El drama es el modo específico de ficción representado en una representación : una obra de teatro , ópera , mimo , ballet , etc., representada en un teatro , o en radio o televisión . [1] Considerado como un género de poesía en general, el modo dramático se ha contrastado con los modos épico y lírico desde la Poética de Aristóteles ( c. 335 a. C. ), la primera obra de teoría dramática . [2]
El término "drama" proviene de una palabra griega que significa "hecho" o " acto " ( griego clásico : δρᾶμα , drâma ), que se deriva de "yo hago" ( griego clásico : δράω , dráō ). Las dos máscaras asociadas al drama representan la tradicional división genérica entre comedia y tragedia .
En inglés (como fue el caso análogo en muchos otros idiomas europeos), la palabra play o game (traduciendo del anglosajón pleġan o del latín ludus ) fue el término estándar para los dramas hasta la época de William Shakespeare , al igual que su creador fue un un creador de obras de teatro en lugar de un dramaturgo y el edificio era una casa de juegos en lugar de un teatro . [3]
El uso de "drama" en un sentido más estricto para designar un tipo específico de obra de teatro data de la era moderna. "Drama" en este sentido se refiere a una obra que no es ni una comedia ni una tragedia; por ejemplo, Thérèse Raquin (1873) de Zola o Ivanov (1887) de Chéjov . Es este sentido más estrecho el que las industrias del cine y la televisión , junto con los estudios cinematográficos , adoptaron para describir el " drama " como un género dentro de sus respectivos medios. El término " radiodrama " se ha utilizado en ambos sentidos: originalmente se transmitía en una presentación en vivo. También puede usarse para referirse al extremo más intelectual y serio de la producción dramática de la radio . [4]
La representación del drama en teatro , interpretada por actores en un escenario ante un público , presupone modos colaborativos de producción y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. [5]
El mimo es una forma de drama donde la acción de una historia se cuenta únicamente a través del movimiento del cuerpo. El drama se puede combinar con la música : el texto dramático de la ópera generalmente se canta; En cuanto a algunos ballets, la danza "expresa o imita emoción, carácter y acción narrativa". [6] Los musicales incluyen tanto diálogos hablados como canciones ; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo ( melodrama y Nō japonés , por ejemplo). [7] El drama de armario es una forma que está destinada a ser leída, en lugar de representada. [8] En la improvisación , el drama no preexiste al momento de la representación; Los intérpretes idean un guión dramático de forma espontánea ante el público. [9]
El drama occidental se origina en la Grecia clásica . [10] La cultura teatral de la ciudad-estado de Atenas produjo tres géneros de drama: la tragedia , la comedia y la obra satírica . Sus orígenes siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V a. C. se institucionalizaron en competiciones celebradas como parte de las festividades que celebraban al dios Dioniso . [11] Los historiadores conocen los nombres de muchos dramaturgos griegos antiguos, entre ellos Tespis , a quien se le atribuye la innovación de un actor (" hipócritas ") que habla (en lugar de cantar) y se hace pasar por un personaje (en lugar de hablar en su propia persona). ), mientras interactuaba con el coro y su líder (" corifeo "), quienes eran parte tradicional de la interpretación de poesía no dramática ( ditirámbica , lírica y épica ). [12]
Sin embargo, sólo una pequeña fracción de la obra de cinco dramaturgos ha sobrevivido hasta nuestros días: tenemos un pequeño número de textos completos de los trágicos Esquilo , Sófocles y Eurípides , y de los escritores cómicos Aristófanes y, desde finales del siglo IV, Menandro . . [13] La tragedia histórica de Esquilo, Los persas , es el drama más antiguo que se conserva, aunque cuando ganó el primer premio en el concurso City Dionysia en 472 a. C., había estado escribiendo obras de teatro durante más de 25 años. [14] La competencia (" agon ") por las tragedias puede haber comenzado ya en el 534 a.C.; Los registros oficiales (" didaskaliai ") comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica . [15] Los dramaturgos trágicos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una obra sátira (aunque se hicieron excepciones, como con Alcestis de Eurípides en 438 a.C.). La comedia fue reconocida oficialmente con un premio en el concurso del 487 al 486 a.C.
Cinco dramaturgos cómicos compitieron en el City Dionysia (aunque durante la Guerra del Peloponeso esto pudo haberse reducido a tres), cada uno de los cuales ofrecía una única comedia. [16] La comedia griega antigua se divide tradicionalmente entre "comedia antigua" (siglo V a. C.), "comedia media" (siglo IV a. C.) y "comedia nueva" (finales del siglo IV a 2 a. C.). [17]
Tras la expansión de la República Romana (527-509 a. C.) a varios territorios griegos entre 270 y 240 a. C., Roma se encontró con el drama griego . [18] Desde los últimos años de la república y a través del Imperio Romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió hacia el oeste por Europa, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra; El teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior. [19]
Si bien el drama griego continuó representándose durante todo el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular . [20] Desde el comienzo del imperio, sin embargo, el interés por el drama de larga duración decayó en favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales. [21] Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livio Andrónico escribió a partir del 240 a.C. [22] Cinco años más tarde, Cneo Nevio también comenzó a escribir teatro. [22] No ha sobrevivido ninguna obra de ninguno de los escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros , Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Naevius por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama. [22]
A principios del siglo II a.C., el teatro estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores ( colegium poetarum ). [23] Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Titus Maccius Plautus (Plautus) y Publius Terentius Afer (Terence). [24] Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro al dividir el drama en episodios e introdujeron acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos- tercios en los de Terencio). [25] La acción de todas las escenas se desarrolla en el exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de escuchas clandestinas . [25]
Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales sus farsas son las más conocidas; fue admirado por el ingenio de sus diálogos y su uso de una variedad de metros poéticos . [26] Las seis comedias que Terencio escribió entre 166 y 160 a. C. han sobrevivido; La complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, fue a veces denunciada, pero sus tramas dobles permitieron una presentación sofisticada del comportamiento humano contrastante. [26] No se conserva ninguna tragedia romana antigua, aunque fue muy apreciada en su época; Los historiadores conocen tres de los primeros trágicos: Quintus Ennius , Marcus Pacuvio y Lucius Accius . [25]
De la época del imperio sobrevive la obra de dos trágicos: uno es de autor desconocido y el otro es el filósofo estoico Séneca . [27] Nueve de las tragedias de Séneca sobreviven, todas ellas fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos); su Fedra , por ejemplo, se basó en el Hipólito de Eurípides . [28] Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia , pero en épocas anteriores se atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje de la tragedia. [27]
A principios de la Edad Media , las iglesias representaban versiones dramatizadas de acontecimientos bíblicos, conocidas como dramas litúrgicos , para animar las celebraciones anuales. [29] El ejemplo más antiguo es el tropo de Pascua ¿A quién buscas? (Quem-Quaeritis) ( c. 925 ). [30] Dos grupos cantaban de manera receptiva en latín , aunque no se involucraba ninguna personificación de personajes . En el siglo XI, se había extendido por Europa hasta Rusia , Escandinavia e Italia ; excluyendo la España de la era islámica .
En el siglo X, Hrosvitha escribió seis obras en latín basadas en las comedias de Terencio , pero que trataban temas religiosos. [31] Sus obras son las primeras compuestas por una dramaturga y el primer drama occidental identificable de la era posclásica. [31] Más tarde, Hildegarda de Bingen escribió un drama musical , Ordo Virtutum ( c. 1155 ). [31]
Una de las primeras obras seculares más famosas es la pastoral cortesana Robin y Marion , escrita en el siglo XIII en francés por Adam de la Halle . [32] El interludio del estudiante y la muchacha ( c. 1300 ), uno de los primeros conocidos en inglés, parece ser el más cercano en tono y forma a las farsas francesas contemporáneas , como El niño y el ciego . [33]
Sobreviven muchas obras de Francia y Alemania de finales de la Edad Media , cuando se representaba algún tipo de drama religioso en casi todos los países europeos. Muchas de estas obras contenían comedia , diablos , villanos y payasos . [34] En Inglaterra, los gremios comerciales comenzaron a representar " obras de misterio " vernáculas , que estaban compuestas por largos ciclos de muchas obras de teatro o "desfiles", de los cuales cuatro se conservan : York (48 obras), Chester (24), Wakefield ( 32) y la llamada " N-Town " (42). La segunda obra de los pastores del ciclo de Wakefield es una historia ridícula de una oveja robada que su protagonista , Mak, intenta hacer pasar por su hijo recién nacido dormido en una cuna; termina cuando los pastores a quienes ha robado son convocados a la Natividad de Jesús . [35]
Las obras de moralidad (un término moderno) surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron a principios de la era isabelina en Inglaterra. Los personajes se utilizaban a menudo para representar diferentes ideales éticos. Everyman , por ejemplo, incluye figuras como Buenas acciones, Conocimiento y Fuerza, y esta caracterización refuerza el conflicto entre el bien y el mal para la audiencia. El Castillo de la Perseverancia ( c. 1400-1425 ) representa el progreso de una figura arquetípica desde el nacimiento hasta la muerte. Horestes ( c. 1567 ), una "moral híbrida" tardía y uno de los primeros ejemplos de una obra de venganza inglesa , reúne la historia clásica de Orestes con un Vicio de la tradición alegórica medieval , alternando escenas cómicas y slapstick con escenas serias y trágicas. unos. [36] También fueron importantes en este período los dramas folclóricos de Mummers Play , representados durante la temporada navideña . Las máscaras de la corte fueron particularmente populares durante el reinado de Enrique VIII . [37]
Uno de los grandes florecimientos del teatro en Inglaterra se produjo en los siglos XVI y XVII. Muchas de estas obras fueron escritas en verso, particularmente en pentámetro yámbico . Además de Shakespeare, autores como Christopher Marlowe , Thomas Middleton y Ben Jonson fueron dramaturgos destacados durante este período. Como en el período medieval , las obras históricas celebraban la vida de reyes pasados, realzando la imagen de la monarquía Tudor . Los autores de este período extrajeron algunas de sus historias de la mitología griega y romana o de las obras de eminentes dramaturgos romanos como Plauto y Terencio .
La comedia de la Restauración se refiere a las comedias inglesas escritas y representadas en Inglaterra durante el período de la Restauración , de 1660 a 1710. La comedia costumbrista se utiliza como sinónimo de comedia de la Restauración. [38] Después de que el régimen puritano prohibiera el teatro público , la reapertura de los teatros en 1660 con la Restauración de Carlos II marcó un renacimiento del teatro inglés . [39] La comedia de restauración es conocida por su carácter explícito sexual , su ingenio urbano y cosmopolita , sus escritos de actualidad y sus tramas abarrotadas y bulliciosas. Sus dramaturgos se inspiraron libremente en los escenarios franceses y españoles contemporáneos, en las obras jacobeas y carolinas inglesas , e incluso en las comedias clásicas griegas y romanas , combinando las diversas tramas de manera aventurera. Las diferencias de tono resultantes en una sola obra fueron apreciadas en lugar de desaprobadas, ya que el público valoraba la "variedad" tanto dentro como entre las obras. La comedia de restauración alcanzó su punto máximo dos veces. El género alcanzó una madurez espectacular a mediados de la década de 1670 con un espectáculo de comedias aristocráticas . Veinte años de escasez siguieron a esta breve edad de oro, aunque el logro de la primera dramaturga profesional, Aphra Behn , en la década de 1680 es una excepción importante. A mediados de la década de 1690, surgió un breve segundo renacimiento de la comedia de la Restauración, dirigido a un público más amplio. Las comedias de las épocas doradas de las décadas de 1670 y 1690 son significativamente diferentes entre sí.
Las comedias poco sentimentales o "duras" de John Dryden , William Wycherley y George Etherege reflejaban la atmósfera de la corte y celebraban con franqueza un estilo de vida aristocrático y machista de incesantes intrigas y conquistas sexuales. El conde de Rochester , libertino, cortesano y poeta de la Restauración en la vida real, es retratado halagadoramente en The Man of Mode (1676) de Etherege como un aristócrata desenfrenado, ingenioso, intelectual y sexualmente irresistible, un modelo para la idea de la posteridad del glamoroso libertino de la Restauración. (En realidad, nunca es un personaje muy común en la comedia de la Restauración). La obra que más apoya la acusación de obscenidad formulada entonces y ahora contra la comedia de la Restauración es probablemente la obra maestra de Wycherley The Country Wife (1675), cuyo título contiene un juego de palabras lascivo y cuya notoria "escena china" es una serie de dobles sentidos sostenidos. . [40]
Durante la segunda ola de comedia de la Restauración en la década de 1690, las comedias "más suaves" de William Congreve y John Vanbrugh se propusieron atraer a un público más diverso socialmente con un fuerte elemento de clase media, así como a espectadoras. El foco cómico pasa de los jóvenes amantes que burlan a la generación mayor a las vicisitudes de las relaciones matrimoniales. En Love for Love (1695) y The Way of the World (1700), de Congreve , los toma y daca de las parejas que prueban su atracción mutua han mutado en ingeniosos debates prenupciales en vísperas del matrimonio, como en el de este último. famosa escena de "Proviso". La esposa provocada (1697) de Vanbrugh tiene un toque ligero y personajes más humanamente reconocibles, mientras que La recaída (1696) ha sido admirada por su ingenio desechable y la caracterización de Lord Foppington, un petimetre burlesco extravagante y afectado con un lado oscuro. [41] La tolerancia hacia la comedia de la Restauración, incluso en su forma modificada, se estaba agotando a finales del siglo XVII, cuando la opinión pública se volvió hacia la respetabilidad y la seriedad incluso más rápido que los dramaturgos. [42] En el tan esperado estreno estelar en 1700 de The Way of the World , la primera comedia de Congreve en cinco años, el público mostró sólo un entusiasmo moderado por esa obra sutil y casi melancólica. La comedia de sexo y de ingenio estuvo a punto de ser sustituida por la comedia sentimental y el drama de la moralidad ejemplar.
Las contribuciones fundamentales e innovadoras del dramaturgo noruego del siglo XIX Henrik Ibsen y del teatro alemán del siglo XX Bertolt Brecht dominan el drama moderno; cada uno inspiró una tradición de imitadores, que incluyen a muchos de los más grandes dramaturgos de la era moderna. [43] Las obras de ambos dramaturgos son, a su manera, modernistas y realistas , incorporando experimentación formal , metateatralidad y crítica social . [44] En términos del discurso teórico tradicional del género, la obra de Ibsen ha sido descrita como la culminación de una " tragedia liberal ", mientras que la de Brecht ha sido alineada con una comedia historizada . [45]
Otros dramaturgos importantes de la era moderna incluyen a Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Chekhov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Dario Fo , Heiner Müller y Caryl Churchill .
La ópera occidental es una forma de arte dramático que surgió durante el Renacimiento [46] en un intento de revivir el drama griego clásico en el que se combinaban diálogo, danza y canción. Al estar fuertemente entrelazada con la música clásica occidental , la ópera ha experimentado enormes cambios en los últimos cuatro siglos y es una forma importante de teatro hasta el día de hoy. Es de destacar la gran influencia del compositor alemán del siglo XIX Richard Wagner en la tradición de la ópera. En su opinión, no había un equilibrio adecuado entre música y teatro en las óperas de su época, porque en estas obras la música parecía ser más importante que los aspectos dramáticos. Para restablecer la conexión con el drama clásico, renovó por completo la forma operística para enfatizar la igual importancia de la música y el drama en obras que llamó " dramas musicales ".
La ópera china ha experimentado un desarrollo más conservador durante un período de tiempo algo más largo.
La pantomima (informalmente "panto"), [47] es un tipo de producción teatral de comedia musical , diseñada para el entretenimiento familiar. Se desarrolló en Inglaterra y todavía se representa en todo el Reino Unido, generalmente durante la temporada de Navidad y Año Nuevo y, en menor medida, en otros países de habla inglesa. La pantomima moderna incluye canciones, chistes, comedias y bailes, emplea actores que cruzan el género y combina humor actual con una historia basada libremente en un cuento de hadas, una fábula o un cuento popular conocido . [48] [49] Es una forma participativa de teatro, en la que se espera que el público cante junto con ciertas partes de la música y grite frases a los artistas.
Estas historias siguen la tradición de las fábulas y los cuentos populares . Por lo general, se aprende una lección y, con algo de ayuda del público, el héroe/heroína salva el día. Este tipo de obra utiliza personajes comunes vistos en máscaras y nuevamente en la commedia dell'arte , estos personajes incluyen al villano (doctore), el payaso/sirviente (Arlechino/Arlequín/botones), los amantes, etc. Estas obras generalmente tienen un énfasis en la moral . dilemas , y el bien siempre triunfa sobre el mal, este tipo de juego también es muy entretenido por lo que es una forma muy eficaz de llegar a mucha gente.
La pantomima tiene una larga historia teatral en la cultura occidental que se remonta al teatro clásico. Se desarrolló en parte a partir de la tradición italiana de la commedia dell'arte del siglo XVI , así como de otras tradiciones escénicas europeas y británicas, como las mascaradas y el music hall del siglo XVII . [48] Una parte importante de la pantomima, hasta finales del siglo XIX, fue la arlequinada . [50] Fuera de Gran Bretaña, la palabra "pantomima" se usa generalmente para referirse a mímica , en lugar de la forma teatral que se analiza aquí. [51]
El mimo es un medio teatral donde la acción de una historia se cuenta a través del movimiento del cuerpo, sin el uso del habla. Las representaciones de mimo se produjeron en la antigua Grecia , y la palabra está tomada de un único bailarín enmascarado llamado Pantomimo , aunque sus representaciones no eran necesariamente silenciosas. [52] En la Europa medieval , evolucionaron las primeras formas de mimo, como las obras de teatro de mimos y más tarde los espectáculos de tontos . A principios del siglo XIX en París , Jean-Gaspard Deburau solidificó los muchos atributos que hemos llegado a conocer en los tiempos modernos, incluida la figura silenciosa con la cara blanca. [53]
Jacques Copeau , fuertemente influenciado por la Commedia dell'arte y el teatro Noh japonés , utilizó máscaras en la formación de sus actores. Étienne Decroux , un alumno suyo, estuvo muy influenciado por esto y comenzó a explorar y desarrollar las posibilidades del mimo y el mimo corporal refinado en una forma altamente escultórica, sacándolo de los reinos del naturalismo . Jacques Lecoq contribuyó significativamente al desarrollo del mimo y del teatro físico con sus métodos de formación. [54]
Mientras que algunos ballets enfatizan "las líneas y patrones de movimiento en sí", la danza dramática "expresa o imita emociones, personajes y acciones narrativas". [6] Estos ballets son obras teatrales que tienen personajes y "cuentan una historia", [55] Los movimientos de danza en el ballet "a menudo están estrechamente relacionados con formas cotidianas de expresión física, [de modo que] hay una cualidad expresiva inherente a casi todos bailando", y esto se utiliza para transmitir tanto acción como emociones; También se utiliza el mimo. [55] Los ejemplos incluyen El lago de los cisnes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky , que cuenta la historia de Odette, una princesa convertida en cisne por la maldición de un malvado hechicero, el ballet Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev , basado en la famosa obra de Shakespeare, e Igor Stravinsky. 's Petrushka , que cuenta la historia de los amores y celos de tres marionetas.
El drama creativo incluye actividades y juegos dramáticos utilizados principalmente en entornos educativos con niños. Sus raíces en los Estados Unidos comenzaron a principios del siglo XX. Winifred Ward es considerada la fundadora del teatro creativo en la educación, estableciendo el primer uso académico del teatro en Evanston, Illinois. [56]
La forma más antigua de teatro indio fue el drama sánscrito . [57] Entre el siglo I d.C. y el X hubo un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. [58] Con las conquistas islámicas que comenzaron en los siglos X y XI, el teatro fue desaconsejado o prohibido por completo. [59] Más tarde, en un intento por reafirmar los valores e ideas indígenas, se fomentó el teatro de aldea en todo el subcontinente, desarrollándose en varios idiomas regionales entre los siglos XV y XIX. [60] El movimiento Bhakti fue influyente en actuaciones en varias regiones. Aparte de las lenguas regionales, Assam vio el surgimiento del drama vaisnavita en una lengua literaria mezclada artificialmente llamada brajavali . [61] Una forma distinta de obras de teatro en un acto llamada Ankia Naat se desarrolló en las obras de Sankardev , [62] cuya presentación particular se llama Bhaona . [63] El teatro indio moderno se desarrolló durante el período de dominio colonial bajo el Imperio Británico , desde mediados del siglo XIX hasta mediados del XX. [64]
Los fragmentos más antiguos del drama sánscrito que se conservan datan del siglo I d.C. [65] La riqueza de evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece ninguna indicación de la existencia de una tradición teatral. [66] Los antiguos Vedas ( himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura en el mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número están compuestos en forma de diálogo ) y los rituales de los Vedas Este período no parece haberse convertido en teatro. [66] El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pudieron haber sido las semillas del drama sánscrito. [67] Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los inicios del teatro en la India . [67]
La principal fuente de evidencia del teatro sánscrito es Un tratado sobre teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones oscilan entre el 200 a. C. y el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura, el vestuario , el maquillaje , el atrezo , la organización de las compañías, el público, los concursos y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. [67]
Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita . [68] Utilizaba personajes comunes , como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Fue patrocinado tanto por los reyes como por las asambleas de los pueblos. Los primeros dramaturgos famosos incluyen a Bhasa , Kalidasa (famoso por Vikrama y Urvashi , Malavika y Agnimitra , y El reconocimiento de Shakuntala ), Śudraka (famoso por El pequeño carrito de arcilla ), Asvaghosa , Daṇḍin y el emperador Harsha (famoso por Nagananda , Ratnavali y Priyadarsika ). Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). [68]
En la India se ha desarrollado una forma distinta de teatro en la que todo el equipo viaja representando obras de un lugar a otro, con escenarios y equipos improvisados, particularmente en las zonas orientales del país. Jatra ( bengalí para "viajar"), originado en el movimiento vaisnavita de Chaitanya Mahaprabhu en Bengala , es una tradición que sigue este formato. [69] Vaishnavite juega en el vecino estado de Assam, iniciado por Srimanta Sankardeva , toma las formas de Ankia Naat y Bhaona . Estos, junto con las influencias occidentales, han inspirado el desarrollo del teatro móvil moderno, conocido en asamés como Bhramyoman , en Assam. [70] Modern Bhramyoman presenta de todo, desde la mitología hindú hasta adaptaciones de clásicos occidentales y películas de Hollywood , [71] y utiliza técnicas modernas, como efectos visuales en vivo. [ cita necesaria ] Se estima que el teatro móvil asamés es una industria valorada en cien millones. [72] La naturaleza autónoma de Bhramyoman, con todo el equipo e incluso el escenario a cargo de la propia tropa, permite montar espectáculos incluso en aldeas remotas, dando un mayor alcance. [ cita requerida ] Los pioneros de esta industria incluyen a Achyut Lahkar y Brajanath Sarma .
Rabindranath Tagore fue un dramaturgo moderno pionero que escribió obras destacadas por su exploración y cuestionamiento del nacionalismo, la identidad, el espiritualismo y la codicia material. [73] Sus obras están escritas en bengalí e incluyen Chitra ( Chitrangada , 1892), El rey de la cámara oscura ( Raja , 1910), La oficina de correos ( Dakghar , 1913) y Adelfa roja ( Raktakarabi , 1924). [73] Girish Karnad es un destacado dramaturgo que ha escrito varias obras que utilizan la historia y la mitología para criticar y problematizar ideas e ideales que son de relevancia contemporánea. Las numerosas obras de Karnad, como Tughlaq , Hayavadana , Taledanda y Naga-Mandala , son contribuciones importantes al drama indio. Vijay Tendulkar y Mahesh Dattani se encuentran entre los principales dramaturgos indios del siglo XX. Mohan Rakesh en hindi y el danés Iqbal en urdu son considerados arquitectos del drama de la nueva era. Aadhe Adhoore de Mohan Rakesh y Dara Shikoh del danés Iqbal se consideran clásicos modernos.
El teatro chino tiene una historia larga y compleja. Hoy en día se la suele llamar ópera china , aunque normalmente se refiere específicamente a la forma popular conocida como ópera de Beijing y Kunqu ; Ha habido muchas otras formas de teatro en China, como el zaju .
El drama japonés Nō es una forma dramática seria que combina drama, música y danza en una experiencia de interpretación estética completa. Se desarrolló en los siglos XIV y XV y tiene sus propios instrumentos musicales y técnicas de interpretación, que a menudo se transmitían de padres a hijos. Los artistas eran generalmente hombres (tanto para papeles masculinos como femeninos), aunque las mujeres aficionadas también interpretan dramas Nō. El drama Nō contaba con el apoyo del gobierno, y en particular del ejército, y muchos comandantes militares tenían sus propios grupos y, en ocasiones, actuaban ellos mismos. Todavía hoy se representa en Japón. [74]
Kyōgen es la contraparte cómica del drama Nō. Se concentra más en el diálogo y menos en la música, aunque a veces también aparecen instrumentistas de Nō en Kyōgen. El drama kabuki , desarrollado a partir del siglo XVII, es otra forma cómica que incluye la danza.
El drama teatral y musical moderno también se ha desarrollado en Japón en formas como shingeki y Takarazuka Revue .
