Antonio del Pollaiuolo ( Reino Unido : / ˌ p ɒ l aɪ ˈ w oʊ l oʊ / POL -eye- WOH -loh , [1] EE. UU. : / ˌ p oʊ l -/ POHL - , [2] Italiano: [anˈtɔːnjo del pollaˈjwɔːlo ] ; 17 de enero de 1429/1433 – 4 de febrero de 1498), también conocido como Antonio di Jacopo Pollaiuolo o Antonio Pollaiuolo (también escrito Pollaiolo ), fue un pintor , escultor , grabador y orfebre del Renacimiento italiano , que realizó importantes obras en todos estos medios. , además de diseñar obras en otros, por ejemplo vestimentas , siendo el bordado en metal un medio en el que trabajó al inicio de su carrera.
Sus obras más características en sus principales medios muestran figuras masculinas en gran parte desnudas en complicadas poses de acción violenta, basadas en ejemplos clásicos y a menudo centradas en un heroico Hércules . Él, o posiblemente su hermano, también fue un pintor innovador de amplios paisajes, tal vez habiendo aprendido de la pintura holandesa temprana . [3] Sus dos tumbas papales fueron los únicos monumentos que sobrevivieron a la demolición de la antigua San Pedro en el siglo siguiente y fueron reconstruidos en la actual Basílica de San Pedro . [4]
Trabajó muy a menudo en colaboración con su hermano menor Piero del Pollaiuolo ( c. 1443-1496 ), y distinguir sus contribuciones para satisfacer las ideas modernas de autoría ha resultado excepcionalmente difícil, por lo que muchas pinturas se describen simplemente como de los hermanos Pollaiuolo . [5] Sus contemporáneos, y Giorgio Vasari , vieron a Antonio como, con mucho, el más talentoso y el responsable del diseño y la pintura principal de la mayoría de las obras, [6] pero en las últimas décadas la reputación de Piero se ha fortalecido un poco, y ahora se le otorga autoría exclusiva de, por ejemplo, la pequeña Apolo y Dafne (1470-1480) de su propietario, la Galería Nacional . [7] Al mismo tiempo, las referencias contemporáneas en las listas de artistas destacados, de las cuales hay varias, mencionan principalmente a los hermanos juntos, [8] y Las Vidas de los artistas de Vasari los trata en una sola vida .
Según Kenneth Clark , dos factores han reducido su prominencia en la visión moderna del arte del Quattrocento : la pérdida de sus pinturas de gran tamaño de algunos de los Trabajos de Hércules y "un nombre que parece difícil de pronunciar". En su época, y durante varias décadas después, se reconoció su "verdadera posición" como "una de las fuerzas originarias de la historia del arte europeo". [9]
En los últimos años ha habido una tendencia entre los historiadores del arte a aumentar el crédito que se le da a Piero por las pinturas, liderados por Aldo Galli, cuyo Antonio y Piero Del Pollaiuolo: Plata y Oro, Pintura y Bronce (2014) asigna la pintura real de muchos obras para Piero que hacía tiempo habían sido entregadas a Antonio, o a ambos hermanos. Galli sólo atribuye a Antonio las versiones reducidas de los dos Trabajos de Hércules (Uffizi), el fresco de los Desnudos danzantes y un retablo temprano con la Elevación de la Magdalena . [10] Al menos uno de los hermanos fue influenciado por el estilo paisajístico de la pintura holandesa temprana , y la escuela revisionista piensa que se trataba de Piero. Las atribuciones de obras de escultura y otros medios no se ven afectadas.
Vasari inició la tradición de enfatizar la contribución de Antonio en lugar de Piero a las pinturas, que en gran medida no fue cuestionada hasta el siglo XX, [11] a pesar de las sospechas de historiadores del arte como Martin Davies , director de la Galería Nacional . [12] En el siglo XXI se ha planteado un desafío total y parcialmente exitoso, y algunas atribuciones han cambiado por parte de los propietarios de museos. Este artículo da las atribuciones tradicionales, o sigue a los museos propietarios, señalando a veces cambios en los últimos años.
Nació en Florencia . Los hermanos tomaron el apodo de pollaiuolo , que en italiano significa pollero, del oficio de su padre Jacopo, que vendía aves de corral, pollaio . [13] Este era un negocio de lujo en ese momento, y era poco probable que los cuatro hijos de Jacopo encontraran espacio para hacer carreras en él. Según Benedetto Dei , el contemporáneo "enumerador fanático" de la vida florentina, en 1472 en Florencia sólo había 8 proveedores de aves de corral, pero 44 talleres de orfebrería . [14]
Antonio era el hijo mayor; los dos hermanos medianos se dedicaron respectivamente a la avicultura (finalmente heredaron ese negocio) y a la orfebrería. El hermano menor, Piero, también era artista, aparentemente sólo en pintura, y él y Antonio trabajaban juntos con mucha frecuencia, aunque sus talleres estaban físicamente "separados pero mutuamente accesibles". [15] Su trabajo muestra influencias clásicas y un interés por la anatomía humana ; Según se informa, los hermanos realizaron disecciones para mejorar su conocimiento sobre el tema. De ser así, éstas estarían "entre las primeras incursiones del Renacimiento en la investigación anatómica". [dieciséis]
El primer oficio de Antonio fue la orfebrería y la metalurgia. Aunque probablemente falte documentación, las afirmaciones de muchos casi contemporáneos de que se formó en el gran taller de Lorenzo Ghiberti pueden ser correctas. Esto no se contradice con la posibilidad de que fuera el "Antonio di Jacopo" catalogado en 1457 como "lavorante" de Miliani Dei, hermano gemelo del cronista y procedente de una antigua familia de orfebres. [17]
Vasari, cuyo relato de la "formación temprana de los hermanos contiene una serie de inverosimilitudes", [18] dice que, habiendo decidido pasar de la orfebrería a la pintura, su hermano le dio sus primeras lecciones. Piero era unos diez años más joven pero se había formado como pintor desde el principio. [19] Sin embargo, esto parece poco probable; Andrea del Castagno fue una gran influencia para él, y es posible que haya entrenado con él, como lo hizo Piero o posiblemente Domenico Veneziano . [20]
En 1459 Antonio tenía su propio taller, como orfebre y pintor, desarrollándose posteriormente su práctica en escultura y grabado. [21] En 1464 firmó un contrato de arrendamiento de un local bien ubicado, en la Via Vaccherrechia, frente al Palazzo Vecchio . Habían sido utilizados anteriormente por otro orfebre, por lo que estaban debidamente dispuestos; el contrato de arrendamiento se renovó periódicamente hasta 1493. [22] En los años siguientes se contrataron aprendices. [23]
Ingresó en el gremio de trabajadores de la seda en 1466 y se casó con su primera esposa (de dieciocho años) en 1469, con una dote de más de 500 florines de oro. Ese año comenzó a comprar terrenos en el campo. [24] en 1472 los dos hermanos y su padre compraron una casa cerca de su casa familiar en la ciudad, dividiéndola en tres unidades, aparentemente para alquilar. [25]
Durante más de veinte años tuvo una exitosa carrera en Florencia, abandonando raramente el territorio de la República de Florencia , y en 1489 fue descrito por Jacopo Lanfredini como el mejor artista de la ciudad (este elogio a menudo se atribuye erróneamente a Lorenzo de' Medici ). . [26] Pero para entonces un encargo para una tumba papal, la del Papa Sixto IV , San Pedro , lo había llevado a Roma en 1484, o tal vez un poco antes. [27] A partir de entonces, ambos hermanos parecen haber pasado la mayor parte de su tiempo en Roma, pero regresando a Florencia en ocasiones. [28]
Cuando terminó la primera tumba, en 1493, el siguiente Papa había muerto y él se quedó en Roma para hacer también su tumba. Después de una última visita a Florencia en 1496, para dar los últimos toques a las obras ya iniciadas en la sacristía de Santo Spirito , murió en Roma en 1498 siendo un hombre rico, acabando de terminar la tumba del Papa Inocencio VIII , también en San .Pedro. Fue enterrado en la iglesia de San Pietro in Vincoli , donde se levantó un monumento conjunto a él y a su hermano, fallecido en Roma dos años antes. [29]
Su partida hacia Roma significó que en sus últimos años evitó el deprimente colapso de la "Edad de Oro" florentina tras la muerte de Lorenzo de' Medici en 1492, la ocupación por los franceses en 1494 , seguida del breve liderazgo de Savonarola y continuado. inestabilidad política y amenazas militares. [30]
Tuvo dos hijas pero ningún hijo, aunque un sobrino (n. 1472) trabajó con él; la última vez que se supo que Miguel Ángel lo rechazó para trabajar en la tumba del Papa Julio II en 1507. Hubo algún litigio en Florencia sobre los bienes. Antonio se fue, en el que su viuda prestó testimonio en 1511. [31]
La datación de su obra (antes de ir a Roma) es mayormente incierta, y gran parte de su pintura, especialmente las piezas más grandes, aparentemente fue realizada junto con su hermano. En general, se acepta que un grupo de pinturas es relativamente temprano, aproximadamente antes de 1466. Los contemporáneos valoraron la obra de Antonio muy por encima de la de Piero, especialmente con respecto a su diseño o dibujo, del cual Antonio quizás fue generalmente responsable. [32]
Fue uno de los primeros pintores importantes que representaban temas de la mitología clásica, especialmente aquellos protagonizados por Hércules , pero los ejemplos que se conservan de ellos son pequeñas pinturas para casas privadas. Tanto sus pinturas bíblicas como mitológicas destacan por representar la acción, con un "aire feroz" que era inusual para la época. [33] Estos temas habían sido pintados previamente a una escala similar para cofres cassone , pero los de Pollaiuolo parecen haber sido siempre imágenes enmarcadas.
Sus Hércules y la Hidra (c. 1475) y Hércules y Anteo (c. 1478), ambos ahora en los Uffizi , son aparentemente versiones en miniatura de dos de las tres pinturas muy grandes de los Trabajos de Hércules que hizo para la Sala Grande. del Palacio de los Medici , una gran sala diseñada para impresionar a los visitantes. Tenían seis braccia cuadradas o de alto, unos 3,5 metros, sobre tela, es decir, con figuras de tamaño natural; Hércules y el león de Nemea fue el tercero. [34] Durante unos cincuenta años después de su finalización, estas "estuvieron entre las obras más famosas e influyentes de su tiempo", pero ahora se han perdido, "como casi todos los lienzos de la fecha". [35]
Fueron realizados alrededor de 1460, muy temprano en su carrera independiente, y debieron anunciar en voz alta su llegada como pintor a Florencia y más allá. Quizás fueron encargados por Piero di Cosimo de' Medici y no por su padre, y estaban sobre tela, algo todavía relativamente inusual en Florencia en esa fecha. [36]
Otra pintura temprana, probablemente de mediados de la década de 1460, es su David con la cabeza de Goliat , ahora en Berlín. A diferencia de los David más famosos de la época, de Donatello (tanto en mármol como en bronce), Verrocchio o Miguel Ángel , éste carece de evidencia documental que lo vincule con el gobierno florentino o la familia Medici . David está vestido de manera completa y bastante rica, con forros de armiño , y parece más un patricio florentino que un joven pastor. Con 46,2 cm (18,1 pulgadas) x 34 cm (13,3 pulgadas), presumiblemente estaba destinado a un entorno doméstico. [37]
La composición de un estandarte, documentado pero ahora perdido, del arcángel Miguel en combate con el diablo en forma de dragón o serpiente, se conoce a partir de una copia y Vasari lo describe con entusiasmo. Fue realizado para una cofradía de Arezzo , ciudad natal del biógrafo. [38]
Su Martirio de San Sebastián , realizado con su hermano, pero probablemente dibujado por Antonio, fue pintado en 1473-1475 para la Capilla Pucci de las SS. Anunciada . Es su obra más grande y ambiciosa que se conserva, "un hito en el arte del Renacimiento", como la primera pintura a gran escala donde la composición está dictada por las acciones de las figuras. Las seis grandes figuras de soldados en primer plano están emparejadas en tres poses, pero vistas desde diferentes ángulos. Este tiene el mayor de los amplios fondos paisajísticos, con un río serpenteando, que aparecen en varias pinturas. [39]
Un friso al fresco de figuras desnudas bailando, en una villa cerca de Florencia, quizás de la década de 1470, está en muy malas condiciones, pero muestra el mismo interés por las posturas corporales extremas que las obras mencionadas anteriormente, pero esta vez con un espíritu de alegría. [40] Esto fue para la familia Lanfredini, aliados cercanos de los Medici que parecen haber sido importantes patrocinadores tempranos de Antonio, dispuestos a presionar a otros para obtener los pagos que se le debían. [41]
Hay una serie de retratos de perfil de mujeres jóvenes, bastante similares, de cabeza y hombros, atribuidos a uno de los hermanos o a su taller. [42]
A menudo utilizaba una técnica poco ortodoxa en sus pinturas sobre tabla , aplicando pintura directamente sobre la madera, sin la habitual base de yeso . Esto puede ser responsable de las pérdidas de pintura que han sufrido algunos paneles. [43] Su principal contribución a la pintura florentina radica en su análisis del cuerpo humano en movimiento o en condiciones de tensión, pero también es importante por su habilidad pionera en la representación de amplios fondos paisajísticos. [44]
Los artistas que eran a la vez pintores y escultores no eran muy infrecuentes en la Italia del siglo XV; Andrea del Verrocchio es un ejemplo casi contemporáneo en Florencia, con un patrón de carrera similar, comenzando como orfebre, luego trabajando para los Medici y finalmente abandonando la ciudad en 1483. Los gremios florentinos eran más flexibles a este respecto que los de muchas ciudades. . [45]
Su hermano Piero no era escultor, [46] eliminando las cuestiones de atribución que afectan a las pinturas. Como escultor Antonio y su taller trabajaron en bronce, plata, terracota , yeso y madera, pero al parecer nunca en piedra. [47] Ambas tumbas papales tienen efigies de bronce, y un encargo temprano muy importante fue las partes inferiores de un crucifijo de plata para el altar mayor del Baptisterio de Florencia , [48] y relieves posteriores para el altar. También realizó un gran crucifijo con el cuerpo en corcho pintado, [49] y un escudo de desfile con un relieve de Milón de Crotona en yeso dorado (Louvre).
Un relieve de estuco con figuras de tamaño natural de Hércules y Caco en combate en una pared del patio del Palazzo Guicciardini en Florencia fue publicado por primera vez como obra de un seguidor de Antonio, una derivación de un diseño suyo, y "desde entonces muy pocos estudiosos han mostrado interés en él"; Aldo Galli y algunos otros creen que se trata de una obra original de Antonio, de alrededor de 1465. [50]
Fue uno de los escultores que desarrolló el género del "bronce de mesa" o pequeña figura de bronce para los palacios de los ricos. Al menos tres de ellos eran de Hércules, quien también figura en varios de sus cuadros. Dos pequeños bronces de Hércules , ahora en el Museo Bode de Berlín y en la Colección Frick de Nueva York, muestran al héroe de pie en pose de descanso, [51] pero otro muestra la pelea entre Hércules y Anteo y "rompió todas las reglas de la escultura". al permitir "la libertad de las figuras para moverse en cualquier dirección requerida por sus acciones". Perteneció a la familia Medici en el siglo XV. [52]
Dos dibujos supervivientes, uno de ellos propiedad de Vasari y descrito por él, registran su participación en el proyecto planeado durante mucho tiempo pero nunca realizado para una estatua ecuestre en bronce, en memoria de Francesco Sforza, duque de Milán (muerto en 1466). Primero su viuda, luego su hijo y su sobrino, sucesores de su ducado, hablaron con varios escultores antes de encargar finalmente el encargo a Leonardo da Vinci en la década de 1480. Antes de la invasión francesa de 1494 , sólo se realizó una enorme maqueta de arcilla , durante una fase posterior en la que las tropas francesas la destruyeron. [53]
El trabajo de orfebre fue probablemente su "actividad principal" durante la mayor parte de su carrera, y quizás su aspecto más rentable, pero aparte de los principales encargos de la iglesia, casi nada claramente atribuible ha sobrevivido, excepto el crucifijo y las placas del Baptisterio. [54] Esto es normal, ya que las piezas seculares, y muchas más pequeñas para iglesias, casi siempre fueron recicladas para obtener lingotes o rehacerse durante los siguientes siglos. Por su valor, muchas piezas perdidas están documentadas, a diferencia de sus pinturas más pequeñas, casi todas sin documentación contemporánea. [55]
Los grandes encargos seculares, ahora desaparecidos, incluyen algunos para el gobierno: en 1472 un cuenco ceremonial de plata que pesaba 32 libras, con una "guirnalda de niños" en relieve en su interior, y en 1472-1473 un "casco de exhibición" ornamental, de plata dorada y esmaltes. , y rematado con una figura de Hércules. Este fue para presentárselo al condottiero Federigo da Montefeltro , duque de Urbino , a quien los florentinos habían contratado, y la evidencia sugiere que Antonio se lo entregó al propio Urbino . [56] En 1480 la Signoria encargó un lavabo de plata. [57]
En 1476 hizo el mango esmaltado y la funda de un "cuchillo de pan", para un ciudadano acomodado, [58] y habría habido muchos pequeños encargos de joyas, platos de mesa y pequeños accesorios. Realizó los accesorios de plata dorada, con círculos de esmalte, para la encuadernación del tesoro del "Petrarca de París", una colección de obras de Petrarca encargada por Lorenzo de' Medici en 1476 (ahora en París, después de pasar a Carlos VIII de Francia ). . Los círculos esmaltados dañados muestran a las Musas tocando instrumentos. [59]
Sorprendentemente, las dos tumbas de Pollaiuolo fueron los únicos monumentos papales que sobrevivieron a la demolición de la antigua San Pedro en el siglo siguiente y fueron reconstruidos en la actual Basílica de San Pedro ; Vasari se quejó del desprecio de Bramante por la preservación de otros monumentos. Esto debe deberse en parte a la reputación de Pollaiuolo y a la calidad de su trabajo, pero ambas tumbas también eran inusuales e innovadoras. [60]
El Papa Sixto IV había comenzado a planificar su tumba en el suelo antes de su muerte en 1484, incluida la construcción de una nueva capilla lateral cerca del altar mayor. Cuando se construyó la nueva basílica en el siglo siguiente, se trasladó al sótano , tal vez porque ocupaba mucho espacio. [61] Una efigie yacente en bronce, implacable al mostrar a una persona anciana, y usando una máscara mortuoria , [62] estaba rodeada de bajorrelieves planos , con personificaciones de las "Virtudes Teológicas y Cardenales", y luego figuras más grandes en alto relieve de Artes Liberales en una zona inclinada que conduce a la base, que originalmente era de mármol verde. Son muy clasicistas, aunque "de diferente calidad y delatan cierta colaboración". [63] Las artes incluyen "Perspectiva", sosteniendo un astrolabio y una rama de roble para la familia Della Rovere de Sixto . [64]
Las inscripciones incluyen: Opus Antoni Polaioli / Florentini Arg. Auro. / Picto. Aere Clari / An. Hacer. MCCCCLXXXXIII" , "La obra de Antonio Pollaiuolo de Florencia, famoso en plata, oro, pintura y bronce, 1493 d. C.". [65]
Su segunda tumba papal, para el Papa Inocencio VIII , tiene dos efigies de bronce, una que muestra al Papa yacente muerto y la otra entronizado y haciendo un gesto de bendición. Este fue el primer Papa que se muestra viviendo en su tumba, aunque en otras tumbas se habían utilizado pares de figuras vivas y muertas. Una figura mostrada en vida se volvería muy común en las tumbas papales posteriores. [66] Originalmente la figura viva era la inferior, pero en 1606 una reorganización invirtió sus posiciones. La figura viva sostiene una representación de la reliquia de la Lanza Sagrada que el sultán turco había regalado al papado durante el reinado de Inocencio. [67] Este, su último trabajo, incluía originalmente un autorretrato, ahora perdido, probablemente de perfil. [68]
Sólo produjo un grabado que se conserva , la Batalla de los hombres desnudos , pero tanto por su tamaño como por su sofisticación llevó la estampa italiana a nuevos niveles y sigue siendo una de las estampas más famosas del Renacimiento. [69] Produjo un relieve de terracota con una composición diferente de tal batalla; Ambos son mencionados por Vasari, quien dice que hizo otros grabados, pero que puede haber sido confundido por copias o versiones de otros. [70]
Diseñó un conjunto de vestimentas para el Baptisterio de Florencia en la década de 1460, un encargo prestigioso, cuyo trabajo fue realizado por especialistas. [71] Todavía le pagaban por el trabajo de diseño de estos en 1480. [72]
Sus dibujos son elogiados por escritores del siglo XV y aparentemente otros artistas los recopilan y utilizan como modelos. Más tarde, Vasari dice que poseía algunos, incluidos diseños para una estatua ecuestre ; [73] Un dibujo de este tipo sobrevive en Berlín. Los dibujos ahora atribuidos a su propia mano son menos que antes; probablemente menos de veinte. Algunos de ellos son estudios de figuras, otros escenas narrativas y hay dos diseños, a cada lado de la misma hoja, para piezas de orfebrería de iglesia que no han sobrevivido. Esta hoja en realidad está firmada por ambas caras, aparece por el propio Antonio, con "Antonio Pollaiuolo horafo". [74]
Antonio no firmó ni fechó sus cuadros; Por el contrario, Piero firmó un retablo . Sin embargo, Antonio sí incluyó su nombre inscrito en sus dos tumbas papales, así como en su único grabado. En estas obras (como era típico en la época) deseaba incluir su "nacionalidad" como ciudadano de la República de Florencia y, en ocasiones, enfatizar sus otras habilidades más allá de la escultura. [75]
El grabado está firmado: OPVS ANTONII POLLAIOLI FLORENTINI ("la obra de Antonio Pollaiuolo el Florentino") en una tablilla a la izquierda. [76] Firmar una impresión de manera tan destacada era inusual en este período. [77] La inscripción principal en la tumba del Papa Sixto IV se muestra arriba; hay dos más cortos en otras partes del monumento: ANTONIUS POLLAIOLUS FLORENTINUS y OPUS ANTONII DE FLORENTIA . [78]
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