El arte medieval del mundo occidental cubre una amplia gama de tiempos y lugares, con más de 1000 años de arte en Europa y, en ciertos períodos, en Asia occidental y el norte de África . Incluye los principales movimientos y períodos artísticos, arte nacional y regional, géneros, avivamientos, oficios de los artistas y los propios artistas.
Los historiadores del arte intentan clasificar el arte medieval en períodos y estilos principales, a menudo con cierta dificultad. Un esquema generalmente aceptado incluye las fases posteriores del arte paleocristiano , el arte del período de las migraciones , el arte bizantino , el arte insular , el arte prerrománico , el arte románico y el arte gótico , así como muchos otros períodos dentro de estos estilos centrales. Además, cada región, principalmente durante el período en proceso de convertirse en naciones o culturas, tenía su propio estilo artístico distintivo, como el arte anglosajón o el arte vikingo .
El arte medieval se produjo en muchos medios, y las obras sobreviven en grandes cantidades en esculturas , manuscritos iluminados , vidrieras , orfebrería y mosaicos , todos los cuales han tenido una tasa de supervivencia más alta que otros medios, como pinturas murales al fresco y trabajos en metales preciosos. o textiles , incluidos los tapices . Especialmente en la primera parte del período, las obras de las llamadas "artes menores" o artes decorativas , como la orfebrería, la talla de marfil, el esmalte vítreo y los bordados con metales preciosos, probablemente eran más valoradas que las pinturas o la escultura monumental . [1]
El arte medieval en Europa surgió de la herencia artística del Imperio Romano y de las tradiciones iconográficas de la iglesia cristiana primitiva . Estas fuentes se mezclaron con la vigorosa cultura artística "bárbara" del norte de Europa para producir un legado artístico notable. De hecho, la historia del arte medieval puede verse como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico , paleocristiano y "bárbaro". [2] Aparte de los aspectos formales del clasicismo, hubo una tradición continua de representación realista de objetos que sobrevivió en el arte bizantino durante todo el período, mientras que en Occidente aparece de forma intermitente, combinando y a veces compitiendo con las nuevas posibilidades expresionistas desarrolladas en Europa Occidental. y el legado norteño de elementos decorativos energéticos. El período terminó con la autopercibida recuperación renacentista de las habilidades y valores del arte clásico, y el legado artístico de la Edad Media fue luego menospreciado durante algunos siglos. Desde el resurgimiento del interés y la comprensión en el siglo XIX, se ha considerado un período de enormes logros que subyace al desarrollo del arte occidental posterior.
Los primeros siglos de la Edad Media en Europa (hasta aproximadamente el año 800 d. C.) vieron una disminución de la prosperidad, la estabilidad y la población, seguida de un aumento bastante constante y general hasta el revés masivo de la Peste Negra alrededor de 1350, que se estima. haber matado al menos a un tercio de la población total de Europa, con tasas generalmente más altas en el sur y más bajas en el norte. Muchas regiones no recuperaron sus niveles de población anteriores hasta el siglo XVII. Se estima que la población de Europa alcanzó un punto mínimo de unos 18 millones en 650, se duplicó alrededor del año 1000 y alcanzó más de 70 millones en 1340, justo antes de la peste negra. En 1450 todavía eran sólo 50 millones. A estas cifras, el norte de Europa, especialmente Gran Bretaña, contribuyó en una proporción menor que en la actualidad, y el sur de Europa, incluida Francia, una proporción mayor. [3] El aumento de la prosperidad, para aquellos que sobrevivieron, se vio mucho menos afectado por la Peste Negra. Hasta aproximadamente el siglo XI, la mayor parte de Europa carecía de mano de obra agrícola, con grandes cantidades de tierra sin utilizar, y el Período Cálido Medieval benefició a la agricultura hasta aproximadamente 1315. [4]
El período medieval finalmente vio la desaparición de las invasiones e incursiones desde fuera del área que caracterizaron el primer milenio. Las conquistas islámicas de los siglos VII y VIII eliminaron repentina y permanentemente todo el norte de África del mundo occidental, y durante el resto del período los pueblos islámicos se apoderaron gradualmente del Imperio Bizantino , hasta el final de la Edad Media, cuando la Europa católica, habiendo Recuperó la península Ibérica en el suroeste y volvió a encontrarse bajo la amenaza musulmana desde el sureste.
Al comienzo del período medieval, las obras de arte más importantes eran objetos muy raros y costosos asociados con las élites seculares, monasterios o iglesias importantes y, si eran religiosas, en gran medida producidas por monjes. A finales de la Edad Media se podían encontrar obras de considerable interés artístico en pequeños pueblos y en un número significativo de hogares burgueses en las ciudades, y su producción era en muchos lugares una importante industria local, siendo ahora los artistas del clero la excepción. Sin embargo, la Regla de San Benito permitía la venta de obras de arte por parte de los monasterios, y está claro que durante todo el período los monjes podían producir arte, incluidas obras seculares, comercialmente para un mercado laico, y los monasterios igualmente contrataban especialistas laicos cuando era necesario. [5]
Las obras supervivientes pueden dejar la impresión de que casi todo el arte medieval era religioso. Esto está lejos de ser el caso; Aunque la Iglesia se hizo muy rica durante la Edad Media y en ocasiones estuvo dispuesta a gastar generosamente en arte, también hubo mucho arte secular de calidad equivalente que ha sufrido un índice mucho mayor de desgaste, pérdida y destrucción. En general, la Edad Media carecía del concepto de preservar obras más antiguas por su mérito artístico, a diferencia de su asociación con un santo o una figura fundadora, y los siguientes períodos del Renacimiento y el Barroco tendieron a menospreciar el arte medieval. La mayoría de los manuscritos iluminados de lujo de la Alta Edad Media tenían lujosas cubiertas encuadernadas en metales preciosos, marfil y joyas; las páginas reencuadernadas y los relieves de marfil de las portadas han sobrevivido en cantidades mucho mayores que las portadas completas, que en algún momento han sido arrancadas en su mayoría por sus valiosos materiales.
La mayoría de las iglesias han sido reconstruidas, a menudo varias veces, pero los palacios y casas grandes medievales se han perdido a un ritmo mucho mayor, lo mismo que su equipamiento y decoración. En Inglaterra, las iglesias sobreviven prácticamente intactas de todos los siglos desde el siglo VII, y en cantidades considerables de los posteriores (sólo la ciudad de Norwich tiene 40 iglesias medievales), pero de las docenas de palacios reales, ninguno sobrevive de antes del siglo XI, y sólo un puñado de restos del resto del período. [6] La situación es similar en la mayor parte de Europa, aunque el Palacio de los Papas del siglo XIV en Aviñón sobrevive en gran medida intacto. Muchas de las disputas académicas más prolongadas sobre la fecha y el origen de obras individuales se relacionan con piezas seculares, porque son mucho más raras: el Museo Británico rechazó el broche anglosajón Fuller por considerarlo una falsificación inverosímil y una pequeña pieza secular independiente. Las esculturas de bronce son tan raras que durante décadas se ha discutido sobre la fecha, el origen e incluso la autenticidad de los dos mejores ejemplos. [7]
El uso de materiales valiosos es una constante en el arte medieval; hasta el final del período, normalmente se gastaba mucho más en comprarlos que en pagar a los artistas, incluso si no eran monjes que cumplían con sus deberes. El oro se utilizaba para objetos de iglesias y palacios, joyería personal y accesorios de ropa y, fijado en la parte posterior de teselas de vidrio , como fondo sólido para mosaicos o aplicado como pan de oro a miniaturas en manuscritos y pinturas sobre paneles. Muchos objetos que utilizaban metales preciosos se fabricaron con el conocimiento de que su valor en lingotes podría realizarse en un momento futuro; sólo cerca del final del período se podía invertir el dinero en otras cosas que no fueran bienes raíces , excepto con un gran riesgo o cometiendo usura .
El pigmento ultramar , aún más caro , elaborado a partir de lapislázuli molido que sólo se puede obtener en Afganistán , se utilizó profusamente en el período gótico, más a menudo para el tradicional manto exterior azul de la Virgen María que para los cielos. El marfil , a menudo pintado, fue un material importante hasta el final del período, ilustrando bien el cambio del arte de lujo hacia las obras seculares; Al comienzo del período, la mayoría de los usos pasaron de los dípticos consulares a objetos religiosos como cubiertas de libros, relicarios y báculos , pero en el período gótico, las vitrinas de espejos seculares, ataúdes y peines decorados se vuelven comunes entre la clase acomodada. Como los delgados paneles de marfil tallados en relieve rara vez podían reciclarse para otra obra, el número de supervivientes es relativamente alto; lo mismo ocurre con las páginas manuscritas, aunque a menudo se reciclaban mediante raspado, con lo que se convertían en palimpsestos .
Incluso estos materiales básicos eran costosos: cuando la abadía anglosajona de Monkwearmouth-Jarrow planeó crear tres copias de la Biblia en el año 692 (de las cuales una sobrevive como el Codex Amiatinus ), el primer paso necesario fue planear la cría de ganado para abastecer el alimento. 1.600 terneros para dar la piel necesaria para la vitela . [8]
El papel estuvo disponible en los últimos siglos del período, pero también era extremadamente caro para los estándares actuales; Los grabados en madera vendidos a los peregrinos comunes y corrientes en los santuarios solían ser del tamaño de una caja de cerillas o más pequeños. La dendrocronología moderna ha revelado que la mayor parte del roble para los paneles utilizados en la pintura holandesa temprana del siglo XV fue talado en la cuenca del Vístula en Polonia, desde donde fue enviado río abajo y a través de los mares Báltico y del Norte hasta los puertos flamencos , antes de ser sazonado durante varios años. [9]
El arte en la Edad Media es un tema amplio y los historiadores del arte tradicionalmente lo dividen en varias fases, estilos o períodos de gran escala. El período de la Edad Media no comienza ni termina claramente en una fecha determinada, ni al mismo tiempo en todas las regiones, y lo mismo ocurre con las principales fases del arte dentro de ese período. [10] Las fases principales se tratan en las siguientes secciones.
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El arte paleocristiano, más generalmente descrito como arte de la Antigüedad tardía , cubre el período que va desde aproximadamente el año 200 (antes del cual no sobrevive ningún arte cristiano distintivo), hasta la aparición de un estilo completamente bizantino alrededor del año 500. Siguen existiendo diferentes puntos de vista sobre cuándo comenzó el arte cristiano. El período medieval comienza durante esta época, tanto en términos de historia general como de historia del arte específicamente, pero con mayor frecuencia se ubica al final del período. En el transcurso del siglo IV el cristianismo pasó de ser una secta popular perseguida a la religión oficial del Imperio, adaptando los estilos y a menudo la iconografía romana existente , tanto del arte popular como del Imperial. Desde el comienzo del período, los principales vestigios del arte cristiano son las pinturas funerarias de estilos populares de las catacumbas de Roma , pero al final hubo una serie de lujosos mosaicos en iglesias construidas bajo el patrocinio imperial.
Durante este período, el arte imperial tardorromano pasó por una fase sorprendentemente "barroca" y luego abandonó en gran medida el estilo clásico y el realismo griego en favor de un estilo más místico y hierático, un proceso que ya estaba en marcha antes de que el cristianismo se convirtiera en una influencia importante en el arte imperial. . A este proceso contribuyeron influencias de partes orientales del Imperio: Egipto , Siria y más allá, y también una sólida tradición vernácula "itálica".
Las figuras se ven principalmente de frente mirando al espectador, mientras que el arte clásico tendía a mostrar una vista de perfil; el cambio eventualmente se vio incluso en las monedas. La individualidad de los retratos, una gran fortaleza del arte romano, decae drásticamente, y la anatomía y vestimenta de las figuras se muestran con mucho menos realismo. Los modelos a partir de los cuales la Europa del norte medieval en particular formó su idea de estilo "romano" fueron casi todos obras portátiles de la Antigüedad tardía, y los sarcófagos tallados de la Antigüedad tardía que se encuentran en todo el antiguo Imperio Romano; [11] la determinación de encontrar modelos clásicos "más puros" anteriores fue un elemento clave en el art all'antica del Renacimiento. [12]
Relieves de marfil
El arte bizantino es el arte del Imperio Bizantino de habla griega formado después de la división del Imperio Romano entre las mitades oriental y occidental, y a veces de partes de Italia bajo dominio bizantino. Surge de la Antigüedad tardía alrededor del año 500 d.C. y pronto formó una tradición distinta de la de la Europa católica pero con gran influencia sobre ella. A principios del período medieval, el mejor arte bizantino, a menudo procedente de los grandes talleres imperiales, representaba un ideal de sofisticación y técnica que los mecenas europeos intentaban emular. Durante el período de iconoclasia bizantina entre 730 y 843, la gran mayoría de los iconos (imágenes sagradas generalmente pintadas sobre madera) fueron destruidos; Queda tan poco que hoy en día cualquier descubrimiento aporta nuevos conocimientos, y la mayoría de las obras restantes se encuentran en Italia (Roma y Rávena , etc.), o en Egipto, en el Monasterio de Santa Catalina .
El arte bizantino era extremadamente conservador, por razones religiosas y culturales, pero conservaba una tradición continua de realismo griego, que luchaba contra un fuerte impulso antirrealista y hierático. Después de la reanudación de la producción de iconos en 843 hasta 1453, la tradición del arte bizantino continuó con relativamente pocos cambios, a pesar o debido al lento declive del Imperio. Hubo un notable renacimiento del estilo clásico en obras de arte de la corte del siglo X como el Salterio de París , y durante todo el período la iluminación de los manuscritos muestra estilos paralelos, a menudo utilizados por el mismo artista, para figuras icónicas en miniaturas enmarcadas y escenas o figuras pequeñas más informales. añadido sin marco en los márgenes del texto en un estilo mucho más realista. [13]
La escultura monumental con figuras siguió siendo un tabú en el arte bizantino; Apenas se conocen excepciones. Pero los pequeños relieves de marfil, casi todos de estilo icónico (el Tríptico de Harbaville es de fecha similar al Salterio de París, pero de estilo muy diferente), eran una especialidad, al igual que la decoración en relieve de cuencos y otros objetos metálicos.
El Imperio Bizantino produjo gran parte del mejor arte de la Edad Media en términos de calidad del material y mano de obra, con la producción de la corte centrada en Constantinopla , aunque algunos historiadores del arte han cuestionado la suposición, todavía comúnmente aceptada, de que todas las obras de la mejor calidad con En la capital no se presentó ninguna indicación sobre el origen. El mayor logro del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos dentro de las iglesias con cúpulas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y la apropiación de iglesias para mezquitas .
El arte bizantino ejerció una influencia continua en el arte de Europa occidental, y los esplendores de la corte y los monasterios bizantinos, incluso al final del Imperio, proporcionaron un modelo para los gobernantes y mecenas seculares y clericales occidentales. Por ejemplo, los textiles de seda bizantinos , a menudo tejidos o bordados con diseños de figuras tanto animales como humanas, los primeros reflejando a menudo tradiciones que se originaban mucho más al este, fueron insuperables en el mundo cristiano hasta casi el final del Imperio. Estos se produjeron, aunque probablemente no del todo, en talleres imperiales de Constantinopla, de cuyo funcionamiento no sabemos casi nada; a menudo se conjeturan talleres similares para otras artes, con aún menos pruebas. El estilo de fondo dorado en mosaicos, iconos y miniaturas manuscritas era común en toda Europa en el período gótico. Algunas otras artes decorativas estaban menos desarrolladas; La cerámica bizantina rara vez supera el nivel del arte popular atractivo , a pesar de la herencia griega antigua y el impresionante futuro en el período otomano de los artículos de İznik y otros tipos de cerámica.
Otras tradiciones locales en Armenia , Siria , Georgia y otros lugares mostraron en general menos sofisticación, pero a menudo más vigor que el arte de Constantinopla , y en ocasiones, especialmente en la arquitectura , parecen haber tenido influencia incluso en Europa occidental. Por ejemplo, las esculturas monumentales figurativas en el exterior de las iglesias aparecen aquí algunos siglos antes de que se vean en Occidente. [14]
A menudo se pasan por alto en las reseñas de arte medieval las obras del continente africano. Entre ellas se encuentran las artes de Egipto, Nubia y Etiopía. Después de que las iglesias africanas rechazaron el Concilio de Calcedonia y se convirtieron en Iglesias ortodoxas orientales , su arte se desarrolló en nuevas direcciones, relacionadas con Bizancio pero diferentes de ella.
El arte copto surgió de concepciones indígenas egipcias, con un estilo no realista, a menudo con figuras de ojos grandes flotando sobre fondos sin pintar. La decoración copta utilizaba intrincados diseños geométricos, que más tarde siguió el arte islámico. Debido a la excepcionalmente buena conservación de los entierros egipcios, sabemos más sobre los textiles utilizados por los menos favorecidos en Egipto que en cualquier otro lugar. A menudo estaban elaboradamente decoradas con diseños figurativos y estampados.
El arte etíope fue una parte vital del imperio Aksumita , siendo un ejemplo importante los Evangelios Garima , uno de los manuscritos bíblicos ilustrados más antiguos que existen. Era especialmente probable que las obras sobre la Virgen María estuvieran ilustradas, como lo demuestra un manuscrito real conocido como EMML 9002 creado a finales del siglo XIII. [15] Algunas de estas imágenes de María se pueden ver en el proyecto Milagros de María de Etiopía, Eritrea y Egipto de Princeton. [dieciséis]
El arte del Período de Migración describe el arte de los pueblos germánicos y de Europa del Este " bárbaros " que se desplazaron y luego se establecieron dentro del antiguo Imperio Romano, durante el Período de Migración, aproximadamente entre 300 y 700; El término general cubre una amplia gama de estilos étnicos o regionales, incluido el arte anglosajón temprano , el arte visigodo , el arte vikingo y el arte merovingio , todos los cuales hacían uso del estilo animal así como de motivos geométricos derivados del arte clásico. En este período, el estilo animal había alcanzado una forma mucho más abstracta que en el arte escita anterior o el estilo de La Tène . La mayoría de las obras de arte eran pequeñas y portátiles y las que sobrevivieron son en su mayoría joyas y trabajos en metal, y el arte se expresa en diseños geométricos o esquemáticos, a menudo bellamente concebidos y realizados, con pocas figuras humanas y ningún intento de realismo. Los primeros ajuares funerarios anglosajones de Sutton Hoo se encuentran entre los mejores ejemplos.
A medida que los pueblos "bárbaros" fueron cristianizados , estas influencias interactuaron con la tradición artística cristiana mediterránea posclásica y nuevas formas como el manuscrito iluminado , [17] y, de hecho, las monedas , que intentaban emular las monedas provinciales romanas y los tipos bizantinos . Las primeras monedas, como el sceat, muestran a diseñadores completamente acostumbrados a representar una cabeza de perfil lidiando con el problema de diferentes maneras.
En cuanto a obras más grandes, hay referencias a estatuas paganas de madera anglosajonas, todas ahora perdidas, y en el arte nórdico la tradición de las piedras rúnicas talladas se mantuvo después de su conversión al cristianismo. Los pictos celtas de Escocia también tallaron piedras antes y después de la conversión, y la distintiva tradición anglosajona e irlandesa de grandes cruces talladas al aire libre puede reflejar obras paganas anteriores. El arte vikingo de siglos posteriores en Escandinavia y partes de las Islas Británicas incluye obras de origen tanto pagano como cristiano, y fue uno de los últimos florecimientos de este amplio grupo de estilos.
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El arte insular se refiere al estilo distintivo que se encuentra en Irlanda y Gran Bretaña desde aproximadamente el siglo VII hasta aproximadamente el siglo X, y que perduró más tarde en Irlanda y partes de Escocia. El estilo vio una fusión entre las tradiciones del arte celta , el arte del período de la migración germánica de los anglosajones y las formas cristianas del libro, las cruces altas y la orfebrería litúrgica.
Decoración de animales geométrica, entrelazada y estilizada extremadamente detallada , con formas derivadas de la orfebrería secular como broches , distribuidas audazmente en manuscritos, generalmente libros evangélicos como el Libro de Kells , con páginas enteras de alfombras dedicadas a tales diseños, y el desarrollo de los grandes decorados. e inicial historiada . Había muy pocas figuras humanas (la mayoría de las veces eran retratos de evangelistas ) y eran toscas, incluso cuando seguían de cerca los modelos de la Antigüedad tardía.
El estilo manuscrito insular fue transmitido al continente por la misión hiberno-escocesa , y su energía anticlásica fue extremadamente importante en la formación de estilos medievales posteriores. En la mayoría de los manuscritos de la Antigüedad tardía, el texto y la decoración se mantenían claramente separados, aunque algunas iniciales comenzaron a ampliarse y elaborarse, pero los manuscritos insulares más importantes a veces ocupan una página entera para una sola inicial o las primeras palabras (ver ilustración) al comienzo de los evangelios o otras secciones de un libro. Permitir a la decoración un "derecho a vagar" iba a tener una gran influencia en el arte románico y gótico en todos los medios.
Los edificios de los monasterios para los que se hicieron los evangelios insulares eran entonces pequeños y podían considerarse primitivos, especialmente en Irlanda. Hubo cada vez más otras decoraciones en las iglesias, cuando era posible en metales preciosos, y un puñado de ellas sobreviven, como el Cáliz de Ardagh , junto con un mayor número de piezas de joyería secular de alto estatus extremadamente ornamentadas y finamente elaboradas, los broches celtas probablemente usados. principalmente por hombres, de los cuales el Broche Tara es el más espectacular.
"Franco-Sajón" es un término para una escuela de iluminación carolingia tardía en el noreste de Francia que utilizaba decoración de estilo insular, incluidas iniciales de gran tamaño, a veces en combinación con imágenes figurativas típicas de los estilos franceses contemporáneos. El "más tenaz de todos los estilos carolingios", continuó hasta el siglo XI. [18]
Iniciales gigantes
El arte islámico durante la Edad Media queda fuera del alcance de este artículo, pero fue ampliamente importado y admirado por las élites europeas, y es necesario mencionar su influencia. [19] El arte islámico cubre una amplia variedad de medios que incluyen caligrafía, manuscritos ilustrados, textiles, cerámica, orfebrería y vidrio, y se refiere al arte de los países musulmanes en el Cercano Oriente, la España islámica y el norte de África, aunque no siempre. Artistas o artesanos musulmanes. La producción de vidrio , por ejemplo, siguió siendo una especialidad judía durante todo el período, y el arte cristiano, como en el Egipto copto , continuó, especialmente durante los siglos anteriores, manteniendo algunos contactos con Europa. Hubo una etapa formativa temprana entre 600 y 900 y el desarrollo de estilos regionales desde 900 en adelante. El arte islámico temprano utilizó artistas de mosaicos y escultores formados en las tradiciones bizantina y copta. [20] En lugar de pinturas murales, el arte islámico utilizó azulejos pintados , ya desde 862-3 (en la Gran Mezquita de Kairouan en el actual Túnez ), que también se extendió a Europa. [21] Según John Ruskin , el Palacio Ducal de Venecia contiene "tres elementos en proporciones exactamente iguales: el romano, el lombardo y el árabe. Es el edificio central del mundo... la historia de la arquitectura gótica es la historia del refinamiento y espiritualización del trabajo del Norte bajo su influencia". [22]
Los gobernantes islámicos controlaban en varios puntos partes del sur de Italia y la mayor parte de la España y Portugal modernos, así como los Balcanes , todos los cuales conservaban grandes poblaciones cristianas. Los cruzados cristianos gobernaron igualmente a las poblaciones islámicas. El arte cruzado es principalmente un híbrido de estilos católico y bizantino, con poca influencia islámica, pero el arte mozárabe de los cristianos en Al Andaluz parece mostrar una influencia considerable del arte islámico, aunque los resultados se parecen poco a las obras islámicas contemporáneas. La influencia islámica también se puede rastrear en la corriente principal del arte medieval occidental, por ejemplo en el portal románico de Moissac , en el sur de Francia, donde se muestra en ambos elementos decorativos, como los bordes festoneados de la entrada, las decoraciones circulares en el dintel superior, y también por tener a Cristo en Majestad rodeado de músicos, lo que se convertiría en una característica común de las escenas celestiales occidentales, y probablemente deriva de imágenes de reyes islámicos en su diwan . [23] La caligrafía , la ornamentación y las artes decorativas en general eran más importantes que en Occidente. [24]
La cerámica hispano-morisco de España se produjo por primera vez en Al-Andaluz, pero los alfareros musulmanes parecen haber emigrado luego a la zona de la Valencia cristiana , donde produjeron trabajos que se exportaron a las élites cristianas de toda Europa; [25] otros tipos de artículos de lujo islámicos, en particular textiles de seda y alfombras, procedían del mundo islámico oriental, generalmente más rico [26] (los conductos islámicos a Europa al oeste del Nilo , sin embargo, no eran más ricos), [27] con muchos de ellos pasan por Venecia. [28] Sin embargo, en su mayor parte los productos de lujo de la cultura de la corte, como sedas, marfil, piedras preciosas y joyas, se importaron a Europa sólo en forma inacabada y se fabricaron en el producto final etiquetado como "oriental" por los artesanos medievales locales. [29] Estaban libres de representaciones de escenas religiosas y normalmente estaban decorados con adornos , lo que los hacía fáciles de aceptar en Occidente; [30] de hecho, a finales de la Edad Media había una moda para las imitaciones pseudocúficas de la escritura árabe utilizadas decorativamente. en el arte occidental.
Prerrománico es un término para la arquitectura y, hasta cierto punto, el arte pictórico y portátil que se encontró inicialmente en el sur de Europa (España, Italia y el sur de Francia) entre el período de la Antigüedad tardía y el inicio del período románico en el siglo XI. El arte del norte de Europa va formando parte del movimiento posterior a la cristianización a medida que va asimilando estilos posclásicos. El arte carolingio del Imperio franco , especialmente de la Francia y Alemania modernas, de aproximadamente 780-900 toma su nombre de Carlomagno y es un arte del círculo de la corte y de algunos centros monásticos bajo el patrocinio imperial, que conscientemente buscaban revivir los estilos "romanos". y estándares como correspondía al nuevo Imperio de Occidente . Algunos centros de producción carolingia también fueron pioneros en estilos expresivos en obras como el Salterio de Utrecht y los Evangelios de Ebbo . Por primera vez se registra una escultura monumental cristiana y la representación de la figura humana en escenas narrativas se hizo segura por primera vez en el arte del Norte. La arquitectura carolingia produjo edificios más grandes que los que se habían visto desde la época romana, así como la construcción del oeste y otras innovaciones. [31]
Después del colapso de la dinastía hubo una pausa antes de que una nueva dinastía trajera un renacimiento en Alemania con el arte otoniano , nuevamente centrado en la corte y los monasterios, con un arte que avanzó hacia una gran expresividad a través de formas simples que alcanzan la monumentalidad incluso en obras pequeñas como el marfil. relieves y miniaturas manuscritas , sobre todo las de la Escuela de Reichenau , como las Perícopas de Enrique II (1002-1012). El arte anglosajón posterior en Inglaterra, alrededor del año 900, fue expresivo de una manera muy diferente, con figuras agitadas e incluso ropajes que tal vez se muestren mejor en los numerosos dibujos a pluma de los manuscritos. El arte mozárabe de la España cristiana tenía una fuerte influencia islámica y una total falta de interés por el realismo en sus miniaturas de colores brillantes, donde las figuras se presentan como patrones completamente planos. Ambos influyeron en la formación del estilo románico en Francia. [32]
![Otro retrato evangelista carolingio en estilo realista griego/bizantino, probablemente realizado por un artista griego, también de finales del siglo VIII.[33]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/Coronation_Gospels_-_St_John.png/1280px-Coronation_Gospels_-_St_John.png)
El arte románico se desarrolló en el período comprendido aproximadamente entre el año 1000 y el auge del arte gótico en el siglo XII, junto con el auge del monaquismo en Europa occidental. El estilo se desarrolló inicialmente en Francia, pero se extendió a la España cristiana, Inglaterra, Flandes, Alemania, Italia y otros lugares para convertirse en el primer estilo medieval que se encuentra en toda Europa, aunque con diferencias regionales. [34] La llegada del estilo coincidió con un gran aumento en la construcción de iglesias y en el tamaño de las catedrales e iglesias más grandes; muchos de ellos fueron reconstruidos en períodos posteriores, pero a menudo alcanzaron aproximadamente su tamaño actual en el período románico. La arquitectura románica está dominada por gruesos muros, estructuras masivas concebidas como una única forma orgánica, con techos abovedados y ventanas y arcos de cabeza redonda.
La escultura figurativa, originalmente pintada de colores, desempeña un papel integral e importante en estos edificios, en los capiteles de las columnas, así como alrededor de impresionantes portales , generalmente centrados en un tímpano sobre las puertas principales, como en la Abadía de Vézelay y la Catedral de Autun . Los relieves son mucho más comunes que las estatuas independientes en piedra, pero los relieves románicos se hicieron mucho más altos, con algunos elementos completamente desprendidos de la pared posterior. También cobraron importancia las grandes tallas, especialmente crucifijos de madera pintados , como la Cruz de Gero , de principios de la época, y figuras de la Virgen María , como la Virgen Dorada de Essen . La realeza y el alto clero comenzaron a encargar efigies de tamaño natural para monumentos funerarios . Algunas iglesias tenían enormes pares de puertas de bronce decoradas con paneles narrativos en relieve, como las puertas de Gniezno o las de Hildesheim , "las primeras puertas de bronce decoradas fundidas en una sola pieza en Occidente desde la época romana", y posiblemente las más hermosas antes del Renacimiento. [35]
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La mayoría de las iglesias tenían numerosos frescos; un esquema típico tenía a Cristo en Majestad en el extremo este (altar), un Juicio Final en el extremo oeste sobre las puertas y escenas de la Vida de Cristo frente a escenas del Antiguo Testamento tipológicamente coincidentes en las paredes de la nave . El "mayor monumento conservado de pintura mural románica", muy reducido de lo que originalmente estaba allí, se encuentra en la iglesia abacial de Saint-Savin-sur-Gartempe, cerca de Poitiers , donde se encuentran la bóveda de cañón de medio punto de la nave , la cripta , el pórtico y otros Las zonas conservan la mayor parte de sus pinturas. [36] Un ciclo equivalente en Sant'Angelo in Formis en Capua, en el sur de Italia, realizado por pintores italianos formados por griegos, ilustra el continuo predominio del estilo bizantino en gran parte de Italia. [37]
La escultura y la pintura románicas son a menudo vigorosas y expresivas, e inventivas en términos de iconografía : los temas elegidos y su tratamiento. Aunque muchas características absorbidas del arte clásico forman parte del estilo románico, los artistas románicos rara vez intentaron lograr algún tipo de efecto clásico, excepto quizás en el arte mosano . [38] A medida que el arte fue visto por un sector más amplio de la población, y debido a los desafíos de nuevas herejías , el arte se volvió más didáctico y la iglesia local se convirtió en la " Biblia del pobre ". Al mismo tiempo, las bestias y monstruos grotescos, y las peleas con o entre ellos, eran temas populares, a los que se les podía atribuir vagamente significados religiosos, aunque esto no impresionó a San Bernardo de Claraval , quien denunció tales distracciones en los monasterios:
Pero en el claustro, ante los ojos de los monjes lectores, ¿qué sentido tiene una monstruosidad tan ridícula, esa extraña forma de informe? ¿Por qué estos feos monos, por qué estos feroces leones, por qué los monstruosos centauros, por qué los semihumanos, por qué los tigres moteados, por qué los soldados que luchan, por qué los cazadores que pregonan? ... En resumen, hay tal variedad y diversidad de formas extrañas en todas partes que preferimos leer las canicas en lugar de los libros. [39]
Bien podría haber conocido la miniatura de la izquierda, que se produjo en la abadía de Cîteaux antes de que el joven Bernardo fuera trasladado desde allí en 1115. [40]
Durante el período, la tipología se convirtió en el enfoque dominante en la literatura teológica y el arte para interpretar la Biblia, con incidentes del Antiguo Testamento vistos como prefiguraciones de aspectos de la vida de Cristo, y mostrados junto con su correspondiente episodio del Nuevo Testamento. A menudo la iconografía de la escena del Nuevo Testamento se basó en tradiciones y modelos originarios de la Antigüedad tardía, pero la iconografía del episodio del Antiguo Testamento tuvo que ser inventada en este período, por falta de precedentes. Se idearon nuevos temas, como el Árbol de Jesé , y las representaciones de Dios Padre se volvieron más aceptables. La gran mayoría del arte superviviente es religioso. El arte mosano era un estilo regional especialmente refinado, del que sobrevivieron magníficos trabajos en metal, a menudo combinados con esmalte , y elementos de clasicismo poco comunes en el arte románico, como en la pila bautismal de la iglesia de San Bartolomé, en Lieja , o el Santuario de los Tres Reyes en Colonia. , una de las obras supervivientes de Nicolás de Verdún , cuyos servicios se solicitaron en todo el noroeste de Europa.
Las vidrieras se convirtieron en una forma de arte importante en la época, aunque sobrevive poco vidrio románico. En los manuscritos iluminados, la Biblia se convirtió en un nuevo foco de intensa decoración, y el salterio también siguió siendo importante. El fuerte énfasis en el sufrimiento de Cristo y otras figuras sagradas entró en el arte occidental en este período, una característica que lo distingue fuertemente del arte bizantino y clásico durante el resto de la Edad Media y más allá. La Cruz de Gero de 965-970, en la cúspide del arte otoniano y románico, ha sido considerada la primera obra en exhibir esto. [41] El final del período románico vio el inicio de un énfasis mucho mayor en la Virgen María en la teología, la literatura y también en el arte, que alcanzaría su máxima extensión en el período gótico.
El arte gótico es un término variable según el oficio, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica que se desarrolló en Francia aproximadamente en 1137 con la reconstrucción de la iglesia abacial de St Denis . Al igual que con la arquitectura románica, esto incluía la escultura como parte integral del estilo, con portales aún más grandes y otras figuras en las fachadas de las iglesias como ubicación de la escultura más importante, hasta el período tardío, cuando grandes retablos y retablos tallados , generalmente en Madera pintada y dorada, se convirtió en un foco importante en muchas iglesias. La pintura gótica no apareció hasta alrededor del año 1200 (esta fecha tiene muchas matizaciones), cuando se separó del estilo románico. Un estilo gótico en escultura se origina en Francia alrededor de 1144 y se extendió por toda Europa, convirtiéndose en el siglo XIII en el estilo internacional, reemplazando al románico, aunque en escultura y pintura la transición no fue tan marcada como en arquitectura.
La mayoría de las catedrales románicas y las grandes iglesias fueron reemplazadas por edificios góticos, al menos en aquellos lugares que se beneficiaron del crecimiento económico de la época; la arquitectura románica ahora se ve mejor en áreas que posteriormente estuvieron relativamente deprimidas, como muchas regiones del sur de Francia e Italia. , o el norte de España. La nueva arquitectura permitió ventanas mucho más grandes, y vidrieras de una calidad nunca superada son quizás el tipo de arte más asociado en la mente popular con el gótico, aunque las iglesias con casi todos sus vidrios originales, como la Sainte-Chapelle de París, son extremadamente raros en cualquier lugar y desconocidos en Gran Bretaña.
La mayoría de las pinturas murales góticas también han desaparecido; estos siguieron siendo muy comunes, aunque en las iglesias parroquiales a menudo estaban ejecutados de manera bastante tosca. Los edificios seculares también solían tener pinturas murales, aunque la realeza prefería los tapices, mucho más caros, que llevaban consigo cuando viajaban entre sus numerosos palacios y castillos, o se llevaban consigo en campañas militares; la mejor colección de arte textil de finales de la Edad Media viene del botín suizo en la batalla de Nancy , cuando derrotaron y mataron a Carlos el Temerario , duque de Borgoña , y capturaron todo su bagaje. [43]
Como se mencionó en la sección anterior, el período gótico coincidió con un énfasis mucho mayor en la Virgen María, y fue en este período que la Virgen y el Niño se convirtieron en un sello distintivo del arte católico. Los santos también fueron retratados con mucha más frecuencia, y muchos de los atributos desarrollados para identificarlos visualmente para un público todavía mayoritariamente analfabeto aparecieron por primera vez.
Durante este período, la pintura sobre tabla para retablos, a menudo polípticos y obras más pequeñas, adquirió nueva importancia. Anteriormente, los iconos sobre paneles habían sido mucho más comunes en el arte bizantino que en Occidente, aunque muchas pinturas sobre paneles hechas en Occidente, ahora perdidas, están documentadas de períodos mucho más antiguos, y al principio los pintores occidentales sobre paneles estaban en gran medida bajo el dominio de los modelos bizantinos. especialmente en Italia, de donde proceden la mayoría de las primeras pinturas sobre tabla occidentales. El proceso de establecimiento de un estilo occidental distintivo fue iniciado por Cimabue y Duccio y completado por Giotto , a quien tradicionalmente se considera el punto de partida para el desarrollo de la pintura renacentista. Sin embargo, la mayor parte de la pintura sobre paneles siguió siendo más conservadora que la pintura en miniatura, en parte porque fue vista por un amplio público.
El gótico internacional describe el arte gótico cortesano de aproximadamente 1360 a 1430, después del cual el arte gótico comienza a fusionarse con el arte renacentista que había comenzado a formarse en Italia durante el Trecento , con un retorno a los principios clásicos de composición y realismo, con el escultor Nicola. Pisano y el pintor Giotto como figuras especialmente formativas. Las Très Riches Heures du Duc de Berry es una de las obras más conocidas del gótico internacional. La transición al Renacimiento se produjo en diferentes momentos y en diferentes lugares: la pintura holandesa temprana se encuentra entre ambas, al igual que el pintor italiano Pisanello . Fuera de Italia, los estilos renacentistas aparecieron en algunas obras en las cortes y en algunas ciudades ricas, mientras que otras obras, y todas las obras realizadas fuera de estos centros de innovación, continuaron con los estilos del gótico tardío durante un período de algunas décadas. La Reforma Protestante a menudo proporcionó un punto final para la tradición gótica en áreas que se volvieron protestantes, ya que estaba asociada con el catolicismo.
La invención de un sistema integral de perspectiva lineal con base matemática es un logro decisivo del Renacimiento italiano de principios del siglo XV en Florencia , pero la pintura gótica ya había hecho grandes progresos en la representación naturalista de la distancia y el volumen, aunque generalmente no tenía en cuenta los consideraban características esenciales de una obra si otros objetivos entraban en conflicto con ellos, y la escultura del gótico tardío era cada vez más naturalista. En la miniatura borgoñona de mediados del siglo XV (derecha), el artista parece dispuesto a mostrar su habilidad para representar edificios y bloques de piedra de forma oblicua y gestionar escenas a diferentes distancias. Pero su intento general de reducir el tamaño de los elementos más distantes no es sistemático. Las secciones de la composición están a una escala similar, con la distancia relativa mostrada mediante superposición, escorzo y otros objetos más altos que los más cercanos, aunque los trabajadores de la izquierda muestran un ajuste de tamaño más fino. Pero esto se abandona a la derecha, donde la figura más importante es mucho más grande que el albañil.
El final del período incluye nuevos medios como la imprenta ; junto con pequeñas pinturas sobre paneles, se utilizaban con frecuencia para las emotivas andachtsbilder ("imágenes devocionales") influenciadas por las nuevas tendencias religiosas de la época. Se trataba de imágenes de momentos desligados de la narración de la Pasión de Cristo destinadas a la meditación de sus sufrimientos, o los de la Virgen: el Varón de los Dolores , La Piedad , Velo de la Verónica o Arma Christi . El trauma de la Peste Negra a mediados del siglo XIV fue, al menos en parte, responsable de la popularidad de temas como la Danza de la Muerte y el Memento mori . En los cuadernos baratos con texto (a menudo en lengua vernácula ) e imágenes recortadas en un solo grabado en madera , se encuentran obras como la ilustrada (izquierda), el Ars Moriendi ( El arte de morir ) y resúmenes tipológicos en verso de la Biblia como el Speculum Humanae Salvationis ( Espejo de la salvación humana ) fueron los más populares.
El humanismo renacentista y el ascenso de una clase media urbana adinerada, encabezada por comerciantes, comenzaron a transformar el antiguo contexto social del arte, con el resurgimiento del retrato realista y la aparición del grabado y el autorretrato , junto con el declive de formas como vidrieras y el manuscrito iluminado. Los retratos de los donantes , que en el período medieval temprano eran en gran parte dominio exclusivo de papas, reyes y abades, ahora mostraban a hombres de negocios y sus familias, y las iglesias se estaban llenando de monumentos funerarios de los adinerados.
El libro de horas , un tipo de manuscrito normalmente propiedad de profanos, o incluso más a menudo de profas, se convirtió en el tipo de manuscrito más ilustrado con mayor frecuencia a partir del siglo XIV, y también en este período, el liderazgo en la producción de miniaturas había pasado a artistas laicos, también muy a menudo mujeres. En los centros de iluminación más importantes, París y en el siglo XV las ciudades de Flandes , había grandes talleres que exportaban a otras partes de Europa. Otras formas de arte, como pequeños relieves de marfil, vidrieras, tapices y alabastros de Nottingham (paneles tallados baratos para retablos) se produjeron en condiciones similares, y los artistas y artesanos de las ciudades solían estar cubiertos por el sistema de gremios : el gremio de orfebres. Por lo general, estaba entre los más ricos de una ciudad y los pintores eran miembros de un gremio especial de San Lucas en muchos lugares.
Se produjeron obras seculares, que a menudo utilizaban temas relacionados con el amor cortés o el heroísmo caballeresco , como manuscritos iluminados, espejos de marfil tallado, tapices y elaborados centros de mesa de oro como nefs . Empieza a ser posible distinguir un número mucho mayor de artistas individuales, algunos de los cuales tenían reputación internacional. Comienzan a aparecer coleccionistas de arte, de manuscritos entre los grandes nobles, como Juan, duque de Berry (1340-1416), y de grabados y otras obras entre aquellos con una riqueza moderada. En las zonas más ricas, pequeños grabados religiosos baratos en madera llevaron el arte en una aproximación al último estilo incluso a los hogares de los campesinos a finales del siglo XV.
Virgen María
El arte medieval tenía poco sentido de su propia historia del arte, y este desinterés continuó en períodos posteriores. El Renacimiento generalmente lo descartó como un producto "bárbaro" de la " Edad Oscura ", y el término "gótico" se inventó como un término deliberadamente peyorativo, utilizado por primera vez por el pintor Rafael en una carta de 1519 para caracterizar todo lo que se había interpuesto entre ellos. La desaparición del arte clásico y su supuesto 'renacimiento' en el Renacimiento . El término fue posteriormente adoptado y popularizado a mediados del siglo XVI por el artista e historiador florentino Giorgio Vasari , quien lo utilizó para denigrar la arquitectura del norte de Europa en general. Los anticuarios continuaron coleccionando manuscritos iluminados , o permanecían sin ser tenidos en cuenta en bibliotecas monásticas o reales, pero las pinturas eran sobre todo de interés si tenían asociaciones históricas con la realeza u otros. El largo período de maltrato del Retablo de Westminster por parte de la Abadía de Westminster es un ejemplo; hasta el siglo XIX sólo se consideraba una pieza de madera útil. Pero su gran retrato de Ricardo II de Inglaterra estaba bien cuidado, al igual que otro retrato de Ricardo, el Díptico de Wilton (ilustrado arriba). Como en la propia Edad Media, a menudo otros objetos han sobrevivido principalmente porque se consideraban reliquias .
No había equivalente para el arte pictórico de la " supervivencia gótica " que se encuentra en la arquitectura, una vez que el estilo finalmente había desaparecido en Alemania, Inglaterra y Escandinavia , y el Renacimiento gótico se centró durante mucho tiempo en la arquitectura gótica más que en el arte. La comprensión de la sucesión de estilos era todavía muy débil, como sugiere el título del libro pionero de Thomas Rickman sobre la arquitectura inglesa: Un intento de discriminar los estilos de la arquitectura inglesa desde la conquista hasta la Reforma (1817). Esto comenzó a cambiar radicalmente a mediados del siglo XIX, cuando la apreciación de la escultura medieval y su pintura, conocida como "primitivos" italianos o flamencos, se puso de moda bajo la influencia de escritores como John Ruskin , Eugène Viollet-le-Duc , y Pugin , así como el medievalismo romántico de obras literarias como Ivanhoe (1819) de Sir Walter Scott y El jorobado de Notre-Dame (1831) de Victor Hugo . Entre los primeros coleccionistas de los "primitivos", entonces todavía relativamente baratos, se encontraba el Príncipe Alberto .
Entre los artistas, el movimiento nazareno alemán de 1809 y la Hermandad Prerrafaelita inglesa de 1848 rechazaron los valores de al menos el Renacimiento posterior, pero en la práctica, y a pesar de representar a veces escenas medievales, su trabajo se inspira principalmente en el Renacimiento temprano más que en el Renacimiento temprano. el gótico o períodos anteriores, siendo la primera obra gráfica de John Millais una especie de excepción. [45] William Morris , también un exigente coleccionista de arte medieval, absorbió el estilo medieval más a fondo en su obra, al igual que William Burges .
A finales del siglo XIX, muchos ilustradores de libros y productores de artes decorativas de diversos tipos habían aprendido a utilizar con éxito los estilos medievales en los nuevos museos, como el Victoria & Albert Museum, creado para este fin. Al mismo tiempo, el nuevo campo académico de la historia del arte , dominado por Alemania y Francia, se concentró fuertemente en el arte medieval y pronto fue muy productivo en la catalogación y datación de las obras supervivientes y en el análisis del desarrollo de los estilos y la iconografía medievales; aunque el período de la Antigüedad tardía y precarolingio siguió siendo una "tierra de nadie" menos explorada hasta el siglo XX. [46]
Franz Theodor Kugler fue el primero en nombrar y describir el arte carolingio en 1837; Como muchos historiadores del arte de la época, buscó encontrar y promover el espíritu nacional de su propia nación en la historia del arte, una búsqueda iniciada por Johann Gottfried Herder en el siglo XVIII. El alumno de Kugler, el gran historiador del arte suizo Jacob Burckhardt , aunque no se le puede considerar un especialista en arte medieval, fue una figura importante en el desarrollo de su comprensión. El arte medieval ahora estaba fuertemente coleccionado, tanto por museos como por coleccionistas privados como George Salting , la familia Rothschild y John Pierpont Morgan .
Después del declive del Renacimiento gótico y el uso de estilos insulares en el Renacimiento celta , los elementos antirrealistas y expresivos del arte medieval todavía han demostrado ser una inspiración para muchos artistas modernos.
Los historiadores del arte de habla alemana continuaron dominando la historia del arte medieval, a pesar de figuras como Émile Mâle (1862-1954) y Henri Focillon (1881-1943), hasta el período nazi, cuando un gran número de figuras importantes emigraron, principalmente a Gran Bretaña o Estados Unidos. , donde aún se estaba desarrollando el estudio académico de la historia del arte. Entre ellos se encontraban el anciano Adolph Goldschmidt y figuras más jóvenes como Nikolaus Pevsner , Ernst Kitzinger , Erwin Panofsky , Kurt Weitzmann , Richard Krautheimer y muchos otros. Meyer Schapiro había inmigrado cuando era niño en 1907.
La gran mayoría del arte narrativo religioso medieval representaba acontecimientos de la Biblia, donde la mayoría de las personas representadas eran judías. Pero el grado en que esto se enfatizaba en sus representaciones variaba mucho. Durante la Edad Media, parte del arte cristiano se utilizó como una forma de expresar prejuicios y puntos de vista negativos comúnmente sostenidos.
En la Europa medieval, entre los siglos V y XV, muchos cristianos veían a los judíos como enemigos y forasteros debido a una variedad de factores. [47] También tendían a odiarlos por ser cultural y religiosamente diferentes, así como por sus enseñanzas religiosas que tenían puntos de vista negativos sobre el pueblo judío, como representaciones del Anticristo como judío. [48] La posición económica del pueblo judío como prestamista, junto con las protecciones reales que se les otorgaron , crearon una relación tensa entre judíos y cristianos. Esta tensión se manifestó de varias maneras, una de las cuales fue a través de la creación de arte y propaganda antisemitas y antijudaísmo que sirvieron para desacreditar tanto a los judíos como sus creencias religiosas, así como para difundir estas creencias aún más en la sociedad. Las imágenes medievales tardías de Ecclesia y Synagoga representaban la doctrina cristiana del supersesionismo , mediante la cual el Nuevo Pacto cristiano había reemplazado al pacto mosaico judío [49] Sara Lipton ha argumentado que algunas representaciones, como las representaciones de la ceguera judía en presencia de Jesús, estaban destinadas a servir como una forma de autorreflexión en lugar de ser explícitamente antisemita. [50]
En su libro de 2013 Saracens, Demons, and Jewish , Debra Higgs Strickland sostiene que las representaciones negativas de los judíos en el arte medieval se pueden dividir en tres categorías: arte que se centra en descripciones físicas, arte que presenta signos de condenación e imágenes que representan a los judíos como monstruos. Las representaciones físicas del pueblo judío en el arte cristiano medieval eran a menudo hombres con sombreros judíos puntiagudos y barbas largas, lo que se hacía como un símbolo despectivo y para separar a los judíos de los cristianos de una manera clara. Esta representación se volvería más virulenta con el tiempo; sin embargo, las mujeres judías carecían de descripciones físicas distintivas similares en el arte cristiano de la Alta Edad Media. [51] Se cree que el arte que representaba al pueblo judío en escenas que presentaban signos de condenación surgió de la creencia cristiana de que los judíos eran responsables del asesinato de Cristo, lo que ha llevado a que algunas representaciones artísticas presentaran a judíos crucificando a Cristo. [52]
Los judíos a veces eran vistos como forasteros en las sociedades dominadas por cristianos, lo que según Strickland desarrolló en la creencia de que los judíos eran bárbaros, que eventualmente se expandió a la idea de que los judíos eran monstruos que rechazaban la "Fe Verdadera". [53] Algunas obras de arte de este período combinaron estos conceptos y transformaron la imagen estereotipada de la barba judía y el sombrero puntiagudo con la de los monstruos, creando un arte que convirtió al judío en sinónimo de monstruo. [53]
Las razones de estas representaciones negativas de los judíos se remontan a muchas fuentes, pero principalmente se deben a que los judíos fueron acusados de deicidio, sus diferencias religiosas y culturales con sus vecinos culturales y cómo el anticristo a menudo era representado como judío en los escritos medievales y textos. Recientemente se culpó a los judíos por la muerte de Cristo y, por lo tanto, los cristianos los representaron negativamente tanto en el arte como en las Escrituras. [54]
Las tensiones entre judíos y cristianos eran a menudo altas y esto provocó que se formaran varios estereotipos sobre los judíos y se convirtieran en algo común en su representación artística. Algunos de los atributos que distinguen a los judíos de sus homólogos cristianos en las obras de arte son los sombreros puntiagudos, las narices aguileñas y torcidas y las barbas largas. Al incluir estos atributos en la representación de los judíos en el arte, los cristianos lograron "otro" a los judíos más de lo que ya eran y los hicieron parecer aún más excluidos y segregados de la población general de lo que ya estaban. Estos atributos no solo se agregaron a las representaciones del pueblo judío, sino que generalmente fueron retratados como villanos y monstruosos debido a su supuesto asesinato de Cristo, así como a su rechazo de Cristo como el mesías. [54] Esto, junto con el hecho de que vivían en grupos mayoritariamente insulares, los separó en gran medida de sus vecinos cristianos y provocó una ruptura duradera entre los grupos que se refleja en el arte medieval.
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