La Adoración de los Magos del artista veneciano Paolo Veronese es un gran óleo sobre lienzo fechado en 1573 que se encuentra en la National Gallery de Londres desde 1855, poco después de que fuera vendido por la iglesia veneciana para la que fue encargado. Muestra el tema común en el arte de la Natividad de la visita de los Reyes Magos al niño Jesús , aquí dado un tratamiento grandiosamente teatral típico de las obras maduras de Veronese. No era un retablo, ya que fue pintado para colgar al lado y no sobre un altar lateral en la nave de la iglesia.
La Adoración de los Magos fue un tema muy común en el arte religioso. Sin duda fue elegido para este cuadro porque fue un encargo de una cofradía de San José , aunque no destaca especialmente en la composición, colocado colgado de una repisa sobre el buey. Sin embargo, se encuentra en la cima de la diagonal compositiva formada por las figuras principales. A Veronese le gustaba pintar trajes elaborados y escénicos y los tres reyes, como figuras religiosas o históricas en muchas de sus pinturas, están vestidos muy elaboradamente con túnicas que reflejan la vestimenta de la élite veneciana contemporánea, pero son más extravagantes y fantasiosas de lo que a menudo se usarían. . [1] Se ha sugerido que los trajes de Veronese se inspiraron en trajes de teatro, para los cuales también hizo dibujos, y podrían compararse con los estilos de alta costura modernos , muchos de los cuales en realidad no están destinados a ser usados fuera de la pasarela. [2]
El gran escenario arquitectónico en un templo clásico en ruinas también es típico de Veronese, quien se interesó seriamente por la arquitectura, aunque David Rosand sugiere que los escenarios de sus grandes pinturas se consideran mejor como escenario escénico o decoración monumental temporal para entradas reales u otras ocasiones. (que a menudo era muy elaborado en este período) que compararlo en detalle con la arquitectura real. [3] Los belenes suelen tener escenarios de este tipo, que además de mostrar la habilidad del artista, actuaban como un recordatorio de la leyenda medieval, recogida en la popular recopilación de la Leyenda Dorada , que en la noche del nacimiento de Cristo la Basílica de Majencio En Roma, que se suponía albergaba una estatua de Rómulo , se había derrumbado parcialmente, dejando las impresionantes ruinas que sobreviven hoy. [4]
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Otro significado para el templo en ruinas se remonta a la pintura holandesa temprana del siglo XV , cuando el sencillo cobertizo habitual del establo de la Natividad, poco cambiado desde la Antigüedad tardía , se había convertido en un elaborado templo en ruinas, inicialmente de estilo románico , que representaba el estado ruinoso. del Antiguo Pacto de la ley judía . [5] En las obras italianas, la arquitectura de tales templos se volvió clásica, reflejando el creciente interés por el mundo antiguo y las ruinas que permanecieron en muchas áreas. [6]
No parece haber razón para dudar de la fecha de 1573 pintada en el escalón de piedra más bajo. El grado de participación personal de Veronese ha sido objeto de diferentes opiniones desde que la obra llegó a Londres, y algunos dudan de que haya tocado la obra final, mientras que otros creen que las figuras son en gran parte de la mano del maestro. Generalmente se acepta que Veronese fue responsable de los detallados dibujos preparatorios, reflejados en el dibujo inferior que es visible en muchos lugares, y que se siguió con pocos cambios. Cecil Gould fue el primero en señalar que en 1573 Veronese también completó obras que incluían la enorme La fiesta en la Casa de Levi y una gran Virgen del Rosario (ambas ahora en la Academia de Venecia ), sugiriendo "que este solo hecho apoyaría la idea de que hubo un alto grado de participación del estudio". [7] Nicholas Penny considera que gran parte de la pintura es "característica de las producciones más competentes del taller de Veronese, aunque las cabezas de los dos reyes mayores se encuentran entre las mejores que Veronese jamás haya pintado". [8]
El estilo en algunas zonas, como los rostros de la Virgen y Gaspar, y aspectos como la inclusión del buey y el asno, "nada obligatoria en una pintura" de este tema y "otro rasgo notablemente bassanesco", han sugerido Varios estudiosos afirman que Jacopo Bassano , o alguien de su taller, colaboró en la pintura. Aparte de estos, la pintura incluye caballos, dos corderos, dos perros y un camello. Se sabe que Veronese admiraba a Bassano, que se especializaba en pinturas históricas en las que se incluían animales. [8]
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La procedencia de la pintura es inusualmente sencilla para una obra del siglo XVI, ya que fue comprada por un comerciante de la iglesia parroquial de San Silvestro, Venecia , para la cual fue encargada. La pintura fue encargada por la cofradía de San José , la Scuola di San Giuseppe , y colocada junto a su altar en la pared izquierda de la nave. No eran una de las muy ricas Scuole Grandi de Venecia , ni tenían una base comercial como otras con altares en la iglesia, sino esencialmente devocionales, e incluían miembros femeninos. [9]
La iglesia tenía una serie de pinturas significativas, y la Veronese estaba al lado del altar de San José, que en el siglo siguiente recibió un retablo de Johann Carl Loth con el tema inusual de José presentando a Jesús recién nacido a Dios Padre , que permanece en la iglesia. El Veronese tenía cierta fama, siendo mencionado en las primeras guías turísticas, como la revisión de 1604 de Giovanni Stringa de Venecia de Francesco Sansovino . [9] En 1670, agentes del nuevo Cosme III de' Medici, Gran Duque de Toscana , que no había logrado persuadir al convento de Santa Catalina para que vendiera Las bodas místicas de Santa Catalina de Veronese de 1575 (ahora Galería de la Academia ), recurrieron a San Silvestro e intentó sobornar a todos los miembros de la cofradía para que vendieran la obra, pero fracasó después de dos años. [10]
Después de un colapso parcial de la estructura en 1820, se decidió reconstruir en gran medida la iglesia, y la apariencia interna actual es completamente del siglo XIX, con una observación cuidadosa que revela cómo se acabó el dinero para la obra, con pintura reemplazando relieves y mármol en secundaria. áreas. Las obras comenzaron en 1836, con el Veronés almacenado en la iglesia desde 1837, doblado o enrollado, y la iglesia fue reconsagrada en 1850. [11] La fachada exterior se terminó en 1909, aunque el campanario o campanario es del siglo XIV. . La nueva nave tenía muchos menos altares, con una "articulación lúcida de las paredes de la nave" que no dejaba espacio para un cuadro del tamaño del Veronés. Según Penny, la "historia oficial" de que esto sólo se realizó después de la reconstrucción, haciendo imposible la intención original de reemplazar las grandes pinturas originales, es improbable, y obtener fondos de la venta del Veronese probablemente había sido parte del plan desde el principio. [12]
El cuadro fue comprado en la iglesia por Angelo Toffoli, un marchante de arte veneciano, el 1 de septiembre de 1855; la venta se había retrasado por la necesidad de obtener tanto un decreto papal que permitiera la venta como un permiso para exportarlo de las autoridades austriacas que entonces gobernaban Venecia. Toffoli lo envió a París el mes siguiente, aparentemente con la intención de venderlo allí al barón James Mayer de Rothschild de los Rothschild franceses o a otro coleccionista. Pero el recién nombrado Director de la Galería Nacional, Sir Charles Lock Eastlake , se enteró de esto y se lo compró a Toffoli, probablemente sin haberlo visto nunca. Toffoli recibió 1.977 libras esterlinas el 24 de noviembre y el cuadro estaba en Londres el 29 de noviembre. Evidentemente llegó sin su marco original, y el actual se hizo en Wardour Street antes de que la pintura fuera colgada en la galería el 1 de febrero de 1856, desde entonces normalmente ha estado en exhibición, [13] hoy en la Sala 9.
El cuadro se encuentra en general en buen estado, aunque los casi veinte años que pasó enrollado o plegado en su último período en Venecia y los traslados que terminaron en la Galería Nacional provocaron pérdidas de pintura localizadas en los bordes, que fueron repintados para el marchante Toffoli. Cuando llegó a la Galería Nacional, se eliminó el "repintado superfluo" en 1856. Un visitante de San Silvestro del siglo XVIII lo describió como desgastado y difícil de ver, tal vez debido a la suciedad o al barniz descolorido . Recibió una limpieza adicional en 1891, 1934 y 1957. [14] En 2012-13 se le realizó una "limpieza y restauración completa, además de un nuevo revestimiento", el examen sugiere que la propia mano de Veronese era más evidente en varias de las figuras principales. de lo que se había pensado anteriormente. [15]
La pintura está formada por tres piezas, cada una de 119 cm de ancho, de "lienzo de tejido atigrado y peso medio" que atraviesan la imagen. De manera bastante inusual, el suelo es carbonato de calcio con pegamento como medio aglutinante, en lugar del habitual yeso a base de sulfato de calcio ; no está preparado. Se han identificado muchos pigmentos utilizados y ha habido cierta decoloración. [dieciséis]