La música electrónica de baile ( EDM ) [1] es una amplia gama de géneros de música electrónica de percusión creados originalmente para clubes nocturnos , raves y festivales . Por lo general, lo producen para que los DJ lo reproduzcan y crean selecciones perfectas de pistas, llamadas mezclas de DJ , pasando de una grabación a otra. [2] Los productores de EDM también interpretan su música en vivo en un concierto o festival en lo que a veces se llama un PA en vivo . Desde sus inicios, el EDM se ha expandido para incluir una amplia gama de subgéneros.
A finales de los 80 y principios de los 90, tras el surgimiento del raving , la radio pirata , los PartyCrews, los festivales underground y un aumento del interés en la cultura de discoteca , el EDM alcanzó una gran popularidad en Europa. Sin embargo, la cultura rave no era tan popular en los Estados Unidos; Por lo general, no se veía fuera de los escenarios regionales en la ciudad de Nueva York, Florida, el Medio Oeste y California. Aunque los géneros pioneros del electro , el house de Chicago y el techno de Detroit fueron influyentes tanto en Europa como en Estados Unidos, los principales medios de comunicación y la industria discográfica de Estados Unidos permanecieron abiertamente hostiles hasta la década de 1990 y más allá. También se percibió una asociación entre el EDM y la cultura de las drogas , lo que llevó a los gobiernos a nivel estatal y municipal a promulgar leyes y políticas destinadas a detener la propagación de la cultura rave. [3]
Posteriormente, en el nuevo milenio, la popularidad del EDM aumentó a nivel mundial, particularmente en Estados Unidos y Australia. A principios de la década de 2010, la industria musical y la prensa musical estadounidenses estaban impulsando el término "música de baile electrónica" y las siglas "EDM" en un esfuerzo por cambiar el nombre de la cultura rave estadounidense . [3] A pesar del intento de la industria de crear una marca EDM específica, el acrónimo sigue utilizándose como término general para múltiples géneros, incluidos dance-pop , house , techno , electro y trance , así como sus respectivos subgéneros, todos anteriores a el acrónimo. [4] [5] [6]
Varios géneros EDM han evolucionado durante los últimos 40 años, por ejemplo; house , techno , drum and bass , dance-pop , etc. La variación estilística dentro de un género EDM establecido puede conducir al surgimiento de lo que se llama un subgénero . La hibridación, donde se combinan elementos de dos o más géneros, puede conducir al surgimiento de un género de EDM completamente nuevo. [4]
A finales de la década de 1960, bandas como Silver Apples crearon música electrónica destinada al baile. [7] Otros ejemplos tempranos de música que influyeron en la música electrónica de baile posterior incluyen la música dub jamaicana de finales de los años 1960 y 1970, [6] la música disco basada en sintetizadores del productor italiano Giorgio Moroder a finales de los años 1970 y el electropop de Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra a mediados y finales de la década de 1970. [5]
El autor Michael Veal considera que la música dub , una música jamaicana derivada del reggae de raíces y la cultura del sound system que floreció entre 1968 y 1985, es uno de los precursores importantes de la música electrónica de baile contemporánea. [8] Las producciones de dub eran pistas de reggae remezcladas que enfatizaban el ritmo, elementos líricos y melódicos fragmentados y texturas reverberantes. [9] Los pioneros de la música fueron ingenieros de estudio, como Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry y Scientist . [8] Sus producciones incluyeron formas de edición de cintas y procesamiento de sonido que Veal considera comparables a las técnicas utilizadas en la música concreta . Los productores de dub hicieron deconstrucciones improvisadas de mezclas de reggae multipista existentes utilizando la mesa de mezclas de estudio como instrumento de interpretación. También pusieron en primer plano efectos espaciales como la reverberación y el retardo mediante el uso creativo de enrutamientos de envío auxiliares . [8] El Roland Space Echo , fabricado por Roland Corporation , fue ampliamente utilizado por los productores de doblaje en la década de 1970 para producir efectos de eco y retardo. [10]
A pesar del limitado equipo electrónico disponible para los pioneros del doblaje como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente de vanguardia. [11] El dub ambiental fue iniciado por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos, utilizando electrónica ambiental inspirada en DJ , completa con abandonos, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos . Presentaba técnicas de capas e incorporaba elementos de músicas del mundo , líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. [12] También se utilizaron técnicas como un largo retardo del eco. [13]
La música hip hop ha tenido cierta influencia en el desarrollo de la música electrónica de baile desde la década de 1970. [14] Inspirado en la cultura jamaicana de los sistemas de sonido, el DJ jamaicano-estadounidense Kool Herc introdujo grandes equipos de altavoces con graves pesados en el Bronx . [15] A sus fiestas se les atribuye haber iniciado el movimiento hip-hop de la ciudad de Nueva York en 1973. [15] Una técnica desarrollada por DJ Kool Herc que se hizo popular en la cultura hip hop era reproducir dos copias del mismo disco en dos tocadiscos, en alternancia, y en el punto donde una pista presentaba una pausa . Esta técnica se utilizó además para realizar un bucle manual de un break puramente de percusión , dando lugar a lo que más tarde se denominó break beat . [dieciséis]
El tocadiscos tiene su origen en la invención del tocadiscos de accionamiento directo , [17] por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ). [18] En 1969, Matsushita lo lanzó como SP-10 , [19] el primer tocadiscos de accionamiento directo del mercado, [20] y el primero de su influyente serie de tocadiscos Technics . [19] El tocadiscos más influyente fue el Technics SL-1200 , [21] que fue desarrollado en 1971 por un equipo dirigido por Shuichi Obata en Matsushita, que luego lo lanzó al mercado en 1972. [17] En las décadas de 1980 y 1990 Los DJ de hip-hop usaban tocadiscos como instrumentos musicales por derecho propio y el uso virtuoso se convirtió en una práctica creativa llamada turntablism. [21]
En 1974, el primer éxito disco de George McCrae, " Rock Your Baby ", fue uno de los primeros discos en utilizar una caja de ritmos , [22] una de las primeras cajas de ritmos de Roland . [23] El uso de cajas de ritmos en la producción disco fue influenciado por " Family Affair " (1971) de Sly and the Family Stone , cuyo ritmo se hizo eco en "Rock Your Baby" de McCrae, [24] y " Why " de Timmy Thomas. ¿No podemos vivir juntos ? (1972). [25] [23] [24] El productor disco Biddu utilizó sintetizadores en varias canciones disco de 1976 a 1977, incluida "Bionic Boogie" de Rain Forest (1976), [26] "Soul Coaxing" (1977), [27] y El hombre oriental y el viaje futurista [28] [29] (registrado de 1976 a 1977). [30]
Actos como Donna Summer , Chic , Earth, Wind, and Fire , Heatwave y Village People ayudaron a definir el sonido disco de finales de los 70. Giorgio Moroder y Pete Bellotte produjeron " I Feel Love " para Donna Summer en 1977. Se convirtió en el primer éxito disco conocido en tener una pista de acompañamiento completamente sintetizada. Otros productores disco, el más famoso el productor estadounidense Tom Moulton , tomaron ideas y técnicas de la música dub (que surgió con la creciente migración jamaicana a la ciudad de Nueva York en la década de 1970) para ofrecer alternativas al estilo de cuatro en la pista que dominaba. [31] [32] A principios de la década de 1980, la popularidad de la música disco disminuyó drásticamente en los Estados Unidos, abandonada por los principales sellos discográficos y productores estadounidenses. La eurodisco continuó evolucionando dentro de la amplia escena de la música pop convencional. [33]
Synth-pop (abreviatura de sintetizador pop ; [34] también llamado tecno-pop [35] [36] ) es un género musical que se hizo prominente por primera vez a fines de la década de 1970 y presenta el sintetizador como el instrumento musical dominante. [37] Fue prefigurado en los años 1960 y principios de los 1970 por el uso de sintetizadores en el rock progresivo , la electrónica , el art rock , el disco y, particularmente, el Krautrock de bandas como Kraftwerk . Surgió como un género distinto en Japón y el Reino Unido en la era post-punk como parte del movimiento new wave de finales de los años 1970.
Los primeros pioneros del synth-pop incluyeron al grupo japonés Yellow Magic Orchestra y las bandas británicas Ultravox , Human League y Berlin Blondes [ cita requerida ] . The Human League utilizó sintetizadores monofónicos para producir música con un sonido simple y austero. Después del avance de Gary Numan en la lista de singles del Reino Unido en 1979, un gran número de artistas comenzaron a disfrutar del éxito con un sonido basado en sintetizadores a principios de la década de 1980, incluidos debutantes de finales de la década de 1970 como Japan y Orchestral Maneuvers in the Dark , y recién llegados como como Depeche Mode y Eurythmics . En Japón, el éxito de Yellow Magic Orchestra abrió el camino para bandas de synth-pop como P-Model , Plastics y Hikashu . El desarrollo de sintetizadores polifónicos económicos, la definición de MIDI y el uso de ritmos de baile llevaron a un sonido más comercial y accesible para el synth-pop. Esto, su adopción por parte de los actos conscientes del estilo del movimiento Nuevo Romántico , junto con el surgimiento de MTV , llevó al éxito de un gran número de actos de synth-pop británicos (incluidos Duran Duran y Spandau Ballet ) en los Estados Unidos.
El uso de muestreo digital y looping en la música popular fue iniciado por la banda japonesa de música electrónica Yellow Magic Orchestra (YMO). [38] [39] [40] [41] Su enfoque del muestreo fue un precursor del enfoque contemporáneo de construir música cortando fragmentos de sonidos y repitiéndolos utilizando tecnología informática. [40] " Computer Game/Firecracker " (1978) interpoló una melodía de Martin Denny , [42] y muestreó sonidos de videojuegos de Space Invaders [43] . [42] Technodelic (1981) introdujo el uso del muestreo digital en la música popular, como el primer álbum que consta principalmente de muestras y bucles . [39] [41] El álbum fue producido utilizando el muestreador PCM digital LMD-649 de Toshiba-EMI , que el ingeniero Kenji Murata construyó a medida para YMO. [41] [ se necesita mejor fuente ] El LMD-649 también fue utilizado para muestreo por otros artistas japoneses de synthpop a principios de la década de 1980, incluidos actos asociados a YMO como Chiemi Manabe [44] y Logic System . [45]
El surgimiento de la música electrónica de baile en la década de 1980 estuvo marcado por el desarrollo de varios instrumentos musicales electrónicos nuevos , en particular los de la japonesa Roland Corporation . El Roland TR-808 (a menudo abreviado como "808") jugó notablemente un papel importante en la evolución de la música de baile, [46] después de que " Planet Rock " de Afrika Bambaataa (1982) lo hiciera muy popular en las pistas de baile. [47] La pista, que también incluía la línea melódica de Trans-Europe Express de Kraftwerk , informó el desarrollo de la música electrónica de baile, [48] y subgéneros que incluyen el Miami bass y el Detroit techno , y popularizó el 808 como un "elemento fundamental del estilo futurista". sonido". [49] Según Slate , "Planet Rock" "no puso al 808 en el mapa sino que reorientó todo un mundo de música dance post-disco a su alrededor". [50] El Roland TR-909 , TB-303 y Juno-60 influyeron de manera similar en la música electrónica de baile como el techno , el house y el acid . [51] [52] [53]
Durante la era post-disco que siguió a la reacción contra la " disco " que comenzó a mediados y finales de 1979, que en los Estados Unidos provocó disturbios civiles y un motín en Chicago conocido como Disco Demolition Night , [13] un movimiento clandestino de música "simplificada" inspirada en la discoteca que presenta "sonidos radicalmente diferentes" [14] comenzó a surgir en la costa este . [15] [Nota 1] Esta nueva escena se vio principalmente en el área metropolitana de Nueva York y fue inicialmente dirigida por artistas urbanos contemporáneos que respondían a la sobrecomercialización y posterior desaparición de la cultura disco. El sonido que surgió se originó en el P-Funk [18], el lado electrónico de la música disco , dub y otros géneros. Gran parte de la música producida durante esta época estaba, como la música disco, dirigida a un mercado impulsado por los singles . [14] En este momento, el control creativo comenzó a trasladarse a compañías discográficas independientes, productores menos establecidos y DJ de clubes. [14] Otros estilos de baile que comenzaron a hacerse populares durante la era post-disco incluyen dance-pop , [19] [20] boogie , [14] electro , Hi-NRG , Italo disco , house , [19] [21] [22] [23] y tecno . [22] [24] [25] [26] [27]
A principios de la década de 1980, el electro (abreviatura de "electro-funk") surgió como una fusión de synth-pop , funk y boogie . También llamado electro-funk o electro-boogie, pero luego abreviado a electro, los pioneros citados incluyen a Ryuichi Sakamoto , Afrika Bambaataa , [54] Zapp , [55] D.Train , [56] y Sinnamon . [56] Los primeros hip hop y rap combinados con influencias del electropop alemán y japonés como Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra inspiraron el nacimiento del electro. [57] A medida que se desarrolló el sonido electrónico, instrumentos como el bajo y la batería fueron reemplazados por sintetizadores y, más notablemente, por cajas de ritmos icónicas , particularmente la Roland TR-808 y la Yamaha DX7 . [58] Los primeros usos del TR-808 incluyen varias pistas de Yellow Magic Orchestra en 1980-1981, la pista de 1982 " Planet Rock " de Afrika Bambaataa y la canción de 1982 " Sexual Healing " de Marvin Gaye . [59] En 1982, el productor Arthur Baker , con Afrika Bambaataa , lanzó el seminal " Planet Rock ", que fue influenciado por Yellow Magic Orchestra, usó muestras de Kraftwerk y tenía ritmos de batería proporcionados por el TR-808. A Planet Rock le siguió más tarde ese año otro disco electro revolucionario, " Nunk " de Warp 9 . En 1983, Hashim creó un sonido electro-funk con "Al-Naafyish (The Soul)" [54] que influyó en Herbie Hancock , dando como resultado su sencillo " Rockit " ese mismo año. Los primeros años de la década de 1980 fueron el apogeo del electro. Según el autor Steve Taylor, [60] Planet Rock de Afrika Bambaataa sirve como "modelo para toda la música dance interesante desde entonces". [60]
A principios de la década de 1980, los locutores de radio de Chicago The Hot Mix 5 y los DJ de club Ron Hardy y Frankie Knuckles tocaron varios estilos de música dance, incluidos discos disco más antiguos (principalmente temas Philly disco y Salsoul [61] ), temas electro funk de artistas como Afrika Bambaataa , [62] Italo disco más reciente , música hip hop B-Boy de Man Parrish , Jellybean Benitez , Arthur Baker y John Robie , y música pop electrónica de Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra . Algunos hicieron y tocaron sus propias ediciones de sus canciones favoritas en cintas de carrete a carrete y, a veces, mezclaron efectos, cajas de ritmos y otra instrumentación electrónica rítmica. La hipnótica canción de baile electrónica "On and On", producida en 1984 por el DJ de Chicago Jesse Saunders y coescrita por Vince Lawrence , tenía elementos que se convirtieron en elementos básicos del primer sonido house, como el sintetizador de bajo Roland TB-303 y voces minimalistas. así como una caja de ritmos Roland (concretamente TR-808 ) y un sintetizador Korg (concretamente Poly-61 ) .
"On and On" a veces se cita como el "primer disco house", [63] [64] aunque también se han citado otros ejemplos de esa época, como " Music is the Key " (1985) de JM Silk . . [65] La música house se extendió rápidamente a ciudades estadounidenses, incluidas Nueva York, Newark y Detroit, todas las cuales desarrollaron sus propias escenas regionales. A mediados y finales de la década de 1980, la música house se hizo popular en Europa, así como en las principales ciudades de América del Sur y Australia. [66] Chicago House experimentó cierto éxito comercial en Europa con lanzamientos como "House Nation" de House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987). Después de esto, se lanzaron una serie de lanzamientos inspirados en el house, como " Pump Up The Volume " de M|A|R|R|S (1987), " Theme from S'Express " de S'Express (1988) y " Doctorin' the House " de Coldcut (1988) entró en las listas de éxitos.
La instrumentación electrónica y los arreglos mínimos de Synthesizing : Ten Ragas to a Disco Beat (1982) de Charanjit Singh , un álbum de ragas indios interpretados en estilo disco, anticiparon los sonidos de la música acid house , pero no se sabe que hayan tenido cualquier influencia en el género antes del redescubrimiento del álbum en el siglo XXI. [67] [68] [69]
En la década de 1980, los DJ de Detroit Juan Atkins , Derrick May y Kevin Saunderson sentaron las bases de un nuevo estilo de música que se denominaría techno. Fusionaron la electrónica influenciada por el house de Chicago y los sonidos funk influenciados por Detroit (incluido Motown) con las vibraciones mecánicas de la ciudad postindustrial, creando el sonido techno de un ritmo de cuatro en el piso impulsado por un bombo en las negras y un caja o sombrero de copa en la segunda, cuarta u octava notas.
A mediados de la década de 1980, la música house prosperó en la pequeña isla balear de Ibiza, España . El sonido balear era el espíritu de la música que surgía en la isla en aquella época; la combinación de viejos discos de vinilo de rock, pop, reggae y disco combinados con una actitud de "todo vale" hicieron de Ibiza un centro de experimentación musical inducida por las drogas. [70] Un club llamado Amnesia, cuyo DJ residente, Alfredo Fiorito , pionero del house balear , era el centro de la escena. [71] Amnesia se hizo conocida en toda Europa y, entre mediados y finales de la década de 1980, atraía a personas de todo el continente. [72]
En 1988, la música house se había convertido en la forma más popular de música de club en Europa, y el acid house se desarrolló como una tendencia notable en el Reino Unido y Alemania ese mismo año. [73] En el Reino Unido, una subcultura establecida de fiestas en almacenes , centrada en la escena del sistema de sonido británico africano-caribeño, impulsó las fiestas clandestinas posteriores que presentaban música de baile exclusivamente. También en 1988, el ambiente de fiesta balear asociado con el DJ Alfredo de Ibiza fue transportado a Londres, cuando Danny Rampling y Paul Oakenfold abrieron los clubes Shoom y Spectrum, respectivamente. Ambos lugares se convirtieron en sinónimo de acid house, y fue durante este período que la MDMA ganó prominencia como droga de fiesta. Otros clubes importantes del Reino Unido incluyeron Back to Basics en Leeds , Leadmill and Music Factory de Sheffield y The Haçienda en Manchester, donde el spot de Mike Pickering y Graeme Park, Nude, fue un importante campo de pruebas para la música dance underground estadounidense. [Nota 1] [74] El éxito del house y el acid house allanó el camino para el Detroit Techno , un estilo que inicialmente fue apoyado por un puñado de clubes de música house en Chicago, Nueva York y el norte de Inglaterra, y los clubes de Detroit se pusieron al día más tarde. . [75] El término Techno entró en uso por primera vez después del lanzamiento de una compilación de 10 Records/Virgin Records titulada Techno: The Dance Sound of Detroit en 1988. [76]
Una de las primeras producciones de Detroit que recibió mayor atención fue " Strings of Life " (1987) de Derrick May, que, junto con el lanzamiento anterior de May, "Nude Photo" (1987), ayudó a elevar el perfil del techno en Europa, especialmente en el Reino Unido y Alemania. , durante el boom de la música house de 1987-1988 (ver Segundo verano del amor ). [77] Se convirtió en la canción más conocida de May, que, según Frankie Knuckles, "simplemente explotó. Era como algo que no puedes imaginar, el tipo de poder y energía que la gente obtuvo de ese disco cuando lo escucharon por primera vez. Mike Dunn dice que no tiene idea de cómo la gente puede aceptar un disco que no tiene una línea de bajo". [78] Según el DJ británico Mark Moore , "Strings of Life" llevó a los asistentes a los clubes londinenses a aceptar el house: "porque la mayoría de la gente odiaba la música house y todo era groove raro y hip hop... Yo tocaba 'Strings of Life' en el Mudd Club y despejar la pista". [79] [Nota 2] A finales de la década de 1980, el interés por el house, el acid house y el techno se intensificó en la escena de los clubes y los asistentes a los clubes alimentados por MDMA, que se enfrentaban a un horario de cierre a las 2 de la madrugada en el Reino Unido, comenzaron a buscar después. horas de refugio en fiestas en almacenes que duran toda la noche. En un año, en el verano de 1989, hasta 25.000 personas asistían a la vez a fiestas clandestinas organizadas comercialmente llamadas raves. [1]
El trance surgió de la escena rave en el Reino Unido a finales de los años 1980 y se desarrolló aún más a principios de los años 1990 en Alemania antes de extenderse por el resto de Europa, como una rama más melódica del techno y el house. [ cita necesaria ] Al mismo tiempo que la música trance se desarrollaba en Europa, el género también estaba ganando seguidores en el estado indio de Goa . [81] El trance es principalmente instrumental , aunque se pueden mezclar voces: normalmente son interpretadas por solistas femeninas de mezzosoprano a soprano, a menudo sin una estructura tradicional de verso/estribillo. La forma vocal estructurada en la música trance forma la base del subgénero del trance vocal , que ha sido descrito como "grandioso, altísimo y operístico" y "protagonistas femeninas etéreas flotando entre los sintetizadores". [82] [83] La música trance se divide en varios subgéneros que incluyen trance ácido , trance clásico, trance duro , trance progresivo , [84] y trance edificante . [84] [ cita necesaria ] El trance edificante también se conoce como "trance himno", "trance épico", [84] "trance comercial", "trance de estadio" o "trance eufórico", [85] y ha sido fuertemente influenciado. por la música clásica en los años 1990 [84] y 2000 por artistas destacados como Ferry Corsten , Armin Van Buuren , Tiësto , Push , Rank 1 y en la actualidad con el desarrollo del subgénero "trance edificante orquestal" o "trance edificante con orquesta sinfónica". " de artistas como Andy Blueman , Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone y Simon O'Shine, etc. Estrechamente relacionado con Uplifting Trance está el Euro-trance , que se ha convertido en un término general para una amplia variedad de música de baile europea altamente comercializada. Varios subgéneros se cruzan con otros géneros importantes de la música electrónica. Por ejemplo, Tech trance es una mezcla de trance y techno, y Vocal trance "combina elementos progresivos [del trance] con música pop". [84] El género del trance onírico se originó a mediados de la década de 1990, y su popularidad estaba entonces dirigida por Robert Miles .
AllMusic afirma sobre el trance progresivo: "el ala progresiva de la multitud del trance condujo directamente a un sonido más comercial y orientado a las listas de éxitos, ya que el trance nunca había disfrutado de mucha acción en las listas de éxitos en primer lugar. Enfatizando el sonido más suave del Eurodance o el house (y ocasionalmente más (que recuerda a Jean-Michel Jarre que a Basement Jaxx ), el Progressive Trance se convirtió en el sonido de las pistas de baile del mundo a finales del milenio. Los críticos ridiculizaron su enfoque en averías predecibles y su relativa falta de habilidad para mezclar ritmos, pero el trance progresivo fue azotado por el DJ más popular." [86]
A principios de la década de 1990, se desarrolló un estilo de música dentro de la escena rave que tenía una identidad distinta del house y el techno estadounidenses. Esta música, al igual que el hip-hop anterior, combinaba ritmos sincopados o breakbeats muestreados, otras muestras de una amplia gama de diferentes géneros musicales y, ocasionalmente, muestras de música, diálogos y efectos de películas y programas de televisión. En comparación con estilos anteriores de música de baile, como el house y el techno, la llamada "música rave" tendía a enfatizar los sonidos de bajo y utilizar tempos más rápidos o latidos por minuto (BPM). Este subgénero se conocía como rave "hardcore", pero ya en 1991, algunas pistas musicales compuestas por estos breakbeats de alto ritmo, con líneas de bajo pesadas y muestras de música jamaicana más antigua, se denominaron "jungle techno ", un género influenciado por Jack Smooth y Basement Records, y más tarde simplemente "jungle", que fue reconocido como un género musical separado, popular en raves y en la radio pirata en Gran Bretaña. Es importante señalar al hablar de la historia del drum & bass que antes del Jungle, la música rave era cada vez más rápida y experimental.
En 1994, la jungla había comenzado a ganar popularidad y los fanáticos de la música (a menudo denominados junglistas ) se convirtieron en una parte más reconocible de la subcultura juvenil. El género se desarrolló aún más, incorporando y fusionando elementos de una amplia gama de géneros musicales existentes, incluido el sonido raggamuffin , el dancehall , los cánticos de MC , las líneas de bajo dub y la percusión breakbeat cada vez más compleja y muy editada. A pesar de su afiliación con la escena rave impulsada por el éxtasis, Jungle también heredó algunas asociaciones con la violencia y la actividad criminal, tanto de la cultura de pandillas que había afectado la escena hip-hop del Reino Unido como como consecuencia del sonido y los temas a menudo agresivos o amenazantes de Jungle. violencia (normalmente reflejada en la elección de las muestras). Sin embargo, esto se desarrolló junto con la reputación, a menudo positiva, de la música como parte de la escena rave más amplia y de la cultura musical jamaicana basada en los salones de baile que prevalece en Londres. En 1995, ya sea como reacción o independientemente de este cisma cultural, algunos productores de la jungla comenzaron a alejarse del estilo influenciado por el ragga y crearon lo que sería denominado colectivamente, por conveniencia, como drum and bass. [87]
Dubstep es un género de música electrónica de baile que se originó en el sur de Londres a finales de los años 1990. Generalmente se caracteriza por patrones rítmicos escasos y sincopados con líneas de bajo que contienen frecuencias de subgraves prominentes. El estilo surgió como una rama del garage británico , basándose en un linaje de estilos relacionados como 2-step , dub reggae , Jungle , Broken Beat y Grime . [88] [89] En el Reino Unido, los orígenes del género se remontan al crecimiento de la escena de fiestas con sistemas de sonido jamaicanos a principios de los años 1980. [89] [90]
Los primeros lanzamientos de dubstep conocidos se remontan a 1998 y, por lo general, aparecían como caras B de lanzamientos de sencillos de garage de 2 pasos . Estas pistas eran remezclas más oscuras y experimentales con menos énfasis en las voces e intentaban incorporar elementos de breakbeat y drum and bass en 2-step. En 2001, esta y otras variedades de música garage oscura comenzaron a exhibirse y promocionarse en el club nocturno Plastic People de Londres, en la noche "Forward" (a veces estilizada como FWD>>), que pasó a ser considerada influyente en el desarrollo del dubstep. . El término "dubstep" en referencia a un género musical comenzó a ser utilizado alrededor de 2002 por sellos como Big Apple, Ammunition y Tempa, momento en el que las tendencias estilísticas utilizadas en la creación de estos remixes comenzaron a volverse más notorias y distintas de 2- paso y suciedad . [91]
El electro house es una forma de música house caracterizada por una línea de bajo o bombo prominente y un tempo entre 125 y 135 latidos por minuto, generalmente 128. [92] [93] [94] Sus orígenes estuvieron influenciados por el electro . [ cita necesaria ] El término se ha utilizado para describir la música de muchos DJ Mag Top 100 DJ , incluidos Dimitri Vegas & Like Mike , Hardwell , Skrillex , [95] [96] y Steve Aoki . [97] El DJ italiano Benny Benassi , con su tema " Satisfaction " lanzado en 2002, es visto como el precursor del electro-house que lo llevó a la corriente principal. [98] A mediados de la década de 2000, el electro-house experimentó un aumento en popularidad, con éxitos como el remix de Tom Neville de "I See Girls" de Studio B en 2005 (Reino Unido #11). En noviembre de 2006, los temas electro-house " Put Your Hands Up for Detroit " de Fedde Le Grand y el remix de D. Ramirez de " Yeah Yeah " de Bodyrox y Luciana ocuparon los puestos número uno y dos, respectivamente, en el top del Reino Unido. Lista de 40 sencillos. [99] Desde entonces, han surgido productores de electro-house como Feed Me , Knife Party , The M Machine , Porter Robinson , Yasutaka Nakata [100] y Dada Life .
La música trap se originó en el techno , el dub y el house holandés , pero también en la rama original del hip hop sureño de finales de la década de 2000 y principios de la de 2010. Esta forma de música trap se puede simplificar con estas tres características: "1/3 de hip hop (el tempo y la estructura de la canción son similares, la mayoría de las pistas suelen tener entre 70 y 110 bpm), con las voces a veces bajadas, 1/3 de música dance - trabajo de sintetizador holandés de tono alto, muestreo de estilo duro, así como una gran cantidad de remezclas de trap de canciones populares de EDM y doblaje de 1/3 (enfoque de baja frecuencia y fuerte énfasis en la repetitividad a lo largo de una canción)". [101] Algunos de los artistas que popularizaron este género, junto con varios otros, son productores como RL Grime con los temas "Core" y "Scylla" lanzados en 2014, Flosstradamus con su álbum Hdynation Radio lanzado en 2015 y Carnage con su pista "Turn Up" lanzada en 2012. [101] La música trap en esta connotación se caracterizó por "sintetizadores conmovedores, 808, flauta de pan, trampas afiladas y vocales largas arrastradas por el almíbar" que creaban ritmos sucios y agresivos que resultaban en "oscuros". melodías". El trap ahora se utiliza principalmente para crear remezclas de canciones ya existentes. [102] [101]
En 1980, el productor inglés Richard James Burgess , y su banda Landscape , utilizaron el término en la portada del sencillo "European Man": "Electronic Dance Music... EDM; computadora programada a la perfección para tu placer auditivo". En respuesta a una pregunta sobre si se le atribuye haber acuñado el término New Romantic, Burgess declaró que: "Inicialmente estaba usando tres términos: futurista, música electrónica de baile (los sencillos de Landscape tienen EDM impreso) y New Romantic". [103] [104]
En un artículo en The Guardian , el periodista Simon Reynolds señaló que la adopción del término EDM por parte de la industria musical estadounidense a finales de la década de 2000 fue un intento de cambiar la marca de la "cultura rave" estadounidense y diferenciarla de la escena rave de la década de 1990. Ha sido descrita como una era de la música electrónica, descrita en un artículo de MixMag como "el sonido del escenario principal masivamente comercial, que llena estadios, agita los puños, encabeza las listas y es masivamente comercial que conquistó Estados Unidos... posiblemente en algún lugar". entre electro y house progresivo, dirigida por Michael Bay, y como muchos géneros musicales, intentar precisar exactamente es como intentar agarrar un puñado de agua". [105] En el Reino Unido, "música dance" o "dance" son términos más comunes para EDM. [4] Lo que se percibe ampliamente como "música de club" ha cambiado con el tiempo; ahora incluye diferentes géneros y es posible que no siempre abarque el EDM. De manera similar, la "música de baile electrónica" puede significar cosas diferentes para diferentes personas. Tanto "música de club" como "EDM" parecen vagos, pero los términos a veces se utilizan para referirse a géneros distintos y no relacionados (la música de club se define por lo que es popular, mientras que la EDM se distingue por los atributos musicales). [96] Aunque Billboard estrenó una lista de "baile" en 1974, la industria musical estadounidense más grande no creó listas de música hasta finales de la década de 1990. [93] En julio de 1995, Nervous Records y Project X Magazine organizaron la primera ceremonia de premios, llamándola "Premios de Música Electrónica de Baile". [Nota 4]
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La música electrónica de baile generalmente se compone y produce en un estudio de grabación con equipos especializados como samplers , sintetizadores, unidades de efectos y controladores MIDI, todos configurados para interactuar entre sí mediante el protocolo MIDI . En los inicios del género, se utilizaban instrumentos musicales electrónicos de hardware y la producción se centraba principalmente en la manipulación de datos MIDI en lugar de la manipulación de señales de audio. Desde finales de la década de 1990, el uso de software ha aumentado. Un estudio de producción de música electrónica moderno generalmente consta de una computadora que ejecuta una estación de trabajo de audio digital (DAW), con varios complementos instalados, como sintetizadores de software y unidades de efectos, que se controlan con un controlador MIDI, como un teclado MIDI . Esta configuración suele ser suficiente para completar producciones enteras, que luego están listas para su masterización . [106]
Un productor fantasma es un productor musical contratado en un acuerdo comercial que produce una canción para otro DJ/artista que la lanza como propia, [107] generalmente bajo un contrato que les impide identificarse como parte del personal de la canción. [108] Los productores fantasma reciben una simple tarifa o pagos de regalías por su trabajo y, a menudo, pueden trabajar con su preferencia de no tener la intensa presión de la fama y el estilo de vida de un DJ reconocido internacionalmente. [107] Un productor fantasma puede aumentar su notoriedad en la industria de la música al familiarizarse con DJ y productores establecidos de "renombre". [107] Productores como Martin Garrix y Porter Robinson a menudo se destacan por su trabajo de producción fantasma para otros productores, mientras que David Guetta y Steve Aoki se destacan por el uso de productores fantasma en sus canciones, mientras que DJ como Tiësto han estado acreditando abiertamente a sus productores en un intentar evitar la censura y por la transparencia. [109]
Muchos productores fantasmas firman acuerdos que les impiden trabajar para nadie más o establecerse como solistas. [110] Estos acuerdos de confidencialidad a menudo se consideran predatorios porque los productores fantasma, especialmente los productores adolescentes, no comprenden la industria de la música. [110] El productor londinense Mat Zo ha alegado que los DJ que contratan productores fantasmas "han pretendido hacer su propia música y [nos han dejado] a nosotros, los productores reales, luchando". [111]
Un productor de dormitorio es un músico independiente que crea música electrónica en su computadora portátil o en un estudio casero. A diferencia de los estudios de grabación tradicionales, los productores de dormitorio suelen utilizar software y equipos accesibles y de bajo costo que pueden permitir que la música se cree completamente "en la caja", sin hardware externo. [112]
Inicialmente, la popularización de la música electrónica de baile se asoció con la cultura rave y de clubes europea y logró una exposición popular limitada en los Estados Unidos. A mediados y finales de la década de 1990, esto comenzó a cambiar cuando la industria musical estadounidense se esforzó por comercializar una variedad de géneros de baile como " electrónica ". [113] En ese momento, una ola de bandas de música electrónica del Reino Unido, incluidas The Prodigy , The Chemical Brothers , Fatboy Slim y Underworld , se habían asociado prematuramente con una "revolución electrónica estadounidense". [114] [115] Pero en lugar de encontrar un éxito generalizado, muchos actos de EDM establecidos fueron relegados a los márgenes de la industria estadounidense . [114] En 1998, el álbum de Madonna Ray of Light , fuertemente influenciado por las tendencias de la música de club y producido con el productor británico William Orbit , atrajo la música dance a la atención de los oyentes de música popular. [116] [117] A finales de la década de 1990, a pesar del interés de los medios estadounidenses en la música dance rebautizada como electrónica, los productores estadounidenses de house y techno continuaron viajando al extranjero para establecer sus carreras como DJ y productores. [114] Según el periodista del New York Times Kelefa Sanneh, el sencillo de Aaliyah de 2000 " Try Again " "ayudó a introducir de contrabando las técnicas innovadoras de la música electrónica de baile en las listas de éxitos estadounidenses" [118]
A mediados de la década de 2000, el productor holandés Tiësto estaba atrayendo la atención mundial hacia el EDM después de proporcionar una banda sonora para la entrada de los atletas durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2004 , un evento que The Guardian consideró como uno de los 50 eventos más importantes de la historia. música dance. [119] En 2003, la influencia de la música dance en la radio estadounidense dio como resultado que Billboard creara la primera lista Dance/Mix Show Airplay . [120] En 2005, la prominencia de la música dance en la cultura popular norteamericana había aumentado notablemente. Según Spin , la actuación de Daft Punk en Coachella en 2006 fue el "punto de inflexión" para el EDM: presentó al dúo a una nueva generación de "niños del rock". [114] Como señaló Entertainment Weekly , " SexyBack " de Justin Timberlake ayudó a introducir los sonidos EDM en las 40 mejores radios , ya que reunió variaciones de música electrónica de baile con los sonidos R&B del cantante. [121] [122] En 2009, el músico house francés David Guetta comenzó a ganar prominencia en la música pop convencional gracias a varios éxitos cruzados en las listas Top 40 como " When Love Takes Over " con Kelly Rowland , [123] así como su colaboraciones con grupos de pop y hip hop estadounidenses como Akon (" Sexy Bitch ") y The Black Eyed Peas (" I Gotta Feeling "). [124] El sitio web para compartir música SoundCloud , así como el sitio web para compartir vídeos YouTube, también ayudaron a alimentar el interés en la música electrónica. El productor de dubstep Skrillex popularizó un sonido más duro llamado " Brostep ", que había generado comparaciones con la agresión y el tono del heavy metal . [3] [125] [126] [127]
Con la creciente popularidad de la música electrónica de baile, los promotores y los locales se dieron cuenta de que los DJ podían generar mayores ganancias que los músicos tradicionales; Diplo explicó que "una banda toca [durante] 45 minutos; los DJ pueden tocar durante cuatro horas. Bandas de rock: hay algunos tipos principales que pueden tocar en lugares con capacidad para entre 3.000 y 4.000 personas, pero los DJ tocan en los mismos lugares, hacen que la multitud se vuelva loca". "En dos ocasiones, la gente compra bebidas durante toda la noche a precios más altos; es una situación en la que todos ganan". [114] Los festivales de música electrónica, como Electric Daisy Carnival (EDC) en Las Vegas y Ultra Music Festival en Miami también crecieron en tamaño, poniendo un mayor énfasis en las experiencias visuales y en los DJ que habían comenzado a alcanzar el estatus de celebridad. [3] [125] Otros actos importantes que ganaron prominencia, incluidos Avicii y Swedish House Mafia , realizaron giras por lugares importantes como arenas y estadios en lugar de tocar en clubes; En diciembre de 2011, Swedish House Mafia se convirtió en el primer grupo de música electrónica en agotar las entradas del Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York . [125]
En 2011, Spin declaró una "nueva generación rave" liderada por artistas como David Guetta, Deadmau5 y Skrillex . [114] En enero de 2013, Billboard presentó una nueva lista de canciones electrónicas y de baile centrada en EDM , que rastrea las 50 mejores canciones electrónicas según las ventas, la difusión por radio, la reproducción en clubes y la transmisión en línea . [128] Según Eventbrite, es más probable que los fanáticos del EDM utilicen las redes sociales para descubrir y compartir eventos o conciertos. También descubrieron que el 78% de los fans dicen que es más probable que asistan a un evento si sus compañeros lo hacen, en comparación con el 43% de los fans en general. El EDM tiene muchos fanáticos jóvenes y sociales. [129] A finales de 2011, Music Trades describía la música electrónica de baile como el género de más rápido crecimiento en el mundo. [130] Elementos de la música electrónica también se volvieron cada vez más prominentes en la música pop. [114] La radio y la televisión también contribuyeron a la aceptación generalizada de la música dance. [131]
La consolidación corporativa en la industria EDM comenzó en 2012, especialmente en términos de eventos en vivo. En junio de 2012, el ejecutivo de medios Robert F. X. Sillerman , fundador de lo que ahora es Live Nation , relanzó SFX Entertainment como un conglomerado de EDM y anunció su plan de invertir mil millones de dólares para adquirir negocios de EDM. Sus adquisiciones incluyeron promotores y festivales regionales (incluido ID&T , que organiza Tomorrowland ), dos operadores de clubes nocturnos en Miami y Beatport , una tienda de música en línea que se enfoca en música electrónica. [132] [133] Live Nation también adquirió Cream Holdings y Hard Events , y anunció una "asociación creativa" con los organizadores de EDC, Insomniac Events , en 2013 que le permitiría acceder a sus recursos sin dejar de ser una empresa independiente; [134] El director ejecutivo de Live Nation, Michael Rapino, describió el EDM como el "[nuevo] rock 'n' roll ". [113] [135] [136]
El conglomerado de radio estadounidense iHeartMedia, Inc. (anteriormente Clear Channel Media and Entertainment) también hizo esfuerzos para alinearse con EDM. En enero de 2014, contrató al destacado DJ británico y personalidad de BBC Radio 1, Pete Tong , para producir programación para su marca de radio dance "Evolution" , [137] y anunció una asociación con SFX para coproducir conciertos en vivo y programación original orientada a EDM para su 40 estaciones de radio principales. El presidente de iHeartMedia, John Sykes, explicó que quería que las propiedades de su empresa fueran el "mejor destino [para EDM]". [138] [139]
Las grandes marcas también han utilizado el fenómeno EDM como medio para dirigirse a los millennials [140] [141] [142] [143] y las canciones y artistas de EDM han aparecido cada vez más en programas y anuncios de televisión. [144] El manager de Avicii, Ash Pournouri, comparó estas prácticas con la comercialización del hip-hop a principios de la década de 2000. [144] Heineken tiene una relación de marketing con el Ultra Music Festival y ha incorporado a los productores holandeses Armin van Buuren y Tiësto en sus campañas publicitarias. Anheuser-Busch tiene una relación similar como patrocinador de cerveza de los eventos de SFX Entertainment . [144] En 2014, 7 Up lanzó "7x7Up", una campaña multiplataforma basada en EDM que incluía contenido digital, publicidad con productores y escenarios de marca en Ultra y Electric Daisy Carnival. [140] [145] [146] El proveedor de servicios inalámbricos T-Mobile US celebró un acuerdo con SFX para convertirse en el patrocinador inalámbrico oficial de sus eventos y se asoció con Above & Beyond para patrocinar su gira de 2015. [141]
En agosto de 2015, SFX comenzó a experimentar caídas en su valor [147] y una oferta fallida del director ejecutivo Sillerman para privatizar la empresa. La empresa comenzó a buscar alternativas estratégicas que podrían haber resultado en la venta de la empresa. [148] [149] En octubre de 2015, Forbes declaró la posibilidad de una " burbuja " de EDM, a raíz de las caídas en SFX Entertainment, la desaceleración del crecimiento de los ingresos, los crecientes costos de organización de festivales y contratación de talentos, así como una sobresaturación de festivales en el este y oeste de Estados Unidos. El director general de Insomniac, Pasquale Rotella, consideró que la industria podría superar la incertidumbre financiera del mercado en general centrándose en la "innovación" y entrando en nuevos mercados. [150] A pesar de los pronósticos de que el interés en la popular electroerosión disminuiría, en 2015 se estimó que era una industria de £5,5 mil millones en los EE. UU., un 60% más en comparación con las estimaciones de 2012. [151]
SFX salió de la quiebra en diciembre de 2016 como LiveStyle , bajo el liderazgo de Randy Phillips, ex ejecutivo de AEG Live . [152] [153] La compañía comenzó a desinvertir lentamente sus activos de música en vivo en 2018, incluida la venta de sus participaciones en Rock in Rio (que había comprado como parte de un intento de edición del festival en Las Vegas ), [154] [155 ] y posteriormente otros promotores propiedad de SFX como ID&T [156] [157] y React Presents. [158] Phillips renunció como director ejecutivo en 2019 para dedicarse a otros proyectos. [159]
Tras la popularización del EDM en Estados Unidos, varios productores y DJ, incluidos Carl Cox , Steve Lawler y Markus Schulz , expresaron su preocupación de que la percepción de una excesiva comercialización de la música dance hubiera afectado el arte de pinchar. Cox consideró que el enfoque de "presionar y reproducir" adoptado por los nuevos DJ de EDM no era representativo de lo que él llamó un "ética de DJ". [125] Escribiendo en Mixmag , el DJ Tim Sheridan argumentó que los "DJ de botón" que utilizan la sincronización automática y reproducen conjuntos pregrabados de "éxitos obvios" resultaron en una situación superada por "el espectáculo, el dinero y el mundo del espectáculo". [160]
Algunos productores house admitieron abiertamente que la EDM "comercial" necesitaba una mayor diferenciación y creatividad. Avicii, cuyo álbum True de 2013 incluía canciones que incorporaban elementos de bluegrass , como el sencillo principal " Wake Me Up ", afirmó que la mayoría del EDM carecía de "longevidad". [161] Deadmau5 criticó la homogeneización del EDM popular y sugirió que "todo suena igual". Durante el Ultra Music Festival de 2014, Deadmau5 hizo comentarios críticos sobre el prometedor artista de EDM Martin Garrix y luego tocó una versión editada de " Animals " de Garrix remezclada con la melodía de " Old McDonald Had a Farm ". Posteriormente, Tiësto criticó a Deadmau5 en Twitter por mezclar "sarcásticamente" " Levels " de Avicii con su propio " Ghosts 'n' Stuff " (en referencia a ser una sustitución de última hora de Avicii en la programación del festival debido a un problema médico), para a lo que Deadmau5 preguntó si tocar una canción "sarcásticamente" implicaba " burlarse mientras se presiona el botón de sincronización". [162] [163] [164] [165]
En mayo de 2014, la serie de comedia de NBC Saturday Night Live parodió los estereotipos de la cultura EDM y los DJ pulsadores en un corto digital titulado ¿Cuándo caerá el bajo? . Presentaba a un DJ que realiza actividades cotidianas (jugar un juego de computadora, freír huevos, recolectar dinero) y luego presiona un botón gigante "BASS", que explota las cabezas de los asistentes al concierto. [166] [167] [168]
Después de años de rápido crecimiento, el popular mercado estadounidense de EDM comenzó a decaer en 2016, cuando varios artistas famosos por producir el llamado electro-house de 'gran sala' comenzaron a diversificarse estilísticamente. Dos de esos DJs, David Guetta y Showtek , hicieron referencia directa a este desarrollo en un sencillo de influencia techno lanzado en abril de 2016 titulado 'The Death of EDM'. [169] A finales de la década de 2010, la posición de la EDM como fuerza dominante en la música popular convencional comenzó a estabilizarse a medida que fue desplazada por otros estilos. [105] [170]
En mayo de 2015, el Informe Comercial de la Cumbre Internacional de Música estimó que la industria mundial de la música electrónica había alcanzado un valor de casi 6.900 millones de dólares; el recuento incluyó ventas de música, ingresos por eventos (incluidos clubes nocturnos y festivales), la venta de equipos y software para DJ y otras fuentes de ingresos. El informe también identificó varios mercados emergentes para la música electrónica de baile, incluidos el este de Asia, India y Sudáfrica, atribuidos principalmente a inversiones de intereses nacionales, así como estadounidenses y europeos. Varios festivales importantes también comenzaron a expandirse a América Latina. [171]
En Ghana , África Occidental, un artista llamado Djsky introdujo el EDM en 2015, presente y organizó festivales y eventos exitosos como Hey Ibiza, Sunset music Festival, Sky show y más. [172] [173] [174] [175] En una entrevista con WatsUp TV , Djsky reveló que fue el primero en introducir la música electrónica y la danza en la música de Ghana. [176] [177]
En Etiopía , el EDM se ha convertido en parte de la música convencional después del avance en 2018 de un joven artista llamado Rophnan que incorporó el sonido EDM con ritmos y melodías tradicionales. [178] En sus programas, decenas de miles de jóvenes llenaban estadios en todo el país y las radios comenzaron a tocar el género emergente. [179] [180]
China es un mercado en el que inicialmente la electroerosión había hecho relativamente pocos avances; Aunque los promotores creían que la música, en su mayoría instrumental, eliminaría la barrera metafórica del idioma , el crecimiento del EDM en China se vio obstaculizado por la falta de una cultura rave prominente en el país como en otras regiones, así como por la popularidad del pop chino nacional sobre el extranjero. artistas. El ex ejecutivo de Universal Music Eric Zho, inspirado por el crecimiento de Estados Unidos, realizó las primeras inversiones significativas en música electrónica en China, incluida la organización del festival Storm inaugural de Shanghai en 2013, y la firma de un acuerdo de patrocinio principal para el festival con Budweiser de Anheuser-Busch. marca, una búsqueda de talentos locales y la organización de colaboraciones entre productores de EDM y cantantes chinos, como "Lose Myself" de Avicii y Wang Leehom . En los años siguientes, comenzó a aparecer un mayor número de eventos de EDM en China, y el propio Storm también fue precedido por un mayor número de fiestas previas en 2014 que en su año inaugural. Un nuevo informe publicado durante la Cumbre Internacional de Música de China inaugural en octubre de 2015 reveló que la industria china de EDM estaba experimentando ganancias modestas, citando el mayor número de eventos (incluidas nuevas marcas importantes de festivales como Modern Sky y YinYang), un aumento del 6% en las ventas de música electrónica en el país, y el importante tamaño del mercado general. Zho también creía que el clima político "práctico" del país, así como las inversiones de China en eventos culturales, ayudaron a "fomentar" el crecimiento de la música electrónica en el país. [181] [182]
En la década de 1980, la música electrónica de baile se tocaba a menudo en fiestas rave clandestinas ilegales celebradas en lugares secretos, por ejemplo, almacenes, hangares de aviones abandonados, campos y otras áreas grandes y abiertas. En las décadas de 1990 y 2000, aspectos de la cultura rave underground de los años 1980 y principios de los 1990 comenzaron a evolucionar hacia conciertos y festivales de EDM legítimos y organizados . Los principales festivales suelen presentar una gran cantidad de actos que representan varios géneros de EDM repartidos en varios escenarios. Los festivales han puesto un mayor énfasis en los espectáculos visuales como parte de sus experiencias generales, incluidos diseños de escenarios elaborados con temáticas subyacentes, sistemas de iluminación complejos, espectáculos de láser y pirotecnia . La moda rave también evolucionó entre los asistentes, que The Guardian describió como haber progresado desde el "kandi raver" de la década de 1990 hasta "[una] imagen elegante y sexificada pero también kitsch-surrealista a medio camino entre Venice Beach y el Cirque du Soleil , Willy Wonka y el orgullo gay". desfile ". [3] [125] [145] Estos eventos se diferenciaban de las raves clandestinas por su naturaleza organizada, que a menudo se llevaban a cabo en lugares importantes y con medidas para garantizar la salud y seguridad de los asistentes. [184] Rawley Bornstein de MTV describió la música electrónica como "el nuevo rock and roll", [185] al igual que el organizador de Lollapalooza, Perry Farrell . [186]
Ray Waddell de Billboard señaló que los promotores de festivales han hecho un excelente trabajo en materia de branding . [185] Se ha demostrado que los festivales más grandes tienen impactos económicos positivos en sus ciudades anfitrionas [184] el Ultra Music Festival 2014 atrajo a 165.000 asistentes (y más de $223 millones) a la economía de la región de Miami/ Sur de Florida . [146] La edición inaugural de TomorrowWorld , una versión estadounidense del festival Tomorrowland de Bélgica , aportó 85,1 millones de dólares al área de Atlanta , tantos ingresos como la celebración de la Final Four de la NCAA (las semifinales y los juegos de campeonato nacional de la NCAA) . Torneo de baloncesto masculino de la División I ) a principios de año. [187] EDC Las Vegas impulsó la economía del condado de Clark en 350,3 millones de dólares solo en 2015, con más de 405.000 asistentes durante tres días (del 19 al 21 de junio). [188]
La popularidad del EDM y los festivales también llevó a algunos festivales de múltiples géneros no fuertemente asociados con la música electrónica, como Coachella y Lollapalooza , a agregar más actos electrónicos a su programación. A menudo tocan en escenarios específicos de EDM, pero grupos importantes como Deadmau5 , Calvin Harris y Subtronics han aparecido como cabezas de cartel en los escenarios principales de Lollapalooza y Coachella, respectivamente, ubicaciones que generalmente se asocian con actos de rock y alternativos . [189] [190] Russell Smith de The Globe and Mail consideró que la industria de los festivales comerciales era una antítesis de los principios originales de la subcultura rave, citando "las entradas caras, los patrocinadores corporativos gigantes, la cultura grosera de los hermanos: chicos musculosos sin camisa". que pasean por los estadios, diminutas chicas populares en bikini que cabalgan sobre sus hombros, sin mencionar la música cursi en sí." [191] Los incidentes relacionados con las drogas, así como otras quejas relacionadas con el comportamiento de los asistentes, han contribuido a las percepciones negativas y la oposición a los eventos de música electrónica por parte de las autoridades locales. [191] [192]
Después del Ultra Music Festival 2014, donde una multitud de intrusos pisotearon a un guardia de seguridad en su primer día, los comisionados de la ciudad de Miami consideraron prohibir la celebración del festival en la ciudad, citando el incidente de pisoteo, el comportamiento lascivo y las quejas de los residentes del centro de haber sido acosados. por los asistentes. Los comisionados votaron para permitir que Ultra continúe celebrándose en Miami debido a sus efectos económicos positivos, bajo la condición de que sus organizadores aborden la seguridad, el uso de drogas y el comportamiento lascivo de los asistentes. [193] [194] [195] En 2018, después de continuas preocupaciones, los comisionados votaron para prohibir que el festival se llevara a cabo en Bayfront Park y el centro de Miami, [196] [197] [198] pero posteriormente aprobaron una propuesta para trasladar el evento a una de las islas barrera de Miami , Virginia Key . [199] Después del festival, que se vio afectado por problemas de transporte (ya que solo hay un enlace vehicular entre Virginia Key y Miami continental) y otros problemas, Ultra se retiró del acuerdo y negoció un acuerdo para regresar a Bayfront Park. [200] [201] El sello discográfico británico centrado en Jungle and Drum and Bass, Hospital Records, organiza un festival llamado Hospitality [202] en clubes y otros lugares repartidos por el Reino Unido y otros países con gran influencia EDM. Estos eventos suelen ser conciertos de artistas de la lista de músicos del disco.
Debido a la pandemia de COVID-19 , la cancelación de festivales, acompañada de restricciones de distanciamiento social, ha impactado negativamente la actividad económica de los festivales y la industria musical. [203] Los festivales están obligados a contar con normas de salud y seguridad, así como abordar la gestión de crisis y riesgos, ya que son de alto riesgo debido a la masa de gente que asiste. Como resultado, se ha vuelto normal que los festivales o actuaciones se transmitan en línea. [203]
Durante 2020, todos los grandes festivales de música EDM fueron pospuestos o cancelados debido a la pandemia de COVID-19. El 4 de marzo de 2020, Ultra Miami fue el primer festival de música electrónica de baile en cancelar un evento ya que el evento no podía cumplir con las reglas de capacidad del estado y los protocolos y regulaciones de seguridad del condado. [204] El 21 de abril de 2020, el festival de música Electric Forest en Rothbury, Michigan, reprogramó su evento del 25 al 27 de junio de 2020 a junio de 2021 debido a problemas de salud. [205] El 9 de julio de 2020, el alcalde de la ciudad de Nueva York, Bill de Blasio, decidió que todos los eventos importantes se suspenderán hasta el 30 de septiembre. [206] Como resultado, Electric Zoo 2020, que se lleva a cabo en Randall's Island en la ciudad de Nueva York durante Fin de semana del Día del Trabajo, cancelaron por completo su evento de 2020.
Electric Daisy Carnival Las Vegas (EDC), el festival de música dance más grande de América del Norte, estaba programado para realizarse del 15 al 17 de mayo de 2020. En abril, EDC pospuso su evento de mayo al 2 al 4 de octubre de 2020, y luego declaró 2 de agosto que EDC Las Vegas 2020 quedaría oficialmente cancelado. [207] En cambio, el director ejecutivo de EDC, Pasquale Rotella, anunció la celebración del 25 aniversario de EDC del 21 al 23 de mayo de 2021. [208] El 9 de abril de 2021, EDC aún no había publicado su programación ni los protocolos de seguridad COVID-19 para el evento. en mayo de 2021. [209] El 20 de abril de 2021, Rotella pospuso el festival del 22 al 24 de octubre de 2021. [210]
Las cancelaciones de estos eventos perjudican económicamente a la industria musical y a las empresas que organizan estos eventos. EDC 2020 originalmente agotó las 200.000 entradas para su primer evento, pero ofreció devoluciones completas para aquellos que no pudieron asistir a las nuevas fechas. [211] Electric Zoo incluyó un incentivo para que los clientes conservaran su boleto al proporcionar $50 adicionales para boletos de admisión general y $100 para boletos VIP para gastar en mercadería y comida en el recinto del festival. [212] La mayoría de las compañías de festivales de música ofrecieron transferir el boleto a su próximo evento o dar reembolsos completos a aquellos que no pudieron asistir, pero finalmente perdieron muchos clientes debido a la incertidumbre de COVID-19. [203]
La música dance tiene una larga asociación con el uso de drogas recreativas , [213] particularmente con una amplia gama de drogas que han sido categorizadas bajo el nombre de " drogas de club ". Russell Smith señaló que la asociación de drogas y subculturas musicales no era de ninguna manera exclusiva de la música electrónica, citando ejemplos anteriores de géneros musicales que estaban asociados con ciertas drogas, como el rock psicodélico y el LSD , la música disco y la cocaína , y la música punk y la heroína. . [191]
La metilendioximetanfetamina (MDMA), también conocida como éxtasis, "E" o "Molly", a menudo se considera la droga preferida dentro de la cultura rave y también se usa en clubes, festivales y fiestas caseras . [214] En el ambiente rave, los efectos sensoriales de la música y la iluminación suelen ser altamente sinérgicos con la droga. La calidad de anfetamina psicodélica de la MDMA ofrece múltiples razones para su atractivo para los consumidores en el entorno "rave". Algunos usuarios disfrutan de la sensación de comunión masiva gracias a los efectos reductores de la inhibición de la droga, mientras que otros la utilizan como combustible para fiestas debido a los efectos estimulantes de la droga. [215] Otra droga para-metoxianfetamina (4-MA) también conocida como éxtasis rosa, PMA, "Muerte" o "Dr. Muerte", es similar a la MDMA pero pueden tardar hasta una hora en producir efectos, lo que puede provocar hipertermia y posteriormente insuficiencia orgánica. A las personas que toman PMA a menudo se les confunde con MDMA. [216] [217]
En ocasiones, se sabe que la MDMA se toma junto con drogas psicodélicas. Las combinaciones más comunes incluyen MDMA combinada con LSD , MDMA combinada con DMT , MDMA con hongos psilocibina y MDMA con la droga disociativa ketamina . Muchos usuarios utilizan productos mentolados mientras toman MDMA por su sensación refrescante mientras experimentan los efectos de la droga. Los ejemplos incluyen cigarrillos mentolados, Vicks VapoRub , NyQuil , [218] y pastillas para chupar .
La incidencia de la ketamina no médica ha aumentado en el contexto de raves y otras fiestas. [219] Sin embargo, su aparición como droga de discoteca difiere de otras drogas de discoteca (por ejemplo, MDMA ) debido a sus propiedades anestésicas ( por ejemplo , dificultad para hablar, inmovilización) en dosis más altas; [220] Además, hay informes de que la ketamina se vende como "éxtasis". [221] También se ha documentado el uso de ketamina como parte de una "experiencia posterior a una discoteca". [222] El ascenso de la ketamina en la cultura de la danza fue rápido en Hong Kong a finales de la década de 1990. [220] Antes de convertirse en una sustancia controlada a nivel federal en los Estados Unidos en 1999, la ketamina estaba disponible como preparaciones farmacéuticas desviadas y como polvo puro vendido en grandes cantidades por empresas nacionales de suministro de productos químicos. [223] Gran parte de la ketamina actual desviada para uso no médico se origina en China y la India. [223]
En importantes conciertos y festivales de música electrónica se han producido varias muertes atribuidas al aparente consumo de drogas. El Los Angeles Memorial Coliseum incluyó a Insomniac Events en la lista negra después de que un asistente menor de edad muriera por "complicaciones de encefalopatía isquémica debido a la intoxicación por metilendioximetanfetamina " durante el Electric Daisy Carnival 2010; como resultado, el evento se trasladó a Las Vegas al año siguiente. [224] [184] [225] [226] [227] Muertes relacionadas con drogas durante Electric Zoo 2013 en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos, y Future Music Festival Asia 2014 en Kuala Lumpur , Malasia , provocaron el último día de ambos eventos. [226] [228] mientras que Life in Color canceló un evento planeado en Malasia debido a la preocupación por el incidente y otras muertes relacionadas con las drogas que ocurrieron en los conciertos A State of Trance 650 en Yakarta , Indonesia. [229] [230] [231]
En septiembre de 2016, la ciudad de Buenos Aires , Argentina, prohibió todos los eventos de música electrónica, en espera de legislación futura, después de cinco muertes relacionadas con drogas y cuatro heridos en un evento del Time Warp Festival en la ciudad en abril de 2016. La prohibición obligó a la banda electrónica Kraftwerk a cancelar un concierto previsto en la ciudad, a pesar de argumentar que había diferencias entre un festival y sus conciertos. [232] [233]
(alfabético)
Alrededor de 1986/7, después de la explosión inicial de la música house en Chicago, quedó claro que las principales compañías discográficas e instituciones mediáticas se mostraban reacias a comercializar este género musical, asociado con los afroamericanos homosexuales, en un nivel generalizado. Los artistas house se dirigieron a Europa, principalmente a Londres, pero también a ciudades como Ámsterdam, Berlín, Manchester, Milán, Zúrich y Tel Aviv. ... Un tercer eje conduce a Japón, donde, desde finales de los años 1980, los DJ de clubes de Nueva York han tenido la oportunidad de actuar como invitados.
Hasta entonces, la música de Detroit había llegado a oídos británicos como un subconjunto del house de Chicago; [Neil] Rushton y los Belleville Three decidieron aferrarse a la palabra techno, un término que se había circulado pero nunca enfatizado, para definir Detroit como un género distinto.
Entonces, cuando hablo de que la vibra desaparece del drum and bass, me refiero a la oscuridad que desaparece a medida que los samples de ragga desaparecen, el bajo pierde su sensación de reggae y se vuelve más lineal y propulsivo en lugar de moverse alrededor del ritmo con un ritmo sincopado. relación con el tambor.
Electro: 'Ha significado tantas cosas en los últimos 30 años. Originalmente significaba música electrónica futurista y se usaba para describir a Kraftwerk y Afrika Bambaataa. Ahora significa música de baile electrónica dura. Electro se puede utilizar como adjetivo, como electro-house y electro-pop.
El electro house saltó a la fama a principios y mediados de la década de 2000 como una alternativa más pesada a otros subgéneros del house que prevalecían en ese momento. [...] Electro House suele situarse entre 125 y 135 bpm y las pistas están dispuestas de forma que se centren en gran medida en el clímax o el drop. Por lo general, contiene una línea de bajo pesada y, con frecuencia, incluye elementos melódicos para ayudar a establecer la cohesión dentro de la pista.
Líneas de bajo vibrantes, bombos enormes, lanzamientos de fiesta rockeros. Música house repleta de bajos gigantescos y sintetizadores masivos.
... Skrillex, un productor de electro-house/dubstep de 23 años...
Las acciones de Steve Aoki han aumentado una vez más en los últimos 12 meses mientras continúa presentando los sets de EDM más grandes y audaces en todo el mundo y lanzando sus pisadas y pavoneándose producciones electro house.
La MDMA se ha convertido en una droga recreativa popular de abuso en clubes nocturnos y fiestas rave o tecno, donde se combina con actividad física intensa (
baile toda la noche
), condiciones de hacinamiento (agregación), temperatura ambiente alta, mala hidratación. , ruidos fuertes y comúnmente se toma junto con otras
drogas
estimulantes y/o alcohol (Parrott 2006; Von Huben et al. 2007; Walubo y Seger 1999). Esta combinación es probablemente la razón principal por la que generalmente se observa un aumento en los eventos de toxicidad en las fiestas rave, ya que se cree que todos estos factores inducen o mejoran la toxicidad (particularmente la respuesta hipertérmica) de la MDMA. ... Otro informe mostró que los usuarios de MDMA mostraban múltiples regiones de reducción de materia gris en las regiones neocorticales, cerebelo bilateral y tronco encefálico de la línea media, lo que podría explicar los deterioros neuropsiquiátricos previamente informados en usuarios de MDMA (Cowan et al. 2003). Se utilizaron técnicas de neuroimagen, como la PET, en combinación con un ligando 5-HTT en consumidores
de éxtasis
humanos , lo que mostró una menor densidad de sitios 5-HTT cerebrales (McCann et al. 1998, 2005, 2008). Otros autores correlacionan las reducciones de 5-HTT con los déficits de memoria observados en humanos con antecedentes de uso recreativo de MDMA (McCann et al. 2008). Un estudio reciente evaluó prospectivamente los efectos sostenidos del consumo
de éxtasis
en el cerebro de nuevos consumidores de MDMA utilizando mediciones repetidas con una combinación de diferentes parámetros de neurotoxicidad por neuroimagen. Los autores concluyeron que dosis bajas de MDMA pueden producir efectos sostenidos sobre la microvasculatura cerebral, la maduración de la materia blanca y posiblemente daño axonal (de Win et al. 2008).