron a dirigir películas en la década de 2000.
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Luise Fleck fue una directora de cine austriaca y considerada la segunda directora de largometraje del mundo, después de Alice Guy-Blaché. Luise Fleck trabajó con su marido Jacob y ambos compartieron créditos de dirección. En 1911 Luise Fleck dirigió Die Glückspuppe .
El cineasta austriaco Leontine Sagan es un director notable que trabajó en Alemania.
Entre las directoras austriacas contemporáneas se encuentran Barbara Albert , Jessica Hausner , Marie Kreutzer y Katharina Mückstein . Las películas de Hausner se han proyectado en el Festival de Cine de Cannes y en la Berlinale.
Katharina Mückstein es una destacada feminista y activista de Metoo , que ha criticado abiertamente el acoso sexual en la industria cinematográfica austriaca.
La artista feminista y cineasta experimental Valie Export se destaca por sus obras de videoarte realizadas en la década de 1970. Su trabajo fue innovador en ese momento y despertó controversia en el conservador mundo del arte austriaco. [21]
Lotte Reiniger fue una directora de cine alemana y la principal pionera de la animación de siluetas. Sus películas más conocidas son Las aventuras del príncipe Achmed , (1926), el primer largometraje de animación, y Papageno (1935).
La película de 1931 Girls in Uniform de Leontine Sagan es una de las primeras películas narrativas que retrata explícitamente la homosexualidad. La película trata sobre una niña de 14 años que se enamora de su profesora en un internado para niñas.
La actriz y directora Leni Riefenstahl es mejor conocida por realizar la infame película de propaganda nazi de 1935 El triunfo de la voluntad , que a pesar de su naturaleza controvertida todavía se considera una de las mejores películas de todos los tiempos.
Las cineastas alemanas Helke Sander y Cristina Perincioli también son pioneras del movimiento feminista. [96] El periódico feminista Frauen und Film fue fundado en 1974 por Helke Sander. [97]
Otras cineastas destacadas son Margarethe von Trotta y Helma Sanders-Brahms, quienes comenzaron sus carreras en la década de 1970. Monika Treut también ha ganado reconocimiento por sus representaciones de la sexualidad queer y alternativa. Entre las directoras alemanas contemporáneas destacadas se encuentran Maren Ade , Doris Dörrie , Frauke Finsterwalder , Katja von Garnier , Nicolette Krebitz , Caroline Link y Angela Schanelec .
Anna Indermaur es la primera directora de cine suiza. Indermaur inauguró el estudio de cine Nord-Süd en 1935.
Ursula Meier es una notable directora de cine suiza moderna. Sus películas se han proyectado en el Festival de Cine de Cannes.
En Hungría, la directora y guionista Marta Meszaros ha realizado importantes películas durante décadas, desde 1968 hasta 2020. Su primer largometraje como directora, Eltavozott nap/The Girl (1968), fue la primera película húngara dirigida por una mujer. . Meszaros es mejor conocida por su película ganadora del Festival de Cine de Cannes de 1984, Diario de mis hijos .
La directora Ildikó Enyedi es conocida por su película de 2017 On Body and Soul , que ganó el primer premio en el 67º Festival Internacional de Cine de Berlín y fue nominada al Premio de la Academia de Lengua Extranjera. Ha dirigido ocho largometrajes desde 1989.
Elvira Notari fue una pionera del cine italiano, seguida por otras destacadas directoras como Lina Wertmüller y Liliana Cavani . La condesa Marina Cicogna es la primera productora europea. [98]
Elvira Notari es la primera directora italiana en realizar una película. Ha dirigido más de sesenta largometrajes y alrededor de 100 documentales. Las primeras películas de Notari son Maria Rosa di Santa Flavia , Carmela la pazza , Bufera d'anime , todas realizadas en 1911.
La directora Diana Karenne fue una pionera del cine polaco y dirigió muchas de sus películas en Italia. Su debut cinematográfico fue Lea en 1916, que dirigió en Italia. En 1917 abrió su productora cinematográfica en Milán.
Lina Wertmüller es mejor conocida por sus películas satíricas Swept Away (1974) y Seven Beauties (1975). Con Seven Beauties, Wertmüller se convirtió en la primera directora nominada al Premio de la Academia como Mejor Directora.
Liliana Cavani es mejor conocida por su controvertida película The Night Porter (1974). Ambientada en la Viena de 1957, la película se centra en la relación sadomasoquista entre un ex oficial de un campo de concentración nazi y uno de sus reclusos. La película fue protagonizada por Dirk Bogarde y Charlotte Rampling . En 2002 Cavani dirigió Ripley's Game protagonizada por John Malkovich , basada en la novela homónima de Patricia Highsmith .
Alice Rohrwacher es una destacada directora de cine moderno de Italia cuyas películas se proyectaron en el Festival de Cine de Cannes. Su película más conocida es Happy as Lazzaro (2018).
La actriz noruega Aud Egede-Nissen abrió su propia productora en 1917 y produjo al menos 29 películas.
Edith Carlmar es la primera directora noruega. Su debut como directora fue La muerte es una caricia en 1949. Su última película contó con el debut de la actriz Liv Ullmann . La propia Liv Ullmann se dedicó a la dirección en la década de 1990.
Entre los directores notables que surgieron en el período de las décadas de 1960 y 1970 se encuentran Anja Breien , Vibeke Lokkeberg , Laila Mikkelsen y Unni Straume .
Eva Dahr debutó como directora con la película Burning Flowers en 1985. También fue una prolífica directora de cortometrajes.
La directora noruega Deeyah Khan , que debutó en 2012, ganó dos veces el premio Emmy, dos veces el premio Peabody, ganó el BAFTA y recibió el premio de la Royal Television Society al mejor director de hechos.
La película Happy, Happy de la directora Anne Sewitsky de 2010 fue la presentación de Noruega a los Premios de la Academia.
Maria Sødahl es mejor conocida por su película Hope de 2019 .
El debut como directora de la directora Mona Fastvold, The Sleepwalker (2014), se proyectó en el Festival de Cine de Sundance. Tiene su sede en Estados Unidos.
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Nina Niovilla fue la primera directora de cine polaca y la única directora de la era del cine mudo en Polonia. Debutó en 1918 con la película Die Heiratsannonce .
La directora Diana Karenne fue otra pionera del cine polaco y dirigió la mayoría de sus películas en el extranjero, en Italia, Alemania y Francia. Su debut cinematográfico fue Lea en 1916, que dirigió en Italia.
Wanda Jakubowska fue una directora de cine polaca más conocida por su trabajo sobre el Holocausto. Su película de 1948 The Last Stage fue una descripción temprana e influyente de los campos de concentración. Se filmó en Auschwitz, donde Jakubowska había sido internada. Jakubowska estuvo activo como director durante más de 50 años, desde 1932 hasta 1988.
Agnieszka Holland es una destacada directora de cine moderno que trabaja en el cine desde 1973. Sus películas se han proyectado en el Festival de Cine de Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Su hermana Magdalena Łazarkiewicz y su hija Kasia Adamik son directoras de cine.
Otras directoras de cine polacas son Maria Kaniewska , Agnieszka Smoczyńska , Urszula Antoniak , Małgorzata Szumowska , Ewa Petelska , Teresa Kotlarczyk , Anna Kazejak-Dawid y Dorota Kobiela .
Bárbara Virgínia se convirtió en la primera directora de cine de Portugal en 1945 con la película Três Dias Sem Deus . Se proyectó en el Festival de Cine de Cannes.
Gloria , la película de 1999 de la editora y directora portuguesa Manuela Viegas , estrenada en competición en la 57ª edición de la Berlinale , está considerada en su país el clímax de un cine de sensibilidad femenina. Otras directoras de cine portuguesas son Teresa Villaverde , Catarina Ruivo , Raquel Freire , Margarida Gil , Cláudia Tomaz y Rita Azevedo Gomes . La actual presidenta de la Asociación de Directores de Portugal es Margarida Gil . [99]
La cinematografía rusa ha contado con varias directoras que crearon películas aclamadas a nivel nacional e internacional. La primera película rusa producida por una directora se estrenó en la década de 1910. Olga Preobrazhenskaya fue introducida en la incipiente industria cinematográfica de la mano de Yakov Protazanov . En 1913, Olga Preobrazhenskaya comenzó a dirigir películas en el estudio "Timan and Reingardt". Su primer trabajo como directora fue un trabajo conjunto con el actor, guionista y director Vladimir Gardin : en 1916 filmaron Miss Peasant , basada en la obra homónima de Pushkin . Como dijo Olga Preobrazhenskaya, "la película salió, fue elogiada, pero como era la primera producción de una directora, fue tratada con desconfianza, y en los carteles y críticas a menudo mi nombre aparecía con una terminación masculina o atribuido a la producción de otros directores." [100] En los primeros años después de la Revolución, Olga Preobrazhenskaya fue también la primera mujer en enseñar dirección: impartió clases en la Escuela Estatal de Cinematografía (ahora VGIK) . La obra más exitosa de Preobrazhenskaya es el drama Mujeres de Riazán (1927), que el escritor Theodore Dreiser, que visitó la URSS en ese momento, calificó de milagro. La película trataba sobre la difícil vida de una campesina rusa corriente en el campo en vísperas y después de la revolución. Preobrazhenskaya creó esta película junto con el director Ivan Pravov, como muchas de sus otras películas, diseñadas en el espíritu del realismo socialista: Y el Don tranquilo , Stepan Razin , El muchacho de la Taiga .
Las hermanas Brumberg fueron animadoras pioneras. Estuvieron activos entre 1925-1970. En una carrera de casi 50 años, crearon alrededor de 50 películas como directores de animación, animadores y guionistas.
Nadezhda Kosheverova fue considerada la mejor directora de cuentos de hadas del cine soviético. A pesar de que la directora se probó en diferentes géneros, desde el realista ( Galya ) hasta la comedia ( Tamer of Tigers ), fue en el género de los cuentos de hadas donde su talento se reveló más plenamente. La más famosa de sus diez obras en este género es Cenicienta estrenada en 1947, filmada junto con Mikhail Shapiro sobre el guión de Evgeny Schwartz . Cenicienta fue, quizás, el primer cuento de hadas en la historia del cine soviético, desprovisto de connotaciones ideológicas, pero al mismo tiempo reflejando con suave sátira las características del modo de vida soviético. Por ejemplo, en la madrastra, interpretada por Faina Ranevskaya , se puede reconocer fácilmente a la ejemplar activista comunitaria. Y también, por primera vez en el cine soviético, los héroes aristocráticos (el rey Erast Garin y el príncipe Alexei Konsovsky) no aparecen retratados como personajes negativos caricaturizados.
Margarita Barskaya fue la primera directora que logró mostrar el mundo a través de los ojos de una niña. En 1933 estrenó Tattered Shoes , la primera película sonora para niños en la historia del cine mundial. Contaba la historia de niños que crecían en un país europeo convencional donde el régimen fascista llegó al poder. Después del estreno de la película, se habló inmediatamente de Barskaya como un talento nuevo y original y, mucho más tarde, casi como un precursor del neorrealismo italiano. Los espectadores quedaron encantados con la naturalidad con la que los niños se comportaban en el encuadre, como si no vieran la lente; el mérito es de Barskaya, que desarrolló su propio sistema de trabajo con actores jóvenes. Margarita Barskaya fue la iniciadora del primer estudio de cine para niños del mundo, "Soyuzdetfilm", donde se rodó el largometraje Padre e hijo . Nunca apareció en las pantallas: los críticos calificaron la imagen de "falsa", porque Barskaya, fiel a su estilo, reflejaba la vida de una familia soviética sin adornos. A la directora ya no se le permitió rodar, principalmente debido a su amistad con el opositor caído en desgracia Karl Radek, por lo que la película Padre e hijo fue el último trabajo de Barskaya.
La cineasta Yulia Solntseva , antes de convertirse en una directora famosa, logró llamar la atención como actriz gracias a sus papeles principales en las películas mudas Aelita y La chica del cigarrillo de Mosselprom . La obra más famosa de Solntseva fue Poema del mar , filmada en 1958 a partir de un guión de su marido, el director Alexander Dovzhenko , en la que el director presentaba la construcción de la central hidroeléctrica de Kakhovka al estilo de una epopeya griega antigua. Otro trabajo notable de Solntseva fue la primera película en pantalla ancha en Europa, Chronicle of Flaming Years (1960), que ganó el premio al mejor director en Cannes.
Iskra Babich , graduada en VGIK en 1958, era la alumna favorita del director y profesor Ivan Pyryev . En su filmografía solo tenía cuatro largometrajes: los cuatro melodramas. Babich hizo películas penetrantes sobre el amor, la conciencia y la bondad, pero sin expresiones excesivas ni tramas excéntricas. ¡La película más famosa del director es Muzhiki! (1982), que ganó numerosos premios y logró reconocimiento internacional.
Dinara Asanova , alumna de Mikhail Romm , es conocida como una directora que muestra con precisión la naturaleza conflictiva de un adolescente. Dos de sus películas más famosas son una historia lírica sobre el amor no correspondido Woodpeckers Don't Get Headaches (1975) y un drama sobre jóvenes hooligans Boys (1983), en el que participaron actores aficionados, verdaderos adolescentes con problemas. Después de la película, Asanova empezó a recibir paquetes de cartas: la gente pedía consejo, creyendo que el director era un especialista cualificado en la educación de "niños difíciles". Sin embargo, la única tarea de Asanova fue mostrar que el período de transición entre la adolescencia y la juventud no es un ensayo para la vida adulta "real", sino una parte importante de nuestra única y gran vida.
Larisa Shepitko fue una de las figuras centrales del cine soviético de los años 1960 y 1970. Una de sus películas más aclamadas, Wings , estrenada en 1966, reflexionaba sobre el destino de los soldados de primera línea. La veterana de guerra de la película era una mujer, la ex aviadora Nadezhda Petrukhina, que después de la guerra se convirtió en directora de una escuela vocacional. La protagonista, obligada a abandonar el cielo, tuvo que vivir según las nuevas reglas, que no tenían la claridad moral inherente a los tiempos de guerra, lo que finalmente la llevó a un callejón sin salida existencial, como a muchos de su generación. Para poder rodar su película principal, La Ascensión (1976), Shepitko tuvo que enfrentarse a las autoridades. La película se convirtió en la primera película soviética en ganar el "Oso de Oro" en el Festival Internacional de Cine de Berlín.
Tatiana Lukashevich debutó como directora de cine a la edad de 24 años: su película " El crimen de Ivan Karavaev" parecía más una propaganda cinematográfica diseñada artísticamente que una declaración artística, pero aun así llamó la atención sobre el joven director. Posteriormente, Lukashevich hizo principalmente películas que contribuían a la "educación moral de la generación más joven" ("Gavrosh", "El expósito", "El certificado de madurez"). A pesar de la estricta adhesión del director a los cánones del realismo socialista, valores como la humanidad y la autenticidad siempre estuvieron en primer plano en las películas de Lukashevich. Esto se nota sobre todo en la película The Foundling, cuya idea principal se expresa en las líneas de una canción de cuna: "En nuestra gran ciudad, todo el mundo es amable con el bebé".
Para Aida Manasarova, quizás lo más importante en su trabajo fue evitar cuidadosamente todo lo demasiado idealista y rebuscado. Según Manasarova, para ella era "mucho más importante mostrar el verdadero drama de la búsqueda de ideales morales", por lo que sus personajes nunca fueron unidimensionales y positivos. Casi todas sus películas hablaban de personas que experimentaban una profunda crisis interior. "Me gustan los héroes atormentados por su imperfección", admitió Manasarova. Uno de los aspectos más destacados del trabajo del director es el drama familiar "Look away" (1983) sobre la difícil relación entre madre e hijo.
Diecisiete momentos de primavera , una de las series más famosas y aclamadas a nivel nacional del cine soviético, también fue realizada por la directora Tatyana Lioznova . Sin embargo, el director es conocido no sólo por la historia del popular espía soviético. Un personaje clave en todas sus obras fue un hombre que se encuentra en condiciones antinaturales, un cuervo blanco, cuya resistencia se pone a prueba, y no siempre con éxito. Nyura de la película Three Poplars in Plyushchikha de 1967, que nunca encontró el amor; Nina de Carnaval (1981) que regresó a su pequeño pueblo sin haber conseguido ningún éxito como gran actriz; Lenya de la película Nosotros, abajo (1980), que no logró recoger las firmas que tanto necesitaba. Esta combinación de terquedad y humildad es característica de sus películas. Como dijo el dramaturgo Alexander Gelman, "sus películas son sinceras, la verdad del alma en ellas supera la verdad de los hechos, como ocurre en la vida con personas reales".
Alla Surikova se destaca por dirigir muchas películas de comedia de éxito. Su película más popular es la satírica Red-Western Un hombre del Boulevard des Capucines (1987).
Kira Muratova siempre se esforzó por hacer películas que ella misma quisiera crear, independientemente de los cambios de agenda política, regímenes y pautas estéticas. Esto llevó a que sus primeras películas: Brief Encounters (1967) y The Long Farewell (1971) fueran archivadas; el tercero, Conociendo el gran mundo (1979), nunca tuvo una distribución amplia, y el cuarto, Entre piedras grises (1983), muy censurado y publicado bajo el seudónimo de Ivan Sidorov. Finalmente, El síndrome asténico (1989), estrenada como quería Muratova, le valió el reconocimiento mundial. Hoy Muratova es una de las directoras soviéticas más aclamadas.
Hay muchos nombres nuevos e importantes en la fuerte tradición cinematográfica femenina rusa del siglo XXI, y el número aumenta constantemente.
Svetlana Baskova ganó notoriedad a nivel nacional por dirigir la película de terror y explotación El elefante verde en 1999.
Renata Litvinova , inicialmente famosa como actriz en las películas de Kira Muratova, perfeccionó sus habilidades como directora en Diosa: Cómo me enamoré (2004) y El último cuento de Rita . Su último trabajo destacado es el largometraje de 2021 The North Wind . Litvinova también suele protagonizar sus películas.
Una de las directoras rusas modernas más populares, Anna Melikyan , es conocida como autora de Mermaid (2007), ganadora de Sundance, [101] y del drama romántico satírico The Three (2020).
La directora Avdotya Smirnova, inicialmente conocida como guionista, es autora de las películas Two Days (2011), Story of One Appointment (2018) y la serie biográfica Vertinskiy (2021) sobre la famosa cantante rusa .
Oksana Bychkova, es mejor conocida como directora del drama romántico Piter FM (2006).
Valeriya Gai Germanika , uno de los nombres más provocativos de la industria cinematográfica rusa, inicialmente sólo dirigía películas documentales. Es conocida por su película ganadora del Festival de Cine de Cannes, Everybody Dies but Me (2008). Su último trabajo, la serie Mutual Consent (2022) sobre una maestra de escuela violada, ha sido descrita por los autores como la primera serie MeToo de Rusia.
Diana Ringo , es directora de la película de distopía Cuarentena (2021) protagonizada por Anatoly Bely . Quarantine es una película de arte filosófica y experimental sobre un hombre que vive en un búnker durante 20 años. Diana Ringo es la directora, productora, guionista y compositora de la banda sonora de la película. Además de dirigir, Diana Ringo también es músico y compositora profesional.
La película de 2021 Gerda sobre una joven bailarina de striptease de la directora Natalya Kudryashova se estrenó en el Festival de Cine de Locarno, donde recibió varios premios. Kudryashova también participa activamente como actriz.
Natalya Merkulova es conocida por sus películas codirigidas con su marido, Aleksey Chupov. Sus películas El hombre que sorprendió a todos (2018) y El capitán Volkonogov escapó (2021) se proyectaron en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
Radda Novikova es directora de cine y televisión. Es una de las directoras de comedia rusas más prolíficas del siglo XXI. Ha dirigido muchas series de televisión populares, incluidas Girls with Makarov (2022), Interns (2013), Two Fathers, Two Sons (2011).
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Elena Jordi fue la primera mujer directora de España. Dirigió Thaïs en 1918.
Las cineastas pioneras Josefina Molina , Helena Cortesina y Rosario Pi estuvieron entre las primeras directoras de cine de España.
María Forteza fue la primera mujer directora de cine sonoro en 1934 con el cortometraje documental Mallorca .
Ana Mariscal fue una prolífica actriz en las décadas de 1940 y 1950. A principios de la década de 1950 se convirtió en productora y poco después empezó a dirigir y escribir sus propias películas. Su película más conocida es quizás El camino (1963), adaptación de la novela de Miguel Delibes . Otras películas incluyen Segundo López, aventurero urbano (1953) inspirada en el neorrealismo italiano o Con la vida hicieron fuego (1959), sobre un excombatiente de la facción republicana que intenta comenzar una nueva vida mientras lucha contra los inquietantes recuerdos de la Guerra Civil Española. .
Josefina Molina , también novelista, inició su carrera en los años 1960. Fue la primera mujer graduada en la Escuela Nacional de Cine de España en 1967. Su prolífico currículum televisivo incluye la exitosa miniserie Teresa de Jesús (1984), una dramatización de la vida de Teresa de Ávila . Entre sus trabajos cinematográficos se encuentran Vera, un cuento cruel (1974), Función de noche (1981) o Esquilache (1989), que participó en el 39º Festival Internacional de Cine de Berlín .
Pilar Miró fue una célebre directora y guionista de cine y televisión entre cuyas obras notables se incluyen Gary Cooper, Who Art in Heaven (1980), Prince of Shadows (1991), que ganó el Oso de Plata por su destacada contribución artística en el 42º Festival Internacional de Cine de Berlín y El perro del hortelano (1996), adaptación de una obra de Lope de Vega que ganó 7 premios Goya, incluidos Mejor Película y Mejor Director. También estuvo a cargo de la televisión nacional TVE de España de 1986 a 1989.
Icíar Bollaín debutó como actriz siendo adolescente bajo la dirección de Víctor Erice en El sur (1983). Dio el salto a la dirección y escritura en 1995 con Hola, ¿estás sola? lo que le valió una nominación al Premio Goya a la Mejor Directora Revelación . Su filmografía posterior incluye Flores de otro mundo (1999), ganadora del Gran Premio de la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Cine de Cannes de 1999 , Te doy mis ojos (2003), que le valió un Premio Goya a la Mejor Directora y una nominación a un Premio de Cine Europeo al Mejor Director o Incluso la lluvia (2010), que entró en la lista de finalistas de enero para el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera .
Isabel Coixet dirigió numerosos anuncios de televisión durante los años noventa. Suele filmar en inglés con actores internacionales. Algunas de sus películas más conocidas incluyen Mi vida sin mí (2003), protagonizada por Sarah Polley , Mark Ruffalo , Scott Speedman y Deborah Harry , La vida secreta de las palabras (2005) protagonizada una vez más por Polley, así como por Tim Robbins y Julie Christie , una segmento de la película general Paris, je t'aime (2006) y la adaptación de Philip Roth Elegy (2008) protagonizada por Ben Kingsley , Penélope Cruz , Dennis Hopper y Patricia Clarkson .
Gracia Querejeta ha sido aclamada por sus dramas corales Otra vez a mi lado (1999), Héctor (2004) y Siete mesas de billar (2007). También ha dirigido documentales y episodios de televisión.
Otros cineastas destacados incluyen a María Ripoll ( Sopa de tortilla , El hombre de la lluvia en los zapatos ), Patricia Ferreira, Chus Gutiérrez, María Lidón aka Luna ( Varados: Náufragos , Moscú cero ), Rosa Vergés, Lydia Zimmermann , Laura Mañá , Carla Simón , Elena Martín y Neus Ballús .
Ebba Lindkvist es la primera mujer sueca en dirigir una película. En 1910 dirigió el cortometraje Värmländingarna , que se estrenó en Suecia el 27 de octubre de 1910. Otra pionera del cine sueco es Anna Hofman-Uddgren, que dirigió Stockholmsfrestelser en 1911. La actriz sueca Mai Zetterling dirigió varias películas en las décadas de 1960 y 1970.
En el Festival de Cine de Sundance se proyectó una notable película reciente realizada por una directora de cine sueca, Pleasure (2021) de Ninja Thyberg.
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Joy Batchelor fue una animadora, directora, guionista y productora inglesa. Se casó con John Halas en 1940, [102] y posteriormente cofundó los dibujos animados Halas y Batchelor , cuya producción más conocida es el largometraje animado Animal Farm (1954), que la convirtió en la primera mujer directora de un largometraje animado desde Lotte Reiniger .
Muriel Box fue una guionista y directora inglesa que dirigió su primera película en 1941. Estuvo activa durante dos décadas, hasta la década de 1960. [103]
En Gran Bretaña, Jane Arden (1927–82), después de su drama televisivo The Logic Game (1965), escribió y protagonizó la película Separation ( Jack Bond, 1967), que explora el paisaje mental de una mujer durante una ruptura matrimonial. Arden se convirtió en la única mujer británica en obtener un crédito como directora en solitario por The Other Side of the Underneath (1972), un inquietante estudio sobre la locura femenina filmado principalmente en el sur de Gales. El trabajo abiertamente feminista de Arden fue descuidado y casi perdido hasta que el British Film Institute redescubrió y reeditó sus tres largometrajes y el corto Vibration (1974), en 2009.
Andrea Arnold ganó un Premio de la Academia en 2005 por su cortometraje Wasp y ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes en tres ocasiones; en 2006 para Red Road , en 2009 para Fish Tank y en 2016 para American Honey .
Dos de los primeros cortometrajes de Lynne Ramsay ( Small Deaths y Gasman ) ganaron el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes, y sus cuatro largometrajes siguientes, Ratcatcher (1999), Morvern Callar (2002), We Need to Talk About Kevin (2011) y Nunca estuviste realmente aquí (2017) se proyectaron en el Festival de Cannes.
Georgina Willis hizo su debut en Cannes con la controvertida película feminista Watermark (2003), producida de forma independiente. Watermark trata sobre una mujer que enfrenta problemas de salud mental y termina matando a su propio hijo.
¡Madre mía! dirigida por Phyllida Lloyd se convirtió en la quinta película más taquillera de 2008 [104] y la película más taquillera de la historia del Reino Unido. [105] La siguiente película de Lloyd, la película biográfica de Margaret Thatcher, La dama de hierro (2012), recaudó 114 millones de dólares en todo el mundo. [106] Debbie Isitt ha dirigido películas convencionales exitosas, incluidas "Confetti" y "Nativity!" trilogía.
Cinenova es una organización con sede en Londres que distribuye películas producidas por mujeres.
Sally Potter es una destacada cineasta feminista británica que logró su gran avance como directora de Orlando (1992), protagonizada por Tilda Swinton . Sus películas se proyectan regularmente y ganan premios en los principales festivales de cine, incluidos el Festival de Cine de Venecia y el Festival de Cine de Berlín. Otras películas notables de Potter incluyen The Party (2017), The Man Who Cried (2000) y Ginger & Rosa (2012).
Los cineastas británicos Ngozi Onwurah y Pratibha Parmar exploran los legados del colonialismo. El director de cine Gurinder Chadha hace principalmente películas sobre mujeres de origen indio que viven en Inglaterra.
El trabajo de la directora de cine y escritora británica Shamim Sarif a menudo se basa en su propia experiencia personal con el amor intercultural y no heterosexual. Algunas de sus películas notables incluyen el drama romántico lésbico No puedo pensar con claridad (2008) y la película de espionaje de la Guerra Fría A pesar de la nieve que cae (2016), protagonizada por Rebecca Ferguson .
En parte como resultado de la financiación del UK Film Council (disuelto en 2010), ha surgido una nueva generación de cineastas británicas en el siglo XXI, entre ellas Penny Woolcock , Carol Morley , Joanna Hogg , Clio Barnard , Sally El Hosaini , Amma Asante y Tina Gharavi . Los artistas de la galería Gillian Wearing y Sam Taylor-Wood se han trasladado al cine, y Taylor-Wood (ahora Taylor-Johnson) ha sido nombrada directora de la adaptación de Cincuenta sombras de Grey . [107]
El aumento de la financiación gubernamental para la industria cinematográfica en Australia en la década de 1970 condujo a un renacimiento del cine y, como parte del creciente movimiento feminista en Australia en ese momento, el cine de mujeres creció. El papel de las películas de mujeres se debatió en la Conferencia de Liberación de la Mujer celebrada en Melbourne en 1970, [108] y grupos como el colectivo Feminist Film Workers (décadas de 1970 y 1980), Sydney Women's Film Group (SWFG, 1972–), Melbourne Women's Se establecieron Film Group (1973–), Reel Women (1979 a 1983 en Melbourne) y Women's Film Unit (Sydney y Melbourne, 1984/5). [109] Varios cineastas, entre ellos Jeni Thornley , Sarah Gibson y Susan Lambert . , Martha Ansara , Margot Nash y Megan McMurchy, participaron en estos grupos [108] El Festival Internacional de Cine de Mujeres de 1975 , el primero de su tipo, [108] fue iniciado por el SWFG, [110] pero se organizaron grupos en todo el país. eventos de proyección en otras capitales estatales, en Melbourne y Sydney , los festivales duraron nueve días (con una audiencia de alrededor de 56.000 personas), y en los otros estados duraron dos o tres días [111] .
Gillian Armstrong es una notable cineasta australiana, mejor conocida por su película de 1979 My Brilliant Career . Algunos otros directores de cine australianos importantes incluyen a Jocelyn Moorhouse , Catriona McKenzie y Kitty Green . [ cita necesaria ]
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Jane Campion (nacida en 1954) es la directora más conocida de Nueva Zelanda. Por su película El piano (1993) recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1993. En 2022 recibió el Premio de la Academia como Mejor Directora por la película El poder del perro . [ cita necesaria ]
Pietra Brettkelly (nacida en 1985) es conocida por sus documentales, que incluyen Yellow is Forbidden y A Flickering Truth . [ cita necesaria ]
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