La música popular estadounidense (también conocida como "pop estadounidense") es la música popular producida en los Estados Unidos y forma parte de la cultura pop estadounidense . Los estilos distintivos de la música popular estadounidense surgieron a principios del siglo XIX y, en el siglo XX, la industria musical estadounidense desarrolló una serie de nuevas formas de música, utilizando elementos del blues y otros géneros . Estos estilos populares incluían el country, el R&B, el jazz y el rock. En las décadas de 1960 y 1970 se produjeron varios cambios importantes en la música popular estadounidense, incluido el desarrollo de varios estilos nuevos, como el heavy metal , el punk, el soul y el hip hop.
La música popular estadounidense es increíblemente diversa, con estilos que incluyen ragtime , blues , jazz , swing , rock , bluegrass , country , R&B , doo wop , gospel , soul , funk , pop , punk , disco , house , techno , salsa , grunge y hip hop . Además, la industria musical estadounidense es bastante diversa y admite una serie de estilos regionales como el zydeco , el klezmer y el slack-key . Aunque estos estilos no siempre fueron mainstream , se grabaron comercialmente y, por lo tanto, son ejemplos de música popular en contraposición a la música folclórica o clásica .
Los estilos musicales populares estadounidenses han tenido una influencia significativa en la cultura global .
El cantante de folk estadounidense Pete Seeger definió la música pop como "música profesional que se nutre tanto de la música folclórica como de la música de bellas artes". [1] La música popular del siglo XIX descendía principalmente de tradiciones musicales anteriores, como la música de teatro , la música de banda , la música de baile y la música de iglesia . [2] Las primeras canciones que podrían considerarse música popular estadounidense , a diferencia de la música popular de una región o etnia en particular, fueron canciones sentimentales de salón de Stephen Foster y sus pares, y canciones destinadas a su uso en espectáculos de juglares , producciones teatrales que incluían canto, baile y actuaciones cómicas. Los espectáculos de juglares generalmente usaban instrumentos y danza africanos , y presentaban a los artistas con sus caras ennegrecidas, una técnica llamada blackface . [1] A mediados del siglo XIX, las compañías de gira habían llevado esta música no solo a todas partes de los Estados Unidos, sino también al Reino Unido, Europa Occidental e incluso a África y Asia. Los espectáculos de juglares generalmente se anunciaban como si la música de los espectáculos fuera de estilo afroamericano , aunque esto a menudo no era cierto. [3] Según el historiador de la música, Larry Birnbaum, la música en los espectáculos de juglares era principalmente de origen europeo y se basaba en la música folclórica inglesa , irlandesa y escocesa . [4] De manera similar, el autor Richard Carlin afirma que mientras que los espectáculos de juglares usaban el banjo, un instrumento de origen africano, y popularizaban la cultura negra, la música de juglares era en gran medida una amalgama de melodías de baile europeas. [5] Andrew Stott afirma que muchas de las canciones que iniciaron la "locura por las caras pintadas de negro" eran de origen europeo. [6]
La primera música popular publicada para consumo privado en Estados Unidos provino de Irlanda en 1808 con Irish Melodies de Thomas Moore , un libro de varios volúmenes de canciones folclóricas principalmente irlandesas arregladas para presentaciones privadas. [7] Inspirado por Moore, John Hill Hewitt se convirtió en el primer compositor estadounidense en componer un estilo de música popular para consumo privado, y su pieza más famosa, "The Minstrels Return from War", se convirtió en un éxito internacional. [7] [8] Los negros habían participado en la cultura popular estadounidense antes de la era de la Guerra Civil, al menos desde el African Grove Theatre en Nueva York en la década de 1820 y la publicación de la primera música de un compositor negro, Francis Johnson , en 1818. Centrado en Filadelfia , Johnson también dirigió una de las primeras bandas profesionales en la historia estadounidense desde la década de 1820 hasta la de 1840. [9] Sin embargo, estos hitos importantes todavía ocurrieron completamente dentro de las convenciones de la música europea. Entre la música popular notable de las décadas de 1830 y 1840 se incluyen las publicaciones de Henry Russell y la familia Hutchinson . [10]
La primera canción de minstrel extremadamente popular fue " Jump Jim Crow " de Thomas "Daddy" Rice , que se interpretó por primera vez en 1832 y fue una sensación en Londres cuando Rice la interpretó allí en 1836. Rice usó un baile que copió de un mozo de cuadra con una melodía adoptada de una giga irlandesa . Los intérpretes blancos populares de música de minstrel incluyeron a George Washington Dixon y Joel Sweeney , cuyas melodías seguían melodías escocesas e irlandesas. [11] Los elementos africanos incluyeron el uso del banjo , que se cree que deriva de instrumentos de cuerda de África occidental, y ritmos acentuados y aditivos. [2] A partir de 1843, los Virginia Minstrels se convirtieron en el primer grupo en popularizar el formato de espectáculo de minstrel, y en 1850 los espectáculos de minstrel se habían extendido por todo Estados Unidos. [11]
.jpg/1280px-Louis_Moreau_Gottschalk_(1829%E2%80%931869).jpg)
Muchas de las canciones de los espectáculos de minstrel aún se recuerdan hoy en día, especialmente las de Daniel Emmett y Stephen Foster , este último siendo, según David Ewen, "el primer compositor importante de Estados Unidos y uno de los escritores de canciones más destacados del mundo". [3] Las canciones de Foster eran típicas de la era de los minstrel en su sentimentalismo descarado y en su aceptación de la esclavitud. Sin embargo, Foster hizo más que la mayoría de los compositores de la época para humanizar a los negros sobre los que componía, como en "Nelly Was a Lady", una canción lastimera y melancólica sobre un hombre negro que lamenta la pérdida de su esposa. [4] En 1851, la canción de Foster " Old Folks at Home " se convertiría en un gran éxito nacional. [12]
El espectáculo de minstrel marcó el comienzo de una larga tradición de apropiación de la música afroamericana para el público popular, y fue la primera forma de música claramente estadounidense que alcanzó reconocimiento internacional, a mediados del siglo XIX. Como ha señalado Donald Clarke, los espectáculos de minstrel contenían "esencialmente música negra, mientras que los números más exitosos eran blancos, de modo que las canciones y bailes de origen negro eran imitados por intérpretes blancos y luego adoptados por intérpretes negros, quienes así, en cierta medida, terminaban imitándose a sí mismos". Clarke atribuye el uso de la cara pintada de negro al deseo de los estadounidenses blancos de glorificar la existencia brutal de los negros, tanto libres como esclavos, representándolos como individuos felices y despreocupados, más adecuados para la vida en las plantaciones y la interpretación de canciones sencillas y alegres que atraían fácilmente al público blanco. [5] Fue solo durante la Guerra Civil que el público blanco comenzó a estar expuesto a la música afroamericana genuina, primero con los espirituales de esclavos Go Down, Moses en 1861 y luego a través de las actuaciones espirituales del grupo a capella , los Fisk Jubilee Singers en 1871. [4] Después de la Guerra Civil, los espectáculos de juglares interpretados por verdaderas compañías negras se extendieron por todo el país y compositores negros como James A. Bland tuvieron éxito nacional en la década de 1870 con canciones como Carry Me Back to Old Virginny y Oh, Dem Golden Slippers . [4] [11] El período posterior a la Guerra Civil también vio el pico de popularidad de la música de banda profesional, liderada por directores como Patrick Gilmore y John Philip Sousa . [9] Sousa, conocido por su composición de marchas militares , alcanzó gran fama en los Estados Unidos y Europa con la United States Marine Band . [9]
Los espectáculos de juglares con cara pintada de negro siguieron siendo populares durante la última parte del siglo XIX, y solo desaparecieron gradualmente a principios del siglo XX. Durante ese tiempo, surgió una forma de teatro lujoso y elaborado llamado extravaganza , que comenzó con The Black Crook de Charles M. Barras . [6] Los periódicos y las iglesias de la época criticaron las extravagancias porque se consideraban sexualmente excitantes, con mujeres cantando canciones obscenas vestidas con ropa casi transparente. David Ewen describió esto como el comienzo de las "largas y activas carreras en la explotación sexual" del teatro musical y la canción popular estadounidenses. [7] Más tarde, las extravagancias tomaron elementos de las actuaciones burlescas , que eran producciones satíricas y paródicas que fueron muy populares a fines del siglo XIX. [8]
Al igual que la extravagancia y el burlesque, el espectáculo de variedades era una producción cómica y obscena, popular desde mediados hasta finales del siglo XIX, momento en el que había evolucionado hacia el vodevil . Esta forma fue innovada por productores como Tony Pastor, que intentó animar a las mujeres y los niños a asistir a sus espectáculos; se mostraban reacios porque el teatro había sido durante mucho tiempo el dominio de una multitud ruda y desordenada. [9] A principios del siglo XX, el vodevil era un entretenimiento respetado para mujeres y niños, y compositores como Gus Edwards escribieron canciones que fueron populares en todo el país. [10] Los espectáculos de vodevil más populares fueron, como las Ziegfeld Follies , una serie de canciones y sketches que tuvieron un profundo efecto en el desarrollo posterior del teatro musical de Broadway y las canciones de Tin Pan Alley . [13]
Tin Pan Alley era una zona en la calle West 28th Street y sus alrededores. [14] en la ciudad de Nueva York, que se convirtió en el principal centro de publicación musical a mediados de la década de 1890. Los compositores de esta época escribieron canciones formulaicas, muchas de ellas baladas sentimentales. [11] Durante esta era, se estaba desarrollando un sentido de conciencia nacional, ya que Estados Unidos se convirtió en una formidable potencia mundial, especialmente después de la Guerra Hispano-Estadounidense . La mayor disponibilidad y eficiencia de los ferrocarriles y el servicio postal ayudaron a difundir ideas, incluidas las canciones populares. [ cita requerida ]
Entre los editores más destacados de Tin Pan Alley se encuentran Willis Woodward, M. Witmark & Sons , Charles K. Harris y Edward B. Marks y Joseph W. Stern . Stern y Marks se encontraban entre los compositores más conocidos de Tin Pan Alley; comenzaron a escribir juntos como aficionados en 1894. [12]
Además de las baladas populares y convencionales y otras canciones de corte limpio, algunos editores de Tin Pan Alley se centraron en lo áspero y atrevido. Las canciones de coon fueron otra parte importante de Tin Pan Alley, derivadas de las canciones diluidas del espectáculo de juglares con el "brío y la electricidad" aportados por la "asimilación del ritmo del ragtime". [13] Las primeras canciones populares de coon fueron "The Dandy Coon's Parade" de Joseph P. Skelly en 1880 y "New Coon in Town", introducida en 1883 por JS Putnam, y a estas les siguió una ola de gritones de coon como Ernest Hogan y May Irwin . [4] [14] Entre los compositores negros famosos de canciones de coon se encuentran Bert Williams , George W. Johnson e Irving Jones . [15] [4] Además, la primera vez que aparece la palabra " rag " en una partitura es en referencia al acompañamiento instrumental de la canción de Ernest Hogan de 1896 "All Coons Look Alike to Me", lo que muestra una conexión entre los dos géneros. [4]
A principios del siglo XX también se produjo el crecimiento de Broadway , un grupo de teatros especializados en musicales . Broadway se convirtió en uno de los lugares más destacados para el teatro musical en el mundo y produjo un conjunto de canciones que llevaron a Donald Clarke a llamar a esa época la edad de oro de la composición de canciones . La necesidad de adaptar canciones agradables a las limitaciones de un teatro y una trama permitió y alentó el crecimiento de la composición de canciones y el surgimiento de compositores como George Gershwin , Vincent Youmans , Irving Berlin y Jerome Kern . [15] Estos compositores escribieron canciones que han seguido siendo populares y que hoy se conocen como el Gran Cancionero Americano . [16]
Las óperas extranjeras fueron populares entre la clase alta durante todo el siglo XIX, mientras que otros estilos de teatro musical incluyeron operetas , óperas baladas y la ópera pouffe. Las operetas inglesas de Gilbert y Sullivan fueron particularmente populares, mientras que las composiciones estadounidenses tuvieron problemas para encontrar audiencia. George M. Cohan fue el primer compositor estadounidense notable de teatro musical, y el primero en alejarse de la opereta, y también es notable por usar el lenguaje de la lengua vernácula en su trabajo. Sin embargo, a principios del siglo XX, los dramaturgos, compositores y músicos negros estaban teniendo un profundo efecto en el teatro musical, comenzando con las obras de Will Marion Cook , James Reese Europe y James P. Johnson ; el primer musical negro de gran éxito fue Shuffle Along en 1921. [16]
Las operetas importadas y las producciones nacionales tanto de blancos como Cohan como de negros como Cook, Europe y Johnson tuvieron una influencia formativa en Broadway. Compositores como Gershwin, Porter y Kern hicieron del teatro musical cómico un pasatiempo nacional, con un aire distintivamente estadounidense y no dependiente de los modelos europeos. La mayoría de estos individuos eran judíos, con Cole Porter como única excepción importante; eran descendientes de inmigrantes del siglo XIX que huían de la persecución en el Imperio ruso y se establecieron de forma más influyente en varios barrios de la ciudad de Nueva York. [17] Muchos de los primeros musicales estuvieron influenciados por la música negra, mostrando elementos del jazz temprano, como In Dahomey ; los compositores judíos de estas obras pueden haber visto conexiones entre las tradicionales notas azules afroamericanas y su propia música folclórica judía . [17]
Las canciones de Broadway se grabaron a principios de siglo, pero no se hicieron muy populares fuera de su contexto teatral hasta mucho después. " They Didn't Believe Me " de Jerome Kern fue una de las primeras canciones que se hizo popular en todo el país. Las innovaciones posteriores de Kern incluyeron una trama más creíble que las historias bastante informes construidas alrededor de canciones de obras anteriores, comenzando con Show Boat en 1927. George Gershwin fue quizás el compositor más influyente en Broadway, comenzando con "Swanee" en 1919 y obras posteriores para jazz y orquestas. Su composición más duradera puede ser la ópera Porgy and Bess , una historia sobre dos negros, que Gershwin concibió como una especie de "ópera folklórica", una creación de un nuevo estilo de teatro musical estadounidense basado en modismos estadounidenses. [18]
El ragtime fue un estilo de música de baile basado en el piano, que utilizaba ritmos sincopados y cromatismos ; [19] el intérprete y compositor más conocido del género fue sin duda Scott Joplin . Donald Clarke considera que el ragtime es la culminación de las canciones de los coon , utilizadas primero en espectáculos de minstrel y luego en vodevil , y el resultado de los ritmos de la minstrelsy que se filtraron en la corriente principal; también sugiere que el sonido distintivo del ragtime puede haber surgido de un intento de imitar el banjo afroamericano utilizando el teclado. [20] Según el historiador musical Elijah Wald , el ragtime constituye el primer género pop verdadero en Estados Unidos, ya que la música estadounidense anterior, como la música de los espectáculos de minstrel, se distinguía por su asociación con el blackface y la comedia, en lugar de tener un estilo o sonido único. [18]
Debido a la naturaleza esencialmente afroamericana del ragtime, se lo considera el primer estilo de música popular estadounidense que fue verdaderamente música negra; el ragtime trajo síncopa y un sonido negro más auténtico a la música popular. Las canciones populares de ragtime se anotaban y se vendían como partituras, pero el estilo general se tocaba de manera más informal en todo el país; estos intérpretes aficionados tocaban una forma más fluida de ragtime que finalmente se convirtió en una importante influencia formativa en el jazz . [21]
La invención del cilindro fonográfico por parte de Thomas Edison marcó el inicio del nacimiento de la música grabada. El primer cilindro que se lanzó fue " Semper Fidelis " de la US Marine Band . Al principio, los cilindros se lanzaron con moderación, pero a medida que sus ventas se volvieron más rentables, la distribución aumentó. Estas primeras canciones grabadas eran una mezcla de vodevil, cuartetos de barbería , marchas, ópera, canciones novedosas y otras melodías populares. Muchos estándares populares, como "The Good Old Summertime", " Shine On Harvest Moon " y "Over There" provienen de esta época. También hubo algunos éxitos tempranos en el campo del jazz, comenzando con las grabaciones de 1917 de la Original Dixieland Jazz Band , seguidas por la Creole Jazz Band de King Oliver , que tocaba en un estilo de jazz de Nueva Orleans más auténtico. [22]
El blues ya existía desde hacía mucho tiempo antes de que formara parte de la primera explosión de música popular grabada en la historia de Estados Unidos. Esto ocurrió en la década de 1920, cuando cantantes clásicas de blues como Ma Rainey , Bessie Smith y Mamie Smith se hicieron muy populares; el primer éxito de este campo fue "Crazy Blues" de Mamie Smith. Estas cantantes de blues urbano cambiaron la idea de la música popular de ser canciones simples que cualquiera podía interpretar fácilmente a obras asociadas principalmente con un cantante individual. Artistas como Sophie Tucker , conocida por "Some of These Days", se asociaron estrechamente con sus éxitos, lo que hizo que sus interpretaciones individualizadas fueran tan importantes como la canción en sí. [23]
Al mismo tiempo, compañías discográficas como Paramount Records y OKeh Records lanzaron el campo de la música racial , que era principalmente blues dirigido al público afroamericano. Los más famosos de estos grupos pasaron a inspirar gran parte del desarrollo popular posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluidos Charley Patton , Lonnie Johnson y Robert Johnson . [19]
El jazz es un tipo de música que se caracteriza por las notas azules , la síncopa , el swing , la llamada y respuesta , los polirritmos y la improvisación . Aunque originalmente era un tipo de música de baile , el jazz ha sido considerado durante mucho tiempo como un tipo de música popular o vernácula (y también se ha convertido en una forma de arte sofisticada que ha interactuado de manera significativa con la música de la sala de conciertos ". [24] El desarrollo del jazz se produjo aproximadamente al mismo tiempo que el ragtime moderno, el blues, el gospel y la música country, todos los cuales pueden verse como parte de un continuo sin una demarcación clara entre ellos; el jazz específicamente estaba más estrechamente relacionado con el ragtime, con el que podía distinguirse por el uso de improvisaciones rítmicas más intrincadas, a menudo colocando notas lejos del ritmo implícito. Las primeras bandas de jazz adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluidas las notas bend y blue y los "gruñidos" y smears instrumentales. [ cita requerida ] El artista de jazz Rudy Vallée se convirtió en lo que quizás fue el primer ejemplo completo de la estrella pop de los medios de comunicación del siglo XX . [20] Vallée se convirtió en el más destacado y, posiblemente, el primero de un nuevo estilo de cantante popular, el crooner . [20]
Paul Whiteman fue el director de orquesta más popular de la década de 1920 y se atribuyó el título de "El rey del jazz". A pesar de que contrató a muchos de los mejores músicos de jazz blancos de la época, las generaciones posteriores de amantes del jazz a menudo han juzgado que la música de Whiteman tenía poco que ver con el jazz real. No obstante, su idea de combinar el jazz con orquestaciones elaboradas ha sido retomada repetidamente por compositores y arreglistas de décadas posteriores. [ cita requerida ]
Whiteman encargó a Gershwin la composición de "Rhapsody in Blue", que fue interpretada por primera vez por la orquesta de Whiteman. La banda de Ted Lewis fue la segunda en popularidad después de la de Paul Whiteman durante la década de 1920, y posiblemente tocaba jazz más real con menos pretensiones que Whiteman, especialmente en sus grabaciones de finales de la década de 1920. Algunas de las otras bandas de "jazz" de la década incluyeron las de: Harry Reser , Leo Reisman , Abe Lyman , Nat Shilkret , George Olsen , Ben Bernie , Bob Haring , Ben Selvin , Earl Burtnett , Gus Arnheim , Rudy Vallee , Jean Goldkette , Isham Jones , Roger Wolfe Kahn , Sam Lanin , Vincent Lopez , Ben Pollack y Fred Waring . [21]
En la década de 1920, la música interpretada por estos artistas era extremadamente popular entre el público y se la etiquetaba normalmente como jazz. Sin embargo, hoy en día, esta música es menospreciada y etiquetada como "música dulce" por los puristas del jazz. La música que la gente considera hoy como "jazz" tendía a ser tocada por minorías. Sin embargo, en la década de 1920 y principios de la de 1930, la mayoría de la gente escuchaba lo que hoy llamaríamos "música dulce" y el jazz hardcore se categorizaba como "música caliente" o "música racial". [ cita requerida ]
El sello discográfico más grande e influyente de la época, The Victor Talking Machine (RCA Victor después de 1928), ejerció una influencia moderadora en el desarrollo del "jazz dulce" hasta la marcha de Eddie King en octubre de 1926. King era conocido por ser un autoritario que no permitía beber en el trabajo ni apartarse demasiado de la música escrita, a menos que se tratara de solos aceptables según los estándares de la música popular de la época. Esto irritó a muchos artistas de jazz de Victor, incluido el famoso trompetista Bix Beiderbecke. Sudhalter, en Lost Chords, cita un ejemplo de una grabación de 1927 de la Goldkette Orchestra en la que se permitió a los músicos una libertad considerable, y comenta: "Uno se pregunta qué habría sido de esta actuación si Eddie King hubiera estado a cargo, y no el más liberal Nat Shilkret. Dado que los registros de Victor muestran no menos de cinco sesiones de grabación en enero y febrero de 1926, cuando King dirigió realmente la Goldkette's Orchestra, es fácil comparar el enfoque de Goldkette y el de King. [ cita requerida ]
Un género temprano de la música pop estadounidense fue la moda del swing , un estilo de baile popular en la primera parte del siglo XX. [22] En 1935, la música swing se hizo popular entre el público y rápidamente reemplazó al jazz como el tipo de música más popular (aunque al principio hubo cierta resistencia). La música swing se caracteriza por una sección rítmica fuerte, que generalmente consta de un contrabajo y una batería, que toca en un tempo medio a rápido y dispositivos rítmicos como la nota swing . El swing es principalmente un tipo de jazz de la década de 1930 fusionado con elementos del blues y la sensibilidad pop de Tin Pan Alley. [25] El swing usaba bandas más grandes que otros tipos de jazz y estaba encabezado por directores de banda que organizaban el material de manera estricta, desalentando la improvisación que había sido una parte integral del jazz. David Clarke llamó al swing el primer "estilo orientado al jazz (que estaría) en el centro de la música popular ... en lugar de simplemente darle columna vertebral". [26] A finales de la década de 1930, los vocalistas se volvieron cada vez más prominentes y finalmente tomaron protagonismo después de la huelga de la Federación Estadounidense de Músicos , que hizo que grabar con una banda grande fuera prohibitivamente costoso. [27] El swing llegó a ir acompañado de un baile popular llamado swing dance , que era muy popular en todo Estados Unidos, tanto entre el público blanco como entre el negro, especialmente los jóvenes. [ cita requerida ]
Además del jazz y el swing, música popular que escuchaba la mayoría de la población estadounidense, había otros géneros que eran populares entre ciertos grupos de personas, como las minorías o el público rural. A partir de la década de 1920 y con una gran aceleración en la década de 1940, el blues comenzó a diversificarse rápidamente en un amplio espectro de nuevos estilos. Entre ellos se encontraban un estilo enérgico y de ritmo rápido llamado rhythm and blues (R&B), una fusión de blues y canciones angloceltas llamada música country y la fusión de himnos y espirituales con estructuras de blues llamada música gospel . Más tarde que estos otros estilos, en la década de 1940, se desarrolló una fusión de blues, R&B y country que finalmente se denominó rock and roll , que llegó a dominar la música popular estadounidense a principios de la década de 1960. [ cita requerida ]
La música country es principalmente una fusión de blues y spirituals afroamericanos con música folclórica de los Apalaches , adaptada para el público pop y popularizada a principios de la década de 1920. De particular importancia fueron las melodías irlandesas y escocesas, la música de baile, las baladas y los estilos vocales, [28] así como la música nativa americana , española , alemana , francesa y mexicana . La instrumentación del country temprano giraba en torno al violín de origen europeo y el banjo de origen africano , a los que se añadió la guitarra más tarde. La instrumentación de la música country utilizaba elementos africanos, incluido un formato de llamada y respuesta, música improvisada y ritmos sincopados . Más tarde aún, los instrumentos de cuerda como el ukelele y la guitarra de acero se volvieron comunes debido a la popularidad de la música hawaiana a principios del siglo XX y la influencia de músicos como Sol Hoʻopiʻi y Lani McIntyre . [29] Las raíces de la música country moderna se remontan generalmente a 1927, cuando el cazatalentos musicales Ralph Peer grabó a Jimmie Rodgers y The Carter Family . Sus grabaciones se consideran la base de la música country moderna. Había habido música popular antes de 1927 que podría considerarse country, pero, como señala Ace Collins, estas grabaciones tuvieron efectos "solo marginales y muy inconsistentes" en los mercados musicales nacionales, y solo eran superficialmente similares a lo que entonces se conocía como música hillbilly . [30] Además de Rodgers y los Carter, un músico llamado Bob Wills fue un influyente intérprete temprano conocido por un estilo llamado western swing , que fue muy popular en las décadas de 1920 y 1930, y fue responsable de traer una destacada influencia del jazz a la música country. [ cita requerida ]
_by_Carl_Van_Vechten.jpg/1280px-Bessie_Smith_(1936)_by_Carl_Van_Vechten.jpg)
El rhythm and blues (R&B) es un estilo que surgió en las décadas de 1930 y 1940, una forma de blues rítmica y de ritmo rápido con una instrumentación más compleja. El autor Amiri Baraka describió el R&B temprano como "enormes unidades rítmicas que se estrellaban detrás de cantantes de blues que gritaban (quienes) tenían que gritar para ser escuchados por encima del estruendo y rasgueo de los diversos instrumentos electrificados y las secciones rítmicas agitadas". [31] El R&B se grabó durante este período, pero no extensamente, y no fue ampliamente promocionado por las compañías discográficas que sentían que no era adecuado para la mayoría de las audiencias, especialmente los blancos de clase media, debido a las letras sugerentes y los ritmos enérgicos. [32] Los líderes de bandas como Louis Jordan innovaron el sonido del R&B temprano. La banda de Jordan presentaba una pequeña sección de vientos e instrumentación rítmica prominente y usaba canciones con temas líricos de blues. A fines de la década de 1940, había producido diecinueve éxitos importantes y ayudó a allanar el camino para contemporáneos como Wynonie Harris , John Lee Hooker y Roy Milton . [ cita requerida ]
Los espirituales cristianos y la música blues rural fueron el origen de lo que hoy se conoce como música gospel. A partir de la década de 1920, las iglesias afroamericanas comenzaron a ofrecer gospel en forma de fieles que proclamaban su devoción religiosa ( testificando ) de manera improvisada, a menudo musical. El gospel moderno comenzó con el trabajo de compositores, el más importante de los cuales fue Thomas A. Dorsey , quien "compuso canciones basadas en espirituales e himnos familiares, fusionados con ritmos de blues y jazz". [33] A partir de estas iglesias de principios del siglo XX, la música gospel se extendió por todo el país. Siguió estando asociada casi por completo a las iglesias afroamericanas y, por lo general, presentaba un coro junto con uno o más solistas virtuosos. [ cita requerida ]
El rock and roll es un tipo de música popular, desarrollado principalmente a partir del country, el blues y el R&B. Es fácilmente el estilo de música más popular en todo el mundo, y sus orígenes exactos y su desarrollo inicial han sido objeto de acalorados debates. El historiador musical Robert Palmer ha señalado que las influencias del estilo son bastante diversas e incluyen el " ritmo de Bo Diddley " afrocaribeño , elementos del "swing de big band" y música latina como el son cubano y los " ritmos mexicanos ". [34] Otro autor, George Lipsitz, afirma que el rock surgió en las áreas urbanas de Estados Unidos, donde se formó una " cultura políglota de clase trabajadora (donde) los significados sociales que antes se transmitían de forma aislada a través del blues, el country, la polka , el zydeco y la música latina encontraron una nueva expresión al mezclarse en un entorno urbano". [35]
A mediados del siglo XX se produjeron varios cambios muy importantes en la música popular estadounidense. El campo de la música pop se desarrolló enormemente durante este período, ya que el precio cada vez más bajo de la música grabada estimuló la demanda y mayores ganancias para la industria discográfica. Como resultado, el marketing musical se volvió cada vez más prominente, lo que resultó en una serie de estrellas pop convencionales cuya popularidad era inaudita anteriormente. Muchas de las primeras estrellas de este tipo fueron cantantes italoamericanos como Dean Martin , Rudy Vallee , Tony Bennett , Perry Como , Frankie Laine y, el más famoso, el "primer vocalista pop que engendró histeria entre sus fanáticos", Frank Sinatra . [36] Uno de los cantantes más exitosos fue Bing Crosby . Crosby citó al popular cantante Al Jolson como una de sus principales influencias. Crosby fue citado a su vez por Perry Como . [23] Crosby también influyó en este canto de Frank Sinatra , [24] Crosby y Sinatra cantaron juntos en la película de 1956 High Society . [25]
Sin embargo, la era de la estrella pop adolescente moderna comenzó en la década de 1960. Los ejemplos musicales pop estadounidenses de la década de 1960 incluyen a The Monkees . [26] Los grupos de pop bubblegum como The Monkees fueron elegidos enteramente por su apariencia y capacidad para vender discos, con menos consideración por la habilidad musical. El mismo período, sin embargo, también vio el surgimiento de nuevas formas de música pop que lograron una presencia más permanente en el campo de la música popular estadounidense, incluido el rock, el soul y el pop-folk. A fines de la década de 1960, dos desarrollos habían cambiado por completo la música popular: el nacimiento de una contracultura , que se oponía explícitamente a la música convencional, a menudo en tándem con el activismo político y social, y el cambio de compositores profesionales a intérpretes que eran a la vez cantantes y compositores . [ cita requerida ]
El rock and roll entró por primera vez en la música popular convencional a través de un estilo llamado rockabilly , que fusionó el sonido naciente del rock con elementos de la música country. El rock and roll interpretado por negros había tenido anteriormente un éxito limitado en la corriente principal, y algunos observadores de la época creían que un intérprete blanco que pudiera cantar de manera creíble en un estilo R&B y country sería un éxito. Sam Phillips , de Sun Records de Memphis, Tennessee , encontró a un intérprete así en Elvis Presley , quien se convirtió en uno de los músicos con mayores ventas de la historia y llevó el rock and roll a audiencias de todo el mundo. [37] El éxito de Presley fue precedido por Bill Haley , un intérprete blanco cuyo " Rock Around the Clock " a veces se señala como el comienzo de la era del rock. Sin embargo, la música de Haley estaba "más arreglada" y "más calculada" que los "ritmos más sueltos" del rockabilly, que además, a diferencia de Haley, no usaba saxofones ni canto en coro. [38]
El R&B siguió siendo extremadamente popular durante la década de 1950 entre el público negro, pero el estilo no se consideraba apropiado para los blancos, o los negros respetables de clase media, debido a su naturaleza sugerente. Muchas canciones populares de R&B en cambio fueron interpretadas por músicos blancos como Pat Boone , en un estilo más aceptable y convencional, y se convirtieron en éxitos pop. [39] Sin embargo, a fines de la década de 1950, hubo una ola de populares intérpretes negros de blues-rock y R&B con influencia country que ganaron una fama sin precedentes entre los oyentes blancos; estos incluyeron a Bo Diddley y Chuck Berry . [40] Con el tiempo, los productores en el campo del R&B gradualmente recurrieron a actos más basados en el rock como Little Richard y Fats Domino . [27]
El doo wop es un tipo de música de armonía vocal interpretada por grupos que se hicieron populares en la década de 1950. [28] Aunque a veces se considera un tipo de rock, el doo wop es más precisamente una fusión de R&B vocal, gospel y jazz con las estructuras del blues y el pop, [41] aunque hasta la década de 1960, las líneas que separaban el rock del doo wop, el R&B y otros estilos relacionados eran muy difusas. El doo wop se convirtió en el primer estilo de música derivada del R&B "en tomar forma, en definirse como algo que la gente reconocía como nuevo, diferente, extraño, suyo " (énfasis en el original). [42] A medida que el doo wop se hizo más popular, se agregaron más innovaciones, incluido el uso de un vocalista principal de bajo, una práctica que comenzó con Jimmy Ricks de The Ravens . [43] Los intérpretes de doo wop originalmente eran casi todos negros, pero pronto se hicieron populares algunos grupos blancos e integrados. Entre ellos se encontraban varios grupos italoamericanos como Dion & the Belmonts , mientras que otros añadieron vocalistas femeninas e incluso formaron grupos exclusivamente femeninos en un ámbito casi universalmente masculino; entre ellos se encontraban The Queens y The Chantels . [44]
En la década de 1950 se produjeron una serie de modas pasajeras que tuvieron un gran impacto en los estilos musicales futuros. Artistas como Pete Seeger y The Weavers popularizaron una forma de resurgimiento de la música angloamericana de antaño . [45] Este campo acabó asociándose con la izquierda política y el comunismo , lo que llevó a una disminución de la aceptabilidad a medida que los artistas eran cada vez más incluidos en listas negras y criticados. Sin embargo, esta forma de pop-folk ejerció una profunda influencia en la forma del folk-rock de los años 50 y estilos relacionados. Junto con el éxito bastante esporádico de la música folk anglosajona popularizada, llegaron una serie de modas de baile latino , como el mambo , la rumba , el chachachá y el boogaloo . Aunque su éxito fue nuevamente esporádico y breve, la música latina siguió ejerciendo una influencia continua en el rock, el soul y otros estilos, y finalmente evolucionó hacia la música salsa en la década de 1970. [ cita requerida ]
A finales de la década de 1920, un estilo distintivo llamado música "old-timey" o "hillbilly" comenzó a transmitirse y grabarse en el sur rural y el medio oeste; los primeros artistas incluyeron a Carter Family, Charlie Poole y sus North Carolina Ramblers y Jimmie Rodgers. La interpretación y difusión de esta música fue regional al principio, pero los cambios de población provocados por la Segunda Guerra Mundial la difundieron más ampliamente. Después de la guerra, hubo un mayor interés en estilos especializados, incluida la música racial y hillbilly ; estos estilos fueron rebautizados como rhythm and blues y country and western , respectivamente. [46] Las grandes discográficas tuvieron cierto éxito promocionando dos tipos de actos country: artistas novedosos del sur como Tex Williams y cantantes como Frankie Laine , que mezclaba pop y country en un estilo convencionalmente sentimental. [29] Este período también vio el ascenso de Hank Williams , [30] un cantante country blanco que había aprendido el blues de un músico callejero negro llamado Tee-Tot, en el noroeste de Alabama. [47] Antes de su muerte en 1953, Hank Williams grabó once sencillos que vendieron al menos un millón de copias cada uno y fueron pioneros del sonido de Nashville . [ cita requerida ]
El sonido Nashville fue un tipo popular de música country que surgió en la década de 1950, una fusión del jazz popular de big band y el swing con el lirismo del country honky-tonk. [48] El éxito popular de las grabaciones de Hank Williams había convencido a las discográficas de que la música country podía encontrar audiencias generales. Las compañías discográficas intentaron entonces despojar a la música country de los elementos ásperos y honky-tonk, eliminando el sonido rural sin complejos que había hecho famoso a Williams. La industria de Nashville estaba reaccionando al ascenso del intérprete de rockabilly Elvis Presley comercializando artistas que cruzaban la división entre el country y el pop. [31] Chet Atkins , [32] director de la división de música country de RCA , fue el que más hizo por innovar el sonido de Nashville al abandonar los elementos más ásperos del country, mientras que Owen Bradley utilizó técnicas de producción sofisticadas e instrumentación suave que finalmente se convirtieron en estándar en el sonido Nashville, que también creció para incorporar cuerdas y coros vocales. [33] A principios de la década de 1960, muchos artistas y fanáticos más tradicionalistas percibían que el sonido de Nashville se había diluido, lo que dio lugar a una serie de escenas locales como el sonido de Lubbock y, el más influyente, el sonido de Bakersfield . [ cita requerida ]
A lo largo de la década de 1950, el tipo de música country más popular fue el Nashville Sound, que era un estilo pulido y orientado al pop. Muchos músicos prefirieron un sonido más áspero, lo que llevó al desarrollo del Lubbock Sound y el Bakersfield Sound . El Bakersfield Sound fue innovado en Bakersfield, California , a mediados y fines de la década de 1950, por intérpretes como Wynn Stewart , quien utilizó elementos del western swing y el rock, como el breakbeat , junto con un estilo vocal honky tonk. [49] Fue seguido por una ola de intérpretes, entre ellos Buck Owens y Merle Haggard , quienes popularizaron el estilo. [ cita requerida ]
La música soul es una combinación de R&B y gospel que comenzó a fines de la década de 1950 en los Estados Unidos. La música soul se caracteriza por el uso de técnicas gospel con un mayor énfasis en los vocalistas y el uso de temas seculares. Las grabaciones de la década de 1950 de Sam Cooke , Ray Charles [ 34] y James Brown se consideran comúnmente los inicios de la música soul. Las primeras grabaciones de Solomon Burke para Atlantic Records codificaron el estilo y, como escribe Peter Guralnick, "fue solo con la unión de Burke y Atlantic Records que se pudo ver algo parecido a un movimiento". [50]
La Motown Record Corporation de Detroit, Michigan, tuvo éxito con una serie de discos de soul con una fuerte influencia pop, que eran lo suficientemente agradables para los oyentes blancos como para permitir que el R&B y el soul llegaran al público general. [35] Un importante centro de grabación de música soul fue Florence , Alabama, donde funcionaban los estudios FAME . Jimmy Hughes , Percy Sledge y Arthur Alexander grabaron en Fame; más tarde, en la década de 1960, Aretha Franklin también grabaría en la zona. Fame Studios, a menudo denominado Muscle Shoals , en honor a una ciudad vecina a Florence, disfrutaba de una estrecha relación con Stax, y muchos de los músicos y productores que trabajaban en Memphis también contribuyeron a las grabaciones realizadas en Alabama. [ cita requerida ]
En Memphis, Stax Records produjo grabaciones de los pioneros del soul Otis Redding , Wilson Pickett [ 36] y Don Covay . Otros artistas de Stax como Eddie Floyd y Johnnie Taylor también hicieron contribuciones significativas a la música soul. En 1968, el movimiento de la música soul había comenzado a fragmentarse, ya que James Brown y Sly & the Family Stone comenzaron a expandir y abstraer tanto el soul como el rhythm and blues en otras formas. Guralnick escribió que más "que cualquier otra cosa... lo que me parece haber llevado a la era del soul a un punto muerto de forma abrupta e inquietante fue la muerte de Martin Luther King en abril de 1968". [51]
Entre los primeros géneros de rock importantes de la década de 1960 se encontraba el surf , cuyo pionero fue el californiano Dick Dale . El surf era en gran medida un rock instrumental y basado en la guitarra con un sonido distorsionado y vibrante, y estaba asociado con la cultura juvenil basada en el surf del sur de California . Dale había trabajado con Leo Fender , desarrollando el " amplificador Showman y... la unidad de reverberación que daría a la música surf su sonido distintivamente difuso". [52]
Inspirados por el enfoque lírico del surf, si no por la base musical, los Beach Boys comenzaron su carrera en 1961 con una serie de éxitos como " Surfin' USA ". Su sonido no era instrumental ni basado en la guitarra, sino que estaba lleno de "voces flotantes ricas, densas e incuestionablemente especiales (con) armonías al estilo de Four Freshman sobre una carga zumbante y propulsiva". [53] El compositor de los Beach Boys, Brian Wilson, se volvió gradualmente más excéntrico, experimentando con nuevas técnicas de estudio a medida que se asociaba con la floreciente contracultura . [37]
La contracultura fue un movimiento juvenil que incluía el activismo político, especialmente en oposición a la guerra de Vietnam, y la promoción de varios ideales hippies . Los hippies se asociaban principalmente con dos tipos de música: el folk-rock y el country rock de gente como Bob Dylan y Gram Parsons , y el rock psicodélico de bandas como Jefferson Airplane y The Doors . [38] Este movimiento estaba muy estrechamente relacionado con la Invasión Británica , una ola de bandas del Reino Unido que se hicieron populares durante gran parte de la década de 1960. La Invasión Británica inicialmente incluyó bandas como los Beatles , los Rolling Stones , [39] y The Zombies a los que luego se unieron bandas como Moody Blues y The Who . [40] El sonido de estas bandas era rock duro, con los Beatles originalmente conocidos por canciones que se parecían a las canciones clásicas de black rock de Little Richard , Chuck Berry , Smokey Robinson , The Shirelles y los Isley Brothers . [54] Más tarde, a medida que se desarrollaba la contracultura, The Beatles comenzaron a utilizar técnicas más avanzadas e instrumentos inusuales, como el sitar , así como letras más originales. [41]
El folk-rock se basó en el éxito esporádico de grupos como Kingston Trio y Almanac Singers , mientras que Woody Guthrie y Pete Seeger ayudaron a radicalizar políticamente la música folk rural blanca. [55] El popular músico Bob Dylan saltó a la fama a mediados de la década de 1960, fusionando el folk con el rock y haciendo que la escena naciente estuviera estrechamente conectada con el Movimiento por los Derechos Civiles . Le siguieron varias bandas de country-rock como The Byrds y Flying Burrito Brothers y cantautores de orientación folk como Joan Baez y la canadiense Joni Mitchell . Sin embargo, a finales de la década, había poca conciencia política o social evidente en las letras de cantautores pop como James Taylor y Carole King , cuyas canciones escritas por ellos mismos eran profundamente personales y emocionales. [ cita requerida ]
El rock psicodélico era un tipo de rock duro, con una fuerte presencia de guitarras, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco, California. Aunque Jefferson Airplane fue la única banda psicodélica de San Francisco que tuvo un gran éxito nacional, con "Somebody to Love" y "White Rabbit" de 1967, los Grateful Dead , una banda de jam con sabor a folk, country y bluegrass , "encarnaba todos los elementos de la escena de San Francisco y llegó... a representar la contracultura para el resto del país"; los Grateful Dead también se hicieron conocidos por introducir a la contracultura, y al resto del país, las ideas de personas como Timothy Leary , especialmente el uso de drogas alucinógenas, incluido el LSD, con fines espirituales y filosóficos. [56]
Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de los años 1960 y principios de los 1970, la música rock se diversificó. Lo que antes se conocía como rock and roll , un estilo de música razonablemente discreto, había evolucionado hasta convertirse en una categoría general llamada simplemente música rock , un término general que eventualmente incluiría diversos estilos como la música heavy metal , el punk rock y, a veces, incluso la música hip hop . Sin embargo, durante los años 1970, la mayoría de estos estilos no formaban parte de la música mainstream y estaban evolucionando en la escena musical underground. [ cita requerida ]
A principios de los años 1970 se produjo una ola de cantautores que se inspiraron en las letras introspectivas, profundamente emotivas y personales del folk-rock de los años 1960. Entre ellos se encontraban James Taylor , Carole King y otros, todos conocidos tanto por su habilidad lírica como por sus interpretaciones. El mismo período vio el auge de grupos de rock sureño y country rock con aires blues como Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd . [57] En los años 1970, se desarrolló el soft rock , una especie de forma simple, discreta y suave de pop-rock, ejemplificada por varias bandas como America y Bread , la mayoría de las cuales son poco recordadas hoy en día; muchas fueron maravillas de un solo éxito . [58] Además, bandas de rock de estadio más duras como Chicago y Styx también tuvieron un gran éxito. [ cita requerida ]
A principios de la década de 1970 surgió un nuevo estilo de música country que era tan áspero y duro, y que rápidamente se convirtió en la forma más popular de country. Se trataba del country outlaw , un estilo que incluía a estrellas del mainstream como Willie Nelson y Waylon Jennings . [59] El country outlaw estaba muy orientado al rock y tenía letras que se centraban en las travesuras delictivas, especialmente relacionadas con las drogas y el alcohol, de sus intérpretes, que se dejaban crecer el pelo, vestían vaqueros y cuero y parecían hippies en contraste con los cantantes de country de corte impecable que impulsaban el sonido de Nashville. [60]
A mediados de la década de 1970, la música disco , una forma de música de baile, se estaba volviendo popular, evolucionando desde los clubes de baile underground hasta el mainstream estadounidense. La música disco alcanzó su apogeo tras el estreno de Saturday Night Fever y el fenómeno que rodeó a la película y la banda sonora de The Bee Gees . Sin embargo, el tiempo de la música disco fue corto y en 1980 pronto fue reemplazada por una serie de géneros que evolucionaron a partir de la escena del punk rock , como el new wave . Bruce Springsteen se convirtió en una gran estrella, primero a mediados y finales de la década de 1970 y luego a lo largo de la década de 1980, con letras densas e inescrutables y canciones himnos que resonaron entre las clases medias y bajas. [61]
.jpg/1280px-Chaka_Khan_in_Chris_March_01_(cropped).jpg)
A principios de los años 70, la música soul se vio influenciada por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de la época inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a lanzar declaraciones de larga duración con comentarios sociales contundentes. Artistas como James Brown llevaron el soul hacia una música más orientada al baile, que finalmente evolucionó hacia el funk . El funk fue tipificado por bandas de la década de 1970 como Parliament-Funkadelic , The Meters y el propio James Brown, mientras que grupos más versátiles como War , The Commodores y Earth, Wind and Fire también se hicieron populares. Durante la década de 1970, algunos grupos de soul de ojos azules muy hábiles y comerciales como Hall & Oates de Filadelfia lograron un éxito general, así como una nueva generación de grupos de armonía de esquina o soul de ciudad como The Delfonics y Unifics de la Universidad Howard . [ cita requerida ]
A finales de los años 70, el soul, el funk, el rock y la mayoría de los demás géneros de Filadelfia estaban dominados por temas con influencias disco. Durante este período, bandas de funk como The O'Jays y The Spinners siguieron produciendo éxitos. Tras la muerte de la música disco en 1980, la música soul sobrevivió durante un breve tiempo antes de pasar por otra metamorfosis. Con la introducción de influencias de la música electrónica y el funk, la música soul se volvió menos cruda y más elaborada, lo que dio lugar a un género musical que volvió a llamarse R&B , que normalmente se distinguía del rhythm and blues anterior identificándolo como R&B contemporáneo . [ cita requerida ]
En la década de 1960, el término rhythm and blues ya no se usaba ampliamente; en su lugar, se usaban términos como música soul para describir la música popular de artistas negros. Sin embargo, en la década de 1980, el rhythm and blues volvió a usarse, con mayor frecuencia en forma de R&B , un uso que ha continuado hasta el presente. El R&B contemporáneo surgió cuando los cantantes de funk sensuales como Prince se volvieron muy populares, junto con estrellas del pop orientado al baile como Michael Jackson y Madonna . [62]
A finales de los años 1980, el pop-rock consistía principalmente en bandas de glam metal que se escuchaban en la radio y que usaban imágenes derivadas del movimiento glam británico con letras y actitudes machistas, acompañadas de música hard rock y solos virtuosos de heavy metal. Las bandas de esta era incluyeron muchos grupos británicos como Def Leppard , así como bandas estadounidenses con influencias del heavy metal como Mötley Crüe , Guns N' Roses , Bon Jovi y Van Halen . [63]
_(cropped).jpg/1280px-Madonna_Rebel_Heart_Tour_2015_-_Stockholm_(23051472299)_(cropped).jpg)
A mediados de los años 1980, la música gospel alcanzó su máximo auge. Se había desarrollado una nueva forma de gospel, llamada música cristiana contemporánea (CCM). La CCM había existido desde finales de los años 1960 y consistía en un sonido pop/rock con letras ligeramente religiosas. La CCM se había convertido en la forma más popular de gospel a mediados de los años 1980, especialmente con artistas como Amy Grant , Michael W. Smith y Kathy Troccoli . Amy Grant fue la cantante de CCM y gospel más popular de los años 1980 y, después de experimentar un éxito sin precedentes en la CCM, pasó al pop convencional en los años 1980 y 1990. Michael W. Smith también tuvo un éxito considerable en la CCM antes de pasar también a una exitosa carrera en la música pop. Grant produciría más tarde el primer éxito pop número uno de la CCM ("Baby Baby") y el álbum más vendido de la CCM ( Heart in Motion ). [ cita requerida ]
En la década de 1980, las listas de éxitos de la música country estaban dominadas por cantantes pop con influencias tangenciales de la música country, una tendencia que ha continuado desde entonces. La década de 1980 vio un resurgimiento del country estilo honky-tonk con el auge de gente como Dwight Yoakam y los nuevos tradicionalistas Emmylou Harris y Ricky Skaggs , [64] así como el desarrollo de intérpretes de country alternativo como Uncle Tupelo . Los intérpretes de country alternativo posteriores, como Ryan Adams y Wilco de Whiskeytown , encontraron cierto éxito en el mainstream. [ cita requerida ]
Durante la década de 1970, surgieron varios estilos diversos en marcado contraste con la música popular estadounidense dominante. Aunque estos géneros no eran muy populares en el sentido de vender muchos discos al público general, eran ejemplos de música popular , a diferencia de la música folclórica o clásica . A principios de la década de 1970, los afroamericanos y los puertorriqueños de la ciudad de Nueva York desarrollaron la cultura del hip hop , que produjo un estilo de música también llamado hip hop . Aproximadamente al mismo tiempo, los latinos, especialmente los cubanos y puertorriqueños, en Nueva York también innovaron la música salsa , que combinaba muchas formas de música latina con R&B y rock. Los géneros de punk rock y heavy metal se asociaron más estrechamente con el Reino Unido en la década de 1970, mientras que varios derivados estadounidenses evolucionaron más tarde en la década y en la década de 1980. Mientras tanto, Detroit desarrolló lentamente una serie de géneros de música electrónica como el house y el techno que más tarde se convirtieron en una parte importante de la música popular en todo el mundo. [ cita requerida ]
.jpg/1280px-Salt-n-Pepa_(2).jpg)
El hip hop es un movimiento cultural, del cual la música es parte, junto con el graffiti y el breakdance . La música se compone de dos partes, el rap , la entrega de voces rápidas, muy rítmicas y líricas, y el DJing, la producción de instrumentación ya sea a través de sampling , instrumentación , turntablism o beatboxing . [65] El hip hop surgió a principios de la década de 1970 en el Bronx , en la ciudad de Nueva York. El inmigrante jamaiquino DJ Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; trajo consigo la práctica de brindar sobre los ritmos de las canciones populares. En Nueva York, DJ como Kool Herc tocaban discos de canciones populares de funk, disco y rock. Los maestros de ceremonias surgieron originalmente para presentar las canciones y mantener a la multitud emocionada y bailando; con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar los descansos de percusión (el clímax rítmico de las canciones), produciendo así un ritmo repetido sobre el que los maestros de ceremonias rapeaban. [ cita requerida ]
El rap incluía saludos a amigos y enemigos, exhortaciones a bailar y alardes coloridos, a menudo humorísticos. A principios de la década de 1980, había canciones populares de hip hop como " Rappers Delight " de Sugarhill Gang y algunas celebridades importantes de la escena, como LL Cool J y Kurtis Blow . Otros intérpretes experimentaron con letras politizadas y conciencia social, mientras que otros realizaron fusiones con jazz , heavy metal , techno , funk y soul . El hip hop comenzó a diversificarse en la última parte de la década de 1980. Aparecieron nuevos estilos, como el hip hop alternativo y la fusión de jazz rap estrechamente relacionada , iniciada por raperos como De La Soul y Guru . Los grupos Public Enemy y NWA fueron los que más hicieron durante esta era para llevar el hip hop a la atención nacional; el primero lo hizo con letras incendiarias y políticamente cargadas, mientras que el segundo se convirtió en el primer ejemplo destacado de rap gangsta . [ cita requerida ]
La salsa es un ritmo diverso y predominantemente caribeño que es popular en muchos países de América Latina . La salsa incorpora múltiples estilos y variaciones; el término puede usarse para describir casi cualquier forma de los géneros musicales populares derivados de Cuba (como el chachachá y el mambo ) . Sin embargo, más específicamente, la salsa se refiere a un estilo particular desarrollado a mediados de la década de 1970 por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños del área de la ciudad de Nueva York en los Estados Unidos, y descendientes estilísticos como la salsa romántica de la década de 1980. [66]
La música salsa siempre tiene un compás de 4/4 . La música se frasea en grupos de dos compases, utilizando patrones rítmicos recurrentes y el comienzo de las frases en el texto de la canción y los instrumentos. Por lo general, los patrones rítmicos tocados en la percusión son bastante complicados, a menudo con varios patrones diferentes tocados simultáneamente. El ritmo de clave es un elemento importante que forma la base de la salsa. Aparte de la percusión, se utilizan comúnmente una variedad de instrumentos melódicos como acompañamiento, como una guitarra, trompetas, trombones, el piano y muchos otros, todo dependiendo de los artistas intérpretes o ejecutantes. Las bandas generalmente se dividen en secciones de viento y ritmo, lideradas por uno o más cantantes ( soneros o salseros ). [67]
_IMGP6148_smial_wp.jpg/1280px-Black_Flag_(Ruhrpott_Rodeo_2013)_IMGP6148_smial_wp.jpg)
El punk fue un tipo de música rock rebelde que comenzó en la década de 1970 como una reacción contra la música popular de la época, especialmente la música disco , que se consideraba insípida y sin inspiración. El punk se inspiró en bandas estadounidenses como Velvet Underground , The Stooges y New York Dolls . [68] El punk era ruidoso, agresivo y, por lo general, muy simple, y requería poco entrenamiento musical para tocarlo. Más tarde en la década, bandas británicas como Sex Pistols y The Clash disfrutaron de una fama sustancial en casa y, en menor grado, en los Estados Unidos. Las bandas estadounidenses en el campo incluyeron a The Ramones , así como grupos como Talking Heads , que tocaban un tipo de música más artística que estaba estrechamente asociada con el punk antes de evolucionar finalmente hacia el pop- new wave . [69] Otros actos importantes incluyen Blondie , Patti Smith y Television . La mayoría de estas bandas comenzaron en lo que se considera "zona cero" [42] del punk rock, un club llamado CBGB. En 1975, el pequeño club de Nueva York organizó un festival en el que se presentaron las "40 mejores bandas de rock no grabadas". Entre estas bandas se encontraban las ya mencionadas The Ramones , Sex Pistols , Blondie y otras similares. [ cita requerida ]
El hardcore punk fue la respuesta de la juventud estadounidense a la explosión mundial del punk rock de finales de los años 1970. El hardcore despojó al punk rock y a la new wave de sus tendencias a veces elitistas y artísticas, dando como resultado canciones cortas, rápidas e intensas que hablaban a la juventud descontenta. El hardcore explotó en las metrópolis estadounidenses de Los Ángeles, Washington, DC, Nueva York y Boston , y la mayoría de las ciudades estadounidenses tenían sus propias escenas locales a finales de los años 1980. [70]
El rock alternativo es una agrupación diversa de bandas de rock que en Estados Unidos se desarrolló en gran medida a partir de la escena hardcore en la década de 1980 en clara oposición a la escena musical mainstream. Los subgéneros del rock alternativo que se desarrollaron durante la década incluyen el indie rock , el rock gótico , el noise rock , el grunge y el college rock . La mayoría de las bandas alternativas estaban unificadas por su deuda colectiva con el punk, que sentó las bases para la música underground y alternativa en la década de 1970. Aunque el género se considera rock, algunos estilos fueron influenciados por el folk estadounidense, el reggae y el jazz. Al igual que el punk y el hardcore, el rock alternativo tuvo poco éxito mainstream en Estados Unidos en la década de 1980, pero a través del establecimiento de una escena indie de base a través de giras, radio universitaria , fanzines y el boca a boca, las bandas alternativas sentaron las bases para el avance del género en la conciencia pública estadounidense en la siguiente década. [ cita requerida ]
El heavy metal es un género musical caracterizado por ritmos agresivos y potentes, guitarras distorsionadas y muy amplificadas, generalmente con letras grandiosas e instrumentación virtuosa. El heavy metal es una evolución del blues, el blues rock , el rock y el rock progresivo. Sus orígenes se remontan a las bandas británicas de hard rock que entre 1967 y 1974 tomaron el blues y el rock y crearon un híbrido con un sonido pesado, centrado en la guitarra y la batería. La mayoría de los pioneros en este campo, como Black Sabbath , eran ingleses, aunque muchos se inspiraron en artistas estadounidenses como Blue Cheer y Jimi Hendrix . [ cita requerida ]
A principios de los años 1970, empezaron a aparecer las primeras bandas estadounidenses importantes, como Blue Öyster Cult y Aerosmith , y músicos como Eddie Van Halen comenzaron su carrera. Sin embargo, el heavy metal siguió siendo un fenómeno en gran medida underground. Durante los años 1980, una forma de hard rock basada en el pop, con un espíritu festivo y una estética visual influenciada por el glam (a veces denominada "hair metal") dominó las listas de música, liderada por superestrellas como Poison , Bon Jovi , Mötley Crüe y Ratt . El debut en 1987 de Guns N' Roses , una banda de hard rock cuya imagen reflejaba el lado más oscuro de Sunset Strip, fue al menos en parte una reacción contra la imagen demasiado pulida del hair metal, pero el éxito salvaje de esa banda fue en muchos sentidos el último suspiro de la escena del hard rock y el metal. A mediados de los años 1980, cuando el término "heavy metal" se convirtió en objeto de mucha controversia, el estilo se había diversificado en tantas direcciones diferentes que los fanáticos, las compañías discográficas y los fanzines crearon nuevas clasificaciones, aunque a veces las diferencias entre los distintos subgéneros no estaban claras, incluso para los artistas que supuestamente pertenecían a un estilo determinado. El más notable de los subgéneros del metal de los años 1980 en los Estados Unidos fue el estilo thrash metal rápido y agresivo, iniciado por bandas como Anthrax , Megadeth , Metallica y Slayer . [ cita requerida ]
Tal vez el cambio más importante en la década de 1990 en la música popular estadounidense fue el auge del rock alternativo a través de la popularidad del grunge . Este era anteriormente una agrupación de géneros explícitamente antimainstream que alcanzó gran fama a principios de la década de 1990. El género en sus primeras etapas se situó en gran medida en Sub Pop Records , una compañía fundada por Bruce Pavitt y John Poneman. Las bandas de grunge importantes que firmaron con el sello fueron Green River (la mitad de los miembros de esta banda luego se convertirían en miembros fundadores de Pearl Jam ), Sonic Youth (aunque no era una banda grunge, fueron influyentes en las bandas grunge y, de hecho, fue por insistencia de Kim Gordon que la David Geffen Company firmó con Nirvana ) y Nirvana. El grunge es un subgénero del rock alternativo con un sonido "sludge oscuro y melancólico basado en la guitarra", [71] que se basa en el heavy metal, el punk y elementos de bandas como Sonic Youth y su uso de "afinaciones poco convencionales para deformar por completo canciones pop que de otro modo serían estándar". [72] Con la adición de un "elemento melódico y beatlesco" al sonido de bandas como Nirvana, el grunge se volvió tremendamente popular en todo Estados Unidos.
[73] El grunge se volvió comercialmente exitoso a principios de los años 1990, alcanzando su punto máximo entre 1991 y 1994. Bandas de ciudades del noroeste del Pacífico de EE. UU., especialmente Seattle , Washington, fueron responsables de crear el grunge y luego lo hicieron popular entre el público general. La supuesta Generación X , que acababa de llegar a la edad adulta cuando la popularidad del grunge alcanzó su punto máximo, estaba estrechamente asociada con el grunge, el sonido que ayudó a "definir la desesperación de (esa) generación". [74] Bandas como Foo Fighters y Creed se convirtieron en una forma de rock alternativo conocida como post-grunge, popular porque era amigable con la radio a diferencia de las bandas de grunge por las que fueron influenciadas musicalmente. Bandas de pop punk como Green Day y Blink 182 también ganaron popularidad. En la segunda mitad de la década de 1990 surgió el nu metal con bandas como Linkin Park , Korn , Limp Bizkit y Slipknot . La cultura independiente dormitaba en las escenas underground con nuevos géneros como el lo-fi ( Beck , Sparklehorse , Guided By Voices ), el math rock ( Slint , Shellac ) y el post-rock ( Explosions in the Sky , Tortoise ). El emocore y el post-hardcore se hicieron más conocidos con bandas como At the Drive-In y Fugazi . [ cita requerida ]
El rap gangsta es un tipo de hip hop, caracterizado principalmente por un enfoque lírico en la sexualidad masculina, la fisicalidad y una imagen peligrosa y criminal. Aunque los orígenes del rap gangsta se remontan a los raps de mediados de la década de 1980 de Schoolly D de Filadelfia y Ice-T de la Costa Oeste , se suele decir que el estilo comenzó en el área de Los Ángeles y Oakland, donde Too Short , NWA y otros encontraron su fama. Esta escena de rap de la Costa Oeste generó el sonido G-funk de principios de la década de 1990 , que combinaba letras de rap gangsta con un tono denso y brumoso, a menudo apoyándose en samples del P-funk de la década de 1970 ; los defensores más conocidos de este sonido fueron los raperos innovadores Dr. Dre y Snoop Dogg . [ cita requerida ]
.png/1280px-Katy_Perry_performing_Vegas_residency_(cropped).png)
A finales de la década de 1990 y principios de la década de 2000, la música pop consistía principalmente en una combinación de pop-hip hop y pop con tintes R&B, incluidas varias bandas de chicos. Cantantes femeninas notables también consolidaron su estatus en la música popular estadounidense y mundial, como Beyoncé (con su carrera en solitario y como cantante principal de Destiny's Child ), Britney Spears , Christina Aguilera , Katy Perry , Lady Gaga y Taylor Swift . También fue notable la influencia de los productores de hip-hop en la música popular de mediados y finales de la década de 2000, que hicieron que los sonidos que se escucharon por primera vez en Confessions de Usher y Loose de Nelly Furtado fueran imitados en la radio popular con artistas como Madonna , Akon y Lady Gaga . A finales de la década de 2000 y principios de la década de 2010, la música pop comenzó a recibir una fuerte influencia de la escena de música electrónica de baile europea , arraigándose entre el público universitario a través de productores como David Guetta , Calvin Harris , Swedish House Mafia y Skrillex . [ cita requerida ]
La combinación de hip hop y pop también había comenzado a dominar la década de 2000 y principios de la década de 2010. A principios de la década de 2010, artistas destacados como Bruno Mars , Drake , Lil Wayne , 2 Chainz , Kendrick Lamar , Machine Gun Kelly y Macklemore comenzaron a dominar la escena musical convencional. [ cita requerida ]
El sonido predominante en la música country de los años 1990 era el pop con elementos country muy limitados. Esto incluye a muchos de los artistas más vendidos de los años 1990, como Clint Black , Shania Twain , Faith Hill y la primera de estas estrellas del crossover, Garth Brooks . [75]
Por otra parte, se produjo un resurgimiento de la guitarra que dio lugar a una nueva generación de bandas de guitarra alternativa, a menudo descritas como resurgimiento del post-punk o resurgimiento del garage rock . Las bandas estadounidenses más destacadas de esta generación son White Stripes , The Strokes y The Killers .
La música popular estadounidense se ha vuelto extremadamente popular a nivel internacional. El rock, el pop, el hip hop, el jazz, el country y otros estilos tienen seguidores en todo el mundo. La combinación de partes de la música popular internacional y estadounidense se ha intentado entre mediados de la década de 1960 y mediados de la década de 1970. Sin embargo, los resultados de la síntesis fueron en su mayor parte infructuosos. [43] El DJ de la BBC Radio Andy Kershaw , por ejemplo, ha señalado que la música country es popular en prácticamente todo el mundo. [76] De hecho, de "todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial ... (la música popular estadounidense) ha sido tomada (la mayoría) en serio por todo el mundo". [77] Otros estilos de música popular estadounidense también han tenido un efecto formativo a nivel internacional, incluido el funk, la base del afrobeat de África occidental , el R&B, una fuente importante del reggae jamaicano , y el rock, que ha influido profundamente en casi todos los géneros de música popular en todo el mundo. El rock, el country, el jazz y el hip hop se han convertido en una parte arraigada de muchos países, dando lugar a variedades locales como la música country australiana , el bongo flava de Tanzania y el rock ruso . [ cita requerida ]
El rock ha tenido una influencia formativa en la música popular, que tuvo el efecto de transformar "el concepto mismo de lo que es la música popular". [78] Mientras que Charlie Gillett ha argumentado que el rock and roll "fue el primer género popular en incorporar el pulso implacable y el gran volumen de la vida urbana a la música misma". [79]
Los impactos sociales de la música popular estadounidense se han sentido tanto dentro de los Estados Unidos como en el extranjero. Desde las extravagancias de finales del siglo XIX, la música popular estadounidense ha sido criticada por ser demasiado sexualmente excitante y por alentar la violencia, el abuso de drogas y el comportamiento inmoral en general. [ cita requerida ]