El drama es el modo específico de ficción representado en una representación : una obra de teatro , una ópera , un mimo , un ballet , etc., interpretada en un teatro , en la radio o en la televisión . [1] Considerado como un género de poesía en general, el modo dramático ha sido contrastado con los modos épico y lírico desde la Poética de Aristóteles ( c. 335 a. C. ), la primera obra de teoría dramática . [2]
El término "drama" proviene de una palabra griega que significa "hecho" o " acto " ( griego clásico : δρᾶμα , drâma ), que a su vez deriva de "yo hago" ( griego clásico : δράω , dráō ). Las dos máscaras asociadas con el drama representan la división genérica tradicional entre comedia y tragedia .
En inglés (como fue el caso análogo en muchos otros idiomas europeos), la palabra play o game (que traduce del anglosajón pleġan o del latín ludus ) fue el término estándar para los dramas hasta la época de William Shakespeare , así como su creador era un dramaturgo y el edificio era una sala de juegos en lugar de un teatro . [3]
El uso de "drama" en un sentido más estricto para designar un tipo específico de obra data de la era moderna. "Drama" en este sentido se refiere a una obra que no es ni una comedia ni una tragedia, por ejemplo, Thérèse Raquin (1873) de Zola o Ivanov (1887) de Chéjov . Es este sentido más estricto el que las industrias del cine y la televisión , junto con los estudios cinematográficos , adoptaron para describir el " drama " como un género dentro de sus respectivos medios. El término " radioteatro " se ha utilizado en ambos sentidos: originalmente transmitido en una actuación en vivo. También puede usarse para referirse al extremo más intelectual y serio de la producción dramática de la radio . [4]
La representación teatral , interpretada por actores en un escenario ante un público , presupone modos de producción colaborativos y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. [5]
El mimo es una forma de teatro en la que la acción de una historia se cuenta únicamente a través del movimiento del cuerpo. El teatro se puede combinar con música : el texto dramático en la ópera generalmente se canta durante toda la obra; en algunos ballets, la danza "expresa o imita la emoción, el carácter y la acción narrativa". [6] Los musicales incluyen tanto diálogos hablados como canciones ; y algunas formas de teatro tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo ( el melodrama y el Nō japonés , por ejemplo). [7] El teatro de armario es una forma que está destinada a ser leída, en lugar de representada. [8] En la improvisación , el drama no preexiste al momento de la representación; los intérpretes idean un guion dramático espontáneamente ante una audiencia. [9]
El drama occidental tiene su origen en la Grecia clásica . [10] La cultura teatral de la ciudad-estado de Atenas produjo tres géneros de drama: la tragedia , la comedia y la obra satírica . Sus orígenes siguen siendo oscuros, aunque hacia el siglo V a. C. se institucionalizaron en competiciones celebradas como parte de las festividades que celebraban al dios Dioniso . [11] Los historiadores conocen los nombres de muchos dramaturgos griegos antiguos, entre ellos Tespis , a quien se le atribuye la innovación de un actor (" hipócritas ") que habla (en lugar de cantar) e imita a un personaje (en lugar de hablar en su propia persona), mientras interactúa con el coro y su líder (" corifeo "), que eran una parte tradicional de la representación de poesía no dramática ( ditirámbica , lírica y épica ). [12]
Sin embargo, sólo una pequeña fracción de la obra de cinco dramaturgos ha sobrevivido hasta nuestros días: tenemos un pequeño número de textos completos de los trágicos Esquilo , Sófocles y Eurípides , y los escritores cómicos Aristófanes y, desde finales del siglo IV, Menandro . [13] La tragedia histórica de Esquilo Los persas es el drama más antiguo que se conserva, aunque cuando ganó el primer premio en el concurso de las Dionisias de la ciudad en 472 a. C., llevaba más de 25 años escribiendo obras de teatro. [14] La competición (" agon ") para tragedias puede haber comenzado ya en 534 a. C.; los registros oficiales (" didaskaliai ") comienzan a partir de 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica . [15] Los dramaturgos trágicos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por una historia o un tema), que generalmente constaba de tres tragedias y una obra satírica (aunque se hicieron excepciones, como en el caso de Alcestis de Eurípides en el 438 a. C.). La comedia fue reconocida oficialmente con un premio en la competencia desde el 487 al 486 a. C.
En las Dionisías de la ciudad compitieron cinco dramaturgos cómicos (aunque durante la Guerra del Peloponeso es posible que se redujeran a tres), cada uno de ellos ofreciendo una única comedia. [16] La comedia griega antigua se divide tradicionalmente entre «comedia antigua» (siglo V a. C.), «comedia media» (siglo IV a. C.) y «comedia nueva» (finales del siglo IV al II a. C.). [17]
Tras la expansión de la República romana (527-509 a. C.) en varios territorios griegos entre 270 y 240 a. C., Roma entró en contacto con el teatro griego . [18] A partir de los últimos años de la república y por medio del Imperio romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió hacia el oeste por toda Europa, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra; el teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior. [19]
Aunque el teatro griego siguió representándose durante todo el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular . [20] Sin embargo, desde el comienzo del imperio, el interés por el drama de larga duración disminuyó en favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales. [21] Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livio Andrónico escribió a partir del 240 a. C. [22] Cinco años después, Cneo Nevio también comenzó a escribir drama. [22] No ha sobrevivido ninguna obra de ninguno de los dos escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros , Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Nevio por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama. [22]
A principios del siglo II a. C., el drama estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores ( collegium poetarum ). [23] Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Tito Maccio Plauto (Plauto) y Publio Terencio Afer (Terencio). [24] Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro en la división del drama en episodios e introdujeron el acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos tercios en las de Terencio). [25] La acción de todas las escenas se desarrolla en el exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de escuchas clandestinas . [25]
Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales sus farsas son las más conocidas; fue admirado por el ingenio de su diálogo y su uso de una variedad de metros poéticos . [26] Las seis comedias que Terencio escribió entre 166 y 160 a. C. han sobrevivido; la complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, a veces fue denunciada, pero sus tramas dobles permitieron una presentación sofisticada de comportamientos humanos contrastantes. [26] No sobrevive ninguna tragedia romana temprana, aunque fue muy apreciada en su época; los historiadores conocen a tres trágicos tempranos: Quinto Ennio , Marco Pacuvio y Lucio Accio . [25]
De la época del imperio, sobrevive la obra de dos trágicos: uno es de autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca . [27] Sobreviven nueve tragedias de Séneca, todas las cuales son fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos); su Fedra , por ejemplo, se basó en Hipólito de Eurípides . [28] Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de la fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia , pero en tiempos pasados se atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje de la tragedia. [27]
A principios de la Edad Media , las iglesias escenificaban versiones dramatizadas de acontecimientos bíblicos, conocidas como dramas litúrgicos , para animar las celebraciones anuales. [29] El ejemplo más antiguo es el tropo pascual ¿A quién buscáis? (Quem-Quaeritis) ( c. 925 ). [30] Dos grupos cantaban en latín de manera responsiva , aunque no implicaba ninguna imitación de personajes . En el siglo XI, se había extendido por Europa hasta Rusia , Escandinavia e Italia ; excluyendo la España de la era islámica .
En el siglo X, Hrosvitha escribió seis obras de teatro en latín inspiradas en las comedias de Terencio , pero que trataban temas religiosos. [31] Sus obras son las primeras que se sabe que fueron compuestas por una dramaturga y el primer drama occidental identificable de la era posclásica. [31] Más tarde, Hildegarda de Bingen escribió un drama musical , Ordo Virtutum ( c. 1155 ). [31]
Una de las más famosas de las primeras obras seculares es la pastoral cortesana Robin y Marion , escrita en el siglo XIII en francés por Adam de la Halle . [32] El Interludio del estudiante y la muchacha ( c. 1300 ), uno de los primeros conocidos en inglés, parece ser el más cercano en tono y forma a las farsas francesas contemporáneas , como El niño y el ciego . [33]
Sobreviven muchas obras de teatro de Francia y Alemania de finales de la Edad Media , cuando se representaba algún tipo de drama religioso en casi todos los países europeos. Muchas de estas obras contenían comedia , diablos , villanos y payasos . [34] En Inglaterra, los gremios comerciales comenzaron a representar " obras de misterio " vernáculas , que se componían de largos ciclos de muchas obras cortas o "espectáculos", de los que se conservan cuatro : York (48 obras), Chester (24), Wakefield (32) y la llamada " N-Town " (42). La segunda obra de los pastores del ciclo Wakefield es una historia absurda de una oveja robada que su protagonista , Mak, intenta hacer pasar por su hijo recién nacido dormido en una cuna; termina cuando los pastores a los que ha robado son convocados a la Natividad de Jesús . [35]
Las obras de moralidad (un término moderno) surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron a principios de la era isabelina en Inglaterra. Los personajes se usaban a menudo para representar diferentes ideales éticos. Everyman , por ejemplo, incluye figuras como Good Deeds, Knowledge y Strength, y esta caracterización refuerza el conflicto entre el bien y el mal para la audiencia. The Castle of Perseverance ( c. 1400-1425 ) describe el progreso de una figura arquetípica desde el nacimiento hasta la muerte. Horestes ( c. 1567 ), una "moralidad híbrida" tardía y uno de los primeros ejemplos de una obra de venganza inglesa , reúne la historia clásica de Orestes con un vicio de la tradición alegórica medieval , alternando escenas cómicas y de payasadas con otras serias y trágicas . [36] También fueron importantes en este período los dramas populares de Mummers Play , que se representaban durante la temporada navideña . Las mascaradas de la corte fueron particularmente populares durante el reinado de Enrique VIII . [37]
Uno de los grandes florecimientos del teatro en Inglaterra se produjo en los siglos XVI y XVII. Muchas de estas obras se escribieron en verso, en particular en pentámetro yámbico . Además de Shakespeare, autores como Christopher Marlowe , Thomas Middleton y Ben Jonson fueron dramaturgos destacados durante este período. Al igual que en el período medieval , las obras históricas celebraban las vidas de los reyes pasados, mejorando la imagen de la monarquía Tudor . Los autores de este período extrajeron algunas de sus historias de la mitología griega y romana o de las obras de dramaturgos romanos eminentes como Plauto y Terencio .
La comedia de la Restauración se refiere a las comedias inglesas escritas y representadas en Inglaterra durante el período de la Restauración de 1660 a 1710. La comedia de costumbres se utiliza como sinónimo de comedia de la Restauración. [38] Después de que el teatro público fuera prohibido por el régimen puritano , la reapertura de los teatros en 1660 con la Restauración de Carlos II marcó un renacimiento del drama inglés . [39] La comedia de la Restauración es conocida por su explicitud sexual , ingenio urbano y cosmopolita , escritura de actualidad y tramas abarrotadas y bulliciosas. Sus dramaturgos robaron libremente del escenario francés y español contemporáneo, de obras inglesas jacobinas y carolinas , e incluso de comedias clásicas griegas y romanas , combinando las diversas líneas argumentales de formas aventureras. Las diferencias de tono resultantes en una sola obra fueron apreciadas en lugar de mal vistas, ya que el público apreciaba la "variedad" dentro de las obras y entre ellas. La comedia de la Restauración alcanzó su punto máximo dos veces. El género alcanzó una madurez espectacular a mediados de la década de 1670 con una extravagancia de comedias aristocráticas . A esta corta edad de oro le siguieron veinte años de escasez, aunque el logro de la primera dramaturga profesional, Aphra Behn , en la década de 1680 es una excepción importante. A mediados de la década de 1690, surgió un breve segundo renacimiento de la comedia de la Restauración, dirigido a un público más amplio. Las comedias de las épocas doradas de 1670 y 1690 son significativamente diferentes entre sí.
Las comedias poco sentimentales o "duras" de John Dryden , William Wycherley y George Etherege reflejaban la atmósfera de la Corte y celebraban con franqueza un estilo de vida aristocrático y machista de incesantes intrigas y conquistas sexuales. El conde de Rochester , un libertino de la Restauración en la vida real, cortesano y poeta, es retratado de manera halagadora en The Man of Mode (1676) de Etherege como un aristócrata desenfrenado, ingenioso, intelectual y sexualmente irresistible, un modelo para la idea de la posteridad del glamoroso libertino de la Restauración (en realidad, nunca fue un personaje muy común en la comedia de la Restauración). La obra que más apoya la acusación de obscenidad que se le hace entonces y ahora a la comedia de la Restauración es probablemente la obra maestra de Wycherley The Country Wife (1675), cuyo título contiene un juego de palabras lascivo y cuya notoria "escena de porcelana" es una serie de dobles sentidos sostenidos . [40]
Durante la segunda ola de comedia de la Restauración en la década de 1690, las comedias "más suaves" de William Congreve y John Vanbrugh se propusieron atraer a un público más diverso socialmente con un fuerte elemento de clase media, así como a las espectadoras femeninas. El enfoque cómico pasa de los jóvenes amantes que engañan a la generación anterior a las vicisitudes de las relaciones maritales. En Love for Love (1695) y The Way of the World (1700) de Congreve, las escenas de toma y daca de parejas que ponen a prueba su atracción mutua han mutado en ingeniosos debates prenupciales en vísperas del matrimonio, como en la famosa escena de la "Condición" de esta última. The Provoked Wife (1697) de Vanbrugh tiene un toque ligero y personajes más humanamente reconocibles, mientras que The Relapse (1696) ha sido admirada por su ingenio despreocupado y la caracterización de Lord Foppington, un petimetre burlesco extravagante y afectado con un lado oscuro. [41] La tolerancia hacia la comedia de la Restauración, incluso en su forma modificada, se estaba agotando a fines del siglo XVII, ya que la opinión pública se inclinó hacia la respetabilidad y la seriedad incluso más rápido que los dramaturgos. [42] En el esperado estreno estelar en 1700 de The Way of the World , la primera comedia de Congreve en cinco años, el público mostró solo un entusiasmo moderado por esa obra sutil y casi melancólica. La comedia de sexo e ingenio estaba a punto de ser reemplazada por la comedia sentimental y el drama de moralidad ejemplar.
Las contribuciones fundamentales e innovadoras del dramaturgo noruego del siglo XIX Henrik Ibsen y del practicante de teatro alemán del siglo XX Bertolt Brecht dominan el drama moderno; cada uno inspiró una tradición de imitadores, que incluyen a muchos de los más grandes dramaturgos de la era moderna. [43] Las obras de ambos dramaturgos son, a su manera, tanto modernistas como realistas , incorporando experimentación formal , metateatralidad y crítica social . [44] En términos del discurso teórico tradicional del género, la obra de Ibsen ha sido descrita como la culminación de la " tragedia liberal ", mientras que la de Brecht ha sido alineada con una comedia historicizada . [45]
Otros dramaturgos importantes de la era moderna incluyen a Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Chekhov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Dario Fo , Heiner Müller y Caryl Churchill .
La ópera occidental es una forma de arte dramático que surgió durante el Renacimiento [46] en un intento de revivir el drama griego clásico en el que se combinaban el diálogo, la danza y el canto. Al estar fuertemente entrelazada con la música clásica occidental , la ópera ha experimentado enormes cambios en los últimos cuatro siglos y es una forma importante de teatro hasta el día de hoy. Cabe destacar la gran influencia del compositor alemán del siglo XIX Richard Wagner en la tradición de la ópera. En su opinión, no había un equilibrio adecuado entre la música y el teatro en las óperas de su tiempo, porque la música parecía ser más importante que los aspectos dramáticos en estas obras. Para restaurar la conexión con el drama clásico, renovó por completo la forma operística para enfatizar la importancia igual de la música y el drama en obras que llamó " dramas musicales ".
La ópera china ha experimentado un desarrollo más conservador a lo largo de un período de tiempo algo más largo.
La pantomima (informalmente "panto"), [47] es un tipo de producción teatral de comedia musical , diseñada para el entretenimiento familiar. Se desarrolló en Inglaterra y todavía se realiza en todo el Reino Unido, generalmente durante la temporada de Navidad y Año Nuevo y, en menor medida, en otros países de habla inglesa. La pantomima moderna incluye canciones, gags, comedia slapstick y baile, emplea actores de género cruzado y combina humor de actualidad con una historia basada libremente en un cuento de hadas, fábula o cuento popular conocido . [48] [49] Es una forma participativa de teatro, en la que se espera que el público cante junto con ciertas partes de la música y grite frases a los intérpretes. Parte del atractivo de las producciones de pantomima de teatro amateur es ver a figuras locales conocidas en el escenario. [50]
Estas historias siguen la tradición de las fábulas y los cuentos populares . Por lo general, se aprende una lección y, con algo de ayuda de la audiencia, el héroe o la heroína salvan el día. Este tipo de obra utiliza personajes típicos que se ven en la mascarada y nuevamente en la comedia del arte , estos personajes incluyen al villano (doctore), el payaso/sirviente (Arlechino/Arlequín/botones), los amantes, etc. Estas obras generalmente hacen hincapié en los dilemas morales y el bien siempre triunfa sobre el mal. Este tipo de obra también es muy entretenida, lo que la convierte en una forma muy eficaz de llegar a muchas personas.
La pantomima tiene una larga historia teatral en la cultura occidental que se remonta al teatro clásico. Se desarrolló en parte a partir de la tradición de la commedia dell'arte italiana del siglo XVI, así como de otras tradiciones escénicas europeas y británicas, como las mascaradas y el music hall del siglo XVII . [48] Una parte importante de la pantomima, hasta finales del siglo XIX, fue la arlequinada . [51] Fuera de Gran Bretaña, la palabra "pantomima" se usa generalmente para referirse a la mímica , en lugar de la forma teatral que se analiza aquí. [52]
El mimo es un medio teatral en el que se cuenta la acción de una historia a través del movimiento del cuerpo, sin el uso del habla. La representación del mimo se produjo en la Antigua Grecia , y la palabra se toma de un solo bailarín enmascarado llamado Pantomimus , aunque sus actuaciones no eran necesariamente silenciosas. [53] En la Europa medieval , las primeras formas de mimo, como las obras de mummer y más tarde los espectáculos de mudos , evolucionaron. A principios del siglo XIX en París , Jean-Gaspard Deburau solidificó los muchos atributos que hemos llegado a conocer en los tiempos modernos, incluida la figura silenciosa con la cara blanca. [54]
Jacques Copeau , fuertemente influenciado por la Commedia dell'arte y el teatro japonés Noh , utilizó máscaras en el entrenamiento de sus actores. Étienne Decroux , un alumno suyo, fue muy influenciado por esto y comenzó a explorar y desarrollar las posibilidades del mimo y refinó el mimo corpóreo hasta convertirlo en una forma altamente escultórica, llevándolo fuera de los ámbitos del naturalismo . Jacques Lecoq contribuyó significativamente al desarrollo del mimo y el teatro físico con sus métodos de entrenamiento. [55]
Mientras que algunos ballets enfatizan "las líneas y patrones del movimiento en sí", la danza dramática "expresa o imita la emoción, el carácter y la acción narrativa". [6] Estos ballets son obras teatrales que tienen personajes y "cuentan una historia", [56] Los movimientos de danza en el ballet "a menudo están estrechamente relacionados con las formas cotidianas de expresión física, [de modo que] hay una calidad expresiva inherente a casi todo el baile", y esto se utiliza para transmitir tanto acción como emociones; también se utiliza la mímica. [56] Los ejemplos incluyen El lago de los cisnes de Piotr Ilich Chaikovski , que cuenta la historia de Odette, una princesa convertida en cisne por la maldición de un hechicero malvado, el ballet Romeo y Julieta de Serguéi Prokófiev , basado en la famosa obra de Shakespeare, y Petrushka de Ígor Stravinski , que cuenta la historia de los amores y celos de tres marionetas.
El teatro creativo incluye actividades y juegos dramáticos que se utilizan principalmente en entornos educativos con niños. Sus orígenes en los Estados Unidos se remontan a principios del siglo XX. Se considera a Winifred Ward la fundadora del teatro creativo en la educación, ya que estableció el primer uso académico del teatro en Evanston, Illinois. [57]
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La forma más temprana del drama indio fue el drama sánscrito . [58] Entre el siglo I d.C. y el siglo X hubo un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras. [59] Con las conquistas islámicas que comenzaron en los siglos X y XI, el teatro fue desalentado o prohibido por completo. [60] Más tarde, en un intento de reafirmar los valores e ideas indígenas, se fomentó el teatro de aldea en todo el subcontinente, desarrollándose en varios idiomas regionales desde el siglo XV hasta el XIX. [61] El movimiento Bhakti fue influyente en las representaciones en varias regiones. Aparte de los idiomas regionales, Assam vio el surgimiento del drama vaishnavita en un idioma literario artificialmente mezclado llamado Brajavali . [62] Una forma distinta de obras de un acto llamadas Ankia Naat se desarrolló en las obras de Sankardev , [63] una presentación particular de la cual se llama Bhaona . [64] El teatro indio moderno se desarrolló durante el período de dominio colonial del Imperio Británico , desde mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX. [65]
Los fragmentos más antiguos que se conservan del teatro sánscrito datan del siglo I d. C. [66] La riqueza de la evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece ninguna indicación de la existencia de una tradición teatral. [67] Los antiguos Vedas ( himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura [ ancla rota ] en el mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número está compuesto en forma de diálogo ) y los rituales del período védico no parecen haberse desarrollado hasta convertirse en teatro. [67] El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pueden haber sido las semillas del drama sánscrito. [68] Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los inicios del teatro en la India . [68]
La principal fuente de evidencia sobre el teatro sánscrito es el Tratado sobre el teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. hasta el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra más completa de dramaturgia del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura, el vestuario , el maquillaje , la utilería , la organización de las compañías, el público, las competiciones y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. [68]
Su drama se considera el logro más alto de la literatura sánscrita . [69] Utilizaba personajes estereotipados , como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Fue patrocinado por los reyes, así como por las asambleas de las aldeas. Entre los primeros dramaturgos famosos se incluyen Bhasa , Kalidasa (famoso por Urvashi, Ganado por el valor , Malavika y Agnimitra y El reconocimiento de Shakuntala ), Śudraka (famoso por El pequeño carro de arcilla ), Asvaghosa , Daṇḍin y el emperador Harsha (famoso por Nagananda , Ratnavali y Priyadarsika ). Śakuntalā (en la traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). [69]
En la India se ha desarrollado una forma distinta de teatro en la que todo el equipo viaja para representar obras de un lugar a otro, con escenarios y equipos improvisados, particularmente en las partes orientales del país. Jatra ( que en bengalí significa "viaje"), que se originó en el movimiento vaishnavita de Chaitanya Mahaprabhu en Bengala , es una tradición que sigue este formato. [70] Las obras vaishnavitas en el estado vecino de Assam, iniciadas por Srimanta Sankardeva , toman las formas de Ankia Naat y Bhaona . Estas, junto con las influencias occidentales, han inspirado el desarrollo del teatro móvil moderno, conocido en asamés como Bhramyoman , en Assam. [71] El Bhramyoman moderno presenta de todo, desde la mitología hindú hasta adaptaciones de clásicos occidentales y películas de Hollywood , [72] y hace uso de técnicas modernas, como efectos visuales en vivo. [ cita requerida ] Se estima que el teatro móvil asamés es una industria que vale cien millones. [73] La naturaleza autónoma de Bhramyoman, con todo el equipo e incluso el escenario transportados por la propia tropa, permite realizar espectáculos incluso en aldeas remotas, lo que da un alcance más amplio. [ cita requerida ] Los pioneros de esta industria incluyen a Achyut Lahkar y Brajanath Sarma .
Rabindranath Tagore fue un dramaturgo moderno pionero que escribió obras conocidas por su exploración y cuestionamiento del nacionalismo, la identidad, el espiritualismo y la codicia material. [74] Sus obras están escritas en bengalí e incluyen Chitra ( Chitrangada , 1892), El rey de la cámara oscura ( Raja , 1910), La oficina de correos ( Dakghar , 1913) y Adelfa roja ( Raktakarabi , 1924). [74] Girish Karnad es un dramaturgo destacado, que ha escrito varias obras que utilizan la historia y la mitología, para criticar y problematizar ideas e ideales que son de relevancia contemporánea. Las numerosas obras de Karnad, como Tughlaq , Hayavadana , Taledanda y Naga-Mandala, son contribuciones significativas al drama indio. Vijay Tendulkar y Mahesh Dattani se encuentran entre los principales dramaturgos indios del siglo XX. Mohan Rakesh en hindi y Danish Iqbal en urdu son considerados arquitectos del drama de la nueva era. Aadhe Adhoore de Mohan Rakesh y Dara Shikoh de Danish Iqbal son considerados clásicos modernos.
El teatro chino tiene una historia larga y compleja. Hoy en día se lo suele llamar ópera china , aunque normalmente se hace referencia específicamente a la forma popular conocida como ópera de Pekín y Kunqu ; ha habido muchas otras formas de teatro en China, como el zaju .
El drama Nō japonés es una forma dramática seria que combina drama, música y danza en una experiencia de interpretación estética completa. Se desarrolló en los siglos XIV y XV y tiene sus propios instrumentos musicales y técnicas de interpretación, que a menudo se transmitían de padre a hijo. Los intérpretes eran generalmente hombres (tanto para papeles masculinos como femeninos), aunque también había mujeres aficionadas que interpretaban dramas Nō. El drama Nō contaba con el apoyo del gobierno, y en particular del ejército, y muchos comandantes militares tenían sus propias compañías y, a veces, actuaban ellos mismos. Todavía se representa en Japón en la actualidad. [75]
El kyōgen es la contraparte cómica del drama Nō. Se concentra más en el diálogo y menos en la música, aunque a veces también aparecen instrumentistas de Nō en el kyōgen. El teatro kabuki , desarrollado a partir del siglo XVII, es otra forma cómica que incluye la danza.
El teatro y el drama musical modernos también se han desarrollado en Japón en formas como el shingeki y la Takarazuka Revue .
