La población multiétnica de Estados Unidos se refleja a través de una amplia gama de estilos musicales . Es una mezcla de música influenciada por la música de Europa , Pueblos Indígenas , África Occidental , América Latina , Medio Oriente , África del Norte , entre muchos otros lugares. Los géneros más reconocidos internacionalmente del país son el pop tradicional , el jazz , el blues , el country , el bluegrass , el rock , el rock and roll , el R&B , el pop , el hip-hop/rap , el soul , el funk , el religioso , el disco , el house , el techno , el ragtime y el doo. wop , folk , americana , boogaloo , tejano , reggaeton , surf y salsa , entre muchos otros. La música estadounidense se escucha en todo el mundo. Desde principios del siglo XX, algunas formas de música popular estadounidense han ganado una audiencia casi global. [1]
Los nativos americanos fueron los primeros habitantes de la tierra que hoy se conoce como Estados Unidos y tocaron su primera música. A partir del siglo XVII, comenzaron a llegar en gran número colonos del Reino Unido, Irlanda, España, Alemania y Francia, trayendo consigo nuevos estilos e instrumentos. Los esclavos de África occidental trajeron sus tradiciones musicales, y cada oleada posterior de inmigrantes contribuyó a un crisol de culturas .
También hay algunas influencias afroamericanas en la tradición musical de los colonos europeo-americanos, como el jazz, el blues, el rock, el country y el bluegrass. Estados Unidos también ha visto música folclórica documentada y música popular grabada producida en los estilos étnicos de las comunidades ucraniana , irlandesa , escocesa , polaca , hispana y judía , entre otras.
Muchas ciudades y pueblos estadounidenses tienen escenas musicales vibrantes que, a su vez, apoyan una serie de estilos musicales regionales. Todos los centros musicales de todo el país han producido y contribuido a los muchos estilos distintivos de la música estadounidense. Las tradiciones cajún y criolla de la música de Luisiana , los estilos folclóricos y populares de la música hawaiana y el bluegrass y la música antigua de los estados del sureste son algunos ejemplos de diversidad en la música estadounidense.
La música de los Estados Unidos se puede caracterizar por el uso de síncopas y ritmos asimétricos, melodías largas e irregulares , que se dice que "reflejan la geografía abierta (del paisaje estadounidense)" y el "sentido de libertad personal característico de los estadounidenses". vida". [2] Algunos aspectos distintos de la música estadounidense, como el formato de llamada y respuesta , se derivan de técnicas e instrumentos africanos.
A lo largo de la última parte de la historia estadounidense y hasta los tiempos modernos, la relación entre la música estadounidense y europea ha sido un tema debatido entre los estudiosos de la música estadounidense. Algunos han instado a la adopción de técnicas y estilos más puramente europeos, que a veces se perciben como más refinados o elegantes, mientras que otros han impulsado un sentido de nacionalismo musical que celebra estilos distintivamente estadounidenses. El estudioso de la música clásica moderna John Warthen Struble ha contrastado lo estadounidense y lo europeo, y ha llegado a la conclusión de que la música de los Estados Unidos es intrínsecamente distinta porque Estados Unidos no ha tenido siglos de evolución musical como nación. En cambio, la música de Estados Unidos es la de docenas o cientos de grupos indígenas e inmigrantes, todos los cuales se desarrollaron en gran medida en aislamiento regional hasta la Guerra Civil estadounidense , cuando personas de todo el país se reunieron en unidades militares, intercambiando estilos musicales. y prácticas. Struble consideró las baladas de la Guerra Civil "la primera música folclórica estadounidense con características discernibles que pueden considerarse exclusivas de Estados Unidos: la primera música que suena 'estadounidense', a diferencia de cualquier estilo regional derivado de otro país". [3]
La Guerra Civil y el período posterior vieron un florecimiento general del arte , la literatura y la música estadounidenses. Los conjuntos musicales aficionados de esta época pueden verse como el nacimiento de la música popular estadounidense. El autor musical David Ewen describe estas primeras bandas de aficionados como combinando "la profundidad y el drama de los clásicos con una técnica poco exigente, evitando la complejidad en favor de la expresión directa. Si fuera música vocal, las palabras estarían en inglés, a pesar de los snobs que declaraban inglés". un lenguaje que no se puede cantar. En cierto modo, fue parte de todo el despertar de Estados Unidos que ocurrió después de la Guerra Civil, una época en la que los pintores, escritores y compositores 'serios' estadounidenses abordaron temas específicamente estadounidenses ". [4] Durante este período tomaron forma las raíces del blues, el gospel, el jazz y la música country; En el siglo XX, se convirtieron en el núcleo de la música popular estadounidense, que evolucionó hacia estilos como el Rhythm and Blues, el Rock and Roll y el Hip Hop.
La música se entrelaza con aspectos de la identidad social y cultural estadounidense, incluso a través de la clase social , la raza y el origen étnico , la geografía , la religión , el idioma , el género y la sexualidad . La relación entre música y raza es quizás el determinante más potente del significado musical en Estados Unidos. El desarrollo de una identidad musical afroamericana , a partir de fuentes dispares de África y Europa, ha sido un tema constante en la historia de la música de los Estados Unidos . Existe poca documentación sobre la música afroamericana de la era colonial , cuando estilos, canciones e instrumentos de toda África occidental se mezclaron con estilos e instrumentos europeos, lo que llevó a la creación de nuevos géneros y la autoexpresión de los pueblos esclavizados. A mediados del siglo XIX, una tradición popular claramente afroamericana era bien conocida y estaba muy extendida, y las técnicas, instrumentos e imágenes musicales afroamericanas se convirtieron en parte de la música estadounidense convencional a través de espirituales , espectáculos de juglares y canciones de esclavos. [5] Los estilos musicales afroamericanos se convirtieron en parte integral de la música popular estadounidense a través del blues , el jazz , el ritmo y el blues , y luego el rock and roll , el soul y el hip hop ; Todos estos estilos fueron consumidos por estadounidenses de todas las razas, pero se crearon en estilos y modismos afroamericanos antes de volverse comunes en su interpretación y consumo a través de líneas raciales. Por el contrario, la música country deriva de tradiciones africanas y europeas, así como de nativos americanos y hawaianos, y durante mucho tiempo se ha percibido como una forma de música blanca . [6]
Las clases económicas y sociales separan la música estadounidense a través de la creación y el consumo de música, como el patrocinio de la clase alta de los asistentes a la sinfonía y los intérpretes generalmente pobres de música folclórica rural y étnica. Sin embargo, las divisiones musicales basadas en clases no son absolutas y, a veces, se perciben como reales; [7] La música country estadounidense popular, por ejemplo, es un género comercial diseñado para "apelar a una identidad de clase trabajadora, ya sea que sus oyentes sean o no de clase trabajadora". [8] La música country también está entrelazada con la identidad geográfica y es específicamente rural en origen y función; Otros géneros, como el R&B y el hip hop, se perciben como inherentemente urbanos. [9] Durante gran parte de la historia estadounidense, la creación musical ha sido una "actividad feminizada". [10] En el siglo XIX, el piano y el canto amateur se consideraban apropiados para las mujeres de clase media y alta. Las mujeres también fueron una parte importante de la interpretación de la música popular temprana, aunque las tradiciones grabadas rápidamente quedaron más dominadas por los hombres. La mayoría de los géneros de música popular dominados por hombres incluyen también intérpretes femeninas, a menudo en un nicho que atrae principalmente a las mujeres; estos incluyen gangsta rap y heavy metal . [11]
A menudo se dice que Estados Unidos es un crisol de culturas , que recibe influencias de todo el mundo y crea métodos distintivamente nuevos de expresión cultural. Aunque algunos aspectos de la música estadounidense se remontan a orígenes específicos, reclamar una cultura original particular para un elemento musical es intrínsecamente problemático, debido a la constante evolución de la música estadounidense a través del trasplante e hibridación de técnicas, instrumentos y géneros. Elementos de músicas extranjeras llegaron a los Estados Unidos tanto a través del patrocinio formal de eventos educativos y de divulgación por parte de individuos y grupos, como a través de procesos informales, como en el trasplante incidental de la música de África Occidental a través de la esclavitud y de la música irlandesa a través de la inmigración. Las músicas más claramente estadounidenses son el resultado de la hibridación intercultural a través de un contacto cercano. La esclavitud, por ejemplo, mezcló a personas de numerosas tribus en viviendas estrechas, lo que dio como resultado una tradición musical compartida que se enriqueció mediante una mayor hibridación con elementos de la música indígena, latina y europea. [12] La diversidad étnica, religiosa y racial estadounidense también ha producido géneros entremezclados como la música franco-africana de los criollos de Luisiana , la música tejana de fusión nativa, mexicana y europea , y la guitarra slack-key completamente híbrida y otros estilos de música. Música hawaiana moderna .
El proceso de trasplantar música entre culturas no está exento de críticas. El renacimiento folklórico de mediados del siglo XX, por ejemplo, se apropió de las músicas de varios pueblos rurales, en parte para promover ciertas causas políticas, lo que ha hecho que algunos se pregunten si el proceso provocó la "mercantilización comercial de las canciones de otros pueblos... ... y la inevitable dilución del significado" en las músicas apropiadas. El uso de técnicas, imágenes y presunciones musicales afroamericanas en la música popular, en gran parte por y para estadounidenses blancos, se ha generalizado desde al menos las canciones de Stephen Foster de mediados del siglo XIX y el auge de los espectáculos de juglares . La industria musical estadounidense ha intentado activamente popularizar a los intérpretes blancos de música afroamericana porque son más aceptables para los estadounidenses de clase media y mayoritaria. [ cita requerida ] Este proceso se ha relacionado con el ascenso de estrellas tan variadas como Benny Goodman , Eminem y Elvis Presley , así como con estilos populares como el soul de ojos azules y el rockabilly . [12]
La música folclórica en los EE. UU. varía según los numerosos grupos étnicos del país. Cada una de las tribus nativas americanas toca sus propias variedades de música folclórica, la mayoría de naturaleza espiritual. La música afroamericana incluye el blues y el gospel , descendientes de la música de África occidental traída a América por los esclavos y mezclada con la música de Europa occidental. Durante la época colonial, se trajeron a América estilos e instrumentos ingleses , franceses y españoles . A principios del siglo XX, Estados Unidos se había convertido en un importante centro de música folclórica de todo el mundo, incluida la polka , el violín ucraniano y polaco , la asquenazí , el klezmer y varios tipos de música latina .
Los nativos americanos tocaron la primera música folclórica en lo que hoy es Estados Unidos, utilizando una amplia variedad de estilos y técnicas. Sin embargo, algunos puntos en común son casi universales entre la música tradicional de los nativos americanos, especialmente la falta de armonía y polifonía , y el uso de vocablos y figuras melódicas descendentes. La instrumentación tradicional utiliza la flauta y muchos tipos de instrumentos de percusión , como tambores , cascabeles y maracas . [13] Desde que se estableció el contacto europeo y africano, la música folclórica nativa americana ha crecido en nuevas direcciones, en fusiones con estilos dispares como danzas folclóricas europeas y música tejana . La música nativa americana moderna puede ser mejor conocida por los pow wows , reuniones pantribales en las que se interpretan danzas y música de estilo tradicional. [14]
Las Trece Colonias de los Estados Unidos originales eran todas antiguas posesiones inglesas, y la cultura anglosajona se convirtió en una base importante para la música popular y folclórica estadounidense. Muchas canciones populares estadounidenses son idénticas a las canciones británicas en cuanto a arreglos, pero con letras nuevas, a menudo como parodias del material original. Las canciones angloamericanas también se caracterizan por tener menos melodías pentatónicas , un acompañamiento menos prominente (pero con un mayor uso de drones ) y más melodías en mayor. [15] La música tradicional angloamericana también incluye una variedad de baladas , historias humorísticas y cuentos fantásticos , y canciones de desastres relacionadas con la minería, los naufragios y los asesinatos. Héroes legendarios como Joe Magarac , John Henry y Jesse James forman parte de muchas canciones. Las danzas folclóricas de origen británico incluyen la danza en cuadrilla , descendiente de la cuadrilla , combinada con la innovación estadounidense de un llamador que instruye a los bailarines. [16] La sociedad comunitaria religiosa conocida como los Shakers emigró de Inglaterra durante el siglo XVIII y desarrolló su propio estilo de danza folclórica. Sus primeras canciones se remontan a modelos de canciones populares británicas. [17] Otras sociedades religiosas establecieron sus propias culturas musicales únicas temprano en la historia estadounidense, como la música de los Amish , la Harmony Society y el Ephrata Cloister en Pensilvania. [18]
Los antepasados de la población afroamericana actual fueron traídos a los Estados Unidos como esclavos, trabajando principalmente en las plantaciones del Sur. Procedían de cientos de tribus de África occidental y trajeron consigo ciertos rasgos de la música de África occidental , incluidas voces de llamada y respuesta y música rítmica compleja, [19] así como ritmos sincopados y acentos cambiantes. [20] El enfoque musical africano en el canto y el baile rítmicos fue llevado al Nuevo Mundo, donde se convirtió en parte de una cultura popular distinta que ayudó a los africanos a "mantener la continuidad con su pasado a través de la música". Los primeros esclavos en Estados Unidos cantaron canciones de trabajo , gritos de campo [21] y, tras la cristianización, himnos . En el siglo XIX, un Gran Despertar del fervor religioso se apoderó de la gente de todo el país, especialmente en el Sur. Los himnos protestantes escritos en su mayoría por predicadores de Nueva Inglaterra se convirtieron en una característica de las reuniones campestres celebradas entre cristianos devotos en todo el Sur. Cuando los negros comenzaron a cantar versiones adaptadas de estos himnos, se les llamó negros espirituales . Fue a partir de estas raíces, de canciones espirituales, canciones de trabajo y gritos de campo, que se desarrollaron el blues, el jazz y el gospel.
Los espirituales eran principalmente expresiones de fe religiosa, cantadas por esclavos en las plantaciones del sur. [22] A mediados y finales del siglo XIX, los espirituales se extendieron fuera del sur de Estados Unidos. En 1871, la Universidad de Fisk se convirtió en el hogar de los Fisk Jubilee Singers , un grupo pionero que popularizó los espirituales en todo el país. A imitación de este grupo, surgieron los cuartetos de gospel, seguidos de una creciente diversificación con el surgimiento a principios del siglo XX de los jackleg y los predicadores cantantes, de donde surgió el estilo popular de música gospel .
El blues es una combinación de canciones de trabajo africanas, gritos y gritos de campo. [23] Se desarrolló en el sur rural en la primera década del siglo XX. La característica más importante del blues es su uso de la escala azul , con una tercera bemol o indeterminada, así como las letras típicamente lamentantes; Aunque ambos elementos habían existido en la música folclórica afroamericana antes del siglo XX, la forma codificada del blues moderno (como la estructura AAB) no existió hasta principios del siglo XX. [24]
Estados Unidos es un crisol de numerosos grupos étnicos. Muchos de estos pueblos han mantenido vivas las tradiciones populares de su tierra natal, produciendo a menudo estilos de música extranjera distintivamente estadounidenses. Algunas nacionalidades han producido escenas locales en regiones del país donde se han agrupado, como la música caboverdiana en Nueva Inglaterra , [25] la música armenia en California , [26] y la música italiana y ucraniana en la ciudad de Nueva York. [27]
Los criollos son una comunidad con variada ascendencia no anglosajona, en su mayoría descendientes de personas que vivían en Luisiana antes de su compra por parte de Estados Unidos. Los cajunes son un grupo de francófonos que llegaron a Luisiana después de abandonar Acadia en Canadá. [28] La ciudad de Nueva Orleans, Luisiana , al ser un puerto importante, ha actuado como un crisol para personas de toda la cuenca del Caribe. El resultado es un conjunto diverso y sincrético de estilos de música cajún y música criolla .
España y posteriormente México controlaron gran parte de lo que hoy es el oeste de los Estados Unidos hasta la guerra entre México y Estados Unidos , incluido todo el estado de Texas. Después de que Texas se unió a los Estados Unidos, los tejanos nativos que vivían en el estado comenzaron a desarrollarse culturalmente por separado de sus vecinos del sur y permanecieron culturalmente distintos de otros tejanos. Un elemento central de la evolución de la música tejana temprana fue la combinación de formas tradicionales mexicanas, como el mariachi y el corrido , y estilos de Europa continental introducidos por los colonos alemanes y checos a finales del siglo XIX. [29] En particular, el acordeón fue adoptado por músicos folclóricos tejanos a principios del siglo XX y se convirtió en un instrumento popular para músicos aficionados en Texas y el norte de México.
La música clásica llegó a los Estados Unidos con algunos de los primeros colonos. La música clásica europea tiene sus raíces en las tradiciones del arte europeo, la música eclesiástica y de concierto. Las normas centrales de esta tradición se desarrollaron entre 1550 y 1825, centrándose en lo que se conoce como período de práctica común . Muchos compositores clásicos estadounidenses intentaron trabajar enteramente dentro de modelos europeos hasta finales del siglo XIX. Cuando Antonín Dvořák , un destacado compositor checo, visitó los Estados Unidos de 1892 a 1895, reiteró la idea de que la música clásica estadounidense necesitaba sus propios modelos en lugar de imitar a los compositores europeos; Ayudó a inspirar a compositores posteriores a crear un estilo de música clásica claramente estadounidense. [30] A principios del siglo XX, muchos compositores estadounidenses incorporaban elementos dispares en su trabajo, desde jazz y blues hasta música nativa americana.
Durante la época colonial, había dos campos distintos de lo que hoy se considera música clásica. Uno estaba asociado con compositores y pedagogos aficionados, cuyo estilo se extrajo originalmente de himnos simples y ganó sofisticación con el tiempo. La otra tradición colonial fue la de las ciudades del Atlántico medio como Filadelfia y Baltimore, que produjeron varios compositores destacados que trabajaron casi exclusivamente dentro del modelo europeo; Estos compositores eran en su mayoría de origen inglés y trabajaron específicamente en el estilo de destacados compositores ingleses de la época. [31]
La música clásica llegó a los Estados Unidos durante la época colonial. Muchos compositores estadounidenses de este período trabajaron exclusivamente con modelos europeos, mientras que otros, como Supply Belcher y Justin Morgan , también conocidos como la Primera Escuela de Nueva Inglaterra , desarrollaron un estilo casi completamente independiente de los modelos europeos. [32] Entre los primeros compositores del país se encontraba William Billings , quien, nacido en Boston, compuso himnos patrióticos en la década de 1770; [33] también fue influyente "como fundador del coro de la iglesia estadounidense, como el primer músico en utilizar un diapasón y como el primero en introducir un violonchelo en el servicio religioso". [34] Muchos de estos compositores eran cantantes aficionados que desarrollaron nuevas formas de música sacra adecuadas para la interpretación de aficionados y, a menudo, utilizaban métodos armónicos que habrían sido considerados extraños según los estándares europeos contemporáneos. [35] Los estilos de estos compositores no se vieron afectados por "la influencia de sus sofisticados contemporáneos europeos", utilizando escalas o melodías modales o pentatónicas y evitando las reglas europeas de armonía. [36]
A principios del siglo XIX, Estados Unidos produjo diversos compositores como Anthony Heinrich , quien compuso en un estilo idiosincrásico e intencionalmente estadounidense y fue el primer compositor estadounidense en escribir para una orquesta sinfónica. Muchos otros compositores, los más famosos William Henry Fry y George Frederick Bristow , apoyaron la idea de un estilo clásico estadounidense, aunque sus obras tenían una orientación muy europea. Sin embargo, fue John Knowles Paine quien se convirtió en el primer compositor estadounidense aceptado en Europa. El ejemplo de Paine inspiró a los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra , que incluía figuras como Amy Beach , Edward MacDowell y Horatio Parker . [37]
Louis Moreau Gottschalk es quizás el compositor estadounidense más recordado del siglo XIX, y según el historiador de la música Richard Crawford es conocido por "incorporar temas y ritmos indígenas o folclóricos a la música para la sala de conciertos". La música de Gottschalk reflejaba la mezcla cultural de su ciudad natal, Nueva Orleans, Luisiana, que albergaba una variedad de música latina, caribeña, afroamericana, cajún y criolla. Fue bien reconocido como un pianista talentoso en su vida, y también fue un compositor conocido que sigue siendo admirado aunque poco interpretado. [38]
La escena de la música clásica de Nueva York incluía a Charles Griffes , originario de Elmira, Nueva York , quien comenzó a publicar su material más innovador en 1914. Sus primeras colaboraciones fueron intentos de utilizar temas musicales no occidentales. El compositor neoyorquino más conocido fue George Gershwin . Gershwin fue compositor de Tin Pan Alley y de los teatros de Broadway , y sus obras estuvieron fuertemente influenciadas por el jazz , o más bien los precursores del jazz que existieron durante su época. El trabajo de Gershwin centró más la música clásica estadounidense y atrajo una atención internacional sin precedentes. Después de Gershwin, el primer compositor importante fue Aaron Copland de Brooklyn, que utilizó elementos de la música folclórica estadounidense, aunque siguió siendo europea en técnica y forma. Posteriormente, se dedicó al ballet y luego a la música serial . [39] Charles Ives fue uno de los primeros compositores clásicos estadounidenses de importancia internacional duradera, produciendo música en un estilo exclusivamente estadounidense, aunque su música fue en gran medida desconocida hasta después de su muerte en 1954.
Muchos de los compositores de finales del siglo XX, como John Cage , John Corigliano , Terry Riley , Steve Reich , John Adams y Miguel del Aguila , utilizaron técnicas modernistas y minimalistas . Reich descubrió una técnica conocida como puesta en fase , en la que dos actividades musicales comienzan simultáneamente y se repiten, desincronizándose gradualmente, creando una sensación natural de desarrollo. Reich también estaba muy interesado en la música no occidental, incorporando técnicas rítmicas africanas en sus composiciones. [40] Los compositores e intérpretes recientes están fuertemente influenciados por las obras minimalistas de Philip Glass , un nativo de Baltimore afincado en Nueva York, Meredith Monk y otros. [41]
Estados Unidos ha producido muchos músicos y compositores populares en el mundo moderno. Desde el nacimiento de la música grabada, los intérpretes estadounidenses han seguido liderando el campo de la música popular, que de "todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial... ha sido tomada en serio por el mundo entero". [42] [43] La mayoría de las historias de la música popular comienzan con el ragtime estadounidense o Tin Pan Alley ; otros, sin embargo, rastrean la música popular hasta el Renacimiento y a través de periódicos , baladas y otras tradiciones populares. [44] Otros autores suelen mirar partituras populares, rastreando la música popular estadounidense hasta los espirituales , los espectáculos de juglares , el vodevil y las canciones patrióticas de la Guerra Civil.
Las canciones patrióticas laicas de la Revolución Americana constituyeron el primer tipo de música popular dominante. Estos incluyeron "El árbol de la libertad" de Thomas Paine . Impresas a bajo precio en formato periódico , las primeras canciones patrióticas se difundieron por las colonias y se interpretaban en casa y en reuniones públicas. [45] Las canciones de Fife fueron especialmente celebradas y se interpretaron en los campos de batalla durante la Revolución Americana. La más duradera de estas canciones de pífano es " Yankee Doodle ", todavía muy conocida hoy en día. La melodía data de 1755 y fue cantada por tropas estadounidenses y británicas. [46] Las canciones patrióticas se basaban principalmente en melodías inglesas, con nuevas letras añadidas para denunciar el colonialismo británico; otros, sin embargo, utilizaron melodías de Irlanda, Escocia o otros lugares, o no utilizaron una melodía familiar. La canción " Hail, Columbia " fue una obra importante [47] que siguió siendo un himno nacional no oficial hasta la adopción de " The Star-Spangled Banner ". Gran parte de esta música americana antigua todavía sobrevive en Sacred Harp . Aunque relativamente desconocido fuera de Shaker Communities, Simple Gifts fue escrito en 1848 por el élder Joseph Brackett y desde entonces la melodía se ha vuelto famosa internacionalmente. [48]
Durante la Guerra Civil, cuando soldados de todo el país se mezclaron, las diversas corrientes de la música estadounidense comenzaron a fertilizarse entre sí, un proceso que fue ayudado por la floreciente industria ferroviaria y otros desarrollos tecnológicos que facilitaron los viajes y las comunicaciones. Las unidades del ejército incluían personas de todo el país y rápidamente intercambiaban melodías, instrumentos y técnicas. La guerra fue un impulso para la creación de canciones claramente estadounidenses que se volvieron y siguieron siendo tremendamente populares. [3] Las canciones más populares de la época de la Guerra Civil incluyeron " Dixie ", escrita por Daniel Decatur Emmett . La canción, originalmente titulada "Dixie's Land", fue hecha para el cierre de un espectáculo de juglares ; Se extendió primero a Nueva Orleans, donde se publicó y se convirtió en "una de las grandes canciones de éxito del período anterior a la Guerra Civil". [49] Además de las canciones patrióticas populares, la época de la Guerra Civil también produjo una gran cantidad de piezas para bandas de música . [50]
Después de la Guerra Civil, los espectáculos de juglares se convirtieron en la primera forma de expresión musical distintivamente estadounidense. El espectáculo de juglar era una forma indígena de entretenimiento estadounidense que consistía en parodias cómicas, actos de variedades, bailes y música, generalmente interpretados por personas blancas con la cara negra . Los espectáculos de juglar utilizaron elementos afroamericanos en actuaciones musicales, pero sólo de forma simplificada; Las historias de los programas mostraban a los negros como esclavos y tontos natos, antes de asociarse finalmente con el abolicionismo . [51] El espectáculo de juglar fue inventado por Daniel Decatur Emmett y los Virginia Minstrels . [52] Los espectáculos de Minstrel produjeron a los primeros compositores populares bien recordados en la historia de la música estadounidense: Thomas D. Rice , Daniel Decatur Emmett y, el más famoso, Stephen Foster . Después de que la popularidad de los programas de juglares se desvaneció, las canciones de mapaches , un fenómeno similar, se hicieron populares.
El compositor John Philip Sousa está estrechamente asociado con la corriente más popular de la música popular estadounidense justo antes de principios del siglo XX. Ex director de la banda de la Marina de los Estados Unidos , Sousa escribió marchas militares como " The Stars and Stripes Forever " que reflejaban su "nostalgia por [su] hogar y país", dando a la melodía un "carácter viril conmovedor". [53] [54]
A principios del siglo XX, el teatro musical estadounidense era una fuente importante de canciones populares, muchas de las cuales influyeron en el blues, el jazz, el country y otros estilos existentes de música popular. El centro de desarrollo de este estilo fue la ciudad de Nueva York, donde los teatros de Broadway se convirtieron en unos de los lugares más famosos de la ciudad. Compositores y letristas teatrales como los hermanos George e Ira Gershwin crearon un estilo teatral exclusivamente estadounidense que utilizaba el habla y la música vernáculas estadounidenses. Los musicales presentaban canciones populares y tramas trepidantes que a menudo giraban en torno al amor y el romance. [55]
El blues es un género de música folklórica afroamericana que constituye la base de gran parte de la música popular estadounidense moderna. El blues puede verse como parte de un continuo de estilos musicales como el country, el jazz, el ragtime y el gospel; Aunque cada género evolucionó hacia formas distintas, sus orígenes a menudo eran confusos. Las primeras formas del blues evolucionaron en el delta del Mississippi y sus alrededores a finales del siglo XIX y principios del XX. La primera música blues era principalmente música vocal de llamada y respuesta , sin armonía ni acompañamiento y sin ninguna estructura musical formal. Los esclavos y sus descendientes crearon el blues adaptando los gritos y alaridos del campo, convirtiéndolos en apasionantes canciones solistas. [56] Cuando se mezcló con las canciones espirituales cristianas de las iglesias afroamericanas y las reuniones de avivamiento, el blues se convirtió en la base de la música gospel . El evangelio moderno comenzó en las iglesias afroamericanas en la década de 1920, cuando los fieles proclamaban su fe de una manera improvisada, a menudo musical (testificando). Compositores como Thomas A. Dorsey compusieron obras gospel que utilizaban elementos de blues y jazz en himnos tradicionales y canciones espirituales. [57]
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El ragtime era originalmente un estilo de piano, que presentaba ritmos y cromatismos sincopados . [24] Es principalmente una forma de música de baile que utiliza el bajo andante y generalmente se compone en forma de sonata . El ragtime es una forma refinada y evolucionada del baile afroamericano cakewalk , mezclado con estilos que van desde marchas europeas [58] y canciones populares hasta jigs y otros bailes interpretados por grandes bandas afroamericanas en las ciudades del norte a finales del siglo XIX. El intérprete y compositor de ragtime más famoso fue Scott Joplin , conocido por obras como "Maple Leaf Rag". [59]
El blues se convirtió en parte de la música popular estadounidense en la década de 1920, cuando las cantantes de blues clásicas como Bessie Smith se hicieron populares. Al mismo tiempo, las compañías discográficas lanzaron el campo de la música racial , que era principalmente blues dirigido al público afroamericano. El más famoso de estos actos inspiró gran parte del desarrollo popular posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluido el legendario músico de delta blues Robert Johnson y el músico de blues de Piedmont Blind Willie McTell . Sin embargo, a finales de la década de 1940, el blues puro era sólo una parte menor de la música popular, habiendo sido subsumido por ramas como el Rhythm & Blues y el naciente estilo Rock and Roll. Algunos estilos de blues eléctrico con piano, como el boogie-woogie , retuvieron una gran audiencia. Un estilo de gospel con toques de blues también se hizo popular en los Estados Unidos en la década de 1950, liderado por la cantante Mahalia Jackson . [60] El género del blues experimentó importantes resurgimientos en la década de 1950 con músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter , [61] así como en la década de 1960 con la invasión británica y el resurgimiento de la música folklórica estadounidense cuando músicos de country blues como Mississippi John Hurt y el reverendo Gary Davis fueron redescubiertos. Los músicos de blues seminales de estos períodos tuvieron una tremenda influencia en músicos de rock como Chuck Berry en la década de 1950, así como en las escenas británicas de blues y blues rock de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Eric Clapton en Gran Bretaña y Johnny Winter en Texas.
El jazz es un tipo de música caracterizada por notas swing y azules , voces de llamada y respuesta, polirritmias e improvisación . Aunque originalmente era un tipo de música de baile, el jazz ha sido una parte importante de la música popular y también se ha convertido en un elemento importante de la música clásica occidental. El jazz tiene sus raíces en la expresión cultural y musical de África occidental y en las tradiciones musicales afroamericanas, como el blues y el ragtime, así como en la música de bandas militares europeas. [62] El jazz temprano estaba estrechamente relacionado con el ragtime, del que podía distinguirse por el uso de una improvisación rítmica más compleja. Las primeras bandas de jazz adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluidas notas dobladas y azules y "gruñidos" instrumentales y borrones que de otra manera no se usarían en instrumentos europeos. Las raíces del jazz provienen de la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana , poblada por cajún y criollos negros, quienes combinaron la cultura francocanadiense de los cajún con sus propios estilos de música en el siglo XIX. Grandes bandas criollas que tocaban en funerales y desfiles se convirtieron en una base importante para el jazz temprano, que se extendió desde Nueva Orleans hasta Chicago y otros centros urbanos del norte.
Aunque hacía tiempo que el jazz había alcanzado cierta popularidad limitada, fue Louis Armstrong quien se convirtió en una de las primeras estrellas populares y una fuerza importante en el desarrollo del jazz, junto con su amigo el pianista Earl Hines . Armstrong, Hines y sus colegas eran improvisadores, capaces de crear numerosas variaciones sobre una sola melodía. Armstrong también popularizó el canto scat , una técnica vocal de improvisación en la que se cantan sílabas ( vocablos ) sin sentido. Armstrong y Hines influyeron en el surgimiento de una especie de big band de pop y jazz llamada swing . El swing se caracteriza por una sección rítmica fuerte, que generalmente consta de contrabajo y batería, un tempo medio a rápido y dispositivos rítmicos como la nota swing, que es común a la mayor parte del jazz. El swing es principalmente una fusión del jazz de los años 30 con elementos del blues y Tin Pan Alley. [59] El swing utilizó bandas más grandes que otros tipos de jazz, lo que llevó a que los directores de banda arreglaran estrictamente el material, lo que desalentó la improvisación, que anteriormente era una parte integral del jazz. El swing se convirtió en una parte importante de la danza afroamericana y llegó a ir acompañado de un baile popular llamado baile swing .
El jazz influyó en muchos intérpretes de los principales estilos de la música popular posterior, aunque el jazz en sí nunca volvió a convertirse en una parte tan importante de la música popular estadounidense como durante la era del swing. Sin embargo, la escena del jazz estadounidense de finales del siglo XX produjo algunas estrellas populares, como Miles Davis . A mediados del siglo XX, el jazz evolucionó hacia una variedad de subgéneros, comenzando con el bebop . Bebop es una forma de jazz caracterizada por tempos rápidos, improvisación basada en una estructura armónica en lugar de melodía y el uso de la quinta bemol . El bebop se desarrolló a principios y mediados de la década de 1940, y luego evolucionó hacia estilos como el hard bop y el free jazz . Los innovadores del estilo incluyeron a Charlie Parker y Dizzy Gillespie , quienes surgieron de pequeños clubes de jazz en la ciudad de Nueva York. [63]
La música country es principalmente una fusión de blues y espirituales afroamericanos con música folclórica de los Apalaches , adaptada para el público pop y popularizada a partir de la década de 1920. Los orígenes del country se encuentran en la música folclórica rural del sur, que era principalmente irlandesa y británica, con música africana y europea continental. [64] Las melodías angloceltas, la música de baile y las baladas fueron los primeros predecesores del country moderno, entonces conocido como música hillbilly . Los primeros hillbilly también tomaron prestados elementos del blues y se basaron en más aspectos de las canciones pop del siglo XIX a medida que la música hillbilly evolucionó hasta convertirse en un género comercial conocido finalmente como country y western y luego simplemente country . [65] La instrumentación country más antigua giraba en torno al violín de origen europeo y el banjo de origen africano , al que más tarde se añadió la guitarra . [66] Los instrumentos de cuerda como el ukelele y la guitarra de acero se volvieron comunes debido a la popularidad de los grupos musicales hawaianos a principios del siglo XX. [67]
Las raíces de la música country comercial generalmente se remontan a 1927, cuando el buscador de talentos musicales Ralph Peer grabó Jimmie Rodgers and The Carter Family . [69] El éxito popular fue muy limitado, aunque una pequeña demanda impulsó algunas grabaciones comerciales. Después de la Segunda Guerra Mundial , hubo un mayor interés en estilos especializados como la música country, lo que produjo algunas estrellas pop importantes. [70] El músico country más influyente de la época fue Hank Williams , un cantante de blues country de Alabama. [60] [71] Sigue siendo reconocido como uno de los mejores compositores e intérpretes de la música country, visto como un "poeta popular" con una "arrogancia honky-tonk" y "simpatías por la clase trabajadora". [72] A lo largo de la década, la aspereza del honky-tonk se erosionó gradualmente a medida que el sonido de Nashville se volvió más orientado al pop. Productores como Chet Atkins crearon el sonido de Nashville eliminando los elementos campesinos de la instrumentación y utilizando instrumentación suave y técnicas de producción avanzadas. [73] Con el tiempo, la mayoría de los discos de Nashville eran de este estilo, que comenzó a incorporar cuerdas y coros vocales. [74]
Sin embargo, a principios de la década de 1960, muchos artistas y fanáticos más tradicionalistas percibían el sonido de Nashville como demasiado diluido, lo que resultó en una serie de escenas locales como el sonido de Bakersfield . Sin embargo, algunos artistas conservaron su popularidad, como el ícono cultural de larga data Johnny Cash . [75] El sonido de Bakersfield comenzó a mediados y finales de la década de 1950, cuando artistas como Wynn Stewart y Buck Owens comenzaron a utilizar elementos del swing y el rock occidentales , como el breakbeat , en su música. [76] En la década de 1960, artistas como Merle Haggard popularizaron el sonido. A principios de la década de 1970, Haggard también formó parte del outlaw country , junto a cantautores como Willie Nelson y Waylon Jennings . [63] Outlaw country estaba orientado al rock y líricamente se centraba en las travesuras criminales de los intérpretes, en contraste con los cantantes de country limpios del sonido de Nashville. [77] A mediados de la década de 1980, las listas de música country estaban dominadas por cantantes pop, junto con un resurgimiento naciente del estilo country honky-tonk con el ascenso de artistas como Dwight Yoakam . La década de 1980 también vio el desarrollo de artistas de country alternativo como Uncle Tupelo , que se oponían al estilo más pop del country convencional. A principios de la década de 2000, los artistas country orientados al rock se mantenían entre los artistas más vendidos en los Estados Unidos, especialmente Garth Brooks . [78]
R&B, abreviatura de ritmo y blues , es un estilo que surgió en las décadas de 1930 y 1940. Los primeros R&B consistían en grandes unidades rítmicas "que se estrellaban detrás de cantantes de blues que gritaban (que) tenían que gritar para ser escuchados por encima del ruido metálico y el rasgueo de los diversos instrumentos electrificados y las secciones rítmicas agitadas". [80] El R&B no se grabó ni promovió extensamente porque las compañías discográficas sintieron que no era adecuado para la mayoría de las audiencias, especialmente los blancos de clase media, debido a las letras sugerentes y los ritmos impulsores. [81] Líderes de banda como Louis Jordan innovaron el sonido del R&B temprano, utilizando una banda con una pequeña sección de trompetas e instrumentación rítmica prominente. A finales de la década de 1940, había tenido varios éxitos y ayudó a allanar el camino para contemporáneos como Wynonie Harris y John Lee Hooker . Muchas de las canciones más populares de R&B no fueron interpretadas con el estilo alegre de Jordan y sus contemporáneos; en lugar de eso, fueron interpretadas por músicos blancos como Pat Boone en un estilo convencional más aceptable, que se convirtió en éxitos del pop. [82] A finales de la década de 1950, sin embargo, hubo una ola de artistas populares de blues rock negro y R&B con influencia country, como Chuck Berry, que ganaron una fama sin precedentes entre los oyentes blancos. [83] [84]
Motown Records tuvo un gran éxito a principios y mediados de la década de 1960 por producir música de raíces negras estadounidenses que desafiaba la segregación racial en la industria musical y el mercado de consumo. El periodista musical Jerry Wexler (quien acuñó la frase "rhythm and blues") dijo una vez de Motown: "[Ellos] hicieron algo que se diría imposible en el papel. Tomaron música negra y la transmitieron directamente al adolescente blanco estadounidense. ". Berry Gordy fundó Motown en 1959 en Detroit, Michigan . Fue uno de los pocos sellos discográficos de R&B que buscó trascender el mercado del R&B (que era definitivamente negro en la mentalidad estadounidense) y especializarse en música cruzada . La compañía surgió como el principal productor (o "cadena de montaje", en referencia a sus orígenes en las ciudades del motor) de música popular negra a principios de la década de 1960 y comercializó sus productos como "The Motown Sound" o "The Sound of Young America". que combinó elementos de soul, funk, disco y R&B. [85] Los actos notables de Motown incluyen los Four Tops , los Temptations , los Supremes , Smokey Robinson , Stevie Wonder y los Jackson 5 . La representación visual fue fundamental para el ascenso de Motown; pusieron mayor énfasis en los medios visuales que otros sellos discográficos. El primer contacto de muchas personas con Motown fue a través de la televisión y el cine. La imagen de los artistas de Motown de estadounidenses negros exitosos que se comportaban con gracia y aplomo transmitía al público una forma distintiva de negritud de clase media, que resultaba particularmente atractiva para los blancos. [86]
La música soul es una combinación de ritmo y blues y gospel que comenzó a finales de la década de 1950 en Estados Unidos. Se caracteriza por el uso de recursos de música gospel, con mayor énfasis en los vocalistas y el uso de temas seculares. Las grabaciones de la década de 1950 de Ray Charles , Sam Cooke , [87] y James Brown se consideran comúnmente los inicios del soul. Los discos de Charles' Modern Sounds (1962) presentaban una fusión de soul y música country, country soul y cruzaban barreras raciales en la música de la época. [88] Una de las canciones más conocidas de Cooke, " A Change Is Gonna Come " (1964), fue aceptada como un clásico y un himno del movimiento estadounidense por los derechos civiles durante la década de 1960. [89] Según AllMusic , James Brown fue fundamental, a través de "la furia apasionada por el gospel de su voz y los complejos polirritmos de sus ritmos", en "dos revoluciones en la música negra estadounidense. Fue una de las figuras más responsables de convertir R&B en soul y él fue, la mayoría estaría de acuerdo, la figura más responsable de convertir la música soul en funk de finales de los 60 y principios de los 70". [79]
El soul puro fue popularizado por Otis Redding y los demás artistas de Stax Records en Memphis, Tennessee . A finales de la década de 1960, la cantante de Atlantic Aretha Franklin se había convertido en la estrella femenina del soul más popular del país. [91] [92] Conocido por cantar en una amplia variedad de géneros, Franklin es considerado uno de los mejores cantantes estadounidenses de todos los tiempos. [93] También en esta época, el soul se había dividido en varios géneros, [94] influenciados por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de la década de 1960 inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a lanzar álbumes con comentarios sociales contundentes, mientras que otra variedad se volvió más música orientada al baile, evolucionando hacia el funk . A pesar de su afinidad previa con temas líricos con carga política y social, Gaye ayudó a popularizar la música y el funk de temática sexual y romántica, [95] mientras que sus grabaciones de los años 70, incluidas Let's Get It On (1973) y I Want You (1976) ayudaron a desarrollar El sonido y el formato de la tormenta silenciosa . [96] Uno de los álbumes más influyentes jamás grabados, There's a Riot Goin' On (1971) de Sly & the Family Stone, ha sido considerado entre los primeros y mejores ejemplos de la versión madura de la música funk, después de ejemplos prototípicos de la sonido en el trabajo anterior del grupo. [97] Artistas como Gil Scott-Heron y The Last Poets practicaron una mezcla ecléctica de poesía, jazz-funk y soul, presentando comentarios políticos y sociales críticos con sentimiento afrocéntrico . El trabajo de proto-rap de Scott-Heron , incluidos " The Revolution Will Not Be Televised " (1971) y Winter in America (1974), ha tenido un impacto considerable en los artistas de hip hop posteriores, [98] mientras que su sonido único con Brian Jackson influyó. artistas neo soul. [99]
A mediados de la década de 1970, bandas muy ingeniosas y comerciales como el grupo de soul de Filadelfia The O'Jays y el grupo de soul de ojos azules Hall & Oates lograron un gran éxito. A finales de la década de 1970, la mayoría de los géneros musicales, incluido el soul, estaban influenciados por la música disco . Con la introducción de influencias de la música electro y el funk a finales de los años 1970 y principios de los 1980, la música soul se volvió menos cruda y más hábilmente producida, lo que dio como resultado un género musical que una vez más se llamó R&B , generalmente distinguido del anterior ritmo y blues por identificándolo como R&B contemporáneo .
Las primeras estrellas contemporáneas del R&B surgieron en la década de 1980, con la estrella del dance-pop Michael Jackson , el cantante Prince con influencias funk y una ola de vocalistas femeninas como Tina Turner y Whitney Houston . [78] Michael Jackson y Prince han sido descritos como las figuras más influyentes del R&B contemporáneo y la música popular debido a su uso ecléctico de elementos de una variedad de géneros. [101] Prince fue en gran parte responsable de la creación del sonido de Minneapolis : "una mezcla de trompetas, guitarras y sintetizadores electrónicos respaldados por un ritmo constante y vibrante". [102] El trabajo de Jackson se centró en baladas suaves o música de baile con influencia disco ; como artista, "sacó la música dance del estancamiento disco con su debut en solitario para adultos en 1979, Off the Wall , fusionó el R&B con el rock en Thriller e introdujo pasos estilizados como el robot y el paseo lunar a lo largo de su carrera". [103] Jackson es a menudo reconocido como el "Rey del Pop" por sus logros.
En 1983, el concepto de cruce de música popular quedó indisolublemente asociado con Michael Jackson. Thriller tuvo un éxito sin precedentes, vendiendo más de 10 millones de copias sólo en Estados Unidos. En 1984, el álbum obtuvo más de 140 premios de oro y platino y fue reconocido por el Libro Guinness de los Récords Mundiales como el disco más vendido de todos los tiempos , título que aún ostenta en la actualidad. [90] La transmisión de MTV de " Billie Jean " fue la primera para un artista negro, rompiendo así la "barrera del color" de la música pop en la pantalla chica. [90] Thriller sigue siendo el único vídeo musical reconocido por el Registro Nacional de Cine .Janet Jackson colaboró con los ex socios de Prince Jimmy Jam y Terry Lewis en su tercer álbum de estudio Control (1986); El segundo sencillo del álbum, " Nasty ", ha sido descrito como el origen del nuevo sonido jack swing, un género innovado por Teddy Riley . [101] El trabajo de Riley en Make It Last Forever (1987) de Keith Sweat , Guy (1988) de Guy y Don't Be Cruel (1998) de Bobby Brown convirtió al nuevo jack swing en un elemento básico del R&B contemporáneo en el mediados de los años 1990. [101] El nuevo jack swing era un estilo y una tendencia de la música vocal, que a menudo presentaba versos rapeados y cajas de ritmos . [60] El atractivo cruzado de los primeros artistas contemporáneos de R&B en la música popular convencional, incluidas obras de Prince, Michael y Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner, Anita Baker y The Pointer Sisters, se convirtió en un punto de inflexión para los artistas negros en la industria. ya que su éxito "fue quizás el primer indicio de que el mayor cosmopolitismo de un mercado mundial podría producir algunos cambios en el carácter de la música popular". [104]
El uso del melisma , una tradición gospel adaptada por las vocalistas Whitney Houston y Mariah Carey, se convertiría en una piedra angular de los cantantes de R&B contemporáneos a partir de finales de los años 1980 y durante los años 1990. [101] Los éxitos de R&B de Whitney Houston incluyeron " All the Man That I Need " (1990) y " I Will Always Love You " (1992), que luego se convirtió en el sencillo físico más vendido de una artista femenina de todos los tiempos, con ventas de más de 20 millones de copias en todo el mundo. Su exitosa banda sonora de 1992, The Bodyguard , estuvo 20 semanas en la cima del Billboard Hot 200 , vendió más de 45 millones de copias en todo el mundo y sigue siendo el álbum de banda sonora más vendido de todos los tiempos.
El hip hop llegó a influir en el R&B contemporáneo a finales de la década de 1980, primero a través del new jack swing y luego en una serie relacionada de subgéneros llamados hip hop soul y neo soul . El hip hop soul y el neo soul se desarrollaron más tarde, en los años 1990. Tipificado por el trabajo de Mary J. Blige , R. Kelly y Bobby Brown , el primero es una mezcla de R&B contemporáneo con ritmos de hip hop, mientras que las imágenes y temas del gangsta rap pueden estar presentes. Este último es una combinación más experimental, más atrevida y generalmente menos convencional de voces soul al estilo de los años 1960 y 1970 con cierta influencia del hip hop, y se ha ganado cierto reconocimiento general a través del trabajo de D'Angelo , Erykah Badu , Alicia Keys y Lauryn. Colina . [105] El álbum Voodoo (2000) de D'Angelo, aclamado por la crítica, ha sido reconocido por los escritores musicales como una obra maestra y la piedra angular del género neo soul. [106] [107] [108]
La música pop es un género de música popular que se originó en su forma moderna a mediados de la década de 1950 en los Estados Unidos y el Reino Unido . Durante las décadas de 1950 y 1960, la música pop abarcaba el rock and roll y los estilos juveniles en los que influía. Rock y pop siguieron siendo aproximadamente sinónimos hasta finales de la década de 1960, después de lo cual el pop pasó a asociarse con una música más comercial, efímera y accesible. Aunque gran parte de la música que aparece en las listas de discos se considera música pop, el género se distingue de la música de las listas. Bing Crosby fue uno de los primeros artistas en ser apodado "Rey de la Canción" o "Rey de la Música Popular". El indie pop , que se desarrolló a finales de la década de 1970, marcó otro alejamiento del glamour de la música pop contemporánea, con bandas de guitarras formadas sobre la entonces novedosa premisa de que uno podía grabar y lanzar su propia música sin tener que conseguir un contrato discográfico con una importante discográfica. etiqueta. [110] A principios de la década de 1980, la promoción de la música pop se había visto muy afectada por el auge de canales de televisión musicales como MTV , que "favorecían a artistas como Michael Jackson y Madonna que tenían un fuerte atractivo visual". La década de 1980 es comúnmente recordada por un aumento en el uso de la grabación digital , asociada con el uso de sintetizadores , con la música synth-pop y otros géneros electrónicos con instrumentos no tradicionales cada vez más populares. [111] Para 2014, la música pop en todo el mundo había sido permeada por la música electrónica de baile . En 2018, investigadores de la Universidad de California, Irvine , concluyeron que la música pop se ha vuelto "más triste" desde la década de 1980. Los elementos de felicidad y brillo finalmente han sido reemplazados por ritmos electrónicos que hacen que la música pop sea más "triste pero bailable". [112] Kelly Clarkson es la única cantante estadounidense que ha ganado dos veces el premio Grammy al Mejor Álbum Vocal Pop a partir de 2021, siendo Clarkson el primero en ganar dos veces. Clarkson y Justin Timberlake han sido nominados cinco veces, más que cualquier otro artista, aunque Clarkson es el único artista que tiene la mayor cantidad de álbumes nominados en solitario. Tres de los Timberlake son solistas, dos son de NSYNC .
El rock and roll se desarrolló a partir del country, el blues y el R&B. Los orígenes exactos del rock y sus primeras influencias han sido objeto de acalorados debates y son objeto de muchos estudios. Aunque está totalmente en la tradición del blues, el rock tomó elementos de técnicas musicales afrocaribeñas y latinas . [113] El rock era un estilo urbano, formado en áreas donde diversas poblaciones dieron como resultado mezclas de géneros afroamericanos, latinos y europeos que iban desde el blues y el country hasta la polka y el zydeco . [114] El rock and roll entró por primera vez en la música popular a través de un estilo llamado rockabilly , [115] que fusionó el sonido naciente con elementos de la música country. El rock and roll interpretado por negros había tenido anteriormente un éxito limitado en el público general, pero fue el intérprete blanco Elvis Presley quien atrajo por primera vez al público general con un estilo de música negro, convirtiéndose en uno de los músicos con mayores ventas de la historia y llevando el rock and roll a a audiencias de todo el mundo. [116]
La década de 1960 vio varios cambios importantes en la música popular, especialmente en el rock. Muchos de estos cambios tuvieron lugar durante la invasión británica, donde bandas como The Beatles , The Who y The Rolling Stones , [117] se hicieron inmensamente populares y tuvieron un profundo efecto en la cultura y la música estadounidenses. Estos cambios incluyeron el paso de las canciones compuestas profesionalmente al cantautor , y la comprensión de la música popular como un arte , más que como una forma de comercio o puro entretenimiento. [118] Estos cambios llevaron al surgimiento de movimientos musicales relacionados con objetivos políticos, como el Movimiento de Derechos Civiles Estadounidense y la oposición a la Guerra de Vietnam . El rock estuvo a la vanguardia de este cambio.
A principios de la década de 1960, el rock generó varios subgéneros, comenzando con el surf . El surf era un género de guitarra instrumental caracterizado por un sonido distorsionado, asociado con la cultura juvenil surfista del sur de California. [119] [120] Inspirados por el enfoque lírico del surf, The Beach Boys comenzaron a grabar en 1961 con un sonido armónico, elaborado y amigable con el pop. [121] [122] A medida que su fama crecía, el compositor de los Beach Boys, Brian Wilson, experimentó con nuevas técnicas de estudio y se asoció con la contracultura . La contracultura fue un movimiento que abrazó el activismo político y estaba estrechamente relacionado con la subcultura hippie . Los hippies estaban asociados con el folk rock , el country rock y el rock psicodélico . [123] El folk y el country rock se asociaron con el auge de la música folk politizada, liderada por Pete Seeger y otros, especialmente en la escena musical de Greenwich Village en Nueva York. [124] El folk rock entró en la corriente principal a mediados de la década de 1960, cuando el cantautor Bob Dylan comenzó su carrera. El editor de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, atribuye el cambio de los Beatles hacia la composición introspectiva a mediados de la década de 1960 a la influencia de Bob Dylan en ese momento. [125] Le siguieron varias bandas de country-rock y cantautores suaves y folk. El rock psicodélico era un tipo de rock duro basado en guitarras, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco . Aunque Jefferson Airplane fue la única banda local que tuvo un gran éxito nacional, Grateful Dead , una banda de improvisación con sabor a country y bluegrass , se convirtió en una parte icónica de la contracultura psicodélica, asociada con los hippies, el LSD y otros símbolos de esa época. [123] Algunos dicen que Grateful Dead fue verdaderamente la banda de rock más patriótica estadounidense que jamás haya existido; formar y moldear una cultura que define a los estadounidenses de hoy. [126]
Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de los años 1960 y principios de los 1970, la música rock se diversificó. Lo que antes era un género discreto conocido como rock and roll evolucionó hasta convertirse en una categoría general llamada simplemente música rock , que llegó a incluir diversos estilos desarrollados en Estados Unidos como el punk rock . Durante la década de 1970, la mayoría de estos estilos evolucionaron en la escena musical underground, mientras que el público general comenzó la década con una ola de cantautores que se inspiraron en las letras profundamente emocionales y personales del folk rock de la década de 1960. En el mismo período surgieron bandas de rock grandilocuentes , grupos de rock sureño con toques de blues y estrellas de rock suave y apacible . A finales de la década de 1970, el cantante y compositor de rock Bruce Springsteen se convirtió en una estrella importante, con himnos y letras densas e inescrutables que celebraban a los pobres y a la clase trabajadora. [78]
El punk era una forma de rock rebelde que comenzó en la década de 1970 y era ruidoso, agresivo y, a menudo, muy simple. El punk comenzó como una reacción contra la música popular de la época, especialmente el disco y el arena rock . Las bandas estadounidenses en el campo incluyeron, las más famosas, The Ramones y Talking Heads , este último tocando un estilo más vanguardista que estuvo estrechamente asociado con el punk antes de evolucionar hacia la nueva ola convencional . [78] Otros actos importantes incluyen Blondie , Patti Smith y Television . En la década de 1980, algunos fanáticos y bandas del punk se desilusionaron con la creciente popularidad del estilo, lo que resultó en un estilo aún más agresivo llamado hardcore punk . El hardcore era una forma de punk escaso, que consistía en canciones cortas, rápidas e intensas que hablaban a la juventud descontenta, con bandas tan influyentes como Bad Religion , Bad Brains , Black Flag , Dead Kennedys y Minor Threat . El hardcore comenzó en metrópolis como Washington, DC , aunque la mayoría de las principales ciudades estadounidenses tenían sus propias escenas locales en la década de 1980. [127]
El hardcore, el punk y el garage rock fueron las raíces del rock alternativo , una agrupación diversa de subgéneros del rock que se oponían explícitamente a la música convencional, y que surgió a partir de los estilos punk y post-punk. En los Estados Unidos, muchas ciudades desarrollaron escenas locales de rock alternativo, incluidas Minneapolis y Seattle. [129] La escena local de Seattle produjo música grunge , un estilo oscuro y melancólico inspirado en el hardcore, la psicodelia y el rock alternativo. [130] Con la adición de un elemento más melódico al sonido de bandas como Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden y Alice in Chains , el grunge se volvió tremendamente popular en todo Estados Unidos [131] en 1991. Tres años después, bandas como Green Day , The Offspring , Rancid , Bad Religion y NOFX llegaron a la corriente principal (con sus respectivos álbumes entonces nuevos Dookie , Smash , Let's Go , Stranger than Fiction y Punk in Drublic ) y dieron exposición a la escena punk de California en todo el mundo.
El heavy metal se caracteriza por ritmos agresivos y conductores, guitarras amplificadas y distorsionadas, letras grandiosas e instrumentación virtuosa. Los orígenes del heavy metal se encuentran en las bandas de hard rock que tomaron el blues y el rock y crearon un sonido pesado basado en la guitarra y la batería. Las primeras bandas estadounidenses importantes aparecieron a principios de la década de 1970, como Blue Öyster Cult , KISS y Aerosmith . Sin embargo, el heavy metal siguió siendo un fenómeno en gran medida clandestino. Durante la década de 1980 surgió el primer estilo importante de pop-metal que dominó las listas durante varios años, iniciado por el grupo de metal Quiet Riot y dominado por bandas como Mötley Crüe y Ratt ; Se trataba de glam metal , una fusión de hard rock y pop con un espíritu estridente y una estética visual influenciada por el glam . Algunas de estas bandas, como Bon Jovi , se convirtieron en estrellas internacionales. La banda Guns N' Roses saltó a la fama a finales de la década con una imagen que suponía una reacción contra la estética del glam metal.
A mediados de la década de 1980, el heavy metal se había ramificado en tantas direcciones diferentes que los fans, las compañías discográficas y los fanzines crearon numerosos subgéneros. Estados Unidos era especialmente conocido por uno de estos subgéneros, el thrash metal , que fue innovado por bandas como Metallica , Megadeth , Slayer y Anthrax , siendo Metallica la de mayor éxito comercial. [134] Estados Unidos era conocido como uno de los lugares de nacimiento del death metal desde mediados hasta finales de la década de 1980. La escena de Florida fue la más conocida, con bandas como Death , Cannibal Corpse , Morbid Angel , Deicide y muchas otras. En la actualidad existen innumerables bandas de death metal y deathgrind en todo el país.
El hip hop es un movimiento cultural del que la música forma parte. La música hip hop en su mayor parte se compone de dos partes: rapear , la entrega de voces rápidas, muy rítmicas y líricas; y ser DJ y/o producir , la producción de instrumentación mediante muestreo , instrumentación , turntablismo o beatboxing , la producción de sonidos musicales a través de tonos vocalizados. [135] El hip hop surgió a principios de la década de 1970 en el Bronx , Nueva York. El DJ inmigrante jamaicano Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; trajo consigo de Jamaica la práctica de brindar al ritmo de canciones populares. Los maestros de ceremonias surgieron originalmente para presentar las canciones de soul, funk y R&B que tocaban los DJ y para mantener a la multitud emocionada y bailando; Con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar la pausa de percusión de las canciones (cuando el ritmo llega a su clímax), produciendo un ritmo repetido sobre el que los maestros de ceremonias rapeaban.
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A diferencia de Motown, que basó su éxito en el atractivo de clase de sus actos que hacían irrelevante la identidad racial, el hip hop de los años 80, particularmente el hip hop que pasó al rock and roll, se basó en su identificación primaria (implícita pero enfática) con identidad negra. [136] A principios de la década de 1980, había canciones populares de hip hop y las celebridades de la escena, como LL Cool J , ganaron renombre general. Otros intérpretes experimentaron con letras politizadas y conciencia social, o fusionaron el hip hop con jazz, heavy metal, techno , funk y soul. A finales de la década de 1980 aparecieron nuevos estilos, como el hip hop alternativo y la fusión de jazz rap , estrechamente relacionada, de la que fueron pioneros raperos como De La Soul .
El gangsta rap es una especie de hip hop, caracterizado principalmente por un enfoque lírico en la sexualidad machista, la fisicalidad y una imagen criminal peligrosa. [137] Aunque los orígenes del gangsta rap se remontan al estilo de mediados de la década de 1980 de Schoolly D de Filadelfia y Ice-T de la costa oeste , el estilo se amplió y llegó a aplicarse a muchas regiones diferentes del país, a raperos de Nueva York. York, como Notorious BIG y el influyente grupo de hip hop Wu-Tang Clan , y a raperos de la costa oeste, como Too Short y NWA . Una escena de rap distintiva de la costa oeste generó el sonido G-funk de principios de la década de 1990 , que combinaba letras de gangsta rap con un sonido denso y confuso, a menudo de muestras de funk de la década de 1970 ; Los defensores más conocidos fueron los raperos 2Pac , Dr. Dre , Ice Cube y Snoop Dogg . El gangsta rap continuó ejerciendo una presencia importante en la música popular estadounidense hasta finales de la década de 1990 y principios del siglo XXI.
El dominio del gangsta rap en el hip-hop convencional fue suplantado a finales de la década de 2000, en gran parte debido al éxito general de artistas de hip-hop como Kanye West . [138] El resultado de una competencia de ventas muy publicitada entre el lanzamiento simultáneo de sus terceros álbumes de estudio y del rapero gangsta 50 Cent , Graduación y Curtis respectivamente, se ha acreditado desde entonces como causante del declive. [139] La competencia resultó en desempeños de ventas récord para ambos álbumes y West vendió más que 50 Cent, vendiendo casi un millón de copias de Graduación solo en la primera semana. [140] Los observadores de la industria comentan que la victoria de West sobre 50 Cent demostró que la música rap no tenía que ajustarse a las convenciones del gangsta-rap para tener éxito comercial. [141] West efectivamente allanó el camino para una nueva ola de artistas de hip-hop, incluidos Drake , Kendrick Lamar y J. Cole , que no siguieron el molde de los gangsters incondicionales y se convirtieron en artistas con ventas de platino. [142] [143]
Jay-Z se convirtió en un ícono del hip hop de renombre internacional tras las muertes de The Notorious BIG y Tupac Shakur a mediados de la década de 1990. [144] Kanye West fue asesorado por Jay-Z y produjo para él, [145] antes de alcanzar un nivel similar de éxito. [146]
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Las raperas Nicki Minaj , Cardi B , Saweetie , Doja Cat , Iggy Azalea , City Girls y Megan Thee Stallion también entraron en la corriente principal. [147] Hay muchas mujeres que han influido notablemente en la cultura hip hop. Sin embargo, algunos nombres que no pueden quedar sin mencionar son MC Sha-rock, MC Lyte , Queen Latifah , Lauryn Hill , Missy Elliot , Lil Kim , Erykah Badu , Foxy Brown y muchos más. De esta lista, MC Sha-rock es considerada la historiadora/pionera de la cultura hip-hop femenina. Comenzó su carrera como bailarina de break-dance en el Bronx, Nueva York, y luego se convirtió en "la primera maestra de ceremonias y rapera de la cultura hip-hop". [148] Su carrera ha sido de larga duración. Desde ser ex miembro de los Funky 4+1 más hasta tener batallas de rimas como MC con grupos como Grandmaster Flash y Furious 5. Otra pionera notable del hip-hop femenino es la famosa Queen Latifah, nacida como Dana Elaine Owens en Newark, Nueva Jersey. . Queen Latifah comenzó su carrera desde una edad temprana, a los 17 años, pero poco después de comenzar, pronto despegó. Lanzó su primer álbum de larga duración, All Hail the Queen , en 1989. [149] A medida que continuaba lanzando música, se hizo cada vez más popular y su fama aumentó en medio de la cultura hip-hop. Sin embargo, Queen Latifah no era una rapera cualquiera. Ella rapeó sobre los problemas que rodean ser una mujer negra y los problemas generales de injusticia social que aparecen en la industria de la música. Estas primeras pioneras han liderado la cultura del rap femenino y han impactado a las populares artistas femeninas de hip-hop de la actualidad. Por ejemplo, entre estos artistas populares se pueden incluir Cardi B, Megan Thee Stallion, Miss Mulatto , Flo Milli , Cupcakke y muchos otros. Cada artista tiene su propia identidad en el juego del rap; sin embargo, a medida que el hip-hop evoluciona, también lo hace el estilo de música. El primer álbum de estudio de Cardi B, Invasion of Privacy (2018), debutó en el número uno del Billboard 200 y fue nombrado el álbum de rap femenino número uno de la década de 2010 por Billboard . Aclamado por la crítica, convirtió a Cardi B en la única mujer en ganar el premio Grammy al Mejor Álbum de Rap como solista y marcó el primer álbum de rap femenino en quince años en ser nominado a Álbum del Año .
La industria musical estadounidense está dominada por grandes empresas que producen, comercializan y distribuyen ciertos tipos de música. Generalmente, estas compañías no producen, o producen sólo en cantidades muy limitadas, grabaciones en estilos que no atraigan a audiencias muy grandes. Las compañías más pequeñas a menudo llenan el vacío, ofreciendo una amplia variedad de grabaciones en estilos que van desde la polka hasta la salsa . Muchas pequeñas industrias musicales se construyen en torno a una base central de fans que pueden estar radicadas en gran medida en una región, como la música tejana o hawaiana , o pueden estar muy dispersas, como la audiencia del klezmer judío .
Entre los músicos hispanoamericanos que fueron pioneros en las primeras etapas del rock and roll se encontraban Ritchie Valens , quien anotó varios éxitos, entre los que destaca " La Bamba " y Herman Santiago escribió la letra de la icónica canción del rock and roll " Why Do Fools Fall in ". Amar ". Las canciones que se hicieron populares en los Estados Unidos y que se escuchan durante la temporada navideña son "¿Dónde Está Santa Claus?" es una novedosa canción navideña con Augie Ríos, de 12 años, fue un éxito discográfico en 1959 que contó con la participación de la orquesta Mark Jeffrey. " Feliz Navidad " (1970) de José Feliciano es otra canción latina famosa.
La industria de nicho más grande se basa en la música latina. La música latina ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense y fue una parte especialmente crucial del desarrollo del jazz. Los estilos pop latinos modernos incluyen una amplia gama de géneros importados de toda América Latina, incluida la cumbia colombiana, el reggaetón puertorriqueño y el corrido mexicano . La música popular latina en los Estados Unidos comenzó con una ola de bandas de baile en las décadas de 1930 y 1950. Los estilos más populares incluyeron la conga , la rumba y el mambo . En la década de 1950 , Pérez Prado hizo famoso el cha-cha-cha y el auge del jazz afrocubano abrió muchos oídos a las posibilidades armónicas, melódicas y rítmicas de la música latina. Sin embargo, la forma estadounidense más famosa de música latina es la salsa . La salsa incorpora muchos estilos y variaciones; el término se puede utilizar para describir la mayoría de las formas de géneros populares derivados de Cuba. Sin embargo, más específicamente, la salsa se refiere a un estilo particular que fue desarrollado por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños de mediados de la década de 1970, y descendientes estilísticos como la salsa romántica de la década de 1980 . [150] Los ritmos de la salsa son complicados, con varios patrones reproducidos simultáneamente. El ritmo de clave forma la base de las canciones de salsa y los intérpretes lo utilizan como base rítmica común para sus propias frases . [151]
La música latinoamericana ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense, el jazz , el ritmo y el blues e incluso la música country . Esto incluye música de países y territorios de América Latina de habla española, portuguesa y (a veces) francesa. [152]
Hoy en día, la industria discográfica estadounidense define la música latina como cualquier tipo de lanzamiento con letras mayoritariamente en español. [153] [154] Los artistas y productores convencionales tienden a incluir más canciones de artistas latinos y también se ha vuelto más probable que las canciones en inglés pasen a la radio en español y viceversa.
Estados Unidos jugó un papel importante en el desarrollo de la música electrónica de baile , específicamente el house y el techno , que se originaron en Chicago y Detroit , respectivamente.
Hoy en día, la música latinoamericana se ha convertido en un término para designar la música interpretada por latinos, independientemente de si tiene un elemento latino o no. Actos como Shakira , Jennifer López , Enrique Iglesias , Pitbull , Selena Gómez , Christina Aguilera , Gloria Estefan , Demi Lovato , Mariah Carey , Becky G , Paulina Rubio y Camila Cabello ocupan un lugar destacado en las listas de éxitos pop. Iglesias, quien tiene el récord de más números uno en Hot Latin Tracks de Billboard, lanzó un álbum bilingüe, inspirado en actos urbanos, lanza dos canciones completamente diferentes en formatos latino y pop al mismo tiempo.
El gobierno de los Estados Unidos regula la industria musical, hace cumplir las leyes de propiedad intelectual y promueve y recopila ciertos tipos de música. Según la ley de derechos de autor estadounidense , las obras musicales, incluidas las grabaciones y composiciones, están protegidas como propiedad intelectual tan pronto como se fijan en forma tangible. Los titulares de derechos de autor suelen registrar su trabajo en la Biblioteca del Congreso , que mantiene una colección del material. Además, la Biblioteca del Congreso ha buscado activamente materiales cultural y musicológicamente significativos desde principios del siglo XX, por ejemplo enviando investigadores a grabar música folclórica. Estos investigadores incluyen al pionero coleccionista de canciones populares estadounidenses Alan Lomax , cuyo trabajo ayudó a inspirar el renacimiento de las raíces de mediados del siglo XX. El gobierno federal también financia el Fondo Nacional para las Artes y las Humanidades , que asigna subvenciones a músicos y otros artistas, el Instituto Smithsonian , que lleva a cabo programas educativos y de investigación, y la Corporación para la Radiodifusión Pública , que financia emisoras de televisión y sin fines de lucro. [155]
La música ha afectado durante mucho tiempo la política de los Estados Unidos . Los partidos y movimientos políticos utilizan con frecuencia la música y las canciones para comunicar sus ideales y valores y para brindar entretenimiento en funciones políticas. La campaña presidencial de William Henry Harrison fue la primera en beneficiarse enormemente de la música, después de lo cual se convirtió en una práctica habitual que los principales candidatos utilizaran canciones para generar entusiasmo público. En décadas más recientes, los políticos a menudo eligieron temas musicales , algunos de los cuales se han vuelto icónicos; La canción "Happy Days Are Here Again", por ejemplo, se ha asociado con el Partido Demócrata desde la campaña de 1932 de Franklin D. Roosevelt . Sin embargo, desde la década de 1950, la música ha perdido importancia en la política y ha sido reemplazada por campañas televisadas con poca o ninguna música. Ciertas formas de música se asociaron más estrechamente con la protesta política, especialmente en la década de 1960. Estrellas del gospel como Mahalia Jackson se convirtieron en figuras importantes del movimiento por los derechos civiles , mientras que el resurgimiento del folk estadounidense ayudó a difundir la contracultura de los años 1960 y la oposición a la guerra de Vietnam . [156]
Estados Unidos tiene el mercado musical más grande del mundo con un valor minorista total de 4,9 mil millones de dólares en 2014, [157] La industria musical estadounidense incluye una serie de campos, que van desde compañías discográficas hasta estaciones de radio y orquestas comunitarias. Los ingresos totales de la industria son de unos 40 mil millones de dólares en todo el mundo y unos 12 mil millones de dólares en Estados Unidos. [158] La mayoría de las principales compañías discográficas del mundo tienen su sede en los Estados Unidos; están representados por la Recording Industry Association of America (RIAA). Las principales compañías discográficas producen material de artistas que han firmado con uno de sus sellos discográficos , una marca a menudo asociada con un género o productor discográfico en particular . Las compañías discográficas también pueden promocionar y comercializar a sus artistas mediante publicidad, actuaciones y conciertos públicos y apariciones en televisión. Las compañías discográficas pueden estar afiliadas a otras compañías de medios musicales que producen un producto relacionado con la música grabada popular. Estos incluyen canales de televisión como MTV , revistas como Rolling Stone y estaciones de radio. En los últimos años, la industria de la música se ha visto envuelta en confusión por el aumento de la descarga de Internet de música protegida por derechos de autor ; Muchos músicos y la RIAA han intentado castigar a los fans que descargan ilegalmente música protegida por derechos de autor. [159]
Las estaciones de radio de Estados Unidos suelen transmitir música popular. Cada estación de música tiene un formato , o una categoría de canciones para reproducir; generalmente son similares, pero no iguales, a la clasificación genérica ordinaria. Muchas estaciones de radio en los Estados Unidos son de propiedad y operación local y pueden ofrecer una variedad ecléctica de grabaciones; Muchas otras estaciones son propiedad de grandes empresas como Clear Channel y generalmente están formateadas en listas de reproducción más pequeñas y repetitivas . Las ventas comerciales de grabaciones son rastreadas por la revista Billboard , que compila una serie de listas musicales para diversos campos de ventas de música grabada. El Billboard Hot 100 es la lista superior de música pop para sencillos , una grabación que consta de un puñado de canciones; Las grabaciones pop más largas son álbumes y son rastreadas por el Billboard 200 . [160] Aunque la música grabada es algo común en los hogares estadounidenses, muchos de los ingresos de la industria musical provienen de un pequeño número de devotos; por ejemplo, el 62% de las ventas de álbumes provienen de menos del 25% de la audiencia que compra música. [161] Las ventas totales de CD en los Estados Unidos superaron los 705 millones de unidades vendidas en 2005, y las ventas de sencillos poco menos de tres millones. [162]
Aunque las principales compañías discográficas dominan la industria musical estadounidense, existe una industria musical independiente ( música indie ). La mayoría de los sellos discográficos independientes tienen una distribución minorista limitada, si es que tienen alguna, fuera de una región pequeña. A veces, los artistas graban para un sello independiente y obtienen suficiente reconocimiento como para firmar con un sello importante; otros optan por permanecer en un sello independiente durante toda su carrera. La música independiente puede tener estilos generalmente similares a la música convencional, pero a menudo es inaccesible, inusual o poco atractiva para muchas personas. Los músicos independientes suelen publicar algunas o todas sus canciones a través de Internet para que los fans y otras personas las descarguen y escuchen. [159] Además de grabar artistas de muchos tipos, existen numerosos campos de la musicalidad profesional en los Estados Unidos, muchos de los cuales rara vez graban, incluidas orquestas comunitarias, cantantes y bandas de bodas, cantantes de salón y DJ de clubes nocturnos. La Federación Estadounidense de Músicos es el sindicato estadounidense de músicos profesionales más grande. Sin embargo, sólo el 15% de los miembros de la Federación tienen un empleo musical estable. [163]
La música es una parte importante de la educación en los Estados Unidos y forma parte de la mayoría o de todos los sistemas escolares del país. La educación musical es generalmente obligatoria en las escuelas primarias públicas y es optativa en los años posteriores. [164]
El estudio académico de la música en los Estados Unidos incluye trabajos que relacionan la música con la clase social, la identidad racial, étnica y religiosa, el género y la sexualidad, así como estudios de historia de la música, musicología y otros temas. El estudio académico de la música estadounidense se remonta a finales del siglo XIX, cuando investigadores como Alice Fletcher y Francis La Flesche estudiaron la música de los pueblos Omaha , trabajando para la Oficina de Etnología Estadounidense y el Museo Peabody de Arqueología y Etnología . En la década de 1890 y principios del siglo XX, se realizaron grabaciones musicológicas entre los pueblos indígenas, hispanos, afroamericanos y angloamericanos de los Estados Unidos. Muchos trabajaron para la Biblioteca del Congreso , primero bajo el liderazgo de Oscar Sonneck , jefe de las Divisiones de Música de la Biblioteca. [165] Estos investigadores incluyeron a Robert W. Gordon, fundador del Archive of American Folk Song , y John y Alan Lomax ; Alan Lomax fue el más destacado de varios coleccionistas de canciones populares que ayudaron a inspirar el resurgimiento de las raíces de la cultura popular estadounidense en el siglo XX . [166]
Los análisis académicos de principios del siglo XX sobre la música estadounidense tendían a interpretar las tradiciones clásicas de origen europeo como las más dignas de estudio, y las músicas folclóricas, religiosas y tradicionales de la gente común eran denigradas como de clase baja y de escaso valor artístico o social. La historia de la música estadounidense se comparó con el registro histórico mucho más extenso de las naciones europeas, y se consideró deficiente, lo que llevó a escritores como el compositor Arthur Farwell a reflexionar sobre qué tipo de tradiciones musicales podrían surgir de la cultura estadounidense, en su obra Music in America de 1915 . En 1930, Our American Music de John Tasker Howard se convirtió en un análisis estándar, centrándose principalmente en la música de concierto compuesta en los Estados Unidos. [167] Desde el análisis del musicólogo Charles Seeger a mediados del siglo XX, la historia de la música estadounidense a menudo se ha descrito como íntimamente relacionada con las percepciones de raza y ascendencia. Desde este punto de vista, los diversos antecedentes raciales y étnicos de los Estados Unidos han promovido un sentido de separación musical entre las razas, al mismo tiempo que fomentan una aculturación constante, a medida que elementos de las músicas europea, africana e indígena han cambiado de campo. [165] America 's Music, from the Pilgrims to the Present , de Gilbert Chase , fue la primera obra importante que examinó la música de todo Estados Unidos y reconoció que las tradiciones populares son culturalmente más significativas que la música para salas de conciertos. El análisis de Chase de una identidad musical estadounidense diversa sigue siendo la visión dominante entre el establishment académico. [167] Sin embargo, hasta las décadas de 1960 y 1970, la mayoría de los académicos musicales en los Estados Unidos continuaron estudiando la música europea, limitándose sólo a ciertos campos de la música estadounidense, especialmente los estilos clásicos y operísticos de origen europeo y, a veces, el jazz afroamericano. Los musicólogos y etnomusicólogos más modernos han estudiado temas que van desde la identidad musical nacional hasta los estilos y técnicas individuales de comunidades específicas en un momento particular de la historia estadounidense. [165] Entre los estudios recientes más destacados sobre la música estadounidense se incluyen Music in the New World de Charles Hamm de 1983 y America's Musical Life de Richard Crawford de 2001. [168]
La música es una parte importante de varias festividades estadounidenses, especialmente en la celebración invernal de la Navidad . La música de la festividad incluye tanto canciones religiosas como " O Holy Night " como canciones seculares como " Jingle Bells ". Canciones patrióticas como el himno nacional, " The Star-Spangled Banner ", son una parte importante de las celebraciones del Día de la Independencia . La música también juega un papel en muchas festividades regionales que no se celebran en todo el país, el más famoso Mardi Gras , un desfile y festival de música y danza en Nueva Orleans, Luisiana .
Estados Unidos es sede de numerosos festivales de música , que muestran estilos que van desde el blues y el jazz hasta el indie rock y el heavy metal. Algunos festivales de música tienen un alcance estrictamente local, incluyen pocos o ningún artista con reputación nacional y generalmente son operados por promotores locales. Las grandes compañías discográficas organizan sus propios festivales de música, como Lollapalooza y Ozzfest , que atraen a grandes multitudes.
Por región :
{{cite web}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) CS1 maint: numeric names: authors list (link)La industria discográfica estadounidense define la música latina simplemente como cualquier lanzamiento con letras mayoritariamente en español.
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