Howard Winchester Hawks (30 de mayo de 1896 - 26 de diciembre de 1977) fue un director de cine , productor y guionista estadounidense de la era clásica de Hollywood . El crítico Leonard Maltin lo llamó "el más grande director estadounidense que no es un nombre conocido". [2] Roger Ebert llamó a Hawks "uno de los más grandes directores estadounidenses de películas puras, y un héroe de los críticos de autor porque encontró sus propios valores lacónicos en tantos tipos diferentes de material de género". [3] Fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Director por Sargento York (1941) y ganó el Premio de la Academia Honorario en 1974.
Director de cine versátil, Hawks exploró muchos géneros como comedias, dramas, películas de gánsteres, ciencia ficción, cine negro , películas de guerra y westerns. Entre sus películas más populares se encuentran Scarface (1932), Bringing Up Baby (1938), Only Angels Have Wings (1939), His Girl Friday (1940), To Have and Have Not (1944), The Big Sleep (1946), Red River (1948), The Thing from Another World (1951), Gentlemen Prefer Blondes (1953) y Rio Bravo (1959). Sus frecuentes representaciones de personajes femeninos fuertes y de habla dura llegaron a definir a la " mujer hawksiana ".
Howard Winchester Hawks nació en Goshen, Indiana . Fue el primogénito de Frank Winchester Hawks (1865-1950), un rico fabricante de papel, y su esposa, Helen Brown (de soltera Howard; 1872-1952), hija de un rico industrial. La familia de Hawks por parte de su padre eran pioneros estadounidenses, y su antepasado John Hawks había emigrado de Inglaterra a Massachusetts en 1630. La familia finalmente se estableció en Goshen y en la década de 1890 era una de las familias más ricas del Medio Oeste , debido principalmente a la altamente rentable Goshen Milling Company. [4]
El abuelo materno de Hawks, CW Howard (1845-1916), se había establecido en Neenah, Wisconsin , en 1862 a la edad de 17 años. En 15 años había hecho su fortuna en la fábrica de papel de la ciudad y otros emprendimientos industriales. [5] Frank Hawks y Helen Howard se conocieron a principios de la década de 1890 y se casaron en 1895. Howard Hawks era el mayor de cinco hijos, y su nacimiento fue seguido por Kenneth Neil Hawks (12 de agosto de 1898 - 2 de enero de 1930), William Bellinger Hawks (29 de enero de 1901 - 10 de enero de 1969), Grace Louise Hawks (17 de octubre de 1903 - 23 de diciembre de 1927) y Helen Bernice Hawks (1906 - 4 de mayo de 1911). En 1898, la familia regresó a Neenah, donde Frank Hawks comenzó a trabajar para la Howard Paper Company de su suegro. [6]
Entre 1906 y 1909, la familia Hawks comenzó a pasar más tiempo en Pasadena, California , durante los fríos inviernos de Wisconsin para mejorar la mala salud de Helen Hawks. Poco a poco, comenzaron a pasar solo sus veranos en Wisconsin antes de mudarse permanentemente a Pasadena en 1910. [7] La familia se instaló en una casa en la calle del Instituto Politécnico Throop , y los niños Hawks comenzaron a asistir a la Escuela Primaria Politécnica de la escuela en 1907. [8] Hawks era un estudiante promedio y no sobresalía en los deportes, pero en 1910 había descubierto las carreras de montañas rusas , una forma temprana de carreras de cajas de jabón . En 1911, la hermana menor de Hawks, Helen, murió repentinamente por intoxicación alimentaria. [9] De 1910 a 1912, Hawks asistió a la escuela secundaria de Pasadena . En 1912, la familia Hawks se mudó a la cercana Glendora, California , donde Frank Hawks poseía naranjales. Hawks terminó su tercer año de secundaria en Citrus Union High School en Glendora. [10] Durante este tiempo trabajó como piloto de aviadores . [11]
Fue enviado a la Academia Phillips Exeter en New Hampshire de 1913 a 1914; la riqueza de su familia puede haber influido en su aceptación en la escuela privada de élite. A pesar de que tenía 17 años, fue admitido como estudiante de clase media baja, el equivalente a un estudiante de segundo año . Mientras estaba en Nueva Inglaterra , Hawks a menudo asistía a los teatros en la cercana Boston . En 1914, Hawks regresó a Glendora y se graduó de la Escuela Secundaria de Pasadena ese año. [10] Experto en tenis , a los 18 años Hawks ganó el Campeonato de Tenis Juvenil de los Estados Unidos. [12] Ese mismo año, Hawks fue aceptado en la Universidad de Cornell en Ithaca, Nueva York , donde se especializó en ingeniería mecánica y fue miembro de Delta Kappa Epsilon . Su amigo de la universidad Ray S. Ashbury recordó que Hawks pasaba más tiempo jugando a los dados y bebiendo alcohol que estudiando, aunque Hawks también era conocido por ser un lector voraz de novelas populares estadounidenses e inglesas en la universidad. [13]
Mientras trabajaba en la industria cinematográfica durante sus vacaciones de verano de 1916, Hawks hizo un intento fallido de transferirse a la Universidad de Stanford . Regresó a Cornell ese septiembre, y se fue en abril de 1917 para unirse al ejército cuando Estados Unidos entró en la Primera Guerra Mundial . Sirvió como teniente en la Sección de Aviación, Cuerpo de Señales de EE. UU . [14] Durante la Primera Guerra Mundial, enseñó a los aviadores a volar, y estas experiencias influyeron en futuras películas de aviación como The Dawn Patrol (1930). [15] Al igual que muchos estudiantes universitarios que se unieron a las fuerzas armadas durante la guerra, recibió un título en ausencia en 1918. Antes de que Hawks fuera llamado al servicio activo, regresó a Hollywood y, a fines de abril de 1917, estaba trabajando en una película de Cecil B. DeMille .
El interés y la pasión de Howard Hawks por la aviación lo llevaron a muchas experiencias y conocidos importantes. [15] En 1916, Hawks conoció a Victor Fleming , un director de fotografía de Hollywood que había sido mecánico de automóviles y aviador. Hawks había comenzado a competir y trabajar en un auto de carreras Mercer , comprado para él por su abuelo CW Howard, durante sus vacaciones de verano de 1916 en California. Supuestamente conoció a Fleming cuando los dos hombres corrieron en una pista de tierra y causaron un accidente. [16] Esta reunión llevó al primer trabajo de Hawks en la industria cinematográfica , como chico de utilería en la película de Douglas Fairbanks In Again, Out Again (en la que Fleming fue empleado como director de fotografía) para Famous Players–Lasky . [17] Según Hawks, se necesitaba construir un nuevo set rápidamente cuando el diseñador de sets del estudio no estaba disponible, por lo que Hawks se ofreció como voluntario para hacer el trabajo él mismo, para gran satisfacción de Fairbanks. Luego fue empleado como ayudante de utilería y asistente general en una película no especificada dirigida por Cecil B. DeMille . (Hawks nunca nombró la película en entrevistas posteriores, y DeMille hizo aproximadamente cinco películas en ese período de tiempo). A fines de abril de 1917, Hawks estaba trabajando en The Little American de Cecil B. DeMille . [17] Hawks trabajó en The Little Princess de Marshall Neilan , protagonizada por Mary Pickford . Según Hawks, Neilan no se presentó a trabajar un día, por lo que el ingenioso Hawks se ofreció a dirigir una escena él mismo, a lo que Pickford accedió. [18] Hawks comenzó a dirigir a los 21 años después de que él y el director de fotografía Charles Rosher filmaran una secuencia de sueños de doble exposición para Pickford.
Hawks trabajó con Pickford y Neilan nuevamente en Amarilly of Clothes-Line Alley antes de unirse al Servicio Aéreo del Ejército de los Estados Unidos . Los registros militares de Hawks fueron destruidos en el incendio del Archivo Militar de 1973 , por lo que el único relato de su servicio militar es el suyo propio. Según Hawks, pasó 15 semanas en entrenamiento básico en la Universidad de California en Berkeley , donde fue entrenado para ser comandante de escuadrón en el Servicio Aéreo. Cuando Pickford visitó a Hawks en el entrenamiento básico, sus oficiales superiores quedaron tan impresionados por la apariencia de la celebridad que lo promovieron a instructor de vuelo y lo enviaron a Texas para enseñar a los nuevos reclutas. Aburrido de este trabajo, Hawks intentó asegurar una transferencia durante la primera mitad de 1918 y finalmente fue enviado a Fort Monroe, Virginia . El armisticio se firmó en noviembre de ese año y Hawks fue dado de baja como segundo teniente sin haber visto el servicio activo. [19]
Después de la guerra, Hawks estaba ansioso por regresar a Hollywood. Su hermano Kenneth Hawks, que también había servido en el Servicio Aéreo, se graduó en Yale en 1919, y los dos se mudaron juntos a Hollywood para seguir sus carreras. Rápidamente se hicieron amigos de Allan Dwan , un experto en Hollywood . Hawks consiguió su primer trabajo importante cuando utilizó la riqueza de su familia para prestar dinero al director del estudio Jack L. Warner . Warner pagó rápidamente el préstamo y contrató a Hawks como productor para "supervisar" la realización de una nueva serie de comedias de un solo rollo protagonizadas por el comediante italiano Monty Banks . Hawks declaró más tarde que dirigió personalmente "tres o cuatro" de los cortometrajes, aunque no existe documentación que confirme la afirmación. Las películas fueron rentables, pero Hawks pronto se fue para formar su propia compañía de producción utilizando la riqueza y las conexiones de su familia para asegurar la financiación. La compañía de producción, Associated Producers , era una empresa conjunta entre Hawks, Allan Dwan, Marshall Neilan y el director Allen Holubar , con un acuerdo de distribución con First National . La compañía hizo 14 películas entre 1920 y 1923, ocho dirigidas por Neilan, tres por Dwan y tres por Holubar. [20] Más un "club de chicos" que una compañía de producción, los cuatro hombres se distanciaron gradualmente y tomaron caminos separados en 1923, momento en el que Hawks había decidido que quería dirigir en lugar de producir. [21]
A principios de 1920, Hawks vivió en casas alquiladas en Hollywood con el grupo de amigos que estaba acumulando. Este grupo ruidoso de hombres en su mayoría machistas y arriesgados incluía a su hermano Kenneth Hawks, Victor Fleming, Jack Conway , Harold Rosson , Richard Rosson , Arthur Rosson y Eddie Sutherland . Durante este tiempo, Hawks conoció a Irving Thalberg , el vicepresidente a cargo de la producción en Metro-Goldwyn-Mayer . Hawks admiraba su inteligencia y su sentido de la historia. [22] Hawks también se hizo amigo de los asaltantes de graneros y aviadores pioneros en el aeropuerto Rogers de Los Ángeles, llegando a conocer a hombres como Moye Stephens .
En 1923, el presidente de Famous Players-Lasky, Jesse Lasky, estaba buscando un nuevo editor de producción en el departamento de historias de su estudio, y Thalberg sugirió a Hawks. [23] Hawks aceptó e inmediatamente fue puesto a cargo de más de 40 producciones, incluidas varias adquisiciones literarias de historias de Joseph Conrad , Jack London y Zane Grey . Hawks trabajó en los guiones de todas las películas producidas, pero tuvo su primer crédito oficial de guión en 1924 en Tiger Love . [24] Hawks fue el editor de historia en Famous Players (más tarde Paramount Pictures ) durante casi dos años, ocasionalmente editando películas como Heritage of the Desert . Hawks firmó un nuevo contrato de un año con Famous-Players en el otoño de 1924. Rompió su contrato para convertirse en editor de historia para Thalberg en MGM, después de haber obtenido una promesa de Thalberg de convertirlo en director en un año. En 1925, cuando Thalberg dudó en cumplir su promesa, Hawks rompió su contrato en MGM y se fue. [25]
En octubre de 1925, Sol Wurtzel , superintendente de estudio de William Fox en Fox Film Corporation , invitó a Hawks a unirse a su compañía con la promesa de dejarlo dirigir. Durante los siguientes tres años, Hawks dirigió sus primeras ocho películas (seis mudas, dos " sonoras "). [23] Hawks reelaboró los guiones de la mayoría de las películas que dirigió sin siempre tomar crédito oficial por su trabajo. También trabajó en los guiones de Honesty – The Best Policy en 1926 [26] y Underworld de Joseph von Sternberg en 1927, famosa por ser una de las primeras películas de gánsteres . [27] La primera película de Hawks fue The Road to Glory , que se estrenó en abril de 1926. El guion se basó en una composición de 35 páginas escrita por Hawks, lo que la convirtió en una de las únicas películas en las que Hawks tuvo un amplio crédito de escritura. Hoy, es una de las dos películas perdidas de Hawks . [28]
Inmediatamente después de terminar The Road to Glory , Hawks comenzó a escribir su siguiente película, Fig Leaves , su primera (y, hasta 1935, única) comedia. Recibió críticas positivas, en particular por la dirección artística y los diseños de vestuario. Se estrenó en julio de 1926 y fue el primer éxito de Hawks como director. Aunque desestimó principalmente su trabajo inicial, Hawks elogió esta película en entrevistas posteriores. [29]
Paid to Love es notable en la filmografía de Hawks, porque fue una película altamente estilizada y experimental, al estilo del director alemán FW Murnau . La película de Hawks incluye tomas de seguimiento atípicas, iluminación expresionista y edición cinematográfica estilizada que se inspiró en el cine expresionista alemán . En una entrevista posterior, Hawks comentó: "No es mi tipo de trabajo, al menos lo hice rápidamente. Ya sabes la idea de querer que la cámara haga esas cosas: ahora la cámara es los ojos de alguien". Hawks trabajó en el guion con Seton I. Miller , con quien luego colaboraría en siete películas más. La película está protagonizada por George O'Brien como el introvertido príncipe heredero Michael, William Powell como su hermano despreocupado y Virginia Valli como el interés amoroso de Michael , Dolores. Los personajes interpretados por Valli y O'Brien anticipan a los que se encuentran en películas posteriores de Hawks: una corista sexualmente agresiva, que es un prototipo temprano de la " mujer hawksiana ", y un hombre tímido desinteresado en el sexo, que se encuentra en papeles posteriores interpretados por Cary Grant y Gary Cooper . Paid to Love se completó en septiembre de 1926, pero permaneció inédita hasta julio de 1927. No tuvo éxito financiero. [30] Cradle Snatchers se basó en una obra de teatro de éxito de 1925 de Russell G. Medcraft y Norma Mitchell. La película se rodó a principios de 1927. La película se estrenó en mayo de 1927 y fue un éxito menor. Se creía que estaba perdida hasta que Peter Bogdanovich descubrió una copia en las bóvedas de películas de 20th Century Fox, aunque faltaba parte del carrete tres y todo el carrete cuatro. [31] En marzo de 1927, Hawks firmó un nuevo contrato de un año por tres películas con Fox y fue asignado para dirigir Fazil , basada en la obra L'Insoumise de Pierre Frondaie . Hawks volvió a trabajar con Seton Miller en el guion. Hawks se excedió en el cronograma y el presupuesto de la película, lo que inició una ruptura entre él y Sol Wurtzel que eventualmente llevaría a Hawks a dejar Fox. La película se terminó en agosto de 1927, aunque no se estrenó hasta junio de 1928. [32]
Los estudiosos consideran que A Girl in Every Port es la película muda más importante de Hawks. Es la primera en presentar muchos de los temas y arquetipos que definirían gran parte de su trabajo posterior. Fue su primera "historia de amor entre dos hombres", con dos hombres unidos por su deber, habilidades y carreras, que consideran que su amistad es más importante que sus relaciones con las mujeres. [33] En Francia, Henri Langlois llamó a Hawks "el Gropius del cine" y el novelista y poeta suizo Blaise Cendrars dijo que la película "definitivamente marcó la primera aparición del cine contemporáneo". [34] Hawks se pasó del presupuesto una vez más con esta película, y su relación con Sol Wurtzel se deterioró. Después de una proyección anticipada que recibió críticas positivas, Wurtzel le dijo a Hawks: "Esta es la peor película que Fox ha hecho en años". [35] The Air Circus fue la primera película de Hawks centrada en la aviación , una de sus primeras pasiones. En 1928, Charles Lindbergh era la persona más famosa del mundo y Wings fue una de las películas más populares del año. Queriendo sacar provecho de la locura de la aviación del país, Fox compró inmediatamente la historia original de Hawks para The Air Circus , una variación del tema de la amistad masculina sobre dos jóvenes pilotos. La película se rodó de abril a junio de 1928, pero Fox ordenó 15 minutos adicionales de metraje de diálogo para que la película pudiera competir con las nuevas películas sonoras que se estrenaban. Hawks odiaba el nuevo diálogo escrito por Hugh Herbert y se negó a participar en las nuevas grabaciones. Se estrenó en septiembre de 1928 y fue un éxito moderado y es una de las dos películas de Hawks que se perdieron. [36] Después de ver a Louise Brooks en A Girl in Every Port , GW Pabst la eligió para Pandora's Box (1929). [37]
El último caso de Trent es una adaptación de la novela homónima de EC Bentley de 1913. Hawks consideró que la novela era "una de las mejores historias de detectives de todos los tiempos" y estaba ansioso por convertirla en su primera película sonora. Eligió a Raymond Griffith para el papel principal de Phillip Trent. La garganta de Griffith había sido dañada por gas venenoso durante la Primera Guerra Mundial, y su voz era un susurro ronco, lo que llevó a Hawks a afirmar más tarde: "Pensé que debería ser genial en películas sonoras por esa voz". Sin embargo, después de filmar solo unas pocas escenas, Fox cerró a Hawks y le ordenó que hiciera una película muda, tanto por la voz de Griffith como porque solo poseían los derechos legales para hacer una película muda. La película tenía una banda sonora y efectos de sonido sincronizados, pero no diálogos. Debido al fracaso del negocio de las películas mudas, nunca se estrenó en los EE. UU. y solo se proyectó brevemente en Inglaterra, donde los críticos la odiaron. La película se creyó perdida hasta mediados de la década de 1970 y se proyectó por primera vez en los EE. UU. en una retrospectiva de Hawks en 1974. Hawks estuvo presente en la proyección e intentó que se destruyera la única copia de la película. [38] El contrato de Hawks con Fox finalizó en mayo de 1929 y nunca más firmó un contrato a largo plazo con un estudio importante. Se las arregló para seguir siendo un productor y director independiente durante el resto de su larga carrera. [39]
En 1930, Hollywood estaba convulsionado por la llegada del cine sonoro y las carreras de muchos actores y directores estaban arruinadas. Los estudios de Hollywood reclutaban actores de teatro y directores que creían que eran más adecuados para películas sonoras. Después de trabajar en la industria durante 14 años y dirigir muchas películas con éxito financiero, Hawks se dio cuenta de que tenía que demostrar que era un activo para los estudios una vez más. Dejar la Fox en malos términos no ayudó a su reputación, pero Hawks nunca se echó atrás en las peleas con los jefes de los estudios. Después de varios meses de desempleo, Hawks renovó su carrera con su primera película sonora en 1930. [40]
La primera película totalmente sonora de Hawks fue The Dawn Patrol , basada en una historia original de John Monk Saunders y (extraoficialmente) Hawks. Según se informa, Hawks le pagó a Saunders para que pusiera su nombre en la película, para que Hawks pudiera dirigir la película sin despertar preocupación debido a su falta de experiencia como escritor. [41] Los relatos varían sobre quién tuvo la idea de la película, pero Hawks y Saunders desarrollaron la historia juntos e intentaron venderla a varios estudios antes de que First National aceptara producirla. [42] El rodaje comenzó a fines de febrero de 1930, casi al mismo tiempo que Howard Hughes estaba terminando su épica epopeya de aviación de la Primera Guerra Mundial Hell's Angels , que había estado en producción desde septiembre de 1927. Astutamente, Hawks comenzó a contratar a muchos de los expertos en aviación y camarógrafos que habían sido empleados por Hughes, incluidos Elmer Dyer , Harry Reynolds e Ira Reed. Cuando Hughes se enteró de la película rival, hizo todo lo posible para sabotear The Dawn Patrol . Acosó a Hawks y a otros miembros del personal del estudio, contrató a un espía que fue rápidamente atrapado y finalmente demandó a First National por violación de derechos de autor. Hughes finalmente retiró la demanda a fines de 1930; él y Hawks se habían hecho buenos amigos durante la batalla legal. El rodaje terminó a fines de mayo de 1930 y se estrenó en julio, estableciendo un récord de taquilla en la primera semana en el Winter Garden Theatre de Nueva York. La película se convirtió en uno de los mayores éxitos de 1930. [43] El éxito de esta película le permitió a Hawks ganarse el respeto en el campo de la realización cinematográfica y le permitió pasar el resto de su carrera como director independiente sin la necesidad de firmar contratos a largo plazo con estudios específicos. [44]
Hawks no se llevaba bien con el ejecutivo de Warner Brothers, Hal B. Wallis , y su contrato le permitió ser cedido a otros estudios. Hawks aprovechó la oportunidad para aceptar una oferta de dirección de Harry Cohn en Columbia Pictures . [45] La película se estrenó en enero de 1931 y fue un éxito. La película fue prohibida en Chicago y experimentó censura, que continuaría en su siguiente proyecto cinematográfico. [46] En 1930, Hughes contrató a Hawks para dirigir Scarface , una película de gánsteres basada libremente en la vida del mafioso de Chicago Al Capone . La película se completó en septiembre de 1931, pero la censura del Código Hays impidió que se estrenara como Hawks y Hughes habían planeado originalmente. Los dos hombres lucharon, negociaron e hicieron compromisos con la Oficina Hays durante más de un año, hasta que la película finalmente se estrenó en 1932, después de otras películas de gánsteres fundamentales como The Public Enemy y Little Caesar . Scarface fue la primera película en la que Hawks trabajó con el guionista Ben Hecht , quien se convirtió en un amigo cercano y colaborador durante 20 años. [23] Después de que se completó el rodaje de Scarface , Hawks dejó a Hughes para luchar en las batallas legales y regresó a First National para cumplir con su contrato, esta vez con el productor Darryl F. Zanuck . Para su próxima película, Hawks quería hacer una película sobre su pasión de la infancia: las carreras de autos. Hawks desarrolló el guion de The Crowd Roars con Seton Miller para su octava y última colaboración. Hawks utilizó pilotos de carreras reales en la película, incluido el ganador de las 500 Millas de Indianápolis de 1930, Billy Arnold . [47] La película se estrenó en marzo y se convirtió en un éxito. [48]
Más tarde, en 1932, dirigió Tiger Shark , protagonizada por Edward G. Robinson como un pescador de atún. En estas primeras películas, Hawks estableció el prototípico "Hombre Hawksiano", que el crítico de cine Andrew Sarris describió como "sostenido por un profesionalismo instintivo". [23] Tiger Shark demostró la capacidad de Hawks para incorporar toques de humor en historias dramáticas, tensas e incluso trágicas. [48] En 1933, Hawks firmó un contrato de tres películas en Metro-Goldwyn-Mayer Studios, la primera de las cuales fue Today We Live in 1933. Esta película de la Primera Guerra Mundial se basó en un cuento de William Faulkner . [49] Las siguientes dos películas de Hawks en MGM fueron el drama de boxeo The Prizefighter and the Lady y la película biográfica Viva Villa!. La interferencia del estudio en ambas películas llevó a Hawks a abandonar su contrato con MGM sin completar ninguna de las películas él mismo. [23]
En 1934, Hawks fue a Columbia Pictures para hacer su primera comedia disparatada , Twentieth Century , protagonizada por John Barrymore y la prima lejana de Hawks, Carole Lombard . Se basó en una obra de teatro de Hecht y Charles MacArthur y, junto con It Happened One Night de Frank Capra (estrenada el mismo año), se considera la película definitoria del género de la comedia disparatada. En 1935, Hawks hizo Barbary Coast con Edward G. Robinson y Miriam Hopkins . Hawks colaboró con Hecht y MacArthur en Barbary Coast y, según se informa, los convenció de trabajar en la película prometiéndoles enseñarles un juego de canicas. Se alternaban entre trabajar en el guion y jugar con canicas durante los días laborales. [50] : 94 En 1936, hizo la aventura de aviación Ceiling Zero con James Cagney y Pat O'Brien . También en 1936, Hawks comenzó a filmar Come and Get It , protagonizada por Edward Arnold , Joel McCrea , Frances Farmer y Walter Brennan . Pero fue despedido por Samuel Goldwyn en medio del rodaje, y la película fue completada por William Wyler . [23]
En 1938, Hawks hizo la comedia disparatada Bringing Up Baby para RKO Pictures . Protagonizada por Cary Grant y Katharine Hepburn y adaptada por Dudley Nichols y Hagar Wilde . Andrew Sarris la ha llamado "la más disparatada de las comedias disparatadas" . Grant interpreta a un paleontólogo miope que sufre una humillación tras otra debido a la socialité enamorada interpretada por Hepburn. [23] La dirección artística de Hawks para Bringing Up Baby giró en torno a la química natural cruda entre Grant y Hepburn. Con Grant interpretando al paleontólogo y Hepburn como una heredera, los papeles solo se suman al propósito de la película de desintegrar la línea entre lo real y lo imaginario. [51] Bringing Up Baby fue un fracaso de taquilla cuando se estrenó inicialmente y, posteriormente, RKO despidió a Hawks debido a pérdidas extremas; sin embargo, la película ha sido considerada como una de las obras maestras de Hawks. [52] Hawks siguió con 11 éxitos consecutivos hasta 1951, comenzando con el drama de aviación Only Angels Have Wings , realizado en 1939 para Columbia Pictures y protagonizado por Grant, [53] Jean Arthur , Thomas Mitchell , Rita Hayworth y Richard Barthelmess . [23]
En 1940, Hawks volvió a la comedia disparatada con His Girl Friday , protagonizada por Grant y Rosalind Russell . La película fue una adaptación de la exitosa obra de Broadway The Front Page de Hecht y MacArthur, [23] que ya se había llevado al cine en 1931. [ 54] Sin olvidar la influencia que Jesse Lasky tuvo en su carrera temprana, en 1941, Hawks hizo Sergeant York , protagonizada por Gary Cooper como un granjero pacifista que se convierte en un soldado condecorado de la Primera Guerra Mundial . Hawks dirigió la película y eligió a Cooper como un favor específico a Lasky. [41] Esta fue la película más taquillera de 1941 y ganó dos premios Óscar ( Mejor actor y Mejor montaje ), además de ganarle a Hawks su única nominación a Mejor director . Más tarde ese año, Hawks trabajó nuevamente con Cooper para Ball of Fire , que también protagonizó Barbara Stanwyck . La película fue escrita por Billy Wilder y Charles Brackett y es una versión lúdica de Blancanieves y los siete enanitos . Cooper interpreta a un lingüista intelectual y protegido que está escribiendo una enciclopedia con otros seis científicos, y contrata al astuto Stanwyck para que los ayude con los términos del argot moderno. En 1941, Hawks comenzó a trabajar en la película producida (y luego dirigida) por Howard Hughes The Outlaw , basada en la vida de Billy the Kid y protagonizada por Jane Russell . Hawks completó el rodaje inicial de la película a principios de 1941, pero debido al perfeccionismo y las batallas con el Código de producción de Hollywood , Hughes continuó volviendo a filmar y reeditando la película hasta 1943, cuando finalmente se estrenó con Hawks sin acreditar como director. [23]
Después de hacer la película de la Segunda Guerra Mundial Air Force (1943), protagonizada por John Garfield y escrita por Nichols, Hawks hizo dos películas con Humphrey Bogart y Lauren Bacall . Tener y no tener , hecha en 1944, está protagonizada por Bogart, Bacall y Brennan y está basada en una novela de Ernest Hemingway . Hawks era un amigo cercano de Hemingway e hizo una apuesta con el autor de que podría hacer una buena película del "peor libro" de Hemingway. Hawks, William Faulkner y Jules Furthman colaboraron en el guion, sobre un capitán de barco pesquero estadounidense que trabaja en Martinica después de la Caída de Francia en 1940. Bogart y Bacall se enamoraron en el set de la película y se casaron poco después. Se ha dicho que la mayor fortaleza de la película proviene de su atmósfera y el uso del ingenio que realmente juega con las fortalezas de Bacall y ayuda a la película a solidificar el tema de la belleza en perpetua oposición. [55] Tener y no tener es la única película con contribuciones de dos premios Nobel, Hemingway y Faulkner. [56] Hawks se reunió con Bogart y Bacall en 1945 y 1946 con El sueño eterno , basada en la novela de detectives de Philip Marlowe de Raymond Chandler . [23] Una versión temprana de 1945 fue sustancialmente recortada para incluir el estreno final en Estados Unidos de 1946 con escenas adicionales que enfatizaban la química especial de réplicas entre Bogart y Bacall. El guion de la película también volvió a reunir a Faulkner y Furthman, además de Leigh Brackett . Chandler, que había sido nominado a un Oscar como coautor del guion de Perdición de 1944 , no fue invitado a ayudar a adaptar su novela más vendida. La trama es notoriamente complicada; Hawks recordó que "nunca entendí qué estaba pasando, pero pensé que lo básico tenía escenas geniales y era un buen entretenimiento. Después de eso dije: 'Nunca más me preocuparé por ser lógico'". [57]
En 1948, Hawks hizo Red River , un western épico que recordaba a Mutiny on the Bounty protagonizado por John Wayne y Montgomery Clift en su primera película. Más tarde ese año, Hawks rehizo su Ball of Fire como A Song Is Born , esta vez protagonizada por Danny Kaye y Virginia Mayo . Esta versión sigue la misma trama pero presta más atención a la música jazz popular e incluye leyendas del jazz como Tommy Dorsey , Benny Goodman , Louis Armstrong , Lionel Hampton y Benny Carter interpretándose a sí mismos. En 1949, Hawks volvió a formar equipo con Grant en la comedia disparatada I Was a Male War Bride , también protagonizada por Ann Sheridan . [23]
.jpg/1280px-The_Thing_From_Another_World_(1951_poster).jpg)
En 1951, Hawks produjo, y según algunos, dirigió, una película de ciencia ficción, The Thing from Another World . El director John Carpenter declaró: "Y dejemos las cosas claras. La película fue dirigida por Howard Hawks. Verificablemente dirigida por Howard Hawks. Dejó que su editor, Christian Nyby , se llevara el crédito. Pero el tipo de sentimiento entre los personajes masculinos, la camaradería, el grupo de hombres que tiene que luchar contra el mal, es todo puramente hawksiano". [58] [59] A esto le siguió el western de 1952 The Big Sky , protagonizado por Kirk Douglas . Más tarde, en 1952, Hawks trabajó con Grant por quinta y última vez en la comedia disparatada Monkey Business , que también protagonizó Marilyn Monroe y Ginger Rogers . Grant interpreta a un científico (que recuerda a su personaje en Bringing up Baby ) que crea una fórmula que aumenta su vitalidad. El crítico de cine John Belton calificó la película como la "comedia más orgánica" de Hawks. [23] La tercera película de Hawks de 1952 fue una contribución a la película ómnibus Full House de O. Henry , que incluye cuentos del escritor O. Henry hechos por varios directores. [60] El cortometraje de Hawks The Ransom of Red Chief fue protagonizado por Fred Allen , Oscar Levant y Jeanne Crain . [61]
En 1953, Hawks hizo Los caballeros las prefieren rubias , en la que Marilyn Monroe cantaba " Los diamantes son los mejores amigos de una chica ". La película estaba protagonizada por Monroe y Jane Russell como dos mejores amigas que actuaban en un cabaret; muchos críticos sostienen que la película es la única versión femenina del género de "película de amigos". Al coreógrafo Jack Cole se le atribuye generalmente la puesta en escena de los números musicales, mientras que a Hawks se le atribuye la dirección de las escenas no musicales. En 1955, Hawks hizo La tierra de los faraones , una épica de espadas y sandalias sobre el antiguo Egipto protagonizada por Jack Hawkins y Joan Collins . La película fue la última colaboración de Hawks con su viejo amigo William Faulkner. En 1959, Hawks trabajó con John Wayne en Río Bravo , también protagonizada por Dean Martin , Ricky Nelson y Walter Brennan como cuatro agentes de la ley "que defienden el fuerte" de su cárcel local en la que un criminal local espera un juicio mientras su familia intenta liberarlo. El guion fue escrito por Furthman y Leigh Brackett, quienes habían colaborado previamente con Hawks en El sueño eterno . El crítico de cine Robin Wood ha dicho que si "le pidieran que eligiera una película que justificara la existencia de Hollywood... sería Río Bravo ". [23]
En 1962, Hawks hizo Hatari!, de nuevo con Wayne, que interpreta a un cazador de animales salvajes en África. También fue escrita por Leigh Brackett. El conocimiento de Hawks sobre mecánica le permitió construir el híbrido cámara-automóvil que le permitió filmar las escenas de caza en la película. [62] En 1964, Hawks hizo su última comedia, Man's Favorite Sport?, protagonizada por Rock Hudson (ya que Cary Grant sintió que era demasiado mayor para el papel) y Paula Prentiss . Hawks luego regresó a su pasión infantil por las carreras de autos con Red Line 7000 en 1965, con un joven James Caan en su primer papel protagonista. Las dos últimas películas de Hawks fueron remakes occidentales de Río Bravo protagonizada por John Wayne y escrita por Leigh Brackett. En 1966, Hawks dirigió El Dorado , protagonizada por Wayne, Robert Mitchum y Caan, que se estrenó al año siguiente. Luego hizo Río Lobo , con Wayne en 1970. [23] Después de Río Lobo , Hawks planeó un proyecto relacionado con Ernest Hemingway y "Ahora, Sr. Gus", una comedia sobre dos amigos varones que buscan petróleo y dinero. Murió en diciembre de 1977, antes de que estos proyectos se completaran. [63]
Howard Hawks se casó tres veces: con la actriz Athole Shearer , hermana de Norma Shearer , de 1928 a 1940; con la socialité e icono de la moda Slim Keith de 1941 a 1949; y con la actriz Dee Hartford de 1953 a 1959. Hawks tuvo dos hijos con Shearer, Barbara y David. David Hawks trabajó como asistente de dirección para la serie de televisión M*A*S*H . Su segunda hija, Kitty Hawks , fue fruto de su segundo matrimonio con "Slim" Keith. Hawks tuvo un hijo con su última esposa, Dee Hartford, que se llamó Gregg en honor al director de fotografía Gregg Toland . [64]
Además de su amor por las máquinas voladoras, Hawks también tenía pasión por los coches y las motocicletas. Construyó el coche de carreras que ganó las 500 Millas de Indianápolis de 1936, [65] y disfrutaba de conducir motocicletas con Barbara Stanwyck y Gary Cooper . Hawks y su hijo Gregg eran miembros del Checkers Motorcycle Club. [66] [67] Hawks continuó conduciendo hasta los 78 años. [62] Sus otras aficiones incluían el golf, el tenis, la navegación a vela, las carreras de caballos, la carpintería y la platería. [68]
Hawks también era conocido por mantener estrechas amistades con muchos escritores estadounidenses como Ben Hecht, Ernest Hemingway y William Faulkner. Hawks se atribuyó el descubrimiento de William Faulkner y la introducción del entonces desconocido escritor a la Mesa Redonda Algonquina . [69] Hawks y Faulkner tenían intereses mutuos en volar y beber, y Faulkner admiraba las películas de Hawks, pidiéndole a Hawks que le enseñara a escribir guiones. Faulkner escribió cinco guiones para Hawks, el primero fue Today We Live y el último fue Land of the Pharaohs . [70] Con un interés mutuo en la pesca y el esquí, Hawks también era cercano a Ernest Hemingway y casi fue nombrado director de la adaptación cinematográfica de Por quién doblan las campanas . A Hawks le resultó difícil perdonar a Hemingway por su suicidio. Después de aceptarlo en la década de 1970, comenzó a planificar un proyecto cinematográfico sobre Hemingway y su relación con Robert Capa . Nunca filmó el proyecto. [71]
Hawks apoyó a Thomas Dewey en las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 1944. [ 72]
A mediados de la década de 1970, la salud de Hawks comenzó a decaer, aunque siguió activo. Además de estar en las primeras etapas de la enfermedad de Parkinson en los años previos a su muerte, una lesión sufrida en el set de Río Lobo dañó gravemente una de sus piernas. [73]
Hawks murió el 26 de diciembre de 1977, a la edad de 81 años, por complicaciones derivadas de una caída al tropezar con su perro en su casa de Palm Springs, California . Había pasado dos semanas en el hospital recuperándose de su conmoción cerebral cuando pidió que lo llevaran a casa, muriendo unos días después. [74] Su muerte se atribuyó directamente a una "enfermedad vascular arterioesclerótica con accidente cerebrovascular". [75] En ese momento estaba trabajando con su último descubrimiento protegido, Larraine Zax. [76]
Hawks fue un director versátil cuya carrera incluye comedias, dramas, películas de gánsteres, ciencia ficción, cine negro y westerns. La propia definición funcional de Hawks de lo que constituye una buena película es característica de su estilo sensato: "tres buenas escenas y ninguna mala". [77] Hawks también definió a un buen director como "alguien que no te molesta". [78] En las propias palabras de Hawks, su estilo de dirección se basa en ser agradable y directo. [79] Su estilo estaba muy centrado en el actor y se esforzaba por tomar la menor cantidad de tomas posibles, preservando así un humor inherente y natural para sus piezas cómicas. [80]
Aunque Hawks no simpatizaba con el feminismo , popularizó el arquetipo de la mujer hawksiana , una representación de las mujeres en roles más fuertes y menos afeminados. [81] Tal énfasis nunca se había hecho en la década de 1920 y, por lo tanto, se consideró una rareza y, según Naomi Wise, se ha citado como un prototipo del movimiento posfeminista . [82] Otro tema notable que se desarrolló a lo largo de su obra incluía la relación entre la moralidad y la interacción humana. En este sentido, tendía a retratar elementos más dramáticos de un concepto o una trama de una manera humorística. [79]
Orson Welles , en una conversación con Peter Bogdanovich , comparó a Hawks con John Ford : "Hawks es una gran prosa; Ford es poesía". [83] A pesar del trabajo de Hawks en una variedad de géneros de Hollywood, aún conservaba una sensibilidad independiente. El crítico de cine David Thomson escribió sobre Hawks: "Lejos de ser el dócil proveedor de las formas de Hollywood, siempre eligió darles la vuelta. Tener y no tener y El sueño eterno , aparentemente una aventura y un thriller, son en realidad historias de amor. Río Bravo , aparentemente un western (todos llevan un sombrero de vaquero) es una comedia que da que hablar. Las comedias ostensiblemente están atravesadas por emociones expuestas, con las visiones más sutiles de la guerra sexual y con un reconocimiento irónico de la incompatibilidad entre hombres y mujeres". [37] David Boxwell sostiene que el trabajo del cineasta "ha sido acusado de un escapismo histórico y adolescente, pero los fanáticos de Hawks se regocijan en la notable manera en que su obra evita la religiosidad, el patetismo, el ondear de banderas y el sentimentalismo de Hollywood". [84]
Además de su carrera como director de cine, Howard Hawks escribió o supervisó la escritura de la mayoría de sus películas. En algunos casos, reescribía partes del guion en el set. Debido a la regla del Screen Writer's Guild de que el director y el productor no podían recibir crédito por escribir, Hawks rara vez lo recibía. A pesar de que Sidney Howard recibió crédito por escribir Lo que el viento se llevó (1939), el guion en realidad fue escrito por una gran cantidad de guionistas de Hollywood, incluidos David O. Selznick , Ben Hecht y Howard Hawks. Hawks fue un colaborador no acreditado de muchos otros guiones como Underworld (1927), Morocco (1930), Shanghai Express (1932) y Gunga Din (1939). Hawks también produjo muchas de sus propias películas, prefiriendo no trabajar para los grandes estudios cinematográficos, porque le permitía libertad creativa en su escritura, dirección y casting. Hawks a veces abandonaba películas que no estaba produciendo él mismo. Sin embargo, Hawks nunca consideró que la producción fuera anterior a la dirección. Por ejemplo, en varias de las fichas de sus películas aparece la palabra "Dirigida y producida por Howard Hawks" con la palabra "producida" debajo de "dirigida" en una fuente mucho más pequeña. A veces, sus películas no daban crédito a ningún productor. Hawks descubrió a muchas estrellas de cine conocidas, como Paul Muni, George Raft, Ann Dvorak, Carole Lombard, Frances Farmer, Jane Russell, Montgomery Clift, Joanne Dru, Angie Dickinson, James Caan y, la más famosa, Lauren Bacall. [85]
En 1974, se le concedió un Premio Honorario de la Academia como "un gigante del cine estadounidense cuyas películas, tomadas en su conjunto, representan uno de los cuerpos de trabajo más consistentes, vívidos y variados del cine mundial". [86] Peter Bogdanovich sugirió al Museo de Arte Moderno que hiciera una retrospectiva sobre Howard Hawks, quien estaba en proceso de estrenar Hatari! Con fines de marketing, Paramount pagó parte de la exposición, que se realizó en 1962. La exposición viajó a París y Londres. Para el evento, Bogdanovich preparó una monografía . Como resultado de la retrospectiva, se publicó una edición especial de Cahiers du Cinéma y Hawks apareció en su propio número de la revista Movie . [87]
En 1996, Howard Hawks fue votado como el número 4 en la lista de los 50 mejores directores de Entertainment Weekly . [88] En 2007, la revista Total Film clasificó a Hawks como el número 4 en su lista de los "100 mejores directores de cine de todos los tiempos". [89] Bringing Up Baby (1938) fue incluida en el puesto número 97 de la lista AFI's 100 Years...100 Movies del American Film Institute . [90] En la lista AFI's AFI's 100 Years...100 Laughs Bringing Up Baby fue catalogada en el puesto número 14, His Girl Friday (1940) fue catalogada en el puesto número 19 y Ball of Fire (1941) fue catalogada en el puesto número 92. [91] En las encuestas Sight & Sound de 2012 de las mejores películas jamás realizadas, seis películas dirigidas por Hawks estuvieron entre las 250 mejores películas de los críticos: Rio Bravo (número 63), Bringing Up Baby (número 110), Only Angels Have Wings (número 154), His Girl Friday (número 171), The Big Sleep (número 202) y Red River (número 235). [92] Seis de sus películas tienen actualmente una calificación del 100% en Rotten Tomatoes. [93] Sus películas Ball of Fire , The Big Sleep , Bringing Up Baby , His Girl Friday , Only Angels Have Wings , Red River , Rio Bravo , Scarface , Sergeant York , The Thing from Another World y Twentieth Century fueron consideradas "cultural, histórica o estéticamente significativas" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos e incluidas en el Registro Nacional de Cine . [94] Con once películas, empata con John Ford por dirigir la mayor cantidad de películas que están en el registro.
En el ámbito cinematográfico, recibió tres nominaciones al mejor director cinematográfico del Sindicato de Directores de Estados Unidos por Río Rojo en 1949, The Big Sky en 1953 y Río Bravo en 1960. [95] [96] [97] Fue incluido en el Salón de la Fama de la Asociación de Cine y Televisión Online por su dirección en 2005. [98] Por su contribución a la industria cinematográfica, Howard Hawks tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 1708 de Vine Street. [99] Fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Director en 1942 por El sargento York , [100] pero recibió su único Oscar en 1974 como premio honorífico de la academia. Fue citado como "un cineasta maestro cuyos esfuerzos creativos ocupan un lugar distinguido en el cine mundial". [101] [102]
En la década de 1950, Eugene Archer, un aficionado al cine, planeaba escribir un libro sobre directores de cine estadounidenses importantes como John Ford. Sin embargo, después de leer Cahiers du Cinéma , Archer se enteró de que la escena cinematográfica francesa estaba más interesada en Alfred Hitchcock y Howard Hawks. No se escribieron libros sobre Hawks hasta la década de 1960, y una biografía completa sobre Hawks no se publicó hasta 1997, veinte años después de su muerte. [103] El crítico de cine Andrew Sarris citó a Howard Hawks como "el director de Hollywood menos conocido y menos apreciado de cualquier estatura". [104] Según el profesor de estudios cinematográficos Ian Brookes, Hawks no es tan conocido como otros directores, debido a su falta de asociación con un género en particular, como Ford con los westerns y Hitchcock con los thrillers. Hawks trabajó en muchos géneros, incluidos el gánster, el cine negro, la comedia musical, la comedia romántica, la comedia disparatada, el western, la aviación y el combate. Además, Hawks prefirió no asociarse con los principales estudios durante la producción de su película. Trabajó para todos los estudios principales al menos una vez con un contrato de corta duración, pero muchas de sus películas fueron producidas bajo su propio nombre. [103] La simplicidad de sus narraciones e historias también puede haber contribuido a su escaso reconocimiento. [103] Comercialmente, sus películas tuvieron éxito, pero recibió poca aclamación de la crítica a excepción de una nominación al Oscar al Mejor Director por El Sargento York (perdió ante John Ford por ¡Qué verde era mi valle !) y un Oscar Honorario que se le otorgó dos años antes de su muerte. [105]
Algunos críticos limitan a Hawks por sus películas de acción, describiéndolo como un director que produjo películas con un "sesgo masculino", sin embargo, las escenas de acción en las películas de Hawks a menudo se dejaban a directores de segunda unidad, y Hawks en realidad prefería trabajar en interiores. [105] El estilo de Howard Hawks es difícil de interpretar porque no hay una relación reconocible entre su estilo visual y narrativo como en las películas de sus directores contemporáneos. Debido a que su estilo de cámara se derivaba más de su método de trabajo que de la realización anecdótica o visual, su trabajo de cámara es discreto, lo que hace que sus películas parezcan tener poco o ningún estilo cinematográfico. [105] El estilo de Hawks puede, más bien, caracterizarse como improvisado y colaborativo. [106] El estilo de dirección de Hawks y el uso de diálogos naturales y conversacionales en sus películas se citan como influencias importantes en muchos cineastas destacados, incluidos Robert Altman [107] John Carpenter , [108] y Quentin Tarantino . [109] Su trabajo también es admirado por Peter Bogdanovich , Martin Scorsese , François Truffaut , Michael Mann , [110] y Jacques Rivette . [111] Andrew Sarris en su influyente libro de crítica cinematográfica The American Cinema: Directors and Directions 1929–1968 incluyó a Hawks en el "panteón" de los 14 directores de cine más grandes que habían trabajado en los Estados Unidos. [112] Brian De Palma dedicó su versión de Scarface a Hawks y Ben Hecht . [113] Altman fue influenciado por el diálogo de ritmo rápido de His Girl Friday en MASH y producciones posteriores. [114] [115] Hawks fue apodado "El zorro gris" por los miembros de la comunidad de Hollywood, gracias a su cabello prematuramente gris. [116]
Algunos críticos de cine han considerado a Hawks como un autor tanto por su estilo reconocible y el uso frecuente de elementos temáticos específicos, como por su atención a todos los aspectos de sus películas, no solo a la dirección. [117] Hawks fue venerado por los críticos franceses asociados con Cahiers du cinéma , quienes intelectualizaron su trabajo de una manera que el propio Hawks encontró moderadamente divertida (su trabajo fue promocionado en Francia por el cine The Studio des Ursulines ). Aunque al principio no fue tomado en serio por los críticos británicos del círculo Sight & Sound , otros escritores británicos independientes, como Robin Wood , admiraron sus películas. Wood nombró a Río Bravo de Hawks como su mejor película de todos los tiempos. [118]
Su trabajo ha influido en varios directores populares y respetados como Martin Scorsese , Robert Altman , John Carpenter , Rainer Werner Fassbinder , Quentin Tarantino y Michael Mann . Entertainment Weekly colocó a Hawks en cuarto lugar en su lista de los mejores directores, escribiendo: "Sus características son más temáticas que visuales: hombres que se adhieren a un código discreto de masculinidad; mujeres a las que les gusta tirar de la alfombra bajo los pies de esos hombres; una desconfianza hacia la pomposidad; un amor por el ingenio astuto y burlón. Sin embargo, existe la facilidad del cineasta completo en sus westerns, dramas, musicales, películas de detectives y comedias sumamente seguras. No es de extrañar que los franceses adoraran al tipo: su profundidad informal era la mejor publicidad del estudio para sí mismo". [119] Jean-Luc Godard lo llamó "el más grande de todos los artistas estadounidenses". [110] [120]
