La industria cinematográfica o industria cinematográfica comprende las instituciones tecnológicas y comerciales de la realización cinematográfica , es decir, las compañías productoras de cine , los estudios cinematográficos , la cinematografía , la animación , la producción cinematográfica , la escritura de guiones , la preproducción , la postproducción , los festivales de cine , la distribución y los actores. Aunque los gastos involucrados en la realización de películas llevaron casi inmediatamente a que la producción cinematográfica se concentrara bajo los auspicios de compañías productoras permanentes, los avances en equipos cinematográficos asequibles, así como una expansión de las oportunidades para adquirir capital de inversión fuera de la propia industria cinematográfica, han permitido que el cine independiente la producción evolucione.
En 2019, la taquilla mundial ascendió a 42.200 millones de dólares . [1] Si se incluyen los ingresos de taquilla y entretenimiento en el hogar , la industria cinematográfica mundial tuvo un valor de 136 mil millones de dólares en 2018. [2] Hollywood es la industria cinematográfica nacional más antigua del mundo y la mayor en términos de ingresos brutos de taquilla. El cine indio es la industria cinematográfica nacional más grande en términos de número de películas producidas, con 2.446 largometrajes producidos anualmente en 2019 [actualizar]. [3]
El mercado teatral mundial tuvo una taquilla de 42.2 mil millones de dólares en 2019. Los tres principales continentes/regiones por taquilla bruta fueron Asia-Pacífico con 17.8 mil millones de dólares , Estados Unidos y Canadá con 11.4 mil millones de dólares , y Europa, Medio Oriente y África del Norte con 10.300 millones de dólares . A partir de 2019 [actualizar], los mercados más grandes por taquilla fueron, en orden decreciente, Estados Unidos, China , Japón , Corea del Sur , Reino Unido , Francia e India . [4] A partir de 2019 [actualizar], los países con mayor número de producciones cinematográficas fueron India , Nigeria y Estados Unidos. [5] En Europa, los centros importantes de producción cinematográfica son Italia, Francia, Alemania, España y el Reino Unido. [6]
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El cine de los Estados Unidos , a menudo denominado Hollywood, ha tenido un profundo efecto en el cine de todo el mundo desde principios del siglo XX. El cine estadounidense (Hollywood) es la industria cinematográfica más antigua del mundo y también la mayor en términos de ingresos. Hollywood es el nexo principal de la industria cinematográfica estadounidense con instalaciones de estudio cinematográfico establecidas, como el American Film Institute , LA Film School y NYFA, que se están estableciendo en el área. [7] Sin embargo, cuatro de los seis principales estudios cinematográficos son propiedad de empresas de la costa este . Los principales estudios cinematográficos de Hollywood, incluidos Metro-Goldwyn-Mayer , 20th Century Fox y Paramount Pictures , son la fuente principal de las películas de mayor éxito comercial del mundo , [8] [9] como The Sound of Music (1965), Star Wars (1977), Titanic (1997) y Avatar (2009).
Hoy en día, los estudios cinematográficos estadounidenses generan colectivamente varios cientos de películas cada año, lo que convierte a Estados Unidos en uno de los productores de películas más prolíficos del mundo. Sólo The Walt Disney Company , propietaria de los estudios Walt Disney , tiene su sede exclusiva en el sur de California . [10] Y aunque Sony Pictures Entertainment tiene su sede en Culver City, California, su empresa matriz, Sony Corporation , tiene su sede en Tokio , Japón. La mayoría de los disparos ahora [ ¿ cuándo? ] tiene lugar en California , Nueva York , Luisiana , Georgia y Carolina del Norte . Nuevo México , especialmente en las áreas de Albuquerque y Santa Fe, había sido un estado cada vez más popular para filmar; Allí se ambientó Breaking Bad , la serie de televisión, y allí se rodaron películas como No es país para viejos y Rust . [ cita necesaria ] Entre 2009 y 2015, Hollywood recaudó constantemente $ 10 mil millones (o más) al año. [11] La ceremonia de premiación de Hollywood, los Premios de la Academia , oficialmente conocidos como Los Oscar, la lleva a cabo la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) cada año y, hasta 2019, se han otorgado más de 3.000 premios Oscar. [12]
El 27 de octubre de 1911, Nestor Film Company estableció el primer estudio cinematográfico permanente de Hollywood. El clima de California permitió filmar durante todo el año. En 1912, se formó Universal Studios , fusionando a Nestor y varias otras compañías cinematográficas, incluida Independent Moving Pictures (IMP).
Francia es la cuna del cine y fue responsable de muchas de sus importantes contribuciones a la forma de arte y al proceso de realización cinematográfica en sí. [13] Varios movimientos cinematográficos importantes, incluida la Nouvelle Vague , comenzaron en el país. Se destaca por tener una industria cinematográfica particularmente fuerte, debido en parte a las protecciones otorgadas por el gobierno francés . [13]
El cine francés se entrelaza a veces con el cine de naciones extranjeras. Directores de países como Polonia ( Roman Polanski , Krzysztof Kieślowski y Andrzej Żuławski ), Argentina ( Gaspar Noé y Edgardo Cozarinsky ), Rusia ( Alexandre Alexeieff , Anatole Litvak ), Austria ( Michael Haneke ) y Georgia ( Géla Babluani , Otar Iosseliani) . ) ocupan un lugar destacado en las filas del cine francés. Por el contrario, algunos directores franceses han hecho carrera en otros países, como Luc Besson , Jacques Tourneur o Francis Veber en Estados Unidos .
Otro elemento que respalda este hecho es que París tiene la mayor densidad de cines del mundo, medida por el número de salas de cine por habitante, [14] y que en la mayoría de las salas de cine del "centro de París" se proyectan películas extranjeras que estarían recluidas " Los cines de autor de otros lugares se proyectan junto con obras "convencionales". Philippe Binant realizó, el 2 de febrero de 2000, la primera proyección de cine digital en Europa, con la tecnología DLP CINEMA desarrollada por Texas Instruments , en París. [15] París también cuenta con la Cité du cinéma, un importante estudio al norte de la ciudad, y Disney Studio, un parque temático dedicado al cine y el tercer parque temático cerca de la ciudad detrás de Disneyland y Parc Asterix. [dieciséis]
En 2015, se produjeron en Francia la cifra récord de 300 largometrajes. [17] Las películas estadounidenses y británicas solo representaron el 44,9% de las entradas totales en 2014. Esto se debe en gran medida a la fortaleza comercial de las producciones nacionales, que representaron el 44,5% de las entradas en 2014 (35,5% en 2015; 35,3% en 2016). ). [18] A mediados de la década de 2000, se describió a la industria cinematográfica francesa como "más cerca de ser completamente autosuficiente que cualquier otro país de Europa, recuperando entre el 80 y el 90% de su presupuesto en ingresos generados en el mercado interno". [19] En 2018, el cine francés recaudó 237 millones de euros en taquilla internacional y 40 millones de espectadores (un 52 % menos que en 2017), siendo Italia el primer mercado extranjero. [20]
El cine de China es uno de los tres hilos históricos distintos del cine en lengua china junto con el cine de Hong Kong y el cine de Taiwán . El cine se introdujo en China en 1896 y la primera película china, Montaña Dingjun , se realizó en 1905, centrándose la industria cinematográfica en Shanghai durante las primeras décadas. China es el hogar de uno de los estudios cinematográficos más grandes del mundo, los Hengdian World Studios , y en 2010 tenía la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos anualmente. Durante la siguiente década, las compañías de producción fueron principalmente de propiedad extranjera y la industria cinematográfica nacional se centró en Shanghai, un próspero centro comercial y la ciudad más grande del Lejano Oriente . En 1913, Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan filmaron en Shanghai el primer guión chino independiente , La pareja difícil . [21]
A medida que la Sexta Generación [ se necesita aclaración ] ganó exposición internacional, muchas películas posteriores fueron empresas conjuntas y proyectos con patrocinadores internacionales, pero se mantuvieron decididamente discretas y de bajo presupuesto [ cita requerida ] . Platform de Jia (2000) fue financiada en parte por la productora de Takeshi Kitano , [22] mientras que Still Life fue filmada en video HD. Still Life fue una incorporación sorpresa y ganadora del León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia de 2006. Still Life , que trata sobre los trabajadores provinciales de la región de las Tres Gargantas , contrasta marcadamente con los trabajos de directores chinos de quinta generación como Zhang Yimou y Chen Kaige , que en ese momento estaban produciendo House of Flying Daggers (2004) y The Promise (2005). No contó con ninguna estrella de renombre internacional y fue interpretada principalmente por no profesionales. En 2012, el país se convirtió en el segundo mercado más grande del mundo por ingresos de taquilla. En 2014, la taquilla bruta en China fue de 29.600 millones de yenes ( 4.820 millones de dólares ), y las películas nacionales representaron el 55%. [23] China también se ha convertido en un importante centro de negocios para los estudios de Hollywood. [24] [25]
En 2018, la taquilla bruta de China fue de 8.900 millones de dólares [26] En 2013, la taquilla bruta de China fue de 21.800 millones de yenes (3.600 millones de dólares), el segundo mercado cinematográfico más grande del mundo por ingresos de taquilla [27] Aumentó a 4.800 millones de dólares en taquilla en 2014 en la industria cinematográfica. [28] Debido a la pandemia de COVID-19 , en 2020 China superó a América del Norte como mayor taquilla del mundo, siendo el primer país en alcanzar este estatus. [29] China mantuvo este estatus en 2021. Sin embargo, en 2022, América del Norte volvió a superar a China como el mayor mercado de taquilla mundial. [30]
India es el mayor productor de películas del mundo y la segunda industria cinematográfica más antigua del mundo. [31] El país alberga algunas de las ciudades más importantes de la industria cinematográfica mundial, Mumbai (anteriormente Bombay) y Chennai (Madrás). En 2009, la India produjo un total de 2.961 películas en celuloide; esta cifra incluye 1.288 largometrajes. [32] Además de ser el mayor productor de películas del mundo, la India también tiene el mayor número de entradas. [33] La industria cinematográfica india es multilingüe y la más grande del mundo en términos de venta de entradas, pero la tercera más grande en términos de ingresos, principalmente debido a que tiene uno de los precios de entradas más bajos del mundo. [34] La industria es vista principalmente por un vasto público indio que va al cine. [ cita necesaria ] La industria cinematográfica india es también la fuente dominante de películas y entretenimiento en sus países vecinos del sur de Asia . Las tres industrias cinematográficas más importantes de la India son el cine hindi , el cine telugu y el cine tamil . La industria cinematográfica hindi se concentra principalmente en Mumbai (Bombay), y comúnmente se la conoce como Bollywood , un acrónimo de Bombay y Hollywood. El cine telugu se concentra principalmente en Hyderabad y comúnmente se lo conoce como Tollywood . La industria cinematográfica tamil, es decir, Kollywood , se concentra principalmente en Chennai .
Además de las películas comerciales convencionales, la India también ofrece un enfoque diferente del cine: el cine paralelo . El movimiento del cine paralelo se originó en Bengala Occidental alrededor de la década de 1950. El movimiento fue liderado inicialmente por el cine bengalí . Más tarde ganó prominencia en otras industrias cinematográficas de la India. Cine paralelo es un término general designado a cierto tipo de películas que se alejan de las convenciones del cine popular. El cine paralelo ha asumido diversas formas a lo largo de los años. Los cineastas asociados con el cine paralelo son Satyajit Ray , Mrinal Sen y Ritwik Ghatak . Las películas paralelas se caracterizan por su rechazo a formas populares como las canciones y las secuencias de lucha, su afinidad por los escenarios rurales, el uso de actores metodológicos y paletas de colores atenuadas. Los mejores ejemplos de cine paralelo son las películas más famosas de Ray – Pather Panchali (1955), Aparajito (1956) y El mundo de Apu (1959) – que formaron La trilogía de Apu . Algunos otros ejemplos de este tipo de películas son Raincoat , Dhobi Ghat , Mithya .
Las películas indias han ganado popularidad no solo en el mercado nacional sino también en los mercados internacionales: Dangal tiene unos ingresos brutos en el extranjero de 260 millones de dólares, Secret Superstar y Bajrangi Bhaijaan con unos ingresos brutos de 80,4 millones de dólares, y Baahubali: The Beginning y Baahubali 2. : The Conclusion , una exitosa duología del cine telugu que recaudó más de 370 millones de dólares a nivel mundial. [35] En la India, tienen más de 400 casas de producción con 32 casas corporativas; también apoya el sustento de más de 60 personas lakh. [36]
Las otras industrias cinematográficas más importantes son el cine malayalam , el cine kannada , el cine bengalí ( cine de Bengala Occidental ) y el cine marathi , ubicados principalmente en Kochi , Bengaluru , Calcuta y Mumbai , respectivamente. La porción mayoritaria restante se extiende por el norte, oeste, este y sur de la India (con cine gujarati , punjabi , odia , bhojpuri y asamés ). Sin embargo, existen varios centros más pequeños de industrias cinematográficas indias en idiomas regionales centrados en los estados donde se hablan esos idiomas. El cine indio incluye varias formas de arte como la música clásica india, la música folclórica de diferentes regiones del país, la danza clásica india, la danza folclórica y mucho más. Bollywood, Kollywood y Tollywood forman la mayor parte de la industria cinematográfica india y se ven en todo el subcontinente indio , y cada vez más [ ¿cuándo? ] popular en el Reino Unido, Estados Unidos, Australia, Nueva Zelanda, el sudeste asiático , África , los países del Golfo , los países europeos , el este de Asia y China. El complejo de estudios cinematográficos más grande del mundo es Ramoji Film City, ubicado en Hyderabad , India, que se inauguró en 1996 y mide 674 ha (1666 acres). Consta de 47 escenarios de sonido y cuenta con decorados permanentes que van desde estaciones de tren hasta templos. [37]
En 1986, la producción cinematográfica anual de la India había aumentado de 741 películas producidas anualmente a 833 películas al año, convirtiendo a la India en el mayor productor cinematográfico del mundo. [38] A partir de 2014 [actualizar], Bollywood representa el 45% de los ingresos netos de taquilla de la India, mientras que los cines tamil y telugu juntos representan el 36%, y el resto de las industrias cinematográficas regionales constituyen el 21% del cine indio. [39] Para 2021, el cine telugu (Tollywood) ha superado tanto al cine hindi (Bollywood) como al cine tamil (Kollywood), emergiendo como la industria cinematográfica más grande de la India en términos de taquilla. En 2023, Bollywood volvió a emerger como la industria cinematográfica más grande de la India. [40] [41]
El Reino Unido cuenta con una importante industria cinematográfica desde hace más de un siglo. Si bien la producción cinematográfica alcanzó un máximo histórico en 1936, [43] se suele pensar que la "edad de oro" del cine británico tuvo lugar en la década de 1940, durante la cual los directores David Lean , [44] Michael Powell , (con Emeric Pressburger ) [45] y Carol Reed [46] produjeron su trabajo más aclamado. Muchos actores británicos han alcanzado fama mundial y éxito de crítica, como Maggie Smith , Roger Moore , Michael Caine , [47] Sean Connery , [48] Daniel Day-Lewis , Gary Oldman y Kate Winslet . [49] Algunas de las películas con mayores ganancias de taquilla de la historia se han realizado en el Reino Unido, incluida la tercera y cuarta serie de películas más taquilleras ( Harry Potter y James Bond ). [50]
La primera película en movimiento fue filmada en Leeds por Louis Le Prince en 1888 [51] [52] y las primeras películas reveladas en película de celuloide fueron realizadas en Hyde Park, Londres en 1889 por el inventor británico William Friese Greene , [53] quien patentó el proceso en 1890.
Dos de las ocho películas más taquilleras a nivel mundial de todos los tiempos [ ¿cuándo? ] tienen algunas dimensiones históricas, culturales o creativas británicas: Titanic (1997), Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 2 (2011), El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (2003), realizada en Nueva Zelanda, y Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto (2005). Sumando cuatro películas más de Harry Potter y una película más de El señor de los anillos , además de la versión de Tim Burton de Alicia en el país de las maravillas (2010), y más de la mitad de las veinte más exitosas financieramente [ ¿cuándo? ] películas, tuvo una importante dimensión británica. [54] [ ¿ investigación original? ]
La influencia británica también se puede ver en el 'Ciclo inglés' de películas animadas de Disney, que incluyen Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), Ciento un dálmatas (1961), La espada en la piedra (1963), y El libro de la selva (1967). [55] Disney se interesó por primera vez en las películas de acción real como medio para utilizar las reservas financieras que se habían acumulado en Gran Bretaña y que no podían ser repatriadas debido a los controles de cambio, al realizar dos películas de fuentes escocesas e inglesas. Se trataba de La isla del tesoro (1950) y La historia de Robin Hood y sus hombres alegres (1952), ambas éxitos de taquilla. El estudio continuó basándose en material británico para sus películas animadas después de la muerte de Walt Disney en 1967, con los largometrajes de dibujos animados Robin Hood (1973), The Rescuers (1976) y The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977). uno de los muchos Disney que se basa en los personajes de AA Milne .
En las décadas de 1970 y 1980, los estudios británicos se ganaron una reputación [ cita necesaria ] por sus excelentes efectos especiales en películas como Superman (1978), Alien (1979) y Batman (1989). Parte de esta reputación se basó en el núcleo de talentos reunidos para el rodaje de 2001: Odisea en el espacio (1968), que posteriormente trabajaron juntos en series y largometrajes para Gerry Anderson . Aardman Animations , con sede en Bristol , es conocida por su animación stop-motion.
A finales de 1998, Channel 4 lanzó su canal de películas en abierto Film4 , un canal diseñado específicamente para mostrar películas. Se transmite a partir de las 11:00 a. m. BST y compite con la red de películas de televisión de pago Sky Cinema .
La empresa de efectos visuales Framestore , con sede en Londres, con Tim Webber como supervisor de efectos visuales , ha trabajado en las películas The Dark Knight (2008) y Gravity (2013), y las nuevas técnicas involucradas en Gravity tardaron tres años en completarse. [56]
El cine de Filipinas comenzó con la introducción de las primeras imágenes en movimiento en el país el 31 de agosto de 1897, en el Salón de Pertierra de Manila . Al año siguiente, un español, Antonio Ramos, rodó por primera vez escenas locales utilizando el cinematógrafo Lumière . [57] Si bien la mayoría de los primeros cineastas y productores del país eran en su mayoría extranjeros y expatriados ricos y emprendedores , el 12 de septiembre de 1919, Dalagang Bukid (Country Maiden) , una película basada en una obra musical popular, fue la primera película realizada y proyectada por El cineasta filipino José Nepomuceno . [58] Apodado como el "padre del cine filipino", su trabajo marcó el inicio del cine como forma de arte en Filipinas. [59]
La historia del cine de Polonia es casi tan larga como la historia de la cinematografía y tiene logros universalmente reconocidos, aunque las películas polacas tienden a estar menos disponibles comercialmente que las películas de otras naciones europeas.
Después de la Segunda Guerra Mundial , el gobierno comunista construyó un cine nacional de autor , capacitó a cientos de nuevos directores y les capacitó para hacer películas. Cineastas como Roman Polański , Krzysztof Kieślowski , Agnieszka Holland , Andrzej Wajda , Andrzej Żuławski , Andrzej Munk y Jerzy Skolimowski influyeron en el desarrollo del cine polaco. En años más recientes, la industria ha estado dirigida por los productores, siendo las finanzas la clave para realizar una película, y con muchos cineastas independientes de todos los géneros, las producciones polacas tienden a inspirarse más en el cine estadounidense .
La Escuela de Cine Polaca estaba bajo una fuerte influencia de los neorrealistas italianos . Aprovechó los cambios liberales en Polonia después del Octubre polaco de 1956 para retratar la complejidad de la historia polaca durante la Segunda Guerra Mundial y la ocupación alemana. Entre los temas más importantes se encontraban la generación de ex soldados del Ejército Nacional y su papel en la Polonia de posguerra y las tragedias nacionales como los campos de concentración alemanes y el Levantamiento de Varsovia . Los cambios políticos permitieron al grupo hablar más abiertamente de la historia reciente de Polonia. Sin embargo, la censura seguía siendo fuerte en lo que respecta a la historia después de 1945 y había muy pocas películas sobre los acontecimientos contemporáneos. Esto marcó la principal diferencia entre los miembros de la Escuela de Cine Polaca y los neorrealistas italianos.
La Escuela de Cine Polaca fue la primera en subrayar el carácter nacional de los polacos y uno de los primeros movimientos artísticos de Europa Central en oponerse abiertamente a las directrices oficiales del realismo socialista . Los miembros del movimiento tienden a subrayar el papel del individuo frente al de la colectividad. Había dos tendencias dentro del movimiento: directores jóvenes como Andrzej Wajda generalmente estudiaban la idea de heroísmo, mientras que otro grupo (el más notable era Andrzej Munk ) analizaba el carácter polaco a través de la ironía, el humor y una disección de los mitos nacionales.
El cine de Nigeria , a menudo denominado informalmente Nollywood , se refiere a la industria cinematográfica de Nigeria. La industria cinematográfica nigeriana es la industria cinematográfica más grande del mundo en términos de producción y la tercera más grande en términos de ingresos generales generados. [60] [61] Cine de Nigeria Su historia se remonta a finales del siglo XIX y a la era colonial a principios del siglo XX. La historia y el desarrollo de la industria cinematográfica nigeriana a veces se clasifican generalmente en cuatro épocas principales: la era colonial , la edad de oro , la era del vídeo y el emergente nuevo cine nigeriano . [62]
El cine como medio llegó por primera vez a Nigeria a finales del siglo XIX, en forma de visualización por mirilla de dispositivos cinematográficos . [63] Estos pronto fueron reemplazados a principios del siglo XX por dispositivos mejorados de exhibición de películas, y la primera serie de películas se proyectó en el Glover Memorial Hall en Lagos del 12 al 22 de agosto de 1903. [64] [65] El primer largometraje hecho en Nigeria es Palaver de 1926 producido por Geoffrey Barkas ; La película también fue la primera en presentar actores nigerianos en un papel hablado. [66] [67] En 1954, las furgonetas de cine móviles proyectaban ante al menos 3,5 millones de personas en Nigeria, y las películas producidas por la Nigerian Film Unit se proyectaban de forma gratuita en los 44 cines disponibles. La primera película con derechos de autor exclusivos de la unidad Nigerian Film es Fincho (1957) de Sam Zebba; que también es la primera película nigeriana rodada en color . [68]
Después de la independencia de Nigeria en 1960, el negocio del cine se expandió rápidamente y se establecieron nuevas salas de cine. [65] Como resultado, las películas nigerianas en los cines aumentaron desde finales de la década de 1960 hasta la década de 1970, especialmente las producciones de Nigeria occidental , debido a la transición de ex actores del teatro como Hubert Ogunde y Moses Olaiya a la pantalla grande. [69] En 1972, Yakubu Gowon emitió el Decreto de Indigenización , que exige la transferencia de la propiedad de aproximadamente un total de 300 salas de cine de sus propietarios extranjeros a nigerianos, lo que resultó en que más nigerianos desempeñaran papeles activos en el cine y el cine. [70] El auge petrolero de 1973 a 1978 también contribuyó enormemente al impulso espontáneo de la cultura cinematográfica en Nigeria, ya que el mayor poder adquisitivo en Nigeria hizo que una amplia gama de ciudadanos tuvieran ingresos disponibles para gastar en ir al cine y en televisión en casa. conjuntos. [ cita necesaria ] Después de varias películas de rendimiento moderado, Papa Ajasco (1984) de Wale Adenuga se convirtió en el primer éxito de taquilla, recaudando aproximadamente ₦ 61.000 (aprox. 2015 ₦ 21.552.673) en tres días. Un año después, Mosebolatan (1985), de Moses Olaiya, también logró recaudar ₦ 107.000 (aproximadamente ₦ 44.180.499 en 2015) en cinco días. [sesenta y cinco]
A principios de la década de 2000, los nigerianos establecieron canales de televisión dedicados exclusivamente al cine local en idiomas locales (principalmente inglés, dialectos) como Africa Magic . Este proteccionismo ha permitido a las poblaciones de Nigeria, pero también de África subsahariana, acostumbrarse al cine y la cultura nigerianos. Con el tiempo, esto se ha ampliado y se han creado otros canales, esta vez con ambición bilingüe (francés, inglés). Hoy en día, ya se han creado algunas plataformas de streaming como Iroko TV para incrementar el desarrollo de la industria de Nollywood.
A partir de 1896 se hizo en Egipto un número limitado de películas mudas ; Laila, de 1927, se destacó como el primer largometraje. La industria cinematográfica de El Cairo se convirtió en una fuerza regional con la llegada del sonido. Entre 1930 y 1936, varios pequeños estudios produjeron al menos 44 largometrajes. En 1936, Studio Misr , financiado por el industrial Talaat Harb , surgió como el principal equivalente egipcio de los principales estudios de Hollywood, papel que la empresa mantuvo durante tres décadas. [71] De los más de 4.000 cortometrajes y largometrajes realizados en la región MENA desde 1908, más de las tres cuartas partes eran películas egipcias . Las películas egipcias suelen hablarse en el dialecto árabe egipcio . [72] [73]
Desde 1976, El Cairo celebra anualmente el Festival Internacional de Cine de El Cairo (CIFF), acreditado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos. En 1996, se inauguró la Ciudad Egipcia de Producción de Medios (EMPC) en la Ciudad 6 de Octubre, al sur de El Cairo, aunque en 2001 sólo uno de los 29 estudios planificados estaba operativo. [74] La censura, que anteriormente era un obstáculo para la libertad de expresión, ha disminuido notablemente en 2012, cuando el cine egipcio había comenzado a abordar con audacia cuestiones que iban desde cuestiones sexuales [75] hasta fuertes críticas al gobierno. [76]
Las décadas de 1940, 1950 y 1960 se consideran generalmente la época dorada del cine egipcio. Al igual que en Occidente, las películas respondieron a la imaginación popular, y la mayoría caía en géneros predecibles (los finales felices son la norma) y muchos actores hacían carrera interpretando papeles fuertemente tipificados. En palabras de un crítico: "Si una película egipcia destinada al público popular careciera de cualquiera de estos requisitos previos, constituiría una traición al contrato no escrito con el espectador, cuyos resultados se manifestarían en la taquilla". [77] Desde la década de 1990, el cine egipcio ha tomado direcciones diferentes. Las películas artísticas más pequeñas atraen cierta atención internacional, pero escasa asistencia en el país. Películas populares, a menudo comedias generales como ¡Qué mentira! , y las extremadamente rentables obras del comediante Mohamed Saad , luchan por mantener al público atraído por las películas occidentales o, cada vez más, desconfiado de la percibida inmoralidad del cine. [78]
El cine de Irán ( persa : سینمای ایران ) o cine de Persia se refiere al cine y las industrias cinematográficas de Irán que producen una variedad de películas comerciales anualmente. Las películas artísticas iraníes han adquirido fama internacional y ahora gozan de seguidores en todo el mundo. [79]
Junto con China, Irán ha sido elogiado como uno de los mejores exportadores de cine en los años noventa. [80] Algunos críticos ahora [ ¿cuándo? ] clasifican a Irán como el cine nacional más importante del mundo, artísticamente, con una importancia que invita a la comparación con el neorrealismo italiano y movimientos similares de décadas pasadas. [79] El cineasta alemán Werner Herzog ha elogiado el cine iraní como uno de los cines artísticos más importantes del mundo. [81] Es de destacar que Irán ha ganado 2 premios de la Academia y ha sido nominado 3 veces, lo que ocupa el puesto 11 en el cine mundial, el segundo en Asia después de Japón y el primero en Medio Oriente [82]
Japón tiene una de las industrias cinematográficas más grandes y antiguas del mundo; en 2010, ocupaba el cuarto lugar por número de largometrajes producidos. [83] Se han producido películas en Japón desde 1897, cuando llegaron los primeros camarógrafos extranjeros. [ cita necesaria ]
En una lista de Sight & Sound de las mejores películas producidas en Asia , las obras japonesas ocuparon ocho de los 12 primeros lugares, con Tokyo Story (1953) en el puesto número uno. [ cita necesaria ] Tokyo Story también encabezó la encuesta de directores de Sight & Sound de 2012 sobre las 50 mejores películas de todos los tiempos , destronando a Citizen Kane , [84] [85] mientras que Los siete samuráis (1954) de Akira Kurosawa fue votada como la mejor película en lengua extranjera de todos los tiempos en la encuesta de la BBC de 2018 a 209 críticos en 43 países. [86] Japón ha ganado cuatro veces el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera ( Rashomon , Gate of Hell , Samurai I: Musashi Miyamoto y Departures ), más que cualquier otro país asiático. [ ¿ cuando? ]
El término cine de Corea (o cine coreano) engloba las industrias cinematográficas de Corea del Norte y Corea del Sur . Como ocurrió con todos los aspectos de la vida coreana durante el siglo pasado, la industria cinematográfica a menudo ha estado a merced de acontecimientos políticos, desde finales de la dinastía Joseon hasta la Guerra de Corea y la interferencia gubernamental interna. Si bien ambos países tienen industrias cinematográficas relativamente sólidas en la actualidad [ ¿cuándo? ] [ cita necesaria ] , sólo las películas surcoreanas han logrado un gran reconocimiento internacional. Las películas norcoreanas tienden a retratar temas comunistas o revolucionarios.
Las películas surcoreanas disfrutaron de una "edad de oro" durante finales de los años cincuenta y sesenta. En 2005, Corea del Sur se había convertido en uno de los pocos países que veían en los cines más películas nacionales que importadas [87] debido en gran parte a las leyes que limitaban el número de películas extranjeras que podían proyectarse por sala y por año. [88] En los cines, las películas coreanas deben proyectarse durante 73 días al año desde 2006. En la televisión por cable, la cuota de películas nacionales del 25 por ciento se reducirá al 20 por ciento después del TLC entre Corea y los Estados Unidos. [89] El cine de Corea del Sur tuvo una taquilla total en el país en 2015 de 884 mil millones de ₩ y tuvo 113.000.000 de entradas, el 52% de las entradas totales. [ cita necesaria ]
Hong Kong es un centro cinematográfico para el mundo de habla china (incluida la diáspora mundial ) y el este de Asia en general. Durante décadas fue la tercera industria cinematográfica más grande del mundo (después de India y Estados Unidos) y el segundo mayor exportador de películas. [90] A pesar de una crisis de la industria que comenzó a mediados de la década de 1990 y del regreso de Hong Kong a la soberanía china en julio de 1997, el cine de Hong Kong ha conservado gran parte de su identidad distintiva y continúa desempeñando un papel destacado en el escenario cinematográfico mundial. A diferencia de muchas industrias cinematográficas, Hong Kong ha disfrutado de poco o ningún apoyo gubernamental directo, ya sea a través de subsidios o cuotas de importación. Siempre ha sido un cine completamente comercial, concentrándose en géneros populares , como la comedia y la acción, y muy dependiente de fórmulas, secuelas y remakes. Como es habitual en las salas de cine comerciales, su corazón es un star system muy desarrollado , que en este caso también se superpone sustancialmente con la industria de la música pop .
El mercado cinematográfico turco destaca en el panorama paneuropeo como el único mercado donde las películas nacionales superan regularmente a las estadounidenses . [91] En 2013, obtuvo 1,2 millones de espectadores y se estrenaron 87 largometrajes . [92] Entre 2004 y 2014, los 12,9 millones de espectadores estimados generados en mercados europeos no nacionales solo representaron el 7% del total de espectadores de películas turcas en Europa (incluida Turquía). Esta fue la tercera proporción más baja entre los 30 mercados europeos para los que se dispone de datos e ilustra claramente la fuerte dependencia de las películas turcas del mercado interno, una característica que comparten las películas polacas y rusas. [93]
En 2014, Kış Uykusu ( El sueño de invierno ) ganó el Premio del Festival de Cine de Cannes a la Mejor Película. [94] En 2013, Turquía seguía estando por detrás de los Países Bajos en términos de taquilla, con poco más de 200 millones de euros, como el octavo mayor mercado de taquilla de Europa, por delante de Suecia y Suiza, con una clara diferencia con los seis principales mercados, todos los cuales registraron GBO entre 504 millones de euros (España) hasta más de 1.000 millones de euros en Francia, Reino Unido , Alemania y la Federación de Rusia . [95] Ir al cine es comparativamente barato en Turquía. En 2013, una entrada de cine costaba una media de 4,0 euros en Turquía, y se estimó que este era el precio medio de entrada más bajo (medido en euros) de Europa, ligeramente más barato que en varios mercados de Europa central y oriental como Croacia, Rumanía, Lituania o Bulgaria. (sujeto a tipos de cambio). [96]
Se han hecho películas en Israel desde antes de la independencia en 1948. [97] La industria es relativamente pequeña desde el punto de vista económico, pero las películas israelíes han sido nominadas a más premios de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera que cualquier otro país de Oriente Medio. El gobierno está intentando atraer empresas extranjeras para filmar en Israel ofreciendo subsidios para los costos de producción. [98]
El cine de Pakistán , o simplemente cine paquistaní ( urdu : پاکستانی سنیما ), hace referencia a la industria cinematográfica de Pakistán . La mayoría de los largometrajes rodados en Pakistán están en urdu , el idioma nacional, pero también pueden incluir películas en inglés, el idioma oficial, y en idiomas regionales como punjabi , pashto , balochi y sindhi . Lahore ha sido descrita como el epicentro del cine paquistaní, dando lugar al término " Lollywood " como maleta de Lahore y Hollywood.
Antes de la separación de Bangladesh, Pakistán tenía tres centros principales de producción cinematográfica: Lahore , Karachi y Dhaka . El régimen de Muhammad Zia-ul-Haq , los reproductores de vídeo , la piratería cinematográfica , la introducción de impuestos al entretenimiento y leyes estrictas basadas en jurisprudencia ultraconservadora, fueron un obstáculo para el crecimiento de la industria. [99] Una vez próspero, el cine en Pakistán tuvo un colapso repentino en la década de 1980 y en la década de 2000 "una industria que alguna vez produjo un promedio de 80 películas al año ahora estaba luchando por producir incluso unas pocas películas". Sin embargo, con el auge de la industria televisiva en Karachi, que dio lugar a medios de comunicación privados más grandes, se produjo un resurgimiento de la industria cinematográfica de Pakistán a principios de la década de 2010. Karachi , ahora es el mayor centro de producción de la industria cinematográfica de Pakistán, que produce películas paquistaníes en urdu, inglés y sindhi. Lahore es ahora el segundo gran productor de cine (principalmente películas punjabi), seguido de Peshawar, donde se producen principalmente películas pashto. También se están produciendo películas a muy pequeña escala en Islamabad (películas en urdu e inglés) y Quetta (películas baluchis). Las películas paquistaníes están ganando su mercado en el cine local y en los mercados internacionales como los países del Golfo, Reino Unido-Europa, Estados Unidos-Norteamérica. y Lejano Oriente. Muchas películas paquistaníes llegaron a la categoría de películas en lengua extranjera de los Oscar, es decir, The Day Shall Dawn (1959), The Veil (Ghoonghat) (1963), Zinda Bhaag (2013), Dukhtar (2014), Moor (2015), Mah-e. -Mir (2016), Saawan (2017), Cake (2018), Lal Kabootar (2019). Dos documentales paquistaníes ganaron el Oscar a la mejor película documental: Saving Face (2012) y A Girl in the River (2016). Las películas paquistaníes, especialmente las películas urdu, giran en torno al drama familiar, el romance, las historias de amor, la comedia, el suspenso, los asuntos sociales y las cuestiones políticas. En la era contemporánea, algunas películas paquistaníes han ganado reconocimiento internacional, entre ellas Khuda Kay Liye (En el nombre de Dios), Bol , Verna, Zinda Bhaag, Load-Wedding, Wrong No. , Cake, Teefa in Trouble , Lal Kabootar, Mah. -e-Meer, Moro, La leyenda de Maula Jatt .
El cine punjabi tiene como temática principal el romance, el drama familiar y la acción, mientras que el cine pashto gira en torno a la acción y las disputas tribales.
Los principales premios cinematográficos incluyen los premios Lux Style , los premios ARY Film, los premios Nigar y los premios nacionales de cine.
El cine de Bangladesh es la industria cinematográfica en idioma bengalí con sede en Dhaka , Bangladesh . La industria ha sido a menudo una industria cinematográfica importante desde principios de la década de 1970. La palabra "Dhollywood" es un acrónimo de las palabras Dhaka y Hollywood . El estilo dominante del cine bangladesí es el cine melodramático , que se desarrolló entre 1947 y 1990 y caracteriza a la mayoría de las películas hasta el día de hoy. El cine fue introducido en Bangladesh en 1898 por Bradford Bioscope Company, a quien se le atribuye haber organizado el estreno de la primera película en Bangladesh. Entre 1913 y 1914 se abrió la primera productora llamada Picture House. Un cortometraje mudo titulado Sukumari ( La buena chica ) fue la primera película producida en la región durante 1928. El primer largometraje, El último beso , se estrenó en 1931. Desde la separación de Bangladesh de Pakistán en 1971, Dhaka es la centro de la industria cinematográfica de Bangladesh y generó la mayor parte de los ingresos, la producción y las audiencias. Las décadas de 1960, 1970, 1980 y la primera mitad de la de 1990 fueron los años dorados para las películas de Bangladesh, ya que la industria produjo muchas películas exitosas. The Face and the Mask , el primer largometraje en bengalí se produjo en 1956. [100] [101] Matir Moina , una película de 2002 de Tarek Masud , se convirtió en la primera película de Bangladesh en ser honrada en el Festival de Cine de Cannes .
Los estudios cinematográficos más grandes del sudeste asiático se inauguraron el 5 de noviembre de 2011 en 10 hectáreas de terreno en Nongsa, isla de Batam , Indonesia . Infinite Frameworks (IFW) es una empresa con sede en Singapur (cerca de la isla de Batam) que es propiedad de un consorcio en el que el 90 por ciento pertenece al empresario y productor de cine indonesio Mike Wiluan. [102] En 2010-2011, debido al aumento sustancial del impuesto al valor agregado aplicado a las películas extranjeras, los cines ya no tenían acceso a muchas películas extranjeras, incluidas las películas ganadoras del Oscar. Las películas extranjeras incluyen las principales taquillas del oeste y otras productoras cinematográficas importantes del mundo. Esto provocó un enorme efecto dominó en la economía del país. Se supone que esto incrementó la compra de DVD sin licencia. Sin embargo, incluso los DVD que infringían los derechos de autor tardaban más en obtenerse. El costo mínimo para ver una película extranjera que no se proyecta localmente era de 1 millón de rupias. Esto equivalía a 100 dólares estadounidenses, ya que incluye un billete de avión a Singapur. [103]
El cine de Malasia se compone de largometrajes producidos en Malasia, rodados en los idiomas inglés , tamil , malayo , mandarín y cantonés .
Malasia produce alrededor de 60 largometrajes al año y entre 300 y 400 dramas y series de televisión al año, además de las producciones internas de las distintas estaciones de televisión. El país también celebra sus propios premios cinematográficos anuales a nivel nacional, conocidos como el Festival de Cine de Malasia . Hay alrededor de 150 cines y salas de cine en Malasia, que proyectan no sólo películas locales sino también películas extranjeras.
El sector cinematográfico de Trinidad y Tobago comenzó a surgir a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta y, a finales de los setenta, había un puñado de producciones locales, tanto de largometraje como de televisión. [104] El primer largometraje producido en Trinidad y Tobago fue The Right and the Wrong (1970), del director, escritor y productor indio Harbance Kumar. El guión fue escrito por el dramaturgo trinitense Freddie Kissoon. [105] Durante el resto del siglo XX se rodaron un par de largometrajes más en el país, y Bruce Paddington destacó Bim (1974) como "una de las películas más importantes producidas en Trinidad y Tobago... . . y uno de los clásicos del cine caribeño." [106] Fue una de las primeras películas que contó con un elenco y un equipo casi en su totalidad de Trinidad. [107] Hubo un aumento en la producción cinematográfica de Trinidad en la década de 2000. Películas como Ivan the Terrible (2004), SistaGod (2006), I'm Santana: The Movie (2012) y God Loves the Fighter (2013) se estrenaron tanto a nivel local como internacional. SistaGod tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2006 . [108]
La Trinidad and Tobago Film Company es la agencia nacional que se estableció en 2006 para promover el desarrollo de la industria cinematográfica. Trinidad y Tobago organiza una serie de festivales de cine organizados por diferentes comités y organizaciones. Estos incluyen el Festival de Cortometrajes para Escuelas Secundarias y el Festival de Cine con Teléfonos Inteligentes organizado por Trinidad and Tobago Film Company. También hay un Festival de Cine anual de Trinidad y Tobago que dura dos semanas en la segunda quincena de septiembre.
El cine nepalí no tiene una historia cinematográfica muy larga, pero la industria tiene su propio lugar en el patrimonio cultural del país. A menudo se la conoce como 'Nepali Chalchitra' (que se traduce como "películas nepalíes" en inglés). También se utilizan los términos Kollywood y Kallywood, como combinación de "Katmandú" y "Hollywood"; Sin embargo, "Kollywood" se utiliza con más frecuencia para referirse al cine tamil. [ cita necesaria ] Chhakka Panja ha sido considerada la película más taquillera de todos los tiempos en la industria cinematográfica nepalí y Kohinoor la segunda más taquillera. Las películas nepalíes The Black Hen (2015) y Kagbeni (2006) recibieron elogios internacionales. [ cita necesaria ] El largometraje nepalí White Sun (Seto Surya) recibió el premio a la Mejor Película en el 27º Festival Internacional de Cine de Singapur (SGIFF) en 2016.
Les frères Lumière estrenó la primera proyección con el Cinematograph, en París, el 28 de diciembre de 1895. La industria cinematográfica francesa de finales del siglo XIX y principios del XX fue la más importante del mundo. Auguste y Louis Lumière inventaron el cinematógrafo y muchos historiadores consideran que su obra L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat en París en 1895 es el nacimiento oficial de la cinematografía. El primer largometraje que se realizó fue la película muda australiana de 1906 The Story of the Kelly Gang , un relato de la famosa pandilla liderada por Ned Kelly que fue dirigida y producida por los habitantes de Melbourne Dan Barry y Charles Tait . Funcionó continuamente durante ochenta minutos. [109]
A principios de la década de 1910, la industria cinematográfica había emergido por completo con El nacimiento de una nación, de DW Griffith . También a principios del siglo XX, las productoras cinematográficas de Nueva York y Nueva Jersey comenzaron a mudarse a California debido al buen clima y los días más largos. Aunque en aquella época existían luces eléctricas, ninguna era lo suficientemente potente como para exponer adecuadamente la película; La mejor fuente de iluminación para la producción cinematográfica era la luz solar natural. Además del clima moderado y seco, también se sintieron atraídos por el estado por sus espacios abiertos y su amplia variedad de paisajes naturales.
En 1900, Charles Pathé comenzó la producción cinematográfica bajo la marca Pathé-Frères, y Ferdinand Zecca fue contratado para realizar las películas. En 1905, Pathé era la compañía cinematográfica más grande del mundo, posición que mantuvo hasta la Primera Guerra Mundial. Léon Gaumont comenzó la producción cinematográfica en 1896, supervisada por Alice Guy . [110]
Además de American Mutoscope, en Estados Unidos también había numerosos productores más pequeños, y algunos de ellos establecieron una presencia a largo plazo en el nuevo siglo. American Vitagraph , uno de estos productores menores, construyó estudios en Brooklyn y amplió sus operaciones en 1905.
El primer cine permanente exitoso que proyectaba sólo películas fue "The Nickelodeon", que se inauguró en Pittsburgh en 1905. [111] Para entonces, había suficientes películas de varios minutos de duración disponibles para llenar un programa que duraba al menos media hora, y que podía cambiarse semanalmente cuando la audiencia local se aburría. Otros expositores en Estados Unidos siguieron rápidamente su ejemplo y, en dos años, había 8.000 de estos nickelodeons en funcionamiento en todo Estados Unidos. La experiencia estadounidense provocó un auge mundial en la producción y exhibición de películas a partir de 1906.
Los cines se convirtieron en lugares de entretenimiento y centros sociales populares a principios del siglo XX, al igual que los cabarets y otros teatros. [112]
En 1907, se estaban abriendo salas de cine especialmente diseñadas para películas en Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia. Las películas a menudo se proyectaban con el acompañamiento musical de un pianista, aunque podía haber más músicos. También había muy pocos cines más grandes en algunas de las ciudades más grandes. Inicialmente, la mayoría de las películas en los programas eran películas de Pathé , pero esto cambió bastante rápidamente cuando las compañías estadounidenses aumentaron la producción. El programa estuvo compuesto por pocas películas y el espectáculo duró alrededor de 30 minutos. El carrete de película, de una longitud máxima de 300 m (1000 pies), que generalmente contenía una película individual, se convirtió en la unidad estándar de producción y exhibición cinematográfica en este período. El programa se cambiaba dos o más veces por semana, pero llegó a cinco cambios de programa por semana después de un par de años. En general, los cines se instalaron en los distritos de entretenimiento establecidos de las ciudades. En 1907, Pathé comenzó a alquilar sus películas a los cines mediante intercambios de películas en lugar de venderlas directamente. [113]
El litigio sobre patentes entre las principales empresas cinematográficas estadounidenses había continuado y, a finales de 1908, decidieron agrupar sus patentes y formar un fideicomiso para utilizarlas para controlar el negocio cinematográfico estadounidense. Las empresas afectadas eran Pathé, Edison, Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem y Kleine Optical Company, un importante importador de películas europeas. La empresa George Eastman, el único fabricante de películas en los Estados Unidos, también formaba parte del consorcio, que se llamó Motion Picture Patents Company (MPPC), y Eastman Kodak acordó suministrar únicamente películas a los miembros. Los derechos de licencia para distribuir y proyectar películas se cobraron a todos los distribuidores y exhibidores. A las productoras que formaban parte del consorcio se les asignaron cuotas de producción (dos carretes, es decir, películas, por semana para los más grandes, un carrete por semana para los más pequeños), que supuestamente serían suficientes para llenar los programas de los exhibidores autorizados. . Pero el mercado era más grande que eso, ya que aunque 6.000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2.000 no lo hicieron. Una minoría de las bolsas (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera del MPPC, y en 1909 estas bolsas independientes comenzaron inmediatamente a financiar nuevas empresas productoras de películas. En 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado estadounidense, y la acción antimonopolio del gobierno, que recién ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. [113]
A principios del siglo XX, antes de Hollywood , la industria cinematográfica de los Estados Unidos tenía su sede principalmente en Fort Lee, Nueva Jersey, al otro lado del río Hudson desde la ciudad de Nueva York. [114] [115] [116] Al necesitar una sede de invierno, los cineastas se sintieron atraídos por Jacksonville, Florida , debido a su clima cálido, ubicaciones exóticas, excelente acceso ferroviario y mano de obra más barata, lo que le valió a la ciudad el título de "La película de invierno". Capital del Mundo." [117] Kalem Studios , con sede en Nueva York , fue el primero en abrir un estudio permanente en Jacksonville en 1908. [118] En el transcurso de la siguiente década, más de 30 compañías de cine mudo establecieron estudios en la ciudad, incluida Metro Pictures (más tarde MGM ), Edison Studios , Majestic Films, King-Bee Film Company, Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Studios y Lubin Manufacturing Company . [ cita necesaria ] La primera película realizada en Technicolor y el primer largometraje en color producido en los Estados Unidos, The Gulf Between , también se filmó en Jacksonville en 1917.
Jacksonville fue especialmente importante para la industria cinematográfica afroamericana . Un individuo notable a este respecto es el productor europeo-americano Richard Norman , quien creó una serie de películas protagonizadas por actores negros en la línea de Oscar Micheaux y la Lincoln Motion Picture Company . [117] En contraste con los papeles degradantes que se ofrecen en ciertas películas blancas como El nacimiento de una nación , Norman y sus contemporáneos buscaron crear historias positivas protagonizadas por afroamericanos en lo que él denominó "asumiendo espléndidamente diferentes roles". [119] [120]
Los residentes, en su mayoría conservadores, de Jacksonville, sin embargo, se oponían a las características distintivas de la temprana industria cinematográfica, como persecuciones de automóviles en las calles, robos a bancos simulados y alarmas de incendio en lugares públicos, e incluso disturbios ocasionales. En 1917, el demócrata conservador John W. Martin fue elegido alcalde con la plataforma de domar la industria cinematográfica de la ciudad. [117] En ese momento, el sur de California estaba emergiendo como el principal centro de producción cinematográfica, gracias en gran parte al traslado de pioneros del cine como William Selig y DW Griffith a la zona. Estos factores sellaron rápidamente la desaparición de Jacksonville como importante destino cinematográfico. [ cita necesaria ]
Otro factor que impulsó el traslado de la industria al oeste fue que hasta 1913, la mayor parte de la producción cinematográfica estadounidense todavía se realizaba en Nueva York, pero debido al monopolio de las patentes cinematográficas de Thomas A. Edison, Inc. y sus intentos litigiosos por preservarlas, Muchos cineastas se mudaron al sur de California, comenzando con Selig en 1909. [121] [122] El sol y el paisaje fueron importantes para la producción de westerns, que llegaron a formar un género cinematográfico estadounidense importante con las primeras estrellas de vaqueros, GM Anderson (" Broncho Billy") y Tom Mix . Selig fue pionero en el uso de animales (bastante) salvajes de un zoológico para una serie de aventuras exóticas, en las que los actores eran amenazados o salvados por los animales. Kalem Company envió equipos de filmación a lugares de Estados Unidos y del extranjero para filmar historias en los lugares reales donde se suponía que sucedieron. [123] Kalem también fue pionera en la heroína de acción femenina de 1912, con Ruth Roland desempeñando papeles protagónicos en sus westerns. [124] [ se necesita una mejor fuente ]
En Francia, Pathé mantuvo su posición dominante, seguida todavía por Gaumont y luego por otras nuevas empresas que parecieron atender el boom cinematográfico. Una compañía cinematográfica con un enfoque diferente fue Film d'Art. Film d'Art se creó a principios de 1908 para realizar películas de carácter artístico serio. Su programa declarado era hacer películas utilizando únicamente a los mejores dramaturgos, artistas y actores. [125] El primero de ellos fue L'Assassinat du Duc de Guise ( El asesinato del duque de Guisa ), un tema histórico ambientado en la corte de Enrique III . Esta película utilizó actores principales de la Comédie-Française y contó con una partitura especial escrita por Camille Saint-Saëns . Las otras grandes productoras francesas siguieron su ejemplo, y esta ola dio lugar a que en lengua inglesa se calificaran de "películas de arte" las películas con pretensiones artísticas dirigidas a un público sofisticado . En 1910, las compañías cinematográficas francesas estaban empezando a hacer películas de hasta dos o incluso tres carretes, aunque la mayoría todavía tenía un carrete. Esta tendencia se siguió en Italia, Dinamarca y Suecia. [126]
En Gran Bretaña, la Ley de Cinematografía de 1909 fue la primera legislación primaria que reguló específicamente la industria cinematográfica. Las exhibiciones de películas a menudo se llevaban a cabo en lugares temporales y el uso de nitrato de celulosa altamente inflamable para las películas, combinado con iluminación de foco , creaba un importante riesgo de incendio. La ley especificaba un código de construcción estricto que requería, entre otras cosas, que el proyector estuviera encerrado dentro de un recinto resistente al fuego. [127]
El estudio Babelsberg, cerca de Berlín , en Alemania, fue el primer estudio cinematográfico a gran escala del mundo, fundado en 1912, y el precursor de Hollywood con sus numerosos establecimientos de grandes estudios a principios del siglo XX.
El primer estudio de cine en el área de Hollywood, Nestor Studios , fue fundado en 1911 por Al Christie para David Horsley . Otros estudios de la costa este ya habían trasladado la producción a Los Ángeles. Con el tiempo, Hollywood llegó a estar tan fuertemente asociado con la industria cinematográfica que la palabra "Hollywood" ahora se usa coloquialmente para referirse a toda la industria cinematográfica estadounidense.
En 1913, Cecil B. DeMille , en asociación con Jesse Lasky , alquiló un granero con instalaciones de estudio en Hollywood donde se hizo The Squaw Man (1914). Ahora es la ubicación del Museo del Patrimonio de Hollywood .
Los estudios Charlie Chaplin se construyeron en 1917. El sitio también fue utilizado por los estudios Kling, para la serie de televisión Superman ; Red Skelton , que utilizó los escenarios de sonido para su programa de variedades de CBS TV ; y CBS, que filmó allí la serie de televisión Perry Mason . También ha sido propiedad de A&M Records de Herb Alpert y Tijuana Brass Enterprises. Actualmente es The Jim Henson Company, hogar de los Muppets . En 1969, la Junta del Patrimonio Cultural de Los Ángeles lo nombró monumento cultural histórico.
El famoso cartel de Hollywood originalmente decía "Hollywoodland". Fue erigido en 1923 para anunciar un nuevo desarrollo de viviendas en las colinas sobre Hollywood. En 1949, la Cámara de Comercio de Hollywood intervino, retiró las últimas cuatro letras y reparó las demás. Es una marca registrada y no puede utilizarse sin el permiso de la Cámara de Comercio de Hollywood.
La primera ceremonia de entrega de los Premios de la Academia tuvo lugar el 16 de mayo de 1929.
El período comprendido entre los años 1927 (el fin efectivo de la era del cine mudo) y 1948 se considera la época del "Hollywood studio system", o la Edad de Oro de Hollywood . En una decisión judicial histórica de 1948 , la Corte Suprema dictaminó que los estudios cinematográficos no podían poseer salas de cine y proyectar sólo las películas de su estudio y las estrellas de cine ; Así terminó una era de la historia de Hollywood.
Bollywood es la industria cinematográfica en hindi con sede en Mumbai (antes conocida como Bombay ), Maharashtra , India. El término suele utilizarse incorrectamente para referirse al conjunto del cine indio ; sin embargo, es sólo una parte de la industria cinematográfica india total , que incluye otros centros de producción que producen películas en varios idiomas. [128] Bollywood es el mayor productor cinematográfico de la India y uno de los mayores centros de producción cinematográfica del mundo. [129] [130] [131]
Bollywood se conoce formalmente como cine hindi. [132] Lingüísticamente, las películas de Bollywood tienden a utilizar el indostaní vernáculo , mutuamente inteligible para los hablantes autoidentificados tanto de hindi como de urdu , [133] [134] [135] mientras que las películas modernas de Bollywood también incorporan cada vez más elementos del hinglish . [133]
The Wrestlers (1899) y The Man and His Monkeys (1899), dirigidas y producidas por Harischandra Sakharam Bhatawdekar ( HS Bhatavdekar ), fueron las dos primeras películas realizadas por cineastas indios, ambas cortas. También fue el primer cineasta indio en dirigir y producir la primera película documental y relacionada con noticias, titulada The Landing of Sir MM Bhownuggree .
Las décadas de 1930 y 1940 fueron épocas tumultuosas: la India fue sacudida por la Gran Depresión , la Segunda Guerra Mundial, el movimiento independentista indio y la violencia de la Partición . La mayoría de las películas de Bollywood eran descaradamente escapistas , pero también hubo varios cineastas que abordaron cuestiones sociales difíciles o utilizaron la lucha por la independencia de la India como telón de fondo para sus tramas. [136]
En 1937, Ardeshir Irani , famoso por Alam Ara , hizo la primera película en color en hindi, Kisan Kanya . Al año siguiente, hizo otra película en color, una versión de Madre India .
Tras la independencia de la India , el período comprendido entre finales de los años 1940 y principios de los años 1960 es considerado por los historiadores del cine como la "Edad de Oro" del cine hindi. [137] [138] [139] Las figuras clave que definieron durante este tiempo incluyeron a Raj Kapoor , Guru Dutt , [140] Mehboob Khan , [141] [142] [143] y Dilip Kumar . [144] [145]
La década de 1970 fue cuando se acuñó el nombre "Bollywood", [146] [147] y cuando se establecieron las convenciones por excelencia de las películas comerciales de Bollywood. [148] La clave para esto fue el surgimiento del género cinematográfico masala , que combina elementos de múltiples géneros ( acción , comedia , romance , drama , melodrama , musical ). La película masala fue iniciada a principios de la década de 1970 por el cineasta Nasir Hussain , [149] junto con el dúo de guionistas Salim-Javed , pioneros en el formato de éxito de taquilla de Bollywood . [148]
Tollywood es la industria cinematográfica en bengalí de la India. Iniciado por Royal Bioscope Company en 1898 por Hiralal Sen, junto con Matilal Sen, Deboki Lal Sen y Bholanath Gupta. Combinando representaciones teatrales en vivo de actores, la industria bengalí se destacó por utilizar el sonido como una parte importante del drama en su formato Bioscope, cuyo lenguaje cinematográfico era extremadamente diferente del de las películas mudas occidentales. A esto le siguió Jamshedji Framji Madan de Elphinstone Bioscope Company, que también controlaba Madan Theatre Company. JJ Madan se convirtió en director general de Madan Theatres después de la muerte de su padre en 1923 y Madan Theatres alcanzó su punto máximo a finales de la década de 1920 cuando poseía 127 salas y controlaba la mitad de la taquilla del país. Madan Theatres produjo una serie de películas populares y emblemáticas hasta 1937, paralelas a las obras de estrellas bengalíes de los años 20 como Dhirendra Nath Ganguly, quien fundó Indo British Film Co., la primera productora de propiedad bengalí en 1918. Siguió el auge de la industria en las décadas de 1930 y 1940, cuando se hicieron una diversidad de películas. Muchas impresiones fueron destruidas por el fuego. Las copias y registros de las películas de 1937 a 1947 fueron destruidos en gran medida, pero este período en Bengala sirvió como la era de las películas políticas en la India, que fue de suma influencia para la lucha por la independencia de la India. Después de 1947, la industria vio una nueva era de colaboradores creativos del sistema de estudio que hicieron películas bajo el nombre de Agradoot. Esto vio un renacimiento de las películas comerciales y los musicales donde estrellas como Uttam Kumar y Suchitra Sen hipnotizaron al público con su cautivadora presencia en la pantalla y sus actuaciones tenues. Ritwick Ghatak, Satyajit Ray, Tapan Sinha, Mrinal Sen y Rituparno Ghosh fueron otros directores notables cuyas obras influyeron en el cine mundial más allá de un grado incomparable. El nombre de la industria se acuñó en honor a la plaza Tollygunge, que también sirvió como descarado homenaje a Hollywood.
El cine de Egipto se refiere a la floreciente industria cinematográfica con sede en El Cairo , conocida por ser el Hollywood de la región MENA . [150] En 1896, se realizó un número limitado de películas mudas en Egipto a partir de 1896; Laila, de 1927, se destacó como el primer largometraje. La industria cinematográfica de El Cairo se convirtió en una fuerza regional con la llegada del sonido. Entre 1930 y 1936, varios pequeños estudios produjeron al menos 44 largometrajes. En 1936, Studio Misr , financiado por el industrial Talaat Harb , surgió como el principal equivalente egipcio de los principales estudios de Hollywood, papel que la empresa mantuvo durante tres décadas. [151]
Los historiadores no se ponen de acuerdo a la hora de determinar el inicio del cine en Egipto. Algunos dicen que fue en 1896, cuando se vio la primera película en Egipto, mientras que otros fechan el comienzo el 20 de junio de 1907 con un breve documental sobre la visita del Jedive Abbas Hilmi II al Instituto Mursi Abul-Abbas en Alejandría. En 1917, el director Mohammed Karim fundó una productora en Alejandría. La compañía produjo dos películas: Dead Flowers y Honor the Bedouin , que se proyectaron en la ciudad de Alejandría a principios de 1918.
Desde 1976, la capital acoge anualmente el Festival Internacional de Cine de El Cairo , que ha sido acreditado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Cine . [152] También hay otros 12 festivales. De los más de 4.000 cortometrajes y largometrajes realizados en la región MENA desde 1908, más de las tres cuartas partes eran películas egipcias . [153] [154] [155] Las películas egipcias normalmente se hablan en el dialecto árabe egipcio . Desde entonces, se han producido en Egipto más de 4.000 películas, tres cuartas partes de la producción árabe total. El historiador Samir Kassir señala (2004) que Misr Studios en particular, "a pesar de sus altibajos, iban a hacer de El Cairo la tercera capital de la industria cinematográfica mundial, después de Hollywood y Bombay, pero por delante de la Cinecittà de Italia". [156] Egipto es el país más productivo de Oriente Medio en el campo de la producción cinematográfica y el que tiene el sistema de medios más desarrollado. [157]
Nollywood es un sobrenombre que originalmente se refería a la industria cinematográfica nigeriana . [158] El origen del término se remonta a principios de la década de 2000, y se remonta a un artículo de The New York Times . [159] [160] Debido a la historia de la evolución de significados y contextos, no existe una definición clara o acordada para el término, lo que lo ha convertido en objeto de varias controversias. El origen del término "Nollywood" sigue sin estar claro; Jonathan Haynes remonta el uso más antiguo de la palabra a un artículo de 2002 de Matt Steinglass en el New York Times , donde se utilizaba para describir el cine nigeriano . [159] [160] Charles Igwe señaló que Norimitsu Onishi también usó el nombre en un artículo de septiembre de 2002 que escribió para el New York Times . [161] [162] El término sigue utilizándose en los medios de comunicación para referirse a la industria cinematográfica nigeriana, y más tarde se asumió que su definición era un acrónimo de las palabras "Nigeria" y " Hollywood ", el principal centro cinematográfico estadounidense. [163] [164] [165] [64]
La definición de qué películas se consideran Nollywood siempre ha sido un tema de debate. Alex Eyengho definió Nollywood como "el conjunto de actividades que tienen lugar en la industria cinematográfica nigeriana, ya sea en inglés, yoruba , hausa , igbo , itsekiri , edo , efik , ijaw , urhobo o cualquier otro de los más de 300 idiomas nigerianos ". Afirmó además que "la trayectoria histórica de Nollywood comenzó desde la Nigeria anterior y posterior a la independencia , con los esfuerzos teatrales (escenario) y cinematográficos ( celuloide ) de personas como el Jefe Hubert Ogunde , el Jefe Amata, Baba Sala , Ade Love , Eddie Ugbomah. y algunos más". [164] La influencia de la industria cinematográfica nigeriana a la que a menudo se hace referencia informalmente como Nollywood tiene influencia en todos los países de África.
A finales de 2013, la industria cinematográfica alcanzó unos ingresos récord de 1,72 billones de libras esterlinas (4.100 millones de dólares estadounidenses). En 2014, la industria valía 853,9 mil millones de libras esterlinas (5,1 mil millones de dólares estadounidenses), lo que la convierte en la tercera industria cinematográfica más valiosa del mundo detrás de Estados Unidos y la India . Contribuyó alrededor del 1,4% a la economía de Nigeria; esto se atribuyó al aumento en el número de películas de calidad producidas y a métodos de distribución más formales. [166] [167]
La rentabilidad de un estudio cinematográfico depende crucialmente de elegir los proyectos cinematográficos adecuados y de involucrar a los equipos creativos y de gestión adecuados (elenco, dirección, diseño visual, música, fotografía, vestuario, escenografía, edición y muchas especialidades adicionales), pero también depende en gran medida de la elección de la escala y el enfoque adecuados para la promoción cinematográfica , el control de los ingresos mediante tecnologías como la gestión de derechos digitales (DRM), prácticas contables sofisticadas y la gestión de flujos de ingresos auxiliares ; En el caso extremo, para una importante franquicia mediática centrada en el cine, la película podría ser en sí misma sólo un componente importante de muchas contribuciones importantes a los ingresos totales de la franquicia.
La industria cinematográfica es un mercado brutalmente competitivo en el que el ganador se lo lleva todo, impulsado por " procesos no lineales " tremendamente fluctuantes. [168] Los ingresos de taquilla están muy concentrados en un pequeño número de películas de gran éxito, y la cuota de mercado de la industria cinematográfica también está muy concentrada en los estudios cinematográficos que tienen la suerte de hacer esas películas. [168] Pero el mercado es "extremadamente volátil" y es imposible predecir de antemano quién se convertirá en el ganador del mercado en un momento dado "o cuánto tiempo durará su dominio". [168] Las películas y los estudios cinematográficos dominantes "cambian de lugar dramáticamente y con frecuencia". [168]
La siguiente es una lista de los 15 países principales por número de largometrajes (ficción, animación y documental) producidos, según el Instituto de Estadística de la UNESCO , a menos que se indique lo contrario. [3]
Los siguientes países son los mayores mercados de taquilla en términos de ingresos brutos de taquilla, según el Informe THEME 2022 de la MPA (Motion Picture Association). [181]
Los siguientes países son los mercados de taquilla más grandes en términos de número de entradas vendidas en 2019. [184]
La censura económica ocurre cuando una empresa, industria o país toma medidas para garantizar la rentabilidad, generalmente autocensurando contenidos para complacer al grupo que ejerce su influencia económica. Ese grupo puede ser de naturaleza política, como el boicot a individuos o la prohibición o gravamen por parte de los gobiernos de ciertos productos. Esta herramienta tiende a tener un alcance más amplio más allá de las fronteras de un gobierno que la pura censura política. Los ejemplos incluyen la autocensura de Hollywood de cualquier representación negativa de los nazis durante la mayor parte de la década de 1930 para mantener el acceso al público alemán y evitar molestar a los antisemitas en casa, o los grandes estudios que autocensuraron cualquier representación negativa de China o su partido gobernante después de 1997. para mantener el acceso al público chino. [194]
La censura política directa ocurre principalmente dentro de regímenes autoritarios y sus aliados, como en China o Rusia .
La publicidad nativa es información diseñada para persuadir de maneras más sutiles que la propaganda clásica . Un ejemplo moderno común en Estados Unidos es la copaganda , en la que los programas de televisión muestran representaciones irrealmente halagadoras de las fuerzas del orden, en parte para pedir prestado equipo y obtener su ayuda para bloquear calles y filmar más fácilmente en exteriores. [195] Se han formulado otras acusaciones de lavado de reputación en la industria del entretenimiento, incluido el pulido de la imagen de las mafias. [196]
La colocación de productos también ha sido objeto de críticas, ya que la industria tabacalera promueve el hábito de fumar en la pantalla. [197] Los Centros para el Control de Enfermedades citan que el 18% de los fumadores adolescentes no comenzarían a fumar si las películas sobre fumadores recibieran automáticamente una calificación 'R', lo que salvaría 1 millón de vidas. [198]
Mientras la taquilla de China continúa en auge (se expandió un 30 por ciento en el primer trimestre de 2014 y se espera que alcance los 4.640 millones de dólares a finales de año), Beijing está reemplazando a Londres y Tokio como el destino promocional más importante para el talento de Hollywood.
El floreciente mercado cinematográfico de China continental ha centrado la atención de Hollywood en la audiencia china y ahora hace que Beijing sea más importante en las giras promocionales que Tokio y Hong Kong.
{{cite journal}}: Citar diario requiere |journal=( ayuda )Y luego me había olvidado de que la India es líder mundial en producción cinematográfica, con 833 películas (frente a 741 el año anterior).
{{cite book}}: Mantenimiento CS1: falta el editor de la ubicación ( enlace )JA: Escribo los diálogos en urdu, pero la acción y las descripciones están en inglés. Luego, un asistente transcribe el diálogo urdu al devnagari porque la mayoría de la gente lee hindi. Pero escribo en urdu. No solo yo, creo que la mayoría de los escritores que trabajan en este llamado cine hindi escriben en urdu: Gulzar , Rajinder Singh Bedi , Inder Raj Anand , Rahi Masoom Raza o Vahajat Mirza , que escribieron diálogos para películas como Mughal-e- Azam y Gunga Jumna y Madre India . Así que la mayoría de los escritores de diálogos y de canciones pertenecen a la disciplina urdu, incluso hoy en día.
Creo que el Gobierno debería erradicar el antiguo mal de certificar las películas urdu como hindi.
Es un hecho conocido que el urdu ha sido aceptado y utilizado voluntariamente por la industria cinematográfica.
Dos eminentes escritores urdu,
Krishan Chander
e
Ismat Chughtai
, han dicho que "más del setenta y cinco por ciento de las películas se hacen en urdu".
Es una lástima que, aunque el urdu se utiliza libremente en las películas, los productores en general mencionan el idioma de la película como "hindi" en los formularios de solicitud proporcionados por la Junta de Censura.
Es una tergiversación grave e injusta para las personas que aman el urdu.
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Manual de creación de películas en Wikilibros