El arte medieval del mundo occidental abarca un amplio espectro de tiempo y espacio, con más de 1000 años de arte en Europa y, en ciertos períodos, en Asia occidental y el norte de África . Incluye los principales movimientos y períodos artísticos, el arte nacional y regional, los géneros, los resurgimientos, las artesanías de los artistas y los propios artistas.
Los historiadores del arte intentan clasificar el arte medieval en períodos y estilos principales, a menudo con cierta dificultad. Un esquema generalmente aceptado incluye las últimas fases del arte cristiano primitivo , el arte del período de las migraciones , el arte bizantino , el arte insular , el prerrománico , el arte románico y el arte gótico , así como muchos otros períodos dentro de estos estilos centrales. Además, cada región, sobre todo durante el período en el que se estaban convirtiendo en naciones o culturas, tenía su propio estilo artístico distintivo, como el arte anglosajón o el arte vikingo .
El arte medieval se produjo en muchos medios, y sobreviven obras en gran número en esculturas , manuscritos iluminados , vidrieras , trabajos en metal y mosaicos , todos los cuales han tenido una tasa de supervivencia más alta que otros medios como pinturas murales al fresco , trabajos en metales preciosos o textiles , incluidos los tapices . Especialmente en la primera parte del período, las obras en las llamadas "artes menores" o artes decorativas , como la metalistería, la talla de marfil, el esmalte vítreo y el bordado con metales preciosos, probablemente fueron más valoradas que las pinturas o la escultura monumental . [1]
El arte medieval en Europa surgió de la herencia artística del Imperio Romano y de las tradiciones iconográficas de la iglesia cristiana primitiva . Estas fuentes se mezclaron con la vigorosa cultura artística "bárbara" del norte de Europa para producir un legado artístico notable. De hecho, la historia del arte medieval puede verse como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico , cristiano primitivo y "bárbaro". [2] Aparte de los aspectos formales del clasicismo, hubo una tradición continua de representación realista de objetos que sobrevivió en el arte bizantino durante todo el período, mientras que en Occidente aparece de manera intermitente, combinando y a veces compitiendo con las nuevas posibilidades expresionistas desarrolladas en Europa occidental y el legado del norte de elementos decorativos enérgicos. El período terminó con la recuperación renacentista autopercibida de las habilidades y valores del arte clásico, y el legado artístico de la Edad Media fue menospreciado durante algunos siglos. Desde un renacimiento del interés y la comprensión en el siglo XIX, se ha visto como un período de enormes logros que subyace al desarrollo del arte occidental posterior.
Durante los primeros siglos de la Edad Media en Europa (hasta el año 800 d. C.) se produjo una disminución de la prosperidad, la estabilidad y la población, seguida de un aumento bastante constante y general hasta el enorme revés de la Peste Negra alrededor de 1350, que se estima que mató al menos a un tercio de la población total de Europa, con tasas generalmente más altas en el sur y más bajas en el norte. Muchas regiones no recuperaron sus niveles de población anteriores hasta el siglo XVII. Se estima que la población de Europa alcanzó un punto bajo de unos 18 millones en 650, se duplicó alrededor del año 1000 y llegó a más de 70 millones en 1340, justo antes de la Peste Negra. En 1450 todavía era de solo 50 millones. A estas cifras, el norte de Europa, especialmente Gran Bretaña, contribuyó con una proporción menor que hoy, y el sur de Europa, incluida Francia, con una mayor. [3] El aumento de la prosperidad, para los que sobrevivieron, se vio mucho menos afectado por la Peste Negra. Hasta aproximadamente el siglo XI, la mayor parte de Europa carecía de mano de obra agrícola y había grandes cantidades de tierra sin utilizar, y el Período Cálido Medieval benefició a la agricultura hasta aproximadamente 1315. [4]
En la Edad Media, las invasiones e incursiones procedentes de fuera de la zona que caracterizaron el primer milenio acabaron finalmente. Las conquistas islámicas de los siglos VII y VIII eliminaron de forma repentina y permanente todo el norte de África del mundo occidental, y durante el resto del período los pueblos islámicos se apoderaron gradualmente del Imperio bizantino , hasta que a finales de la Edad Media la Europa católica, tras recuperar la península Ibérica en el suroeste, volvió a verse amenazada por los musulmanes desde el sureste.
Al comienzo de la Edad Media, las obras de arte más importantes eran objetos muy raros y costosos asociados a las élites seculares, los monasterios o las grandes iglesias y, si eran religiosas, en gran parte producidas por monjes. A finales de la Edad Media, se podían encontrar obras de considerable interés artístico en pequeñas aldeas y en un número significativo de hogares burgueses en las ciudades, y su producción era en muchos lugares una importante industria local, siendo los artistas del clero la excepción. Sin embargo, la Regla de San Benito permitía la venta de obras de arte por parte de los monasterios, y está claro que durante todo el período los monjes podían producir arte, incluidas obras seculares, comercialmente para un mercado laico, y los monasterios también contrataban a especialistas laicos cuando era necesario. [5]
Las obras que se conservan pueden dar la impresión de que casi todo el arte medieval era religioso, pero no es así; aunque la Iglesia se hizo muy rica durante la Edad Media y en ocasiones estaba dispuesta a gastar generosamente en arte, también hubo mucho arte secular de calidad equivalente que ha sufrido un índice mucho mayor de desgaste, pérdida y destrucción. En la Edad Media, en general, no existía el concepto de preservar las obras antiguas por su mérito artístico, en contraposición a su asociación con un santo o una figura fundadora, y los períodos posteriores del Renacimiento y el Barroco tendieron a menospreciar el arte medieval. La mayoría de los manuscritos iluminados de lujo de la Alta Edad Media tenían lujosas cubiertas de encuadernación de tesoros en metales preciosos, marfil y joyas; las páginas reencuadernadas y los relieves de marfil de las cubiertas han sobrevivido en cantidades mucho mayores que las cubiertas completas, que en su mayoría han sido despojadas de sus valiosos materiales en algún momento.
La mayoría de las iglesias han sido reconstruidas, a menudo varias veces, pero los palacios medievales y las grandes casas se han perdido a un ritmo mucho mayor, lo que también es cierto en lo que respecta a sus accesorios y decoración. En Inglaterra, las iglesias sobreviven prácticamente intactas de todos los siglos desde el VII, y en considerable número de los posteriores (sólo la ciudad de Norwich tiene 40 iglesias medievales), pero de las docenas de palacios reales, ninguno sobrevive de antes del siglo XI, y sólo un puñado de restos del resto del período. [6] La situación es similar en la mayor parte de Europa, aunque el Palacio de los Papas del siglo XIV en Avignon sobrevive prácticamente intacto. Muchas de las disputas académicas más antiguas sobre la fecha y el origen de obras individuales se relacionan con piezas seculares, porque son mucho más raras: el broche anglosajón Fuller fue rechazado por el Museo Británico por ser una falsificación inverosímil, y las pequeñas esculturas de bronce seculares independientes son tan raras que la fecha, el origen e incluso la autenticidad de los dos mejores ejemplos se ha discutido durante décadas. [7]
El uso de materiales valiosos es una constante en el arte medieval; hasta el final del período, se gastaba mucho más en comprarlos que en pagar a los artistas, incluso si estos no eran monjes que cumplían con su deber. El oro se utilizaba para objetos de iglesias y palacios, joyas personales y accesorios de ropa, y —fijado en la parte posterior de teselas de vidrio— como fondo sólido para mosaicos , o aplicado como pan de oro a miniaturas en manuscritos y pinturas sobre tabla. Muchos objetos que utilizaban metales preciosos se hacían sabiendo que su valor en lingotes podría realizarse en un momento futuro; solo hacia el final del período se podía invertir dinero en algo que no fuera en bienes raíces , excepto con gran riesgo o cometiendo usura .
El pigmento ultramar , aún más caro , hecho a partir de lapislázuli molido que solo se obtiene en Afganistán , se usó profusamente en el período gótico, más a menudo para el tradicional manto exterior azul de la Virgen María que para los cielos. El marfil , a menudo pintado, fue un material importante hasta el final del período, lo que ilustra bien el cambio del arte de lujo a las obras seculares; a principios del período, la mayoría de los usos estaban cambiando de dípticos consulares a objetos religiosos como cubiertas de libros, relicarios y báculos , pero en el período gótico, los estuches de espejos seculares, los ataúdes y los peines decorados se volvieron comunes entre los ricos. Como los delgados paneles de marfil tallados en relieve rara vez podían reciclarse para otra obra, el número de sobrevivientes es relativamente alto; lo mismo sucede con las páginas de manuscritos, aunque a menudo se reciclaban raspándolas, con lo que se convertían en palimpsestos .
Incluso estos materiales básicos eran costosos: cuando la abadía anglosajona de Monkwearmouth-Jarrow planeó crear tres copias de la Biblia en 692 (de las cuales una sobrevive como el Codex Amiatinus ), el primer paso necesario fue planificar la cría de ganado para abastecer a los 1.600 terneros que darían la piel para el pergamino necesario. [8]
El papel empezó a estar disponible en los últimos siglos de la época, pero también era extremadamente caro para los estándares actuales; los grabados en madera que se vendían a los peregrinos comunes en los santuarios a menudo eran del tamaño de una caja de cerillas o más pequeños. La dendrocronología moderna ha revelado que la mayor parte del roble para los paneles utilizados en la pintura de los primeros neerlandeses del siglo XV se talaba en la cuenca del Vístula en Polonia, desde donde se enviaba por barco río abajo y a través de los mares Báltico y del Norte hasta los puertos flamencos , antes de secarse durante varios años. [9]
El arte en la Edad Media es un tema muy amplio y los historiadores del arte lo dividen tradicionalmente en varias fases, estilos o períodos a gran escala. El período de la Edad Media no comienza ni termina claramente en una fecha en particular, ni al mismo tiempo en todas las regiones, y lo mismo sucede con las principales fases del arte dentro del período. [10] Las principales fases se cubren en las siguientes secciones.
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El arte cristiano primitivo, más generalmente descrito como arte de la Antigüedad Tardía , cubre el período desde aproximadamente el año 200 (antes del cual no sobrevive ningún arte cristiano distinto), hasta el inicio de un estilo completamente bizantino en aproximadamente el año 500. Sigue habiendo diferentes puntos de vista sobre cuándo comienza el período medieval durante este tiempo, tanto en términos de historia general como de historia del arte específicamente, pero la mayoría de las veces se lo ubica al final del período. En el transcurso del siglo IV, el cristianismo pasó de ser una secta popular perseguida a la religión oficial del Imperio, adaptando estilos romanos existentes y, a menudo, iconografía , tanto del arte popular como del imperial. Desde el comienzo del período, las principales supervivencias del arte cristiano son las pinturas de tumbas en estilos populares de las catacumbas de Roma , pero hacia el final hubo una serie de mosaicos lujosos en iglesias construidas bajo el patrocinio imperial.
Durante este período, el arte imperial tardorromano atravesó una fase llamativamente "barroca" y luego abandonó en gran medida el estilo clásico y el realismo griego en favor de un estilo más místico y hierático, un proceso que ya estaba en marcha antes de que el cristianismo se convirtiera en una influencia importante en el arte imperial. Las influencias de las partes orientales del Imperio ( Egipto , Siria y otros lugares) y también una sólida tradición vernácula "itálica" contribuyeron a este proceso.
Las figuras se representan en su mayoría de frente, mirando al espectador, mientras que en el arte clásico se tendía a mostrar una vista de perfil; este cambio se observó con el tiempo incluso en las monedas. La individualidad de los retratos, una gran fortaleza del arte romano, declina marcadamente, y la anatomía y los drapeados de las figuras se muestran con mucho menos realismo. Los modelos a partir de los cuales la Europa medieval del norte, en particular, formó su idea del estilo "romano" fueron casi todos obras portátiles de la Antigüedad Tardía, y los sarcófagos tallados de la Antigüedad Tardía que se encontraron por todo el antiguo Imperio Romano; [11] la determinación de encontrar modelos clásicos anteriores "más puros" fue un elemento clave en el art all'antica del Renacimiento. [12]
Relieves de marfil
El arte bizantino es el arte del Imperio bizantino de habla griega formado tras la división del Imperio romano en mitades oriental y occidental, y a veces de partes de Italia bajo dominio bizantino. Surge en la Antigüedad tardía alrededor del año 500 d. C. y pronto formó una tradición distinta de la de la Europa católica pero con gran influencia sobre ella. En el período medieval temprano, el mejor arte bizantino, a menudo de los grandes talleres imperiales, representaba un ideal de sofisticación y técnica que los mecenas europeos intentaron emular. Durante el período de la iconoclasia bizantina en 730-843, la gran mayoría de los iconos (imágenes sagradas generalmente pintadas sobre madera) fueron destruidos; queda tan poco que hoy cualquier descubrimiento arroja nueva luz, y la mayoría de las obras restantes están en Italia (Roma y Rávena , etc.) o en Egipto, en el Monasterio de Santa Catalina .
El arte bizantino era extremadamente conservador, por razones religiosas y culturales, pero mantuvo una tradición continua del realismo griego, que competía con un fuerte impulso antirrealista y hierático. Después de la reanudación de la producción de iconos en 843 hasta 1453, la tradición del arte bizantino continuó con relativamente pocos cambios, a pesar de, o debido a, la lenta decadencia del Imperio. Hubo un notable resurgimiento del estilo clásico en obras del arte de la corte del siglo X como el Salterio de París , y durante todo el período la iluminación de manuscritos muestra estilos paralelos, a menudo utilizados por el mismo artista, para figuras icónicas en miniaturas enmarcadas y pequeñas escenas más informales o figuras añadidas sin marco en los márgenes del texto en un estilo mucho más realista. [13]
La escultura monumental con figuras siguió siendo un tabú en el arte bizantino; apenas se conocen excepciones. Pero los pequeños relieves de marfil, casi todos de estilo icónico (el Tríptico de Harbaville es de fecha similar al Salterio de París, pero de estilo muy diferente), eran una especialidad, al igual que la decoración en relieve de cuencos y otros objetos de metal.
El Imperio bizantino produjo gran parte del mejor arte de la Edad Media en términos de calidad de materiales y mano de obra, con la producción de la corte centrada en Constantinopla , aunque algunos historiadores del arte han cuestionado la suposición, todavía común, de que todas las obras de la mejor calidad sin indicación de su origen se produjeron en la capital. El logro más importante del arte bizantino fueron los frescos y mosaicos monumentales dentro de las iglesias con cúpulas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a los desastres naturales y la apropiación de las iglesias para convertirlas en mezquitas .
El arte bizantino ejerció una influencia continua sobre el arte de Europa occidental, y los esplendores de la corte y los monasterios bizantinos, incluso al final del Imperio, proporcionaron un modelo para los gobernantes occidentales y los mecenas seculares y clericales. Por ejemplo, los textiles de seda bizantinos , a menudo tejidos o bordados con diseños de figuras tanto animales como humanas, los primeros a menudo reflejando tradiciones originadas mucho más al este, fueron insuperables en el mundo cristiano hasta casi el final del Imperio. Estos se produjeron, aunque probablemente no en su totalidad, en talleres imperiales en Constantinopla, sobre cuyas operaciones no sabemos casi nada; a menudo se conjetura que hubo talleres similares para otras artes, con incluso menos evidencia. El estilo de fondo dorado en mosaicos, iconos y miniaturas de manuscritos era común en toda Europa en el período gótico. Algunas otras artes decorativas estaban menos desarrolladas; la cerámica bizantina rara vez se eleva por encima del nivel del atractivo arte popular , a pesar de la herencia de la Antigua Grecia y el impresionante futuro en el período otomano de las lozas de İznik y otros tipos de cerámica.
Otras tradiciones locales de Armenia , Siria , Georgia y otros lugares mostraron en general menos sofisticación, pero a menudo más vigor que el arte de Constantinopla , y a veces, especialmente en arquitectura , parecen haber tenido influencia incluso en Europa occidental. Por ejemplo, la escultura monumental figurativa en el exterior de las iglesias aparece aquí algunos siglos antes de que se la vea en Occidente. [14]
En las reseñas sobre el arte medieval, a menudo se pasan por alto las obras del continente africano, entre ellas las de Egipto, Nubia y Etiopía. Después de que las iglesias africanas rechazaran el Concilio de Calcedonia y se convirtieran en las iglesias ortodoxas orientales , su arte se desarrolló en nuevas direcciones, relacionadas con Bizancio pero diferentes de él.
El arte copto surgió de concepciones egipcias indígenas, con un estilo no realista, a menudo con figuras de ojos grandes flotando sobre fondos sin pintar. La decoración copta utilizaba diseños geométricos intrincados, que el arte islámico siguió más tarde. Debido a la excepcionalmente buena conservación de los entierros egipcios, sabemos más sobre los textiles utilizados por los menos pudientes en Egipto que en cualquier otro lugar. Estos a menudo estaban decorados elaboradamente con diseños figurativos y estampados.
El arte etíope era una parte vital del imperio aksumita , y un ejemplo importante son los Evangelios de Garima , uno de los manuscritos bíblicos ilustrados más antiguos del mundo. Era especialmente probable que se ilustraran obras sobre la Virgen María , como lo demuestra un manuscrito real conocido como EMML 9002, creado a fines del siglo XIV. [15] Algunas de estas imágenes de María se pueden ver en el proyecto Milagros de María de Etiopía, Eritrea y Egipto de Princeton. [16]
El arte del Período de Migración describe el arte de los pueblos germánicos y de Europa del Este " bárbaros " que se desplazaron y luego se asentaron dentro del antiguo Imperio Romano, durante el Período de Migración, de aproximadamente 300 a 700; el término general cubre una amplia gama de estilos étnicos o regionales, incluido el arte anglosajón temprano , el arte visigodo , el arte vikingo y el arte merovingio , todos los cuales hicieron uso del estilo animal , así como de motivos geométricos derivados del arte clásico. En este período, el estilo animal había alcanzado una forma mucho más abstracta que en el arte escita anterior o el estilo La Tène . La mayoría de las obras de arte eran pequeñas y portátiles y las que sobrevivieron son principalmente joyas y trabajos en metal, con el arte expresado en diseños geométricos o esquemáticos, a menudo bellamente concebidos y realizados, con pocas figuras humanas y sin intentos de realismo. Los primeros ajuares funerarios anglosajones de Sutton Hoo se encuentran entre los mejores ejemplos.
A medida que los pueblos "bárbaros" se cristianizaron , estas influencias interactuaron con la tradición artística cristiana mediterránea posclásica y con nuevas formas como el manuscrito iluminado [17] y, de hecho, las monedas , que intentaron emular las monedas provinciales romanas y los tipos bizantinos . Las primeras monedas , como el sceat, muestran a diseñadores completamente desacostumbrados a representar una cabeza de perfil lidiando con el problema de diversas maneras.
En cuanto a obras de mayor tamaño, existen referencias a estatuas paganas de madera anglosajonas, todas ellas hoy perdidas, y en el arte nórdico se mantuvo la tradición de las piedras rúnicas talladas después de su conversión al cristianismo. Los pictos celtas de Escocia también tallaron piedras antes y después de la conversión, y la distintiva tradición anglosajona e irlandesa de grandes cruces talladas al aire libre puede reflejar obras paganas anteriores. El arte vikingo de siglos posteriores en Escandinavia y partes de las Islas Británicas incluye obras de origen pagano y cristiano, y fue uno de los últimos florecimientos de este amplio grupo de estilos.
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El arte insular se refiere al estilo distintivo que se encontró en Irlanda y Gran Bretaña desde aproximadamente el siglo VII hasta aproximadamente el siglo X, y que perduró más tarde en Irlanda y partes de Escocia. El estilo fue una fusión entre las tradiciones del arte celta , el arte del período de la migración germánica de los anglosajones y las formas cristianas del libro, las cruces altas y la metalistería litúrgica.
La decoración geométrica, entrelazada y estilizada de animales, extremadamente detallada , con formas derivadas de la metalistería secular, como los broches , se extendió audazmente por los manuscritos, generalmente libros de los evangelios como el Libro de Kells , con páginas enteras dedicadas a tales diseños, y el desarrollo de la gran inicial decorada e historiada . Había muy pocas figuras humanas (la mayoría de las veces se trataba de retratos de los evangelistas ) y eran toscas, incluso cuando seguían de cerca los modelos de la Antigüedad Tardía.
El estilo manuscrito insular fue transmitido al continente por la misión hiberno-escocesa , y su energía anticlásica fue extremadamente importante en la formación de los estilos medievales posteriores. En la mayoría de los manuscritos de la Antigüedad Tardía, el texto y la decoración se mantuvieron claramente separados, aunque algunas iniciales comenzaron a agrandarse y elaborarse, pero los manuscritos insulares más importantes a veces ocupan una página entera para una sola inicial o las primeras palabras (ver ilustración) al comienzo de los evangelios u otras secciones de un libro. Permitir que la decoración tuviera "derecho a vagar" tendría una gran influencia en el arte románico y gótico en todos los medios.
Los edificios de los monasterios para los que se escribieron los evangelizadores insulares eran pequeños y, con razón, se los podría calificar de primitivos, especialmente en Irlanda. Cada vez había más decoraciones para las iglesias, siempre que era posible, en metales preciosos, y sobreviven unas cuantas, como el cáliz de Ardagh , junto con un mayor número de piezas de joyería secular de alto estatus extremadamente ornamentadas y finamente elaboradas, los broches celtas , probablemente usados principalmente por hombres, de los cuales el broche de Tara es el más espectacular.
"Franco-sajón" es el término que designa una escuela de iluminación carolingia tardía del noreste de Francia que utilizaba una decoración de estilo insular, incluidas iniciales de gran tamaño, a veces combinadas con imágenes figurativas típicas de los estilos franceses contemporáneos. El "más tenaz de todos los estilos carolingios" continuó hasta el siglo XI. [18]
Iniciales gigantes
El arte islámico durante la Edad Media queda fuera del alcance de este artículo, pero fue ampliamente importado y admirado por las élites europeas, y su influencia necesita ser mencionada. [19] El arte islámico cubre una amplia variedad de medios que incluyen caligrafía, manuscritos ilustrados, textiles, cerámica, metalistería y vidrio, y se refiere al arte de los países musulmanes en el Cercano Oriente, la España islámica y el norte de África, aunque de ninguna manera siempre artistas o artesanos musulmanes. La producción de vidrio , por ejemplo, siguió siendo una especialidad judía durante todo el período, y el arte cristiano, como en el Egipto copto, continuó, especialmente durante los siglos anteriores, manteniendo algunos contactos con Europa. Hubo una etapa formativa temprana de 600-900 y el desarrollo de estilos regionales a partir del 900 en adelante. El arte islámico primitivo utilizó artistas de mosaicos y escultores formados en las tradiciones bizantina y copta. [20] En lugar de pinturas murales, el arte islámico utilizó azulejos pintados , desde 862-3 (en la Gran Mezquita de Kairuán en la actual Túnez ), que también se extendieron a Europa. [21] Según John Ruskin , el Palacio Ducal de Venecia contiene «tres elementos en proporciones exactamente iguales: el romano, el lombardo y el árabe. Es el edificio central del mundo... la historia de la arquitectura gótica es la historia del refinamiento y la espiritualización de las obras del norte bajo su influencia». [22]
Los gobernantes islámicos controlaron en varios puntos partes del sur de Italia y la mayor parte de la España y Portugal modernas, así como los Balcanes , todos los cuales conservaron grandes poblaciones cristianas. Los cruzados cristianos gobernaron igualmente poblaciones islámicas. El arte cruzado es principalmente un híbrido de estilos católico y bizantino, con poca influencia islámica, pero el arte mozárabe de los cristianos en Al Andaluz parece mostrar una influencia considerable del arte islámico, aunque los resultados se parecen poco a las obras islámicas contemporáneas. La influencia islámica también se puede rastrear en la corriente principal del arte medieval occidental, por ejemplo en el portal románico de Moissac en el sur de Francia, donde se muestra tanto en elementos decorativos, como los bordes festoneados de la puerta, las decoraciones circulares en el dintel de arriba, y también en tener a Cristo en Majestad rodeado de músicos, que se convertiría en una característica común de las escenas celestiales occidentales, y probablemente deriva de imágenes de reyes islámicos en su diwan . [23] La caligrafía , el ornamento y las artes decorativas en general fueron más importantes que en Occidente. [24]
Las piezas de cerámica hispano-morisca de España se produjeron primero en Al-Andaluz, pero parece que los alfareros musulmanes emigraron después a la zona de la Valencia cristiana , donde produjeron obras que se exportaron a las élites cristianas de toda Europa; [25] otros tipos de artículos de lujo islámicos, en particular los textiles de seda y las alfombras, procedían del propio mundo islámico oriental, generalmente más rico [26] (sin embargo, las conexiones islámicas con Europa al oeste del Nilo no eran más ricas), [27] y muchas de ellas pasaban por Venecia. [28] Sin embargo, la mayoría de los productos de lujo de la cultura de la corte, como las sedas, el marfil, las piedras preciosas y las joyas, se importaban a Europa solo en forma inacabada y se fabricaban en el producto final etiquetado como "oriental" por los artesanos medievales locales. [29] No tenían representaciones de escenas religiosas y normalmente estaban decoradas con ornamentos , lo que las hizo fáciles de aceptar en Occidente; [30] de hecho, a finales de la Edad Media había una moda de imitaciones pseudocúficas de la escritura árabe utilizadas decorativamente en el arte occidental.
El prerrománico es un término que designa la arquitectura y, en cierta medida, el arte pictórico y portátil que se encuentra inicialmente en el sur de Europa (España, Italia y el sur de Francia) entre el período Tardío y el comienzo del período románico en el siglo XI. El arte del norte de Europa forma parte gradualmente del movimiento después de la cristianización a medida que asimila los estilos posclásicos. El arte carolingio del Imperio franco , especialmente la Francia y Alemania modernas, de aproximadamente 780-900 toma su nombre de Carlomagno y es un arte del círculo de la corte y algunos centros monásticos bajo el patrocinio imperial, que buscaron conscientemente revivir los estilos y estándares "romanos" como correspondía al nuevo Imperio de Occidente . Algunos centros de producción carolingia también fueron pioneros en estilos expresivos en obras como el Salterio de Utrech y los Evangelios de Ebbo . La escultura monumental cristiana se registra por primera vez, y la representación de la figura humana en escenas narrativas se volvió segura por primera vez en el arte del norte. La arquitectura carolingia produjo edificios más grandes que los que se habían visto desde la época romana, además de la obra del oeste y otras innovaciones. [31]
Tras el colapso de la dinastía hubo una pausa antes de que una nueva dinastía trajera un renacimiento en Alemania con el arte otoniano , de nuevo centrado en la corte y los monasterios, con un arte que se movió hacia una gran expresividad a través de formas simples que logran monumentalidad incluso en pequeñas obras como relieves de marfil y miniaturas de manuscritos , sobre todo los de la Escuela de Reichenau , como las Perícopas de Enrique II (1002-1012). El arte anglosajón posterior en Inglaterra, a partir de alrededor del 900, fue expresivo de una manera muy diferente, con figuras agitadas e incluso drapeados quizás mejor mostrados en los muchos dibujos a pluma en los manuscritos. El arte mozárabe de la España cristiana tuvo una fuerte influencia islámica y una completa falta de interés en el realismo en sus miniaturas de colores brillantes, donde las figuras se presentan como patrones completamente planos. Ambos iban a influir en la formación en Francia del estilo románico. [32]
![Otro retrato de un evangelista carolingio en estilo realista greco-bizantino, probablemente realizado por un artista griego, también de finales del siglo VIII.[33]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/Coronation_Gospels_-_St_John.png/1280px-Coronation_Gospels_-_St_John.png)
El arte románico se desarrolló en el período comprendido entre el año 1000 aproximadamente y el auge del arte gótico en el siglo XII, en conjunción con el auge del monacato en Europa occidental. El estilo se desarrolló inicialmente en Francia, pero se extendió a la España cristiana, Inglaterra, Flandes, Alemania, Italia y otros lugares para convertirse en el primer estilo medieval que se encontró en toda Europa, aunque con diferencias regionales. [34] La llegada del estilo coincidió con un gran aumento en la construcción de iglesias y en el tamaño de las catedrales y las iglesias más grandes; muchas de ellas fueron reconstruidas en períodos posteriores, pero a menudo alcanzaron aproximadamente su tamaño actual en el período románico. La arquitectura románica está dominada por muros gruesos, estructuras masivas concebidas como una única forma orgánica, con techos abovedados y ventanas y arcos de medio punto.
La escultura figurativa, originalmente pintada de colores vivos, desempeña un papel integral e importante en estos edificios, en los capiteles de las columnas, así como alrededor de los impresionantes portales , generalmente centrados en un tímpano sobre las puertas principales, como en la Abadía de Vézelay y la Catedral de Autun . Los relieves son mucho más comunes que las estatuas exentas en piedra, pero el relieve románico llegó a ser mucho más alto, con algunos elementos completamente separados de la pared detrás. Las tallas de gran tamaño también se volvieron importantes, especialmente los crucifijos de madera pintados como la Cruz de Gero desde el comienzo mismo del período, y las figuras de la Virgen María como la Virgen Dorada de Essen . La realeza y el alto clero comenzaron a encargar efigies de tamaño natural para los monumentos funerarios . Algunas iglesias tenían pares masivos de puertas de bronce decoradas con paneles de relieve narrativos, como las Puertas de Gniezno o las de Hildesheim , "las primeras puertas de bronce decoradas fundidas en una sola pieza en Occidente desde la época romana", y posiblemente las mejores antes del Renacimiento. [35]
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La mayoría de las iglesias estaban profusamente decoradas con frescos; un esquema típico tenía a Cristo en Majestad en el extremo este (altar), un Juicio Final en el extremo oeste sobre las puertas y escenas de la Vida de Cristo enfrentadas a escenas del Antiguo Testamento tipológicamente coincidentes en las paredes de la nave . El "mayor monumento superviviente de pintura mural románica", muy reducido de lo que había originalmente, se encuentra en la iglesia de la abadía de Saint-Savin-sur-Gartempe, cerca de Poitiers , donde la bóveda de cañón redondeada de la nave , la cripta , el pórtico y otras áreas conservan la mayoría de sus pinturas. [36] Un ciclo equivalente en Sant'Angelo in Formis en Capua , en el sur de Italia, realizado por pintores italianos formados por griegos, ilustra el continuo predominio del estilo bizantino en gran parte de Italia. [37]
La escultura y la pintura románicas suelen ser vigorosas y expresivas, e inventivas en términos de iconografía (los temas elegidos y su tratamiento). Aunque muchas características absorbidas del arte clásico forman parte del estilo románico, los artistas románicos rara vez intentaron lograr algún tipo de efecto clásico, excepto quizás en el arte mosano . [38] A medida que el arte comenzó a ser visto por un sector más amplio de la población, y debido a los desafíos de las nuevas herejías , el arte se volvió más didáctico y la iglesia local la " Biblia del hombre pobre ". Al mismo tiempo, las bestias y monstruos grotescos, y las luchas con o entre ellos, eran temas populares, a los que se podían asociar vagamente significados religiosos, aunque esto no impresionó a San Bernardo de Claraval , quien denunció célebremente tales distracciones en los monasterios:
Pero, en el claustro, a la vista de los monjes que leen, ¿qué sentido tiene semejante ridícula monstruosidad, esa extraña especie de falta de forma? ¿Por qué esos monos feos, por qué esos leones feroces, por qué los centauros monstruosos, por qué los semihumanos, por qué los tigres moteados, por qué los soldados que luchan, por qué los cazadores que tocan la trompeta?... En resumen, hay tal variedad y tal diversidad de formas extrañas por todas partes, que tal vez prefiramos leer las canicas en lugar de los libros. [39]
Es posible que conociera la miniatura de la izquierda, que se produjo en la abadía de Císter antes de que el joven Bernardo fuera trasladado desde allí en 1115. [40]
Durante este período, la tipología se convirtió en el enfoque dominante en la literatura teológica y el arte para interpretar la Biblia, y los incidentes del Antiguo Testamento se consideraban prefiguraciones de aspectos de la vida de Cristo y se mostraban emparejados con su correspondiente episodio del Nuevo Testamento. A menudo, la iconografía de la escena del Nuevo Testamento se basaba en tradiciones y modelos originados en la Antigüedad tardía, pero la iconografía del episodio del Antiguo Testamento tuvo que inventarse en este período, por falta de precedentes. Se idearon nuevos temas, como el Árbol de Jesé , y las representaciones de Dios Padre se volvieron más aceptables. La gran mayoría del arte superviviente es religioso. El arte mosano fue un estilo regional especialmente refinado, del que sobrevivieron muchos trabajos en metal magníficos, a menudo combinados con esmalte , y elementos de clasicismo raros en el arte románico, como en la pila bautismal de la iglesia de San Bartolomé, Lieja , o el Santuario de los Tres Reyes en Colonia , una de las varias obras sobrevivientes de Nicolás de Verdún , cuyos servicios fueron solicitados en todo el noroeste de Europa.
Las vidrieras se convirtieron en una forma de arte importante en este período, aunque se conservan pocos vidrios románicos. En los manuscritos iluminados, la Biblia se convirtió en un nuevo foco de decoración intensiva, y el salterio también siguió siendo importante. El fuerte énfasis en el sufrimiento de Cristo y otras figuras sagradas entró en el arte occidental en este período, una característica que lo distingue fuertemente tanto del arte bizantino como del clásico durante el resto de la Edad Media y más allá. La cruz de Gero de 965-970, en la cúspide del arte otoniano y románico, ha sido considerada la primera obra en exhibir esto. [41] El final del período románico vio el comienzo del énfasis mucho mayor en la Virgen María en la teología, la literatura y también el arte, que alcanzaría su máxima extensión en el período gótico.
El arte gótico es un término variable según la artesanía, el lugar y el tiempo. El término se originó con la arquitectura gótica que se desarrolló en Francia a partir de aproximadamente 1137 con la reconstrucción de la iglesia de la abadía de Saint Denis . Al igual que con la arquitectura románica, esto incluyó la escultura como parte integral del estilo, con portales aún más grandes y otras figuras en las fachadas de las iglesias como la ubicación de la escultura más importante, hasta el período tardío, cuando los grandes retablos y retablos tallados , generalmente en madera pintada y dorada, se convirtieron en un foco importante en muchas iglesias. La pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas calificaciones), cuando se desvió del estilo románico. Un estilo gótico en escultura se origina en Francia alrededor de 1144 y se extendió por toda Europa, convirtiéndose en el siglo XIII en el estilo internacional, reemplazando al románico, aunque en escultura y pintura la transición no fue tan pronunciada como en arquitectura.
La mayoría de las catedrales y grandes iglesias románicas fueron sustituidas por edificios góticos, al menos en aquellos lugares que se beneficiaron del crecimiento económico de la época. Hoy en día, la arquitectura románica se aprecia mejor en zonas que posteriormente estuvieron relativamente deprimidas, como muchas regiones del sur de Francia e Italia o el norte de España. La nueva arquitectura permitió ventanas mucho más grandes, y las vidrieras de una calidad que nunca se superó son quizás el tipo de arte más asociado en la mente popular con el gótico, aunque las iglesias que conservan casi todas sus vidrieras originales, como la Sainte-Chapelle de París, son extremadamente raras en cualquier lugar y desconocidas en Gran Bretaña.
La mayoría de las pinturas murales góticas también han desaparecido; éstas siguieron siendo muy comunes, aunque en las iglesias parroquiales a menudo estaban ejecutadas de forma bastante tosca. Los edificios seculares también solían tener pinturas murales, aunque la realeza prefería los tapices mucho más caros, que llevaban consigo cuando viajaban entre sus numerosos palacios y castillos, o que llevaban consigo en las campañas militares; la mejor colección de arte textil de finales de la Edad Media proviene del botín suizo en la batalla de Nancy , cuando derrotaron y mataron a Carlos el Temerario , duque de Borgoña , y capturaron todo su tren de equipajes. [43]
Como se mencionó en la sección anterior, el período gótico coincidió con un énfasis mucho mayor en la Virgen María, y fue en este período cuando la Virgen y el Niño se convirtieron en un sello distintivo del arte católico. Los santos también fueron representados con mucha más frecuencia, y aparecieron por primera vez muchos de los atributos desarrollados para identificarlos visualmente para un público aún en gran parte analfabeto.
Durante este período, la pintura sobre tabla para retablos, a menudo polípticos y obras más pequeñas, adquirió una nueva importancia. Anteriormente, los iconos sobre tabla habían sido mucho más comunes en el arte bizantino que en Occidente, aunque muchas pinturas sobre tabla ahora perdidas realizadas en Occidente están documentadas de períodos mucho más anteriores, e inicialmente los pintores occidentales sobre tabla estaban en gran medida bajo la influencia de los modelos bizantinos, especialmente en Italia, de donde provienen la mayoría de las primeras pinturas sobre tabla occidentales. El proceso de establecer un estilo occidental distintivo fue iniciado por Cimabue y Duccio , y completado por Giotto , a quien tradicionalmente se considera el punto de partida para el desarrollo de la pintura renacentista. Sin embargo, la mayoría de las pinturas sobre tabla siguieron siendo más conservadoras que las pinturas en miniatura, en parte porque eran vistas por un público amplio.
El gótico internacional describe el arte gótico cortesano de alrededor de 1360 a 1430, después de lo cual el arte gótico comienza a fusionarse con el arte renacentista que había comenzado a formarse en Italia durante el Trecento , con un retorno a los principios clásicos de composición y realismo, con el escultor Nicola Pisano y el pintor Giotto como figuras especialmente formativas. Las Très Riches Heures du Duc de Berry es una de las obras más conocidas del gótico internacional. La transición al Renacimiento se produjo en diferentes momentos en diferentes lugares: la pintura flamenca primitiva se encuentra entre los dos, al igual que el pintor italiano Pisanello . Fuera de Italia, los estilos renacentistas aparecieron en algunas obras en las cortes y algunas ciudades ricas, mientras que otras obras, y todas las obras fuera de estos centros de innovación, continuaron los estilos góticos tardíos durante un período de algunas décadas. La Reforma protestante a menudo proporcionó un punto final para la tradición gótica en áreas que se volvieron protestantes, ya que estaba asociada con el catolicismo.
La invención de un sistema matemático integral de perspectiva lineal es un logro definitorio del Renacimiento italiano de principios del siglo XV en Florencia , pero la pintura gótica ya había hecho grandes progresos en la representación naturalista de la distancia y el volumen, aunque no solía considerarlos características esenciales de una obra si otros objetivos entraban en conflicto con ellos, y la escultura gótica tardía era cada vez más naturalista. En la miniatura borgoñona de mediados del siglo XV (derecha), el artista parece ansioso por mostrar su habilidad para representar edificios y bloques de piedra de manera oblicua y manejar escenas a diferentes distancias. Pero su intento general de reducir el tamaño de los elementos más distantes no es sistemático. Las secciones de la composición están a una escala similar, con la distancia relativa mostrada por superposición, escorzo y los objetos más alejados siendo más altos que los más cercanos, aunque los trabajadores de la izquierda muestran un ajuste más fino del tamaño. Pero esto se abandona a la derecha, donde la figura más importante es mucho más grande que el albañil.
El final del período incluye nuevos medios como los grabados ; junto con pequeñas pinturas sobre tabla, estos se usaron con frecuencia para los emotivos andachtsbilder ("imágenes devocionales") influenciados por las nuevas tendencias religiosas del período. Se trataba de imágenes de momentos separados de la narrativa de la Pasión de Cristo diseñadas para la meditación sobre sus sufrimientos, o los de la Virgen: el Varón de Dolores , La Piedad , El velo de la Verónica o Arma Christi . El trauma de la Peste Negra a mediados del siglo XIV fue al menos en parte responsable de la popularidad de temas como la Danza de la Muerte y el Memento mori . En los libros de bloques baratos con texto (a menudo en la lengua vernácula ) e imágenes cortadas en un solo grabado en madera , obras como la ilustrada (izquierda), el Ars Moriendi ( El arte de morir ) y resúmenes tipológicos de versículos de la Biblia como el Speculum Humanae Salvationis ( El espejo de la salvación humana ) fueron los más populares.
El humanismo renacentista y el ascenso de una clase media urbana adinerada, liderada por los comerciantes, comenzaron a transformar el antiguo contexto social del arte, con el resurgimiento del retrato realista y la aparición del grabado y el autorretrato , junto con el declive de formas como las vidrieras y el manuscrito iluminado. Los retratos de donantes , en el período medieval temprano en gran parte reservados a papas, reyes y abades, ahora mostraban a hombres de negocios y sus familias, y las iglesias se estaban llenando de los monumentos funerarios de los adinerados.
El libro de horas , un tipo de manuscrito que normalmente poseían los laicos, o incluso más a menudo, las laicas, se convirtió en el tipo de manuscrito más ilustrado a partir del siglo XIV y, también en este período, el liderazgo en la producción de miniaturas había pasado a los artistas laicos, también muy a menudo mujeres. En los centros de iluminación más importantes, París y en el siglo XV las ciudades de Flandes , había grandes talleres que exportaban a otras partes de Europa. Otras formas de arte, como pequeños relieves de marfil, vidrieras, tapices y alabastros de Nottingham (paneles tallados baratos para retablos) se producían en condiciones similares, y los artistas y artesanos de las ciudades generalmente estaban cubiertos por el sistema de gremios : el gremio de orfebres era típicamente uno de los más ricos de una ciudad, y los pintores eran miembros de un gremio especial de San Lucas en muchos lugares.
Se produjeron obras seculares, que a menudo utilizaban temas relacionados con el amor cortés o el heroísmo caballeresco , como manuscritos iluminados, espejos tallados en marfil, tapices y elaborados centros de mesa de oro como nefs . Comienza a ser posible distinguir un número mucho mayor de artistas individuales, algunos de los cuales tenían reputación internacional. Comienzan a aparecer coleccionistas de arte, de manuscritos entre los grandes nobles, como John, duque de Berry (1340-1416) y de grabados y otras obras entre aquellos con una riqueza moderada. En las áreas más ricas, diminutas xilografías religiosas baratas llevaron el arte en una aproximación del último estilo incluso a los hogares de los campesinos a fines del siglo XV.
Virgen María
El arte medieval tenía poco sentido de su propia historia del arte, y este desinterés se mantuvo en períodos posteriores. El Renacimiento generalmente lo desestimó como un producto "bárbaro" de la " Edad Oscura ", y el término "gótico" fue inventado como un término deliberadamente peyorativo, utilizado por primera vez por el pintor Rafael en una carta de 1519 para caracterizar todo lo que había sucedido entre la desaparición del arte clásico y su supuesto "renacimiento" en el Renacimiento . El término fue adoptado y popularizado posteriormente a mediados del siglo XVI por el artista e historiador florentino, Giorgio Vasari , quien lo utilizó para denigrar la arquitectura del norte de Europa en general. Los anticuarios siguieron coleccionando manuscritos iluminados , o permanecieron sin consideración en bibliotecas monásticas o reales, pero las pinturas eran sobre todo de interés si tenían asociaciones históricas con la realeza u otros. El largo período de maltrato del Retablo de Westminster de la Abadía de Westminster es un ejemplo; hasta el siglo XIX solo se lo consideraba una pieza de madera útil. Pero su gran retrato de Ricardo II de Inglaterra estaba bien conservado, al igual que otro retrato de Ricardo, el Díptico de Wilton (ilustrado arriba). Como en la propia Edad Media, otros objetos han sobrevivido principalmente porque se consideraban reliquias .
No había un equivalente para el arte pictórico de la " supervivencia gótica " encontrada en la arquitectura, una vez que el estilo finalmente murió en Alemania, Inglaterra y Escandinavia , y el Renacimiento gótico se centró durante mucho tiempo en la arquitectura gótica en lugar del arte. La comprensión de la sucesión de estilos todavía era muy débil, como lo sugiere el título del libro pionero de Thomas Rickman sobre la arquitectura inglesa: Un intento de discriminar los estilos de la arquitectura inglesa desde la conquista hasta la reforma (1817). Esto comenzó a cambiar con venganza a mediados del siglo XIX, cuando la apreciación de la escultura medieval y su pintura, conocida como "primitivos" italianos o flamencos, se puso de moda bajo la influencia de escritores como John Ruskin , Eugène Viollet-le-Duc y Pugin , así como el medievalismo romántico de obras literarias como Ivanhoe de Sir Walter Scott (1819) y El jorobado de Notre-Dame de Victor Hugo (1831). Entre los primeros coleccionistas de los "Primitivos", en aquel entonces todavía relativamente baratos, se encontraba el Príncipe Alberto .
Entre los artistas, el movimiento Nazareno alemán de 1809 y la Hermandad Prerrafaelita inglesa de 1848 rechazaron los valores al menos del Renacimiento posterior, pero en la práctica, y a pesar de que a veces representan escenas medievales, su trabajo extrae sus influencias principalmente del Renacimiento temprano en lugar del gótico o períodos anteriores; el trabajo gráfico temprano de John Millais es una excepción. [45] William Morris , también un coleccionista exigente de arte medieval, absorbió el estilo medieval más a fondo en su trabajo, al igual que William Burges .
A finales del siglo XIX, muchos ilustradores de libros y productores de arte decorativo de diversos tipos habían aprendido a utilizar con éxito los estilos medievales gracias a los nuevos museos, como el Victoria & Albert Museum, creados con este fin. Al mismo tiempo, el nuevo campo académico de la historia del arte , dominado por Alemania y Francia, se concentró en gran medida en el arte medieval y pronto fue muy productivo en la catalogación y datación de las obras supervivientes y en el análisis del desarrollo de los estilos y la iconografía medievales; aunque el período de la Antigüedad tardía y el precarolingio siguieron siendo una "tierra de nadie" menos explorada hasta el siglo XX. [46]
Franz Theodor Kugler fue el primero en nombrar y describir el arte carolingio en 1837; como muchos historiadores del arte de la época, trató de encontrar y promover el espíritu nacional de su propia nación en la historia del arte, una búsqueda iniciada por Johann Gottfried Herder en el siglo XVIII. El alumno de Kugler, el gran historiador del arte suizo Jacob Burckhardt , aunque no se le puede llamar un especialista en arte medieval, fue una figura importante en el desarrollo de la comprensión del mismo. El arte medieval era ahora objeto de abundantes coleccionismo, tanto por parte de museos como de coleccionistas privados como George Salting , la familia Rothschild y John Pierpont Morgan .
Después de la decadencia del Renacimiento gótico y el uso de estilos insulares por parte del Renacimiento celta , los elementos antirrealistas y expresivos del arte medieval todavía han demostrado ser una inspiración para muchos artistas modernos.
Los historiadores del arte de habla alemana siguieron dominando la historia del arte medieval, a pesar de figuras como Émile Mâle (1862-1954) y Henri Focillon (1881-1943), hasta el período nazi, cuando un gran número de figuras importantes emigraron, principalmente a Gran Bretaña o Estados Unidos, donde el estudio académico de la historia del arte todavía estaba en desarrollo. Entre ellos se encontraban el anciano Adolph Goldschmidt y figuras más jóvenes como Nikolaus Pevsner , Ernst Kitzinger , Erwin Panofsky , Kurt Weitzmann , Richard Krautheimer y muchos otros. Meyer Schapiro había emigrado cuando era niño en 1907.
La gran mayoría del arte narrativo religioso medieval representaba acontecimientos de la Biblia, en los que la mayoría de las personas representadas eran judías. Pero el grado en que se enfatizaba esto en sus representaciones variaba enormemente. Durante la Edad Media, parte del arte cristiano se utilizó como forma de expresar prejuicios y puntos de vista negativos comunes.
En la Europa medieval, entre los siglos V y XV, muchos cristianos veían a los judíos como enemigos y forasteros debido a una variedad de factores. [47] También tendían a odiarlos por ser cultural y religiosamente diferentes, así como por las enseñanzas religiosas que tenían puntos de vista negativos sobre el pueblo judío, como las representaciones del Anticristo como judío. [48] La posición económica del pueblo judío como prestamistas, junto con las protecciones reales que se les otorgaban , crearon una relación tensa entre judíos y cristianos. Esta tensión se manifestó de varias maneras, una de las cuales fue a través de la creación de arte y propaganda antisemita y antijudaísta que sirvió para desacreditar tanto a los judíos como a sus creencias religiosas, así como para difundir estas creencias aún más en la sociedad. Las imágenes de finales de la Edad Media de Ecclesia y Synagoga representaban la doctrina cristiana del supersesionismo , por la cual el Nuevo Pacto cristiano había reemplazado al pacto mosaico judío [49]. Sara Lipton ha argumentado que algunas representaciones, como las de la ceguera judía en presencia de Jesús, tenían la intención de servir como una forma de autorreflexión en lugar de ser explícitamente antisemitas. [50]
En su libro de 2013 Saracens, Demons, and Jews (Saracenes, demonios y judíos) , Debra Higgs Strickland sostiene que las representaciones negativas de los judíos en el arte medieval se pueden dividir en tres categorías: arte que se centraba en descripciones físicas, arte que presentaba signos de condenación e imágenes que representaban a los judíos como monstruos. Las representaciones físicas de los judíos en el arte cristiano medieval eran a menudo hombres con sombreros judíos puntiagudos y barbas largas, lo que se hacía como un símbolo despectivo y para separar a los judíos de los cristianos de una manera clara. Esta representación se volvería más virulenta con el tiempo, sin embargo, las mujeres judías carecían de descripciones físicas distintivas similares en el arte cristiano medieval alto. [51] Se cree que el arte que representaba a los judíos en escenas que presentaban signos de condenación se originó en la creencia cristiana de que los judíos eran responsables del asesinato de Cristo, lo que ha llevado a que algunas representaciones artísticas presentaran a judíos crucificando a Cristo. [52]
Los judíos eran vistos a veces como forasteros en las sociedades dominadas por los cristianos, lo que, según Strickland, derivó en la creencia de que los judíos eran bárbaros, que con el tiempo se expandió hasta convertirse en la idea de que los judíos eran monstruos que rechazaban la "Fe Verdadera". [53] Algunas obras de arte de este período combinaron estos conceptos y transformaron la imagen estereotipada judía de la barba y el sombrero puntiagudo con la de los monstruos, creando un arte que convirtió al judío en sinónimo de monstruo. [53]
Las razones de estas representaciones negativas de los judíos se pueden rastrear a muchas fuentes, pero principalmente se deben a que se los acusaba de deicidio, a sus diferencias religiosas y culturales con sus vecinos culturales y a que el anticristo era representado a menudo como judío en los escritos y textos medievales. Recientemente se culpó a los judíos de la muerte de Cristo y, por lo tanto, los cristianos los representaron negativamente tanto en el arte como en las escrituras. [54]
Las tensiones entre judíos y cristianos eran a menudo altas y esto hizo que se formaran diversos estereotipos sobre los judíos y se volvieran comunes en su representación artística. Algunos de los atributos que se ven que distinguen a los judíos de sus contrapartes cristianas en las obras de arte son los sombreros puntiagudos, las narices ganchudas y torcidas y las barbas largas. Al incluir estos atributos en la representación de los judíos en el arte, los cristianos lograron "alterar" a los judíos más de lo que ya estaban y los hicieron parecer aún más marginados y segregados de la población general de lo que ya estaban. No solo se agregaron estos atributos a las representaciones del pueblo judío, sino que generalmente se los retrató como villanos y monstruosos debido a su supuesto asesinato de Cristo, así como a su rechazo de Cristo como el mesías. [54] Esto, junto con el hecho de que vivían en grupos en gran parte insulares, los separó en gran medida de sus vecinos cristianos y causó una ruptura duradera entre los grupos que se refleja en el arte medieval.
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![Los frescos del siglo XII de la iglesia de St Botolph, en Inglaterra, forman parte del «Grupo Lewes» de pinturas románicas creadas para el Priorato de Lewes.[42]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Hardham_church,_interior.jpg/1280px-Hardham_church,_interior.jpg)
