Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es el octavo álbum de estudio de labanda de rock inglesa The Beatles . Lanzado el 26 de mayo de 1967, Sgt . Pepper es considerado por los musicólogos como un álbum conceptual temprano que avanzó los roles de la composición de sonido, la forma extendida , las imágenes psicodélicas , las fundas de los discos y el productor en la música popular . El álbum tuvo un impacto intergeneracional inmediato y se asoció con numerosos puntos de referencia de la cultura juvenil de la época, como la moda, las drogas, el misticismo y un sentido de optimismo y empoderamiento. Los críticos elogiaron el álbum por sus innovaciones en la composición de canciones, la producción y el diseño gráfico, por tender un puente sobre la brecha cultural entre la música popular y el arte elevado , y por reflejar los intereses de la juventud contemporánea y la contracultura .
A finales de agosto de 1966, los Beatles se habían retirado definitivamente de las giras y se dedicaron a sus intereses individuales durante los siguientes tres meses. Durante un vuelo de regreso a Londres en noviembre, Paul McCartney tuvo una idea para una canción que involucraba a una banda militar eduardiana que formó el impulso del concepto de Sgt. Pepper . Para este proyecto, continuaron la experimentación tecnológica marcada por su álbum anterior, Revolver (1966), esta vez sin una fecha límite absoluta para su finalización. Las sesiones comenzaron el 24 de noviembre en los estudios EMI con composiciones inspiradas en la juventud de los Beatles, pero después de la presión de EMI , las canciones " Strawberry Fields Forever " y " Penny Lane " fueron lanzadas como un sencillo de doble cara A en febrero de 1967 y quedaron fuera del LP. El álbum fue entonces conceptualizado vagamente como una actuación de la banda ficticia Sgt. Pepper, una idea que se concibió después de grabar la canción principal .
Una obra clave de la psicodelia británica , Sgt. Pepper se considera uno de los primeros LP de rock artístico y un progenitor del rock progresivo . Incorpora una gama de influencias estilísticas, que incluyen vodevil , circo , music hall , vanguardia y música clásica occidental e india . Con la ayuda del productor George Martin y el ingeniero Geoff Emerick , muchas de las grabaciones fueron coloreadas con efectos de sonido y manipulación de cinta, como se ejemplifica en " Lucy in the Sky with Diamonds ", " Being for the Benefit of Mr. Kite! " y " A Day in the Life ". La grabación se completó el 21 de abril. La portada, que muestra a los Beatles posando frente a un cuadro de celebridades y figuras históricas , fue diseñada por los artistas pop Peter Blake y Jann Haworth .
El lanzamiento de Sgt. Pepper fue un momento decisivo en la cultura pop , anunciando la era del álbum y el Verano del Amor de 1967 , mientras que su recepción logró la legitimación cultural completa para la música popular y el reconocimiento del medio como una forma de arte genuina. Fue el primer álbum de los Beatles que se lanzó con el mismo listado de canciones tanto en el Reino Unido como en los EE. UU., pasó 27 semanas en el número uno de la lista Record Retailer en el Reino Unido y 15 semanas en el número uno de la lista Billboard Top LPs en los Estados Unidos. En 1968, ganó cuatro premios Grammy , incluido Álbum del año , el primer LP de rock en recibir este honor; en 2003, fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo". Ha encabezado varias encuestas de críticos y oyentes para el mejor álbum de todos los tiempos, incluidas las publicadas por la revista Rolling Stone y en el libro All Time Top 1000 Albums , y la encuesta " Música del Milenio " del Reino Unido. Se habían vendido más de 32 millones de copias en todo el mundo hasta 2011. Sigue siendo uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos y fue, a partir de 2018, el álbum de estudio más vendido del Reino Unido . Una edición remezclada y ampliada del álbum fue lanzada en 2017.
Estábamos hartos de ser los Beatles. Odiábamos esa actitud de cuatro pequeños con melena de trapeador . No éramos niños, éramos hombres... y nos considerábamos artistas, no meros intérpretes. [2]
A finales de 1965, los Beatles se habían cansado de las actuaciones en directo. [3] En opinión de John Lennon , podrían "enviar cuatro figuras de cera... y eso satisfaría a las multitudes. Los conciertos de los Beatles ya no tienen nada que ver con la música. Son sólo ritos tribales sangrientos". [4] En junio de 1966, dos días después de terminar el álbum Revolver , el grupo partió para una gira que comenzó en Alemania Occidental . [5] Mientras estaban en Hamburgo recibieron un telegrama anónimo que decía: "No vayan a Tokio. Su vida está en peligro". [6] La amenaza se tomó en serio a la luz de la controversia que rodeó la gira entre los grupos religiosos y conservadores de Japón, con particular oposición a las actuaciones planeadas de los Beatles en el sagrado estadio Nippon Budokan . [6] Como precaución adicional, se movilizaron 35.000 policías y se les encargó proteger al grupo, que fue transportado desde los hoteles a las salas de conciertos en vehículos blindados. [7] Los Beatles actuaron luego en Filipinas , donde fueron amenazados y maltratados por sus ciudadanos por no visitar a la primera dama Imelda Marcos . El grupo estaba enojado con su mánager, Brian Epstein , por insistir en lo que consideraban un itinerario agotador y desmoralizante. [8]
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La publicación en Estados Unidos de las declaraciones de Lennon sobre que los Beatles eran " más populares que Jesús " envolvió a la banda en una controversia y protestas en el Bible Belt de Estados Unidos . [9] Una disculpa pública alivió las tensiones, pero una gira por Estados Unidos en agosto que se caracterizó por una reducción en las ventas de entradas, en relación con la asistencia récord del grupo en 1965, y actuaciones mediocres resultó ser la última. [10] El autor Nicholas Schaffner escribe:
Para los Beatles, tocar en esos conciertos se había convertido en una farsa tan alejada de las nuevas direcciones que perseguían que no intentaron tocar ni una sola melodía del recién lanzado LP Revolver , cuyos arreglos eran en su mayor parte imposibles de reproducir con las limitaciones impuestas por su formación en el escenario de dos guitarras, bajo y batería. [11]
Cuando los Beatles regresaron a Inglaterra, comenzaron a circular rumores de que habían decidido separarse. [12] George Harrison le informó a Epstein que dejaba la banda, pero lo persuadieron de quedarse con la seguridad de que no habría más giras. [9] El grupo se tomó un descanso de tres meses, durante el cual se concentraron en intereses individuales. [13] Harrison viajó a la India durante seis semanas para estudiar sitar bajo la instrucción de Ravi Shankar [14] y desarrollar su interés en la filosofía hindú . [15] Habiendo sido el último de los Beatles en admitir que sus presentaciones en vivo se habían vuelto inútiles, [16] Paul McCartney colaboró con el productor de los Beatles George Martin en la banda sonora de la película The Family Way [17] y estuvo de vacaciones en Kenia con Mal Evans , uno de los mánagers de gira de los Beatles . [18] Lennon actuó en la película How I Won the War y asistió a exhibiciones de arte, como una en la Indica Gallery donde conoció a su futura esposa Yoko Ono . [19] Ringo Starr aprovechó el descanso para pasar tiempo con su esposa Maureen y su hijo Zak . [20]
Mientras estaba en Londres sin sus compañeros de banda, McCartney tomó la droga alucinógena LSD (o "ácido") por primera vez, después de haber resistido durante mucho tiempo la insistencia de Lennon y Harrison de que se uniera a ellos y a Starr para experimentar sus efectos de aumento de la percepción. [21] [22] Según el autor Jonathan Gould, esta iniciación en el LSD le proporcionó a McCartney el "nuevo y expansivo sentido de posibilidad" que definió el siguiente proyecto del grupo, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band . Gould agrega que el hecho de que McCartney sucumbiera a la presión de grupo le permitió a Lennon "desempeñar el papel de guía psicodélico" para su compañero de composición, facilitando así una colaboración más estrecha entre los dos de la que había sido evidente desde el comienzo de la carrera de los Beatles. [23] Por su parte, Lennon se había vuelto profundamente introspectivo durante el rodaje de How I Won the War en el sur de España en septiembre de 1966. Su ansiedad por su futuro y el de los Beatles se reflejó en " Strawberry Fields Forever ", [24] una canción que proporcionó el tema inicial, sobre una infancia en Liverpool, del nuevo álbum. [25] A su regreso a Londres, Lennon abrazó la cultura artística de la ciudad, de la que McCartney era parte, [26] y compartió el interés de su compañero de banda en compositores de vanguardia y música electrónica como Karlheinz Stockhausen , John Cage y Luciano Berio . [27] [28]
En noviembre, durante su vuelo de regreso con Evans desde Kenia, McCartney tuvo una idea para una canción que eventualmente formó el impulso del concepto de Sgt. Pepper . [14] Su idea involucraba una banda militar de la era eduardiana , para la cual Evans inventó un nombre al estilo de los grupos contemporáneos con base en San Francisco como Big Brother and the Holding Company y Quicksilver Messenger Service . [29] [nb 2] En febrero de 1967, McCartney sugirió que el nuevo álbum debería representar una actuación de la banda ficticia. [31] Este grupo alter ego les daría la libertad de experimentar musicalmente liberándolos de su imagen de Beatles. [32] Martin recordó que el concepto no se discutió al comienzo de las sesiones, [33] pero posteriormente le dio al álbum "una vida propia". [34] [nb 3]
Algunas partes de Sgt. Pepper reflejan la inmersión general de los Beatles en el blues , el Motown y otras tradiciones musicales populares estadounidenses. [37] El autor Ian MacDonald escribe que al revisar el trabajo reciente de sus rivales a fines de 1966, los Beatles identificaron el LP más significativo como Pet Sounds de los Beach Boys , que Brian Wilson , el líder de la banda, había creado en respuesta a Rubber Soul de los Beatles . [38] McCartney quedó muy impresionado con las "estructuras armónicas" y la elección de instrumentos utilizados en Pet Sounds , y dijo que estos elementos lo alentaron a pensar que los Beatles podían "llegar más lejos" de lo que lo habían hecho los Beach Boys. [39] Identificó a Pet Sounds como su principal inspiración musical para Sgt. Pepper , y agregó que "[tomamos] algunas ideas", [40] aunque sintió que carecía de la calidad de vanguardia que buscaba. [41] Freak Out! de Mothers of Invention también ha sido citado como una influencia para Sgt. Pepper . [42] Según el biógrafo Philip Norman , durante las sesiones de grabación McCartney afirmó repetidamente: "¡Este es nuestro Freak Out! ". [43] El periodista musical Chet Flippo afirmó que McCartney se inspiró para grabar un álbum conceptual después de escuchar Freak Out!. [42]
La música india fue otra piedra de toque en Sgt. Pepper , principalmente para Lennon y Harrison. [44] En una entrevista de 1967, Harrison dijo que el éxito continuo de los Beatles los había animado a seguir desarrollándose musicalmente y que, dada su posición, "podemos hacer cosas que nos gusten sin conformarnos con la idea estándar del pop. No solo estamos involucrados en la música pop, sino en toda la música". [45] McCartney imaginó que los alter egos de los Beatles podrían "hacer un poco de BB King , un poco de Stockhausen, un poco de Albert Ayler , un poco de Ravi Shankar, un poco de Pet Sounds , un poco de The Doors ". [46] Veía al grupo como "empujando fronteras" de manera similar a otros compositores de la época, aunque a los Beatles no "necesariamente les gustaba lo que, digamos, Berio estaba haciendo". [47]
Las sesiones comenzaron el 24 de noviembre de 1966 en el Estudio Dos de los Estudios EMI (posteriormente Abbey Road Studios ), lo que marcó la primera vez que los Beatles se reunían desde septiembre. [49] Con el lujo de un presupuesto de grabación casi ilimitado y sin una fecha límite absoluta para la finalización, [50] la banda reservó sesiones abiertas que comenzaban a las 7 p. m. y les permitían trabajar tan tarde como quisieran. [38] Comenzaron con "Strawberry Fields Forever", seguida de otras dos canciones que estaban vinculadas temáticamente a su infancia: " When I'm Sixty-Four ", cuya primera sesión tuvo lugar el 6 de diciembre, [51] y " Penny Lane ". [52]
"Strawberry Fields Forever" y "Penny Lane" fueron posteriormente lanzadas como un doble lado A en febrero de 1967 después de que EMI y Epstein presionaran a Martin para que lanzara un sencillo. [53] Cuando no logró alcanzar el número uno en el Reino Unido, las agencias de prensa británicas especularon que la racha de éxito del grupo podría haber terminado, con titulares como "Los Beatles no logran llegar a la cima", "Primera vez en cuatro años" y "¿Ha estallado la burbuja?". [54] De acuerdo con el enfoque de la banda para sus sencillos publicados anteriormente, las canciones fueron excluidas de Sgt. Pepper . [55] Martin luego describió la decisión de eliminar estas dos canciones como "el mayor error de mi vida profesional". [56] En su opinión, "Strawberry Fields Forever", que él y la banda pasaron 55 horas de tiempo de estudio grabando, "marcó la agenda para todo el álbum". [57] Explicó: “Iba a ser un disco… [con canciones que] no se podían interpretar en vivo: estaban diseñadas para ser producciones de estudio y esa era la diferencia”. [58] McCartney declaró: “Ahora nuestra interpretación es ese disco”. [58]
Los periódicos musicales empezaron a hablarnos mal... porque [ Sgt. Pepper ] tardó cinco meses en grabarse, y recuerdo la gran alegría que sentí al ver en uno de los periódicos cómo los Beatles se habían secado... y yo estaba sentado frotándome las manos, diciendo: "Ya verás". [59]
Según el musicólogo Walter Everett , Sgt. Pepper marca el comienzo del ascenso de McCartney como la fuerza creativa dominante de los Beatles. Escribió más de la mitad del material del álbum mientras afirmaba un control cada vez mayor sobre la grabación de sus composiciones. [25] [nb 4] En un esfuerzo por obtener el sonido correcto, los Beatles intentaron numerosas repeticiones de la canción de McCartney " Getting Better ". Cuando se tomó la decisión de volver a grabar la pista básica, Starr fue convocado al estudio, pero lo cancelaron poco después cuando el enfoque cambió del ritmo al seguimiento vocal. [61] Gran parte del bajo en el álbum se mezcló por adelantado. [62] Prefiriendo sobregrabar su parte de bajo al final, McCartney tendía a tocar otros instrumentos cuando grababa la pista de acompañamiento de una canción. Este enfoque le dio tiempo para idear líneas de bajo que fueran melódicamente aventureras (una de las cualidades que especialmente admiraba en el trabajo de Wilson en Pet Sounds ) y complementaran el arreglo final de la canción. [63] [nb 5] McCartney tocó instrumentos de teclado como piano, piano de cola y órgano Lowrey , además de guitarra eléctrica en algunas canciones, mientras que Martin contribuyó de diversas formas con el Hohner Pianet , el clavicémbalo y el armonio . [66] Las canciones de Lennon mostraron de manera similar una preferencia por los instrumentos de teclado. [25] [nb 6]
Aunque el papel de Harrison como guitarrista principal fue limitado durante las sesiones, Everett considera que "su contribución al álbum es fuerte en varios sentidos". [70] Proporcionó instrumentación india en forma de sitar, tambura y swarmandal , [71] [72] y Martin le atribuyó el mérito de ser el más comprometido de los Beatles en la búsqueda de nuevos sonidos. [73] [nb 7] La adopción por parte de Starr de parches sueltos de piel de becerro para sus tom-toms aseguró que su batería tuviera un timbre más profundo del que había logrado anteriormente con parches de plástico. [70] Al igual que en Revolver , [75] los Beatles utilizaron cada vez más músicos de sesión, particularmente para arreglos de inspiración clásica. [39] Norman comenta que la voz prominente de Lennon en algunas de las canciones de McCartney "mejoró enormemente su atmósfera", particularmente " Lovely Rita ". [76]
Una hora después de completar las últimas sobregrabaciones de las canciones del álbum, el 20 de abril de 1967, el grupo volvió a « Only a Northern Song » de Harrison, cuya pista básica habían grabado en febrero. [77] Los Beatles sobregrabaron sonidos aleatorios e instrumentación antes de enviarla como la primera de cuatro canciones nuevas que fueron contratados para suministrar a United Artists para su inclusión en la película animada Yellow Submarine . [78] En la descripción del autor Mark Lewisohn , fue una sesión «curiosa», pero que demostró el «tremendo apetito por la grabación» de los Beatles. [77] Durante las sesiones de Sgt. Pepper , la banda también grabó « Carnival of Light », una pieza experimental dirigida por McCartney creada para la Million Volt Light and Sound Rave, celebrada en el Roundhouse Theatre el 28 de enero y el 4 de febrero. [79] El álbum se completó el 21 de abril con la grabación de ruidos aleatorios y voces que se incluyeron en el surco de salida , precedidos por un tono agudo que podía ser escuchado por los perros pero era inaudible para la mayoría de los oídos humanos. [80]
Los Beatles buscaron inyectar una atmósfera de celebración en las sesiones de grabación. [81] Cansados del aspecto soso del interior de EMI, introdujeron una iluminación psicodélica en el estudio, [82] incluyendo un dispositivo en el que se fijaron cinco tubos fluorescentes rojos a un soporte de micrófono, una lámpara de lava , una lámpara roja de cuarto oscuro y un estroboscopio , el último de los cuales pronto abandonaron. [83] Harrison dijo más tarde que el estudio se convirtió en la casa club de la banda para Sgt. Pepper ; [84] David Crosby , Mick Jagger y Donovan estaban entre los amigos músicos que los visitaron allí. [70] [nb 8] Los miembros de la banda también se vistieron con modas psicodélicas, [83] lo que llevó a un trompetista de sesión a preguntarse si estaban disfrazados para una nueva película. [87] El consumo de drogas era frecuente durante las sesiones, [83] y Martin recordó más tarde que el grupo se escapaba para "tomar algo". [88] [nb 9]
La sesión del 10 de febrero para las sobregrabaciones orquestales de « A Day in the Life » se organizó como un acontecimiento típico de la escena vanguardista londinense. [93] [94] Los Beatles invitaron a numerosos amigos [95] y los músicos de sesión llevaban trajes de noche formales aumentados con accesorios de disfraces. [96] [97] Supervisados por el empleado de NEMS Tony Bramwell, los procedimientos se filmaron con siete cámaras de mano, [98] con la banda haciendo parte de la filmación. [99] Después de este evento, el grupo consideró hacer un especial de televisión basado en el álbum. [95] Cada una de las canciones iba a ser representada con un clip dirigido por un director diferente, [100] pero el coste de grabar Sgt. Pepper hizo que la idea fuera prohibitiva para EMI. [101] [nb 10] Para la sesión del 15 de marzo de « Dentro de ti sin ti », el Estudio Dos se transformó con alfombras indias colocadas en las paredes, iluminación tenue y quema de incienso para evocar el estado de ánimo indio requerido. [103] Lennon describió la sesión como una "gran velada de swing" con "400 indios" entre los invitados. [104]
Los Beatles se llevaron un disco de acetato del álbum completo al piso de la cantante estadounidense Cass Elliot , cerca de King's Road en Chelsea . [105] Allí, a las seis de la mañana, lo pusieron a todo volumen con altavoces colocados en marcos de ventanas abiertas. El amigo del grupo y ex agente de prensa, Derek Taylor , recordó que los residentes del barrio abrieron sus ventanas y escucharon sin quejarse lo que entendieron que era música inédita de los Beatles. [106]
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En su libro sobre música ambiental , The Ambient Century: From Mahler to Moby , Mark Prendergast ve a Sgt. Pepper como el "homenaje" de los Beatles a Stockhausen y Cage, y agrega que su "sonido rico y manipulado en cinta" muestra la influencia del compositor electrónico y experimental Pierre Schaeffer . [107] Martin recordó que Sgt. Pepper "surgió naturalmente de Revolver ", marcando "una era de experimentación tecnológica casi continua". [108] El álbum se grabó utilizando un equipo de cuatro pistas , ya que las grabadoras de ocho pistas no estuvieron operativas en los estudios comerciales de Londres hasta fines de 1967. [109] Al igual que con los álbumes anteriores de los Beatles, las grabaciones de Sgt. Pepper hicieron un uso extensivo de la mezcla de reducción , una técnica en la que se mezclan de una a cuatro pistas de una grabadora y se doblan en una máquina maestra de cuatro pistas, lo que permite a los ingenieros darle al grupo un estudio multipista virtual. [110] Las grabadoras de cuatro pistas Studer J37 de EMI eran muy adecuadas para la mezcla de reducción, ya que la alta calidad de las grabaciones que producían minimizaba el aumento de ruido asociado con el proceso. [111] Al grabar la orquesta para "A Day in the Life", Martin sincronizó una grabadora de cuatro pistas que reproducía la pista de acompañamiento de los Beatles con otra que grababa la sobregrabación orquestal. El ingeniero Ken Townsend ideó un método para lograr esto utilizando una señal de control de 50 Hz entre las dos máquinas. [112]
Al escuchar cada etapa de su grabación, una vez que han hecho el primer par de temas, a menudo es difícil ver qué es lo que siguen buscando, ya que suena tan completo. A menudo, la versión final, complicada y bien estructurada, parece haber ahogado la melodía inicial, sencilla. Pero saben que no está bien, incluso si no pueden expresarlo con palabras. Su dedicación es impresionante, royendo la misma canción durante tramos de diez horas cada uno. [113]
– Hunter Davies , 1968
La producción de "Strawberry Fields Forever" fue especialmente compleja, ya que implicó el empalme innovador de dos tomas que se grabaron en diferentes tempos y tonos . [114] [115] Emerick recuerda que durante la grabación de Revolver , "nos habíamos acostumbrado a que nos pidieran hacer lo imposible, y sabíamos que la palabra 'no' no existía en el vocabulario de los Beatles". [116] Una característica clave de Sgt. Pepper es el uso liberal de procesamiento de señales por parte de Martin y Emerick para dar forma al sonido de la grabación, que incluyó la aplicación de compresión de rango dinámico , reverberación y limitación de señal . [117] Se utilizaron unidades de efectos modulares relativamente nuevas, como pasar voces e instrumentos a través de un altavoz Leslie . [118] Varias técnicas de producción innovadoras ocupan un lugar destacado en las grabaciones, incluida la inyección directa , el control de tono y la ambiofónica . [37] La parte de bajo de " Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band " fue el primer ejemplo de grabación de los Beatles mediante inyección directa (DI), que Townsend ideó como un método para conectar guitarras eléctricas directamente a la consola de grabación. [119] En opinión de Kenneth Womack , el uso de DI en la canción principal del álbum "le proporcionó al bajo de McCartney texturas más ricas y claridad tonal". [119]
Algunas de las mezclas emplearon el seguimiento doble automático (ADT), un sistema que utiliza grabadoras de cinta para crear una duplicación simultánea de un sonido. El ADT fue inventado por Townsend durante las sesiones de Revolver en 1966 especialmente para los Beatles, quienes regularmente expresaban su deseo de una alternativa técnica a tener que grabar voces principales duplicadas. [120] Otro efecto importante fue el varispeeding , una técnica que los Beatles usaron ampliamente en Revolver . [118] Martin cita " Lucy in the Sky with Diamonds " como la que tiene más variaciones de velocidad de cinta en Sgt. Pepper . Durante la grabación de la voz de Lennon, la velocidad de la cinta se redujo de 50 ciclos por segundo a 45, lo que produjo una pista con un sonido más alto y delgado cuando se reprodujo a la velocidad normal. [121] Para la canción principal del álbum, la grabación de la batería de Starr se mejoró mediante el uso de amortiguación y microfonía cercana . MacDonald atribuye a la nueva técnica de grabación la creación de un sonido "tridimensional" que, junto con otras innovaciones de los Beatles, los ingenieros en los EE. UU. pronto adoptarían como práctica estándar. [122]
La experimentación artística, como la colocación de galimatías al azar en el surco de salida, se convirtió en una de las características definitorias del álbum. [123] Sgt. Pepper fue el primer álbum pop en ser masterizado sin los espacios momentáneos que normalmente se colocan entre las pistas como punto de demarcación. [124] Hizo uso de dos fundidos cruzados que mezclaban las canciones, dando la impresión de una actuación en vivo continua. [125] [nb 11] Aunque se prepararon mezclas estéreo y monoaurales del álbum, los Beatles participaron mínimamente en lo que consideraban las sesiones de mezcla estéreo menos importantes, dejando la tarea a Martin y Emerick. [127] Emerick recuerda: "Pasamos tres semanas en las mezclas mono y tal vez tres días en el estéreo". [128] La mayoría de los oyentes finalmente escucharon solo la versión estéreo. [129] Calcula que el grupo dedicó 700 horas al LP, más de 30 veces más que el primer álbum de los Beatles, Please Please Me , cuya producción costó 400 libras. [130] El coste final de Sgt. Pepper fue de aproximadamente 25 000 libras (equivalente a 573 000 libras en 2023). [131]
El autor Robert Rodríguez escribe que, si bien Lennon, Harrison y Starr abrazaron la libertad creativa que ofrecía la idea de McCartney de una banda dentro de una banda, "siguieron el concepto con distintos grados de entusiasmo". [132] El personal del estudio recordó que Lennon "nunca había parecido tan feliz" como durante las sesiones de Sgt. Pepper . [133] Sin embargo, en una entrevista de 1969 con Barry Miles , Lennon dijo que estaba deprimido y que, si bien McCartney estaba "lleno de confianza", estaba "pasando por un asesinato". [134] Lennon explicó su visión del concepto del álbum: "Paul dijo: 'Ven a ver el espectáculo', no lo hice. Dije: 'Leí las noticias de hoy, vaya ' " . [135]
Everett describe a Starr como alguien que se había "aburrido en gran medida" durante las sesiones, y el baterista más tarde se lamentó: "El recuerdo más grande que tengo de Sgt. Pepper ... es que aprendí a jugar al ajedrez ". [70] En The Beatles Anthology , Harrison dijo que tenía poco interés en el concepto de McCartney de un grupo ficticio y que, después de sus experiencias en la India, "mi corazón todavía estaba ahí afuera ... estaba perdiendo el interés en ser 'fabuloso' en ese momento". [136] Harrison agregó que, después de haber disfrutado de la grabación de Rubber Soul y Revolver , no le gustó cómo el enfoque del grupo en Sgt. Pepper se convirtió en "un proceso de ensamblaje" por el cual, "Muchas veces terminaba con solo Paul tocando el piano y Ringo manteniendo el tempo, y no se nos permitía tocar tanto como una banda". [92]
En opinión de Lewisohn, Sgt. Pepper representa el último esfuerzo unificado del grupo, mostrando una cohesión que se deterioró inmediatamente después de la finalización del álbum y desapareció por completo con el lanzamiento de The Beatles (también conocido como el "Álbum Blanco") en 1968. [137] Martin recordó en 1987 que durante la realización de Sgt. Pepper , "Había un muy buen espíritu en ese momento entre todos los Beatles y nosotros. Todos éramos conscientes de que estábamos haciendo algo que era genial". Dijo que si bien McCartney dirigió efectivamente el proyecto y, a veces, molestó a sus compañeros de banda, "Paul apreció la contribución de John en Pepper . En términos de cantidad, no fue genial, pero en términos de calidad, fue enorme". [138]
Entre los musicólogos, Allan Moore dice que Sgt. Pepper está compuesto principalmente de música rock y pop, mientras que Michael Hannan y Naphtali Wagner lo ven como un álbum de varios géneros; Hannan dice que presenta "una amplia variedad de géneros musicales y teatrales". [139] Según Hannan y Wagner, la música incorpora las influencias estilísticas del rock and roll , el vodevil , la big band , el piano jazz , el blues , la música de cámara , el circo , el music hall , la vanguardia y la música clásica occidental e india . [140] Wagner siente que la música del álbum reconcilia los "ideales estéticos diametralmente opuestos" de la música clásica y la psicodelia , logrando una "síntesis psicoclásica" de las dos formas. [141] El musicólogo John Covach describe a Sgt. Pepper como " protoprogresivo ". [142]
En realidad no metimos el LP a la fuerza con marihuana y drogas, pero, bueno, hubo un efecto. Tratábamos de mantenerlo fuera de manera más consciente. No dirías: "Tomé algo de ácido, nena, qué genial", pero había una sensación de que algo había sucedido entre Revolver y Sgt. Pepper . [92]
– John Lennon , 1968
Según el autor George Case, todas las canciones de Sgt. Pepper fueron percibidas por los oyentes contemporáneos como inspiradas en las drogas, y 1967 marcó el pináculo de la influencia del LSD en la música pop. [143] Poco antes del lanzamiento del álbum, la BBC prohibió "A Day in the Life" en la radio británica [144] debido a la frase "Me encantaría encenderte"; [145] la BBC afirmó que podría "fomentar una actitud permisiva hacia el consumo de drogas". [146] Aunque Lennon y McCartney negaron cualquier interpretación relacionada con las drogas de la canción en ese momento, McCartney sugirió más tarde que la línea se refería a las drogas o al sexo. [147] El significado de "Lucy in the Sky with Diamonds" se convirtió en tema de especulación, ya que muchos creían que el título era un código para el LSD. [148] En " Being for the Benefit of Mr. Kite! ", la referencia a "Henry the Horse" contiene dos términos de jerga comunes para la heroína. [149] Los fans especularon que Henry the Horse era un traficante de drogas y que " Fixing a Hole " era una referencia al consumo de heroína. [150] Otros notaron letras como "I get high" de " With a Little Help from My Friends ", "take some tea" -jerga para el consumo de cannabis- de "Lovely Rita" y "digging the weeds" de "When I'm Sixty-Four". [151]
La autora Sheila Whiteley atribuye la filosofía subyacente de Sgt. Pepper no solo a la cultura de las drogas , sino también a la metafísica y al enfoque no violento del movimiento flower power . [152] El musicólogo Oliver Julien ve el álbum como una encarnación de "lo social, lo musical y, más generalmente, los cambios culturales de la década de 1960". [153] El valor principal del álbum, según Moore, es su capacidad de "capturar, más vívidamente que casi cualquier cosa contemporánea, su propio tiempo y lugar". [154] Whiteley está de acuerdo, y le atribuye al álbum "proporcionar una instantánea histórica de Inglaterra durante el período previo al Verano del Amor ". [155] Varios académicos han aplicado una estrategia hermenéutica a su análisis de las letras de Sgt. Pepper , identificando la pérdida de la inocencia y los peligros de la indulgencia excesiva en fantasías o ilusiones como los temas más destacados. [156]
Sgt. Pepper abre con la canción principal , comenzando con 10 segundos de sonidos combinados de una orquesta de foso calentándose y una audiencia esperando un concierto, creando la ilusión del álbum como una actuación en vivo. [159] [nb 12] McCartney sirve como maestro de ceremonias , dando la bienvenida a la audiencia a un concierto de reunión del vigésimo aniversario de la banda de Sgt. Pepper, quienes, liderados por Lennon, luego cantan un mensaje de agradecimiento por la cálida respuesta de la multitud. [157] Womack dice que la letra tiende un puente sobre la cuarta pared entre el artista y su audiencia. [162] Argumenta que, paradójicamente, la letra "ejemplifica la retórica sin sentido de las bromas de los conciertos de rock" mientras "se burla de la noción misma de la capacidad de un álbum pop para generar una interconexión auténtica entre el artista y la audiencia". [162] En su opinión, el mensaje mixto sirve irónicamente para distanciar al grupo de sus fans y al mismo tiempo "hacer un gesto hacia" ellos como alter egos. [162]
El puente de cinco compases de la canción está ocupado por un cuarteto de trompas francesas. [163] [164] Womack atribuye el uso de un conjunto de metales con guitarras eléctricas distorsionadas en la grabación como un ejemplo temprano de fusión de rock. [162] MacDonald está de acuerdo y describe la pista como una obertura en lugar de una canción, y una "fusión de orquesta de variedades eduardiana" y hard rock contemporáneo . [163] [nb 13] Hannan describe la mezcla estéreo poco ortodoxa de la pista como "típica del álbum", con la voz principal en el altavoz derecho durante los versos, pero en el izquierdo durante el estribillo y el octavo medio . [166] McCartney regresa como maestro de ceremonias cerca del final de la canción, [167] anunciando la entrada de un alter ego llamado Billy Shears. [119]
La canción principal da paso a « With a Little Help from My Friends » en medio del sonido de los gritos de los fans grabado durante un concierto de los Beatles en el Hollywood Bowl . [168] En su papel de Billy Shears, Starr contribuye con una voz principal de barítono a la que Womack atribuye el mérito de impartir un elemento de «seriedad en marcado contraste con la distancia irónica de la canción principal». [168] Escrita por Lennon y McCartney, la letra de la canción se centra en un tema de preguntas, [169] comenzando con Starr preguntando a la audiencia si se irían si él canta desafinado. [170] En el estilo de llamada y respuesta , Lennon, McCartney y Harrison continúan haciendo preguntas a su compañero de banda sobre el significado de la amistad y el amor verdadero; [168] en el verso final, Starr proporciona respuestas inequívocas. [171] En opinión de MacDonald, la letra es "a la vez comunitaria y personal... [y] pensada como un gesto de inclusión; todos pueden participar". [172] Everett comenta que el uso de una cadencia doble plagal en tono mayor en la canción se volvió algo común en la música pop luego del lanzamiento de Sgt. Pepper . [171]
A pesar de la sospecha generalizada de que el título de " Lucy in the Sky with Diamonds " contenía una referencia oculta al LSD, Lennon insistió en que se derivaba de un dibujo al pastel de su hijo de cuatro años, Julian . Un capítulo alucinatorio de la novela de Lewis Carroll de 1871 Through the Looking-Glass , una de las favoritas de Lennon, inspiró la atmósfera de la canción. [175] Según MacDonald, "la letra recrea explícitamente la experiencia psicodélica ". [148]
El primer verso comienza con lo que Womack caracteriza como "una invitación en forma de imperativo" a través de la línea: "Imagínate en un bote en un río", y continúa con imágenes imaginativas, incluyendo "árboles de mandarina", "gente de caballos mecedores" y "taxis de periódico". [174] El acompañamiento musical incluye una frase tocada por McCartney en un órgano Lowrey, tratado con ADT para sonar como un celeste , [176] y un dron de tambura. [174] Harrison también contribuyó con una parte de guitarra principal que duplica la voz de Lennon sobre los versos al estilo de un intérprete de sarangi que acompaña a un cantante de khyal indio . [177] [104] El crítico musical Tim Riley identifica la pista como un momento "en el álbum, [donde] el mundo material está completamente nublado en lo mítico tanto por el texto como por la atmósfera musical". [178]
MacDonald considera que « Getting Better » contiene «la interpretación más exuberante» de Sgt. Pepper . [179] Womack atribuye al «sonido rockero enérgico» de la canción el hecho de distinguirla del material abiertamente psicodélico del álbum; sus letras inspiran al oyente a «usurpar el pasado viviendo bien y prosperando en el presente». [174] La cita como un fuerte ejemplo de la composición colaborativa de Lennon y McCartney, en particular la adición de Lennon de la línea «No puede empeorar», [180] que sirve como una «réplica sarcástica» al estribillo de McCartney: «Está mejorando todo el tiempo». [181] La contribución de Lennon a la letra también incluye una confesión sobre haber sido violento con sus compañeras femeninas: «Solía ser cruel con mi mujer». [181] En opinión de Womack, la canción anima al oyente a seguir el ejemplo del hablante y "modificar sus propios modos angustiados": "Hombre, yo era malo, pero estoy cambiando mi escena y estoy haciendo lo mejor que puedo". [181]
" Fixing a Hole " trata sobre el deseo de McCartney de dejar que su mente vague libremente y de expresar su creatividad sin la carga de inseguridades autoconscientes. [182] [nb 14] Womack interpreta la letra como "la búsqueda de identidad del hablante entre la multitud", en particular las "búsquedas de conciencia y conexión" que diferencian a los individuos de la sociedad en su conjunto. [181] MacDonald la caracteriza como una "pista distraída e introvertida", durante la cual McCartney renuncia a su "diseño suave habitual" en favor de "algo más preocupado". [184] Cita el solo de guitarra eléctrica de Harrison como algo que sirve bien a la pista, capturando su estado de ánimo al transmitir desapego. [184] Womack señala la adaptación de McCartney de la letra "un agujero en el techo donde se filtra la lluvia" de " We're Gonna Move " de Elvis Presley . [185]
En opinión de Everett, la letra de " She's Leaving Home " aborda el problema de la alienación "entre pueblos en desacuerdo", particularmente aquellos distanciados entre sí por la brecha generacional . [186] La narrativa de McCartney detalla la difícil situación de una mujer joven que escapa del control de sus padres, y se inspiró en un artículo sobre adolescentes fugitivos publicado en el Daily Mail . [187] Lennon proporciona una voz de apoyo que transmite la angustia y la confusión de los padres. [188] Es la primera pista de Sgt. Pepper que evita el uso de guitarras y batería, presentando solo un noneto de cuerdas con arpa. [189] [nb 15] El historiador musical Doyle Greene lo ve como la primera de las canciones del álbum que aborda "la crisis de la vida de la clase media a fines de la década de 1960" y comenta sobre sus sentimientos sorprendentemente conservadores, dada la absorción de McCartney en la escena de vanguardia de Londres. [193]
Lennon adaptó la letra de " Being for the Benefit of Mr. Kite! " de un cartel de 1843 para el circo de Pablo Fanque que compró en una tienda de antigüedades en Kent el día de la filmación de la película promocional de "Strawberry Fields Forever". [194] Womack ve la pista como una mezcla efectiva de una fuente impresa y música, [195] mientras que MacDonald la describe como "una expresión espontánea del hedonismo lúdico de su autor". [196] Encargados por Lennon de evocar una atmósfera de circo tan vívida que pudiera "oler el aserrín", Martin y Emerick crearon un collage sonoro que comprendía grabaciones ensambladas al azar de armonios, armónicas y calíopes . [197] Everett dice que el uso de imágenes eduardianas en la pista la vincula temáticamente con la canción principal del álbum. [198] Gould también ve "Mr. Kite!" como un retorno al motivo de apertura del LP, aunque se trata del mundo del espectáculo y con el foco puesto ahora en los intérpretes y en un espectáculo en un entorno radicalmente diferente. [199] [nb 16]
No estamos tratando de engañar al público. La idea es intentar, un poco, llevar a la gente a diferentes gustos. [201]
– George Harrison , 1967
La música clásica indostánica de Harrison , « Within You Without You », refleja su inmersión en las enseñanzas de los Vedas hindúes , mientras que su forma musical y la instrumentación india, como el sitar, la tabla , los dilrubas y los tamburas, recuerdan la tradición devocional hindú conocida como bhajan . [202] Harrison grabó la canción con músicos indios radicados en Londres del Asian Music Circle ; ninguno de los otros Beatles tocó en la grabación. [203] Luego, él y Martin trabajaron en un arreglo de cuerdas occidental que imitaba los slides y bends típicos de la música india. [204] [205] El tono de la canción se deriva de la escala oriental Khamaj , que es similar al modo mixolidio en Occidente. [205]
MacDonald considera "Within You Without You" como "la desviación más lejana del sonido básico de los Beatles en su discografía", y una obra que representa la "conciencia" del LP a través del rechazo de las letras al materialismo occidental. [206] Womack lo llama "podría decirse que es el alma ética del álbum" y ve la línea "Con nuestro amor podríamos salvar el mundo" como un reflejo conciso del idealismo de los Beatles que pronto inspiró el Verano del Amor. [207] La pista termina con una explosión de risas extraída de una cinta en el archivo de EMI; [126] algunos oyentes interpretaron esto como una burla de la canción, pero Harrison explicó: "Es un lanzamiento después de cinco minutos de música triste... Se suponía que debías escuchar a la audiencia de todos modos, mientras escuchan Sergeant Pepper's Show. Ese era el estilo del álbum". [208]
MacDonald caracteriza " When I'm Sixty-Four " de McCartney como una canción "dirigida principalmente a los padres", tomando prestado en gran medida del estilo de music hall inglés de George Formby , al tiempo que invoca imágenes de las postales costeras del ilustrador Donald McGill . [210] Su arreglo escaso incluye clarinetes, campanillas y piano. [211] Moore ve la canción como una síntesis de ragtime y pop, y agrega que su posición después de "Within You Without You", una mezcla de música clásica india y pop, demuestra la diversidad del material del álbum. [212] Dice que la atmósfera de music hall se ve reforzada por la entrega vocal de McCartney y el uso del cromatismo en la grabación , un patrón armónico que se puede rastrear hasta " The Ragtime Dance " de Scott Joplin y " The Blue Danube " de Johann Strauss . [213] Se utilizó varispeeding en la pista, elevando su tono en un semitono en un intento de hacer que McCartney sonara más joven. [214] Everett comenta que el protagonista de la letra a veces se asocia con Lonely Hearts Club Band, pero en su opinión la canción no está conectada temáticamente con las demás del álbum. [215]
Womack describe " Lovely Rita " como una obra de "psicodelia a toda máquina" que contrasta marcadamente con la pista anterior. [216] Citando el recuerdo de McCartney de que se inspiró al enterarse de que el término estadounidense para una agente de tráfico femenina era "agente de parquímetros", Gould lo considera una celebración de un encuentro que evoca el Swinging London y la elegancia contemporánea de los uniformes de estilo militar. [217] MacDonald considera la canción como una "sátira sobre la autoridad" que está "imbuida de un interés exuberante en la vida que eleva los ánimos, dispersando la autoabsorción". [218] El arreglo incluye un cuarteto de kazoos de peine y papel , [218] un solo de piano de Martin y una coda en la que los Beatles se entregan a jadeos, gemidos y otros sonidos vocalizados. [219] En opinión de Gould, la canción representa "la pieza clave en el repertorio de Pepper Band: una canción divertida, sexy y extrovertida que se acerca más al espíritu del rock 'n' roll que cualquier otra cosa en el álbum". [220]
Lennon se inspiró para escribir « Good Morning Good Morning » después de ver un anuncio de televisión de Kellogg's Corn Flakes, del que adaptó el jingle para el estribillo de la canción . La canción utiliza el modo blues mixolidio en A, al que Everett atribuye el mérito de «expresar perfectamente el agravio de Lennon contra la complacencia». [221] Según Greene, la canción contrasta marcadamente con «She's Leaving Home» al proporcionar «el estudio subversivo más 'vanguardista' de la vida suburbana». [222] El compás varía entre 5/4, 3/4 y 4/4, [223] mientras que el arreglo incluye una sección de vientos que comprende a miembros de Sounds Inc. [224] MacDonald destaca la "alegre" partitura de metales, la batería de Starr y el "chispeante solo de guitarra pseudoindio" de McCartney entre los elementos que transmiten una sensación de agresión en una pista que él considera un "galope disgustado a través del lodo, el caos y la mundanidad de la granja humana". [225] Una serie de ruidos de animales aparecen durante el desvanecimiento que están secuenciados -a pedido de Lennon- de modo que cada animal sucesivo podría asustar o devorar al anterior. [226] El sonido de un pollo cacareando se superpone con una nota de guitarra perdida al comienzo de la siguiente pista, [227] creando una transición perfecta entre las dos canciones. [228]
" Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) " sigue como una transición al final del álbum. La canción de hard rock fue escrita después de que Neil Aspinall , el road manager de los Beatles, sugiriera que ya que "Sgt. Pepper" abría el álbum, la banda ficticia debería hacer una aparición cerca del final. [229] Cantada por los cuatro Beatles, [230] la repetición omite la sección de metales de la canción principal y tiene un tempo más rápido. [231] Con Harrison en la guitarra principal, sirve como un raro ejemplo de las sesiones de Sgt. Pepper donde el grupo grabó una pista básica en vivo con su instrumentación de escenario habitual. [232] MacDonald encuentra la emoción de los Beatles traducida tangiblemente en la grabación, [229] que nuevamente se aumenta con el ruido ambiental de la multitud. [232]
El último acorde de la repetición de "Sgt. Pepper" se transmite entre aplausos del público a rasgueos de guitarra acústica y el comienzo de lo que Moore llama "una de las canciones más desgarradoras jamás escritas". [234] " A Day in the Life " consta de cuatro versos de Lennon, un puente, dos crescendos orquestales aleatorios y una parte intermedia interpolada escrita y cantada por McCartney. El primer crescendo sirve como una transición entre el tercer verso y la parte intermedia, lo que lleva a un puente conocido como la "secuencia del sueño". [234] Lennon se inspiró para la letra de un informe del Daily Mail sobre baches en la ciudad de Blackburn , en Lancashire , y un artículo en el mismo periódico relacionado con la muerte de la amiga de los Beatles y heredera de Guinness, Tara Browne . [235] [236]
Según Martin, Lennon y McCartney fueron igualmente responsables de la decisión de utilizar una orquesta. [237] Martin dijo que Lennon pidió "una tremenda acumulación, desde la nada hasta algo absolutamente parecido al fin del mundo", [238] mientras que McCartney hizo realidad esta idea inspirándose en Cage y Stockhausen. [239] Womack describe la interpretación de Starr como "una de sus partes de batería más inventivas en el disco". [240] El estruendoso acorde de piano que concluye la pista y el álbum fue producido mediante la grabación de Lennon, Starr, McCartney y Evans tocando simultáneamente un acorde de mi mayor en tres pianos separados; Martin luego aumentó el sonido con un armonio. [241]
Riley caracteriza la canción como un "postludio a la fantasía de Pepper ... que pone todas las demás canciones en perspectiva", al tiempo que rompe la ilusión de "Pepperland" al introducir el "universo paralelo de la vida cotidiana". [242] MacDonald describe la canción como "una canción no de desilusión con la vida misma, sino de desencanto con los límites de la percepción mundana". [236]
Al final de "A Day in the Life", se escucha un tono de alta frecuencia de 15 kilohercios ; se agregó por sugerencia de Lennon con la intención de que molestara a los perros. [243] [nb 17] A esto le siguen los sonidos de risas al revés y galimatías al azar que se presionaron en el surco concéntrico de salida del disco, que se repite sin fin en cualquier tocadiscos que no esté equipado con un retorno automático de la aguja. Se puede escuchar a Lennon decir: "He estado tan alto", seguido de la respuesta de McCartney: "Nunca podría ser de otra manera". [245] [nb 18]
Según Womack, con la canción de apertura de Sgt. Pepper "los Beatles fabrican un espacio textual artificial en el que escenificar su arte". [119] La repetición de la canción principal aparece en el lado dos, justo antes del clímax "A Day in the Life", creando un dispositivo de encuadre . [229] En opinión de Lennon y Starr, solo las dos primeras canciones y la repetición están conectadas conceptualmente. [25] En una entrevista de 1980, Lennon declaró que sus composiciones no tenían nada que ver con el concepto de Sgt. Pepper, y agregó: " Sgt. Pepper se llama el primer álbum conceptual, pero no va a ninguna parte... funciona porque dijimos que funcionaba". [248]
En opinión de MacFarlane, los Beatles "eligieron emplear un concepto temático general en un aparente esfuerzo por unificar las pistas individuales". [249] Everett sostiene que la "unidad musical del álbum resulta... de las relaciones motívicas entre las áreas clave, particularmente las que involucran C, E y G". [245] Moore sostiene que el "uso de patrones armónicos comunes y melodías descendentes" en la grabación contribuye a su cohesión general, que describe como unidad narrativa, pero no necesariamente unidad conceptual. [250] MacFarlane está de acuerdo, sugiriendo que, con la excepción de la repetición, el álbum carece de la continuidad melódica y armónica que es consistente con la forma cíclica. [251]
En una entrevista de 1995, McCartney recordó que el tema de la infancia de Liverpool detrás de las primeras tres canciones grabadas durante las sesiones de Sgt. Pepper nunca se formalizó como un concepto para todo el álbum, pero dijo que sirvió como un "dispositivo" o tema subyacente a lo largo del proyecto. [38] MacDonald identifica alusiones a la crianza de los Beatles a lo largo de Sgt. Pepper que son "demasiado persuasivas para ignorarlas". Estas incluyen evocaciones de la tradición del music-hall del norte de posguerra, referencias a las ciudades industriales del norte y los días escolares de Liverpool, imágenes inspiradas en Lewis Carroll (reconociendo la lectura favorita de la infancia de Lennon), el uso de instrumentación de viento en el estilo de las actuaciones en el quiosco de música del parque (familiar para McCartney a través de sus visitas a Sefton Park ), [252] y el arreglo floral de la portada del álbum similar a un reloj floral . [253] Norman está de acuerdo en parte; Dice que "en muchos sentidos, el álbum mantuvo el tema de la infancia y de Liverpool con sus efectos de circo y feria, su atmósfera omnipresente del tradicional music hall del norte que estaba en la sangre de sus principales creadores [McCartney y Lennon]". [254] [nb 19]
Los artistas pop Peter Blake y Jann Haworth diseñaron la portada del álbum Sgt. Pepper . [255] Blake recordó el concepto: "Propuse la idea de que si hubieran tocado un concierto en el parque, la portada podría ser una fotografía del grupo justo después del concierto con la multitud que acababa de ver el concierto, mirándolos". Añadió: "Si hiciéramos esto usando recortes de cartón, podría ser una multitud mágica de quien quisieran". [256] Según McCartney, él mismo proporcionó el dibujo a tinta en el que Blake y Haworth basaron el diseño. [257] [nb 20] La portada fue dirigida artísticamente por Robert Fraser y fotografiada por Michael Cooper . [255]
La portada del LP incluye un collage colorido que muestra a los Beatles disfrazados como la banda del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club, de pie con un grupo de figuras de cartón de tamaño natural de personajes famosos. [259] Cada uno de los Beatles luce un bigote espeso, después de que Harrison se lo dejara crecer por primera vez como disfraz durante su visita a la India. [15] Los bigotes reflejaban la creciente influencia de las tendencias de estilo hippie , mientras que la ropa del grupo, según la descripción de Gould, "parodiaba la moda en Gran Bretaña de las modas militares". [260] El centro de la portada muestra a los Beatles de pie detrás de un bombo en el que el artista de feria Joe Ephgrave pintó las palabras del título del álbum. Delante del bombo hay un arreglo de flores que deletrean "Beatles". [261] El grupo está vestido con uniformes militares de satén de colores brillantes que fueron fabricados por la empresa de vestuario teatral londinense M. Berman Ltd. Junto a los Beatles hay esculturas de cera de los miembros de la banda con sus trajes y cortes de pelo de la era de la Beatlemanía , tomados prestados de Madame Tussauds . [262] En medio de la vegetación hay figuras de las deidades orientales Buda y Lakshmi . [263]
El collage de la portada incluye 57 fotografías y nueve figuras de cera . [264] El autor Ian Inglis ve el cuadro "como una guía de la topografía cultural de la década" que transmitía la creciente democratización de la sociedad por la que "las barreras tradicionales entre la cultura 'alta' y la 'baja' se estaban erosionando", [264] mientras que Case lo cita como la demostración más explícita de la "continuidad de la cultura pop con las vanguardias de antaño". [265] [nb 21] La agrupación final incluía a Stockhausen y Carroll, junto con cantantes como Bob Dylan y Bobby Breen ; las estrellas de cine Marlon Brando , Tyrone Power , Tony Curtis , Marlene Dietrich , Mae West y Marilyn Monroe ; el artista Aubrey Beardsley ; el boxeador Sonny Liston y el futbolista Albert Stubbins . También se incluyeron los comediantes Stan Laurel y Oliver Hardy ; los escritores HG Wells , Oscar Wilde y Dylan Thomas ; y los filósofos y científicos Karl Marx , Albert Einstein , Sigmund Freud y Carl Jung . [264] Harrison eligió a los gurús de Self-Realization Fellowship Mahavatar Babaji , Lahiri Mahasaya , Sri Yukteswar y Paramahansa Yogananda . [266] Los Rolling Stones están representados por un muñeco que lleva una camiseta blasonada con un mensaje de bienvenida a la banda. [265] [267]
Por temor a la controversia, EMI rechazó la solicitud de Lennon de imágenes de Adolf Hitler y Jesucristo y la de Harrison de Mahatma Gandhi . [72] Cuando se le preguntó a McCartney por qué los Beatles no incluyeron a Elvis Presley entre los artistas musicales, respondió: "Elvis era demasiado importante y estaba demasiado por encima del resto como para siquiera mencionarlo". [268] [269] Starr fue el único Beatle que no ofreció sugerencias para el collage, y le dijo a Blake: "Lo que digan los demás está bien para mí". [270] El costo final de la portada fue de casi £ 3,000 (equivalente a £ 69,000 en 2023), una suma extravagante para una época en la que las portadas de los álbumes normalmente costarían alrededor de £ 50 (equivalente a £ 1,100 en 2023). [271]
La sesión de fotos del 30 de marzo de 1967 con Cooper también produjo la contraportada y la portada interior , que Inglis describe como transmisora de "una calidez obvia e inmediata... que la distancia de la esterilidad y el artificio típicos de tales imágenes". [261] McCartney recordó la imagen de la portada interior como un ejemplo del interés de los Beatles en los "mensajes oculares", y agregó: "Entonces, con la foto interior de Michael Cooper, todos dijimos: '¡Ahora mira a esta cámara y realmente di que te amo! ¡Realmente intenta sentir amor; realmente da amor a través de esto!' ... [Y] si la miras, verás el gran esfuerzo de los ojos". [275] En la descripción de Lennon, las fotos de Cooper de la banda mostraban "dos personas que están volando [drogadas] y dos que no". [268]
Las letras del álbum fueron impresas en su totalidad en la contraportada, la primera vez que esto se hacía en un LP de rock. [276] La funda interior del disco presentaba ilustraciones del equipo de diseño holandés The Fool que evitó por primera vez el papel blanco estándar a favor de un patrón abstracto de ondas de color granate, rojo, rosa y blanco. [261] [nb 23] Se incluyó como regalo extra una hoja de recortes de cartón diseñados por Blake y Haworth. Estos consistían en un retrato del tamaño de una postal del sargento Pepper (probablemente basado en una fotografía del oficial del ejército británico James Melville Babington , [278] pero también se señaló que era similar a una estatua de la casa de Lennon que se usó en la portada), un bigote falso , dos juegos de rayas de sargento, dos insignias de solapa y un recorte de pie de la banda con sus uniformes de satén. [271] Moore escribe que la inclusión de estos elementos ayudó a los fanáticos a "fingir que estaban en la banda". [279]
El álbum fue presentado en la estación de radio pirata Radio London el 12 de mayo y oficialmente en el programa Where It's At de BBC Light Programme , por Kenny Everett , el 20 de mayo. [280] Everett tocó el álbum completo excepto "A Day in the Life". [144] El día antes de la transmisión de Everett, Epstein organizó una fiesta de lanzamiento para periodistas musicales y disc jockeys en su casa en Belgravia en el centro de Londres. [281] [282] El evento fue una nueva iniciativa en la promoción del pop y promovió la importancia del lanzamiento del álbum. [283] El reportero de Melody Maker lo describió como la primera "escucha" y típico de la inclinación de los Beatles por la innovación. [284]
La fiesta marcó la primera interacción grupal de la banda con la prensa en casi un año. [285] [286] Norrie Drummond de NME escribió que habían estado "prácticamente incomunicados" durante ese tiempo, lo que llevó a un periódico nacional a quejarse de que la banda era "contemplativa, reservada y exclusiva". [286] Algunos de los periodistas presentes se sorprendieron por la apariencia de los Beatles, particularmente la de Lennon y Harrison, [287] ya que la vestimenta bohemia de los miembros de la banda contrastaba marcadamente con su imagen anterior. [285] El periodista musical Ray Coleman recordó que Lennon parecía "demacrado, viejo, enfermo" y claramente bajo la influencia de las drogas. [288] El biógrafo Howard Sounes compara la presencia de los Beatles con una reunión de la familia real británica y destaca una foto del evento que muestra a Lennon estrechando la mano de McCartney "de una manera exageradamente de felicitación, echando la cabeza hacia atrás en una risa sarcástica". [289]
El 26 de mayo, Sgt. Pepper fue lanzado en el Reino Unido con urgencia, antes de la fecha prevista del 1 de junio. [290] El octavo LP de la banda, [291] fue el primer álbum de los Beatles en el que las listas de canciones eran exactamente las mismas para las versiones del Reino Unido y los Estados Unidos. [83] El lanzamiento en los Estados Unidos tuvo lugar el 2 de junio. [290] La publicidad de Capitol Records para el álbum enfatizó que los Beatles y la banda de Sgt. Pepper eran uno y el mismo. [292]
Sgt. Pepper fue ampliamente percibido por los oyentes como la banda sonora del Verano del Amor, [293] [294] durante un año que el autor Peter Lavezzoli llama "un momento decisivo en Occidente cuando la búsqueda de una conciencia superior y una visión alternativa del mundo había alcanzado una masa crítica". [295] Langdon Winner de la revista Rolling Stone recordó:
La semana en que se publicó el álbum Sgt. Pepper, la civilización occidental que más se ha acercado a la unidad desde el Congreso de Viena de 1815, fue la semana en que se lanzó. En todas las ciudades de Europa y América, las estaciones de radio lo emitieron... y todo el mundo lo escuchó... Por un breve tiempo, la conciencia irremediablemente fragmentada de Occidente estuvo unificada, al menos en las mentes de los jóvenes. [296]
Según Riley, el álbum "unió a la gente a través de la experiencia común del pop a una escala mayor que nunca antes". [297] En la descripción de MacDonald, un "asombro casi religioso rodeó el LP"; dice que su impacto fue intergeneracional, ya que "jóvenes y viejos por igual estaban fascinados", y definió una era, en el sentido de que el "escalofrío psíquico" que inspiró en todo el mundo fue "nada menos que una disolución cinematográfica de un Zeitgeist a otro". En su opinión, Sgt. Pepper transmitió la experiencia psicodélica de manera tan efectiva a los oyentes no familiarizados con las drogas alucinógenas que "si es posible algo así como un ' subidón de contacto ' cultural, sucedió aquí". [298] [nb 24] El periodista musical Mark Ellen , un adolescente en 1967, recuerda haber escuchado parte del álbum en la casa de un amigo y luego haber escuchado el resto sonando en la siguiente casa que visitó como si el disco emanara comunitariamente de "una Dansette gigante ". Dice que lo más destacable fue su aceptación por parte de los adultos que se habían vuelto contra los Beatles cuando se volvieron "demacrados y enigmáticos", y cómo el grupo, reinterpretado como "maestros de ceremonia" pulidos, ahora eran "los mismos favoritos de la familia que habían tratado de satirizar". [299] [nb 25]
En su libro Electric Shock , Peter Doggett describe a Sgt. Pepper como "el mayor acontecimiento pop" que tuvo lugar entre el debut de los Beatles en la televisión estadounidense en febrero de 1964 y el asesinato de Lennon en diciembre de 1980, [301] mientras que Norman escribe: "Toda una generación, todavía acostumbrada a los momentos felices de la vida, siempre recordaría exactamente cuándo y dónde lo tocaron por primera vez ..." [302] El impacto del álbum se sintió en el Monterey International Pop Festival , el segundo evento del Summer of Love, organizado por Taylor y celebrado entre el 16 y el 18 de junio en el recinto ferial del condado al sur de San Francisco. [303] [304] Sgt. Pepper se tocó en quioscos y puestos allí, y el personal del festival llevaba insignias con la letra de Lennon "A splendid time is assured for all" (Un momento espléndido está garantizado para todos). [45]
Las estaciones de radio estadounidenses interrumpieron su programación habitual, reproduciendo el álbum prácticamente sin parar, a menudo de principio a fin. [305] Enfatizando su identidad como un trabajo autónomo, ninguna de las canciones se publicó como sencillo en ese momento [306] [307] o estuvo disponible en EP derivados . [308] En cambio, los Beatles lanzaron " All You Need Is Love " como sencillo en julio, después de interpretar la canción en la transmisión satelital Our World el 25 de junio [309] ante una audiencia estimada en 400 millones. [310] Según el sociomusicólogo Simon Frith , la transmisión internacional sirvió para confirmar "el papel evangélico de los Beatles" en medio de la aceptación del público de Sgt. Pepper . [311] En el Reino Unido, Our World también sofocó el furor que siguió a la repetida admisión de McCartney a mediados de junio de que había tomado LSD. [312] En la descripción de Norman, esta admisión fue indicativa de lo "invulnerable" que se sentía McCartney después de Sgt. Pepper ; [313] hizo público el consumo de drogas de la banda [314] y confirmó el vínculo entre el álbum y las drogas. [315] [nb 26]
Sgt. Pepper encabezó la lista de álbumes de Record Retailer (ahora UK Albums Chart ) durante 23 semanas consecutivas desde el 10 de junio, con otras cuatro semanas en el número uno en el período hasta febrero de 1968. [319] El disco vendió 250.000 copias en el Reino Unido durante sus primeros siete días a la venta allí. [290] [nb 27] El álbum mantuvo la posición número uno en la lista Billboard Top LPs en los EE. UU. durante 15 semanas, desde el 1 de julio hasta el 13 de octubre de 1967, y permaneció en el top 200 durante 113 semanas consecutivas. [323] También encabezó las listas en muchos otros países. [324]
Con 2,5 millones de copias vendidas en los tres meses siguientes a su lanzamiento, [325] el éxito comercial inicial de Sgt. Pepper superó al de todos los álbumes anteriores de los Beatles. [150] En el Reino Unido, fue el álbum más vendido de 1967 [326] y de la década. [327] Según las cifras publicadas en 2009 por el ex ejecutivo de Capitol David Kronemyer, además de las estimaciones que dio en la revista MuseWire , [328] el álbum había vendido 2.360.423 copias en los EE. UU. hasta el 31 de diciembre de 1967 y 3.372.581 copias al final de la década. [329]
La llegada de Sgt. Pepper a finales de la primavera de 1967 se produjo en un momento sumamente oportuno en la historia cultural occidental: el periodismo convencional por fin se había entusiasmado con la idea de que el mundo del "rock" ... podía producir una obra maestra duradera que trascendiera los orígenes humildes del género, mientras que un nicho nuevo y legítimo llamado "periodismo de rock" estaba ganando terreno ... [T]odo el mundo quería que los Beatles triunfaran y lideraran. El viento soplaba a su favor y ellos lo sabían. [330]
– Robert Rodríguez, biógrafo de los Beatles, 2012
El lanzamiento de Sgt. Pepper coincidió con un período en el que, con el advenimiento de la crítica de rock dedicada , los comentaristas buscaron reconocer el arte en la música pop, particularmente en el trabajo de los Beatles, e identificar los álbumes como declaraciones artísticas refinadas. [331] [332] En Estados Unidos, este enfoque se había intensificado con el sencillo "Strawberry Fields Forever" / "Penny Lane", [333] y también fue ejemplificado por el programa de televisión de Leonard Bernstein Inside Pop: The Rock Revolution , transmitido por CBS en abril de 1967. [331] Después del lanzamiento del sencillo de los Beatles, en la descripción del autor Bernard Gendron, se produjo un "frenesí discursivo" a medida que Time , Newsweek y otras publicaciones de la corriente cultural dominante expresaron cada vez más su "aprobación extática hacia los Beatles". [333]
La gran mayoría de las críticas contemporáneas de Sgt. Pepper fueron positivas, y el álbum recibió elogios generalizados de la crítica. [334] Schaffner dijo que el consenso fue resumido acertadamente por Tom Phillips en The Village Voice , cuando llamó al LP "el álbum de discos más ambicioso y exitoso jamás publicado". [335] Entre la prensa pop británica, Peter Jones de Record Mirror dijo que el álbum era "inteligente y brillante, de estridente a conmovedor y viceversa", mientras que el crítico de Disc and Music Echo lo llamó "un disco hermoso y potente, único, inteligente y sorprendente". [336] En The Times , William Mann describió a Sgt. Pepper como una "clase magistral de música pop" [337] y comentó que, tan considerables fueron sus avances musicales, "la única pista que habría sido concebible en las canciones pop hace cinco años" era "With a Little Help from My Friends". [338] Habiendo sido uno de los primeros críticos británicos en apreciar plenamente Revolver , [339] Peter Clayton de la revista Gramophone dijo que el nuevo álbum era "como casi todo lo que hacen los Beatles, extraño, maravilloso, perverso, hermoso, emocionante, provocador, exasperante, compasivo y burlón". Encontró "mucho truco electrónico en el disco" antes de concluir: "pero ese no es el corazón de la cosa. Es la combinación de imaginación, descaro y habilidad lo que hace que este sea un LP tan gratificante". [340] Wilfrid Mellers , en su reseña para New Statesman , elogió la elevación del álbum de la música pop al nivel de bellas artes, [337] mientras que Kenneth Tynan , crítico de teatro de The Times , dijo que representaba "un momento decisivo en la historia de la civilización occidental". [341] Jack Kroll de Newsweek llamó a Sgt. Pepper una "obra maestra" y comparó sus letras con obras literarias de Edith Sitwell , Harold Pinter y TS Eliot , particularmente "A Day in the Life", que comparó con The Waste Land de Eliot . [342] The New Yorker emparejó a los Beatles con Duke Ellington , como artistas que operaban "en ese territorio especial donde el entretenimiento se convierte en arte". [343] [344]
Uno de los pocos críticos de rock estadounidenses conocidos en ese momento, y otro de los primeros defensores de Revolver , Richard Goldstein escribió una crítica mordaz en The New York Times . [345] Caracterizó a Sgt. Pepper como un niño "malcriado" y "un álbum de efectos especiales, deslumbrante pero en última instancia fraudulento", [346] [347] y criticó a los Beatles por sacrificar su autenticidad para convertirse en "compositores enclaustrados". [348] Aunque admiraba "A Day in the Life", comparándolo con una obra de Richard Wagner , [349] Goldstein dijo que las canciones carecían de sustancia lírica de tal manera que "el tono supera al significado", una estética que atribuyó a la "postura y la simulación" en forma de efectos de producción como el eco y la reverberación . [350] Como una voz disidente casi solitaria, fue ampliamente castigado por sus puntos de vista. [351] [nb 28] Cuatro días después, The Village Voice , donde Goldstein se había convertido en un columnista célebre desde 1966, reaccionó al "avispero" de quejas, publicando la crítica altamente favorable de Phillips. [353] Según Schaffner, Goldstein "se mantuvo ocupado durante meses" justificando sus opiniones, [351] lo que incluyó escribir una defensa de su crítica, para el Voice , en julio. [354] [nb 29]
Entre los comentaristas que respondieron a la crítica de Goldstein, [356] el compositor Ned Rorem , escribiendo en The New York Review of Books , atribuyó a los Beatles la posesión de una "magia de genio" similar a la de Mozart y caracterizó a Sgt. Pepper como un precursor de un "renacimiento dorado de la canción". [335] Time citó a musicólogos y compositores de vanguardia que equipararon el estándar de composición de los Beatles a Schubert y Schumann , y ubicaron el trabajo de la banda en la música electrónica; [357] la revista concluyó que el álbum era "un punto de partida histórico en el progreso de la música, cualquier música". [150] El crítico literario Richard Poirier escribió una apreciación elogiosa de los Beatles en la revista Partisan Review [358] y dijo que "al escuchar el álbum Sgt. Pepper uno no piensa simplemente en la historia de la música popular sino en la historia de este siglo". [341] En su columna de diciembre de 1967 para Esquire , Robert Christgau describió a Sgt. Pepper como "una consolidación, más intrincada que Revolver pero no más sustancial". Sugirió que Goldstein había sido "víctima de una anticipación excesiva", identificando su error principal como "permitir que todos los filtros y reverberaciones y efectos orquestales y sobregrabaciones lo ensordecieran ante lo que había debajo, lo cual era bastante agradable". [359]
Tras Sgt. Pepper , la prensa underground y la convencional publicitaron ampliamente a los Beatles como líderes de la cultura juvenil, así como "revolucionarios del estilo de vida". [360] En la descripción de Moore, el álbum "parece haber hablado (de una manera que ningún otro lo ha hecho) por su generación". [361] Se informó que un educador al que se hace referencia en un artículo del New York Times de julio de 1967 dijo sobre el tema de los estudios musicales y su relevancia para la juventud de la época: "Si quieres saber lo que piensan y sienten los jóvenes ... no puedes encontrar a nadie que hable por ellos o para ellos con más claridad que los Beatles". [362]
Sgt. Pepper fue el foco de muchas celebraciones por parte de la contracultura. [364] El poeta beat estadounidense Allen Ginsberg dijo sobre el álbum: "Después del apocalipsis de Hitler y el apocalipsis de la bomba, hubo aquí una exclamación de alegría, el redescubrimiento de la alegría y lo que es estar vivo". [365] El psicólogo estadounidense y figura de la contracultura Timothy Leary etiquetó a los Beatles como "avatares del nuevo orden mundial" [366] y dijo que el LP "dio voz al sentimiento de que las viejas formas habían terminado" al enfatizar la necesidad de un cambio cultural basado en una agenda pacífica. [155] [nb 30] Según el autor Michael Frontani, los Beatles "legitimaron el estilo de vida de la contracultura", tal como lo hicieron con la música popular, y formaron la base del alcance de Jann Wenner sobre estos temas cuando lanzó la revista Rolling Stone a fines de 1967. [368] Además de que Lennon usó un abrigo de piel de oveja afgana en la fiesta de lanzamiento del álbum, los "afganos" se convirtieron en una prenda popular entre los hippies , y los occidentales buscaron cada vez más los abrigos en el camino hippie en Afganistán. [369]
La confesión de McCartney sobre el consumo de LSD formalizó el vínculo entre la música rock y las drogas, y atrajo el desprecio de los líderes religiosos y conservadores estadounidenses. [370] El vicepresidente Spiro Agnew sostuvo que los "amigos" a los que se hace referencia en "With a Little Help from My Friends" eran "drogas variadas". Como parte de un debate nacional en aumento que desencadenó una investigación por parte del Congreso de los EE. UU ., [371] lanzó una campaña en 1970 [372] para abordar el problema de la juventud estadounidense a la que se "lavaba el cerebro" para que tomara drogas a través de la música de los Beatles y otros artistas de rock. [373] En el Reino Unido, según el historiador David Simonelli, las obvias alusiones a las drogas del álbum inspiraron una jerarquía dentro del movimiento juvenil por primera vez, basada en la capacidad de los oyentes de "entender" la psicodelia y alinearse con la noción de élite del arte romántico . [374] [nb 31] Harrison estaba ansioso por separar el mensaje de "Within You Without You" de la experiencia con LSD, diciéndole a un entrevistador: "No tiene nada que ver con pastillas ... Está sólo en tu propia cabeza, la comprensión". [204]
La presentación de los Beatles como la banda de Sgt. Pepper resonó en un momento en el que muchos jóvenes en el Reino Unido y los EE. UU. buscaban redefinir su propia identidad y se sentían atraídos por comunidades que defendían el poder transformador de las drogas que alteraban la mente. [81] En el distrito Haight-Ashbury de San Francisco, el centro reconocido de la contracultura, [375] Sgt. Pepper era visto como un "código para la vida", según el periodista musical Alan Clayson , con gente de la calle como Merry Band of Pranksters ofreciendo "lecturas de los Beatles". [376] El activista social estadounidense Abbie Hoffman atribuyó al álbum su inspiración para escenificar el intento de levitación del Pentágono durante la manifestación contra la guerra de Vietnam de Mobe en octubre de 1967. [377] David Crosby de The Byrds expresó más tarde su sorpresa de que en 1970 los poderosos sentimientos del álbum no hubieran sido suficientes para detener la guerra de Vietnam. [378]
Sgt. Pepper inspiró la parodia de Frank Zappa de la contracultura y el flower power en el álbum de 1968 de Mothers of Invention We're Only in It for the Money . [379] [380] En 1968, según el crítico musical Greil Marcus , Sgt. Pepper parecía superficial en el contexto emocional de los trastornos políticos y sociales de la vida estadounidense. [381] Simon Frith, en su descripción general de 1967 para The History of Rock , dijo que Sgt. Pepper "definió el año" al transmitir el optimismo y la sensación de empoderamiento en el centro del movimiento juvenil. Añadió que The Velvet Underground & Nico de Velvet Underground -un álbum que contrastaba marcadamente con el mensaje de los Beatles al "no ofrecer escapatoria"- se volvió más relevante en un clima cultural tipificado por "los Sex Pistols , la nueva agresión política, los disturbios en las calles" durante la década de 1970. [311] En una reseña de 1987 para la revista Q , Charles Shaar Murray afirmó que Sgt. Pepper "sigue siendo un pilar central de la mitología y la iconografía de finales de los años 60", [382] mientras que Colin Larkin afirma en su Enciclopedia de música popular de 1989 : "resultó no ser un simple álbum pop sino un icono cultural, que abarca los elementos constitutivos de la cultura juvenil de los años 60: arte pop, moda estridente, drogas, misticismo instantáneo y libertad del control parental". [383]
En The Oxford Encyclopedia of British Literature , Kevin Dettmar escribe que Sgt. Pepper logró "una combinación de éxito popular y aclamación crítica sin igual en el arte del siglo XX ... nunca antes una obra maestra estética y técnica había disfrutado de tanta popularidad". [384] A través del nivel de atención que recibió de la prensa de rock y publicaciones culturalmente más elitistas, el álbum logró una legitimación cultural completa para la música pop y el reconocimiento del medio como una forma de arte genuina. [337] [385] Riley dice que el pop se merecía esta acreditación "al menos desde A Hard Day's Night " en 1964. [386] Agrega que el momento del lanzamiento del álbum y su recepción aseguraron que " Sgt. Pepper haya alcanzado el tipo de adoración populista que las obras de renombre a menudo asumen independientemente de su mayor significado: es ' Mona Lisa ' de los Beatles". [387] En la décima edición anual de los premios Grammy en marzo de 1968, Sgt. Pepper ganó premios en cuatro categorías: [388] Álbum del año ; Mejor álbum contemporáneo ; Mejor ingeniería de grabación, no clásica ; y Mejor portada de álbum, artes gráficas . [389] Su victoria en la categoría de Álbum del año marcó la primera vez que un LP de rock recibió este honor. [390] [391]
Entre los compositores reconocidos que ayudaron a legitimar a los Beatles como músicos serios en ese momento estaban Luciano Berio, Aaron Copland , John Cage, Ned Rorem y Leonard Bernstein. [392] Según Rodríguez, un elemento de exageración acompañó parte de la aclamación por Sgt. Pepper , con una aprobación particularmente efusiva por parte de Rorem, Bernstein y Tynan, "como si cada crítico estuviera buscando superar al otro para la adopción más generosa de la nueva dirección de los Beatles". [393] [nb 32] En opinión de Gendron, la aprobación cultural representaba a los comentaristas estadounidenses "intelectuales" (Rorem y Poirier) que buscaban establecerse por encima de su equivalente "de clase media baja", después de que Time y Newsweek habían liderado el camino en el reconocimiento del arte de los Beatles, y por encima de la nueva disciplina de la crítica del rock. [395] Gendron describe el discurso como uno en el que, durante un período que duró seis meses, compositores y musicólogos "intelectuales" "se pelearon para escribir la evaluación efusiva definitiva de los Beatles". [396] [nb 33]
Además de la atención que recibió el álbum en revistas literarias y académicas, las revistas de jazz estadounidenses Down Beat y Jazz comenzaron a cubrir la música rock por primera vez, y la última cambió su nombre a Jazz & Pop como resultado. [400] Además, después de Sgt. Pepper , publicaciones estadounidenses establecidas como Vogue , Playboy y San Francisco Chronicle comenzaron a discutir el rock como arte, en términos generalmente reservados para la crítica de jazz. [401] Escribiendo para Rolling Stone en 1969, Michael Lydon dijo que los críticos habían tenido que inventar "nuevas críticas" para igualar los avances musicales del pop, ya que: "La escritura tenía que ser una respuesta apropiada a la música; al escribir sobre, digamos, Sgt. Pepper , tenías que intentar escribir algo tan bueno como Sgt. Pepper . Porque, por supuesto, lo que hizo que ese disco fuera hermoso fue la hermosa respuesta que creó en ti; si tu respuesta escrita era fiel a tu respuesta de escucha, la escritura se sostendría por sí sola como una creación a la par del disco". [402]
Según Schaffner, gracias a su aceptación por parte de compositores "serios", Sgt. Pepper satisfizo las ambiciones de un público estadounidense serio y de mediana edad deseoso de ser visto como alguien en sintonía con los gustos de los jóvenes, y cada LP de rock importante recibió posteriormente el mismo nivel de análisis crítico. [335] En 1977, el LP ganó el premio al Mejor Álbum Británico en la primera edición de los Premios Brit , [403] organizados por la BPI para celebrar la mejor música británica de los últimos 25 años como parte del Jubileo de Plata de Isabel II . [404] Cuando EMI publicó el catálogo de los Beatles en CD en 1987, Sgt. Pepper fue el único álbum al que se le concedió un lanzamiento dedicado. [405] EMI lo comercializó como "el disco más importante jamás lanzado en disco compacto". [406]
[Gracias a Sgt. Pepper ] la gente empezó a pensar que se podía pasar un año haciendo un álbum y empezaron a considerarlo una composición sonora y no sólo una composición musical. Poco a poco se fue formando la idea de que un disco era una interpretación en sí mismo y no sólo una reproducción de una interpretación en directo. [407]
– Productor e ingeniero EMI Alan Parsons
Julien describe a Sgt. Pepper como una "obra maestra de la psicodelia británica" y dice que representa el "epítome de la transformación del estudio de grabación en una herramienta de composición", marcando el momento en que "la música popular entró en la era de la composición fonográfica". [408] Muchos artistas copiaron los sonidos psicodélicos del álbum [409] e imitaron sus técnicas de producción, lo que resultó en una rápida expansión del papel del productor. [410] En este sentido, Lennon y McCartney se quejaron de que Martin había recibido demasiada atención por su parte en la creación del álbum, [411] comenzando así un sentimiento de resentimiento por parte de los Beatles hacia su productor de toda la vida. [412] [nb 34]
En 1987, Anthony DeCurtis de la revista Rolling Stone describió a Sgt. Pepper como el álbum que "revolucionó el rock and roll", [413] mientras que los periodistas musicales Andy Greene y Scott Plagenhoef le atribuyen el mérito de marcar el comienzo de la era del álbum . [414] [415] Durante varios años después de su lanzamiento, el rock and roll sencillo fue suplantado por un creciente interés en el formato extendido , y por primera vez en la historia de la industria musical, las ventas de álbumes superaron a las de los sencillos. [416] En la descripción de Gould, Sgt. Pepper fue "el catalizador de una explosión de entusiasmo masivo por el rock en formato de álbum que revolucionaría tanto la estética como la economía del negocio discográfico de maneras que superaron con creces las explosiones pop anteriores desencadenadas por el fenómeno de Elvis de 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía de 1963". [417] La industria musical creció rápidamente hasta convertirse en una empresa de mil millones de dólares, aunque los ejecutivos de las compañías discográficas se vieron sorprendidos por el atractivo de nuevos artistas que desafiaban las fórmulas establecidas. [418]
Music critic Greg Kot said that Sgt. Pepper introduced a template not only for creating album-oriented rock but also for consuming it, "with listeners no longer twisting the night away to an assortment of three-minute singles, but losing themselves in a succession of 20-minute album sides, taking a journey led by the artist".[419] In Moore's view, the album was "pivotal" in heralding "the realignment of rock from its working-class roots to its subsequent place on the college circuit", as students increasingly embraced the genre and record companies launched labels targeted towards this new market.[420] As another result of Sgt. Pepper, US record companies no longer altered the content of albums by major British acts such as the Rolling Stones, the Kinks and Donovan, and their LPs were released in the artists' intended configuration.[421]
According to Simonelli, Sgt. Pepper established the standard for rock musicians, particularly British acts, to strive towards in their self-identification as artists rather than pop stars, whereby, as in the Romantic tradition, creative vision dominated at the expense of all commercial concerns.[422] In the US, the album paved the way for British groups such as Pink Floyd and the Incredible String Band, whose work echoed the eclectic, mystical and escapist qualities of Sgt. Pepper.[418]
Following the Beatles' example, many acts spent months in the studio creating their albums, focused on an artistic aesthetic and in the hope of winning critical approval.[409] Among the many LPs influenced by Sgt. Pepper were Jefferson Airplane's After Bathing at Baxter's, the Rolling Stones' Their Satanic Majesties Request[324] and the Moody Blues' Days of Future Passed, all released in 1967;[423] and the Zombies' Odessey and Oracle, the Small Faces' Ogdens' Nut Gone Flake[424] and the Pretty Things' S.F. Sorrow, all issued the following year.[425] All rock albums were subsequently measured against Sgt. Pepper.[409] Discussing Their Satanic Majesties Request, Wenner referred to "the post–Sgt. Pepper trap of trying to put out a 'progressive,' 'significant' and 'different' album, as revolutionary as the Beatles. But it couldn't be done, because only the Beatles can put out an album by the Beatles."[426]
The Guardian viewed the album's effect on Carla Bley as one of the "50 key events in the history of dance music".[427] Bley spent four years crafting her musical response to Sgt. Pepper[425] – the 1971 avant-jazz triple album Escalator Over the Hill[428] – which combined rock, Indo-jazz fusion and chamber jazz.[427] Roger Waters cited Sgt. Pepper as his influence when Pink Floyd created their 1973 album The Dark Side of the Moon, saying: "I learned from Lennon, McCartney and Harrison that it was OK for us to write about our lives and express what we felt ... More than any other record it gave me and my generation permission to branch out and do whatever we wanted."[425][nb 35]
Over subsequent decades, musical acts referred to their major artistic work as "our Sgt. Pepper".[429] In this regard, Mojo magazine recognises Prince's Around the World in a Day (1985), Tears for Fears' The Seeds of Love (1989), The Smashing Pumpkins' Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995), Radiohead's OK Computer (1997), Oasis' Be Here Now (1997) and the Flaming Lips' The Soft Bulletin (1999) as albums that "for better or for worse ... would not have existed" without Sgt. Pepper.[430] Writing for Mojo in 2007, John Harris said that the album's influence resonates in the "identity games" of Gnarls Barkley, in the ambitious song cycle of Green Day's 2004 album American Idiot, in the respect afforded adventurous musicians such as Damon Albarn and Wayne Coyne, and particularly in the audience's expectation that foremost artists will "progress" and perhaps "ascend to a watershed point at which influence, experience and ambition cohere into something that just might blow our minds".[429]
Sgt. Pepper was highly influential on bands in the US acid rock (or psychedelic rock) scene.[431] Lavezzoli views it as a key factor in 1967's standing as the "annus mirabilis" for Indian classical music's acceptance in the West, with the genre having been fully absorbed into psychedelic music.[432][nb 36] Sgt. Pepper is commonly recognised as having originated progressive rock, due to the album's self-conscious lyrics, its studio experimentation, and its efforts to expand the barriers of conventional three-minute tracks.[434] In addition to influencing Pink Floyd records such as Atom Heart Mother, it was a source of inspiration for Robert Fripp when he formed King Crimson.[428] The band's 1969 debut In the Court of the Crimson King was intended as a homage to Sgt. Pepper.[425]
MacFarlane writes that, despite concerns regarding its thematic unity, Sgt. Pepper "is widely regarded as the first true concept album in popular music".[249] According to author Martina Elicker, despite earlier examples, it was Sgt. Pepper that familiarised critics and listeners with the notion of a "concept and unified structure underlying a pop album", thus originating the term "concept album".[435] Further to Sgt. Pepper, musicians increasingly explored literary and sociological themes in their concept albums and adopted its anti-establishment sentiments.[436] It also inspired rock opera works such as the Who's double album Tommy and the musical Jesus Christ Superstar.[425]
Author Carys Wyn Jones locates Pet Sounds and Sgt. Pepper as the beginning of art rock.[437] Doyle Greene says that Sgt. Pepper provides a "crucial locus in the assemblage of popular music and avant-garde/experimental music", notwithstanding the Beatles' presentation of the latter within formal song structures.[438] He also says that, although the band are usually viewed as modernists, the album "can be heard as a crucial postmodernist moment", through its incorporation of self-conscious artistry, irony and pastiche, and "arguably marked rock music's entry into postmodernism as opposed to high-modernism".[439] During the 1970s, glam rock acts co-opted the Beatles' use of alter ego personas,[440] including David Bowie when he adopted the guise of Ziggy Stardust.[441]
Inglis states that almost every account of the significance of Sgt. Pepper emphasises the cover's "unprecedented correspondence between music and art, time and space".[442] The cover helped to elevate album art as a respected topic for critical analysis whereby the "structures and cultures of popular music" could henceforth justify intellectual discourse in a way that – before Sgt. Pepper – would have seemed like "fanciful conceit".[443] He writes: "[The Sgt. Pepper] cover has been regarded as groundbreaking in its visual and aesthetic properties, congratulated for its innovative and imaginative design, credited with providing an early impetus for the expansion of the graphic design industry into popular music, and perceived as largely responsible for the connections between art and pop to be made explicit."[443]
Sgt. Pepper contributed to the popular trend for military-style fashions as adopted by London's boutique shops.[444] Following the LP's release, rock acts afforded cover art greater consideration and increasingly sought to create a thematic link between their album artwork and the record's musical statements.[409][nb 37] Riley describes the cover as "one of the best-known works that pop art ever produced",[448] while Norman calls it "the most famous album cover of all time".[449] The Beatles' 1968 self-titled double LP became known as the White Album for its plain white sleeve,[450] which the band chose as a contrast with the wave of psychedelic imagery and album covers inspired by Sgt. Pepper.[451] In the late 1990s, the BBC included the Sgt. Pepper cover in its list of British masterpieces of twentieth-century art and design, placing it ahead of the red telephone box, Mary Quant's miniskirt, and the Mini motorcar.[271]
Although few critics initially agreed with Richard Goldstein's criticism of the album, many came to appreciate his sentiments by the early 1980s.[341] In his 1979 book Stranded: Rock and Roll for a Desert Island, Greil Marcus described Sgt. Pepper as "playful but contrived" and "a Day-Glo tombstone for its time".[460][dubious – discuss] Marcus believed that the album "strangled on its own conceits" while being "vindicated by world-wide acclaim".[461][nb 38] Lester Bangs – the so-called "godfather" of punk rock journalism – wrote in 1981 that "Goldstein was right in his much-vilified review ... predicting that this record had the power to almost singlehandedly destroy rock and roll."[464] He added: "In the sixties rock and roll began to think of itself as an 'art form'. Rock and roll is not an 'art form'; rock and roll is a raw wail from the bottom of the guts."[465]
In a 1976 article for The Village Voice, Christgau revisited the "supposedly epochal Works of Art" from 1967 and found that Sgt. Pepper appeared "bound to a moment" amid the year's culturally important music that had "dated in the sense that it speaks with unusually specific eloquence of a single point in history". Christgau said of the album's "dozen good songs and true", "Perhaps they're too precisely performed, but I'm not going to complain."[459] In his 1981 assessment, Simon Frith described Sgt. Pepper as "the last great pop album, the last LP ambitious to amuse everyone".[466]
It was inevitable that some of the critical assessment of subsequent generations would grumble. Some have griped about the archness of the band-within-a-band concept, the elaborate studio artifice, the dominance of McCartney's songs (routinely but unfairly considered as lightweight and bourgeois), the virtual freezing out of George Harrison ... and the only episodic interest of a perpetually tripping Lennon.[467]
– Chris Ingham, 2006
Once the Beatles' catalogue became available on CD in 1987, a critical consensus formed around Revolver's standing as the band's best work; the White Album also surpassed Sgt. Pepper in many critics' estimation.[468] In his feature article on Sgt. Pepper's 40th anniversary, for Mojo, John Harris said that, such was its "seismic and universal" impact and subsequent identification with 1967, a "fashion for trashing" the album had become commonplace.[469][nb 39] He attributed this to iconoclasm, as successive generations identified the album with baby boomers' retreat into "nostalgia-tinged smugness" during the 1970s, combined with a general distaste for McCartney following Lennon's death.[469] Citing its absence from the NME's best-albums list in 1985 after it had topped the magazine's previous poll, in 1974, Harris wrote:
Though by no means universally degraded ... Sgt. Pepper had taken a protracted beating from which it has perhaps yet to fully recover. Regularly challenged and overtaken in the Best Beatle Album stakes ... it suffered more than any Beatles record from the long fall-out after punk, and even the band's Britpop-era revival mysteriously failed to improve its standing.[471]
Writing in the 2004 edition of The Rolling Stone Album Guide, Rob Sheffield described Sgt. Pepper as "a revelation of how far artists could go in a recording studio with only four tracks, plenty of imagination, and a drug or two", but also "a masterwork of sonics, not songwriting".[472] In his review for Rough Guides, Chris Ingham said that, while the album's detractors typically bemoan McCartney's dominant role, the reliance on studio innovation, and the unconvincing concept, "as long as there are pairs of ears willing to disappear under headphones for forty minutes ... Sgt. Pepper will continue to cast its considerable spell."[467] Among reviews of the 2009 remastered album, Neil McCormick of The Daily Telegraph wrote: "It is impossible to overstate its impact: from a contemporary Sixties perspective it was utterly mind-blowing and original. Looking back from a point when its sonic innovations have been integrated into the mainstream, it remains a wonky, colourful and wildly improbable pop classic, although a little slighter and less cohesive than it may have seemed at the time."[453] Mark Kemp, writing for Paste, said the album was a "blast of avant-rock genius" but also "one of rock's most overrated albums".[456]
According to BBC Music critic Chris Jones, while Sgt. Pepper has long been subsumed under "an avalanche of hyperbole", the album retains an enduring quality "because its sum is greater than its whole ... These guys weren't just recording songs; they were inventing the stuff with which to make this record as they went along."[473] Although the lyrics, particularly McCartney's, were "a far cry from the militancy of their American peers", he continues, "what was revolutionary was the sonic carpet that enveloped the ears and sent the listener spinning into other realms."[474] Stephen Thomas Erlewine of AllMusic considers the album to be a refinement of Revolver's "previously unheard-of level of sophistication and fearless experimentation" and a work that combines a wide range of musical styles yet "Not once does the diversity seem forced". He concludes: "After Sgt. Pepper, there were no rules to follow – rock and pop bands could try anything, for better or worse."[452]
Sgt. Pepper sustained its immense popularity into the 21st century while breaking numerous sales records.[475] With certified sales of 5.1 million copies in the UK, as of April 2019, Sgt. Pepper is the third-best-selling album in UK chart history and the best-selling studio album there.[476] It is one of the most commercially successful albums in the US, where the RIAA certified sales of 11 million copies in 1997.[477] By 2000, Sgt. Pepper was among the top 20 best-selling albums of all time worldwide.[478] As of 2011, it had sold more than 32 million copies worldwide, making it one of the highest-selling albums of all time.[479]
Sgt. Pepper has topped many "best album" lists.[480] It was voted in first place in Paul Gambaccini's 1978 book Critic's Choice: Top 200 Albums,[481] based on submissions from around 50 British and American critics and broadcasters including Christgau and Marcus,[482] and again in the 1987 edition.[483] In the latter year, it also topped Rolling Stone's list of "The 100 Best Albums of the Last Twenty Years".[484] In 1994, it was ranked first in Colin Larkin's All Time Top 1000 Albums.[485][nb 40] It was voted best album of all time in the 1998 "Music of the Millennium" poll conducted by HMV and Channel 4,[489] and in the following year's expanded survey, which polled 600,000 people across the UK.[490][491] Among its appearances in other critics' polls, the album was third in Q's 2004 list "The Music That Changed the World" and fifth in the same magazine's 2005 list "The 40 Greatest Psychedelic Albums of All Time".[492]
In 1993, Sgt. Pepper was inducted into the Grammy Hall of Fame,[492] and ten years later it was one of 50 recordings chosen by the Library of Congress to be added to the National Recording Registry, honouring the work as "culturally, historically, or aesthetically significant".[493] In 2003, Rolling Stone placed it at number one in the magazine's list of the "500 Greatest Albums of All Time",[494] a ranking it retained in the revised list of 2012, and described the album as "the pinnacle of the Beatles' eight years as recording artists".[495][nb 41] The editors also said that Sgt. Pepper was "the most important rock 'n' roll album ever made",[495] a point to which June Skinner Sawyers adds, in her 2006 collection of essays Read the Beatles: "It has been called the most famous album in the history of popular music. It is certainly among the most written about. It is still being written about."[498] On Rolling Stone's third such list, published in September 2020, Sgt. Pepper appears at number 24.[499]
In 2006, Sgt. Pepper was chosen by Time as one of the 100 best albums of all time.[500] Writing that year, Kevin Dettmar described it as "quite simply, the most important and influential rock-and-roll album ever recorded".[384] It is featured in Chris Smith's 2009 book 101 Albums That Changed Popular Music, where Smith highlights the album among the most "obvious" choices for inclusion due to its continued commercial success, the wealth of imitative works it inspired, and its ongoing recognition as "a defining moment in the history of music".[501] In the NME's 2014 article "25 Albums With the Most Incredible Production", Emily Barker described Sgt. Pepper as "kaleidoscopic" and an "orchestral baroque pop masterpiece the likes of which has rarely been matched since".[502]
The Sgt. Pepper mythology was reimagined for the plot of Yellow Submarine. In the animated film, the Beatles travel to Pepperland and rescue Sgt. Pepper's band from evildoers, the Blue Meanies.[503] The album inspired the 1974 off-Broadway musical Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band on the Road, directed by Tom O'Horgan,[504] and the 1978 film Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, produced by Robert Stigwood.[469] In July 2012, athletes donned Sgt. Pepper uniforms to pay tribute to the Beatles' album during the opening ceremony of the London Olympics.[505]
Sgt. Pepper has been the subject of many tribute albums,[506] including a multi-artist CD available with the March 2007 issue of Mojo and a 2009 live album, Sgt. Pepper Live, by Cheap Trick.[492] Other tribute recordings include Sgt. Pepper Knew My Father, a multi-artist charity compilation released by the NME in 1988; Big Daddy's 1992 album Sgt. Pepper's, which Moore recognises as "the most audacious" of all the interpretations of the Beatles' LP up to 1997;[507] and the Flaming Lips' With a Little Help from My Fwends, released in 2014.[508] BBC Radio 2 broadcast Sgt. Pepper's 40th Anniversary in June 2007.[509] The programme contained new versions of the songs by artists such as Oasis, the Killers and Kaiser Chiefs, produced by Emerick using EMI's original four-track recording equipment.[510][511]
The 1987 CD release attracted considerable media interest[481][406] and coincided with a Granada TV documentary, It Was Twenty Years Ago Today, that located the album at the centre of the Summer of Love.[512][513] The reissue peaked at number three on the UK Albums Chart[512] and topped Billboard's CDs chart.[514] The album's 25th anniversary was observed with The South Bank Show's presentation[515] of Martin's TV documentary The Making of Sgt. Pepper, which included interviews with the three surviving Beatles.[516][nb 42] Although there was no official campaign for the 30th anniversary, BBC Radio 2 broadcast Pepper Forever in the UK and some 12,000 schools across the US listened to a radio special dedicated to the album on 2 June 1997.[519] Aside from Radio 2's June 2007 project, the 40th anniversary was marked by the University of Leeds hosting a meeting of British and American commentators to debate the extent of the album's social and cultural impact.[510]
On 26 May 2017, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band was reissued for the album's 50th anniversary as a six-disc box set.[520] The first CD contains a new stereo remix of the album, created by Giles Martin using first-generation tapes rather than their subsequent mixdowns.[521] Apple Corps produced the TV documentary Sgt. Pepper's Musical Revolution to commemorate the anniversary,[522] which was also celebrated with posters, billboards and other decorations in cities around the world.[523] In Liverpool, the anniversary was the focus of a three-week cultural festival that included events dedicated to each of the album's thirteen songs.[524] As part of the festival, Mark Morris choreographed Pepperland to four of the songs from Sgt. Pepper and "Penny Lane", arranged by Ethan Iverson, plus six original compositions by Iverson,[525] and a dawn-to-dusk celebration of Indian music was held in recognition of Harrison's absorption in the genre.[524][526] The 50th anniversary edition of Sgt. Pepper topped the UK Albums Chart.[475]
All songs written by Lennon–McCartney, except "Within You Without You" by George Harrison. Track lengths and lead vocals per Mark Lewisohn and Ian MacDonald.[527]
According to Mark Lewisohn and Ian MacDonald,[528] except where noted:
The Beatles
Additional musicians and production
Sgt. pepper's que toca em cinco paginas desta edicao, e o terceiro mais vendido (290 mil). Perde Abbey Road (390 mil) e para Help (320 mil)
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