El arte griego antiguo se destaca entre el de otras culturas antiguas por su desarrollo de representaciones naturalistas pero idealizadas del cuerpo humano, en las que las figuras masculinas en gran parte desnudas eran generalmente el foco de la innovación. El ritmo de desarrollo estilístico entre aproximadamente 750 y 300 a. C. fue notable según los estándares antiguos, y en las obras que se conservan se ve mejor en la escultura . Hubo importantes innovaciones en la pintura, que deben ser esencialmente reconstruidas debido a la falta de restos originales de calidad, aparte del campo diferenciado de la cerámica pintada.
La arquitectura griega , técnicamente muy simple, estableció un estilo armonioso con numerosas convenciones detalladas que fueron adoptadas en gran medida por la arquitectura romana y que todavía se siguen en algunos edificios modernos. Utilizó un vocabulario de ornamentación que compartía con la cerámica, la orfebrería y otros medios, y tuvo una enorme influencia en el arte euroasiático , especialmente después de que el budismo lo llevó más allá del mundo griego expandido creado por Alejandro Magno . El contexto social del arte griego incluyó acontecimientos políticos radicales y un gran aumento de la prosperidad; Son bien conocidos los igualmente impresionantes logros griegos en filosofía , literatura y otros campos.
El arte más antiguo de los griegos generalmente se excluye del "arte griego antiguo" y, en cambio, se lo conoce como arte neolítico griego seguido del arte del Egeo ; este último incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y micénica de la Edad del Bronce griega . [1] El arte de la antigua Grecia suele dividirse estilísticamente en cuatro períodos: el geométrico , el arcaico , el clásico y el helenístico . La edad geométrica suele fecharse aproximadamente en el año 1000 a. C., aunque en realidad se sabe poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años anteriores, tradicionalmente conocidos como la Edad Oscura griega . El siglo VII a. C. fue testigo del lento desarrollo del estilo arcaico, como lo ejemplifica el estilo de pintura de jarrones con figuras negras . Alrededor del año 500 a. C., poco antes del inicio de las guerras persas (480 a. C. a 448 a. C.), se suele tomar como línea divisoria entre los períodos Arcaico y Clásico, y el reinado de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es Se considera que separa el período clásico del helenístico. Desde algún momento del siglo I a.C. en adelante se utiliza "grecorromano", o términos más locales para el mundo griego oriental. [2]
En realidad, no hubo una transición brusca de un período a otro. Las formas de arte se desarrollaron a diferentes velocidades en diferentes partes del mundo griego y, como en cualquier época, algunos artistas trabajaron en estilos más innovadores que otros. Las fuertes tradiciones locales y las exigencias de los cultos locales permiten a los historiadores localizar los orígenes incluso de obras de arte encontradas lejos de su lugar de origen. Se exportó ampliamente arte griego de diversos tipos. Durante todo el período se produjo un aumento generalmente constante de la prosperidad y los vínculos comerciales dentro del mundo griego y con las culturas vecinas.
La tasa de supervivencia del arte griego difiere marcadamente entre los medios. Tenemos enormes cantidades de cerámica y monedas, muchas esculturas de piedra, aunque incluso más copias romanas, y algunas esculturas grandes de bronce. Casi por completo faltan pinturas, vasijas de metal fino y cualquier cosa hecha de materiales perecederos, incluida la madera. Ha sobrevivido la estructura de piedra de varios templos y teatros, pero poco de su extensa decoración. [3]
Por convención, los vasos finamente pintados de todas las formas se llaman "jarrones", y se conservan más de 100.000 piezas significativamente completas, [5] que brindan (con las inscripciones que muchos llevan) una visión incomparable de muchos aspectos de la vida griega. La cerámica escultórica o arquitectónica, también muy a menudo pintada, se denomina terracota y también sobrevive en grandes cantidades. En gran parte de la literatura, "cerámica" significa sólo vasijas pintadas o "jarrones". La cerámica era el principal tipo de ajuar funerario depositado en las tumbas, a menudo como "urnas funerarias" que contenían las cenizas cremadas , y se exportaba ampliamente.
El famoso y distintivo estilo de la pintura de vasijas griega con figuras representadas con contornos fuertes, con líneas finas dentro de los contornos, alcanzó su apogeo aproximadamente entre el 600 y el 350 a. C. y se divide en dos estilos principales, casi invertidos entre sí, de color negro. -pintura de figuras y figuras rojas , formando el otro color el fondo en cada caso. Otros colores eran muy limitados, normalmente a pequeñas áreas de color blanco y otras más grandes de un rojo violáceo diferente. Dentro de las restricciones de estas técnicas y otras fuertes convenciones, los pintores de vasos lograron resultados notables, combinando refinamiento y expresión poderosa. La técnica del fondo blanco permitía más libertad en la representación, pero no se desgastaba bien y estaba hecha principalmente para entierros. [6]
Convencionalmente, se dice que los antiguos griegos fabricaban la mayoría de las vasijas de cerámica para uso diario, no para exhibición. Las excepciones son los grandes jarrones monumentales arcaicos hechos como lápidas, los trofeos ganados en juegos, como las ánforas panatenaicas llenas de aceite de oliva, y las piezas hechas específicamente para ser dejadas en las tumbas; Algunos frascos de perfume tienen un fondo justo debajo de la boca para ahorrar dinero, por lo que una pequeña cantidad hace que parezcan llenos. [7] En las últimas décadas, muchos estudiosos han cuestionado esto, viendo mucha más producción de la que se pensaba anteriormente hecha para ser colocada en tumbas, como un sustituto más barato de los artículos de metal tanto en Grecia como en Etruria. [8]
La mayor parte de la cerámica que se conserva se compone de vasijas para almacenar, servir o beber líquidos, como ánforas , cráteras (cuencos para mezclar vino y agua), hidrias (jarras de agua), cuencos de libaciones, frascos de aceite y perfume para el baño, jarras y tazas. Los recipientes pintados para servir y comer alimentos son mucho menos comunes. La cerámica pintada era asequible incluso para la gente común, y una pieza "decentemente decorada con unas cinco o seis figuras costaba alrededor de dos o tres días de salario". [9] También se produjeron grandes cantidades de miniaturas, principalmente para su uso como ofrendas en los templos. [10] En el período helenístico se produjo una gama más amplia de cerámica, pero la mayor parte tiene poca importancia artística.
En períodos anteriores, incluso ciudades griegas bastante pequeñas producían cerámica para su propia localidad. Estos variaban ampliamente en estilo y estándares. En algunas de las islas del Egeo , en Creta y en las ricas colonias griegas del sur de Italia y Sicilia se produjo una cerámica distintiva que se considera arte . [12] Sin embargo, en el período Arcaico posterior y Clásico temprano, las dos grandes potencias comerciales, Corinto y Atenas , llegaron a dominar. Su cerámica se exportó a todo el mundo griego, expulsando a las variedades locales. Las vasijas de Corinto y Atenas se encuentran en lugares tan lejanos como España y Ucrania , y son tan comunes en Italia que fueron recolectadas por primera vez en el siglo XVIII como "jarrones etruscos". [13] Muchas de estas vasijas son productos producidos en masa y de baja calidad. De hecho, en el siglo V a. C., la alfarería se había convertido en una industria y la pintura en cerámica dejó de ser una forma de arte importante.
La gama de colores que se podían utilizar en las vasijas estaba restringida por la tecnología de cocción: el negro, el blanco, el rojo y el amarillo eran los más comunes. En los tres períodos anteriores, las vasijas conservaban su color claro natural y se decoraban con barbotina que se volvía negra en el horno. [6]
La cerámica griega suele estar firmada, a veces por el alfarero o el maestro de la cerámica, pero sólo ocasionalmente por el pintor. Cientos de pintores son, sin embargo, identificables por sus personalidades artísticas: cuando sus firmas no han sobrevivido, reciben el nombre de su elección de tema, como "el pintor de Aquiles ", por el alfarero para el que trabajaron, como el " pintor de Cleofrades " del Arcaico Tardío. , o incluso por sus ubicaciones modernas, como el " pintor berlinés " del Arcaico tardío. [14]
La historia de la cerámica griega antigua se divide estilísticamente en cinco períodos:
Durante los períodos Protogeométrico y Geométrico , la cerámica griega estaba decorada con diseños abstractos, en el primero generalmente elegantes y grandes, con mucho espacio sin pintar, pero en el Geométrico a menudo cubría densamente la mayor parte de la superficie, como en las grandes vasijas del Maestro Dipylon. , que trabajó alrededor del año 750. Él y otros alfareros de su época comenzaron a introducir figuras de siluetas muy estilizadas de humanos y animales, especialmente caballos. A menudo representan procesiones fúnebres o batallas, presumiblemente representando las libradas por el difunto. [15]
A la fase geométrica le siguió un período orientalizante a finales del siglo VIII, cuando algunos animales, muchos de ellos míticos o no nativos de Grecia (como la esfinge y el león respectivamente) fueron adaptados del Cercano Oriente, acompañados de motivos decorativos, como el loto y la palmeta. Estos se mostraron mucho más grandes que las cifras anteriores. El estilo Cabra Salvaje es una variante regional, que muy a menudo muestra cabras . Las figuras humanas no recibieron tanta influencia de Oriente, sino que también se hicieron más grandes y detalladas. [dieciséis]
La técnica de figuras negras completamente madura , con detalles rojos y blancos añadidos e incisiones para contornos y detalles, se originó en Corinto a principios del siglo VII a. C. y se introdujo en el Ática aproximadamente una generación después; Floreció hasta finales del siglo VI a.C. [17] La técnica de las figuras rojas , inventada alrededor del 530 a. C., invirtió esta tradición, con las vasijas pintadas de negro y las figuras pintadas de rojo. Los jarrones de figuras rojas reemplazaron lentamente el estilo de figuras negras. A veces se grababan y pintaban vasijas más grandes. Los temas eróticos, tanto heterosexuales como homosexuales masculinos , se volvieron comunes. [18]
Hacia el año 320 a.C., la bella pintura figurativa de vasijas había cesado en Atenas y otros centros griegos, con el estilo policromático de Kerch como florecimiento final; probablemente fue sustituido por carpintería metálica para la mayoría de sus funciones. West Slope Ware , con motivos decorativos sobre un cuerpo vidriado negro , continuó durante más de un siglo después. [19] La pintura italiana de figuras rojas terminó alrededor del año 300, y en el siglo siguiente los jarrones Hadra relativamente primitivos , probablemente de Creta , la cerámica Centuripe de Sicilia y las ánforas Panatenaicas , ahora una tradición congelada, fueron los únicos jarrones pintados grandes que aún se fabricaban. . [20]
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La orfebrería fina era un arte importante en la antigua Grecia, pero la producción posterior está muy pobremente representada por los restos, la mayoría de los cuales provienen de los confines del mundo griego o más allá, de lugares tan lejanos como Francia o Rusia. Se produjeron vasijas y joyas con un alto nivel de calidad y se exportaron a lugares muy lejanos. Los objetos de plata, que en aquella época valían más en relación con el oro que en los tiempos modernos, a menudo eran inscritos por el fabricante con su peso, ya que eran tratados en gran medida como depósitos de valor y probablemente se venderían o volverían a fundir antes de muy pocos años. largo. [22]
Durante las fases geométrica y arcaica, la producción de grandes vasijas de metal fue una expresión importante de la creatividad griega y una etapa importante en el desarrollo de las técnicas de trabajo del bronce, como la fundición y el martillado en repujado . Los primeros santuarios, especialmente Olimpia , produjeron cientos de cuencos trípodes o vasijas trípodes para sacrificios , en su mayoría en bronce , depositados como votivas . Estos tenían un cuenco poco profundo con dos asas elevadas sobre tres patas; en versiones posteriores, el soporte y el cuenco eran piezas diferentes. Durante el período orientalizante, estos trípodes estaban frecuentemente decorados con prótomas figurativos , en forma de grifos , esfinges y otras criaturas fantásticas. [23]
Las espadas, el casco griego y, a menudo, las armaduras corporales, como la coraza muscular, estaban hechas de bronce, a veces decoradas con metales preciosos, como en la coraza Ksour Essef del siglo III . [24] Armadura y "bandas-escudo" son dos de los contextos de las tiras de escenas arcaicas en bajorrelieve, que también estaban adheridas a diversos objetos de madera; la banda del Vix Krater es un gran ejemplo. [25] Los espejos de bronce pulido, inicialmente con respaldo decorado y mangos kore, eran otro artículo común; el tipo posterior de "espejo plegable" tenía piezas de cubierta con bisagras, a menudo decoradas con una escena en relieve, típicamente erótica. [26] Las monedas se describen a continuación.
Desde finales del Arcaico, el mejor trabajo del metal siguió el ritmo de los desarrollos estilísticos de la escultura y otras artes, y Fidias se encuentra entre los escultores que se sabe que lo practicaron. [27] El gusto helenístico fomentaba demostraciones muy complejas de virtuosismo técnico, que tendían a la "inteligencia, la fantasía o la elegancia excesiva". [28] Muchas o la mayoría de las formas de la cerámica griega se tomaron de formas utilizadas por primera vez en metal, y en las últimas décadas ha habido una opinión cada vez mayor de que muchas de las mejores pinturas de vasijas eran diseños reutilizados por plateros para vasijas con grabados y secciones chapadas en un color diferente. metal, trabajando a partir de diseños dibujados. [29]
Los restos excepcionales de lo que pudo haber sido una clase relativamente común de grandes vasijas de bronce son dos cráteres de voluta , para mezclar vino y agua. [30] Estas son las Vix Krater , c. 530 a.C. , 1,63 m (5'4") de alto y más de 200 kg (450 lbs) de peso, con capacidad para unos 1.100 litros, y se encontró en el entierro de una mujer celta en la Francia moderna, [31] y en los Derveni del siglo IV. Cráter , de 90,5 cm (35 pulgadas) de alto [32] Las élites de otros vecinos de los griegos, como los tracios y los escitas , eran grandes consumidores de orfebrería griega, y probablemente atendidas por orfebres griegos establecidos en sus territorios, quienes se adaptaron. sus productos para adaptarse a los gustos y funciones locales. Estas piezas híbridas forman una gran parte de las supervivencias, incluido el Tesoro de Panagyurishte , el Tesoro de Borovo y otros tesoros tracios , y varios entierros escitas, que probablemente contenían obras de artistas griegos radicados en los asentamientos griegos. el Mar Negro [ 33 ] Al igual que otras artes de lujo, el cementerio real macedonio de Vergina ha producido objetos de primera calidad de la cúspide de los períodos clásico y helenístico.
Las joyas para el mercado griego suelen ser de excelente calidad, [35] y una forma inusual son las intrincadas y muy delicadas coronas de oro que imitan formas vegetales y se llevan en la cabeza. Probablemente estos rara vez, o nunca, se usaron en vida, pero se entregaron como votivos y se usaron en la muerte. [36] Muchos de los retratos de momias de Fayum los usan. Algunas piezas, especialmente en el período helenístico, son lo suficientemente grandes como para ofrecer espacio para figuras, al igual que el gusto de los escitas por las piezas de oro relativamente sustanciales. [37]
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Los griegos decidieron desde muy temprano que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. [39] Al ver que sus dioses tenían forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era a la vez secular y sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles sólo tuvo ligeras diferencias en el trato con uno de los campeones olímpicos de boxeo de ese año. En el Período Arcaico, la forma escultórica más importante era el kouros (plural kouroi ), el desnudo masculino de pie (ver, por ejemplo, Biton y Kleobis ). La kore (plural korai ), o figura femenina vestida de pie, también era común, pero como la sociedad griega no permitió la exhibición pública de desnudez femenina hasta el siglo IV a. C., se considera que la kore tiene menos importancia en el desarrollo de la escultura. . [40] Al final del período, la escultura arquitectónica en los templos estaba adquiriendo importancia.
Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas monumentales simplemente para una exhibición artística. Las estatuas fueron encargadas por individuos aristocráticos o por el estado, y se utilizaron para monumentos públicos, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como lo muestran frecuentemente las inscripciones en las estatuas), o como marcadores para tumbas. No todas las estatuas del período Arcaico estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre fueron representaciones de hombres jóvenes, con edades comprendidas entre la adolescencia y la madurez temprana, incluso cuando se colocaron en tumbas de (presumiblemente) ciudadanos mayores. Los Kouroi eran todos estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargaba la estatua se indicaban por tamaño más que por innovaciones artísticas. [41]
A diferencia de los autores, quienes practicaban las artes visuales, incluida la escultura, inicialmente tenían un estatus social bajo en la antigua Grecia, aunque los escultores cada vez más destacados podían volverse famosos y bastante ricos, y a menudo firmaban sus obras (a menudo en el pedestal, que normalmente quedaba separado de la estatua misma). [42] Plutarco ( Vida de Pericles , II) dijo "admiramos la obra de arte pero despreciamos a quien la hace"; Esta era una visión común en el mundo antiguo. La escultura griega antigua se clasifica según los períodos estilísticos habituales de "arcaico", "clásico" y "helenístico", complementados con algunos adicionales que se aplican principalmente a la escultura, como el estilo daédico orientalizante y el estilo severo de la escultura clásica temprana. [43]
Las esculturas griegas antiguas que se conservan estaban hechas en su mayoría de dos tipos de materiales. La piedra, especialmente el mármol u otras calizas de alta calidad, era la más utilizada y tallada a mano con herramientas metálicas. Las esculturas de piedra podían ser independientes, totalmente talladas en forma redonda (estatuas), o solo relieves parcialmente tallados todavía unidos a una placa de fondo, por ejemplo, en frisos arquitectónicos o estelas de tumbas . [44]
Las estatuas de bronce tenían un estatus más alto, pero han sobrevivido en cantidades mucho menores debido a la reutilización de los metales. Generalmente se elaboraban con la técnica de la cera perdida . Las estatuas criselefantinas , u oro y marfil, eran imágenes de culto en los templos y se consideraban la forma más elevada de escultura, pero sólo han sobrevivido algunas piezas fragmentarias. Normalmente eran de tamaño superior al natural, construidos alrededor de un marco de madera, con finas losas talladas de marfil que representaban la carne y láminas de pan de oro , probablemente sobre madera, que representaban las prendas, las armaduras, el cabello y otros detalles. [45]
En algunos casos, se utilizó pasta de vidrio, vidrio y piedras preciosas y semipreciosas para detalles como ojos, joyas y armas. Otras grandes estatuas acrolíticas usaban piedra para las partes de carne y madera para el resto, y las estatuas de mármol a veces tenían peinados de estuco . La mayor parte de las esculturas estaban pintadas (ver más abajo) y muchas llevaban joyas reales y tenían incrustaciones de ojos y otros elementos en diferentes materiales. [46]
Ocasionalmente se empleó terracota para grandes estatuas. Pocos ejemplos de esto sobrevivieron, al menos en parte debido a la fragilidad de tales estatuas. La excepción más conocida a esto es una estatua de Zeus cargando a Ganímedes encontrada en Olimpia , ejecutada alrededor del 470 a.C. En este caso, la terracota está pintada. Sin duda, hubo esculturas puramente de madera, que pueden haber sido muy importantes en los primeros períodos, pero en realidad ninguna ha sobrevivido. [47]
El arte cicládico de la Edad del Bronce , hasta aproximadamente el 1100 a. C., ya había mostrado un enfoque inusual en la figura humana, generalmente mostrada en una posición frontal y recta con los brazos cruzados sobre el estómago. Entre los rasgos más pequeños sólo se esculpieron narices, a veces ojos y pechos femeninos, aunque aparentemente las figuras generalmente estaban pintadas y es posible que originalmente tuvieran un aspecto muy diferente.
Inspirándose en las esculturas monumentales de piedra de Egipto y Mesopotamia , durante el período Arcaico los griegos comenzaron nuevamente a tallar en piedra: los mercenarios y comerciantes griegos estaban activos en el extranjero, como en Egipto al servicio del faraón Psamético I (664-610 a. C.), y estuvieron expuestos al arte monumental de estos países. [48] [49] En general, se acepta que "las estatuas egipcias del segundo milenio a. C. dieron el impulso decisivo para la innovación de la escultura griega en tamaño natural y en hiperformatos en el Período Arcaico a finales del siglo VII". [48] Las figuras independientes comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (período Arcaico Temprano, c. 660 – 580 a.C., ambos en el Louvre, París). Aproximadamente después del año 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, lucían la llamada sonrisa arcaica . Esta expresión, que no tiene ninguna adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva. [50]
Se utilizaron tres tipos de figuras: el joven desnudo de pie (kouros), la niña de pie cubierta (kore) y, con menor frecuencia, la mujer sentada. [51] Todos enfatizan y generalizan los rasgos esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Algunos ejemplos son Apollo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Strangford Apollo de Anafi (Museo Británico, Londres), obra muy posterior; y el Anavyssos Kouros ( Museo Arqueológico Nacional de Atenas ). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las chicas, de pie y vestidas con vestidos, tienen una amplia gama de expresiones, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas . Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y minuciosidad habituales en los detalles de la escultura de este período. [52]
Han sobrevivido relieves arcaicos de muchas tumbas y de edificios más grandes en Foce del Sele (ahora en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum ) en Italia, con dos grupos de paneles de metopas , de aproximadamente 550 y 510, y el Tesoro de Sifnia en Delfos, con frisos y un pequeño frontón . Partes, todas ahora en museos locales, sobreviven de los grandes grupos de frontones triangulares del Templo de Artemisa, Corfú ( c. 580 ), dominado por una enorme Gorgona , y el Antiguo Templo de Atenea en Atenas ( c. 530-500 ). [53]
En el período clásico hubo una revolución en la estatuaria griega, generalmente asociada con la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con los kouroi . El período clásico vio cambios en el estilo y función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (ver El Auriga de Delfos para ver un ejemplo de la transición a una escultura más naturalista), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en una variedad de poses aumentó considerablemente. Aproximadamente a partir del año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar a personas reales. Se decía que las estatuas de Harmodio y Aristogeiton erigidas en Atenas para marcar el derrocamiento de la tiranía fueron los primeros monumentos públicos dedicados a personas reales. [54]
Al mismo tiempo, la escultura y las estatuas tuvieron usos más amplios. Los grandes templos de la era clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, requerían esculturas en relieve para los frisos decorativos y esculturas redondas para llenar los campos triangulares de los frontones . El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho en el camino de la innovación escultórica. Estas obras sobreviven sólo en fragmentos, los más famosos de los cuales son los Mármoles del Partenón , la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico. [57]
Las estatuas funerarias evolucionaron durante este período desde los rígidos e impersonales kouros del período Arcaico hasta los grupos familiares altamente personales del período Clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" (la madre en duelo, el hijo obediente), cada vez más representaban a personas reales, típicamente mostrando al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Se encuentran entre los restos más íntimos y conmovedores de los antiguos griegos. [58]
En el período clásico conocemos por primera vez los nombres de escultores individuales. Fidias supervisó el diseño y la construcción del Partenón . Praxíteles hizo respetable el desnudo femenino por primera vez en el período Clásico Tardío (mediados del siglo IV): Plinio dijo que su Afrodita de Cnidos , que sobrevive en copias, era la estatua más grande del mundo. [59]
Las obras más famosas del período clásico para los contemporáneos fueron la colosal Estatua de Zeus en Olimpia y la Estatua de Atenea Partenos en el Partenón. Ambos fueron criselefantinos y ejecutados por Fidias o bajo su dirección, y ahora están perdidos, aunque todavía existen copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones de ambos. Su tamaño y magnificencia llevaron a los emperadores a apoderarse de ellos en el período bizantino , y ambos fueron trasladados a Constantinopla , donde más tarde fueron destruidos en incendios. [60]
La transición del período clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a.C. Tras las conquistas de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.), la cultura griega se extendió hasta la India , como lo revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán , y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos . El arte greco-budista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Así, el arte griego se volvió más diverso y más influenciado por las culturas de los pueblos atraídos a la órbita griega. [61]
En opinión de algunos historiadores del arte, también perdió calidad y originalidad. Sin embargo, este es un juicio que los artistas y amantes del arte de la época no habrían compartido. De hecho, muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas ahora se reconocen como helenísticas. La capacidad técnica de los escultores helenísticos queda claramente patente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo . Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría , Antioquía , Pérgamo y otras ciudades, donde las nuevas monarquías eran mecenas pródigos. [62] En el siglo II, el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos. [63]
Durante este período la escultura se volvió más naturalista y también expresiva; el interés por representar emociones extremas a veces se lleva al extremo. Los temas de género de la gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que era encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines; el Niño de la Espina es un ejemplo. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. [64]
El mundo de Dioniso , un idilio pastoral poblado por sátiros , ménades , ninfas y silenos , había sido representado a menudo en pinturas de vasijas y figurillas anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño natural. Ahora se hicieron tales obras, sobreviviendo en copias que incluyen el Fauno Barberini , el Torso Belvedere y el Sátiro en reposo ; los Centauros Furietti y Hermafrodito durmiente reflejan temas relacionados. [65] Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron en todo Egipto , Siria y Anatolia requirieron estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió a la escultura, al igual que la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que las del período clásico.
Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria Alada de Samotracia (siglo II o I a.C.), [66] la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a.C.), la Galia moribunda (alrededor del 230 a. C.) y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a. C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emocional de lo que habría permitido el gusto austero del período clásico o lo que permitieron sus habilidades técnicas.
El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, que quitó de sus paredes las batallas épicas de los relieves de los frontones de los templos anteriores y las colocó como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo a menudo se llama " barroco ", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. Los relieves del Altar de Pérgamo son los restos originales más cercanos, pero se cree que varias obras muy conocidas son copias romanas de originales helenísticos. Estos incluyen el Galo moribundo y el Galo Ludovisi , así como un Galo arrodillado menos conocido y otros, todos los cuales se cree que copiaron los encargos de Pérgamo realizados por Atalo I para conmemorar su victoria alrededor del año 241 sobre los galos de Galacia , y probablemente comprendían dos grupos. [67]
El Grupo Laocoonte , el Toro Farnesio , Menelao sosteniendo el cuerpo de Patroclo ("grupo Pasquino"), Arrotino , y las esculturas de Sperlonga , son otros ejemplos. [68] A partir del siglo II, diferentes estudiosos ven el estilo neoático o neoclásico como una reacción a los excesos barrocos, un retorno a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional de las estatuas de culto. [69] Los talleres de este estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería copias de piezas clásicas a las helenísticas. [70]
Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia (ahora sumergida) de Heracleum incluyen una representación de Isis del siglo IV a. C., inusualmente sensual, detallada y feminista (en contraposición a deificada) , que marca una combinación de elementos egipcios y helenísticos. Formas que comienzan alrededor de la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno . Sin embargo, esto era atípico de la escultura de la corte ptolemaica , que generalmente evitaba mezclar estilos egipcios con su estilo helenístico bastante convencional, [71] mientras que los templos en el resto del país continuaron usando versiones tardías de fórmulas egipcias tradicionales. [72] Los estudiosos han propuesto un "estilo alejandrino" en la escultura helenística, pero en realidad hay poco que lo conecte con Alejandría. [73]
La escultura helenística también estuvo marcada por un aumento de escala, que culminó con el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que tenía el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad . El efecto combinado de terremotos y saqueos ha destruido esta y otras obras de gran tamaño de este período.
La arcilla es un material utilizado frecuentemente para la elaboración de estatuillas votivas o ídolos, incluso antes de la civilización minoica y hasta la época romana. Durante el siglo VIII a.C., las tumbas en Beocia contienen a menudo "ídolos de campana", estatuillas femeninas con patas móviles: la cabeza, pequeña en comparación con el resto del cuerpo, está posada al final de un largo cuello, mientras que el cuerpo es muy lleno, en forma de campana. [74] Las tumbas arcaicas de héroes , para los héroes locales, podían recibir un gran número de figurillas de formas toscas, con figuración rudimentaria, que generalmente representaban personajes con los brazos levantados.
En el período helenístico, la mayoría de las figurillas de terracota perdieron su carácter religioso y representan personajes de la vida cotidiana. Las figuras de Tanagra , procedentes de uno de varios centros de producción, se fabrican en masa utilizando moldes y luego se pintan después de la cocción. Muñecas, figuras de damas elegantemente vestidas y de actores, algunos de ellos probablemente retratos, se encontraban entre los nuevos temas, representados con un estilo refinado. Eran baratas e inicialmente se exhibían en la casa de manera muy similar a las figurillas ornamentales modernas, pero con frecuencia eran enterradas con sus dueños. Al mismo tiempo, ciudades como Alejandría , Esmirna o Tarso produjeron abundantes figuras grotescas, que representaban individuos con miembros deformes, ojos saltones y contorsionándose. Estas figuras también se hacían de bronce. [75]
Para terracotas arquitectónicas pintadas, consulte Arquitectura a continuación.
Las estatuillas hechas de metal, principalmente de bronce, son un hallazgo extremadamente común en los primeros santuarios griegos como Olimpia , donde se han encontrado miles de objetos de este tipo, en su mayoría representando animales. Suelen producirse con la técnica de la cera perdida y pueden considerarse la etapa inicial en el desarrollo de la escultura de bronce griega. Los motivos más comunes durante el período geométrico fueron caballos y ciervos, pero también se representan perros, ganado y otros animales. Ocasionalmente aparecen figuras humanas. La producción de pequeñas votivas de metal continuó durante toda la antigüedad griega. En los períodos clásico y helenístico, también se hicieron comunes las estatuillas de bronce más elaboradas, estrechamente relacionadas con la escultura monumental . Los griegos ricos y más tarde los romanos recopilaron con entusiasmo ejemplos de alta calidad, pero relativamente pocos han sobrevivido. [76]
La arquitectura (es decir, edificios ejecutados con un diseño considerado estéticamente) cesó en Grecia desde el final del período micénico (alrededor de 1200 a. C.) hasta el siglo VII, cuando la vida urbana y la prosperidad se recuperaron hasta un punto en el que se podían emprender construcciones públicas. Dado que la mayoría de los edificios griegos de los períodos Arcaico y Clásico Temprano estaban hechos de madera o adobe , no queda nada de ellos excepto algunos planos, y casi no hay fuentes escritas sobre la arquitectura temprana o descripciones de los edificios. La mayor parte de nuestro conocimiento de la arquitectura griega proviene de los edificios supervivientes de los períodos Arcaico Tardío, Clásico, Helenístico y Romano (ya que la arquitectura romana antigua utilizaba mucho los estilos griegos), y de fuentes escritas tardías como Vitruvio (siglo I a. C.). Esto significa que existe una fuerte tendencia hacia los templos , los edificios importantes más comunes que han sobrevivido. Aquí, los bloques cuadrados de piedra utilizados para las paredes fueron útiles para edificios posteriores y, por lo tanto, a menudo lo único que sobrevive son partes de columnas y metopas que eran más difíciles de reciclar. [77]
Durante la mayor parte del período se utilizó un estricto sistema de construcción de postes de piedra y dintel , sostenidos únicamente por gravedad. El voladizo se conocía en la Grecia micénica y el arco se conocía a más tardar desde el siglo V, pero apenas se utilizó esta técnica hasta la época romana. [78] La madera sólo se utilizaba para techos y vigas de tejado en prestigiosos edificios de piedra. El uso de grandes tejas de terracota, sujetas únicamente mediante ranuras, significaba que los tejados debían tener una pendiente baja. [79]
Hasta la época helenística sólo se construían edificios públicos utilizando el estilo formal de piedra; estos incluían sobre todo templos y los edificios más pequeños del tesoro que a menudo los acompañaban, y fueron construidos en Delfos por muchas ciudades. Otros tipos de edificios, a menudo sin techo, eran el ágora central , a menudo con una o más estoas con columnatas a su alrededor, los teatros , el gimnasio y la palestra o escuela de lucha libre, el ekklesiasterion o bouleuterion para asambleas, y los propileos o puertas monumentales. [80] Los edificios redondos para diversas funciones se llamaban tholos , [81] y las estructuras de piedra más grandes eran a menudo murallas defensivas de la ciudad.
Durante la mayor parte del período, las tumbas solo se construyeron como mausoleos elaborados en los límites del mundo griego, especialmente en Anatolia. [82] Las casas privadas se construyeron alrededor de un patio donde los fondos lo permitían y mostraban paredes en blanco a la calle. A veces tenían un segundo piso, pero muy raramente sótanos. Por lo general, en el mejor de los casos, se construían con escombros y se sabe relativamente poco sobre ellos; al menos para los hombres, gran parte de la vida transcurría fuera de ellos. [83] Se han excavado algunos palacios del período helenístico. [84]
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Los templos y algunos otros edificios, como los tesoros de Delfos, se planificaron como un cubo o, más a menudo, un rectángulo hecho de piedra caliza , de la que abunda Grecia, y que se cortó en grandes bloques y se lavó. Esto se complementó con columnas, al menos en el frente de entrada y, a menudo, en todos los lados. [85] Otros edificios tenían un plan más flexible, e incluso las casas más ricas parecen haber carecido de muchos adornos externos. El mármol era un material de construcción caro en Grecia: el mármol de alta calidad procedía únicamente del monte Pentelo en el Ática y de algunas islas como Paros , y su transporte en grandes bloques era difícil. Se utilizó principalmente para decoración escultórica , no estructuralmente, excepto en los edificios más grandiosos del período clásico, como el Partenón de Atenas. [86]
Había dos órdenes clásicos principales de la arquitectura griega, el dórico y el jónico , y el orden corintio solo apareció en el período clásico y no se volvió dominante hasta el período romano. Las características más obvias de los tres órdenes son los capiteles de las columnas, pero existen diferencias significativas en otros puntos de diseño y decoración entre los órdenes. [87] Estos nombres fueron utilizados por los propios griegos y reflejaban su creencia de que los estilos descendían de los griegos dóricos y jónicos de la Edad Media, pero es poco probable que esto sea cierto. El dórico fue el más antiguo, probablemente apareció por primera vez en piedra a principios del siglo VII y se desarrolló (aunque quizás no muy directamente) a partir de sus predecesores en madera. [88] Se utilizó en la Grecia continental y en las colonias griegas en Italia. El estilo jónico se utilizó por primera vez en las ciudades de Jonia (ahora la costa occidental de Turquía) y algunas de las islas del Egeo, probablemente a partir del siglo VI. [89] El estilo dórico era más formal y austero, el jónico más relajado y decorativo. El orden corintio, más ornamentado, fue un desarrollo posterior del jónico, inicialmente aparentemente solo se usaba dentro de los edificios y usaba formas jónicas para todo excepto los capiteles. El famoso y bien conservado Monumento Corágico de Lisícrates cerca de la Acrópolis de Atenas (335/334) es el primer uso conocido del orden corintio en el exterior de un edificio. [90]
La mayoría de los edificios griegos supervivientes más conocidos, como el Partenón y el Templo de Hefesto en Atenas, son dóricos. El Erecteion , junto al Partenón, en cambio, es jónico. El orden jónico se volvió dominante en el período helenístico, ya que su estilo más decorativo se adaptaba mejor a la estética de la época que el dórico más sobrio. Algunos de los mejores edificios helenísticos que se conservan, como la Biblioteca de Celso , se pueden ver en Turquía, en ciudades como Éfeso y Pérgamo . [91] Pero en la mayor de las ciudades helenísticas, Alejandría en Egipto , casi nada sobrevive.
Las monedas (probablemente) se inventaron en Lidia en el siglo VII a. C., pero fueron primero los griegos quienes las utilizaron ampliamente, [93] y los griegos establecieron el canon de diseño de monedas que se ha seguido desde entonces. El diseño de las monedas hoy en día todavía sigue patrones reconocibles que descienden de la antigua Grecia. Los griegos no veían el diseño de monedas como una forma de arte importante, aunque algunas eran costosamente diseñadas por destacados orfebres, especialmente fuera de la propia Grecia, entre los reinos de Asia Central y en las ciudades sicilianas deseosas de promocionarse. Sin embargo, la durabilidad y abundancia de las monedas las han convertido en una de las fuentes más importantes de conocimiento sobre la estética griega. [94] Las monedas griegas son la única forma de arte del mundo griego antiguo que todavía pueden ser compradas y poseídas por coleccionistas privados de medios modestos.
Las monedas más difundidas, utilizadas mucho más allá de sus territorios nativos y copiadas y falsificadas por otros, fueron el tetradracma ateniense , emitida hacia c. 510 a c. 38 a. C. , y en época helenística el tetradracma macedonio , ambos de plata. [95] Ambos mantuvieron el mismo diseño familiar durante largos períodos. [96] Los diseñadores griegos comenzaron la práctica de poner un retrato de perfil en el anverso de las monedas. Inicialmente se trataba de un retrato simbólico del dios o diosa patrón de la ciudad que emitía la moneda: Atenea para Atenas , Apolo en Corinto, Deméter en Tebas , etc. Posteriormente se utilizaron cabezas de héroes de la mitología griega, como Heracles en las monedas de Alejandro Magno .
Los primeros retratos humanos en monedas fueron los de los sátrapas del Imperio aqueménida en Asia Menor , comenzando con el general ateniense exiliado Temístocles , que se convirtió en sátrapa de Magnesia c. 450 a. C. , y continuando especialmente con las dinastías de Licia hacia finales del siglo V. [97] Las ciudades griegas en Italia, como Siracusa, comenzaron a poner cabezas de personas reales en monedas en el siglo IV a. C., al igual que los sucesores helenísticos de Alejandro Magno en Egipto , Siria y otros lugares. [98] En el reverso de sus monedas, las ciudades griegas a menudo ponían un símbolo de la ciudad: un búho para Atenas, un delfín para Siracusa, etc. La colocación de inscripciones en las monedas también comenzó en la época griega. Todas estas costumbres fueron posteriormente continuadas por los romanos. [94]
Las monedas más ambiciosas artísticamente, diseñadas por orfebres o grabadores de gemas, a menudo procedían de los confines del mundo griego, de nuevas colonias en el período inicial y de nuevos reinos más tarde, como una forma de comercializar sus "marcas" en términos modernos. [99] De las ciudades más grandes, Corinto y Siracusa también emitieron monedas consistentemente atractivas. Algunas de las monedas greco-bactrianas se consideran los mejores ejemplos de monedas griegas con grandes retratos con "una agradable mezcla de realismo e idealización", incluidas las monedas más grandes acuñadas en el mundo helenístico: la moneda de oro más grande fue acuñada por Eucratides ( reinó entre 171 y 145 a. C.), la moneda de plata más grande del rey indogriego Amyntas Nikator (reinó entre 95 y 90 a . C.). Los retratos "muestran un grado de individualidad nunca igualado por las representaciones a menudo insulsas de sus contemporáneos reales más al oeste". [100]
Los griegos parecen haber valorado la pintura por encima incluso de la escultura, y en el período helenístico la apreciación informada e incluso la práctica de la pintura eran componentes de una educación caballerosa. La écfrasis era una forma literaria que consistía en la descripción de una obra de arte, y tenemos un cuerpo considerable de literatura sobre pintura y pintores griegos, con más adiciones en latín, aunque ninguno de los tratados de artistas que se mencionan ha sobrevivido. [101] Apenas tenemos las pinturas más prestigiosas, sobre tabla de madera o al fresco , de las que se ocupó esta literatura, y muy pocas de las copias que sin duda existieron, equivalentes a aquellas que nos brindan la mayor parte de nuestro conocimiento sobre Escultura griega.
El contraste con la pintura de jarrones es total. No hay ninguna mención de eso en la literatura, pero sí más de 100.000 ejemplos supervivientes, lo que proporciona a muchos pintores individuales una obra superviviente respetable. [102] Nuestra idea de cómo era la mejor pintura griega debe extraerse de una cuidadosa consideración de los paralelos entre la pintura de vasijas, las copias grecorromanas tardías en mosaicos y frescos, algunos ejemplos muy tardíos de pintura real en la tradición griega y la literatura antigua. [103]
Había varias tradiciones pictóricas interconectadas en la antigua Grecia. Debido a sus diferencias técnicas, sufrieron desarrollos algo diferenciados. La pintura temprana parece haberse desarrollado siguiendo líneas similares a la pintura de jarrones, dependiendo en gran medida del contorno y las áreas planas de color, pero luego floreció y se desarrolló en el momento en que la pintura de jarrones entró en declive. Al final del período helenístico, los avances técnicos incluyeron el modelado para indicar contornos en las formas, sombras, escorzos, alguna forma de perspectiva probablemente imprecisa, fondos interiores y paisajísticos, y el uso de colores cambiantes para sugerir distancias en los paisajes, de modo que "los griegos los artistas tenían todos los recursos técnicos necesarios para una pintura plenamente ilusionista". [104]
La forma de arte más común y respetada, según autores como Plinio o Pausanias , eran las pinturas sobre tabla , pinturas individuales y portátiles sobre tablas de madera. Las técnicas utilizadas fueron la pintura encáustica (cera) y la tempera . Estas pinturas normalmente representaban escenas figurativas, incluidos retratos y naturalezas muertas ; Tenemos descripciones de muchas composiciones. Fueron recopilados y, a menudo, exhibidos en espacios públicos. Pausanias describe tales exposiciones en Atenas y Delfos . Conocemos los nombres de muchos pintores famosos, principalmente de los períodos clásico y helenístico, a través de la literatura (ver lista ampliable a la derecha). El más famoso de todos los pintores griegos antiguos fue Apeles de Cos , a quien Plinio el Viejo elogió por haber "superado a todos los demás pintores que lo precedieron o sucedieron". [105] [106]
Debido al carácter perecedero de los materiales utilizados y a los grandes cambios del final de la Antigüedad, no ha sobrevivido ni una sola de las famosas obras de pintura sobre tabla griega. Tenemos supervivencias de composiciones murales ligeramente más significativas. Los ejemplos griegos anteriores al período romano que se conservan más importantes son los paneles Pitsa de bastante baja calidad de c. 530 a. C. , [107] la Tumba del Buceador de Paestum y varias pinturas de las tumbas reales de Vergina . Las pinturas más numerosas de las tumbas etruscas y de Campania se basan en estilos griegos. En la época romana, hay varias pinturas murales en Pompeya y sus alrededores, así como en la propia Roma, algunas de las cuales se cree que son copias de obras maestras anteriores específicas. [108]
En particular, se han identificado con seguridad copias de pinturas murales específicas en el Mosaico de Alejandro y en Villa Boscoreale . [109] Hay un gran grupo de restos arqueológicos grecorromanos muy posteriores de las condiciones secas de Egipto, los retratos de momias de Fayum , junto con el similar Severan Tondo , y un pequeño grupo de retratos en miniatura pintados en vidrio dorado . [110] Los iconos bizantinos también se derivan de la tradición de la pintura encáustica sobre paneles, y los manuscritos iluminados bizantinos a veces continuaron con un estilo ilusionista griego durante siglos.
La tradición de la pintura mural en Grecia se remonta al menos a la Edad del Bronce minoica y micénica , con la fastuosa decoración al fresco de sitios como Knossos , Tirinto y Micenas . No está claro si existe alguna continuidad entre estos antecedentes y las pinturas murales griegas posteriores.
Las pinturas murales se describen con frecuencia en Pausanias, y muchas parecen haber sido realizadas en los períodos clásico y helenístico. Debido a la falta de arquitectura que sobreviva intacta, no se conservan muchas. Los ejemplos más notables son una escena monumental arcaica de combate hoplita del siglo VII a. C. desde el interior de un templo en Kalapodi (cerca de Tebas ), y los elaborados frescos de la "Tumba de Felipe" del siglo IV y la "Tumba de Perséfone" en Vergina. en Macedonia , o la tumba de Agios Athanasios, Tesalónica , que a veces se sugiere que están estrechamente relacionadas con las pinturas sobre paneles de alta calidad mencionadas anteriormente. La inusual supervivencia de la Tumba de las Palmettes (siglo III a. C., excavada en 1971) con pintura en buen estado incluye retratos de la pareja enterrados en el interior en el tímpano .
La tradición de la pintura mural griega también se refleja en las decoraciones funerarias contemporáneas de las colonias griegas en Italia , por ejemplo, la famosa Tumba del Buceador en Paestum . Los estudiosos creen que los célebres frescos romanos de sitios como Pompeya son descendientes de la tradición griega, y algunos copian pinturas sobre paneles particularmente famosas. Sin embargo, todas estas copias romanas son adaptaciones libres, con figuras adicionales agregadas, poses alteradas y colores cambiados.
Gran parte de la escultura figurativa o arquitectónica de la antigua Grecia estaba pintada de colores. Este aspecto de la cantería griega se describe como policromado (del griego πολυχρωμία , πολύ = muchos y χρώμα = color). Debido a la intensa meteorización, la policromía en escultura y arquitectura se ha desvanecido sustancial o totalmente en la mayoría de los casos.
Aunque la palabra policromía se crea a partir de la combinación de dos palabras griegas, no se usaba en la antigua Grecia. El término fue acuñado a principios del siglo XIX por Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy. [113]
La pintura también se utilizó para realzar los aspectos visuales de la arquitectura. Ciertas partes de la superestructura de los templos griegos fueron pintadas habitualmente desde el período Arcaico. Esta policromía arquitectónica podría tomar la forma de colores brillantes aplicados directamente a la piedra (como se evidencia, por ejemplo, en el Partenón ), o de patrones elaborados, frecuentemente elementos arquitectónicos hechos de terracota (ejemplos arcaicos en Olimpia y Delfos ). A veces, las terracotas también representaban escenas figurativas. , al igual que las metopas de terracota del siglo VII a. C. de Thermon [114] .
La mayoría de las esculturas griegas estaban pintadas con colores fuertes y brillantes; esto se llama " policromía ". La pintura se limitaba frecuentemente a partes que representaban ropa, cabello, etc., dejando la piel en el color natural de la piedra o del bronce, pero también podía cubrir esculturas en su totalidad; La piel femenina en mármol tendía a ser incolora, mientras que la piel masculina podía ser de color marrón claro. La pintura de la escultura griega no debe verse simplemente como una mejora de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo de arte distinto. [115]
Por ejemplo, recientemente se ha demostrado que las esculturas del frontón del templo de Afaya en Egina estaban pintadas con patrones atrevidos y elaborados, que representan, entre otros detalles, ropa estampada. La policromía de las estatuas de piedra tuvo su paralelo en el uso de diferentes materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas criselefantinas , y en el uso de diferentes metales para representar labios, uñas, etc. en bronces de alta calidad como los bronces de Riace . [115]
La evidencia más abundante de la pintura griega antigua sobrevive en forma de pinturas de jarrones. Estos se describen en la sección " cerámica " anterior. Dan al menos una cierta idea de la estética de la pintura griega. Las técnicas empleadas, sin embargo, eran muy diferentes a las utilizadas en la pintura de gran formato. Probablemente lo mismo se aplica al tema representado. Los pintores de vasijas parecen haber sido habitualmente especialistas dentro de un taller de alfarería, ni pintores de otros medios ni alfareros. También hay que tener en cuenta que la pintura de vasijas, si bien es, con diferencia, la fuente superviviente más destacada de la pintura griega antigua, no gozaba de la mayor consideración en la antigüedad y nunca se menciona en la literatura clásica. [116]
Los mosaicos se realizaban inicialmente con guijarros redondeados, y posteriormente de vidrio con teselas que daban más color y una superficie plana. Fueron populares en el período helenístico, al principio como decoración para los suelos de los palacios, pero con el tiempo para las casas privadas. [118] A menudo, una imagen emblemática central en un panel central se completaba con un trabajo mucho más fino que la decoración circundante. [119] Los motivos de Xenia , donde una casa mostraba ejemplos de la variedad de comidas que los huéspedes podrían disfrutar, proporcionan la mayoría de los especímenes supervivientes de naturaleza muerta griega . En general, el mosaico debe considerarse como un medio secundario que copia la pintura, a menudo de manera muy directa, como en el Mosaico de Alejandro . [120]
El suelo sin barrer de Sosus de Pérgamo ( c. 200 a. C. ) fue una pieza trompe-l'œil original y famosa , conocida por muchas copias grecorromanas. Según John Boardman , Sosus es el único artista del mosaico cuyo nombre ha sobrevivido; sus Palomas también se mencionan en la literatura y se copian. [121] Sin embargo, Katherine MD Dunbabin afirma que dos artistas de mosaicos diferentes dejaron sus firmas en mosaicos de Delos . [122] El artista del mosaico de la caza del ciervo del siglo IV a. C. quizás también dejó su firma como Gnosis , aunque esta palabra puede ser una referencia al concepto abstracto de conocimiento. [123]
Los mosaicos son un elemento importante del arte macedonio superviviente , con un gran número de ejemplos conservados en las ruinas de Pella , la antigua capital macedonia , en la actual Macedonia Central . [124] Mosaicos como el mosaico "Mosaico de la caza del ciervo y la caza del león" demuestran cualidades ilusionistas y tridimensionales que generalmente se encuentran en las pinturas helenísticas, aunque la búsqueda rústica macedonia de la caza es notablemente más pronunciada que otros temas. [125] François Chamoux consideró que los mosaicos de Delos , Grecia , del siglo II a. C. representaban el pináculo del arte mosaico helenístico, con estilos similares que continuaron durante todo el período romano y tal vez sentaron las bases para el uso generalizado de mosaicos en el siglo II a.C. El mundo occidental hasta la Edad Media . [118]
La gema grabada era un arte de lujo y de gran prestigio; Pompeyo y Julio César estuvieron entre los coleccionistas posteriores. [128] La técnica tiene una antigua tradición en el Cercano Oriente , y los sellos cilíndricos , cuyo diseño sólo aparece cuando se enrollan sobre arcilla húmeda, a partir de los cuales se desarrolló el tipo de anillo plano, se extendieron al mundo minoico, incluidas partes de Grecia y Chipre . La tradición griega surgió bajo la influencia minoica en la cultura heládica continental y alcanzó un apogeo de sutileza y refinamiento en el período helenístico. [129]
Se encuentran gemas griegas redondas u ovaladas (junto con objetos similares de hueso y marfil) de los siglos VIII y VII a. C., generalmente con animales en enérgicas poses geométricas, a menudo con un borde marcado con puntos o un borde. [130] Los primeros ejemplos se encuentran principalmente en piedras más blandas. Las gemas del siglo VI suelen ser ovaladas, [131] con un dorso de escarabajo (en el pasado, este tipo se llamaba "scarabaeus") y figuras humanas o divinas, así como animales; la forma de escarabajo aparentemente fue adoptada de Fenicia . [132]
Las formas son sofisticadas para la época, a pesar del tamaño generalmente pequeño de las gemas. [96] En el siglo V, las gemas se hicieron algo más grandes, pero todavía sólo alcanzaban entre 2 y 3 centímetros de altura. A pesar de esto, se muestran detalles muy finos, incluidas las pestañas de una cabeza masculina, tal vez un retrato. Cuatro gemas firmadas por Dexamenos de Quíos son las mejores de la época, dos de las cuales muestran garzas . [133]
El tallado en relieve se volvió común en la Grecia del siglo V a. C. y, gradualmente, la mayoría de las espectaculares gemas talladas estaban en relieve. Generalmente una imagen en relieve es más impresionante que una en huecograbado; en la forma anterior, el destinatario de un documento veía esto en el lacre impreso, mientras que en los relieves posteriores era el propietario del sello quien lo guardaba para sí mismo, probablemente marcando el surgimiento de gemas destinadas a ser coleccionadas o usadas como colgantes de joyería . en collares y cosas similares, en lugar de usarse como sellos; los posteriores a veces son bastante grandes para sellar cartas. Sin embargo, las inscripciones suelen estar al revés ("escritura en espejo"), por lo que sólo se leen correctamente en las impresiones (o al verlas desde atrás con piedras transparentes). Este aspecto también explica en parte la recogida de impresiones en yeso o cera procedentes de gemas, que pueden ser más fáciles de apreciar que el original.
Los camafeos y tallas de piedra dura más grandes , que son raros en forma calcográfica, parecen haber llegado a Grecia alrededor del siglo III; la Farnese Tazza es el único ejemplo helenístico importante que se conserva (dependiendo de las fechas asignadas al Cameo de Gonzaga y a la Copa de los Ptolomeos ), pero otras imitaciones de pasta de vidrio con retratos sugieren que en este período se hicieron camafeos de tipo gema. [134] Las conquistas de Alejandro habían abierto nuevas rutas comerciales al mundo griego y aumentado la gama de piedras preciosas disponibles. [135]
La síntesis en el período Arcaico del repertorio nativo de motivos geométricos simples con motivos importados, en su mayoría de origen vegetal, del más este creó un vocabulario considerable de ornamentación, que artistas y artesanos utilizaron con confianza y fluidez. [136] Hoy en día, este vocabulario se ve sobre todo en el gran corpus de cerámica pintada, así como en restos arquitectónicos, pero originalmente se habría utilizado en una amplia gama de medios, como se utiliza una versión posterior en el neoclasicismo europeo. .
Los elementos de este vocabulario incluyen el meandro geométrico o "llave griega", el huevo y el dardo , la cuenta y el carrete , la voluta de Vitruvio , el guilloche y, del mundo vegetal, las estilizadas hojas de acanto , la voluta , la palmeta y la media palmeta, las volutas de plantas de varias clases , roseta , flor de loto y flor de papiro . Originalmente utilizados de manera destacada en jarrones arcaicos, a medida que se desarrolló la pintura figurativa, estos generalmente fueron relegados a servir como bordes que demarcaban los bordes del jarrón o diferentes zonas de decoración. [137] La arquitectura griega se destacó por desarrollar convenciones sofisticadas para el uso de molduras y otros elementos ornamentales arquitectónicos, que utilizaban estos motivos en un todo armoniosamente integrado.
Incluso antes del período clásico, este vocabulario había influido en el arte celta, y la expansión del mundo griego después de Alejandro, y la exportación de objetos griegos aún más lejos, expusieron a gran parte de Eurasia a él, incluidas las regiones del norte del subcontinente indio. donde el budismo se fue expandiendo, y creando el arte greco-budista . A medida que el budismo se extendió por Asia Central hasta China y el resto de Asia Oriental , en una forma que hacía un gran uso del arte religioso, se llevaron consigo versiones de este vocabulario y se utilizaron para rodear imágenes de budas y otras imágenes religiosas, a menudo con un tamaño y énfasis que habría parecido excesivo a los antiguos griegos. El vocabulario fue absorbido por la ornamentación de la India, China, Persia y otros países asiáticos, además de desarrollarse aún más en el arte bizantino . [138] Los romanos se hicieron cargo del vocabulario más o menos en su totalidad y, aunque muy alterado, se puede rastrear en todo el arte medieval europeo , especialmente en los adornos a base de plantas.
El arte islámico , donde el ornamento reemplaza en gran medida a la figuración, desarrolló la voluta vegetal bizantina hasta convertirla en un arabesco completo e interminable y, especialmente a partir de las conquistas mongolas del siglo XIV, recibió nuevas influencias de China, incluidos los descendientes del vocabulario griego. [139] Desde el Renacimiento en adelante, varios de estos estilos asiáticos estuvieron representados en textiles, porcelana y otros productos importados a Europa, e influyeron en la ornamentación allí, un proceso que aún continúa.
Aunque el vidrio se fabricaba en Chipre en el siglo IX a. C. y se había desarrollado considerablemente al final del período, sólo quedan unos pocos restos de trabajos de vidrio anteriores al período grecorromano que muestran la calidad artística de las mejores obras. [140] La mayoría de las supervivencias son pequeños frascos de perfume, en elegantes estilos "emplumados" de colores similares a otros vidrios mediterráneos . [141] El vidrio helenístico se volvió más barato y accesible para una población más amplia.
No se conserva ningún mueble griego, pero hay muchas imágenes de él en jarrones y relieves conmemorativos, por ejemplo el de Hegeso . Evidentemente, a menudo era muy elegante, al igual que los estilos derivados de él a partir del siglo XVIII. Han sobrevivido algunas piezas de marfil tallado que se utilizaron como incrustaciones, como en Vergina, y algunas tallas de marfil; Este era un arte de lujo que podía ser de muy buena calidad. [142]
De las pinturas de los jarrones se desprende claramente que los griegos solían vestir ropas con diseños elaborados, y la habilidad para tejer era la marca de la mujer respetable. Se conservan dos lujosas piezas de tela de la tumba de Felipe de Macedonia . [143] Hay numerosas referencias a tapices decorativos tanto para hogares como para templos, pero ninguna de ellas ha sobrevivido.
El arte griego antiguo ha ejercido una influencia considerable en la cultura de muchos países del mundo, sobre todo en el tratamiento de la figura humana. En Occidente, la arquitectura griega también tuvo una gran influencia, y tanto en Oriente como en Occidente la influencia de la decoración griega se remonta hasta nuestros días. El arte etrusco y romano se derivaron en gran medida y directamente de modelos griegos, [144] y los objetos y la influencia griegos llegaron al arte celta al norte de los Alpes, [145] así como a todo el mundo mediterráneo y a Persia. [146]
En Oriente, las conquistas de Alejandro Magno iniciaron varios siglos de intercambio entre las culturas griega, de Asia Central y de la India, lo que contribuyó en gran medida a la difusión del budismo , que desde el principio recogió muchos rasgos y motivos griegos en el arte greco-budista . que luego fueron transmitidos como parte de un paquete cultural al este de Asia , incluso hasta Japón , entre artistas que sin duda desconocían por completo el origen de los motivos y estilos que utilizaban. [147]
Tras el Renacimiento en Europa, la estética humanista y los altos estándares técnicos del arte griego inspiraron a generaciones de artistas europeos, con un importante renacimiento del movimiento del neoclasicismo que comenzó a mediados del siglo XVIII, coincidiendo con un acceso más fácil desde Europa occidental a Grecia. en sí, y una renovada importación de originales griegos, sobre todo los mármoles de Elgin del Partenón. Hasta bien entrado el siglo XIX, la tradición clásica derivada de Grecia dominó el arte del mundo occidental. [148]
Las clases altas romanas helenizadas de la República Tardía y el Imperio Temprano aceptaron en general la superioridad griega en las artes sin muchas objeciones, aunque los elogios de Plinio por la escultura y la pintura de los artistas prehelenísticos pueden basarse en escritos griegos anteriores más que en mucho conocimiento personal. . Plinio y otros autores clásicos eran conocidos en el Renacimiento, y esta suposición de la superioridad griega volvió a ser generalmente aceptada. Sin embargo, los críticos del Renacimiento y mucho más tarde no tenían claro qué obras eran en realidad griegas. [149]
Como parte del Imperio Otomano , sólo unos pocos europeos occidentales pudieron llegar a Grecia hasta mediados del siglo XVIII. No sólo los jarrones griegos encontrados en los cementerios etruscos, sino también (lo que resulta más controvertido) los templos griegos de Paestum fueron considerados etruscos, o en cursiva, hasta finales del siglo XVIII y más allá, una idea errónea prolongada por el sentimiento nacionalista italiano. [149]
Los escritos de Johann Joachim Winckelmann , especialmente sus libros Pensamientos sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre griego antiguo, El arte etrusco y el romano, y definen períodos dentro del arte griego, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o decadencia que continúa teniendo influencia hasta el día de hoy. [150]
La desvinculación total de las estatuas griegas de sus copias romanas posteriores y una mejor comprensión del equilibrio entre lo griego y lo romano en el arte grecorromano llevaría mucho más tiempo, y tal vez todavía continúe. [151] El arte griego, especialmente la escultura, siguió disfrutando de una enorme reputación, y estudiarlo y copiarlo fue una gran parte de la formación de los artistas, hasta la caída del arte académico a finales del siglo XIX. Durante este período, el corpus conocido de arte griego y, en menor medida, de la arquitectura, se ha ampliado enormemente. El estudio de los jarrones generó una enorme literatura a finales del siglo XIX y XX, basada en gran medida en la identificación de las manos de artistas individuales, siendo Sir John Beazley la figura principal. Esta literatura generalmente asumió que la pintura de jarrones representaba el desarrollo de un medio independiente, sólo que en términos generales se basaba en el desarrollo estilístico de otros medios artísticos. Esta suposición ha sido cada vez más cuestionada en las últimas décadas, y algunos estudiosos ahora la ven como un medio secundario, que representa en gran medida copias baratas de piezas de metal ahora perdidas, y gran parte de ellas no fueron hechas para uso ordinario, sino para ser depositadas en entierros. [152]
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![Ritón de plata para el mercado tracio, finales del siglo IV[38]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b7/Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg/1280px-Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg)
![Modelo del camino procesional en la antigua Delfos, sin que se muestren muchas estatuas.[92]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Santuario_Delfos.jpg/1280px-Santuario_Delfos.jpg)
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![Una escena de banquete de una tumba macedonia de Agios Athanasios, Tesalónica, siglo IV a.C.; Se muestra a seis hombres reclinados en sofás, con comida dispuesta en mesas cercanas, un sirviente asistiendo y músicas brindando entretenimiento.[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg/1280px-Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg)
![El tapiz Sampul, una pared de lana que cuelga del condado de Lop, prefectura de Hotan, Xinjiang, China, que muestra a un soldado posiblemente griego del reino greco-bactriano (250-125 a. C.), con ojos azules, empuñando una lanza y vistiendo lo que parece ser una diadema; Sobre él se representa un centauro, de la mitología griega, un motivo común en el arte helenístico;[112] Museo de la Región de Xinjiang.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
![Alejandro Magno (izquierda), vestido con una kausia y luchando contra un león asiático con su amigo Crátero (detalle); Mosaico de Pella de finales del siglo IV a.C.[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg/1280px-Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg)
.jpg/1280px-Hellenistic_mosaic_floor_panel_of_an_Alexandrine_parakeet_from_Pergamon,_2nd_century_BC,_Pergamon_Museum_(8408107096).jpg)
![Mosaico helenístico de Thmuis (Mendes), Egipto, firmado por Sophilos c. 200 aC; La reina ptolemaica Berenice II (gobernante conjunta con su marido Ptolomeo III) como personificación de Alejandría.[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
