La National Gallery es un museo de arte situado en Trafalgar Square , en la ciudad de Westminster , en el centro de Londres , Inglaterra. Fundada en 1824, alberga una colección de más de 2.300 pinturas que datan desde mediados del siglo XIII hasta 1900 [2] . [nota 1] El actual director de la National Gallery es Gabriele Finaldi .
La National Gallery es una organización benéfica exenta y un organismo público no departamental del Departamento de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte . [3] Su colección pertenece al gobierno en nombre del público británico y la entrada a la colección principal es gratuita.
A diferencia de otros museos comparables de la Europa continental, la National Gallery no se formó nacionalizando una colección de arte real o principesca ya existente, sino que se creó cuando el gobierno británico compró 38 pinturas a los herederos de John Julius Angerstein en 1824. Después de esa compra inicial, la galería fue moldeada principalmente por sus primeros directores, especialmente Charles Lock Eastlake , y por donaciones privadas, que ahora representan dos tercios de la colección. [4] La colección es más pequeña que la de muchas galerías nacionales europeas, pero de alcance enciclopédico; la mayoría de los principales avances de la pintura occidental "desde Giotto hasta Cézanne " [5] están representados con obras importantes. Se solía afirmar que esta era una de las pocas galerías nacionales que tenía todas sus obras en exposición permanente, [6] pero este ya no es el caso.
El edificio actual, el tercer lugar donde se encuentra la National Gallery, fue diseñado por William Wilkins . La construcción comenzó en 1832 y se abrió al público en 1838. Solo la fachada que da a Trafalgar Square permanece esencialmente inalterada desde entonces, ya que el edificio se ha ampliado poco a poco a lo largo de su historia. El edificio de Wilkins fue criticado a menudo por las debilidades percibidas de su diseño y por su falta de espacio; este último problema llevó a la creación de la Tate Gallery para el arte británico en 1897. El ala Sainsbury, una ampliación de 1991 hacia el oeste por Robert Venturi y Denise Scott Brown , es un ejemplo significativo de la arquitectura posmoderna en Gran Bretaña.
A finales del siglo XVIII se produjo la nacionalización de las colecciones de arte reales o principescas en toda Europa continental. La colección real bávara (hoy en la Alte Pinakothek de Múnich) se abrió al público en 1779, la de los Médici en Florencia alrededor de 1789 (como la Galería de los Uffizi ) y el Museo Francés del Louvre se formó a partir de la antigua colección real francesa en 1793. [7] Sin embargo, Gran Bretaña no siguió el ejemplo de otros países europeos y la Colección Real Británica todavía permanece en posesión del soberano. En 1777, el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de arte de talla internacional, cuando los descendientes de Sir Robert Walpole pusieron su colección a la venta. El diputado John Wilkes abogó por que el gobierno comprara este "tesoro invaluable" y sugirió que se albergara en "una galería noble... que se construiría en el espacioso jardín del Museo Británico". [8] La apelación de Wilkes no prosperó y veinte años después la colección fue comprada en su totalidad por Catalina la Grande ; actualmente se encuentra en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo .
Un plan para adquirir 150 pinturas de la colección de Orléans , que habían sido traídas a Londres para su venta en 1798, también fracasó, a pesar del interés tanto del rey como del primer ministro, Pitt el Joven . [9] Las veinticinco pinturas de esa colección que ahora están en la galería, incluida "NG1", llegaron más tarde por diversas rutas. En 1799, el comerciante Noël Desenfans ofreció una colección nacional ya preparada al gobierno británico; él y su socio Sir Francis Bourgeois la habían reunido para el rey de Polonia , antes de que la Tercera Partición en 1795 aboliera la independencia polaca. [7] Esta oferta fue rechazada y Bourgeois legó la colección a su antigua escuela, Dulwich College , a su muerte. La colección se inauguró en 1814 en la primera galería pública construida especialmente para ese fin en Gran Bretaña, la Dulwich Picture Gallery . El comerciante escocés William Buchanan y el coleccionista Joseph Count Truchsess formaron colecciones de arte expresamente como base para una futura colección nacional, pero sus respectivas ofertas (ambas realizadas en 1803) también fueron rechazadas. [7]
Tras la venta de Walpole, muchos artistas, entre ellos James Barry y John Flaxman , habían renovado sus llamamientos a la creación de una National Gallery, argumentando que una escuela británica de pintura solo podría florecer si tuviera acceso al canon de la pintura europea. La British Institution , fundada en 1805 por un grupo de entendidos aristocráticos, intentó abordar esta situación. Los miembros prestaban obras para exposiciones que cambiaban anualmente, mientras que en los meses de verano se celebraba una escuela de arte. Sin embargo, como las pinturas que se prestaban eran a menudo mediocres, [10] algunos artistas se resintieron con la Institution y la vieron como un chanchullo de la nobleza para aumentar los precios de venta de sus pinturas de viejos maestros . [11] Uno de los miembros fundadores de la Institution, Sir George Beaumont, Bt , acabaría desempeñando un papel importante en la fundación de la National Gallery al ofrecer una donación de 16 pinturas.
En 1823, otra importante colección de arte salió al mercado, reunida por el recientemente fallecido John Julius Angerstein . Angerstein era un banquero emigrado nacido en Rusia y establecido en Londres; su colección contaba con 38 pinturas, incluidas obras de Rafael y la serie Marriage A-la-Mode de Hogarth . El 1 de julio de 1823, George Agar Ellis , un político Whig , propuso a la Cámara de los Comunes que comprara la colección. [12] La apelación recibió un impulso adicional por la oferta de Beaumont, que venía con dos condiciones: que el gobierno comprara la colección de Angerstein y que se encontrara un edificio adecuado. El reembolso inesperado de una deuda de guerra por parte de Austria finalmente llevó al gobierno a comprar la colección de Angerstein, por £ 57.000.
La Galería Nacional abrió sus puertas en 1824 en la antigua casa de Angerstein en el número 100 de Pall Mall . [nota 2] A las pinturas de Angerstein se unieron en 1826 las de la colección de Beaumont, y en 1831 el legado de 35 pinturas del reverendo William Holwell Carr . [13] Inicialmente, el Conservador de Pinturas, William Seguier , asumió la carga de administrar la galería, pero en julio de 1824 parte de esta responsabilidad recayó en la junta directiva recién formada.
La National Gallery de Pall Mall solía estar abarrotada de gente y hacía calor, y su diminuto tamaño en comparación con el Louvre de París era motivo de vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, por entonces administrador de la galería, evaluó el lugar por estar "en la misma pasarela de Londres"; esto se consideró necesario para que la galería cumpliera su propósito social. [14] El hundimiento del número 100 hizo que la galería se trasladara brevemente al número 105 de Pall Mall, que el novelista Anthony Trollope describió como una "casa sórdida, aburrida y estrecha, mal adaptada para la exposición de los tesoros que albergaba". [14] Esta, a su vez, tuvo que ser demolida para la apertura de una carretera hacia Carlton House Terrace . [15]
En 1832, William Wilkins comenzó a construir un nuevo edificio en la mitad norte del sitio de las antiguas Royal Mews en Charing Cross , después de la transformación de su mitad sur en Trafalgar Square a fines de la década de 1820. La ubicación era significativa, entre el rico West End y las áreas más pobres al este. [16] El argumento de que la colección podía ser accesible para personas de todas las clases sociales superó otras preocupaciones, como la contaminación del centro de Londres o las fallas del edificio de Wilkins, cuando se planteó la posibilidad de un traslado a South Kensington en la década de 1850. Según la Comisión Parlamentaria de 1857, "La existencia de los cuadros no es el propósito final de la colección, sino el único medio para brindar a la gente un disfrute ennoblecedor". [17]
Las pinturas italianas de los siglos XV y XVI fueron el núcleo de la National Gallery y durante los primeros 30 años de su existencia las adquisiciones independientes de los fideicomisarios se limitaron principalmente a obras de maestros del Alto Renacimiento . Sus gustos conservadores dieron lugar a varias oportunidades perdidas y la gestión de la galería cayó más tarde en un completo desorden, sin que se hicieran adquisiciones entre 1847 y 1850. [18] Un informe crítico de la Cámara de los Comunes en 1851 pidió el nombramiento de un director, cuya autoridad superaría a la de los fideicomisarios. Muchos pensaron que el puesto iría al historiador de arte alemán Gustav Friedrich Waagen , a quien la galería había consultado en ocasiones anteriores sobre la iluminación y la exhibición de las colecciones. Sin embargo, el hombre preferido para el trabajo por la reina Victoria , el príncipe Alberto y el primer ministro, Lord Russell , fue el conservador de pinturas de la galería, Sir Charles Lock Eastlake . Eastlake, que fue presidente de la Royal Academy, jugó un papel esencial en la fundación de la Sociedad Arundel y conocía a la mayoría de los principales expertos en arte de Londres.
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El gusto del nuevo director se inclinaba por los maestros o "primitivos" del Renacimiento italiano del norte y del comienzo de la Italia, que habían sido ignorados por la política de adquisiciones de la galería, pero que poco a poco iban ganando reconocimiento entre los entendidos. Realizó viajes anuales al continente y a Italia en particular, en busca de pinturas apropiadas para comprar para la galería. En total, compró 148 cuadros en el extranjero y 46 en Gran Bretaña, [19] entre los primeros obras fundamentales como La batalla de San Romano de Paolo Uccello . Eastlake también acumuló una colección de arte privada durante este período, compuesta por pinturas que sabía que no interesaban a los fideicomisarios. Sin embargo, su objetivo final era que ingresaran en la National Gallery; esto fue debidamente organizado a su muerte por su amigo y sucesor como director, William Boxall , y su viuda Lady Eastlake .
Una de las críticas más persistentes a la National Gallery, aparte de las deficiencias percibidas del edificio, ha sido su política de conservación. Los detractores de la galería la han acusado de haber tenido un enfoque demasiado entusiasta de la restauración. La primera operación de limpieza en la National Gallery comenzó en 1844 después del nombramiento de Eastlake como Conservador, y fue objeto de ataques en la prensa después de que las primeras tres pinturas que recibieron el tratamiento (un Rubens , un Cuyp y un Velázquez ) se revelaran al público en 1846. [20] El crítico más virulento de la galería fue J. Morris Moore, quien escribió una serie de cartas a The Times bajo el seudónimo de "Verax" atacando duramente las limpiezas de la institución. Si bien un comité selecto parlamentario de 1853 creado para investigar el asunto exoneró a la galería de cualquier irregularidad, las críticas a sus métodos han surgido esporádicamente desde entonces por parte de algunos miembros del mundo del arte.
La falta de espacio de la galería siguió siendo grave en este período. En 1845, Robert Vernon hizo un gran legado de pinturas británicas ; no había suficiente espacio en el edificio Wilkins, por lo que se exhibieron primero en la casa de Vernon en el n.º 50 de Pall Mall y luego en Marlborough House . [21] La galería estaba aún menos equipada para su siguiente legado importante, ya que JMW Turner legaría todo el contenido de su estudio, a excepción de las obras inacabadas, a la nación tras su muerte en 1851. Las primeras 20 de ellas se exhibieron fuera del sitio en Marlborough House en 1856. [22] Ralph Nicholson Wornum , el conservador y secretario de la galería, trabajó con John Ruskin para reunir el legado. La estipulación en el testamento de Turner de que dos de sus pinturas se exhibieran junto con obras de Claude [23] todavía se respeta en 2024, pero su legado nunca se ha exhibido adecuadamente en su totalidad; Hoy en día, las obras están divididas entre Trafalgar Square y la Clore Gallery, una pequeña ampliación de la Tate Britain construida específicamente para ese fin y completada en 1985.
El tercer director, Sir Frederic William Burton , sentó las bases de la colección de arte del siglo XVIII y realizó varias compras destacadas de colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio de Blenheim , la Madonna Ansidei de Rafael y el Retrato ecuestre de Carlos I de Van Dyck , con una subvención récord de 87.500 libras del Tesoro , puso fin a la "época dorada del coleccionismo" de la galería, ya que su subvención anual para compras se suspendió durante varios años a partir de entonces. [24] Cuando la galería compró los Embajadores de Holbein al conde de Radnor en 1890, lo hizo con la ayuda de particulares por primera vez en su historia. [25] En 1897, la formación de la Galería Nacional de Arte Británico, conocida extraoficialmente desde el principio de su historia como la Galería Tate , permitió que algunas obras británicas se trasladaran fuera del sitio, siguiendo el precedente establecido por la colección Vernon y el legado Turner. Las obras de artistas nacidos después de 1790 se trasladaron a la nueva galería en Millbank , lo que permitió que Hogarth , Turner y Constable permanecieran en Trafalgar Square.
La crisis agrícola de principios del siglo XX hizo que muchas familias aristocráticas vendieran sus pinturas, pero las colecciones nacionales británicas fueron expulsadas del mercado por los plutócratas estadounidenses. [26] Esto impulsó la fundación del National Art-Collections Fund , una sociedad de suscriptores dedicada a detener el flujo de obras de arte a los Estados Unidos. Su primera adquisición para la National Gallery fue Rokeby Venus de Velázquez en 1906, seguida por el Retrato de Cristina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar de la crisis de las fortunas aristocráticas, la década siguiente fue una de varias grandes donaciones de coleccionistas privados. En 1909, el industrial Ludwig Mond donó 42 pinturas renacentistas italianas, incluida la Crucifixión de Mond de Rafael, a la galería. [27] Otros legados notables fueron los de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en 1917.
La recepción inicial del arte impresionista en la galería fue excepcionalmente controvertida. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, entre ellas Los paraguas de Renoir , a la National Gallery a su muerte, a menos que se pudiera construir un edificio adecuado en Dublín . Aunque el director Charles Holroyd las aceptó con entusiasmo , los fideicomisarios las recibieron con extrema hostilidad; Lord Redesdale escribió que "preferiría oír hablar de un servicio mormón celebrado en la catedral de San Pablo como ver la exposición de las obras de los rebeldes del arte francés moderno en el recinto sagrado de Trafalgar Square". [28] Tal vez como resultado de tales actitudes, Lane modificó su testamento con un codicilo que establecía que las obras solo debían ir a Irlanda, pero esto nunca se hizo realidad. [29] Lane murió a bordo del RMS Lusitania en 1915, y comenzó una disputa que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección está ahora en préstamo permanente a la Dublin City Gallery ("The Hugh Lane") y otras obras rotan entre Londres y Dublín cada pocos años.
Un fondo para la compra de pinturas modernas establecido por Samuel Courtauld en 1923 compró Bañistas en Asnières de Seurat y otras obras modernas para la nación; [30] en 1934, muchas de ellas fueron transferidas a la National Gallery desde la Tate.
La decisión del director Kenneth Clark en 1939 de etiquetar un grupo de pinturas venecianas, Escenas de las Églogas de Tebaldeo , como obras de Giorgione fue controvertida en ese momento, y los paneles pronto fueron identificados como obras de Andrea Previtali por un curador junior que Clark había designado. [31]
Poco antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial , las pinturas fueron evacuadas a lugares de Gales , incluido el castillo de Penrhyn y los colegios universitarios de Bangor y Aberystwyth . [32] En 1940, durante la Batalla de Francia , se buscó un hogar más seguro y hubo discusiones sobre el traslado de las pinturas a Canadá. Esta idea fue firmemente rechazada por Winston Churchill , quien escribió en un telegrama a Kenneth Clark: "Entiérrenlas en cuevas o en sótanos, pero ni un solo cuadro saldrá de estas islas". [33] En su lugar, se requisó una cantera de pizarra en Manod , cerca de Blaenau Ffestiniog en el norte de Gales, para el uso de la galería. [34] En el aislamiento proporcionado por la nueva ubicación de las pinturas, el conservador (y futuro director) Martin Davies comenzó a recopilar catálogos académicos sobre la colección, con la ayuda de la biblioteca de la galería que también estaba almacenada en la cantera. El traslado a Manod confirmó la importancia de almacenar las pinturas a una temperatura y humedad constantes, algo que los conservadores de la galería habían sospechado durante mucho tiempo pero que hasta entonces no habían podido demostrar. [35] Esto finalmente dio como resultado la apertura de la primera galería con aire acondicionado en 1949. [21]
Durante el transcurso de la guerra, Myra Hess y otros músicos, como Moura Lympany , dieron recitales diarios a la hora del almuerzo en el edificio vacío de Trafalgar Square, para levantar la moral del público ya que todas las salas de conciertos de Londres estaban cerradas. [36] [37] Se llevaron a cabo exposiciones de arte en la galería como complemento a los recitales. La primera de ellas fue British Painting since Whistler en 1940, organizada por Lillian Browse , [38] quien también montó la importante retrospectiva conjunta Exhibition of Paintings by Sir William Nicholson and Jack B. Yeats celebrada del 1 de enero al 15 de marzo de 1942, que fue vista por 10.518 visitantes. [39] [40] También se llevaron a cabo exposiciones de obras de artistas de guerra, incluidos Paul Nash , Henry Moore y Stanley Spencer ; el Comité Asesor de Artistas de Guerra había sido creado por Clark con el fin de "mantener a los artistas trabajando con cualquier pretexto". [41] En 1941, la petición de un artista para ver el Retrato de Margaretha de Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) dio lugar al programa "Cuadro del mes", en el que se retiraba un solo cuadro de Manod y se exhibía al público general en la National Gallery cada mes. El crítico de arte Herbert Read , escribiendo ese año, llamó a la National Gallery "un desafiante puesto avanzado de la cultura justo en medio de una metrópolis bombardeada y destrozada". [42] Las pinturas regresaron a Trafalgar Square en 1945.
La última gran protesta contra el uso de técnicas de conservación radicales en la National Gallery se produjo en los años inmediatamente posteriores a la guerra, tras una campaña de restauración llevada a cabo por el restaurador jefe de la galería, Helmut Ruhemann, mientras las pinturas se encontraban en la Cantera Manod. Cuando las pinturas limpiadas se exhibieron al público en 1946, se produjo un furor con paralelismos con el de un siglo antes. La principal crítica fue que la eliminación extensiva del barniz , que se utilizaba en el siglo XIX para proteger la superficie de las pinturas pero que se oscurecía y decoloraba con el tiempo, podría haber provocado la pérdida de los esmaltes "armonizadores" añadidos a las pinturas por los propios artistas. La oposición a las técnicas de Ruhemann estuvo encabezada por Ernst Gombrich , un profesor del Instituto Warburg que, en una correspondencia posterior con un restaurador, describió que la National Gallery lo había tratado con "ofensiva arrogancia". [43] Una comisión de 1947 concluyó que no se habían producido daños en las limpiezas recientes.
En los años de posguerra, las adquisiciones se han vuelto cada vez más difíciles para la National Gallery, ya que los precios de los viejos maestros (y aún más de los impresionistas y postimpresionistas ) han aumentado más allá de sus posibilidades. Algunas de las compras más importantes de la galería en este período habrían sido imposibles sin las importantes apelaciones públicas que las respaldaron, incluido el cartón de Leonardo da Vinci de La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista (comprado en 1962) y La muerte de Acteón de Tiziano (comprado en 1972). La subvención de compras de la galería por parte del gobierno se congeló en 1985, pero más tarde ese año recibió una dotación de £ 50 millones de Sir Paul Getty , lo que permitió realizar muchas compras importantes. [21] En abril de 1985, Lord Sainsbury de Preston Candover y sus hermanos, el Honorable Simon Sainsbury y Sir Timothy Sainsbury , habían hecho una donación que permitiría la construcción del Ala Sainsbury. [44]
La dirección de Neil MacGregor supuso una importante renovación de la galería, prescindiendo de la clasificación de las pinturas por escuelas nacionales que había introducido Eastlake. La nueva clasificación cronológica buscaba enfatizar la interacción entre culturas en lugar de las características nacionales fijas, reflejando el cambio en los valores histórico-artísticos desde el siglo XIX. [45] En otros aspectos, sin embargo, se rehabilitaron los gustos victorianos: los interiores del edificio ya no se consideraban una vergüenza y se restauraron, y en 1999 la galería aceptó un legado de 26 pinturas barrocas italianas de Sir Denis Mahon . A principios del siglo XX, muchos consideraban que el barroco estaba fuera de lugar: en 1945, los fideicomisarios de la galería se negaron a comprar un Guercino de la colección de Mahon por 200 libras. La misma pintura fue valorada en 4 millones de libras en 2003. [46] El legado de Mahon se hizo con la condición de que la galería nunca desincorporaría ninguna de sus pinturas ni cobraría la entrada. [47]
Jock McFadyen fue el primer artista residente en 1981. [48] Desde 1989, la galería ha implementado un programa de artistas asociados que ofrece un estudio a artistas contemporáneos para crear obras basadas en la colección permanente. Por lo general, ocupan el puesto de artista asociado durante dos años y, al final de su mandato, se les ofrece una exposición en la Galería Nacional.
En 1996 se definieron con mayor claridad las competencias respectivas de la National Gallery y la Tate Gallery, que habían sido objeto de disputas durante mucho tiempo entre ambas instituciones. Se estableció el año 1900 como fecha límite para la exhibición de pinturas en la National Gallery, y en 1997 más de 60 pinturas posteriores a 1900 de la colección fueron entregadas a la Tate en un préstamo a largo plazo, a cambio de obras de Gauguin y otros. Sin embargo, es posible que la futura expansión de la National Gallery aún permita el regreso de pinturas del siglo XX a sus paredes. [49]
En el siglo XXI ha habido tres grandes campañas de recaudación de fondos en la galería: en 2004, para comprar la Madonna de los claveles de Rafael ; en 2008, para Diana y Acteón de Tiziano; y en 2012, Diana y Calisto de Tiziano . Ambos Tizianos fueron comprados en tándem con la National Gallery of Scotland por 95 millones de libras. Ambas obras importantes se vendieron de la colección del duque de Sutherland . La National Gallery está ahora en gran parte fuera del mercado de pinturas de viejos maestros y solo puede hacer tales adquisiciones con el respaldo de importantes llamamientos públicos; el director saliente Charles Saumarez Smith expresó su frustración por esta situación en 2007. [50]
La National Gallery fue patrocinada por el fabricante de armas italiano Finmeccanica entre octubre de 2011 y octubre de 2012. El acuerdo de patrocinio permitió a la empresa utilizar los espacios de la galería para reuniones, y la galería se utilizó para albergar a los delegados durante la feria de armas DSEI y el Salón Aeronáutico de Farnborough . El acuerdo de patrocinio finalizó un año antes después de las protestas. [51]
En febrero de 2014, la galería compró Men of the Docks del artista estadounidense George Bellows por 25,5 millones de dólares (15,6 millones de libras esterlinas). Fue la primera pintura estadounidense importante que compró la galería. El director, Nicholas Penny , calificó la pintura como una nueva dirección para la galería, una pintura no europea en un estilo europeo. Su venta fue controvertida en los Estados Unidos. [52]
En 2018, la National Gallery fue una de las primeras galerías públicas de Londres en cobrar más de £20 por la entrada a una exposición especial, la exposición en cuestión siendo de obras de Claude Monet . [53]
En febrero de 2019, un tribunal laboral dictaminó que la galería había clasificado incorrectamente a su equipo de educadores como contratistas autónomos. [54] A los educadores se les concedió la condición de "trabajadores" tras una acción legal interpuesta por 27 demandantes. El caso recibió una considerable cobertura de la prensa y los medios de comunicación. [55] [56] [57]
En 2024, la National Gallery celebró su 200 aniversario con una variedad de programas, eventos y colaboraciones. [58]
La primera sugerencia para una Galería Nacional en Trafalgar Square vino de John Nash , quien la imaginó en el sitio de King's Mews , mientras que un edificio similar al Partenón para la Royal Academy ocuparía el centro de la plaza. [60] La recesión económica impidió que se construyera este plan, pero finalmente se celebró un concurso para el sitio de Mews en 1831, para el cual Nash presentó un diseño con CR Cockerell como su coarquitecto. Sin embargo, la popularidad de Nash estaba menguando en ese momento, y el encargo fue otorgado a William Wilkins , quien participó en la selección del sitio y presentó algunos dibujos en el último momento. [61] Wilkins esperaba construir un "Templo de las Artes, nutriendo el arte contemporáneo a través del ejemplo histórico", [62] pero el encargo se vio arruinado por la parsimonia y el compromiso, y el edificio resultante, que se abrió al público el 9 de abril de 1838, [63] fue considerado un fracaso en casi todos los aspectos.
El terreno solo permitía que el edificio tuviera una habitación de profundidad, ya que un asilo de pobres y un cuartel se encontraban inmediatamente detrás. [nota 3] Para agravar las cosas, había un derecho de paso público a través del sitio hacia estos edificios, lo que explica los pórticos de acceso en los lados este y oeste de la fachada. Estos tuvieron que incorporar columnas de la demolida Carlton House , y su relativa brevedad resultó en una elevación que se consideró excesivamente baja, por lo que no proporcionó a Trafalgar Square su deseado punto focal dominante hacia el norte. También se reciclaron las esculturas de la fachada, originalmente pensadas para el Marble Arch de Nash , pero abandonadas debido a sus problemas financieros. [nota 4] La mitad oriental del edificio albergó a la Royal Academy hasta 1868, lo que disminuyó aún más el espacio otorgado a la National Gallery.
El edificio fue objeto de burla pública antes incluso de que se hubiera completado, ya que una versión del diseño se había filtrado a la Literary Gazette en 1833. [64] Dos años antes de su finalización, su infame elevación "pimentero" apareció en el frontispicio de Contrasts (1836), un influyente tratado del gótico A. WN Pugin , como un ejemplo de la degeneración del estilo clásico. [65] Incluso Guillermo IV (en su última declaración registrada) pensó que el edificio era un "pequeño y desagradable agujero", [66] mientras que William Makepeace Thackeray lo llamó "un pequeño edificio con forma de tienda de ginebra". [66] El historiador de arquitectura del siglo XX Sir John Summerson se hizo eco de estas primeras críticas cuando comparó la disposición de una cúpula y dos diminutas torretas en la línea del tejado con "el reloj y los jarrones en una repisa de la chimenea, solo que menos útiles". [61] [nota 5] El diseño paisajístico de Trafalgar Square realizado por Sir Charles Barry en 1840 incluía una terraza al norte para que el edificio pareciera elevado, abordando así uno de los puntos de queja. [15] La opinión sobre el edificio se había suavizado considerablemente en 1984, cuando el Príncipe Carlos calificó la fachada de Wilkins como una "amiga muy querida y elegante", en contraste con una ampliación propuesta. ( Ver más abajo )
La primera modificación significativa que se hizo al edificio fue la galería única y larga que sir James Pennethorne añadió entre 1860 y 1861. Aunque estaba decorada de forma muy elaborada en comparación con las salas de Wilkins, empeoró las condiciones de hacinamiento en el interior del edificio, ya que se construyó sobre el vestíbulo de entrada original. [67] Como era de esperar, se hicieron varios intentos de remodelar por completo la National Gallery (como sugirió sir Charles Barry en 1853) o de trasladarla a unas instalaciones más espaciosas en Kensington , donde el aire también era más limpio. En 1867, el hijo de Barry, Edward Middleton Barry, propuso sustituir el edificio de Wilkins por un enorme edificio clásico con cuatro cúpulas. El plan fue un fracaso y los críticos contemporáneos denunciaron el exterior como "un fuerte plagio de la catedral de San Pablo". [68]
Sin embargo, con la demolición del asilo, Barry pudo construir la primera secuencia de grandes espacios arquitectónicos de la galería, entre 1872 y 1876. Construidas según un diseño neorrenacentista policromado , las Salas Barry estaban dispuestas en planta de cruz griega alrededor de un enorme octógono central. Aunque compensaba la arquitectura decepcionante del edificio Wilkins, la nueva ala de Barry no fue del agrado del personal de la galería, que consideraba que su aspecto monumental entraba en conflicto con su función como espacio de exposición. Además, el programa decorativo de las salas no tenía en cuenta el contenido previsto; el techo de la galería italiana de los siglos XV y XVI, por ejemplo, estaba inscrito con los nombres de artistas británicos del siglo XIX. [69] Sin embargo, a pesar de estos fallos, las Salas Barry proporcionaron a la galería una sólida planta axial; a esto le seguirían todas las ampliaciones posteriores a la galería durante un siglo, lo que dio como resultado un edificio de clara simetría.
La galería de Pennethorne fue demolida para la siguiente fase de construcción, un proyecto de Sir John Taylor que se extendía hacia el norte de la entrada principal. El vestíbulo de entrada con cúpula de cristal tenía decoraciones pintadas en el techo por la empresa familiar Crace , que también había trabajado en las Barry Rooms. Un fresco previsto para la pared sur nunca se realizó. [70]
Las ampliaciones posteriores en el oeste se produjeron de forma más constante, pero mantuvieron la coherencia del edificio al reflejar el plano de eje transversal de Barry en el este. También se continuó utilizando mármol oscuro para las puertas, lo que dio a las ampliaciones un grado de coherencia interna con las salas más antiguas. El estilo clásico todavía se utilizaba en la National Gallery en 1929, cuando se construyó una galería de estilo Beaux-Arts , financiada por el comerciante de arte y fideicomisario Lord Duveen . Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que la reacción del siglo XX contra las actitudes victorianas se manifestara en la galería. De 1928 a 1952, los pisos del rellano del vestíbulo de entrada de Taylor fueron revestidos con una nueva serie de mosaicos de Boris Anrep , que era amigo del Grupo Bloomsbury . Estos mosaicos pueden leerse como una sátira de las convenciones del siglo XIX para la decoración de edificios públicos, como lo ejemplifica el Friso del Parnaso del Albert Memorial . [71] El mosaico central que representa El despertar de las musas incluye retratos de Virginia Woolf y Greta Garbo , subvirtiendo el tono moral elevado de sus antecesores victorianos. En lugar de las siete virtudes del cristianismo , Anrep ofreció su propio conjunto de virtudes modernas , que incluyen "Humor" y "Mente abierta"; las figuras alegóricas son nuevamente retratos de sus contemporáneos, incluidos Winston Churchill, Bertrand Russell y TS Eliot . [72]
En el siglo XX, los interiores de estilo victoriano tardío de la galería pasaron de moda. [73] Las decoraciones del techo de Crace en el vestíbulo de entrada no eran del gusto del director Charles Holmes y fueron borradas por pintura blanca. [74] Las Galerías del Norte, que se abrieron al público en 1975, marcaron la llegada de la arquitectura modernista a la National Gallery. En las salas más antiguas, los detalles clásicos originales fueron borrados por particiones, tarimas y techos suspendidos, con el objetivo de crear entornos neutrales que no distrajeran la contemplación de las pinturas. Pero el compromiso de la galería con el modernismo duró poco: en la década de 1980, el estilo victoriano ya no se consideraba un anatema y comenzó un programa de restauración para devolver a los interiores del siglo XIX y principios del XX su supuesta apariencia original. Esto comenzó con la remodelación de las Salas Barry en 1985-1986. Entre 1996 y 1999, incluso las Galerías del Norte, consideradas entonces "carentes de un carácter arquitectónico positivo", fueron remodeladas en un estilo clásico, aunque simplificado. [47]
La adición más importante al edificio a finales del siglo XX fue el Sainsbury Wing, diseñado por los arquitectos posmodernistas Robert Venturi y Denise Scott Brown para albergar la colección de pinturas renacentistas y construido en 1991. El edificio ocupa el "sitio de Hampton's" al oeste del edificio principal, donde había una tienda departamental del mismo nombre hasta su destrucción en los Blitz . La galería había buscado durante mucho tiempo expandirse a este espacio [ cita requerida ] y en 1982 se realizó un concurso para encontrar un arquitecto adecuado; la lista de finalistas incluyó una propuesta radical de alta tecnología de Richard Rogers , entre otros. El diseño que ganó la mayoría de los votos fue el de la firma Ahrends, Burton y Koralek , quienes luego modificaron su propuesta para incluir una torre, similar a la del esquema de Rogers. La propuesta fue abandonada después de que el Príncipe de Gales comparara el diseño con un "monstruoso carbunco en la cara de un amigo muy querido y elegante". [76] Desde entonces, el término "carbunclo monstruoso", para referirse a un edificio moderno que desentona con su entorno, se ha vuelto un lugar común. [77] [78]
Una de las condiciones del concurso de 1982 era que la nueva ala debía incluir oficinas comerciales además de espacio para galerías públicas. Sin embargo, en 1985 fue posible dedicar la extensión enteramente a los usos de la galería, gracias a una donación de casi 50 millones de libras de Lord Sainsbury y sus hermanos Simon y Sir Tim Sainsbury . Se convocó un concurso cerrado y los diseños presentados fueron notablemente más sobrios que en el concurso anterior.
En contraste con la rica ornamentación del edificio principal, las galerías del ala Sainsbury son reducidas e íntimas, para adaptarse a la escala más pequeña de muchas de las pinturas. [ cita requerida ] Las principales inspiraciones para estas salas son las galerías iluminadas desde arriba de Sir John Soane para la Dulwich Picture Gallery y los interiores de las iglesias de Filippo Brunelleschi . (El revestimiento de piedra es de pietra serena , la piedra gris local de Florencia). [79] Las galerías más al norte se alinean con el eje central de Barry, de modo que hay una única vista a lo largo de toda la galería. Este eje se exagera mediante el uso de una perspectiva falsa , ya que las columnas que flanquean cada abertura disminuyen gradualmente de tamaño hasta que el visitante llega al punto focal (a partir de 2009), un retablo de Cima de La incredulidad de Santo Tomás . [ Necesita actualización ] El enfoque posmodernista de Venturi hacia la arquitectura se evidencia plenamente en el Ala Sainsbury, con sus citas estilísticas de edificios tan dispares como las casas club de Pall Mall, la Scala Regia en el Vaticano, almacenes victorianos y templos del Antiguo Egipto.
Tras la peatonalización de Trafalgar Square, la galería está actualmente [¿ cuándo? ] comprometida con un plan maestro para convertir el espacio de oficinas desocupado en la planta baja en espacio público. El plan también rellenará patios en desuso y hará uso de terrenos adquiridos a la adyacente National Portrait Gallery en St Martin's Place, que cedió a la National Gallery a cambio de terrenos para su ampliación en 2000. La primera fase, el Proyecto del Ala Este diseñado por Jeremy Dixon y Edward Jones , se abrió al público en 2004. Esto proporcionó una nueva entrada a nivel del suelo desde Trafalgar Square, llamada en honor a Sir Paul Getty . La entrada principal también fue remodelada y reabrió en septiembre de 2005. Los posibles proyectos futuros incluyen un "Proyecto del Ala Oeste" aproximadamente simétrico con el Proyecto del Ala Este, que proporcionaría una futura entrada a nivel del suelo, y la apertura al público de algunas pequeñas salas en el extremo oriental del edificio adquirido como parte del intercambio con la National Portrait Gallery. Esto podría incluir una nueva escalera pública en la proa de la fachada este. No se ha anunciado ningún calendario para estos proyectos adicionales. [ Necesita actualización ]
En abril de 2021, un jurado seleccionó a seis firmas de arquitectos ( Caruso St John , David Chipperfield Architects , Asif Kahn, David Kohn Architects , Selldorf Architects y Witherford Watson Mann Architects) en un concurso de propuestas de diseño para modernizar el ala Sainsbury. [80]
Una carta escrita en 1990 por uno de los donantes, John Sainsbury , fue descubierta en 2023 durante la demolición de dos columnas falsas en la que argumentaba que "las columnas falsas son un error del arquitecto y que viviríamos para lamentar haber aceptado este detalle de su diseño". [81] [82] [83]
En 2024, las excavaciones para la ampliación del ala Sainsbury en Jubilee Walk descubrieron evidencia de que el asentamiento anglosajón de Lundenwic se extendía más al oeste de lo que se había supuesto anteriormente. [84]
El 10 de marzo de 1914, en la National Gallery, la Venus del espejo de Velázquez fue dañada por Mary Richardson , una activista por el sufragio femenino , en protesta por el arresto de Emmeline Pankhurst el día anterior. Más tarde ese mes, otra sufragista atacó a cinco Bellini , lo que provocó el cierre de la galería hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial , cuando la Unión Social y Política de Mujeres pidió el fin de los actos violentos para llamar la atención sobre su difícil situación. [85]
En agosto de 1961, un conductor de autobús desempleado, Kempton Bunton , robó el Retrato del duque de Wellington de Goya , en lo que sigue siendo el único robo exitoso de la galería. [86] Cuatro años después, Bunton devolvió la pintura voluntariamente. Después de un juicio de alto perfil, fue declarado no culpable de robar la pintura, pero sí culpable de robar el marco. [87]
En julio de 1987, un hombre entró en la galería armado con una escopeta oculta bajo su abrigo y disparó contra el dibujo de Leonardo de La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista . El hombre, Robert Cambridge, dijo a la policía que su intención había sido expresar su disgusto por las "condiciones políticas, sociales y económicas de Gran Bretaña". Aunque los perdigones no penetraron en el dibujo, este tuvo que ser sometido a una extensa restauración. Fue colocado de nuevo en exposición al año siguiente. [88]
Los Girasoles de Vincent van Gogh fue atacado en la galería el 14 de octubre de 2022 por activistas ambientales de la campaña Just Stop Oil , quienes le arrojaron sopa de tomate . [89] Debido a la protección del plexiglás , la pintura no sufrió daños, pero hubo algunos daños menores en el marco, según un portavoz de la galería. [89]
El 6 de noviembre de 2023, el Rokeby Venus fue atacado nuevamente por dos activistas de Just Stop Oil que destrozaron su cristal protector con martillos. [90] [91]
![El Staircase Hall (1884-1887), diseñado por Sir John Taylor, en una fotografía de 2007. A la izquierda se encuentra la Celebrated Madonna de Cimabue, obra de Frederic, Lord Leighton (un préstamo de la Colección Real desde la década de 1990).[70]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Staircase_hall_of_the_National_Gallery,_London.jpg/1280px-Staircase_hall_of_the_National_Gallery,_London.jpg)
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