El rock estadounidense tiene sus raíces en el rock and roll , el rhythm and blues y la música country de los años 1940 y 1950 , y también se nutre de la música folk , el jazz , el blues y la música clásica . La música rock estadounidense recibió además la influencia de la invasión británica de las listas de éxitos estadounidenses a partir de 1964, lo que dio lugar al desarrollo del rock psicodélico .
Desde finales de los años 1960 y principios de los años 1970, la música rock estadounidense tuvo una gran influencia en el desarrollo de una serie de géneros de fusión, incluida la mezcla con música folclórica para crear folk rock , con blues para crear blues rock , con música country para crear country rock , roots rock y southern rock y con jazz para crear jazz rock , todos los cuales contribuyeron al rock psicodélico . En la década de 1970, el rock desarrolló una gran cantidad de subgéneros, como soft rock , hard rock , heavy metal , glam rock , rock progresivo y punk rock .
Los nuevos subgéneros que se derivaron del punk y que fueron importantes en la década de 1980 incluyeron la new wave , el hardcore punk , el post-punk , el thrash y el rock alternativo . En la década de 1990, el rock alternativo irrumpió en la corriente principal con el grunge , y otros subgéneros importantes incluyeron el indie rock y el nu metal . En la década de 2000, los géneros que surgieron en la corriente principal incluyeron el emo , el metalcore y hubo un renacimiento del garage rock/post-punk . El desarrollo de la tecnología digital condujo al desarrollo de nuevas formas de rock electrónico digital .
Los cimientos de la música rock estadounidense están en el rock and roll, que se originó en Estados Unidos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950. Sus orígenes inmediatos se encuentran en una mezcla de varios géneros musicales negros de la época, incluidos el rhythm and blues y la música gospel ; además del country y western . [1] En 1951, el disc jockey de Cleveland Alan Freed comenzó a tocar música rhythm and blues para un público multirracial, y se le atribuye el primer uso de la frase "rock and roll" para describir la música. [2]
Existe un gran debate sobre cuál debería considerarse el primer disco de rock and roll . Un contendiente es « Rocket 88 » de Jackie Brenston y sus Delta Cats (de hecho, Ike Turner y su banda The Kings of Rhythm), grabado por Sam Phillips para Sun Records en Memphis en 1951. [3] Se ha argumentado que « That's All Right (Mama) » (1954), el primer sencillo importante de Elvis Presley para Sun Records fue el primer disco de rock and roll, [4] pero, al mismo tiempo, « Shake, Rattle & Roll » de Big Joe Turner , posteriormente versionada por Bill Haley , [5] ya estaba en la cima de las listas de R&B de Billboard . Otros artistas con éxitos tempranos de rock and roll fueron Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee Lewis y Gene Vincent . [3] " Rock Around the Clock " (1955) de Bill Haley se convirtió en la primera canción de rock and roll en encabezar las listas de ventas y reproducción de la revista Billboard , y abrió la puerta a esta nueva ola de cultura popular en todo el mundo. [5] [6] Pronto el rock and roll se convirtió en la principal fuerza en las ventas de discos estadounidenses y los cantantes, como Eddie Fisher , Perry Como y Patti Page , que habían dominado la década anterior de la música popular, vieron reducido significativamente su acceso a las listas de éxitos del pop. [7]
Se ha considerado que el rock and roll dio lugar a varios subgéneros distintos, incluido el rockabilly , que combina el rock and roll con la música country "hillbilly", que generalmente se tocaba y grababa a mediados de la década de 1950 por cantantes blancos como Carl Perkins , Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y, con el mayor éxito comercial, Elvis Presley. [8] [9] Por el contrario, el doo wop puso énfasis en armonías vocales de varias partes y letras de acompañamiento sin sentido (de las que más tarde el género obtuvo su nombre), que generalmente se apoyaban con instrumentación ligera y tuvieron sus orígenes en los grupos vocales afroamericanos de las décadas de 1930 y 1940. [10] Grupos como The Crows , The Penguins , [5] The El Dorados y The Turbans consiguieron grandes éxitos, y grupos como The Platters , con canciones como « The Great Pretender » (1955), [5] y The Coasters con canciones humorísticas como « Yakety Yak » (1958), [11] se situaron entre los grupos de rock and roll más exitosos de la época. [12] La época también vio el crecimiento de la popularidad de la guitarra eléctrica y el desarrollo de un estilo de interpretación específicamente rock and roll a través de exponentes como Chuck Berry, [5] Link Wray y Scotty Moore . [13] También fue significativo el advenimiento de la música soul como una fuerza comercial importante. Se desarrolló a partir del rhythm and blues con una reinyección de música gospel y pop y fue liderada por pioneros como Ray Charles y Sam Cooke desde mediados de la década de 1950. [14] A principios de los años 60, figuras como Marvin Gaye , James Brown , Aretha Franklin , Curtis Mayfield y Stevie Wonder dominaban las listas de R&B y se abrían paso en las principales listas de pop, lo que ayudó a acelerar su desegregación, mientras que Motown y Stax/Volt Records se estaban convirtiendo en fuerzas importantes en la industria discográfica. [15] Todos estos elementos, incluidas las armonías cercanas del doo wop y los grupos de chicas, la composición cuidadosamente elaborada de las canciones del Brill Building Sound y los pulidos valores de producción del soul, se han considerado como influenciadores del sonido Merseybeat , en particular el trabajo temprano de The Beatles , y a través de ellos y otros, la forma de la música rock posterior.[16] Algunos historiadores de la música también han señalado importantes e innovadores desarrollos técnicos que se basaron en el rock and roll en este período, en particular el Muro de Sonido impulsado por Phil Spector . [17]
Los comentaristas tradicionalmente han percibido un declive del rock and roll a finales de los años 1950 y principios de los 1960. [18] Para 1959, la muerte de Buddy Holly , The Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, la partida de Elvis al ejército, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, los procesamientos de Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y el estallido del escándalo de la payola (que implicó a figuras importantes, incluyendo a Alan Freed, en sobornos y corrupción en la promoción de actos o canciones individuales), dieron la sensación de que la era inicial del rock and roll había llegado a su fin. [19] Más recientemente, algunos autores han enfatizado innovaciones y tendencias importantes en este período sin las cuales los desarrollos futuros no habrían sido posibles. [17] [20] Mientras que el rock and roll temprano, particularmente a través del advenimiento del rockabilly, vio el mayor éxito comercial para los artistas masculinos y blancos, en esta era el género estaba dominado por artistas negros y femeninos. El rock and roll no había desaparecido a finales de los años 1950 y parte de su energía se puede ver en la locura del baile Twist de principios de los 60, que benefició principalmente la carrera de Chubby Checker . [17] Habiendo desaparecido a finales de los años 1950, el doo wop disfrutó de un renacimiento en el mismo período, con éxitos para grupos como The Marcels , The Capris , Maurice Williams y Shep and the Limelights . [12] El auge de grupos de chicas como The Chantels , The Shirelles y The Crystals puso énfasis en las armonías y la producción pulida que contrastaba con el rock and roll anterior. [21] Algunos de los éxitos más importantes de los grupos de chicas fueron productos del Brill Building Sound, llamado así por el bloque de Nueva York donde se establecieron muchos compositores, que incluyó el éxito número uno de las Shirelles " Will You Love Me Tomorrow " en 1960, escrito por la asociación de Gerry Goffin y Carole King . [22]
El rock and roll instrumental iniciado por intérpretes como Duane Eddy , Link Wray y The Ventures fue desarrollado por Dick Dale , quien agregó una distintiva reverberación "húmeda" , punteo alternativo rápido, así como influencias de Medio Oriente y México, produciendo el éxito regional " Let's Go Trippin' " en 1961 y lanzando la locura de la música surf. Al igual que Dale y sus Del-Tones , la mayoría de las primeras bandas de surf se formaron en el sur de California, incluidos los Bel-Airs , The Challengers y Eddie & the Showmen . [23] Los Chantays obtuvieron un éxito nacional entre los diez primeros con " Pipeline " en 1963 y probablemente la melodía de surf más conocida fue " Wipe Out " de 1963, de los Surfaris , que alcanzó el número 2 y el número 10 en las listas de Billboard en 1965. [24] La creciente popularidad del género llevó a grupos de otras áreas a probar suerte. Entre ellos se encontraban The Astronauts , de Boulder, Colorado , The Trashmen , de Minneapolis, Minnesota , que tuvo un éxito número 4 con " Surfin' Bird " en 1964 y The Rivieras de South Bend, Indiana , que alcanzó el número 5 en 1964 con "California Sun". [25] The Atlantics , de Sídney, Australia , hizo una contribución significativa al género, con su éxito "Bombora" (1963). [25]
La música surf alcanzó su mayor éxito comercial como música vocal, particularmente el trabajo de los Beach Boys , formados en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes incluían tanto surf rock instrumental (entre ellos versiones de música de Dick Dale) como canciones vocales, basándose en el rock and roll y el doo wop y las armonías cercanas de grupos de pop vocal como Four Freshmen . [18] [25] Su primer éxito en las listas, " Surfin' " en 1962 alcanzó el top 100 de Billboard y ayudó a hacer de la locura de la música surf un fenómeno nacional. [26] A partir de 1963, el grupo comenzó a dejar atrás el surf como tema cuando Brian Wilson se convirtió en su principal compositor y productor, pasando a temas más generales de la adolescencia masculina, incluidos los coches y las chicas en canciones como " Fun, Fun, Fun " (1964) y " California Girls " (1965). [26] Otros grupos de surf vocales siguieron, incluyendo grandes éxitos de un solo éxito como Ronny & the Daytonas con "GTO" (1964) y Rip Chords con " Hey Little Cobra ", que llegaron al top ten, pero el único otro grupo que logró un éxito sostenido con la fórmula fueron Jan & Dean , que tuvo un éxito número uno con " Surf City " (coescrito con Brian Wilson) en 1963. [25] La locura de la música surf, y las carreras de casi todos los grupos de surf, terminaron efectivamente con la llegada de la Invasión Británica a partir de 1964. [25] Solo los Beach Boys pudieron mantener una carrera creativa hasta mediados de la década de 1960, produciendo una serie de sencillos y álbumes exitosos, incluido el muy apreciado Pet Sounds en 1966, [27] que los convirtió, posiblemente, en el único grupo de rock o pop estadounidense que podía rivalizar con The Beatles. [26]
A finales de 1962, los grupos beat británicos como The Beatles se basaban en una amplia gama de influencias estadounidenses, incluida la música soul, el rhythm and blues y la música surf. [28] Inicialmente, reinterpretaron melodías estadounidenses estándar, tocando para bailarines que hacían el twist , por ejemplo. Estos grupos eventualmente infundieron sus composiciones originales con ideas musicales cada vez más complejas y un sonido distintivo. Durante 1963, The Beatles y otros grupos beat, como The Searchers y The Hollies , alcanzaron popularidad y éxito comercial en Gran Bretaña. [29]
El rock británico se hizo popular en Estados Unidos en enero de 1964 con el éxito de los Beatles. « I Want to Hold Your Hand » fue el primer éxito número uno de la banda en la lista Billboard Hot 100 , iniciando la invasión británica de las listas de música estadounidenses. [30] La canción entró en la lista el 18 de enero de 1964, en el puesto número 45 antes de convertirse en el sencillo número uno durante 7 semanas y permanecer un total de 15 semanas en la lista. [31] Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero se considera un hito en la cultura pop estadounidense. [32] La transmisión atrajo a un estimado de 73 millones de espectadores, en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock con mayores ventas de todos los tiempos y fueron seguidos por numerosas bandas británicas, particularmente aquellas influenciadas por la música blues, como The Rolling Stones , The Animals y The Yardbirds . [29]
La Invasión Británica posiblemente significó el fin de la música surf instrumental, los grupos vocales de chicas y (por un tiempo) los ídolos adolescentes , que habían dominado las listas estadounidenses a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960. [33] Afectó las carreras de actos de R&B establecidos como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito en las listas de los actos de rock and roll sobrevivientes, incluido Elvis. [34] La Invasión Británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de música rock y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y batería y produciendo su propio material como cantautores . [35]
El garage rock era una forma cruda de música rock, predominante en Norteamérica a mediados de los años 1960, y llamado así debido a la percepción de que se ensayaba en un garaje familiar suburbano. [36] [37] Las canciones de garage rock giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, y las canciones sobre "chicas mentirosas" eran particularmente comunes. [38] Las letras y la entrega eran más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñonas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes. [36] Variaban desde música cruda de un solo acorde (como The Seeds ) hasta calidad de músico de estudio (incluidos Knickerbockers , The Remains y The Fifth Estate ). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes, particularmente en California y Texas. [38] Los estados del noroeste del Pacífico de Washington y Oregón tenían quizás el sonido regional más definido. [39]
El estilo había estado evolucionando desde las escenas regionales ya en 1958. "Tall Cool One" (1959) de The Wailers y " Louie Louie " de The Kingsmen (1963) son ejemplos convencionales del género en sus etapas formativas. En 1963, los sencillos de las bandas de garage se estaban infiltrando en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere and the Raiders (Boise), [40] the Trashmen (Minneapolis) [41] y the Rivieras (South Bend, Indiana). [42] Otras bandas de garage influyentes, como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca llegaron al Billboard Hot 100. [ 43] En este período temprano, muchas bandas estaban fuertemente influenciadas por el surf rock y hubo una polinización cruzada entre el garage rock y el frat rock , a veces visto como un mero subgénero del garage rock. [44]
La invasión británica de 1964-66 influyó enormemente en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchas (a menudo grupos de surf o hot rod ) a adoptar un tono de invasión británica y alentó a muchos más grupos a formarse. [38] Miles de bandas de garage existían en los EE. UU. y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. [38] Algunos ejemplos incluyen: "I Just Don't Care" de The D-Men de la ciudad de Nueva York (1965), "The Witch" de The Sonics de Tacoma (1965), "Where You Gonna Go" de Unrelated Segments de Detroit (1967), "Girl I Got News for You" de Birdwatchers de Miami (1966) y "1–2–5" de The Haunted de Montreal . A pesar de que decenas de bandas firmaron con importantes o grandes sellos regionales, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que el garage rock alcanzó su apogeo tanto comercial como artístico alrededor de 1966. [38] En 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local, ya que los músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el reclutamiento . [38] Se habían desarrollado nuevos estilos para reemplazar al garage rock (incluido el blues-rock , el rock progresivo y el country rock ). [38] En Detroit, el garage rock se mantuvo vivo hasta principios de los años 70, con bandas como MC5 y The Stooges , que emplearon un estilo mucho más agresivo. Estas bandas comenzaron a ser etiquetadas como punk rock y ahora a menudo se las ve como proto-punk o proto- hard rock . [45]
En Estados Unidos, el blues rock fue iniciado a principios de los años 1960 por el guitarrista Lonnie Mack , [46] pero el género comenzó a despegar en los EE. UU. a mediados de los años 60 a medida que los grupos desarrollaban un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat , los primeros Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , The J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus power trios , Jimi Hendrix Experience y Band of Gypsys , cuyo virtuosismo con la guitarra y su sentido del espectáculo estarían entre los más emulados de la década. [47]
Las primeras bandas de blues rock solían emularse al jazz, tocando improvisaciones largas y complejas, que luego serían un elemento importante del rock progresivo . Desde aproximadamente 1967, bandas como Cream habían comenzado a alejarse de la música puramente basada en el blues hacia la psicodelia. [48] En la década de 1970, el blues rock se había vuelto más pesado y basado más en riffs, ejemplificado por el trabajo de las bandas británicas Led Zeppelin y Deep Purple , y las líneas entre el blues rock y el hard rock "eran apenas visibles", [48] ya que las bandas comenzaron a grabar álbumes de estilo rock. [48] El género fue continuado en la década de 1970 por figuras como George Thorogood , [47] pero las bandas se centraron en la innovación del heavy metal , y el blues rock comenzó a salir de la corriente principal. [49]
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del resurgimiento de la música folk estadounidense había crecido hasta convertirse en un movimiento importante, que utilizaba música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. [50] En Estados Unidos, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y a menudo se lo identificaba con la política progresista o laboral . [50] [51] A principios de los sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. [52] [53] Dylan había comenzado a llegar a un público general con éxitos como " Blowin' in the Wind " (1963) y " Masters of War " (1963), que llevaron las " canciones de protesta " a un público más amplio, [54] pero, aunque comenzaron a influirse mutuamente, el rock y la música folk habían permanecido como géneros en gran medida separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes. [55]
Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con la grabación de The Byrds de " Mr. Tambourine Man " de Dylan, que encabezó las listas de éxitos en 1965. [55] [56] Con miembros que habían sido parte de la escena folk de los cafés de Los Ángeles, los Byrds adoptaron la instrumentación del rock, incluyendo tambores y guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas , que se convirtieron en un elemento importante en el sonido del género. [55] Más tarde ese año, Dylan adoptó instrumentos eléctricos, para gran indignación de muchos puristas del folk, y su " Like a Rolling Stone " se convirtió en un sencillo de éxito en Estados Unidos. [55] [57] El folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a grupos como The Mamas & the Papas [58] y Crosby, Stills and Nash a pasarse a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde generó artistas como The Lovin' Spoonful [56] y Simon and Garfunkel , [58] con el acústico " The Sounds of Silence " de este último siendo remezclado con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. [55]
El folk rock alcanzó su pico de popularidad comercial en el período 1967-8, antes de que muchos grupos se desviaran en diversas direcciones, incluidos Dylan y los Byrds, quienes comenzaron a desarrollar el country rock . [59] Sin embargo, se ha visto que la hibridación del folk y el rock ha tenido una gran influencia en el desarrollo de la música rock, incorporando elementos de psicodelia y ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de "autenticidad". [55] [60]
El estilo de música psicodélica inspirado en el LSD comenzó en la escena folk, cuando los Holy Modal Rounders, con base en Nueva York, utilizaron el término en su grabación de 1964 de " Hesitation Blues ". [61] El primer grupo en promocionarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas, a fines de 1965; produjeron un álbum que dejó en claro su dirección, con The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators al año siguiente. [61]
El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California cuando los grupos siguieron a los Byrds del folk al folk rock a partir de 1965. [62] El estilo de vida psicodélico ya se había desarrollado en San Francisco y productos particularmente destacados de la escena fueron The Grateful Dead , Country Joe and the Fish , The Great Society y Jefferson Airplane . [62] [63] Los Byrds progresaron rápidamente desde el folk rock puro en 1966 con su sencillo " Eight Miles High ", [64] ampliamente tomado [¿ por quién? ] como una referencia al consumo de drogas.
El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. El Verano del Amor de 1967 fue precedido por el evento Human Be-In y alcanzó su punto máximo en el Festival Pop de Monterey , [64] este último ayudó a convertir a Jimi Hendrix en una gran estrella estadounidense. [65] Las grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y Strange Days de The Doors . [66] Estas tendencias alcanzaron su clímax en el festival de Woodstock de 1969 , [67] que vio actuaciones de la mayoría de los principales grupos psicodélicos, pero a finales de la década el rock psicodélico estaba en retirada. The Jimi Hendrix Experience y Cream se separaron y muchos de los grupos sobrevivientes se alejaron de la psicodelia hacia un "rock de raíces" más básico, la experimentación más amplia del rock progresivo o el rock pesado cargado de riffs. [62]
El rock de raíces es el término que se utiliza ahora para describir un alejamiento de lo que algunos veían como los excesos de la escena psicodélica, hacia una forma más básica de rock and roll que incorporaba sus influencias originales, en particular la música country y folk, lo que llevó a la creación del country rock y el rock sureño. [68] En 1966, Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde . [69] Este, y los álbumes posteriores con una influencia más clara del country, han sido vistos como creadores del género country folk , una ruta seguida por varios músicos folk, en su mayoría acústicos. [69] Otros actos que siguieron la tendencia de regreso a lo básico incluyeron a Creedence Clearwater Revival , con sede en California, que mezcló rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de finales de la década de 1960. [70] El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder , Bonnie Raitt y Lowell George , [71] e influyó en el trabajo de artistas consagrados como Beggar's Banquet (1968) de los Rolling Stones y Let It Be (1970) de los Beatles . [62]
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band , posiblemente el primer álbum de country-rock verdadero . [72] Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. [72] Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para que se le uniera otro ex miembro de los Byrds, Chris Hillman, para formar The Flying Burrito Brothers , quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons se fuera para seguir una carrera en solitario. [72] El country rock fue particularmente popular en la escena musical californiana, donde fue adoptado por bandas como Hearts and Flowers, Poco y New Riders of the Purple Sage , [72] Beau Brummels [72] y Nitty Gritty Dirt Band . [73] Algunos intérpretes también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluidos: los Everly Brothers ; [74] el ex ídolo adolescente Rick Nelson [75] que se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith [76] que formó First National Band ; y Neil Young . [72] Los Dillards fueron, inusualmente, un acto country, que se inclinó hacia la música rock. [72] El mayor éxito comercial del country rock llegó en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt and the Eagles (compuesto por miembros de Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los actos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluían Hotel California (1976). [77]
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Los fundadores del rock sureño suelen ser los Allman Brothers Band , que desarrollaron un sonido distintivo, derivado en gran medida del blues rock , pero incorporando elementos de boogie , soul y country a principios de los años 1970. [78] El acto más exitoso que los siguió fue Lynyrd Skynyrd , quien ayudó a establecer la imagen del "buen chico" del subgénero y la forma general del rock de guitarra de los años 1970. [78] Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs , los Outlaws con más influencia country , Wet Willie con inclinación al jazz y (incorporando elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils . [78] Después de la pérdida de los miembros originales de los Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .38 Special , Molly Hatchet y The Marshall Tucker Band . [78]
El rock progresivo, un término que a veces se usa indistintamente con el rock artístico , fue un intento de ir más allá de las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. [79] Desde mediados de la década de 1960, grupos como The Left Banke y The Beach Boys, habían sido pioneros en la inclusión de clavicordios , secciones de viento y cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco . [27] [80] Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en la fantasía y la ciencia ficción . [81] La marca estadounidense de rock progresivo variaba desde el ecléctico e innovador Frank Zappa , [82] Captain Beefheart y Blood, Sweat and Tears , [83] hasta bandas más orientadas al pop rock como Boston , Foreigner , Kansas , Journey y Styx . [79] Estos, además de las bandas británicas Supertramp y Electric Light Orchestra , demostraron una influencia del rock progresivo y, aunque se ubicaron entre los actos comercialmente más exitosos de la década de 1970, surgieron en la era de la pompa o el rock de estadio , que duraría hasta que los costos de los espectáculos complejos (a menudo con puesta en escena teatral y efectos especiales), fueran reemplazados por festivales de rock más económicos como lugares importantes en vivo en la década de 1990.
El glam rock fue prefigurado por el espectáculo y la manipulación de la identidad de género de actos estadounidenses como The Cockettes y Alice Cooper . [84] Surgió de las escenas psicodélicas y de rock artístico inglesas de finales de los años 1960 y puede verse como una extensión de, y una reacción contra, esas tendencias. [85] Musicalmente fue muy diverso, variando entre el simple revivalismo del rock and roll hasta el complejo rock artístico, y puede verse tanto como una moda como un subgénero musical. [85] Visualmente fue una mezcla de varios estilos, que iban desde el glamour de Hollywood de los años 30 , pasando por el atractivo sexual de las pin-ups de los años 50, la teatralidad del cabaret de antes de la guerra , los estilos literarios y simbolistas victorianos , la ciencia ficción , hasta el misticismo y la mitología antiguos y ocultos ; manifestándose en ropa escandalosa, maquillaje, peinados y botas con suela de plataforma. [86] El glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y sus representaciones de androginia , además de un uso extensivo de la teatralidad. [87] El éxito de artistas británicos como David Bowie llevó a la adopción de estilos glam entre artistas como Lou Reed , Iggy Pop , New York Dolls y Jobriath , a menudo conocidos como "glitter rock" y con un contenido lírico más oscuro que sus contrapartes británicas. [88]
Desde finales de la década de 1960 se hizo común dividir la música rock mainstream en soft rock y hard rock. El soft rock a menudo se derivaba del folk rock, utilizando instrumentos acústicos y poniendo más énfasis en la melodía y las armonías. [89] Los artistas principales incluyeron a Carole King , James Taylor y America . [89] [90] Alcanzó su pico comercial a mediados y finales de los años 70 con actos como Billy Joel y el reformado Fleetwood Mac , cuyo Rumours (1977) fue el álbum más vendido de la década. [91] Por el contrario, el hard rock se derivaba más a menudo del blues-rock y se tocaba más fuerte y con más intensidad. [92] A menudo enfatizaba la guitarra eléctrica, tanto como un instrumento rítmico usando riffs repetitivos simples y como un instrumento principal solista , y era más probable que se usara con distorsión y otros efectos. [92] Los actos clave incluyeron bandas de la invasión británica como The Who y The Kinks , así como intérpretes de la era psicodélica como Cream, Jimi Hendrix y The Jeff Beck Group y bandas estadounidenses como Iron Butterfly , MC5 , Blue Cheer y Vanilla Fudge . [92] [93] Las bandas con influencia del hard rock que disfrutaron de éxito internacional en la década de 1970 incluyeron a Montrose , incluido el talento instrumental de Ronnie Montrose y la voz de Sammy Hagar y posiblemente la primera banda de hard rock totalmente estadounidense en desafiar el dominio británico del género, lanzó su primer álbum en 1973, [94] y fueron seguidas por bandas como Aerosmith . [92]
Desde finales de los años 1960, el término heavy metal comenzó a usarse para describir un hard rock tocado con incluso más volumen e intensidad, primero como adjetivo y a principios de los años 1970 como sustantivo. [95] El término se utilizó por primera vez en la música en " Born to be Wild " (1967) de Steppenwolf y comenzó a asociarse con bandas pioneras como Blue Cheer de Boston y Grand Funk Railroad de Michigan . [96] Para 1970, tres bandas británicas clave habían desarrollado los sonidos y estilos característicos que ayudarían a dar forma al subgénero. Led Zeppelin agregó elementos de fantasía a su blues-rock cargado de riffs, Deep Purple trajo intereses sinfónicos y medievales de su frase de rock progresivo y Black Sabbath introdujo facetas de la armonía gótica y modal , ayudando a producir un sonido "más oscuro". [97] Estos elementos fueron retomados por una "segunda generación" de bandas de heavy metal a finales de los años 1970, entre ellas Kiss , Ted Nugent y Blue Öyster Cult de los EE. UU. [97] A pesar de la falta de difusión y muy poca presencia en las listas de sencillos, el heavy metal de finales de los años 1970 consiguió un número considerable de seguidores, en particular entre los varones adolescentes de clase trabajadora de América del Norte y Europa. [98]
El rock ha sido criticado por algunos líderes religiosos cristianos, que lo han condenado como inmoral, anticristiano e incluso demoníaco. [99] Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a fines de la década de 1960, particularmente a partir del movimiento de Jesús que comenzó en el sur de California, y surgió como un subgénero en la década de 1970 con artistas como Larry Norman , generalmente visto como la primera "estrella" importante del rock cristiano. [100] El género ha sido particularmente popular en los Estados Unidos . [101] Muchos intérpretes de rock cristiano tienen vínculos con la escena de la música cristiana contemporánea , mientras que otras bandas y artistas están estrechamente vinculados a la música independiente . Desde la década de 1980, los intérpretes de rock cristiano han obtenido un éxito generalizado, incluidas figuras como la artista estadounidense de crossover gospel-pop Amy Grant . [102] Si bien estos artistas fueron en gran medida aceptables en las comunidades cristianas, la adopción de estilos de heavy rock y glam metal por parte de bandas como Petra y Stryper , que lograron un éxito considerable en la década de 1980, fue más controvertida. [103] [104] A partir de la década de 1990 hubo un número cada vez mayor de actos que intentaron evitar la etiqueta de banda cristiana, prefiriendo ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluidos POD y Collective Soul . [105]
El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en Estados Unidos y el Reino Unido. Con raíces en el garage rock y otras formas de lo que ahora se conoce como música protopunk , las bandas de punk rock evitaron los excesos percibidos del rock mainstream de los años 70. [106] Crearon música rápida y contundente, típicamente con canciones cortas, instrumentación simplificada y letras a menudo políticas y anti-establishment. El punk adopta una ética DIY (hazlo tú mismo), con muchas bandas autoproduciendo sus grabaciones y distribuyéndolas a través de canales informales. [107] A fines de 1976, actos como los Ramones y Patti Smith , en la ciudad de Nueva York, y los Sex Pistols y The Clash , en Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical. [106] El año siguiente, el punk rock se extendió por todo el mundo. En su mayor parte, el punk se arraigó en escenas locales que tendían a rechazar la asociación con la corriente principal. Surgió una subcultura punk asociada , que expresaba la rebelión juvenil y se caracterizaba por estilos de vestimenta distintivos y una variedad de ideologías antiautoritarias . [108] [109] Desde la popularidad inicial del punk rock en la década de 1970 y el renovado interés creado por el resurgimiento del punk de la década de 1990, el punk rock continúa teniendo un fuerte seguimiento underground. [110] Una variación más extrema del punk rock, el hardcore punk surgió de escenas locales, particularmente en Los Ángeles y Nueva York y echó raíces en Washington DC, Boston y San Francisco. Con canciones más fuertes, más rápidas y generalmente más cortas con voces gritadas o chilladas, engendró bandas como Dead Kennedys , Minor Threat y Black Flag . [111]
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Aunque el punk rock fue un fenómeno social y musical significativo, logró menos en términos de ventas de discos, [112] o difusión en la radio estadounidense (ya que la escena radial continuó estando dominada por formatos mainstream como el disco y el rock orientado a álbumes ). [113] El punk rock había atraído a devotos del mundo artístico y universitario y pronto bandas con un enfoque más culto y artístico, como Talking Heads y Devo , comenzaron a infiltrarse en la escena punk; en algunos sectores, la descripción "New Wave" comenzó a usarse para diferenciar a estas bandas menos abiertamente punk. [114] Los ejecutivos discográficos, que habían estado en su mayoría desconcertados por el movimiento punk, reconocieron el potencial de los actos más accesibles de New Wave y comenzaron a contratar y comercializar agresivamente a cualquier banda que pudiera afirmar una conexión remota con el punk o la nueva ola. [115] Muchas de estas bandas, como The Cars , The Runaways y The Go-Go's pueden verse como bandas pop comercializadas como new wave; [116] Otros actos existentes, como las bandas de "corbata delgada" ejemplificadas por The Knack , [117] o los fotogénicos Blondie , comenzaron como actos punk y se movieron hacia un territorio más comercial. [118]
Si bien el hardcore persiguió más directamente la estética despojada del punk, y la nueva ola llegó a representar su ala comercial, el post-punk surgió a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 como su lado más artístico y desafiante. Las principales influencias además de las bandas punk fueron The Velvet Underground , The Who, Frank Zappa y Captain Beefheart, y la escena no wave con sede en Nueva York que puso énfasis en la interpretación, incluidas bandas como James Chance and the Contortions , DNA y Sonic Youth . [118] Los primeros contribuyentes al género incluyeron a las bandas estadounidenses Pere Ubu , Devo, The Residents y Talking Heads . [118] Aunque muchas bandas de post-punk continuaron grabando y actuando, decayó como movimiento a mediados de la década de 1980 cuando los actos se disolvieron o se mudaron para explorar otras áreas musicales, pero ha seguido influyendo en el desarrollo de la música rock y ha sido visto como un elemento importante en la creación del movimiento de rock alternativo. [119]
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A finales de la década de 1970, Eddie Van Halen se estableció como un virtuoso de la guitarra metal después del álbum homónimo de su banda de 1978. [ 120] Inspirado por el éxito de Van Halen y la nueva ola de heavy metal británico , una escena metalera comenzó a desarrollarse en el sur de California a finales de la década de 1970, basada en los clubes de Sunset Strip de Los Ángeles e incluyendo bandas como Quiet Riot , Ratt , Mötley Crüe y WASP , quienes, junto con actos de estilo similar como Twisted Sister de Nueva York , incorporaron la teatralidad (y a veces el maquillaje) de actos de glam rock como Alice Cooper y Kiss. [120] Las letras de estas bandas de glam metal enfatizaban característicamente el hedonismo y el comportamiento salvaje y musicalmente se distinguían por solos de guitarra de shred rápidos , coros himnos y un enfoque relativamente melódico y orientado al pop. [120] A mediados de la década de 1980, comenzaron a surgir bandas de la escena de Los Ángeles que buscaban una imagen menos glamorosa y un sonido más crudo, en particular Guns N' Roses , que irrumpió con el éxito que encabezó las listas Appetite for Destruction (1987), y Jane's Addiction , que surgió con su debut en un sello importante Nothing's Shocking , al año siguiente. [121]
A finales de los años 1980 el metal se fragmentó en varios subgéneros, incluyendo el thrash metal , que se desarrolló en los EE. UU. a partir del estilo conocido como speed metal , bajo la influencia del hardcore punk, con riffs de guitarra de registro bajo típicamente superpuestos por leads triturados . [122] Las letras a menudo expresaban puntos de vista nihilistas o trataban problemas sociales utilizando un lenguaje visceral y sangriento. Fue popularizado por los "Cuatro Grandes del Thrash": Metallica , Anthrax , Megadeth y Slayer . [123] El death metal se desarrolló a partir del thrash, particularmente influenciado por las bandas Venom y Slayer. Death de Florida y Possessed de Bay Area enfatizaron elementos líricos de blasfemia , diabolismo y milenarismo , con voces generalmente entregadas como " gruñidos de muerte " guturales, gritos agudos , complementados por guitarras afinadas, altamente distorsionadas y percusión de contrabajo extremadamente rápida . [124]
El rock del corazón estadounidense orientado a la clase trabajadora, caracterizado por un estilo musical sencillo y una preocupación por las vidas de la gente común y corriente de cuello azul , se desarrolló en la segunda mitad de la década de 1970. El término rock del corazón se utilizó por primera vez para describir a grupos de rock de estadios del Medio Oeste como Kansas , REO Speedwagon y Styx, pero que llegaron a asociarse con una forma de rock de raíces con mayor preocupación social más directamente influenciada por el folk, el country y el rock and roll. [125] Se ha visto como una contraparte del country rock de la Costa Oeste y el Rust Belt de Estados Unidos y el rock sureño del sur de Estados Unidos. [126] Liderado por figuras que inicialmente se habían identificado con el punk y el new wave, estuvo fuertemente influenciado por actos como Bob Dylan, The Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison, y el rock básico del garage de los 60 y los Rolling Stones. [127]
Ejemplificado por el éxito comercial de los cantautores Bruce Springsteen , Bob Seger y Tom Petty , junto con actos menos conocidos como Southside Johnny and the Asbury Jukes y Joe Grushecky and the Houserockers , fue en parte una reacción al declive urbano posindustrial en el Este y el Medio Oeste, a menudo haciendo hincapié en cuestiones de desintegración social y aislamiento, junto a una forma de revivalismo del rock and roll de buenos momentos. [127] El género alcanzó su pico comercial, artístico e influyente a mediados de la década de 1980, con Born in the USA (1984) de Springsteen, encabezando las listas de éxitos en todo el mundo y generando una serie de sencillos entre los diez primeros, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp , Steve Earle y cantautores más amables como Bruce Hornsby . [127] También se puede escuchar como una influencia en artistas tan diversos como Billy Joel [128] y Tracy Chapman . [129]
El rock del corazón del país se desvaneció como género reconocido a principios de la década de 1990, a medida que la música rock en general, y los temas de clase trabajadora blanca y de cuello azul en particular, perdieron influencia entre el público más joven, y los artistas del corazón del país se volcaron hacia obras más personales. [127] Muchos artistas del rock del corazón del país continúan grabando hoy en día con éxito crítico y comercial, sobre todo Bruce Springsteen y John Mellencamp, aunque sus obras se han vuelto más personales y experimentales y ya no encajan fácilmente en un solo género. Los artistas más nuevos cuya música tal vez habría sido etiquetada como rock del corazón si se hubiera publicado en la década de 1970 o 1980, como Bottle Rockets de Missouri y Uncle Tupelo de Illinois , se encontraron etiquetados como country alternativo . [130]
El término rock alternativo fue acuñado a principios de los años 1980 para describir a los artistas de rock que no encajaban en los géneros mainstream de la época. Las bandas denominadas "alternativas" no tenían un estilo unificado, pero todas eran vistas como distintas de la música mainstream. Las bandas alternativas estaban vinculadas por su deuda colectiva con el punk rock, a través del hardcore, la new wave o los movimientos post-punk. [131] Las bandas importantes del movimiento alternativo de los años 1980 en los EE. UU. incluyeron a REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youth y Pixies . [131] Los artistas estaban en gran medida confinados a sellos discográficos independientes , construyendo una extensa escena musical underground basada en la radio universitaria , fanzines, giras y el boca a boca. [132] Pocas de estas bandas, con la excepción de REM, lograron un éxito generalizado, pero a pesar de la falta de ventas espectaculares de álbumes, ejercieron una influencia considerable en la generación de músicos que alcanzaron la mayoría de edad en los años 80 y terminaron abriéndose paso hacia el éxito generalizado en la década de 1990. Los estilos de rock alternativo en los EE. UU. durante la década de 1980 incluyeron el jangle pop , asociado con las primeras grabaciones de REM, que incorporaba las guitarras resonantes del pop y el rock de mediados de la década de 1960, y el college rock , utilizado para describir a las bandas alternativas que comenzaron en el circuito universitario y la radio universitaria, incluidos actos como 10,000 Maniacs y The Feelies . [131]
A principios de los años 1990, el rock estaba dominado por artistas de pop, rock y "hair metal" comercializados y altamente producidos, mientras que MTV había llegado y promovido un enfoque en la imagen y el estilo. Descontentos con esta tendencia, a mediados de los años 1980, las bandas del estado de Washington (particularmente en el área de Seattle ) formaron un nuevo estilo de rock que contrastaba marcadamente con la música mainstream de la época. [133] El género en desarrollo llegó a ser conocido como "grunge", un término descriptivo del sonido sucio de la música y la apariencia descuidada de la mayoría de los músicos, que se rebelaron activamente contra las imágenes sobre arregladas de los artistas populares. [133] El grunge fusionó elementos del hardcore punk y el heavy metal en un solo sonido, e hizo un uso intensivo de la distorsión de la guitarra , el fuzz y el feedback . [133] Las letras eran típicamente apáticas y llenas de angustia, y a menudo trataban temas como la alienación social y el atrapamiento, aunque también era conocido por su humor negro y parodias del rock comercial. [133]
Bandas como Green River , Soundgarden , Melvins y Skin Yard fueron pioneras del género, siendo Mudhoney la más exitosa a finales de la década. Sin embargo, el grunge siguió siendo en gran medida un fenómeno local hasta 1991, cuando Nevermind de Nirvana se convirtió en un gran éxito gracias al sencillo principal « Smells Like Teen Spirit ». [134] Nevermind era más melódico que sus predecesores, pero la banda se negó a emplear mecanismos tradicionales de promoción y marketing corporativos. Durante 1991 y 1992, otros álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam , Badmotorfinger de Soundgarden y Dirt de Alice in Chains , junto con el álbum Temple of the Dog con miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se convirtieron en uno de los 100 álbumes más vendidos. [135] El avance popular de estas bandas de grunge impulsó a la revista Rolling Stone a apodar a Seattle «el nuevo Liverpool ». [136] Los principales sellos discográficos contrataron a la mayoría de las bandas grunge restantes en Seattle, mientras que una segunda afluencia de actos se trasladó a la ciudad con la esperanza de tener éxito. [137] Sin embargo, con la muerte de Kurt Cobain y la posterior disolución de Nirvana en 1994, los problemas de gira de Pearl Jam y la salida del cantante principal de Alice in Chains, Layne Staley, en 1996, el género comenzó a declinar, en parte para ser eclipsado por el britpop y el post-grunge de sonido más comercial . [138]
El término post-grunge fue acuñado para la generación de bandas que siguieron a la aparición en el mainstream, y posterior pausa, de las bandas grunge de Seattle. Las bandas post-grunge emularon sus actitudes y música, pero con un sonido comercial más orientado a la radio. [139] A menudo trabajaban a través de las principales discográficas y llegaron a incorporar diversas influencias del jangle pop, el punk-pop, el metal alternativo o el hard rock. [139] El término post-grunge pretendía ser peyorativo, sugiriendo que simplemente eran musicalmente derivados, o una respuesta cínica a un movimiento de rock "auténtico". [140] A partir de 1994, la nueva banda del ex baterista de Nirvana Dave Grohl , los Foo Fighters , ayudaron a popularizar el género y definir sus parámetros. [141]
Algunas bandas de post-grunge, como Candlebox , eran de Seattle, pero el subgénero estuvo marcado por una ampliación de la base geográfica del grunge, con bandas como Audioslave de Los Ángeles y Collective Soul de Georgia, quienes consolidaron al post-grunge como uno de los subgéneros comercialmente más viables de finales de los años 1990. [131] [139] Aunque predominaron las bandas masculinas, el álbum de 1995 de la artista solista femenina Alanis Morissette , Jagged Little Pill , etiquetado como post-grunge, también se convirtió en un éxito multiplatino. [142] Bandas como Creed y Nickelback llevaron el post-grunge al siglo XXI con un éxito comercial considerable, abandonando la mayor parte de la angustia y la ira del movimiento original por himnos, narrativas y canciones románticas más convencionales, y fueron seguidas en esta línea por nuevos actos como Shinedown , Seether y 3 Doors Down . [140]
Los orígenes del punk pop de los años 1990 se pueden ver en las bandas más orientadas a las canciones del movimiento punk de los años 1970 como The Buzzcocks y The Clash , actos de new wave comercialmente exitosos como The Jam y The Undertones , y los elementos más influenciados por el hardcore del rock alternativo en los años 1980. [143] El pop-punk tiende a usar melodías de power-pop y cambios de acordes con ritmos punk rápidos y guitarras fuertes. [144] La música punk proporcionó la inspiración para algunas bandas con sede en California en sellos independientes a principios de los años 1990, incluidas Rancid , Pennywise , Weezer y Green Day . [143] En 1994, Green Day se mudó a un sello importante y produjo el álbum Dookie , que encontró una nueva audiencia, en gran parte adolescente, y resultó un éxito sorpresa en ventas de diamantes, lo que llevó a una serie de sencillos exitosos, incluidos dos números uno en los EE. UU. [131] Pronto les siguió el debut homónimo de Weezer, que generó tres sencillos entre los diez primeros en los EE. UU. [145] Este éxito abrió la puerta a las ventas multiplatino de la banda de punk metálico The Offspring con Smash (1994). [131] Esta primera ola de pop punk alcanzó su pico comercial con Nimrod (1997) de Green Day y Americana (1998) de The Offspring . [146]
Una segunda ola de punk pop fue encabezada por Blink-182 , con su exitoso álbum Enema of the State (1999), seguido por bandas como Good Charlotte , Bowling for Soup y Sum 41 , quienes hicieron uso del humor en sus videos y tenían un tono más radiofónico en su música, al tiempo que conservaban la velocidad, algo de la actitud e incluso el aspecto del punk de los años 70. [143] Las bandas de pop-punk posteriores, incluidas Simple Plan , All-American Rejects y Fall Out Boy , tuvieron un sonido que se ha descrito como más cercano al hardcore de los años 80, al mismo tiempo que lograban un éxito comercial considerable. [143]
En la década de 1980, los términos indie rock y rock alternativo se usaban indistintamente. [147] A mediados de la década de 1990, cuando los elementos del movimiento comenzaron a atraer el interés general, en particular el grunge y luego el britpop, el post-grunge y el pop-punk, el término alternativo comenzó a perder su significado. [147] Aquellas bandas que seguían los contornos menos comerciales de la escena fueron cada vez más referidas por la etiqueta indie. [147] Característicamente intentaron mantener el control de sus carreras lanzando álbumes en sus propios sellos o en pequeños sellos independientes, mientras dependían de las giras, el boca a boca y la difusión en estaciones de radio independientes o universitarias para la promoción. [147] Vinculado por un ethos más que por un enfoque musical, el movimiento indie rock abarcó una amplia gama de estilos, desde bandas de influencia grunge y de estilo duro como Superchunk , pasando por bandas experimentales de bricolaje como Pavement , hasta cantantes de punk-folk como Ani DiFranco . [131] Se ha observado que el rock indie tiene una proporción relativamente alta de artistas femeninas en comparación con los géneros de rock anteriores, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música Riot Grrrl de inspiración feminista . [148]
A finales de los años 1990, muchos subgéneros reconocibles, la mayoría con sus orígenes en el movimiento alternativo de finales de los 80, se incluyeron bajo el paraguas del indie. El lo-fi evitó las técnicas de grabación pulidas para un espíritu DIY y fue encabezado por Beck , Sebadoh y Pavement . [131] El trabajo de Talk Talk y Slint ayudó a inspirar tanto el post rock , un estilo experimental influenciado por el jazz y la música electrónica , adoptado por actos como Tortoise , [149] [150] así como a conducir a un math rock más denso y complejo, basado en la guitarra , desarrollado por actos como Polvo y Chavez . [151] El sadcore enfatizó el dolor y el sufrimiento a través del uso melódico de la instrumentación acústica y electrónica en la música de bandas como American Music Club y Red House Painters , [152] mientras que el resurgimiento del pop barroco reaccionó contra el lo-fi y la música experimental poniendo énfasis en la melodía y la instrumentación clásica, con artistas como Rufus Wainright . [153]
El metal alternativo surgió de la escena hardcore del rock alternativo en los EE. UU. a fines de la década de 1980, pero ganó una audiencia más amplia después de que el grunge irrumpiera en la corriente principal a principios de la década de 1990. [154] Las primeras bandas de metal alternativo mezclaron una amplia variedad de géneros con sensibilidades hardcore y heavy metal, con actos como Jane's Addiction y Primus usando prog-rock, Soundgarden y Corrosion of Conformity usando garage punk, The Jesus Lizard y Helmet mezclando noise-rock , Ministry y Nine Inch Nails influenciados por la música industrial , Monster Magnet moviéndose hacia la psicodelia , Pantera y White Zombie creando groove metal , mientras que Biohazard y Faith No More recurrieron al hip hop y al rap. [154]
El hip hop había ganado atención de los grupos de rock a principios de la década de 1980, incluidos The Clash con " The Magnificent Seven " (1981) y Blondie con " Rapture " (1981). [155] [156] Los primeros actos de crossover incluyeron a Run DMC y Beastie Boys . [157] [158] El rapero de Detroit Esham se hizo conocido por su estilo de "rap ácido", que fusionó el rap con un sonido que a menudo se basaba en el rock y el heavy metal. [159] [160] Los raperos que samplearon canciones de rock incluyeron a Ice-T , The Fat Boys , LL Cool J , Public Enemy y Whodini . [161] La mezcla de thrash metal y rap fue iniciada por Anthrax en su sencillo de 1987 con influencia de comedia " I'm the Man ". [162]
En 1990, Faith No More irrumpió en el mainstream con su sencillo « Epic », a menudo visto como la primera combinación verdaderamente exitosa de heavy metal con rap. [163] Esto allanó el camino para el éxito de bandas existentes como 24-7 Spyz y Living Colour , y nuevos actos como Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers , quienes fusionaron rock y hip hop entre otras influencias. [161] [164] Entre la primera ola de artistas que obtuvieron éxito mainstream como rap rock se encontraban 311 , [165] Bloodhound Gang , [166] y Kid Rock . [167] Un sonido más metálico -nu metal- fue perseguido por bandas como Limp Bizkit , Korn y Slipknot . [162] Más tarde en la década, este estilo, que contenía una mezcla de grunge, punk, metal, rap y scratching de tocadiscos , generó una ola de bandas exitosas como Linkin Park , POD y Staind , que a menudo se clasificaban como rap metal o nu metal, siendo los primeros la banda más vendida del género. [168]
En 2001, el nu metal alcanzó su apogeo con álbumes como Break the Cycle de Staind, Satellite de POD , Iowa de Slipknot y Hybrid Theory de Linkin Park . También surgieron nuevas bandas como Disturbed , la banda de hard rock post-grunge Godsmack y Breaking Benjamin , e incluso Papa Roach , cuyo debut en un sello importante, Infest , se convirtió en un éxito de platino. [169] Sin embargo, en 2002 hubo señales de que la popularidad del nu metal se estaba debilitando. [164] El quinto álbum de Korn , Untouchables , y el segundo álbum de Papa Roach , Lovehatetragedy , no se vendieron tan bien como sus lanzamientos anteriores, mientras que las bandas de nu metal sonaban con menos frecuencia en las estaciones de radio de rock y MTV comenzó a centrarse en el pop punk y el emo . [170] Sin embargo, el álbum de Korn Untouchables fue platino [171] y su sencillo " Here to Stay " alcanzó el puesto número 72 en el Billboard Hot 100 [172] y alcanzó el número uno en Total Request Live de MTV dos veces. [173] Además, la banda de nu metal Evanescence se volvió extremadamente popular en 2003 y Linkin Park continuó teniendo mucho éxito mainstream. [174] Después de principios de la década de 2000, muchas bandas de nu metal cambiaron su estilo, siendo el rock alternativo , el post-grunge , el hard rock y el heavy metal estándar ejemplos de los géneros a los que cambiaron las bandas de nu metal. [170]
El emo surgió de la escena hardcore en Washington, DC en los años 1980, inicialmente como "emocore", usado como término para describir a las bandas que favorecían las voces expresivas sobre el estilo abrasivo y ladrador más común. [175] El estilo fue iniciado por las bandas Rites of Spring y Embrace , la última formada por Ian MacKaye , cuyo Dischord Records se convirtió en un centro importante para la emergente escena emo de DC, lanzando trabajos de Rites of Spring, Dag Nasty , Nation of Ulysses y Fugazi . [175] Fugazi surgió como la banda emo temprana definitiva, ganando una base de fans entre los seguidores del rock alternativo, sobre todo por su postura abiertamente anticomercial. [175] La escena emo temprana funcionó como un underground, con bandas de corta duración que lanzaban discos de vinilo de pequeña tirada en pequeños sellos independientes. [175] El sonido emo de mediados de los 90 fue definido por bandas como Jawbreaker y Sunny Day Real Estate que incorporaron elementos de grunge y rock más melódico. [176] Solo después de la irrupción del grunge y el pop punk en el mainstream, el emo llegó a llamar la atención con el éxito del álbum Pinkerton (1996) de Weezer, que utilizó pop punk. [175] Las bandas de finales de los 90 se basaron en el trabajo de Fugazi, SDRE, Jawbreaker y Weezer, incluidos The Promise Ring , Get Up Kids , Braid , Texas Is the Reason , Joan of Arc , Jets to Brazil y el más exitoso Jimmy Eat World , y para el final del milenio era uno de los estilos indie más populares en los EE. UU. [175]
El emo irrumpió en la cultura mainstream a principios de la década de 2000 con el éxito de platino de Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come to Fear the Most (2003) de Dashboard Confessional. [ 177 ] El nuevo emo tuvo un atractivo mucho mayor entre los adolescentes que sus encarnaciones anteriores. [177] Al mismo tiempo, el uso del término emo se expandió más allá del género musical, asociándose con la moda, un peinado y cualquier música que expresara emoción. [178] El término emo ha sido aplicado por críticos y periodistas a una variedad de artistas, incluidos actos multiplatinos como Fall Out Boy [179] y My Chemical Romance [180] y grupos dispares como Paramore [179] y Panic! at the Disco , [181] incluso cuando protestan por la etiqueta.
A principios de la década de 2000, un nuevo grupo de bandas que tocaban una versión simplificada y básica del rock de guitarra emergió en el mainstream. Se caracterizaron de diversas formas como parte de un garage rock, post-punk o revival de new wave. [182] [183] [184] [185] Hubo intentos de revivir el garage rock y elementos del punk en las décadas de 1980 y 1990 y para el año 2000 habían surgido varias escenas locales en los EE. UU. [186] La escena del rock de Detroit incluía a: The Von Bondies , Electric Six , The Dirtbombs y The Detroit Cobras [187] y la de Nueva York: Radio 4 , Yeah Yeah Yeahs y The Rapture . [188]
El avance comercial de estas escenas fue liderado por bandas como The Strokes , que emergió de la escena de clubes de Nueva York con su álbum debut Is This It (2001) y The White Stripes , de Detroit, con su tercer álbum White Blood Cells (2001). [189] Fueron bautizados por los medios como las bandas "The", y apodados "Los salvadores del rock 'n' roll", lo que llevó a acusaciones de exageración. [190] Una segunda ola de bandas que lograron obtener reconocimiento internacional como resultado del movimiento incluyó a Black Rebel Motorcycle Club , The Killers , Interpol , Black Keys y Kings of Leon de los EE. UU. [191]
El metalcore, originalmente un híbrido estadounidense de thrash metal y hardcore punk, surgió como una fuerza comercial a mediados de la década de 2000. [192] Tenía sus raíces en el estilo thrash crossover desarrollado dos décadas antes por bandas como Suicidal Tendencies , Dirty Rotten Imbeciles y Stormtroopers of Death y siguió siendo un fenómeno underground hasta la década de 1990. [193] En 2004, el metalcore melódico, influenciado por el death metal melódico , era lo suficientemente popular como para que The End of Heartache de Killswitch Engage y The War Within de Shadows Fall debutaran en el puesto número 21 y el número 20, respectivamente, en la lista de álbumes de Billboard . [194] [195] Lamb of God , con una mezcla relacionada de estilos de metal, alcanzó el puesto número 2 en las listas de Billboard en 2009 con Wrath . [196] El éxito de estas bandas y otras como Trivium , que han lanzado álbumes tanto de metalcore como de thrash puro, y Mastodon , que tocaban en un estilo progresivo/ sludge , inspiraron afirmaciones de un renacimiento del metal en los Estados Unidos, apodado por algunos críticos la "Nueva Ola del Heavy Metal Americano". [197] [198] [199]
En la década de 2000, a medida que la tecnología informática se hizo más accesible y el software musical avanzó, se hizo posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil . [200] Esto resultó en un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet en expansión, [201] y nuevas formas de interpretación como laptronica [200] y codificación en vivo . [202] Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes, como con el álbum Year Zero (2007) del grupo de rock industrial Nine Inch Nails , [203] y mediante el desarrollo de géneros que mezclaban rock con técnicas y sonidos digitales, incluida la electrónica indie, el electroclash y el dance-punk .
La electrónica indie, que había comenzado a principios de la década de 1990 con bandas como Stereolab y Disco Inferno , despegó en el nuevo milenio a medida que se desarrollaba la nueva tecnología digital, con actos como The Postal Service y Ratatat de los EE. UU., mezclando una variedad de sonidos indie con música electrónica, en gran parte producida en pequeños sellos independientes. [204] [205] El subgénero Electroclash comenzó en Nueva York a fines de la década de 1990, combinando synth pop, techno, punk y performance art. Fue iniciado por IF con su tema "Space Invaders Are Smoking Grass" (1998), [206] y continuado por artistas como Felix da Housecat [207] y Peaches . [208] Ganó atención internacional a principios del nuevo milenio, pero rápidamente se desvaneció como un género reconocible. [209] El dance-punk, mezcla de sonidos post-punk con disco y funk , se había desarrollado en la década de 1980, pero revivió entre algunas bandas del resurgimiento del garage rock/post-punk en los primeros años del nuevo milenio, particularmente entre actos de Nueva York como Liars , The Rapture y Radio 4, a los que se unieron actos orientados al baile que adoptaron sonidos de rock como Out Hud . [210]
