En el más general de los términos, la música es la disposición del sonido para crear alguna combinación de forma , armonía , melodía , ritmo o contenido expresivo de otro modo . [1] [2] [3] Las definiciones de música varían según la cultura, [4] aunque es un aspecto de todas las sociedades humanas y un universal cultural . [5] Si bien los estudiosos coinciden en que la música se define por unos pocos elementos específicos , no hay consenso sobre sus definiciones precisas. [6] La creación de música se divide comúnmente en composición musical , improvisación musical e interpretación musical , [7] aunque el tema en sí se extiende a disciplinas académicas, crítica , filosofía , psicología y contextos terapéuticos . La música se puede interpretar o improvisar utilizando una amplia gama de instrumentos , incluida la voz humana , y por eso a menudo se le atribuye su extrema versatilidad y oportunidad para la creatividad. [8]
En algunos contextos musicales, una interpretación o composición puede ser hasta cierto punto improvisada . Por ejemplo, en la música clásica indostánica , el intérprete toca espontáneamente siguiendo una estructura parcialmente definida y utilizando motivos característicos. En el jazz modal , los intérpretes pueden turnarse para liderar y responder mientras comparten un conjunto cambiante de notas. En un contexto de free jazz , puede que no haya estructura alguna, y cada intérprete actúa a su discreción. La música puede componerse deliberadamente para que no se pueda interpretar o aglomerarse electrónicamente a partir de muchas interpretaciones . La música se reproduce en áreas públicas y privadas, se destaca en eventos como festivales , conciertos de rock y presentaciones de orquestas , y se escucha incidentalmente como parte de una partitura o banda sonora de una película, programa de televisión, ópera o videojuego . La reproducción de música es la función principal de un reproductor de MP3 o de CD , y una característica universal de las radios y los teléfonos inteligentes .
La música a menudo juega un papel clave en actividades sociales, rituales religiosos , ceremonias de rito de iniciación , celebraciones y actividades culturales. La industria musical incluye compositores, intérpretes, ingenieros de sonido , productores, organizadores de giras, distribuidores de instrumentos, accesorios y partituras . Las composiciones, interpretaciones y grabaciones son evaluadas y valoradas por críticos musicales , periodistas musicales y estudiosos de la música , así como por aficionados.
La palabra inglesa moderna "música" empezó a utilizarse en la década de 1630. [9] Se deriva de una larga línea de precursores sucesivos: el inglés antiguo ' musike ' de mediados del siglo XIII; la antigua música francesa del siglo XII; y la música latina . [10] [8] [n 1] La palabra latina en sí misma deriva del griego antiguo mousiké ( technē ) — μουσική ( τέχνη ), que literalmente significa "(arte) de las Musas". [10] [n 2] Las Musas eran nueve deidades de la mitología griega antigua que presidían las artes y las ciencias . [13] [14] Fueron incluidos en cuentos de los primeros autores occidentales, Homero y Hesíodo , [15] y finalmente llegaron a asociarse específicamente con la música. [14] Con el tiempo, Polyhymnia residiría sobre la música de manera más prominente que las otras musas. [11] La palabra latina musica también fue la originadora tanto de la música española como de la musique francesa a través de ajustes ortográficos y lingüísticos, aunque otros términos europeos probablemente fueron préstamos , incluidos musica italiano, Musik alemán , muziek holandés , musikk noruego, muzyka polaco y Música rusa . [14]
El mundo occidental moderno suele definir la música como un término que lo abarca todo y que se utiliza para describir diversos géneros, estilos y tradiciones. [16] Este no es el caso en todo el mundo, y lenguas como el indonesio moderno ( musik ) y el shona ( musakazo ) han adoptado recientemente palabras para reflejar esta concepción universal, ya que no tenían palabras que se ajustaran exactamente al alcance occidental. [14] Antes del contacto occidental en el este de Asia , ni Japón ni China tenían una sola palabra que abarcara la música en un sentido amplio, pero culturalmente, a menudo consideraban la música de esa manera. [17] La palabra más cercana a significar música en chino , yue , comparte un carácter con le , que significa alegría, y originalmente se refería a todas las artes antes de limitar su significado. [17] África es demasiado diversa para hacer generalizaciones firmes, pero el musicólogo JH Kwabena Nketia ha enfatizado la conexión a menudo inseparable de la música africana con la danza y el habla en general. [18] Algunas culturas africanas, como el pueblo Songye de la República Democrática del Congo y el pueblo Tiv de Nigeria, tienen una concepción fuerte y amplia de la "música", pero no tienen una palabra correspondiente en sus lenguas nativas. [18] Otras palabras comúnmente traducidas como "música" a menudo tienen significados más específicos en sus respectivas culturas: la palabra hindi para música, sangita , se refiere propiamente a música artística , [19] mientras que las muchas lenguas indígenas de las Américas tienen palabras para música. que se refieren específicamente a una canción pero describen música instrumental de todos modos. [20] Aunque el árabe musiqi puede referirse a toda la música, generalmente se usa para música instrumental y métrica, mientras que khandan identifica música vocal e improvisada. [21]
A menudo se debate hasta qué punto se entenderán alguna vez los orígenes de la música, [24] y existen teorías contrapuestas que pretenden explicarlo. [25] Muchos estudiosos destacan una relación entre el origen de la música y el origen del lenguaje , y existe desacuerdo en torno a si la música se desarrolló antes, después o simultáneamente con el lenguaje. [26] Una fuente similar de controversia gira en torno a si la música fue el resultado intencional de la selección natural o fue un subproducto de la evolución. [26] La primera teoría influyente fue propuesta por Charles Darwin en 1871, quien afirmó que la música surgió como una forma de selección sexual , tal vez a través de llamadas de apareamiento. [27] La perspectiva original de Darwin ha sido fuertemente criticada por sus inconsistencias con otros métodos de selección sexual, [28] aunque muchos estudiosos del siglo XXI han desarrollado y promovido la teoría. [29] Otras teorías incluyen que la música surgió para ayudar a organizar el trabajo, mejorar la comunicación a larga distancia, beneficiar la comunicación con lo divino , ayudar en la cohesión comunitaria o como defensa para ahuyentar a los depredadores. [30]
La música prehistórica sólo puede teorizarse basándose en hallazgos de sitios arqueológicos paleolíticos . Se cree que la flauta Divje Babe , tallada en el fémur de un oso de las cavernas , tiene al menos 40.000 años, aunque existe un debate considerable en torno a si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales. [31] Los primeros objetos cuya designación como instrumentos musicales es ampliamente aceptada son las flautas de hueso del Jura de Suabia , Alemania, concretamente de las cuevas de Geissenklösterle , Hohle Fels y Vogelherd . [32] Fechado en el Auriñaciense (del Paleolítico superior) y utilizado por los humanos modernos de la Europa temprana , de las tres cuevas hay ocho ejemplos, cuatro hechos con huesos de alas de aves y cuatro con marfil de mamut ; tres de ellos están casi completos. [32] Tres flautas del Geissenklösterle están fechadas como las más antiguas, c. 43.150–39.370 AP. [22] [n 3]
La evidencia material y representativa más antigua de instrumentos musicales egipcios data del período predinástico , pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el Reino Antiguo , cuando se tocaban arpas , flautas y clarinetes dobles . [33] El Reino Medio añadió instrumentos de percusión, liras y laúdes a las orquestas . Los platillos [34] acompañaban con frecuencia a la música y la danza, como todavía lo hacen hoy en Egipto . La música folclórica egipcia , incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr , es el género musical contemporáneo más cercano a la música egipcia antigua , habiendo conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos. [35] [36]
El " Himno hurrita a Nikkal ", encontrado en tablillas de arcilla en la antigua ciudad siria de Ugarit , es la obra musical escrita más antigua que se conserva y se remonta aproximadamente al 1400 a. C. [37] [38]
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia , de hecho era una de las principales materias que se enseñaban a los niños. La educación musical se consideraba importante para el desarrollo del alma de un individuo. Los músicos y cantantes desempeñaban un papel destacado en el teatro griego , [39] y quienes recibían una educación musical eran vistos como nobles y en perfecta armonía (como se puede leer en La República, Platón ). Coros mixtos de género realizados para entretenimiento, celebración y ceremonias espirituales. [40] Los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada , la lira , principalmente un tipo especial llamado kithara . La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un importante desarrollo musical. La teoría musical griega incluía los modos musicales griegos , que eventualmente se convirtieron en la base de la música clásica y religiosa occidental . Posteriormente, las influencias del Imperio Romano , Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El epitafio de Seikilos es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo. [41] La obra más antigua que se conserva escrita sobre el tema de la teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristoxenus . [42]
La música asiática cubre una franja de culturas musicales analizadas en los artículos sobre Arabia , Asia central , Asia oriental , Asia meridional y Asia sudoriental . Varios tienen tradiciones que se remontan a la antigüedad.
La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. [43] Las esculturas de la civilización del valle del Indo muestran danza [44] e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler . [45] El Rigveda , un antiguo texto hindú, tiene elementos de la música india actual, con notación musical para indicar la métrica y el modo de canto. [46] La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga organizada rítmicamente a través de talas . El poema Cilappatikaram proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente. [47] La música hindi actual fue influenciada por la música tradicional persa y los mogoles afganos . La música carnática , popular en los estados del sur, es en gran medida devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. Hay canciones que enfatizan el amor y otras cuestiones sociales.
La música indonesia se ha formado desde que la cultura de la Edad del Bronce emigró al archipiélago de Indonesia en los siglos II y III a.C. La música tradicional indonesia utiliza instrumentos de percusión, especialmente kendang y gongs . Algunos de ellos desarrollaron instrumentos elaborados y distintivos, como el instrumento de cuerda sasando en la isla de Rote, el angklung sundanés y las complejas y sofisticadas orquestas de gamelan javanesas y balinesas . Indonesia es el hogar del gong chime , un término general para un conjunto de gongs pequeños y de tono alto. Los gongs generalmente se colocan en orden de nota, con el parche arriba sobre una cuerda sostenida por un marco bajo de madera. La forma más popular de música indonesia es el gamelan, un conjunto de instrumentos de percusión afinados que incluyen metalófonos , tambores , gongs y violines de púas junto con suling de bambú (como una flauta ). [48] [49]
La música clásica china , el arte tradicional o música de la corte de China, tiene una historia que se extiende a lo largo de unos 3.000 años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como de afinación y tono musical, instrumentos musicales y estilos o géneros. La música china es pentatónica - diatónica , teniendo una escala de doce notas por octava (5+7=12) al igual que la música de influencia europea. [50]
La era de la música medieval (500 a 1400), que tuvo lugar durante la Edad Media , comenzó con la introducción del canto monofónico (una sola línea melódica) en los servicios de la Iglesia Católica . La notación musical se utilizó desde la antigüedad en la cultura griega , pero en la Edad Media, la Iglesia Católica introdujo por primera vez la notación, por lo que las melodías de los cantos podían escribirse para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en todo el imperio católico. El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado, en forma escrita, anterior al año 800 es el canto llano litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se llamó canto gregoriano . Junto a estas tradiciones de música sacra y eclesiástica existía una vibrante tradición de canciones seculares (canciones no religiosas). Ejemplos de compositores de este período son Léonin , Pérotin , Guillaume de Machaut y Walther von der Vogelweide . [51] [52] [53] [54]
La música del Renacimiento ( c. 1400 a 1600) estaba más centrada en temas seculares, como el amor cortés . Alrededor de 1450 se inventó la imprenta , lo que hizo que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música escrita se copiaba a mano). La mayor disponibilidad de partituras difundió los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia. Los músicos y cantantes trabajaban a menudo para la iglesia, la corte y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y la iglesia siguió siendo un importante mecenas de la música. A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Guillaume Du Fay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley , Orlando di Lasso y Josquin des Prez . A medida que la actividad musical pasó de la iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos compositores destacados procedían de los Países Bajos, Bélgica y Francia; se les llama los compositores franco-flamencos. [55] Ocuparon cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una vibrante actividad musical fueron Alemania, Inglaterra y España.
La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa; y durante este tiempo, la música amplió su alcance y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música dramática vocal solista acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la música contrapuntística polifónica , en la que se utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto era importante en la música vocal de la época medieval). Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas , metales y instrumentos de viento de madera , así como para coros e instrumentos de teclado como órganos de tubos , clavecín y clavicémbalo . Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores en los que se expandieron y evolucionaron aún más, incluidas la fuga , la invención , la sonata y el concierto. [56] El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach ( Suites para violonchelo ), George Frideric Handel ( El Mesías ), Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi ( Las cuatro estaciones ).
La música del período clásico (1730 a 1820) pretendía imitar lo que se consideraban los elementos clave del arte y la filosofía de la antigua Grecia y Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. (Nota: la música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un término que se refiere a la música artística occidental desde el siglo V hasta la década de 2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos). La música del período clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal era la homofonía , [57] donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinada se distinguen claramente. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano , el precursor del piano moderno, reemplazó al clavecín y al órgano de tubos de la época barroca como principal instrumento de teclado (aunque el órgano de tubos continuó utilizándose en la música sacra, como las misas).
Se le dio importancia a la música instrumental . Estuvo dominado por un mayor desarrollo de las formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata , el concierto y la sinfonía . Otras modalidades principales fueron el trío , el cuarteto de cuerda , la serenata y el divertimento . La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las principales formas instrumentales de la era clásica, desde cuartetos de cuerda hasta sinfonías y conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos utilizados, la música de cámara y la orquesta, se volvieron más estandarizados. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que constaba de clavecín, órgano o laúd junto con una serie de instrumentos de bajo seleccionados a discreción del líder del grupo (p. ej., viola, violonchelo, tiorba, serpiente), se utilizan grupos de cámara clásica. utilizaban instrumentos específicos y estandarizados (por ejemplo, un cuarteto de cuerda sería interpretado por dos violines, una viola y un violonchelo). La práctica de tocar acordes improvisados por parte del teclista de continuo o del laudista, un sello distintivo de la música barroca, experimentó un declive gradual entre 1750 y 1800. [58]
Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el desarrollo de los conciertos públicos. La aristocracia todavía desempeñaba un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reinas o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica provocó un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios públicos para actuaciones. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical del ballet y los géneros mixtos vocales/instrumentales, como la ópera y el oratorio , se hizo más popular. [59] [60] [61]
Los compositores más conocidos del Clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert . Beethoven y Schubert también son considerados compositores de la última parte de la era clásica, cuando comenzó a avanzar hacia el romanticismo.
La música romántica ( c. 1820 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones expresivas más apasionadas y dramáticas. Compositores románticos como Wagner y Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el poder de su música para describir verdades o sentimientos humanos más profundos. Con los poemas tonales sinfónicos , los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica . Las cualidades emocionales y expresivas de la música pasaron a tener prioridad sobre la tradición. [62]
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor o el anhelo romántico fue un tema frecuente en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías ), pero estas formas se ampliaron y alteraron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados al nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas. [39]
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos , desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como unidad compositiva más significativa (un ejemplo es la distintiva figura de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía ). Compositores románticos posteriores como Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad , como acordes extendidos y acordes alterados , que crearon nuevos "colores" sonoros. A finales del siglo XIX se produjo una espectacular expansión en el tamaño de la orquesta y la revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada . También vio una nueva diversidad en la música teatral , incluida la opereta , la comedia musical y otras formas de teatro musical. [39]
En el siglo XIX, una forma clave de dar a conocer al público las nuevas composiciones fue la venta de partituras , que los melómanos aficionados de clase media interpretaban en casa, en el piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX , la invención de nuevas tecnologías eléctricas , como la radiodifusión y la disponibilidad masiva de discos de gramófono en el mercado, significaron que las grabaciones sonoras escuchadas por los oyentes (en la radio o en el tocadiscos) se convirtieron en la principal forma de aprender sobre nuevas canciones y piezas. [63] Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y se utilizaron fonógrafos para reproducir y distribuir música; cualquiera con una radio o un tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Durante el siglo XIX, el enfoque en las partituras había restringido el acceso a la nueva música a las personas de clase media y alta que sabían leer música y poseían pianos y otros instrumentos. Las radios y los tocadiscos permitieron escuchar esta música a las personas de bajos ingresos, que no podían permitirse una entrada para un concierto de ópera o sinfónica. Significaba que la gente podía escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse el lujo de viajar a esos lugares. Esto ayudó a difundir estilos musicales. [64]
El enfoque de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Los horrores de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y los compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente de ideas para la música clásica. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música artística del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dio lugar a nuevos subgéneros de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática [65] y Musique concrète . La grabación de sonido tuvo una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock , porque podía hacer más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo. [66] [67]
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX, y durante la segunda mitad, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios del siglo XX, en las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos, a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí del estilo en África occidental es evidente en el uso de notas azules , improvisación , polirritmos , síncopa y la nota swing . [68]
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1950 a partir del rock and roll , el rockabilly , el blues y la música country . [69] El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica, y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una sección rítmica . Junto a la guitarra o los teclados, se utilizan como instrumentos solistas el saxofón y la armónica estilo blues. En su "forma más pura", "tiene tres acordes, un ritmo fuerte e insistente y una melodía pegadiza". [70] La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas cuentan con instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde los años 1970, sintetizadores analógicos . En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a utilizar sintetizadores digitales, como el sintetizador DX-7 , cajas de ritmos electrónicas como la TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el TB-303 ) o teclados de bajo sintetizado . En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez mayor de dispositivos, instrumentos y software musicales computarizados (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital ). En la década de 2020, los sintetizadores suaves y las aplicaciones de música por computadora hacen posible que los productores de dormitorio creen y graben tipos de música, como música electrónica de baile , en su hogar, agregando instrumentos digitales y muestreados y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJ crean música manipulando música grabada, utilizando un mezclador de DJ . [71] [72]
La innovación en tecnología musical continuó en el siglo XXI, incluido el desarrollo de teclados isomórficos y tonalidades dinámicas .
"Composición" es el acto o práctica de crear una canción, una pieza musical instrumental , una obra tanto con canto como con instrumentos, u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer también incluye la creación de notación musical , como una "partitura" de partitura , que luego es interpretada por el compositor o por otros cantantes o músicos. En la música popular y la música tradicional, el acto de componer, que normalmente se denomina composición, puede implicar la creación de un esquema básico de la canción, llamado partitura principal , que establece la melodía , la letra y la progresión de acordes . En la música clásica, el compositor suele orquestar sus propias composiciones, pero en el teatro musical y la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que se encargue de la orquestación. En algunos casos, es posible que un compositor no utilice notación en absoluto y, en cambio, componga la canción en su mente y luego la reproduzca o grabe de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones destacadas de intérpretes influyentes reciben el mismo peso que las partituras escritas tienen en la música clásica. [73] [74]
Incluso cuando la música se anota con relativa precisión, como en la música clásica, hay muchas decisiones que un intérprete debe tomar, porque la notación no especifica todos los elementos de la música con precisión. El proceso de decidir cómo interpretar música que ha sido previamente compuesta y anotada se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos elegidos y el estilo de interpretación o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y compositores que presentan su propia música interpretan sus canciones, al igual que quienes interpretan la música de otros. El conjunto estándar de elecciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se denomina práctica de interpretación , mientras que la interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete. [75]
Aunque una composición musical suele utilizar notación musical y tener un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener múltiples compositores, lo que suele ocurrir en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical, cuando una persona escribe las melodías, una segunda persona escribe la letra y una tercera persona orquesta las canciones. . En algunos estilos de música, como el blues , un compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin siquiera escribirlas en notación musical. Una pieza musical también se puede componer con palabras, imágenes o programas de computadora que expliquen o anoten cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Los ejemplos van desde música de vanguardia que utiliza notación gráfica , hasta composiciones de texto como Aus den sieben Tagen , y programas informáticos que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoria , [76] y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski . Un ejemplo comúnmente conocido de música basada en el azar es el sonido de las campanillas de viento que suenan con la brisa.
El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para incluir la creación de música popular y canciones y piezas instrumentales de música tradicional , así como obras espontáneamente improvisadas como las de intérpretes de free jazz y percusionistas africanos como los bateristas Ewe .
La interpretación es la expresión física de la música, que ocurre cuando se canta una canción o se toca una pieza de piano, una melodía de guitarra, una sinfonía, un ritmo de tambor u otra parte musical . En música clásica, un compositor escribe una obra en notación musical y luego la interpreta una vez que el compositor está satisfecho con su estructura e instrumentación. Sin embargo, a medida que se interpreta, la interpretación de una canción o pieza puede evolucionar y cambiar. En la música clásica, los intérpretes instrumentales, cantantes o directores pueden realizar cambios gradualmente en el fraseo o el tempo de una pieza. En la música popular y tradicional, los intérpretes tienen más libertad para realizar cambios en la forma de una canción o pieza. Como tal, en los estilos de música popular y tradicional, incluso cuando una banda toca un cover , puede realizar cambios como agregar un solo de guitarra o insertar una introducción. [77]
Una actuación puede planificarse y ensayarse (practicarse), lo cual es la norma en la música clásica, las big bands de jazz y muchos estilos de música popular, o improvisarse sobre una progresión de acordes (una secuencia de acordes), lo cual es la norma en música pequeña. grupos de jazz y blues . Los ensayos de orquestas, bandas de concierto y coros están dirigidos por un director. Las bandas de rock, blues y jazz suelen estar dirigidas por el director de la banda. Un ensayo es una repetición estructurada de una canción o pieza por parte de los intérpretes hasta que pueda ser cantada o tocada correctamente y, si es una canción o pieza para más de un músico, hasta que las partes estén juntas desde una perspectiva rítmica y afinadora.
Muchas culturas tienen fuertes tradiciones de interpretación solista (en la que actúa un cantante o instrumentista), como en la música clásica india y en la tradición musical artística occidental. Otras culturas, como Bali , incluyen fuertes tradiciones de actuación grupal. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambas, y las actuaciones pueden variar desde actuaciones solistas improvisadas hasta actuaciones muy planificadas y organizadas, como conciertos de música clásica moderna, procesiones religiosas, festivales de música clásica o concursos de música . La música de cámara , que es música para un conjunto pequeño con solo uno o algunos de cada tipo de instrumento, a menudo se considera más íntima que las grandes obras sinfónicas. [78]
La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro (o basada en) un marco armónico, progresión de acordes o riffs preexistentes . Los improvisadores utilizan las notas del acorde, varias escalas asociadas con cada acorde, y adornos cromáticos y tonos de paso que pueden no ser tonos de acorde ni de las escalas típicas asociadas con un acorde. La improvisación musical se puede realizar con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como el blues , el jazz y el jazz fusión , en los que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento. [79]
En la tradición de la música artística occidental, la improvisación fue una habilidad importante durante la era barroca y durante la era clásica. En la época barroca, los intérpretes improvisaban adornos y los teclistas de bajo continuo improvisaban voces de acordes basadas en notación de bajo figurado . Además, se esperaba que los mejores solistas pudieran improvisar piezas como preludios . En la era clásica, los solistas y cantantes improvisaban cadencias virtuosas durante los conciertos.
Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la "práctica común" de la interpretación de música artística occidental se institucionalizó en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación ha desempeñado un papel menor, a medida que cada vez se anotaba más música en partituras y partes para músicos para tocar. Al mismo tiempo, algunos compositores de música artística de los siglos XX y XXI han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo. En la música clásica india , la improvisación es un componente central y un criterio esencial de las interpretaciones.
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La música se compone e interpreta con muchos fines, que van desde el placer estético hasta fines religiosos o ceremoniales o como producto de entretenimiento para el mercado. Cuando la música solo estaba disponible a través de partituras , como durante las épocas clásica y romántica, los amantes de la música compraban las partituras de sus piezas y canciones favoritas para poder interpretarlas en casa en el piano. Con la llegada del fonógrafo , los discos de canciones populares, en lugar de las partituras, se convirtieron en la forma dominante en que los amantes de la música disfrutaban de sus canciones favoritas. Con la llegada de las grabadoras domésticas en la década de 1980 y la música digital en la década de 1990, los amantes de la música pudieron grabar cintas o listas de reproducción de sus canciones favoritas y llevarlas consigo en un reproductor de casetes portátil o en un reproductor de MP3. Algunos amantes de la música crean cintas mixtas de sus canciones favoritas, que sirven como "autorretrato, gesto de amistad, receta para una fiesta ideal... [y] un ambiente compuesto únicamente por lo que se ama más ardientemente". [80]
Los músicos aficionados pueden componer o interpretar música para su propio placer y obtener ingresos de otros lugares. Los músicos profesionales son empleados por instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas (en bandas de música , bandas de conciertos y grupos de música popular), instituciones religiosas, orquestas sinfónicas, empresas de radiodifusión o producción cinematográfica y escuelas de música . Los músicos profesionales a veces trabajan como autónomos o músicos de sesión , buscando contratos y compromisos en una variedad de entornos. A menudo existen muchos vínculos entre músicos aficionados y profesionales. Los músicos aficionados principiantes toman lecciones con músicos profesionales. En entornos comunitarios, los músicos aficionados avanzados actúan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos, como bandas de conciertos comunitarias y orquestas comunitarias.
A menudo se hace una distinción entre música interpretada para una audiencia en vivo y música interpretada en un estudio para que pueda grabarse y distribuirse a través del sistema de venta minorista de música o del sistema de transmisión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que también se graba y distribuye una actuación en directo ante un público. Las grabaciones de conciertos en vivo son populares tanto en la música clásica como en formas de música popular como el rock, donde los amantes de la música aprecian los conciertos en vivo grabados ilegalmente . En la escena de las jam bands , se prefieren las sesiones improvisadas en vivo a las grabaciones de estudio. [81]
La notación musical generalmente significa la expresión escrita de notas musicales y ritmos en papel utilizando símbolos. Cuando se escribe música, se anotan los tonos y el ritmo de la música, como las notas de una melodía . La notación musical a menudo proporciona instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede indicar que la canción es un "blues lento" o un "swing rápido", lo que indica el tempo y el género. Para leer notación, una persona debe tener conocimientos de teoría musical , armonía y práctica de interpretación asociada con una canción o género de pieza en particular.
La notación escrita varía según el estilo y el período de la música. Hoy en día, la música notada se produce como partitura o, para las personas con programas de composición de partituras , como una imagen en la pantalla de una computadora . En la antigüedad, la notación musical se grababa en tablillas de piedra o arcilla. [38] Para interpretar música a partir de notación, un cantante o instrumentista requiere una comprensión de los elementos rítmicos y de tono incorporados en los símbolos y la práctica de interpretación asociada con una pieza musical o género. En los géneros que requieren improvisación musical , el intérprete a menudo toca música en la que solo se escriben los cambios de acordes y la forma de la canción, lo que requiere que el intérprete tenga una gran comprensión de la estructura de la música, la armonía y los estilos de un género en particular, por ejemplo, jazz o la música country .
En la música artística occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical para los intérpretes o cantantes individuales. En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la partitura principal , que anota la melodía, los acordes, la letra (si es una pieza vocal) y la estructura de la música. Los libros falsos también se utilizan en el jazz; pueden consistir en partituras principales o simplemente tablas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento de canciones de jazz. Las partituras y partes también se utilizan en la música popular y el jazz, particularmente en grandes conjuntos como las " big bands " de jazz. En la música popular, los guitarristas y bajistas eléctricos suelen leer música anotada en tablatura (a menudo abreviada como "tab"), que indica la ubicación de las notas que se tocarán en el instrumento utilizando un diagrama del diapasón de la guitarra o el bajo. La tablatura se utilizó en la época barroca para anotar música para el laúd , un instrumento de cuerda con trastes. [82]
Muchos tipos de música, como el blues tradicional y la música folclórica, no estaban escritos en partituras ; en cambio, originalmente se conservaban en la memoria de los intérpretes, y las canciones se transmitían oralmente , de un músico o cantante a otro, o de forma auditiva, en la que un intérprete aprende una canción " de oído ". Cuando ya no se conoce al compositor de una canción o pieza, esta música suele clasificarse como "tradicional" o "canción popular". Las diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes sobre cómo y dónde realizar cambios en el material original, desde las más estrictas hasta aquellas que exigen improvisación o modificación de la música. La historia y los relatos de una cultura también pueden transmitirse de oído a través de canciones. [83]
La música tiene muchos fundamentos o elementos diferentes. Dependiendo de la definición de "elemento" que se utilice, estos pueden incluir tono, tiempo o pulso, tempo, ritmo, melodía, armonía, textura, estilo, asignación de voces, timbre o color, dinámica, expresión, articulación, forma y estructura. . Los elementos de la música ocupan un lugar destacado en los planes de estudio de música de Australia, el Reino Unido y los Estados Unidos. Los tres planes de estudios identifican el tono, la dinámica, el timbre y la textura como elementos, pero los demás elementos identificados de la música están lejos de estar universalmente acordados. A continuación se muestra una lista de las tres versiones oficiales de los "elementos de la música":
En relación con el plan de estudios del Reino Unido, en 2013 se añadió el término: " notaciones musicales apropiadas " a su lista de elementos y el título de la lista se cambió de "elementos de la música" a "dimensiones interrelacionadas de la música". Las dimensiones interrelacionadas de la música se enumeran como: tono, duración, dinámica, tempo, timbre, textura, estructura y notaciones musicales apropiadas. [87]
La frase "los elementos de la música" se utiliza en varios contextos diferentes. Los dos contextos más comunes se pueden diferenciar describiéndolos como los "elementos rudimentarios de la música" y los "elementos perceptivos de la música". [n 4]
El tono es un aspecto de un sonido que podemos escuchar y refleja si un sonido, nota o tono musical es "más alto" o "más bajo" que otro sonido, nota o tono musical. Podemos hablar de la altura o la gravedad del tono en el sentido más general, como la forma en que un oyente escucha una nota de flautín aguda y penetrante o un tono de silbido con un tono más alto que el golpe profundo de un bombo . También hablamos de altura en el sentido preciso asociado a melodías musicales , líneas de bajo y acordes . El tono preciso sólo se puede determinar en sonidos que tengan una frecuencia lo suficientemente clara y estable como para distinguirlos del ruido. Por ejemplo, es mucho más fácil para los oyentes discernir el tono de una sola nota tocada en un piano que tratar de discernir el tono de un platillo crash que se toca. [92]
Una melodía, también llamada "melodía", es una serie de tonos (notas) que suenan en sucesión (una tras otra), a menudo en un patrón ascendente y descendente. Las notas de una melodía normalmente se crean utilizando sistemas de tono como escalas o modos . Las melodías también suelen contener notas de los acordes utilizados en la canción. Las melodías de canciones populares sencillas y canciones tradicionales pueden utilizar únicamente las notas de una sola escala, la escala asociada con la nota tónica o clave de una canción determinada. Por ejemplo, una canción popular en clave de do (también conocida como do mayor) puede tener una melodía que utilice sólo las notas de la escala de do mayor (las notas individuales do, re, mi, fa, sol, la, si). y C; estas son las " notas blancas " en el teclado de un piano. Por otro lado, el jazz de la era Bebop de la década de 1940 y la música contemporánea de los siglos XX y XXI pueden usar melodías con muchas notas cromáticas (es decir, notas además a las notas de la escala mayor; en un piano, una escala cromática incluiría todas las notas del teclado, incluidas las "notas blancas" y las "notas negras" y escalas inusuales, como la escala tonal completa (una escala tonal completa en clave de C contendría las notas C, D, E, F ♯ , G ♯ y A ♯ ). Una línea musical baja interpretada por instrumentos bajos, como el contrabajo, el bajo eléctrico o la tuba , se llama línea de bajo . [93]
La armonía se refiere a los sonidos "verticales" de los tonos en la música, lo que significa tonos que se tocan o cantan juntos al mismo tiempo para crear un acorde . Por lo general, esto significa que las notas se tocan al mismo tiempo, aunque la armonía también puede estar implícita en una melodía que describe una estructura armónica (es decir, mediante el uso de notas melódicas que se tocan una tras otra, delineando las notas de un acorde). En la música escrita utilizando el sistema de tonalidad mayor-menor ("claves"), que incluye la mayor parte de la música clásica escrita entre 1600 y 1900 y la mayor parte de la música pop, rock y tradicional occidental, la clave de una pieza determina la "nota inicial" o tónica a la que generalmente se resuelve la pieza, y el carácter (por ejemplo, mayor o menor) de la escala en uso. Se escriben piezas clásicas sencillas y muchas canciones de música pop y tradicional para que toda la música esté en un solo tono. Las canciones y piezas de música clásica, pop y tradicional más complejas pueden tener dos claves (y en algunos casos tres o más claves). La música clásica de la era romántica (escrita aproximadamente entre 1820 y 1900) a menudo contiene varias tonalidades, [94] al igual que el jazz , especialmente el jazz Bebop de la década de 1940, en el que la tonalidad o "nota inicial" de una canción puede cambiar cada cuatro compases. o incluso cada dos compases. [95]
El ritmo es la disposición de los sonidos y los silencios en el tiempo. El metro anima el tiempo en agrupaciones de pulsos regulares, llamadas compases o compases , que en la música clásica, popular y tradicional occidental a menudo agrupan notas en conjuntos de dos (p. ej., 2/4 de tiempo), tres (p. ej., 3/4 de tiempo, también conocido como tiempo de vals , o tiempo de 3/8), o cuatro (por ejemplo, tiempo de 4/4). Los compás se hacen más fáciles de escuchar porque las canciones y piezas a menudo (pero no siempre) ponen énfasis en el primer tiempo de cada grupo. Existen excepciones notables, como el ritmo de fondo utilizado en gran parte del pop y rock occidental, en el que una canción que utiliza un compás que consta de cuatro tiempos (llamado tiempo 4/4 o tiempo común ) tendrá acentos en los tiempos dos y cuatro, que son Normalmente lo interpreta el baterista en la caja , un instrumento de percusión fuerte y de sonido distintivo. En el pop y el rock, las partes rítmicas de una canción las toca la sección rítmica , que incluye instrumentos que tocan acordes (p. ej., guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano u otros instrumentos de teclado), un instrumento de bajo (normalmente bajo eléctrico o para algunos estilos como jazz y bluegrass , contrabajo) y un baterista. [96]
La textura musical es el sonido general de una pieza musical o canción. La textura de una pieza o canción está determinada por cómo se combinan los materiales melódicos, rítmicos y armónicos en una composición, determinando así la naturaleza general del sonido de una pieza. La textura a menudo se describe con respecto a la densidad, o espesor, y el rango, o ancho, entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos y, más específicamente, se distingue según el número de voces, o partes, y la relación entre estas voces. (ver tipos comunes a continuación). Por ejemplo, una textura espesa contiene muchas "capas" de instrumentos. Una capa puede ser una sección de cuerda u otra de latón. El espesor está afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos. [97] La textura se describe comúnmente según el número y la relación entre partes o líneas de música:
Generalmente se dice que la música que contiene un gran número de partes independientes (por ejemplo, un concierto doble acompañado por 100 instrumentos orquestales con muchas líneas melódicas entrelazadas) tiene una textura "más espesa" o "más densa" que una obra con pocas partes (por ejemplo, una melodía de flauta solista acompañada de un solo violonchelo).
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El timbre, a veces llamado "color" o "color de tono", es la calidad o sonido de una voz o instrumento. [98] El timbre es lo que hace que un sonido musical particular sea diferente de otro, incluso cuando tienen el mismo tono y volumen. Por ejemplo, una nota La de 440 Hz suena diferente cuando se toca en oboe , piano, violín o guitarra eléctrica. Incluso si diferentes intérpretes del mismo instrumento tocan la misma nota, sus notas pueden sonar diferentes debido a diferencias en la técnica instrumental (por ejemplo, diferentes embocaduras ), diferentes tipos de accesorios (por ejemplo, boquillas para músicos de metal, cañas para oboe y fagot) o cuerdas hechas de diferentes materiales para los instrumentistas de cuerda (por ejemplo, cuerdas de tripa versus cuerdas de acero ). Incluso dos instrumentistas que tocan la misma nota en el mismo instrumento (uno tras otro) pueden sonar diferentes debido a diferentes formas de tocar el instrumento (por ejemplo, dos instrumentistas de cuerda pueden sostener el arco de manera diferente).
Las características físicas del sonido que determinan la percepción del timbre incluyen el espectro , la envolvente y los armónicos de una nota o sonido musical. Para los instrumentos eléctricos desarrollados en el siglo XX, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico , el intérprete también puede cambiar el tono ajustando los controles del ecualizador , los controles de tono del instrumento y utilizando unidades de efectos electrónicos como los pedales de distorsión . El tono del órgano eléctrico Hammond se controla ajustando las barras de tiro .
Las cualidades expresivas son aquellos elementos de la música que crean cambios en la música sin cambiar los tonos principales ni cambiar sustancialmente los ritmos de la melodía y su acompañamiento. Los intérpretes, incluidos cantantes e instrumentistas, pueden agregar expresión musical a una canción o pieza agregando fraseo , agregando efectos como vibrato (con voz y algunos instrumentos, como guitarra, violín, instrumentos de metal y instrumentos de viento de madera), dinámica (el volumen o suavidad de una pieza o una sección de ella), fluctuaciones de tempo (p. ej., ritardando o accelerando , que ralentizan y aceleran respectivamente el tempo), añadiendo pausas o fermatas en una cadencia y cambiando la articulación de las notas. (por ejemplo, hacer notas más pronunciadas o acentuadas, hacer notas más legato , lo que significa suavemente conectadas, o hacer notas más cortas).
La expresión se logra mediante la manipulación del tono (como inflexión, vibrato, slides, etc.), volumen (dinámica, acento, trémolo, etc.), duración (fluctuaciones de tempo, cambios rítmicos, cambio de duración de las notas, como con legato y staccato, etc.). .), timbre (por ejemplo, cambiar el timbre vocal de una voz ligera a una resonante) y, a veces, incluso textura (por ejemplo, duplicar la nota del bajo para obtener un efecto más rico en una pieza para piano). Por lo tanto, la expresión puede verse como una manipulación de todos los elementos para transmitir "una indicación de estado de ánimo, espíritu, carácter, etc." [99] y como tal no puede incluirse como un elemento perceptivo único de la música, [100] aunque puede considerarse un elemento rudimentario importante de la música.
En música, la forma describe la estructura o plan general de una canción o pieza musical, [101] y describe el diseño de una composición dividida en secciones. [102] A principios del siglo XX, las canciones de Tin Pan Alley y las canciones musicales de Broadway solían estar en forma AABA de treinta y dos compases , en las que las secciones A repetían la misma melodía de ocho compases (con variación) y la sección B proporcionaba un contraste. Melodía o armonía para ocho compases. A partir de la década de 1960, las canciones de pop y rock occidentales suelen tener forma de verso-estribillo , que comprende una secuencia de secciones de verso y coro (" estribillo "), con letras nuevas para la mayoría de los versos y letras repetidas para los estribillos. La música popular a menudo utiliza formas estróficas , a veces junto con el blues de doce compases . [103]
En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un medio exitoso entre los extremos opuestos de repetición y alteración constantes". [104] Ejemplos de formas comunes de música occidental incluyen la fuga , la invención , la sonata-allegro , la canónica , la estrófica , el tema y las variaciones , y el rondó .
Scholes afirma que la música clásica europea tenía sólo seis formas independientes: binaria simple, ternaria simple, binaria compuesta, rondó, aire con variaciones y fuga (aunque el musicólogo Alfred Mann enfatizó que la fuga es principalmente un método de composición que a veces ha tomado sobre ciertas convenciones estructurales. [105] )
Cuando una pieza no se puede dividir fácilmente en unidades seccionales (aunque podría tomar prestada alguna forma de un poema, historia o programa ), se dice que está completamente compuesta . Tal suele ser el caso de una fantasía , un preludio , una rapsodia , un estudio (o estudio), un poema sinfónico , una bagatela , una composición improvisada o similar. [106] El profesor Charles Keil clasificó las formas y los detalles formales como "seccionales, de desarrollo o variacionales". [107]
La filosofía de la música es el estudio de cuestiones fundamentales relacionadas con la música y tiene conexiones con cuestiones de metafísica y estética . Las preguntas incluyen:
En la antigüedad, como en el caso de los antiguos griegos , la estética de la música exploraba las dimensiones matemáticas y cosmológicas de la organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, la atención se centró en la experiencia de escuchar música y, por tanto, en preguntas sobre su belleza y el disfrute humano ( plaisir y goce ) de la música. El origen de este cambio filosófico se atribuye a veces a Alexander Gottlieb Baumgarten en el siglo XVIII, seguido de Immanuel Kant . A través de sus escritos, el antiguo término "estética", que significa percepción sensorial , adquirió su connotación actual. En la década de 2000, los filósofos tendían a enfatizar cuestiones además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, se ha puesto en primer plano la capacidad de la música para expresar emociones. [108]
En el siglo XX, Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton y Stephen Davies hicieron importantes contribuciones . Sin embargo, muchos músicos, críticos musicales y otros no filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo XIX, surgió un importante debate entre Eduard Hanslick , crítico musical y musicólogo , y el compositor Richard Wagner sobre si la música puede expresar significado. Harry Partch y algunos otros musicólogos , como Kyle Gann , han estudiado e intentado popularizar la música microtonal y el uso de escalas musicales alternativas . Compositores modernos como La Monte Young , Rhys Chatham y Glenn Branca prestaron mucha atención a una escala llamada entonación justa . [109] [110] [111]
A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar nuestras emociones , intelecto y psicología ; puede aliviar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en La República que la música tiene un efecto directo sobre el alma. Por lo tanto, propone que en el régimen ideal la música estaría estrechamente regulada por el Estado (Libro VII). [112] En la antigua China, el filósofo Confucio creía que la música y los rituales o ritos están interconectados y son armoniosos con la naturaleza; Afirmó que la música era la armonización del cielo y la tierra, mientras que el orden lo traían los ritos, convirtiéndolos en funciones sumamente cruciales en la sociedad. [113]
La psicología musical moderna tiene como objetivo explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musical . [114] Las investigaciones en este campo y sus subcampos son principalmente empíricas ; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de interpretaciones de datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con participantes humanos . Además de centrarse en las percepciones fundamentales y los procesos cognitivos, la psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluida la interpretación musical , la composición , la educación , la crítica y la terapia , así como las investigaciones sobre la aptitud , las habilidades y la inteligencia humanas. , creatividad y comportamiento social .
La neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos cerebrales implicados en los procesos cognitivos subyacentes a la música. Estos comportamientos incluyen escuchar música, interpretar, componer, leer, escribir y actividades auxiliares. También se preocupa cada vez más por la base cerebral de la estética musical y la emoción musical. El campo se distingue por su dependencia de observaciones directas del cerebro, utilizando técnicas como la resonancia magnética funcional (fMRI), la estimulación magnética transcraneal (TMS), la magnetoencefalografía (MEG), la electroencefalografía (EEG) y la tomografía por emisión de positrones (PET). .
La musicología cognitiva es una rama de la ciencia cognitiva que se ocupa del modelado computacional del conocimiento musical con el objetivo de comprender tanto la música como la cognición. [115] El uso de modelos informáticos proporciona un medio exigente e interactivo en el que formular y probar teorías y tiene sus raíces en la inteligencia artificial y la ciencia cognitiva . [116]
Este campo interdisciplinario investiga temas como los paralelismos entre el lenguaje y la música en el cerebro. En la investigación a menudo se incluyen modelos de computación de inspiración biológica, como redes neuronales y programas evolutivos. [117] Este campo busca modelar cómo se representa, almacena, percibe, interpreta y genera el conocimiento musical. Utilizando un entorno informático bien estructurado, se pueden investigar las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos. [118]
La psicoacústica es el estudio científico de la percepción del sonido. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las respuestas psicológicas y fisiológicas asociadas con el sonido (incluido el habla y la música). Se puede clasificar además como una rama de la psicofísica .
La musicología evolutiva se refiere a los "orígenes de la música, la cuestión del canto de los animales, las presiones de selección que subyacen a la evolución de la música" y "la evolución de la música y la evolución humana". [119] Busca comprender la percepción y la actividad musical en el contexto de la teoría de la evolución . Charles Darwin especuló que la música pudo haber tenido una ventaja adaptativa y haber funcionado como un protolenguaje , [120] una visión que ha generado varias teorías contrapuestas sobre la evolución de la música. [121] [122] [ página necesaria ] [123] Una visión alternativa ve la música como un subproducto de la evolución lingüística ; una especie de "tarta de queso auditiva" que complace los sentidos sin aportar ninguna función adaptativa. [124] Esta opinión ha sido contrarrestada directamente por numerosos investigadores musicales. [125] [126] [127]
La cultura o etnia de un individuo juega un papel en su cognición musical , incluidas sus preferencias , reacción emocional y memoria musical . Las preferencias musicales están sesgadas hacia tradiciones musicales culturalmente familiares que comienzan en la infancia, y la clasificación de los adultos de la emoción de una pieza musical depende de características estructurales tanto culturalmente específicas como universales. [128] [129] Además, las capacidades de memoria musical de los individuos son mayores para la música culturalmente familiar que para la música culturalmente desconocida. [130] [131]
Desde el surgimiento del estudio de la psicoacústica en la década de 1930, la mayoría de las listas de elementos de la música se han relacionado más con cómo escuchamos música que con cómo aprendemos a tocarla o estudiarla. CE Seashore, en su libro Psicología de la Música , [132] identificó cuatro "atributos psicológicos del sonido". Estos eran: "tono, volumen, tiempo y timbre" (p. 3). No los llamó "elementos de la música", sino que se refirió a ellos como "componentes elementales" (p. 2). No obstante, estos componentes elementales se vinculan precisamente con cuatro de los elementos musicales más comunes: "Tono" y "timbre" coinciden exactamente, "volumen" se vincula con la dinámica y "tiempo" se vincula con los elementos basados en el tiempo de ritmo, duración y tempo. Este uso de la frase "los elementos de la música" se vincula más estrechamente con la definición de elemento del Diccionario Webster's New 20th Century como: "una sustancia que no puede dividirse en una forma más simple mediante métodos conocidos" [133] y las listas de instituciones educativas de Los elementos generalmente también se alinean con esta definición.
Aunque los autores de listas de "elementos rudimentarios de la música" pueden variar sus listas dependiendo de sus prioridades personales (o institucionales), los elementos perceptivos de la música deben consistir en una lista establecida (o probada) de elementos discretos que pueden manipularse independientemente para lograr un efecto musical deseado. Parece que en este momento aún queda investigación por hacer en esta área.
Una forma ligeramente diferente de abordar la identificación de los elementos de la música es identificar los "elementos del sonido " como: tono , duración , volumen , timbre , textura sonora y ubicación espacial , [134] y luego definir los "elementos de música" como: sonido, estructura e intención artística. [134]
Los estudios etnográficos demuestran que la música es una actividad participativa y comunitaria. [135] [136] La música es experimentada por individuos en una variedad de entornos sociales, desde estar solos hasta asistir a un gran concierto, formando una comunidad musical , lo que no puede entenderse como una función de la voluntad individual o un accidente; Incluye participantes tanto comerciales como no comerciales con un conjunto de valores comunes. Las actuaciones musicales adoptan diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos.
En Europa y América del Norte, existía una división entre los tipos de música que se consideraban " alta cultura " y " baja cultura ". La "alta cultura" incluía sinfonías, conciertos y obras solistas barrocas, clásicas, románticas y modernas, y normalmente se escucha en conciertos formales en salas de conciertos e iglesias, con el público sentado en silencio. Otros tipos de música (incluidos el jazz, el blues, el soul y el country ) suelen interpretarse en bares, discotecas y teatros, donde el público puede beber, bailar y animar. Hasta el siglo XX, la división entre formas musicales "altas" y "bajas" se aceptaba como una distinción válida que separaba la "música artística" de la música popular que se escuchaba en bares y salones de baile. Musicólogos, como David Brackett, observan un "redefinimiento de las fronteras estético-culturales" en el siglo XX. [137] Y, "cuando la industria y los discursos públicos vinculan categorías de música con categorías de personas, tienden a combinar estereotipos con comunidades de escucha reales". [137] Los estereotipos pueden basarse en la posición socioeconómica o clase social de los intérpretes o el público de los diferentes tipos de música.
Cuando los compositores introducen estilos de música que rompen con las convenciones, puede haber una fuerte resistencia por parte de los académicos y otros. Los cuartetos de cuerda de Beethoven del período tardío, las partituras del ballet de Stravinsky, el serialismo , el bebop , el hip hop , el punk rock y la electrónica fueron controvertidos y criticados cuando se introdujeron por primera vez. Estos temas se examinan en la sociología de la música, a veces llamada sociomusicología , que se estudia en departamentos de sociología, estudios de medios o música, y está estrechamente relacionada con la etnomusicología .
Las mujeres han desempeñado un papel importante en la música a lo largo de la historia, como compositoras, compositoras, intérpretes instrumentales , cantantes, directoras, estudiosas de la música , educadoras musicales , críticas musicales / periodistas musicales y otras profesiones musicales. En la década de 2010, si bien las mujeres constituyen una proporción significativa de los cantantes de música popular y clásica, y una proporción significativa de los compositores (muchos de ellos cantautores), hay pocas mujeres productoras de discos, críticas de rock e instrumentistas de rock. Aunque ha habido una gran cantidad de mujeres compositoras en la música clásica, desde el período medieval hasta la actualidad, las compositoras están significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica comúnmente interpretado , los libros de texto de historia de la música y las enciclopedias musicales; por ejemplo, en la Concise Oxford History of Music , Clara Schumann es una de las pocas compositoras que se menciona.
Las mujeres constituyen una proporción significativa de los solistas instrumentales de la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas está aumentando. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre concertistas solistas de las principales orquestas canadienses indicó que el 84% de los solistas de la Orquesta Sinfónica de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres todavía representaban sólo el 6% de la orquesta filarmónica de Viena, la mejor clasificada . Las mujeres son menos comunes como intérpretes instrumentales en géneros musicales populares como el rock y el heavy metal , aunque ha habido varias instrumentistas femeninas notables y bandas exclusivamente femeninas . Las mujeres están particularmente subrepresentadas en los géneros del metal extremo . [138] En la escena de la música pop de la década de 1960, "[l] como la mayoría de los aspectos del... negocio de la música, [en la década de 1960,] la composición de canciones era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio , las mujeres... eran vistas principalmente como consumidoras:... Cantar era a veces un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no estaba hecho". [139] Las mujeres jóvenes "... no fueron socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música]". [139]
Las mujeres también están subrepresentadas en la dirección de orquesta, la crítica musical/periodismo musical, la producción musical y la ingeniería de sonido . Si bien se disuadió a las mujeres de componer en el siglo XIX, y hay pocas musicólogas , las mujeres se involucraron en la educación musical "... hasta tal punto que las mujeres dominaron [este campo] durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo 20." [140]
Según Jessica Duchen, compositora del periódico londinense The Independent , las mujeres músicas de la música clásica son "...con demasiada frecuencia juzgadas por su apariencia, más que por su talento" y enfrentan presión "...para lucir sexys en el escenario y en las fotografías". ". [141] Duchen afirma que si bien "hay mujeres músicas que se niegan a jugar con su apariencia,... las que lo hacen tienden a tener más éxito material". [141] Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria musical ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en roles de actuación o entretenimiento, pero es mucho menos probable que las mujeres ocupen puestos de autoridad, como ser directora de una orquesta. . [142] En la música popular, si bien hay muchas cantantes que graban canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio que actúan como productoras musicales, las personas que dirigen y gestionan el proceso de grabación. [143] Uno de los artistas más grabados es Asha Bhosle , una cantante india mejor conocida como cantante de reproducción en el cine hindi. [144]
Desde el siglo XX, la música en vivo puede transmitirse por radio, televisión o Internet, o grabarse y escucharse en un reproductor de CD o MP3.
A principios del siglo XX (a finales de la década de 1920), cuando surgieron las películas sonoras , con sus pistas musicales pregrabadas, un número cada vez mayor de músicos de orquesta de cine se quedaron sin trabajo. [146] Durante la década de 1920, las actuaciones musicales en vivo de orquestas, pianistas y organistas de teatro eran comunes en los teatros de estreno. [147] Con la llegada de las películas sonoras, esas actuaciones destacadas fueron eliminadas en gran medida. La Federación Estadounidense de Músicos (AFM) publicó anuncios en los periódicos protestando por la sustitución de los músicos en vivo por dispositivos mecánicos para tocar. Un anuncio de 1929 que apareció en Pittsburgh Press presenta la imagen de una lata con la etiqueta "Música enlatada / Marca de gran ruido / Garantizada para no producir ninguna reacción intelectual o emocional" [148]
A veces, las actuaciones en vivo incorporan sonidos pregrabados. Por ejemplo, un disc jockey usa discos para hacer scratching , y algunas obras del siglo XX tienen un solo para un instrumento o voz que se interpreta junto con música pregrabada en una cinta. Algunas bandas de pop utilizan pistas de acompañamiento grabadas . Las computadoras y muchos teclados se pueden programar para producir y reproducir música de interfaz digital de instrumentos musicales (MIDI). El público también puede convertirse en intérprete participando en el karaoke , una actividad de origen japonés centrada en un dispositivo que reproduce versiones sin voz de canciones conocidas. La mayoría de las máquinas de karaoke también tienen pantallas de video que muestran las letras de las canciones que se interpretan; Los artistas pueden seguir la letra mientras cantan sobre las pistas instrumentales.
La llegada de Internet y el acceso generalizado a banda ancha de alta velocidad ha transformado la experiencia de la música, en parte debido a la mayor facilidad de acceso a grabaciones de música a través de vídeo en streaming y a una elección enormemente mayor de música para los consumidores. Otro efecto de Internet surgió con las comunidades en línea y los sitios web de redes sociales como YouTube y Facebook, un servicio de redes sociales . Estos sitios facilitan que los aspirantes a cantantes y las bandas de aficionados distribuyan videos de sus canciones, se conecten con otros músicos y capten el interés de la audiencia. Los músicos profesionales también utilizan YouTube como editor gratuito de material promocional. Los usuarios de YouTube, por ejemplo, ya no sólo descargan y escuchan MP3, sino que también crean activamente los suyos propios. Según Don Tapscott y Anthony D. Williams , en su libro Wikinomics , ha habido un cambio de un rol de consumidor tradicional a lo que ellos llaman un rol de " prosumidor ", un consumidor que crea contenido y consume. Las manifestaciones de esto en la música incluyen la producción de purés , remezclas y vídeos musicales por parte de los fans. [149]
La incorporación de la música a la educación general desde preescolar hasta la educación postsecundaria , es común en Norteamérica y Europa. Se cree que la participación en tocar y cantar música enseña habilidades básicas como la concentración, el conteo , la escucha y la cooperación, al mismo tiempo que promueve la comprensión del lenguaje , mejora la capacidad de recordar información y crea un entorno más propicio para el aprendizaje en otras áreas. [150] En las escuelas primarias, los niños a menudo aprenden a tocar instrumentos como la flauta dulce , cantan en pequeños coros y aprenden sobre la historia de la música artística occidental y la música tradicional. Algunos niños de primaria también aprenden sobre estilos de música popular. En las escuelas religiosas, los niños cantan himnos y otras músicas religiosas. En las escuelas secundarias (y con menos frecuencia en las escuelas primarias), los estudiantes pueden tener la oportunidad de actuar en algunos tipos de conjuntos musicales, como coros (un grupo de cantantes), bandas de música , bandas de concierto , bandas de jazz u orquestas. En algunos sistemas escolares, se pueden ofrecer lecciones de música sobre cómo tocar instrumentos. Algunos estudiantes también toman clases privadas de música después de la escuela con un profesor de canto o de instrumento. Los músicos aficionados suelen aprender rudimentos musicales básicos (por ejemplo, aprender sobre notación musical para escalas y ritmos musicales ) y técnicas de canto o ejecución de instrumentos de nivel principiante a intermedio.
A nivel universitario, los estudiantes de la mayoría de los programas de artes y humanidades pueden recibir crédito por tomar algunos cursos de música, que generalmente toman la forma de un curso general sobre la historia de la música , o un curso de apreciación musical que se centra en escuchar música y aprender. sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas tienen algunos tipos de conjuntos musicales en los que los estudiantes de artes y humanidades pueden participar, como coros, bandas de música, bandas de concierto u orquestas. El estudio de la música artística occidental es cada vez más común fuera de América del Norte y Europa, como el Instituto Indonesio de las Artes en Yogyakarta , Indonesia , o los programas de música clásica que están disponibles en países asiáticos como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y facultades occidentales están ampliando sus planes de estudios para incluir música de culturas no occidentales, como la música de África o Bali (por ejemplo, la música gamela ).
Las personas que aspiran a convertirse en músicos, cantantes, compositores, compositores, profesores de música y profesionales de otras profesiones relacionadas con la música, como profesores de historia de la música , ingenieros de sonido , etc., estudian en programas postsecundarios especializados ofrecidos por colegios, universidades y conservatorios de música. . Algunas instituciones que capacitan a personas para carreras musicales ofrecen capacitación en una amplia gama de profesiones, como es el caso de muchas de las principales universidades de EE. UU., que ofrecen títulos en interpretación musical (incluido canto y ejecución de instrumentos), historia de la música, teoría musical, composición musical, educación musical (para personas que deseen convertirse en profesores de música de escuela primaria o secundaria) y, en algunos casos, dirección de orquesta. Por otro lado, es posible que algunas universidades pequeñas sólo ofrezcan formación en una única profesión (por ejemplo, grabación de sonido ).
Si bien la mayoría de los programas de música de las universidades y conservatorios se centran en la formación de estudiantes en música clásica, hay universidades y facultades que capacitan a músicos para carreras como músicos y compositores de jazz o música popular , con ejemplos notables en EE. UU. como la Escuela de Música de Manhattan y el Berklee College of Music. . Dos escuelas en Canadá que ofrecen formación profesional en jazz son la Universidad McGill y el Humber College . Es poco probable que las personas que aspiran a carreras en algunos tipos de música, como la música heavy metal , la música country o el blues, se conviertan en profesionales al completar títulos o diplomas. En cambio, normalmente aprenden sobre su estilo de música cantando o tocando en bandas (a menudo comenzando con bandas de aficionados, bandas de covers y bandas tributo ), estudiando grabaciones en DVD e Internet, y trabajando con profesionales ya establecidos en su estilo de música. , ya sea a través de tutorías informales o lecciones de música periódicas . Desde la década de 2000, la creciente popularidad y disponibilidad de foros de Internet y videos instructivos de YouTube han permitido a cantantes y músicos de metal, blues y géneros similares mejorar sus habilidades. Muchos cantantes de pop, rock y country se entrenan de manera informal con entrenadores vocales y profesores de canto . [151] [152]
La musicología, el estudio académico de la música, se estudia en universidades y conservatorios de música. Las primeras definiciones del siglo XIX definían tres subdisciplinas de la musicología: musicología sistemática , musicología histórica y musicología comparada o etnomusicología . En la erudición de la era de 2010, es más probable que uno encuentre una división entre teoría musical , historia de la música y etnomusicología. La investigación en musicología a menudo se ha visto enriquecida por trabajos interdisciplinarios, por ejemplo en el campo de la psicoacústica . El estudio de la música de culturas no occidentales y el estudio cultural de la música se llama etnomusicología. Los estudiantes pueden realizar estudios de musicología, etnomusicología, historia de la música y teoría musical a través de diferentes tipos de títulos, que incluyen licenciatura, maestría y doctorado. [153] [154] [155]
La teoría musical es el estudio de la música, generalmente de una manera muy técnica, fuera de otras disciplinas. De manera más amplia, se refiere a cualquier estudio de la música, generalmente relacionado de alguna forma con inquietudes compositivas, y puede incluir matemáticas, física y antropología . Lo que se enseña más comúnmente en las clases de teoría musical para principiantes son pautas para escribir en el estilo del período de práctica común , o música tonal . La teoría, incluso de la música del período de práctica común, puede adoptar otras formas. [156] La teoría de conjuntos musicales es la aplicación de la teoría matemática de conjuntos a la música, aplicada por primera vez a la música atonal . La teoría musical especulativa , a diferencia de la teoría musical analítica , se dedica al análisis y síntesis de materiales musicales, por ejemplo sistemas de afinación , generalmente como preparación para la composición. [157]
La zoomusicología es el estudio de la música de animales no humanos, o los aspectos musicales de los sonidos producidos por animales no humanos. Como preguntó George Herzog (1941), "¿tienen música los animales?" Musique, mythe, Nature, ou les Dauphins d'Arion (1983) de François-Bernard Mâche , un estudio de la "ornito-musicología" utilizando una técnica del análisis paradigmático de segmentación de Language, musique, poésie (1972) de Nicolas Ruwet . muestra que los cantos de los pájaros se organizan según un principio de repetición-transformación. Jean-Jacques Nattiez (1990), sostiene que "en última instancia, es un ser humano quien decide lo que es y lo que no es musical, incluso cuando el sonido no es de origen humano. Si reconocemos que el sonido no está organizado y conceptualizado (es decir, hecha para formar música) simplemente por su productor, sino por la mente que la percibe, entonces la música es exclusivamente humana". [158]
En Occidente, gran parte de la historia de la música que se enseña trata sobre la música artística de la civilización occidental, conocida como música clásica. La historia de la música en las culturas no occidentales (" músicas del mundo " o el campo de la "etnomusicología") también se enseña en las universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de países asiáticos fuera de la influencia de Europa occidental, así como la música folclórica o indígena de otras culturas. Los estilos de música populares o folclóricos en los países no occidentales variaban de una cultura a otra y de un período a otro. Las diferentes culturas enfatizaron diferentes instrumentos , técnicas, estilos de canto y usos de la música. La música se ha utilizado para entretenimiento, ceremonias, rituales, fines religiosos y para la comunicación práctica y artística. La música no occidental también se ha utilizado con fines propagandísticos, como fue el caso de la ópera china durante la Revolución Cultural .
Existe una gran cantidad de clasificaciones musicales para la música no occidental, muchas de las cuales están atrapadas en la discusión sobre la definición de música . Entre las más importantes se encuentra la división entre música clásica (o música "artística") y música popular (o música comercial , incluidos estilos no occidentales de rock, country y estilos relacionados con la música pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en una de estas clasificaciones de los "dos grandes" (como la música folclórica , la música del mundo o la música relacionada con el jazz ).
A medida que las culturas del mundo han entrado en mayor contacto global , sus estilos musicales autóctonos a menudo se han fusionado con otros estilos, lo que produce nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo bluegrass estadounidense contiene elementos de tradiciones instrumentales y vocales angloirlandesas , escocesas , irlandesas, alemanas y africanas, que lograron fusionarse en la sociedad multiétnica " crisol " de los Estados Unidos . Algunos tipos de músicas del mundo contienen una mezcla de estilos indígenas no occidentales con elementos de la música pop occidental. Los géneros musicales están determinados tanto por la tradición y la presentación como por la música misma. Algunas obras, como Rhapsody in Blue de George Gershwin , son reivindicadas tanto por el jazz como por la música clásica, mientras que Porgy and Bess de Gershwin y West Side Story de Leonard Bernstein son reivindicadas tanto por la ópera como por la tradición musical de Broadway . Muchos festivales de música no occidental incluyen bandas y cantantes de un género musical particular, como la música del mundo. [159] [160]
La música india , por ejemplo, es uno de los tipos de música más antiguos y longevos, y todavía se escucha e interpreta ampliamente en el sur de Asia, así como a nivel internacional (especialmente desde la década de 1960). La música india tiene principalmente tres formas de música clásica: los estilos indostaní , carnático y Dhrupad . Tiene también un gran repertorio de estilos, que involucran sólo música de percusión, como las actuaciones de talavadya famosas en el sur de la India .
La musicoterapia es un proceso interpersonal en el que un terapeuta capacitado utiliza la música y todas sus facetas (física, emocional, mental, social, estética y espiritual) para ayudar a los clientes a mejorar o mantener su salud. En algunos casos, las necesidades del cliente se abordan directamente a través de la música; en otros, se abordan a través de las relaciones que se desarrollan entre el cliente y el terapeuta. La musicoterapia se utiliza con personas de todas las edades y con una variedad de condiciones, que incluyen: trastornos psiquiátricos, problemas médicos, discapacidades físicas, discapacidades sensoriales, discapacidades del desarrollo, problemas de abuso de sustancias, trastornos de la comunicación, problemas interpersonales y envejecimiento. También se utiliza para mejorar el aprendizaje, desarrollar la autoestima, reducir el estrés, apoyar el ejercicio físico y facilitar una serie de otras actividades relacionadas con la salud. Los musicoterapeutas pueden alentar a los clientes a cantar, tocar instrumentos, crear canciones o realizar otras actividades musicales.
En el siglo X, el filósofo Al-Farabi describió cómo la música vocal puede estimular los sentimientos y el alma de los oyentes. [161] La música se ha utilizado durante mucho tiempo para ayudar a las personas a lidiar con sus emociones. En el siglo XVII, The Anatomy of Melancholy del erudito Robert Burton argumentó que la música y la danza eran fundamentales en el tratamiento de las enfermedades mentales , especialmente la melancolía . [162] Señaló que la música tiene un "excelente poder... para expulsar muchas otras enfermedades" y la llamó "un remedio soberano contra la desesperación y la melancolía". Señaló que en la Antigüedad, Canus, un violinista de Rodas, usaba la música para "hacer feliz a un hombre melancólico,... a un amante más enamorado, a un hombre religioso más devoto". [163] [164] [165] En el Imperio Otomano , las enfermedades mentales se trataban con música. [166] En noviembre de 2006, Michael J. Crawford y sus colegas también descubrieron que la musicoterapia ayudaba a los pacientes esquizofrénicos . [167] [168]
La musicoterapia puede proporcionar un medio para mejorar la salud mental de las personas con esquizofrenia, pero no se han explorado sus efectos en las psicosis agudas.
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